SUM

Ciudadela Pamplona

julio - agosto de 2012

Alcalde de Pamplona: Enrique Maya

Concejal de Cultura del Ayuntamiento de Pamplona: Fermín Alonso

EXPOSICIÓN

Comisaria: Raquel Medina

Coordinador: Ángel Arbe

Montaje: C. S. P. La Catedral

CATÁLOGO

Edita: Ayuntamiento de Pamplona y Cultural Rioja

Textos: Raquel Medina

Fotografías: Antoni Alcásser, José Carlos Balanza, Nerea de Diego, Yotta Kippe, Carmen Mariscal, Rómulo Royo

Diseño y maquetación: José Carlos Balanza

Impresión: Gráficas Isasa

Depósito Legal: LR-225-2012

ISBN: 978-84-95930-59-0

Ciudadela de PamplonaPabellón de mixtosPlanta primera

Avda. del Ejercito s/nPamplona

Amós SalvadorLogroño

CULTURAL RIOJA

Consejero de Educación, Cultura y Turismo del Gobierno de La Rioja: Gonzalo Capellán de Miguel

Alcaldesa de Logroño: Cuca Gamarra

EXPOSICIÓN

Comisaria: Raquel Medina

Montaje: Servicios Técnicos del Ayuntamiento de Logroño

Amós Salvador

C/ Once de Junio s/n.Logroño

octubre - noviembre de 2012

Gracias a todas aquellas personas que con su apoyo al proyecto lo han hecho posible.

Conflictos de identidad desde los aledaños de la fotografía 8

Antoni Alcàsser 12

José Carlos Balanza 16

Nerea de Diego 20

Yotta Kippe 24

Carmen Mariscal 28

Rómulo Royo 32

Raquel Medina Comisaria

Ego SUM, “yo soy”, la afirmación más básica de la propia realidad existencial consciente, resume el substrato conceptual de esta exposición

que expresa diversos conflictos e interrogantes en torno a la identidad, sus lindes y sus entresijos. Plantea cuestiones tales como la

vinculación entre el yo físico, efímero y cambiante, que contemplamos ante el espejo, y el anímico, que asimismo sufre constantes

alteraciones; la aceptación o el rechazo del propio cuerpo, que a veces llega a verse como algo ajeno; la confusa relación entre identidad

(privada) e imagen (pública), la disparidad entre la imagen con la que nos sentimos identificados, la que creemos que proyectamos hacia

los otros y la que ellos perciben, la subjetividad en esa apreciación de la identidad propia y ajena, las argucias de que nos valemos, más o

menos conscientemente, para intentar proyectar hacia los demás una apariencia determinada, las máscaras tras las que nos ocultamos o

disfrazamos como estrategia defensiva u ofensiva en la relación con el otro...

Por otra parte, la identidad, la personalidad, como el pensamiento, no es algo inmutable sino algo que, como ya señaló Ramón Llull, está

siempre en construcción. Podemos decir que el yo es una “auto-comprensión dinámica”, puesto que la construcción de la propia identidad

es un proceso continuo a lo largo de la existencia sujeto a todo tipo de influjos, por ello Hume en su Tratado de la naturaleza humana

llega a considerar que el yo es algo meramente ilusorio, sólo “una colección de percepciones que se suceden unas a otras con una rapidez

inconcebible y que se hallan en un flujo o movimiento perpetuo”.(1)

La identidad viene a ser una suma de factores permanentes y de factores variables, en parte ello se explica por el hecho de que el yo es un

sujeto a la vez activo y pasivo, es decir, yo soy el producto de lo que pienso, de lo que hago, pero también de todo aquello que me sucede

o que sucede en mi entorno. La adaptación a las diversas circunstancias vitales, la manera de vivirlas, afrontarlas y analizarlas propicia

(probablemente más que las propias circunstancias en sí mismas) cambios ineludibles y determinantes. Todo el cúmulo de experiencias y la

memoria encargada de registrarlas en el recuerdo, actúan como un bagaje condicionante en la evolución de la personalidad.

