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LA RE VISTA Nº 6 AÑO 2noviembre

diciembre 2013ejemplar no venal

LA RE VISTAcultural independiente

Índice

EditorialPolíticas culturales

OpiniónMelodrama musical

EntrevistaLaura Bravo

PatrimonioPatrimonio eclesiástico: Una asignatura pendiente

La Betania literariaHonestidad literaria

Operación MandolinaCaminando por el lado salvaje de la vida

Érase una vez en el cineSevilla es el escenario

Las fotos de JaviLa exposición / José María Mellado

Artista invitadoJavier y Jaime Suárez: Vientre compartido

ISSN_2254-2574.

Coordinadora_Carmen Sánchez Varo.

Fotografía de portada_Javier Pérez Cortés.

Colaboran en este número_Álvaro Cabezas García.

textos_los autores. ilustraciones_los autores. edición_estípite ediciones.

Dirección URL_larevistacultural.wordpress.com

Contacto y publicidad_editorial@estipite.com

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Estípite apoya las iniciativas verdes.

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POLÍTICAS CULTURALES

EDITORIAL

Corría junio de 2012 cuando desde el editorial de esta misma publicación comentábamos que el retraso de la Ley de Mecenazgo esta-ba lastrando a los proyectos culturales de pe-queñas y medianas empresas que necesitaban una pequeña inyección de capital privado y que se veían desamparadas ante el abandono de las administraciones por no regular esta práctica. En noviembre de 2013 seguimos en las mismas, solo que con una crisis en el sec-tor cultural aún más profunda.

Con las administraciones andaluza y nacional en manos de dos partidos enfrentados ideoló-gicamente, podemos ver cómo afrontan cada una de ellas las políticas culturales. El único nexo de unión puede venir desde el momento en que el presidente del Gobierno en el año 2011 relegó el Ministerio de Cultura a una Secretaría de Estado dentro del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y, hace pocas semanas, la flamante presidenta de la Junta de Andalucía ha hecho lo propio, dándole a Cul-tura el destacadísimo papel de Secretaría Ge-

neral dentro de la nueva Consejería de Edu-cación, Cultura y Deporte. Tanto en un caso como en otro supone una merma evidente en los presupuestos frente al pilar básico de la Educación.

A partir de ahí, discrepancias. Esperando aún una Ley de Mecenazgo a nivel nacional que no termina de cerrarse y de la que solo tenemos noticias de retrasos, dejando al país en una si-tuación calificada por el mismo secretario de Estado de Cultura, José María Lasalle, como “de una anormalidad legal e institucional difí-cilmente explicable”, la comunidad andaluza en el mes de junio anunció su anteproyecto de ley para Andalucía a este respecto. Varios son los puntos a destacar en la desgravación de aportaciones de pequeñas cantidades a pro-yectos culturales y la reducción de impuestos para transmisiones de bienes del Catálogo General del Patrimonio Histórico Andaluz que vayan a ser incorporados a empresas cul-turales, así como la creación de un Consejo Andaluz de la Cultura que regule tanto la ges-

LA RE VISTA

invita a sus lectores a manifestar sus opiniones y/o comentarios acerca de los contenidos publicados en la misma, siempre desde un punto de vista constructivo y respetuoso. De igual manera, si desean colaborar pueden enviar artículos sobre las temáticas trata-das habitualmente a la dirección de correo electrónico editorial@estipite.com. Los artículos serán evaluados por los editores antes de su publicación.

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VIÑETA por Inma Otero

tión de las donaciones como la creación de un Registro de Colaboración Cultural donde el ciudadano o empresario pueda conocer los proyectos en los que puede colaborar.

Es tan solo un anteproyecto, pero ya tiene la-gunas. Por ejemplo, genera dudas acerca de cómo se legislará un tipo de patrocinio muy en auge desde hace unos años que cuenta ahora mismo con un importante vacío legal desde el punto de vista tributario, las platafor-mas de crowdfunding. Tendremos que seguir esperando nuevas noticias desde el Gobierno central o desde Andalucía. Paciencia.

http://patrocinioymecenazgo.com/2013/06/26/cambios-que-implicara-la-nueva-ley-de-mecenazgo-andaluza/

Quino

latitabellaartisticatecuentacosasbonitas.blogspot.com

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Actualidad – Reanudación, presupuestos y conflictos laborales

En el mes de septiembre se reanudan las ac-tividades musicales en la mayoría de los tea-tros y casas de ópera del mundo. En el caso español, este reinicio tras el descanso estival viene ralentizado por las piedras aparecidas en medio de las vías del natural desarrollo programado. Obstáculos como estos son de-rivados, en la mayoría de los casos, de la crisis económica que afecta crucialmente al ámbito de la cultura, que atenta contra los derechos laborales de los trabajadores y que mina las estables bases con que contaban los gestores de orquestas y espacios líricos hasta hace no mucho tiempo.

De esta manera, los rumores sobre el déficit que cosecha el Teatro Real de Madrid son cada vez mayores conforme avanza el man-dato de su actual director artístico, Gerard Mortier. El expediente de regulación de em-pleo aplicado a la plantilla del Gran Teatre del Liceu de Barcelona hasta el 24 de septiembre, viene a sumarse a otros episodios similares acaecidos en temporadas anteriores tan aje-nos al buen nombre y fama internacional del citado coso operístico. Una medida parecida estuvo a punto de utilizarse para salvar las menguadas cuentas de la Real Orquesta Sin-fónica de Sevilla, pero la negociación se salvó in extremis con el compromiso de trabajar en pos de las mejoras laborales a cambio de ba-jadas de sueldo. Sin embargo, cuando escribo estas líneas las noticias sobre el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia indican que allí sería inevitable un ERE que afectaría a casi la mitad del personal. La lista podría continuar por toda la geografía española, y aún la italia-na, pero solo serviría para ofrecer un rosario de episodios de pesadumbre y desencanto.

¿Qué hacer ante semejante situación? Esta es

la pregunta que parecen hacerse todos los días directores y gestores musicales. A buen segu-ro, cuando las subvenciones eran cuantiosas no era tan importante reflexionar sobre los peligros de la programación, ya que el espec-táculo programado, contase o no con el res-paldo de la taquilla, estaba amortizado des-de la lógica presupuestaria. Al no contar con capital suficiente para mantener la situación anterior, se planteó la encrucijada: depauperar el contenido y ofrecer menos para mantener el presupuesto o preservar la calidad a base de títulos y programas de seguro respaldo popu-lar con la esperanza de recuperar la inversión gracias a las entradas. Con la crisis el público ha pasado a ocupar un lugar más importante en la mente de los directivos de orquestas y teatros. Es más necesario para sus intereses porque, al fin y al cabo, puede llenar con el dinero de sus bolsillos el hueco dejado por los recortes presupuestarios.

Así las cosas, la mayoría de dirigentes ha optado por el mantenimiento de una cali-dad engañosa, de gran reclamo publicitario para conseguir los frutos esperados gracias al consumo, pero de claras carencias a la hora de leer la letra pequeña. Salvo el Teatro Real de Madrid –que sigue apostando por algunos montajes y obras atrevidas a pesar de la poca aceptación popular cosechada–, todos los de-más han completado sus carteles con las con-sagradas toscas, traviatas, cármenes, sinfonías de Tchaikovsky y Beethoven y otros títulos de Verdi y Wagner por aquello de la celebra-ción del año de sus sendos bicentenarios.

