UNIVERSIDAD DE LOS ANDES

FACULTAD DE HUMANIDADES Y EDUCACIÓN

ASIGNATURA; ARTE Y EXPRESIÓN

PROFESORA BETTY OSORIO

Formación Estética Constructiva – Trabajo Singular

Integrante: Maryury I.

Dugarte Ch. C.I: 21.181.795.

Octubre, 2015

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ÍNDICE

Introducción Técnica: Títere de Guante

2 3-10

F.EA: Formación estética constructiva A.E: Teatro de opera

10-32 33-34

M.C: Medios Audiovisuales

35-37

T. P: Situaciones Vivenciales de Formación

37-39

T.C Planificación, Estrategia y Evaluación 39-41 T.C: Guion Audiovisual S.I : Ética y Estética

41-44 44

Conclusión

45

Bibliografía

46-47

2

Introducción

El arte y la educación constituyen dos variantes muy ligadas al pretender un

trabajo optimo en el aula de primaria, puesto que el arte es una subrama de la

cultura que permite definir los parámetro de lo bello y lo armónico en los objetos,

además de recordarnos que todo a lo que estamos expuestos en el transcurrir de

nuestra vida es expresión, armonía y diseño estético. Por consiguiente, el

desarrollo productivo, creativo e innovador y pintoresco del arte puede ser

escenario positivo del proceso de enseñanza- aprendizaje de los estudiantes; por

lo tanto, es necesaria la búsqueda de la integración del arte en todas las

disciplinas afines a la educación.

Por otro lado, la sociedad actual atraviesa por un contexto donde las

tecnologías llevan la batuta en el desenvolvimiento eficaz de la vida. Se hace

referencia a las tecnologías como mecanismo guiadores en el desarrollo de la vida

ya que el ser humano desde temprana edad es bombardeado visual y

auditivamente por medios de comunicación de masas, como por ejemplo: la

televisión, video juegos, internet, cine, entre otros. Por tanto, la finalidad del

trabajo radica en que se pretende comprender al arte y el contexto social del

estudiante como parte fundamental del desarrollo socioproductivo e individual del

hombre del mañana, por medio del estudio de la posición del arte en la

contemporaneidad.

En resumen, en una sociedad de incertidumbre como la actual es necesario

redireccionar los métodos de enseñanza obsoletos, es decir, buscar una

educación que integre el arte, la creatividad, el juego y el aprendizaje integral,

como motores para superar las carencias de iniciativa e intelectuales que presenta

nuestro país. Lo que se pretende, es lograr que el contenido que está implícito en

el currículo básico nacional sea integral y no comprendido como un simple

traspaso de conocimientos inútiles.

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1. Títere De Guante

1.1 Origen del Teatro de Títeres

"Teatro de Títeres, Teatro de marionetas o simplemente Títeres, es el término que,

en el teatro, la presentación con títeres, marionetas o muñecos para manipular,

especialmente aquellos en los que el escenario, cortinas, decorados y otros caracteres

propios se construyen especialmente para la presentación.

El teatro de títeres es una antigua forma de expresión artística cuyos orígenes se

remontan 3.000 años atrás. Desde entonces los muñecos fueron utilizados para animar y

comunicar ideas y necesidades de las diversas sociedades humanas.

Algunos historiadores sostienen que su uso anticipó a los actores en el teatro. La

evidencia muestra que su aplicación se llevó a cabo en Egipto unos 2.000 antes de Cristo

con el uso de figuras de madera manipulables con una cuerda. Algunos muñecos

articulados de marfil también fueron encontrados en tumbas egipcias. Incluso algunos

jeroglíficos describen "estatuas de pie" utilizadas por los antiguos egipcios en dramas

religiosos. Los escritos más antiguos sobre títeres se acreditan a Jenofonte en el

expediente de fecha del 422 A.C."

Javier Villafañe un gran titiritero Argentino

decía que el teatro de títeres es tan antiguo como

el hombre. Cuando el hombre de las cavernas veía

su sombra reflejada en las cavernas y se dio

cuenta de que era el, y a la vez no, dice que nació

la primera marioneta; el fuego hacía que la

sombra se proyectara en las cavernas, y con la

silueta se creaban figuras.