Otro aspecto contextual que emerge en este análisis es el referido al progresivo debilitamiento del yo en la era de la postmodernidad y en

el marco contemporáneo. La identidad, diluida en el pensamiento único y global, en la colectividad amorfa que aboca a la uniformidad, es

algo cada vez más difuso y comporta la renuncia a la individualidad, la inmersión en una dinámica opresiva que debilita la autoconciencia

y que implica la aceptación sin alternativa del sistema imperante, apenas cabe la resistencia, una lucha esforzada y a contracorriente de

autoafirmación abocada posiblemente al fracaso.

Tal situación afecta singularmente al artista, desdibujado como creador, negado como autor, fagocitado por su propia producción entendida

como mercancía y sujeta a la libre apropiación. Sin embargo el artista de cualquier disciplina, incluido el escritor, posee recursos que le

otorgan la capacidad de analizarse a sí mismo y de elaborar a partir de ese reflexivo autoexamen una interpretación que adopta forma de

relato y que se plasma en su obra. La actividad creativa es un ejercicio constante de subjetivación que proporciona legitimidad a su propia

individualidad y que le ayuda a definirla. Y aquí nos resulta especialmente esclarecedora la relación entre identidad personal e identidad

narrativa que aporta Paul Ricoeur (2) para quien la respuesta al interrogante ¿quién soy yo? apela a la propio relato biográfico. El yo

es una interpretación que hacemos de nosotros mismos, por eso es esencialmente de naturaleza hermenéutica y en el caso del artista,

particularmente de los artistas que nos ocupan, se traduce en su propia obra.

La identidad personal se conforma mediante la identidad narrativa dado que el protagonista por encima de los avatares sigue siendo

el mismo a pesar de los cambios físicos o de carácter. Por ello la narrativa del yo que practica el artista es el mejor laboratorio para

explorar la identidad personal. Se trata de una práctica constante de subjetivación que proporciona legitimidad a su propia individualidad y

9

S U M / C o n f l i c t o s d e i d e n t i d a d d e s d e l o s a l e d a ñ o s d e l a f o t o g r a f í a

que le ayuda a definirla difuminando la dialéctica entre la permanencia en el tiempo y las variaciones de la identidad individual ya que la

construcción de la trama del discurso expresivo otorga unidad y articulación interna a la propia biografía. Cuando es sólido, el discurso del

artista valida su identidad y marca la diferencia (incluso la disidencia) con respecto a los demás.

Sin embargo la conciencia del yo es a menudo evasiva, muchas veces sometida a miedos e inseguridades, por ello a veces reacciona

aislándose en su propia burbuja, creando su propio universo ajeno a todo lo demás y tal vez a todos los demás, por el contrario en otros

casos adquiere conciencia de su propia realidad en su entorno sociopolítico y opta por el compromiso activo, percibe que su narración puede

ser íntima pero nunca hermética ya que necesariamente se abre a quienes le rodean, aquellos sobre quien él mismo actúa o de quienes

recibe o sufre acciones, o con quienes las comparte. También en ese ámbito con claro trasfondo ético, de confrontación de lo singular

con lo plural, el conflicto de la autoafirmación reaparece. A este respecto cabe mencionar la propuesta de Foucault (3) quien establece un

paralelo entre la construcción del yo y la creación de una obra de arte (el arte de la existencia) y plantea afrontar un proceso artístico de

autoconstrucción para el que propone una serie de técnicas que denomina “tecnologías del yo” y que implican una reflexión ético-estética

que partiendo del autoconocimiento y la introspección tiene como objetivo lograr una transformación creativa de la identidad individual que

enfatiza la esfera moral y la autoexigencia.

Nos hallamos en definitiva ante una amplísima serie de preocupaciones, de reflexiones sobre el cuerpo, la imagen, el yo público y el yo

íntimo o privado, la identidad, la subjetividad… que se reflejan con muy significativa frecuencia en el arte y el pensamiento contemporáneo

y que los autores seleccionados para este proyecto abordan desde un enfoque no apriorístico ni retórico sino como derivación natural de su

propio trabajo y del proceso reflexivo que conlleva.