Dejando claro que ante esta situación difícil y de gran incertidumbre no existen fórmulas mágicas y menos aún cuando no se conoce la duración de la depresión o la fecha de un eventual renacimiento financiero que posibili-tara la resurrección cultural deseada, también es cierto que el nivel ha bajado notablemente.

MELODRAMA CULTURALpor Álvaro Cabezas García

OPINIÓN

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Y lo peor no es eso, sino que, en vez de ad-mitir haber acusado el golpe, hay ocasiones en que se quiere hacer creer a melómanos y amantes de la ópera en general que la calidad se mantiene gracias a ímprobos esfuerzos y destacados sacrificios. Como suele pasar, el resultado no deja lugar a dudas. La cultura se ha convertido no en un objeto de consumo exclusivo solo para pri-vilegiados, sino en el vehículo de vida que transita por el mundo contra viento y marea impulsado solo por el combustible ofrecido por las personas –muchas afortunadamente–, que están convencidas de su necesidad para presidir los grandes acon-tecimientos actuales del mundo y los cotidia-nos de sus propias realidades. El día en que los responsables culturales se den cuenta de esto, jamás volverán a limarse los presupues-tos que dan vida a muchas personas a través de la danza, el teatro, la poesía o la música.

Ojos fijos en Hispanoamérica

Cada año que pasa parece más evidente el valor que representan los territorios ameri-canos de habla hispana como escenario ideal para las grandes orquestas del mundo. En ese sentido se manifestó el director y compositor Pedro Halffter el pasado mes de enero en una entrevista telefónica para la radio-televisión canaria: “En consonancia con las circunstan-cias actuales, las orquestas deben poner la vis-ta en los países nórdicos y en las repúblicas de Hispanoamérica para diseñar sus giras”.

Durante la mayor parte del siglo pasado fue-ron las casas de ópera de México (Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México) y Ar-gentina (Teatro Colón de Buenos Aires), las que habían atraído al continente a muchos de los directores, cantantes y orquestas más importantes del mundo. En ese sentido, solo hay que recordar las presencias de Callas, Si-mionato, Siepi o di Stefano en el campo lírico mexicano en los años cincuenta por un lado, o por otro, la reciente puesta en escena sintética

de la tetralogía wagneriana y la recuperación de un título de la escuela napolitana por parte, nada menos, que de Riccardo Muti, por citar tan solo dos de los hitos más importantes vivi-dos en el último año en la capital bonaerense.Sin embargo, la lozanía que están alcanzan-do las economías de países emergentes como

Colombia, Chile, Perú o Brasil ha permitido disfrutar últimamente de todo un rosario de personalidades musica-les en algunas de esas repúblicas. Pretenden, además de llenar sus propios bolsillos, difun-dir la música culta entre grandes capas de la po-blación con intención

de que sirva de estímulo y salvamento de un pueblo frecuentemente aquejado por las difi-cultades. En este sentido el gran referente lo supone el Sistema Nacional de Orquestas de Venezuela, creado por José Antonio Abreu en los años setenta, y que ha conseguido desde entonces galvanizar la cultura de millones de niños y jóvenes marginados. De esta manera, Plácido Domingo, Daniel Barenboim o Zubin Mehta se han presentado en algunos de los países citados más arriba con el uniforme de futuros habituales. El último de ellos llegó a dirigir en la segunda quincena de agosto has-ta catorce conciertos en una exitosa gira con su Israel Philharmonic Orchestra por Bogotá, Lima, Rio, Campinas, Paulinia, San Paolo, Ri-beirao Preto, Buenos Aires y Santiago de Chi-le con obras de Mozart, Beethoven, Brahms y Mahler.

Tal debe ser la garantía que ofrecen los pre-supuestos y gestores públicos hispanoameri-canos que una de las instituciones más con-sagradas de todo el panorama internacional, la Wiener Philharmoniker, estaría valorando abandonar el Festival de Salzburgo al término de su compromiso contractual en 2016 para involucrarse en un proyecto ultramarino aún desconocido. Los próximos años resultarán cruciales para la conformación de un nuevo panorama en el circuito musical internacional.

“Con la crisis el público ha pasado a ocupar un lugar más importante en la mente de los di-rectivos de orquestas y teatros”.

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LAURA BRAVOpor Daniel Expósito Sánchez

ENTREVISTA

Doctora en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid, Laura Bravo ha mostrado una notable inquietud por la investigación y difu-sión en torno a la fotografía, lo que le ha llevado a recorrer diversas instituciones internacionales como la Maison Européenne de la Photographie, en París, la Tate Modern de Londres o el MoMa de Nueva York. Autora de Ficciones certificadas: invención y apariencia en la creación fotográfica (1975-2000) (Metáforas del Movimiento Moderno, 2006), en la actualidad es profesora y coordinadora del Programa de Historia del Arte en la Facultad de Humanidades de la Universidad de Puerto Rico (Recinto de Río Piedras).

¿Cuál es la visión de la gestión cultural que se desarrolla en España, en general, y Andalucía, en particular, desde el otro lado del Atlántico?

Creo que, por desgracia y por muy paradó-jico que parezca, Puerto Rico y España son dos mundos un tanto desconocidos entre sí. A pesar de que compartimos tantos lazos his-tóricos y tantos denominadores culturales co-munes, la que acontece en la actualidad del mundo del arte en el otro lado del océano es un misterio para cada uno de nosotros. Por eso, proyectos como el que ha gestado la Uni-versidad de Granada contribuyen enorme-mente a crear vínculos entre artistas, críticos o gestores, en general, que antes no existían.

Sí es cierto que desde la Isla del Encanto se conoce la realidad expositiva y museística es-pañola por su calidad y por su incansable di-namismo. La proliferación de nuevos museos y centros de arte, así como de proyectos per-sonales o gubernamentales, es un hecho que se reconoce, y que España supone un ejemplo de apoyo a la cultura y de conservación y di-fusión del patrimonio artístico incuestionable. Si bien es cierto que el fantasma de la crisis ha viajado más rápidamente que los proyectos

que sobreviven y que nacen a pesar de ella, lo cierto es que en Puerto Rico se valora, pero también se echa de menos, un apoyo sólido de fondos públicos hacia la creación artística y hacia la promoción cultural, que finalmen-te recaen en la mejora de la calidad de vida de los ciudadanos. La escasez, los constantes obstáculos burocráticos y la falta de periodi-cidad de algunas ayudas son, en muchas oca-siones, un factor de desaliento común en la vida de este vecino transatlántico.

¿Y qué hay de la escena artística?

No cabe duda de que Andalucía se reconoce como la cuna de grandes artistas y de grandes nombres de la cultura, desde Diego Veláz-quez a Pablo Picasso y García Lorca, así como de hitos artísticos como la Mezquita de Cór-doba, la Alhambra o la Catedral de Sevilla. Si

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“Andalucía es un enclave con el que muchos crea-dores y, sobre todo, jóve-nes estudiantes, quieren tener contacto directo”.

bien es cierto que hay que potenciar la comu-nicación entre artistas y gestores culturales andaluces y puertorriqueños actuales, Anda-lucía es un enclave con el que muchos creado-res y, sobre todo, jóvenes estudiantes, quieren tener contacto directo. Creo que es un campo de relaciones de tremendas posibilidades.