Los primeros conocimientos datan de la India del siglo XI A.C., ahí los libros

hablaban del Sutradhara que significa el que mantiene o maneja las cuerdas, por eso en la

India se cree que el teatro de títeres era anterior al drama propiamentetal. En ese tiempo

ocupaban un títere de guante en donde ocupaban los 5 dedos (no 3 como es la forma

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tradicional), existen testimonios de que existió esta técnica, pero lamentablemente está

extinta, no se sabe en concreto como era la manipulación.

El espectáculo del teatro de títeres antiguamente constaban en danzas, luego más

tarde en la India empezaron a hacer funciones de teatro para traspasar a generaciones

anteriores el Mharabata y el Ramayana.

Esto es un poco de la historia de cómo se originó el teatro de títeres, voy a hacer

etiquetas para ir puntuando país por país de cómo era el teatro de títeres en la

antigüedad hasta la época actual, que también tiene que ver con los orígenes y técnicas

desarrolladas en los países más importantes donde se desarrolló la cultura del manejo de

muñecos. También quiero aclarar que haré una etiqueta para las distintas técnicas que

vaya conociendo para que se puedan encontrar de una forma más ordenada.

1.2 Historia del títere de guante

La historia de los títeres en el mundo

occidental empieza en Grecia y continúa a Roma

para después pasar a Europa y al resto del

mundo. En Grecia coexistieron los títeres con el

teatro de actores, pero relegados a un arte

menor. La primera referencia conocida de Grecia

data del año 422 a.c. El teatro de títeres de la

época estaba realizado por titereros ambulantes y servía mayoritariamente para divertir a

círculos selectos de ciudadanos, aun cuando también se hacían representaciones en plazas

públicas. Los romanos con su conquista se llevaron las figuras manipuladas a la península

itálica. En Roma los títeres fueron una diversión de calle, no siempre podían estar en paz

con la censura y la represión del imperio. También los sacerdotes romanos usaban figuras

religiosas con mecanismos y tubos para hablar a través de ellas al pueblo.

Los personajes más característicos de las farsas primitivas de títeres en Roma

fueron tomados de la realidad, de tipos populares que más tarde influenciaron

notablemente a la commedia dell'arte —que a su vez influye sobre el teatro de títeres—

para dar nacimiento a Brighella, el Capitán, Colombina, Cassandro, Pantalón. "Lamia el

vampiro africano y Manducus el otro antiguo.

Cuando cayó el Imperio Romano en el siglo V d.c., el cristianismo fue la religión

oficial. Los titiriteros hacían sus representaciones por calles y plazas, y al no poder

dominar estas pequeñas figuras, la iglesia las utilizó en su beneficio. En un principio la

imagen de Cristo era un cordero, pero hacia el siglo VII, empezó a representarse como una

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persona. Y es aquí donde aparecen las primeras figuras articuladas religiosas, en las

iglesias de la Edad Media.

En la Edad Media se utilizaban los títeres de hilo y los títeres de plancha, que iban

atados a las rodillas y se movían con las piernas. Más adelante se utilizaron los títeres de

guante, y las funciones se hacían en unos teatrillos en forma de castillo, de aquí la

derivación en Cataluña de castellet, como nombre genérico para el teatrillo de títeres. A

partir del siglo .XVII surgieron títeres que por su popularidad consiguieron quedar fijados

por siempre jamás dentro de la historia de la cultura universal. Tenemos el Punch and

Judy inglés, el Guiñol francés, el Pulcinella italiano, el Títella catalán, etc.

En Italia, se puede distinguir al

Pulcinella, que es una de las máscaras de la

Commedia dell´Arte. Esta máscara no

designa ningún personaje artístico

determinado, sino una colección de

personajes, unidos por un nombre, una

máscara negra, una camisola blanca y una

gorra puntiaguda. Pulcinella, es por tanto el

hombre del pueblo que vive su vida sobre el

proscenio de un teatro. Un hombre que

disfruta siempre de una carga inagotable de ironía hacia sí mismo y hacia los demás.

Vagabundo al que no le gusta fatigarse prefiere ir tirando con su personal instinto

bufonesco, lo encontramos inicialmente haciendo de bufón, primero en la plaza y después

en la escena; entrando en el mundo del teatro, entre las máscaras de la Commedia,

durante los últimos años del siglo XVI y primeros del XVII. Entonces entró en el teatro de

títeres, al principio de hilo y más tarde de guante. Con esta forma se ha extendido,

exportada, puede decirse, por el mundo a centenares de teatro de títeres.