Los seis artistas participantes en este proyecto, mujeres y hombres de distintas edades, procedencias y entornos, llevan un tiempo

significativo y determinante en su trayectoria trabajando con diversas hibridaciones técnicas sobre soportes no tradicionales que incluyen

o que parten de la fotografía (probablemente la disciplina artística más idónea para referirse a la identidad tal como viene demostrando en

su historia pasada y reciente) y que se fundamentan en una evidente solidez técnica y conceptual. En todos ellos la fotografía se emplea

desde la heterodoxia y el mestizaje, incluso en algunos, aunque ha formado parte del proceso, la fotografía ha desaparecido en el resultado

final de manera que no se detecta su presencia “física” y sin embargo no deja de ser significativa y totalmente determinante en su propia

“ausencia”.

Pese a sus tan diversas circunstancias vitales, los autores han coincidido en desarrollar una obra ligada a la problemática de la identidad que

incide decisivamente en la formulación de su discurso. Indudablemente el riguroso análisis auto-reflexivo que ellos acometen trasciende la

contingencia temporal del aquí y ahora, por esa razón se han elegido para la muestra trabajos correspondientes a aquellos momentos álgidos

en la evolución de cada uno en los que el paradigma de lo identitario queda probablemente trazado con mayor definición e intensidad, es

por esa razón que mientras algunas obras han sido realizadas expresamente para esta muestra en los últimos meses, otras datan de años

atrás, diacronía que como valor añadido nos permite abarcar un abanico cronológico y vital de mayor amplitud y significación.

La óptica fenomenológica individual es determinante a la hora de abordar el asunto que nos ocupa. La propia identidad es el referente

esencial en el caso de Carmen, Nerea, Yotta, y también de Balanza, reflejada directamente en la representación del propio rostro o del

propio cuerpo con sustanciales derivaciones autobiográficas, mientras que en el caso de Antonio y de Rómulo, se manifiesta indirectamente


a través de la proyección i/o vinculación icónica o afectiva con otros personajes con sus reflejos y duplicidades. No se trata por tanto de

autorretratos sino de “auto-representaciones”, ya que en las fórmulas planteadas no se refleja tanto el propio físico, la apariencia o el

parecido (que serían aspectos banales) como la propia huella individual i/o el escenario vital o entorno vivencial al cual se encuentra

intrínsecamente ligado; también en ciertos casos podemos considerar que se trata de una autoegoría o autología ya que introduce aspectos

simbólicos o metafóricos, referenciales o interpretativos en torno a la propia realidad existencial que van más allá de lo narrativo.

En cualquier caso todos ellos proyectan en estas obras unas inquietudes inherentes a sus particulares y respectivas narrativas que se

evidencian y transmiten con eficacia, gracias por una parte a una acertada simbiosis entre forma y contenido (derivada del hecho de que

no hay nada gratuito ni arbitrario en la elección de uno u otro soporte, de una u otra tecnología) y por otra, a que las imágenes resultantes

poseen una contundencia intrínseca, una rotunda iconicidad que se impone categóricamente al espectador. Y ello no es en absoluto algo

trivial, porque, en definitiva, la identidad únicamente cobra sentido en la alteridad, el “yo” íntimo e introspectivo de estos artistas sólo puede

revelarse con respecto al “otro”, en este caso, el espectador, a cuyo encuentro salen estas obras, probablemente capaces de generar un

juego inesperado de identificaciones y complicidades.

1 Hume, David. Tratado de la naturaleza humana. Libro I; 4a p.; sección VI. Libros en red.

Servicio de publicaciones de la Universidad de Albacete, p. 191. edición electrónica, 2001.

2 Ricoeur, Paul. Sí mismo como Otro. Siglo XXI, Madrid, 1996, pp. 26-28.

3 Foucault, Michel. Tecnologias del yo. Y otros textos afines. Paidos, Barcelona, 2000.

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Raquel Medina de Vargas

Doctora en Historía del Arte

Crítica miembro de ACCA-AICA


Antoni Alcàsser

Unpeakeable love revisited / Report litográfico y decollage acrílico de cintas video y audio sobre tela / 200x 130 cm. / 2010

Alcàsser emplea una técnica propia surgida de la investigación durante años en antiguos procedimientos de grabado (especialidad de la

que es profesor doctorado), se trata del “Report litográfico” obtenido a partir de fotografía sobre papel adherido sobre madera, acrílico,

collage sobre tela y huellas de pigmentos procedentes de reciclaje de cintas de vídeo, magnetófono, ordenador o máquinas de escribir

que han sido retiradas en el proceso. Esta inusitada técnica -que a pesar de su complejidad trabaja con la agilidad y la seguridad que le

aporta la experiencia madurada- le proporciona una interesante semi ocultación o velamiento de la imagen representada.