Lo que sí parece es que, salvo contadas excep-ciones, existe una ausencia de crítica de arte que vaya más allá del elogio fácil o interesado.

Fíjate que no comparto esa perspectiva. La realidad de la crítica de arte que conocemos en Puerto Rico no se limita a ese mito de la alabanza movida por in-tereses económicos o por lazos de amistad. La crítica de arte es en sí un género muy diverso, que va desde el breve catálogo de una exposición en una gale-ría (que al fin y al cabo constituye un ensayo en el que se destacan los aciertos de la propuesta de un artista) hasta el texto que se publica en un periódico de gran difusión o en una revista online especializa-da, e incluso el catálogo extenso propio de una publicación de un gran museo. Creo que la misión del crítico es describir, analizar, ex-plicar, interpretar, y claro está, valorar lo que tiene ante su mirada y en su mente. No me gusta pensar que la crítica se limita solamen-te a señalar lo bueno o lo malo en una pro-puesta artística, puesto que no podemos pasar por alto la capacidad de buscar más allá de lo evidente, de desentrañar el por qué, de buscar referencias iconográficas o teóricas en la obra de un creador plástico. La calidad de los argu-mentos y la solidez con la que se defienden las perspectivas del crítico, por otro lado, me lle-van a pensar que la crítica es un género nada sencillo de practicar.

La crítica española Anna María Guasch da una definición de crítica tan breve y sencilla como enigmática: “La crítica es el arte de decir el arte”. Defiendo totalmente esta visión del crí-tico como un escritor especializado que sabe narrar en palabras lo que el artista cuenta con

imágenes. Y, en mi opinión, la mejor crítica es la que nos deja pensando, aquella que nos hace querer saber más de un artista, la que nos hace desear ir a visitar una exposición de arte, la que nos deja con ganas de aprender.

¿Cuáles son, en tu opinión, las diferencias más notables entre los estudios de Historia del Arte a un lado y a otro del Océano?

La diferencia fundamental entre un Bachi-llerato en Historia del Arte en Puerto Rico y una Licenciatura en la misma materia en una universidad española recae en que en Espa-ña los estudios universitarios se concentran

más en la disci-plina protagonista. La mayor parte de los cursos de una Licenciatura se en-focan, por lo tanto, en la Historia del Arte, mientras que en Puerto Rico, los estudiantes univer-sitarios pasan sus dos primeros años

tomando cursos de otras materias tales como Filosofía, Español, Literatura, incluso Biología o Psicología. Aunque en esos primeros semes-tres comienzan estudiando algún curso gene-ral de Historia del Arte, es en los dos últimos años donde despega su formación directa-mente vinculada con la disciplina. Los estu-diantes en España acaban sus estudios, por lo tanto, con una formación más especializada en la disciplina que eligen estudiar. Este he-cho puede entenderse como una desventaja para los que estudian en Puerto Rico, pero hay que considerar también que estos acaban con una formación más global, lo cual les ayuda a entender y a contextualizar muchos aspectos propios de las metodologías de la Historia del Arte.

Por otro lado, otra diferencia que habría que destacar es que los cursos en la Universidad en Puerto Rico tienen un número de estudian-tes mucho más reducido que en la española, puesto que no pasan de 30 estudiantes por sa-lón. Por lo tanto, la educación se hace mucho más individualizada, y la relación entre estu-

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“Se calcula que en un solo día en la actualidad se ha-cen más fotografías de las que se hicieron a lo largo de los cien primeros años de vida del medio”.

diantes y profesor es más estrecha. Estrategias de enseñanza como los debates, discusiones en grupo o presentaciones orales, que por el tamaño de muchos cursos en España son di-fíciles de implantar, son la orden del día en el sistema puertorriqueño. En España se sue-le dar más énfasis al conocimiento, mientras que en Puerto Rico se alienta más la capacidad de descubrir, de interpretar y de actuar que el estudiante tiene ante ese conocimiento.

En el ámbito académico boricua, sí se hace es-pecial énfasis en el arte contemporáneo, algo casi inimaginable en comunidades autónomas como la andaluza.

Bueno, aquí habría que tener también en cuenta el arraigo de cada comunidad a sus tradiciones artísticas. Momentos como el Re-nacimiento y estilos como el Barroco o el Ro-cocó, sin olvidar, claro está, el arte musulmán, han hecho de Andalucía un referente interna-cional en creaciones arquitectónicas y artísti-cas. Ese maravilloso foco cultural es difícil de eclipsar por otros movimientos artísticos. En Puerto Rico, por otro lado, existen etapas y nombres de radical im-portancia en su trayec-toria histórico-artística, como son las creaciones de los taínos, la produc-ción de José Campeche (pintor del siglo XVIII discípulo de Luis Paret durante su destierro en la Isla), de Ramón Fra-de, de Francisco Oller (quien trabajó con los impresionistas en París), así como la impor-tancia de la arquitectura militar, con los for-tines de San Felipe el Morro y San Cristóbal o el Cuartel de Ballajá. Sin embargo, hay que enfatizar que es a lo largo del siglo XX y espe-cialmente en la actualidad cuando se ha pro-tagonizado una auténtica efervescencia artís-tica. Existen muchas y excelentes propuestas creativas en el panorama actual boricua. Tal vez nuestra asignatura pendiente es traspasar las fronteras de la Isla y dar a conocer con más fuerza lo que se produce entre sus lindes na-turales, sobre todo en esa otra orilla del At-lántico.

Con Ficciones certificadas llevas a cabo una verdadera indagación en el universo de la fo-tografía a lo largo de casi tres décadas. ¿De dónde surge ese interés? ¿Por qué ese intervalo de tiempo?

Mi interés en la fotografía surge, en un prin-cipio, durante mis estudios de Licenciatura en Historia del Arte, que es donde muchos universitarios descubrimos las posibilidades creativas que tiene ese medio. Recuerdo que, como parte de una de las clases que cursamos, visitamos la colección de fotografía de la Bi-blioteca Nacional de Madrid y, entre cianoti-pos y daguerrotipos, descubrí una profunda atracción por la foto. Al momento de afrontar la formación doctoral, tenía ya claro que que-ría dedicar varios años de mi vida a estudiar algo relacionado con esta disciplina. Por aquel entonces, la fotografía digital estaba despun-tando con mucha fuerza, lo cual traía al es-cenario histórico y teórico continuos debates acerca de la verdad que tradicionalmente se ha asociado a este medio. Lo que más des-pertó mi curiosidad fue apreciar que nume-rosos fotógrafos que trabajaban en esas tres

últimas déca-das que señalas incidían con su producción en demostrar que la asociación de la fotografía con la realidad o con la verdad se había cons-truido sobre un mito, pero que

no lo hacían a través de propuestas digitales, sino con técnicas fotográficas muy tradiciona-les y con un planteamiento más cercano a la teoría y a la historia. Artistas como Joan Font-cuberta, Sophie Calle, Duane Michals, Tina Barney o James Casebere son algunos de los artistas que se analizan entre las páginas de Ficciones certificadas, puesto que sus trabajos fueron un punto de inflexión en la creación fotográfica de las décadas finales del siglo XX. En ese espacio de tiempo en el que el debate sobre la verdad fotográfica se concentraba en el potencial de los trucos digitales, su produc-ción artística marcó protagonismo dentro del

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medio, demostrando que la fotografía análo-ga es un auténtico arma para engañar.