Una de las primeras imágenes del Pulcinella-títere la tenemos en un dibujo del

siglo XVI: todavía no actúa en el teatrillo y está en la mano del titiritero para llamar la

atención sobre un producto que quiere vender o para explicar alguna historia. En el teatro

con títeres de guante juegan un gran papel los bastonazos. Cuando Pulcinella intuye que

alguien le hace una mala jugada actúa por vía directa. Pero su violencia en el teatro de

títeres, (en el cual amenaza y bastonea a la gente por cualquier necesidad), sólo es por

provocar la risa de los espectadores que lo miran con la ternura que se siente por un niño

caprichoso.

En Inglaterra existieron Punch and Judy. A finales del siglo XVII, Punch hacía el

mismo papel en el teatro de títeres inglés que Polichinelle hacía en el francés; es decir era

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el payaso local de muchos espectáculos del repertorio nativo. En aquella época el títere de

hilo o marioneta era la clase de títere que más abundaba. Se controlaba desde arriba con

los hilos y una varilla en la cabeza. Para disimular los hilos de la cabeza de las marionetas,

cubrían el proscenio con una red de cables finos.

Más adelante evolucionaron al títere de guante. Los personajes Punch, hablaba

con una voz fuerte y estridente. Para hacer ese efecto el manipulador utilizaba

unalengüeta. En todas las representaciones Punch, a menudo acompañado por su mujer

Juana (Judy), tenía el papel principal. Los teatrillos de los títeres de guante se montaban al

exterior de los teatros de títeres de hilo o marionetas como reclamo de aquello que se

podía ver al interior mediante el pago de una entrada.

Al desaparecer los teatros, los manipuladores llevaron los teatrillos por las calles.

La razón de llevar a Punch por las calles fue, en origen, únicamente económica. El

argumento del espectáculo de guante debe ser muy sencillo puesto que, además de

presentarse delante de un público siempre diferente, casual, debe luchar con todos los

ruidos de la calle; cualquier sutileza en los incidentes se pierde; la acción de la

representación debe ser ágil, debe llamar la atención de los peatones y debe utilizar los

movimientos naturales de un títere de guante, que son los movimientos naturales de la

mano del hombre.

Sin ser un teatro de pura reivindicación, el

teatro de Guiñol de 1852 es un teatro de protesta.

Napoleón III se da cuenta de ello y obliga a todos los

titereros a pasar sus textos por censura. Por primera

vez en el teatro de Guiñol se redactan las obras. En

España aparece el sobrino catalán de Punch que es el

"Titella". Es un labrador joven catalán, con una mezcla

de ingenuidad y de cordura nata, comunes a los

títeres héroes en todos los países. Su candor, felicidad

y alegría, lo impulsa a toda clase de calamidades de

las cuales consigue salir gracias a su astucia,

adivinando las estratagemas de sus enemigos o provocando giros en las situaciones. Su

vestido se compone de camisa blanca de labrador catalán bajo un chaleco desabrochado,

calcetas de terciopelo negro, faja roja y la imprescindible barretina roja.

Cristeta es la protagonista femenina. Tòfol es un galán, hay un Demonio y un

Guardia Urbano, el único que habla en castellano.

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El títere de guante catalán, por su construcción tiene unas características

diferentes, por esto se le denomina "tipo catalán". El vestido inferior, que se llama "alma",

va añadido a la pieza del pecho y a las manos. Por lo tanto el títere puede cambiar de

vestuario. Una de las manos se puede desenroscar y así ponerle garrotes u otros

accesorios.

1.3 TÉCNICA

El títere de guante se manipula colocando la mano en su interior. Reciben ese

nombre porque el vestido que llevan se asemeja a un guante y se adapta perfectamente a

la mano del titiritero. Al ser el movimiento del muñeco el mismo que efectúa la mano, les

confiere una agilidad sorprendente e inimitable por cualquier otro tipo de muñecos. La

continuidad física, entre manipulador y figura traduce directamente el gesto del primero

al gesto de la segunda.

Según la manipulación existen diferentes tipos:

Guinyol o títere francés:

Con el dedo índice se agarra la cabeza, con el dedo

pulgar una mano y con el resto, la otra mano de títere.

Putxinel·li o títere tradicional catalán:

Durante mucho tiempo en Cataluña, se hacía servir una

modalidad particular de este títere, la cabeza del cual se

agarraba con tres dedos a la vez (índice, corazón, anular). Y los

otros dos dedos (meñique y pulgar), servían para mover los

brazos del títere. Antiguamente estos títeres eran de madera

tallada, como pequeñas esculturas y pesaban mucho.