Del texturado horizontal surgido de la aleatoria superposición estratigráfica de las cintas emergen unas imágenes potentes: rostros o

cuerpos de hombres y mujeres a escala real capaces de suscitar representaciones mentales dotadas de una fuerte impregnación poética.


Portrait de femme / Report litográfico y decollage acrílico de cintas video y audio sobre tela madera41 x 33 cm. / 2011

Antonio Alcàsser. Tirig, Castellón 1963. Vive entre Barcelona y Bruselas.

Artista visual, practica la pintura, el grabado y la fotografía. Mezclando todas estas técnicas indaga sobre las relaciones humanas para

intentar crear una poética de la imagen que favorezca el autoconocimiento desde el intercambio de sensaciones y estímulos.

Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, graduado en Grabado por la Escuela de Arte y Diseño de Tarragona. Recibió

la Beca Erasmus para cursar estudios de Grabado y Litografía en la ENSBA de Paris. Ha seguido cursos de perfeccionamiento en España y

en otros paises europeos.

Ha expuesto en España, Bélgica, Bulgaria, Francia, Alemania, Luxemburgo, Suiza y China. Entre sus exposiciones individuales destacan:

Una aproximació, una relectura, Galeria Cánem. Castellón; Aproximación a la maternidad, Maison de la Culture, Namur, Bélgica; Projecte

dÁrbres, Museu dÁrt Modern de Tarragona y Galeria Defrost, Paris; Peintures, Galeria Pierre Hallet, Bruselas.

Entre las muestras colectivas cabe destacar las siguientes: Veus interiors, Ca lÁrenas, Centre dÁrt, Museu de Mataró; International

Triennale of Contemporary Art. National Gallery. Praga, Chequia; ImageTexte. Ouvres Gravées et écrites. Echternach, Luxemburgo Capital

Europea de la Cultura. Luxemburgo. Grosse Kunst Ausstellung Düsseldorf. Düsseldorf. Alemania. Biennale Européenne dÁrt Contemporain.

Eragny sur Oisse, Paris. Francia. 200 Artistes Contre la Guerre. Espace Niemeyer, Paris. Francia.

Jeune Création. Espace La Villete, Paris. Francia.

Ha participado en ferias internacionales de arte como ARCO, Arte Santander o Art Lisboa.

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Portrait de femme / Report litográfico y decollage acrílico de cintas video y audio sobre tela41 x 33 cm. / 2011

Balanza

A los dos lados / Fotografía y oro (impresión y bordado sobre papel Hahnemühle) / 133 x 100 cm. / 2012

El hilo conductor y auténtico fundamento de la obra pluridisciplinar de José Carlos Balanza, es la reflexión sobre el propio yo que piensa y

actúa. El suyo es un arte de concepto, un proceso mediante el cual hace suya la realidad que le rodea construyendo una argumentación

propia. Todo gira en torno a sí mismo, no desde un punto de vista egocéntrico sino antropocéntrico, ya que alude a la posición del individuo

frente a los dilemas surgidos de una praxis existencial indiferenciada de la praxis artística de modo que el artista se convierte en una especie

de exégeta de la realidad.

Para este proyecto pretende expresar (mediante la hibridación de fotografía-vídeo, dibujo, bordado y escultura) la correspondencia entre los

dos lados de la imagen del yo, la visible, que él ve inversa en el espejo y el reconocimiento de su yo real en ella. En otra pieza desarrolla

la relación entre herencia e identidad como algo que recibimos y transmitimos. La existencia consistiría en el modo en que gestionamos esa

herencia, en que construimos esa identidad que recibimos de nuestros padres y de la especie humana a modo de usufructo del que somos

plenamente responsables.

La herencia / Fotografía y oro (impresión y bordado sobre papel Hahnemühle) / 100 x 133 cm / 2012


19762 / De la serie “Los Días” /16-4-2012/ fotografía y tinta (impresión sobre papel Hahnemühle) 35 x35 cm.