¿Hasta dónde llega hoy día la banalización de la fotografía como un medio artístico? Pienso, por ejemplo, en aplicaciones como Instagram.

Creo que la fotografía ofrece una infinidad de posibilidades como medio creativo en la actualidad que, lejos de banalizarla, la hacen más rica y amplía su potencial y su alcance a cualquier tipo de público. Hay que tener pre-caución, claro está, para no confundir una fo-tografía cualquiera, de las que todos hacemos a diario, con una obra de arte creada en el me-dio fotográfico, aunque, como sabemos, en el mundo artístico actual ambos ámbitos se nu-tren mutuamente. Elementos como la mirada del fotógrafo, la composición, la textura, el concepto o la intención del artista, entre otros muchos elementos, no son incompatibles en el arte actual con la facilidad de reproducción del medio ni con los reducidos costes de los aparatos.

Por otro lado, la proliferación de imágenes fotográficas que se crean hoy en día es literal-mente asombrosa: se calcula que en un solo día en la actualidad se hacen más fotografías de las que se hicieron a lo largo de los cien primeros años de vida del medio, contando desde su nacimiento en 1839. Sin embargo, el devenir del tiempo nos demuestra que la masificación que permiten medios como la fotografía no plantea una enemistad con su potencial artístico. Baste recordar, por ejem-plo, la ya vetusta propuesta de Umberto Eco en Apocalípticos e integrados. En 1859, en un momento en el que este medio despega-ba en su potencial reproductivo y en el que los fotógrafos luchaban por ser reconocidos como artistas, al igual que los pintores, Char-les Baudelaire escribió un texto fascinante so-bre su visita al Salón de París. Con muy poca fortuna visionaria, al augurarle a la fotografía el destino de ser la muy humilde sierva del arte, escribió lo siguiente: “Un Dios venga-dor ha atendido a los ruegos de esta multitud. Daguerre fue su Mesías. Y entonces se dice: “Puesto que la fotografía nos da todas las ga-rantías deseables de exactitud (eso creen, ¡los insensatos!), el arte es la fotografía”. A partir

de ese momento, la sociedad inmunda se pre-cipitó, como un solo Narciso, a contemplar su trivial imagen sobre el metal. Una locura, un fanatismo extraordinario se apoderó de todos esos nuevos adoradores del sol (…)”. Aunque con una distancia temporal de más de siglo y medio, el análisis del crítico francés parece ser eco también de lo que sucede hoy día con las prácticas que me planteabas: la necesidad del ser humano por crear imágenes, pero sobre todo, por ver reflejada su propia imagen –en este caso la fotográfica– y por compartirla, en-traña una fascinación inmortal.

Como conclusión, háblame sobre Visión Do-ble.

Visión Doble es una publicación digital que tiene pocos meses de vida, puesto que nació este pasado marzo, pero que crece progresi-vamente tanto en la calidad de sus colabora-ciones como en difusión, tanto dentro como fuera del ámbito boricua. Se trata de una re-vista de crítica de arte enfocada hacia lo que acontece en la actualidad artística de Puerto Rico. Visión Doble abarca diversos géneros, puesto que allí se exploran y se analizan expo-siciones abiertas en museos, galerías o centros de arte; se publican entrevistas a artistas puer-torriqueños, se realizan análisis críticos de la producción de estos creadores o de publica-ciones que se hayan realizado recientemente, e incluso se informa sobre las exposiciones que artistas locales están realizando a una es-cala internacional. Aunque la creación y la ex-posición artística gozan de una gran vitalidad en la Isla, notábamos que la respuesta críti-ca y escrita a lo que sucede aquí día a día no era acorde con aquellas, y que era necesario analizar propuestas que de otro modo quedan sin documentar. Además, www.visiondoble.net representa una oportunidad material para que críticos que gozan de una carrera sólida puedan difundir su conocimiento y para que jóvenes escritores que representan el futuro de la crítica de arte en Puerto Rico tengan una plataforma donde publicar sus perspectivas y comenzar a ejercer esta hermosa profesión que es analizar el arte.

Fuente de la fotografía: Alberto Aponte

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Desde el punto de vista del ciudadano, lo que no se conoce no se puede valorar, al carecer de valor es inútil protegerlo porque no se con-templa su conservación, y así, esa falta de co-nocimiento conduce al olvido y finalmente a la desaparición.

Desde la consolidación del Cristianismo como religión oficial del Imperio Romano, la Iglesia había asimilado la liturgia al aparato escénico y riqueza material del espectáculo áulico del poder secular. Como consecuencia, con el paso de los siglos, el ceremonial religioso fue acu-mulando una sobresaliente riqueza material y conceptual cristalizada en toda clase de objetos que van desde los retablos hasta las labores de encaje de los ornamentos litúrgicos. Cada obje-to cumplía una función determinada dentro del ritual y, siempre cuando las circunstancias lo permitieron, fueron realizados con el máximo de esmero y calidad material. Desde catedrales a parroquias, los templos se fueron llenando de colecciones de objetos destinados al uso li-túrgico que, en muchos casos, constituyen un tesoro patrimonial inimaginable.

A juicio de muchos, el Concilio Vaticano II trajo a la Iglesia, de un lado, una más que ne-cesaria renovación de planteamientos, pero de otro, algunas malas interpretaciones de las directrices del mismo conllevaron la pérdida de uso de un significativo número de objetos y un cambio de rumbo en los planteamientos acerca de la riqueza y boato del ritual.

El resultado de todo esto fue, en el mejor de los casos, la musealización de las piezas en conte-nedores más o menos adecuados y accesibles al público, que fue inducido a considerarlas te-soros en el más ingrato sentido. En la mayoría de las ocasiones, los objetos están alejados del uso y a recaudo, esperando no se sabe muy bien qué. Otras veces lo expuesto es tan solo lo que presenta una riqueza material o artísti-ca sobresaliente. Por todo esto, la gran asigna-tura pendiente es qué hacer, cómo gestionar este patrimonio a caballo entre lo material y lo intangible. Mención especial merece aquí, entre toda la variedad de objetos, la cuestión de los textiles, que por su propia realidad ma-terial resultan ser los más frágiles y difíciles de

PATRIMONIO ECLESIÁSTICO: Una asignatura pendiente

por Pedro Manuel Martínez Lara

PATRIMONIO

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conservar de todos. Casullas, capas pluviales, dalmáticas, planetas y frontales tradicionales han desaparecido o están en vías de hacerlo a causa del olvido y la falta de puesta en valor. Hasta ahora si bien había existido una con-ciencia respecto del valor material, no había sido así con relación al uso. Con frecuencia, piezas de notable calidad eran sometidas a complejos procesos de restauración, siempre necesarios, pero que la-mentablemente terminan en una fosilización de la pieza perdiendo así gran parte de su sentido y valor patrimonial.