José Carlos Balanza. Logroño 1958.

Artista multidisciplinar, utiliza el dibujo, la pintura, la fotografía, el vídeo, el bordado, la performance, el sonido, etc. Mención aparte merece

en su trayectoria la escultura en hierro, en ella parece densificar su proceso artístico-existencial.

Inicia su andadura expositiva a partir de 1984 en la V Bienal de la Rioja con la adquisición de la obra por la Consejería de Cultura de La Rioja;

le seguirán otros premios en diferentes convocatorias nacionales. Desde ese momento participa en ferias de arte como: Interarte (Valencia),

Arco (Madrid), “Art Jonctión Internacional” (Niza), Lineart(Gante), Art London (Londres), KunterRay (Amsterdam), Feria Internacional de

Arte de Colonia. Arte Santander. También ha sido invitado en diferentes eventos culturales como representante de La Rioja o de España

como: Transmanierismo (Italia), Pabellón Creación al sur (Niza), BIO (Portugal), Ocho referencias de las artes plásticas riojanas (Expo´92,

Sevilla), Pintura española en el final de siglo (Presidencia Española en Europa, Palacio Municipal de Congresos, Madrid). Ha participado en

festivales de vídeo-arte como el “Loop” de Barcelona o El “BAC” en el “CCCB” de Barcelona. Las reflexiones con las que genera su trabajo le

llevan desde estas tecnologías y soportes hasta otros procesos con el Land art (Arte en la Tierra, Santalucía de Ocón, La Rioja)... A la vez,

durante estos años ha realizado, tanto dentro como fuera del territorio español otras muchas exposiciones colectivas y más de cincuenta

exposiciones individuales. Las dos últimas han sido la del Museo Würth La Rioja titulada 246.429 minutos y la titulada Es lógico en la Sala

Amós Salvador de Logroño. En el Museo Würth En el año 2011 también hizo una intervención que constaba de performance, vídeo y dibujo

titulada Dibujo al Würth.

El tiempo en su concepto y en su medida es un motivo recurrente en la obra de Balanza y desde esta constante fundamental junto con

otros conceptos como el lenguaje, el límite, el espacio, la lógica, el dibujo como trazo que dibuja la existencia, etc. desarrolla su proceso

artístico con un discurso en el que relaciona su propia existencia y el entendimiento e integración de ésta en el mundo (en todo aquello que

le afecta) desde aspectos físicos, sociales, o filosóficos.

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Nerea de Diego

Nadie se conoce a si mismo / Técnica mixta y tinta sobre papel / 21 x 30 cm. / 2005

El trabajo creativo de Nerea de Diego explora asiduamente el terreno del sujeto en el marco de su cotidianeidad, llegando a veces a

convertir la experiencia individual, el propio cuerpo –el yo– en campo de experimentación, a través de lo vivencial incluso de lo performativo.

Manifiesta una clara intención de mostrarse como individuo, con su propia experiencia vital y su relación con lugares, gentes, momentos

que interfieren directamente en su obra, situaciones en las que el tiempo o el espacio, más allá de su dimensión física, se ven condicionados

a su vez por el sujeto. A nivel técnico le interesan los diálogos que surgen entre las diferentes disciplinas (dibujo, fotografía, escultura,

vídeo, instalación…, que maneja con agilidad y frescura) considera que se asemejan a la fragilidad de los nexos de la vida cotidiana, donde

no solemos encontrar respuestas definidas.

El proyecto Reinvenciones (Nadie se conoce a sí mismo), es una serie de autorretratos, que retoma periódicamente, donde indaga en

diferentes versiones de sí misma, situaciones y actitudes diversas imaginando, escrutando lo posibles “yos” que conforman su identidad.

Cada una de ellas supone un intento de aproximarse al inabordable conocimiento de uno mismo en momentos puntuales de su existencia.

Reinvención XI (nadie se conoce a sí mismo) / técnica mixta y tinta sobre papel / 70x100 cm. / 2005


Nerea de Diego. Pamplona 1974.

Artista visual; su trabajo creativo se desarrolla entre el dibujo, la fotografía, la escultura, el video, la instalación o la intervención. Licenciada

en Bellas Artes (UPV-EHU 1997) actualmente cursa un máster en investigación y creación en arte (UPV-EHU) Ha completado su formación

en talleres con artistas como Antoni Miralda, Rogelio López Cuenca, Ion Munduate y Blanca Calvo, Mireya Masó, Bleda y Rosa, John Davies,

Raúl Cárdenas o Josep María Martín. Ha recibido varios premios para artistas jóvenes de Navarra. Ha realizado residencias en Camac

Francia, en México D.F., en CRIDA Palma de Mallorca y en Córdoba. Ha recibido becas del Gobierno de Navarra, Caja Madrid (Generaciones),

Bilbao Arte o la Fundación Arte y Derecho.

Sus exposiciones individuales recientes más destacadas han sido en Ciudadela de Pamplona 2011, Galería May Moré 2010, Centro Huarte

de Arte Contemporáneo en 2009 y en 2007 (Carteles de empapelar intervención inaugural del Centro), Galería Moisés Pérez de Albeniz, May

Moré con Mabel Arce o en La Universidad Iberoamericana de México D.F.(2003). Entre las colectivas recientes destacan Muliers Mulieris en el

Museo Universidad de Alicante, Welcome home en Gal. Moisés Pérez de Albeniz, Generación 2009 en Arco y La Capella de Barcelona, Tiempo

recuperado en galería Emilia Cohen (México D.F.), Entornos próximos en Artium de Vitoria, El puto gotelé en Domestico´03, 70´s en Gal. Moisés

Pérez de Albeniz, Situaciones en Cuenca y su participación en ferias como Arco, Art Madrid, D´Foto en San Sebastián, Digital and Video, Art Fair

en Nueva York, Paris foto o FEMACO en México D.F. Su obra se encuentra en la colección Testimoni de La Caixa, Caja Madrid, Museo de Navarra,

Ayuntamiento de Pamplona, Universidad del País Vasco, Instituto Navarro de Juventud, Fundación Bilbao Arte, y CAMAC, Marnay, Francia.

Reinvención VII (nadie se conoce a sí mismo) Técnica mixta y tinta sobre papel / 21x30 cm. /2005

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Yotta Kippe

Precious Moment / impresión fotográfica sobre aluminio dibond (1/3) / 125 x 100 cm. / 2007

La serie Yotak! desarrollada en profundidad por Kippe, parte del autorretrato fotográfico sobre superficie de aluminio, sobredimensionada,

y en extremo primer plano recortado, mostrando generalmente una visión frontal.

La autora alemana nos plantea la auto percepción como análisis autológico desde la máxima autenticidad y simplicidad, pero al mismo

tiempo desde el enigma. Las imágenes resultantes, logradas mediante cuidados efectos de luz y transparencia, son tan tenues y sutiles que

parecen sumergidas o disueltas en el éter. Transmiten un magnetismo irresistible a la vez que inquietante, un extraño candor y una rara

sensación de irrealidad, como de espejismo, manteniéndose en un ambiguo límite entre presencia y ausencia. A veces mediante una leve

manipulación digital de las imágenes, en especial en los ojos, enfatiza su lado oscuro y turbador.

Las obras de Kippe exploran los recodos desconocidos y las aristas del yo, trascienden lo particular y cualquier parecido banal para aludir

a aspectos insondables de la identidad.

Precious Moment / impresión fotográfica sobre aluminio dibond (1/3) / 125 x 100 cm. / 2007


Yotta Kippe. Hamburgo 1971. Vive y trabaja en Berlín.

Su labor artística se basa en el desarrollo y aplicación de técnicas de procesamiento digital de la fotografía que le permiten manipular la

imagen oscilando entre la realidad y la realidad y multiplicando los niveles y posibilidades de percepción de lo real.

Estudió en la University of Arts (HdK Berlín). Del 1994 al 98 estuvo becada por la Cusanuswerk de Bonn. En el 98 obtiene el Premio de Honor

HdK Berlín. Fue premiada en la 6ª Bienal de Artes Plásticas Rafael Botín.

Desde el año 1995 ha realizado las siguientes exposiciones individuales: Sa Mocca Foundation y Toyama City Tokyo(1995), Galerie NOW;

Dormröschens Rastlosigkeit Berlin Galeria Blickensdorff (1999/ 2000); Galeria C. 15. Hamburg Sammlung Lohman (2002); Osnabrück.