Conscientes de esta pe-liaguda realidad, algunos responsables de la conser-vación y preservación de este patrimonio están lle-vando a cabo actuaciones en pro del acercamiento a la sociedad al significado de estas piezas y su sen-tido dentro de la liturgia, propiciando su vuelta al uso en determinadas oca-siones y poniéndolas en valor en su contexto pro-pio. En primer lugar, es necesario conocer de qué se dispone mediante labo-res de inventario, que pese a que se han realizado en muchos casos, resulta lla-mativo que hayan pasado por alto en la mayoría de las ocasiones las piezas textiles, recogiendo excepcionalmente aque-llas que destacan en lo material. Tras ese paso es necesaria una clasificación en función del estado de conservación y de las medidas que es preciso adoptar sobre cada una de ellas. Paralelamente, hay que acercar estos bienes a la ciudadanía mediante labores de difusión tanto desde el punto de vista de su materiali-dad y uso, como de las políticas que se están llevando a cabo para su recuperación.

Un buen ejemplo de todo esto es el que se está llevando a cabo desde hace algunos me-

ses en la ciudad de Carmona. Por desinencias históricas y necesidades pastorales, las seis iglesias parroquiales que existían intramuros fueron reducidas a dos, y desde el pasado mes de septiembre a una sola. En las dependencias de la antigua prioral, hoy parroquia de Santa María, se fueron acumulando, aparte de los propios, los ornamentos nada menos que de otros tres templos. Fruto de la sensibilidad

de los responsables de la fábrica de la iglesia se ha llevado a cabo toda una serie de actuaciones que en primer término han po-sibilitado el conocimiento de las piezas y su estado de conservación. La inten-ción es, una vez terminada la catalogación, mostrar los resultados y educar al público local y foráneo en el valor y uso de las piezas mediante exposiciones di-dácticas y la puesta en uso de aquellas que están aptas para ello. En algunos casos será necesaria la interven-ción sobre determinadas piezas, bien para que no desaparezcan, o bien para poder devolverlas al uso, algo que es posible gracias a la toma de conciencia de que el esplendor de la liturgia a través de la utili-zación de ornamentos tra-dicionales no solo es una contribución positiva des-de el punto de vista de la

religión, sino que también resulta una práctica conveniente en tanto que las piezas vuelven a ser conocidas y puestas en valor, lo que de alguna manera aporta mejores garantías para su preservación.

Fuente de las fotografías: Pedro M. Martínez Lara

Planeta negra Para la liturgia del Viernes santo, Carmona, Parroquia de santa maría

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Tanto el noble arte de escribir literatura como el no tan sublime de escribir sobre literatura impli-ca, cuando menos, comprometerse con una se-rie de valores que lo posicionan a uno en un lu-gar que es preferible que elija antes de que otros se lo atribuyan basándose en juicios la mayoría de las veces simplistas y superficiales. Ya que están ustedes leyendo la primera sección de lite-ratura de esta revista, y dado que mi labor aquí es la de ser transmisora de inquietudes y emo-ción literarias, quiero decirles que mis “gustos” y pasiones estéticos coinciden con una premisa que expone de forma meridiana el crítico nor-teamericano Harold Bloom: existe la literatura sin apellidos, la que es buena por valores intrín-secos a la obra; todo aquello que sea literatura de algo (léase literatura feminista, afroamerica-na, homosexual…) no es literatura.

En los años setenta y ochenta del siglo XX surge en nuestro país un grupo de poetas gra-nadinos que firman en el periódico El País un manifiesto en el que proclaman la necesidad de una nueva estética. Luis García Montero, Javier

Egea y Álvaro Sal-vador afirman que “para llegar a una poesía acorde con los tiempos es ne-cesaria una nueva sentimentalidad.” Así es como ellos mismos se denomi-naron “la otra sen-timentalidad”, sin que ningún crítico o historiador de la literatura los catalo-gara bajo marbete alguno como tanto les gusta hacer. Al unirse más poetas, no solo granadi-

nos, a esta nueva sensibilidad, pasaron a llamar-se “poetas de la experiencia”. “La poesía es para todos, no solamente para un grupo reducido… La experiencia de una persona se integra en la experiencia colectiva.” Bajo tales principios la-tía la eterna dicotomía entre la poesía social y la que surge de la pluma del poeta recluido en su torre de marfil. Este grupo, cuya literatura ya tenía un apellido impuesto por sus miem-bros, reaccionó ante el exceso de culturalismo y retórica de los catalogados como Novísimos. Según García Montero, su poesía pretendía estar limpia y normalizada del exceso estético anterior que había llevado a los poetas de los años sesenta a rechazar una mala poesía social y a refugiarse en cisnes, sedas y “en las bellezas preconcebidas o en la extravagante ruptura de los rompedores de palabras.” Es decir, los No-vísimos, en un movimiento pendular que llegó al extremo, se opusieron a una poesía social de poca calidad, y los poetas del otro sentimenta-lismo hicieron lo propio contra los Novísimos. Consiguieron el objetivo: inventaron una mo-

HONESTIDAD LITERARIApor Miriam Torres Villar

LA BETANIA LITERARIA

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dalidad poética liviana, ligera, que podía ser “di-gerida”, por ejemplo, en un trayecto de metro, y de fácil consumo. Atiendan bien a esta palabra, consumo, y a todas las ideas que sugiere: mer-cado, editoriales, compra-venta, negocio… Una amplia masa de gente leyó poesía, pero bajaron los niveles poéticos (al tiempo que la LOGSE bajaba los niveles académicos) y se criticaron las raíces de la tradición poética mediterránea, nuestra tradición por mucho o poco que nos guste. En efecto, una poesía producto y a su vez nutricia de la sociedad en la que nació. La lite-ratura, según ellos, no era un medio de catarsis para el hombre, su función dejaba la de ser agita-dora de conciencias y no pretendía enfrentar al hombre con su realidad y circunstancias, era tan sólo “pan y circo” para el pueblo. Y me parece bien, no creo que el escritor Dan Brown, por po-ner un ejemplo, pretenda que el potencial lector de su obra divague sobre los enigmas que han preocupado al hombre desde su origen, pero la otra sentimentalidad sí se erigió como adalid de una nueva sensibilidad llamada a cubrir las oquedades de la sociedad contemporánea.

Siempre les explico a mis alumnos que lo que hace al lenguaje poético diferente del lenguaje habitual es que llama la atención sobre sí mismo (función poética del lenguaje según Jakobson) y nombra las cosas de manera extraña (“extraña-miento de las formas” para el formalismo ruso). Decía García Montero que no creía que exis-tiera un lenguaje poético diferente al lenguaje común. En la obra de estos poetas hay intentos de captar escenas, tonos o imágenes brillantes y originales… pero, al contrario de lo que ocurre en la buena poesía, esos elementos están aisla-dos, no se cohesionan al unísono para obrar el milagro de la máxima significación. Su aparente solidez se desvanece en el aire como lo hacen todos los objetos que se fabrican en la moderni-dad y la posmodernidad.