Kunsthalle. Dominikanerkirche (2003); Bratislava. Goethe Institut y Galeria Brickensdorff (2004);

Berlin. Villa Oppenheim; Galeria Brickensdorff(2005); St. Petersburg. National Centre Of Photography (2008)

Asimismo ha participado en numerosas exposiciones colectivas en ciudades como Tokio, Bruselas, Berlin, Melburne, Florencia, Estocolmo,

Roma, Hamburgo, Zurich, Lisboa, Lausana (Musée de l’Elysée), Londres (Hayward Gallery)

Desde 2004 forma parte del catálogo de artistas de la Galeria Cànem de Castellón, donde en el 2005 expone en la muestra Rostres y en

el 2006 muestra la serie YOTTAK! y L’instant present en 2012.

Expone sus obras en numerosas ediciones de ARCO-Madrid, Arte Santander y en 2009 muestra la serie Precious Moment en una muestra

personal en la feria València Art.

Precious Moment / impresión fotográfica sobre aluminio dibond (2/5) 125 x 100 cm. / 2007

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Carmen Mariscal

Soy / Instalación, 92 fotografías colgadas impresas sobre tul / 1996, revis. 2012

Los medios que habitualmente utiliza Carmen Mariscal son la fotografía, el vídeo y la instalación, a veces jugando con el fragmento y la

máxima simplicidad icónica, a veces en sofisticados soportes (impresión sobre películas transparentes, superposiciones de imágenes,

proyecciones ... ) que incluyen vidrios y espejos, configurando un cuidado juego de transparencias y reflejos que producen imágenes

tridimensionales evanescentes.

Su obra habla del cuerpo, pero no desde una óptica superficial o externa vinculada al erotismo o la estética, sino desde la introspección

íntima y personal, desde una conciencia de mujer y de una implicación casi autobiográfica. Sus imágenes, de fuerte carga metafórica,

hacen alusión a todo un mundo de aspectos vinculados también al cuerpo como nexo con el mundo externo: como receptor de sensaciones

primarias (hambre, sed,frío...) como vehículo de experiencias anímicas sensoriales... la autora remarca con especial profundidad la compleja

interdependencia psicológica entre lo físico y lo emocional, haciendo énfasis en el eterno binomio de la carne y el espíritu, el cuerpo y la

mente. Participa con un vídeo y una instalación, soportes que trata con especial sensibilidad y agudeza.


Carmen Mariscal. Palo Alto, California, USA 1968. De nacionalidad mexicana y ascendencia catalana, vive y trabaja en París.

Artista visual, practica la instalación, el video y la fotografía, difuminando los límites entre ellas y siendo una constante el uso de materiales

translúcidos y espejos.

Master en artes visuales de la Winchester School of Art, Inglaterra, Postgrado en pintura en la Central Saint Martins College of Art and

Design, Londres y Licenciada en historia del arte por la Universidad Iberoamericana en México. Recibió la Beca del School of the Art Institute

de Chicago y obtuvo el Primer premio en el IV Concurso Nacional de Instalación en México.

Autora de la instalación El pueblo creador para el Pabellón de México en la Exposición Universal de Hannover 2000. Ha expuesto en México,

EE.UU, España, Francia, Reino Unido, Alemania, Luxemburgo, Paises Bajos, Rusia y Malasia. Entre sus exposiciones individuales destacan:

Two Way Mirror Fundación Vila Casas, Palau Solterra, Torroella de Montgrí, Girona; Transposicions, Museo Gene Byron; Doble/Desdoble,

Galería Llucià Homs, Barcelona; Matèria &Temps, Espai Zero, Fundació La Caixa, Tarragona; Velo re velo, Instituto de México en Madrid;

Galería Senda, Barcelona; Soy, Museo de Historia, San Petersburgo, Rusia.

Entre las muestras colectivas cabe destacar las siguientes: Camuflajes La Casa Encendida, (itinerante); Great Women/Role Models, The

Hague Sculpure, La Haya, Paises Bajos; De CorporisFabrica, Instituto de México, Paris; AlterEgo, Museo de Luxemburgo; Concurso Art Tech

Media en el Museo Reina Sofía en España; Territorios Singulares, fotografía contemporánea mexicana, Fundación Canal de Isabel II, Madrid;

Lenguaje y localización, Centro Cultural Caja Madrid, Barcelona, España.

Ha participado en ferias internacionales de arte como ARCO; Pulse Miami, USA; Pinta NY Nueva York; Frankfurt Art Fair; Art Basel; FIAC

París; Swab, Barcelona. Bienal Amsterdam Photo.

Espejo / Video Pal color, 3 minutos / 2006

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Rómulo Royo

SIAMESES IX / Óleo, acrílico y tinta sobre tela / 100 x 81 cm. / 2007

Fruto de la necesidad de ampliar sus herramientas expresivas sin perder las raíces pictóricas y de una constante experimentación en

paralelo al enriquecimiento de su discurso conceptual, Royo incorpora progresivamente a su producción técnicas diversas, innovaciones

híbridas que le permiten expresar un mundo en el umbral de la realidad, la virtualidad y el deseo.

En algunas de sus series recientes, manifiesta una dinámica de reflexión entorno de la problemática del yo que elude el autorretrato

y lo conduce a posiciones aparentemente contradictorias, la auto-representación como a autoafirmación y casi como transgresión del

anonimato imperante, la voluntad de dejar rastro, una huella propia, pero no fruto del yo auto complaciente sino del yo como parte de una

comunidad pensante y crítica.

Por otra parte la identidad puede desdoblarse, amenazando la integridad mental en una peligrosa duplicidad, o bien olvidarse de sí

misma para proyectarse a través de el otro por empatía; puede también traspasar umbrales, romper los muros de la diferencia y los de la

indiferencia, romper las correas que la atan, las jaulas que la enclaustran, la constriñen y la hacen más y más vulnerable...

Siameses / Técnica mixta sobre tela / 95 x 78 cm. / 2008


Rómulo Royo. Zaragoza 1976.

Tras varios años en Madrid ha instalado su estudio en Zaragoza. Artista pluridisciplinar, se mueve en el ámbito de la ilustración, el grabado,

la pintura, la escultura, la instalación y los medios tecnológicos. Estudia Diseño Gráfico e Ilustración y cursa Historia en la Facultad de

Filosofía y Letras. Entre 1995-99 realiza ilustraciones para editoriales de Barcelona y Pamplona y publica portadas de novela y revistas de

cómics en Italia, Rusia y Alemania. Compagina ya la ilustración con la pintura. Crea El grupo 3 con Yago Mateo y Raúl Navarro caracterizado

por sus acciones críticas que durará hasta 1999.

En 1998, expone en solitario el Proyecto Meta que itinera por Valencia, Coruña, Verona, Milán, Frankfurt y Tokio. En 1999 expone en el

Museo Pablo Serrano y en los museos de Huesca y Teruel. Aparece en revistas de arte como Trebede, Bonart, Exit, o Lapiz. Desde 2000

expone en importantes galerías, Fundaciones, Museos y Ferias Internacionales como Art Forum Berlin, Los Angeles Art Show, Art Basel

Miami, ARCO Madrid… En 2006 pinta junto con Luis Royo, la gran cúpula Medvedev de Moscú. Entre 2006 y 2009 realiza algunas de sus

series más conocidas como Siameses ó Metal-Piel formada por pinturas, esculturas, instalaciones y medios tecnológicos que expone en el

Metelkova Museum, Museo Can Framis, la X Bienal Martínez Guerricabeitia, Museo de Valencia, Fundación Fran Daurel, Museo Maeztu, IV

Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú, National Museum of Slovenia… En 2009 comienza con Blackened Times una exposición en la XXV

Bienal de Alejandría que itinera por distintos países. En 2011 expone en el centro Santa Mónica acompañado por una edición del libro On-

Off. En 2012 desarrolla junto a Luis Royo su proyecto multidisciplinar inspirado en la novela gráfica, Malefic Time.

Metal - Piel XIII / Técnica mixta sobre tela / 95 x 78 cm. / 2008

35

Conflictos de identidad desde

los aledaños de la fotografía

SUM

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