“Crear una poesía que llegara a todos y que fuera de todos y para todos”. No sé a ustedes, pero a mí eso me parece una declaración de intencio-nes. Sin embargo, esa poesía acaba discurriendo por la vía del mercado y se convierte en produc-to de la ley de la oferta y la demanda de la que, ni mucho menos, todos pueden beneficiarse. En contraste, a finales de los noventa (diez años des-pués), surgió un movimiento que se conoce como

Acción poética, el cual está basado en las pinturas mura-les de poemas pro-pios o ajenos que se plasman a lo largo de todo el mundo y se difunden de forma masiva a tra-vés de las redes so-ciales. No se crean para ser valorados o cuestionados por su calidad, sino por su capacidad para captar la atención del receptor. Esos men-sajes sí llegan a todo el mundo pues todo aquel que pasa cerca del edificio en ruinas o la casa abandonada donde han sido grabados los dis-fruta, los lee y puede escribir sobre ellos… No son propiedad de nadie e integran en la ciudad el lenguaje poético; ningún jurado decide quiénes son los ganadores de un concurso que permita que solo unos elegidos puedan publicar su obra.

Hacer literatura, crearla, es un acto de honesti-dad. El sentimiento de individualidad no puede ser ajeno al lirismo, aunque en el buen poema esta individualidad acabe diluyéndose en la in-tensidad de una idea universal. Si lo que se quie-re es ser nombrado en los certámenes literarios del país o aparecer entre las listas de los autores más vendidos, me parece lícito, pero enmasca-rar esa finalidad con deseos de búsqueda históri-ca o moral no es honesto. Dirán que he acabado mezclando la ética con la estética, pues yo les respondo que ahí tienen otro de mis ideales. El arte está hecho por el hombre y la belleza de la Naturaleza puede ser percibida por él. Haced un arte que le hable, que lo enfrente a su realidad y a él mismo, y estaréis haciendo un arte eterno.

Fuentes de las fotografías: www.corneta.orgwww.taringa.net

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“El periodismo musical consiste en gente que no sabe escribir, entrevistando a gente que no sabe hablar, para gente que no sabe leer”, esta es una de las más célebres frases de Frank Zappa. Afor-tunadamente esta no es una revista musical, ni yo soy periodista, ni por supuesto, nuestros lec-tores son nada torpes. Pero quizás la ocurrencia que más me ha gustado del padre de Las Madres del Invento fue aquello de “escribir sobre música es como bailar sobre arquitectura”. Siendo así, me quedo algo más tranquilo al escribir estas lí-neas, porque la arquitectura siempre ha sido una disciplina con la que me he llevado bien, y bailar es lo que más me gusta después de comer con los dedos, así que ambas cosas juntas debe ser una experiencia muy divertida, y por tanto lo de escribir sobre música tiene que ser el no va más.

Supongo que ya se habrán dado cuenta de que he recurrido al truco fácil, comenzar con citas de la más aguda mente musical y de un astuto crítico social, ambas características definitorias del genio de Baltimore, probablemente el más prolífico de los compositores de su época, y el principal constructor de puentes entre el rock, el jazz, lo clásico, la vanguardia e incluso la música de moda. Pero hoy no toca hablar de esto, aun-que si vas a escribir de música popular moderna no puedes dejar de hablar del blues, de Dylan, o de Zappa, puesto que como decía el siniestro sabio Julián Hernández, cualquier otra cuestión que no tenga que ver con estas tres cuestiones, seguramente no merecerá la pena.

Pero esta tarde, cuando me disponía a escri-bir este artículo, me he llevado el mal trago del anuncio en Rolling Stone de la muerte de Lou Reed. Tras la inicial incredulidad y desconcier-to por la falta de confirmación oficial, consulto las redes sociales y en menos media hora ya no queda el más mínimo asomo de duda de que el Animal del Rock’n’Roll nos ha dejado para siem-

pre. En los próximos días todo serán pésames, tristeza y recuerdos de sus temas más reconoci-dos. Los mass media tirarán de las hemerotecas y de las bases de datos sonoros para redescubrir-nos el talento, la creatividad, la trascendencia y la proximidad de su música y su poesía. Todo el mundo comentará una canción favorita o recor-dará un momento de su vida en el que sonaba de fondo alguna canción de Transformer, Berlín o Coney Island Baby. Los dominicales publica-rán reportajes mayestáticos sobre su vida y obra, con especiales menciones a sus diatribas con la prensa musical americana, sus tormentosas re-laciones con John Cale, cofundador de The Vel-vet Underground, o sus devaneos sentimentales con David Bowie, quien a modo de mentor lo recuperó de nuevo para la música sacándolo de la máquina de escribir del despacho de abogados de su padre, cuando ni el propio Andy Warhol era capaz de hacerle escribir ni una sola línea. Las editoras de sus discos publicarán remasteri-zados los temas que ellos mismos descartaron en otros tiempos, adornándolos ahora con rare-zas y bootlegs que el provocador poeta de Long

CAMINANDO POR EL LADO SALVAJE DE LA VIDA

por Carlos Sánchez de las Heras

OPERACIÓN MANDOLINA

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Island no quiso publicar en su momento (espere-mos del buen criterio de su viuda Laurie Ander-son que sepa custodiar su legado alejado de los buitres del mainstream). Incluso no faltarán al-gunos vengativos periodistas, a los que muchos dejó plantados en más de una entrevista, que no dudarán en destacar su perfil más agrio, su mal carácter, sus desplantes a propios y extraños, y sus injustificadas cancelaciones de conciertos. Yo mismo fui uno de los damnificados por su ausencia de última hora en el Star Trucking de Marbella en el 75, seguramente porque el gru-po cabeza de cartel era Wishbone Ash, y eso era más de lo que su mal genio podía soportar. Tampoco está claro lo que hubiera dado de sí en directo un músico enfrascado en la promoción de Metal Machine Music, una obra conceptual gestada durante seis años que finalmente se gra-bó en 24 horas con instrumentos desafinados y un sonido aterrador, y que supuso su gran fraca-so comercial, aunque para algunos de sus más férreos seguidores es su mejor obra experimen-tal, e incluso fue remezclada por impenitentes amantes del ruido y la distorsión como Nine Inch Nails o Sonic Youth. Una controvertida po-lémica similar a la que protagonizaron The Beat-les con su Revolution 9, al que hay quien piensa que hay que esperar todavía otros 40 años más para que se entienda.

De todas formas yo ya lo perdoné hace tiempo por su plantón marbellí, aunque lo que nun-ca podré perdonarme a mí mismo es no haber podido estar entre los 300 privilegiados que el 2 de octubre de 1998 disfrutaron, al en-tonces exagerado precio de 3.000 pese-tas, de su actuación en la Huerta de San Vicente de Granada, en la que fuera la última residencia del poeta Federico García Lorca, en un concierto home-naje a quien en su día viajara a la gran manzana para escribir Poeta en Nueva York. Aquel día, dicen que el neoyor-quino sonó con una prodigiosa cristali-nidad de diamante gracias al feedbuc-ker, incluso sonreía al público mientras saludaba en español y tenía un seduc-tor brillo en los ojos. Más tarde, en el back-stage pudo tocar la guitarra origi-nal de Lorca, y encargó inmediatamen-te que le construyeran una gemela para tocar los temas que pensaba componer

tras la inspiración que recibió en su visita a los lugares lorquianos.

Yo hoy me quedo con esto, que no es poco. Para qué hablar de sus estremecedoras crónicas de la gran ciudad, de sus angustiosos viajes a través de la heroína que en tantos temas reflejó con salvaje pasión, y de los maravillosos pasajes musicales que engendró cuando ya las transfusiones de sangre y las artes marciales le permitieron dejar de caminar por el lado salvaje de la vida.

Al fin y al cabo, sí que merecía la pena hablar de Lou Reed, aunque de joven no tocara blues porque decía que era lo que hacía todo el mun-do. Aunque dijera de Dylan que “era el tipo de persona al que te gustaría pegarle en una fiesta” y que sus canciones eran “sobras de marihuana”, pero aún así el genio de Duluth confesó que le hubiera gustado escribir Doing The Things We Want To. Y lo que le reivindica definitivamente fue su discurso de presentación para la entrada de Frank Zappa en el Salón de la Fama del Rock and Roll, en el que dijo que su inclusión distin-guía tanto o más al Salón como al incluido. Tou-ché.

Tú turú turú tuturutú turú turú tuturutú turú turú tuturutú turú turú tuturutúúúúúúúú……

Fuente de las fotografías: lastfm.es

John Cale, lou reed y andy Warhol

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La ciudad de Sevilla vuelve a acoger el Festival de Cine Europeo, del 8 al 16 de noviembre de 2013, en su X edición. La urbe hispalen-se se convierte durante una semana en punto de encuentro de las últimas cintas europeas, impulsando la industria del cine europeo y su desarrollo. Sin embargo, Sevilla también ha sido, en muchas ocasiones, escenario de aventuras, lances, reuniones militares, perse-cuciones, besos románticos e incluso paseos galácticos.

Muchos no conocen al personaje histórico Thomas Edward Lawrence, pero si decimos Lawrence de Arabia, su nombre más popu-lar, a todos nos viene a la mente el rostro del actor Peter O’Toole, quien lo inmortalizó en la película del mismo nombre Lawrence de Arabia (Lawrence of Arabia, 1962), de David Lean. Cuenta la historia del citado personaje y cómo fue enviado, durante la Primera Gue-rra Mundial, al desierto para participar en una

campaña de apoyo a los árabes contra Tur-quía. Él y su amigo Sherif Alí, que encarnaba Omar Sharif, pondrán en esta misión toda su alma. Los nativos adoran a Lawrence porque ha demostrado sobradamente ser un amante del desierto y del pueblo árabe. En cambio, sus superiores británicos creen que se ha vuel-to loco1. David Lean, uno de los directores más premiados y reconocidos del cine británi-co2, eligió varias localizaciones en Sevilla para recrear la ciudad egipcia de El Cairo. Toman-do como referencia las zonas de la Exposición Iberoamericana de 1929, destacando la Plaza de España, la Plaza de América, dentro del Parque de María Luisa, o el Casino de la Ex-posición. De esa forma podíamos ver a Peter O’Toole, cubierto de polvo tras cruzar el de-sierto, entrar en el cuartel de la Plaza de Espa-ña, discutir en el Concejo Árabe de Damasco del Casino de la Exposición o pasear por las calles de El Cairo del Parque de María Luisa. La película se filmó durante casi dos años entre Jorda-nia, Marruecos, Inglaterra, Almería y Sevilla.

SEVILLA ES EL ESCENARIOpor Ramsés Torres García

ÉRASE UNA VEZ EN EL CINE

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Aprovechando la celebración de la Exposición Universal de 1992, Ridley Scott quiere rendir su personal homenaje a la figura de Cristóbal Colón. Y para ello, qué mejor forma que ro-dar una película en la ciudad donde se gestó la famosa travesía que acabaría con el descu-brimiento del continente americano. 1492: La Conquista del Paraíso (1492: The Conquest of Paradise, 1992), sería el primer coqueteo del director de Blade Runner con la ciudad del Guadalquivir. La Casa de Pilatos y los Reales Alcázares son perfectamente reconocibles a lo largo de la cinta, en la que quiso contar con su suboficial Ellen Ripley (Sigourney Weaver en Alien, el octavo pasajero / Alien, 1979) como la reina Isabel la Católica. Scott quedó pren-dado de la ciudad y, en concreto, de los Reales Alcázares, donde situaría el palacio del rey de Jerusalén en El Reino de los Cielos (Kingdom of Heaven, 2005). La cinta, protagonizada por Orlando Bloom y Eva Green, cuenta la histo-ria de un herrero francés, Balian, hijo ilegítimo de Godofredo de Ibelin, que llegó a convertir-se en guerrero y caballero en las cruzadas.

En 1975, pasaron por Sevilla Jack Nicholson y Sean Connery. El primero como un desilusio-nado periodista que emprende una peligrosa investigación sobre las intrigas políticas in-ternacionales. Dirigida por Michelangelo An-tonioni, El reportero (Professione: Reporter, 1975), escoge varios lugares de la ciudad en esta cinta de intriga con un toque de road mo-vie. Sean Connery, por su parte, sería el jefe de los bereberes, El Raisu-ni, que a principios del siglo XX secuestra en Tánger a una bella viuda estadounidense y a sus hijos para pedir un fuer-te rescate. Este hecho desencadena un conflic-to diplomático en el que se verán involucrados el gobierno americano, tropas alemanas y di-versas facciones del sul-tanato de Marruecos3. La película, titulada El Viento y el León (The

Wind and the Lion, 1975), fue dirigida por John Milius, director con un sello muy per-sonal que puede verse en la misma. Una vez más, Sevilla sirve como escenario para lugares situados en el norte de África, escogiendo de nuevo el Parque de María Luisa y los edificios de la Exposición Iberoamericana de 1929.

Y no puedo evitar dejar de acordarme de aquel famoso paseo galáctico que dieron Natalie Portman y Hayden Christensen bajo la galería de la Plaza de España en el 2002. George Lu-cas pensó que para su segundo episodio de la nueva etapa de La Guerra de las Galaxias, El Ataque de los Clones (Star Wars. Episode II: Attack of the Clones, 2002), la famosa plaza sevillana de Aníbal González era ideal. Un es-pacio arquitectónico que, a pesar de ser reto-cado digitalmente, ofrecía por sí mismo unas características que ayudaban a recrear las ne-cesidades exigidas por Lucas.

En el panorama nacional, muchos han sido los directores que han elegido la ciudad del Betis para convertirla en escenario de sus películas. El sevillano Benito Zambrano le eligió para su pri-mer largometraje, Solas (1998), la historia de tres personas que son unidas a través de la soledad. Mateo Gil también escogió a Sevilla y, en con-creto, la Semana Santa como el momento ideal para su primer largometraje, titulado Nadie co-noce a nadie (1998). Simón, un joven aspirante a

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escritor, se gana la vida diseñando crucigramas para un periódico sevillano, mientras que Sapo, su compañero de piso, sobrevive como profe-sor particular de inglés. Un día Simón recibe en el contestador un amenazador mensaje que lo incita a incluir la palabra “adversario” en su próximo crucigrama, el del Domingo de Ramos. Vicente Aranda creó su particular visión de Car-men (2003), tomando como escenarios reales la antigua Fábrica de Tabacos, el barrio de Santa Cruz o el interior de la iglesia de San Luis de los Franceses. En los antiguos almacenes de Vilima, situados en la calle Puente y Pellón, se rodó Cri-men Ferpecto (2004), la comedia negra de Álex de la Iglesia que protagonizaban Guillermo To-ledo y Mónica Cervera. Dos años después, den-tro de un auténtico despliegue por tierras nacio-nales, Sevilla era una de las muchas ciudades elegidas por Agustín Díaz Yanes para recrear la España del siglo XVII en su película Alatriste (2006), protagonizada por Viggo Mortensen. Se rodó en la Casa de la Moneda y en pueblos de alrededor, como en el monasterio de San Isidoro de Santiponce. De las últimas películas rodadas en la ciudad, cabe destacar Grupo 7 (2012), diri-gida por Alberto Rodríguez y ganadora de dos premios Goya. La historia transcurre en Sevilla, en los años 80, y cuenta las acciones policiales

llevadas a cabo contra la droga antes de la Expo-sición Universal de 1992.

Estas son algunas películas seleccionadas de las muchas que se han rodado en la capital andaluza. A través de ellas podemos conocer la visión de sus directores de la ciudad, las perspectivas históricas e incluso la descon-textualización de muchos de sus rincones. En noviembre, Sevilla volverá a vestirse de cine con el Festival Europeo y sus calles volverán a revivir las pasiones más aceradas del celuloi-de. ¿Te lo vas a perder?

1 http://www.filmaffinity.com/es/film953245.html (Consultado el 10 de septiembre de 2013).2 SÁNCHEZ NORIEGA, José Luis. Historia del Cine. Teoría y géneros cinematográficos, fotogra-fía y televisión. Madrid: Alianza Editorial, 2005, p. 418. 3 http://www.filmaffinity.com/es/film724182.html (Consultado el 10 de septiembre de 2013).

Fuentes de las fotografías: www.masmenos.esblog.universalplaces.comwww.abc.es

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La correcta medición de la luz a la hora de capturar una imagen es determinante en el resultado de una buena fotografía. Para ello debemos de conocer y saber interpretar el his-tograma.

El histograma es una de las herramientas más importantes que debe utilizar el fotógrafo. En él se registra toda la información de la escena, zonas empastadas o quemadas, la riqueza to-nal y la calidad de cada motivo.

Hay dos tipos de histogramas. El que muestra la luminosidad y el que superpone cada uno de los canales RGB.

LA EXPOSICIÓNpor Javier Pérez Cortés

LAS FOTOS DE JAVI

JOSÉ MARÍA MELLADO Nóxido, El Silencio y la Luz, Islandia, Paisaje. El Eterno Retorno, From Heaven to Earth o La Tie-rra más Hermosa. Cuba son varias de las publica-ciones de José María Mellado. De su penúltimo libro, Fotografía de Alta Calidad se han vendido más de 10.000 copias en menos de un año. Todo un bestseller, que se ha convertido en el libro de fotografía en general más vendido en toda Espa-ña.

Mellado es todo un cazador de imágenes. Él no las crea, las busca. Busca en escenas corrientes, cotidianas, sin interés aparente, ver más allá, la belleza que está escondida.

Cuenta con un gran número de seguidores. Y un gran número de detractores. Hecho que se debe, en su mayor medida, a que es uno de los pocos fotógrafos que se atreve a explicar todo su flujo de trabajo.

El Método Mellado abarca desde cómo exponer correctamente para la captura de la luz hasta la preparación de la foto para la salida en su for-mato definitivo; pasando por el revelado en Ca-mera Raw y su posterior “tratamiento por zonas siguiendo el método de toda la vida de laborato-rio” en Photoshop CS6.

Cuando se vaya a realizar la medición, de-bemos llevar toda la información lo más a la derecha posible del histograma pero sin que ningún canal RGB lo sobrepase. En esa zona se concentra el 75% de la gama tonal. Por lo tanto, estamos recopilando más información.

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De este modo, aunque la imagen capturada en el Raw esté sobreexpuesta, al oscurecerla no pierde detalles. En cambio, si concentramos la información a la izquierda del histograma, al haber menos gama tonal se genera ruido.

Puede darse el caso de que el rango dinámico de la cámara no sea capaz de capturar toda la escena debido al alto contraste de ésta. En espacios controlados se podrían utilizar toda clase de equipos de iluminación, pero en es-pacios abiertos esto no es posible. Para estos casos debería-mos realizar varias exposiciones adicio-nales para capturar toda la información posible y posterior-mente fusionarlas escogiendo la zona que nos convenga de cada exposición.

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JAVIER Y JAIME SUÁREZ: VIENTRE COMPARTIDO

ARTISTA INVITADO

Los gemelos, Jaime y Javier Suarez Berrocal, nacen en Colombus, Ohio, el 12 de sep-tiembre de 1982. En 2007 y 2008, obtienen diplomas de Bachillerato en Artes Plásticas, de la Universidad de Puerto Rico (Recinto de Mayagüez). Luego viajan a España con el interés de continuar sus estudios de pos-grado. En 2010, obtienen sus titulaciones de Máster en Producción Artística de la Univer-sidad Politécnica de Valencia, especializados en arte público.

Cuando proponemos estrategias de interven-ción en los entornos naturales descubrimos la responsabilidad que implica nuestra rela-ción con el medio ambiente. En realidad no tenemos el derecho de manipular el territorio natural de manera permanente. La negligen-cia respecto a tal práctica repercute en actos de vandalismo o en drásticas consecuencias y daños irreparables para la naturaleza. Nuestro acercamiento a ella es con suavidad, sutileza y conciencia. Ya basta con la producción de objetos “eternos” que terminan sembrados en el paisaje como ruinas para siempre. Se con-vierten en artificios irremediables que nunca se despojan del emplazamiento que irrum-pen, ni siquiera se relacionan o se integran al medio que intervienen. Estas obras efímeras en el paisaje corresponden, más que nada, a un nuevo modelo ecológico de convivencia armoniosa en el ecosistema que habitamos. Aquí los procesos naturales participan positi-vamente en el desarrollo de la obra, liberándo-la eventualmente del espacio que ocupan en el tiempo. El proceso de la entropía y la degra-dación, como consecuencia de un crecimiento evolutivo, es parte fundamental de nuestro fenómeno vivo. Queremos contemplar el de-venir de los sucesos en un evento estético de apreciación por el instante pasajero. Todo lo que hacemos en el paisaje debe transitar de manera cíclica por las diferentes etapas de la vida, hasta regresar a su estado preexistente: nacer, crecer, envejecer y morir.

antroPomorfismo naVaJo (2012), Vidrios de bebidas alCohóliCas,desierto de arizona, ee.uu.

al fondo: Para los PáJaros (2013), semi-lllas, hato rey, Puerto riCo

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mural realizado en un bloque de ViViendas del barrio de san Pablo, seVilla, dentro del Programa arte Para todos

niCho (2012), PaJa de Pino, CásCara de CoCo, yerbas marinas y semillas, dorado, Puerto riCo