Punch o títere inglés:

Con el dedo índice se aguanta la cabeza y los dedos

corazón y pulgar las dos manos del títere.

1.4 ¿Cómo hacer un títere de guante – COCODRILO-?:

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- Materiales:

* Fieltro de varios colores.

* Un folio.

* Un lápiz.

* Aguja e hilos.

* Alfileres.

* Ojos móviles (se pueden conseguir en tiendas de manualidades o para muñecos de

peluche) o botones.

* Cola de contacto.

- Preparando los patrones.

1) Ponemos la mano sobre un folio y colocamos los dedos en la

posición adecuada para este títere. El dedo índice, el dedo corazón y

el anular deben estar bien juntos y a su vez, separados del dedo gordo

y del meñique.

2) Marcamos la forma de la mano en esta posición con un lápiz o

rotulador. Dejándole un poco de margen a todo el contorno, para que

no quede muy ajustada a la mano.

3) Recortamos por la línea marcada.

4) Dibujamos la cresta en el papel y recortamos.

- Parte inferior del títere.

1) Sujetamos con alfileres el patrón de la mano al fieltro.

2) Lo marcamos con un lápiz.

3) Recortamos el fieltro, unos 5 milímetros por fuera de la marca.

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- Parte superior del títere.

1) Doblamos el patrón de la mano por la mitad y marcamos cada una de las mitades por

separado en el fieltro. Dejando también los 5 milímetros en la parte central.

2) Dibujamos y recortamos la cresta, en fieltro de otro color.

3) Unimos las dos piezas superiores por el centro, con la cresta entre una y otra.

4) Cosemos por el centro.

- Acabando el guante.

1) Recortamos en fieltro color rojo (o del color que

le venga bien a tu personaje), una tira de 1 cm de

ancho, para la lengua.

2) Recortamos un pequeño triángulo a la tira de

fieltro rojo, en uno de sus extremos.

3) Unimos las piezas de la parte superior e inferior.

4) Introducimos la lengua de fieltro entre una y otra.

5) Cosemos el contorno del guante.

Ya sólo nos queda pegarle los ojos para que esta sencilla pero simpática iguana

esté terminada.

Los ojos se los pegaremos con la cola de contacto. Eso sí, esto siempre debe

hacerlo un adulto y en un lugar bien ventilado. O bien, podemos coserle unos botones o

cualquier cosa que se nos ocurra y que le que debe bien al títere.

1.5 ESPACIO ESCÉNICO Y UBICACIÓN ESPACIAL DEL TITIRITERO

Generalmente, los espectáculos que

cuentan con títeres de guante, se establecen a

partir de un retablo también conocido como

teatrillo. Básicamente, se necesita una

estructura que haga de “pared” detrás de la

que se ocultarán los titiriteros. De este modo, el

manipulador se encuentra debajo del títere, de

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modo tal que sólo pueda observarse al objeto sin que el titiritero sea visto. Hay muchas

variantes en cuanto al espacio en que se desarrollan estos títeres. Hay algunos casos en

donde la producción es mayor, entonces el espectáculo se desarrolla en una especie de

teatro miniatura con sus paredes frontales y laterales que contienen al titiritero oculto, así

como también muchos presentan un telón.

2. Formación Estética Constructiva

Es aquella que permite al estudiante producir e interpretar obras artísticas, recordemos que este tipo de formación hay que verlas desde el punto de vista del hacer y razonar ya que esto implica la existencia de una especie de retroalimentación entre el sujeto desde sus particularidades y su comunidad. En el mismo orden de ideas, la estética constructiva permite que el estudiante sea partícipe de la dicotomía construcción/producción – desconstrucción/reproducción.

Por otro lado, el constructivismo poético reconstruye y construye el mundo que se percibe como realdad dando paso a plasmarlo, aunque simultáneamente persigue la construcción y reconstrucción del espectador. La interpretación permite generar confrontaciones internas e innovaciones externas para poder dar forma a nuevas ideas.

Para seguir con el tema debemos saber primero que se conoce como constructivismo.

El término constructivismo lo emplea por primera vez N. Punin en 1913 al criticar los relieves de Vladimir Tatlin, aunque, como movimiento, no surgió hasta 1920, respaldado por el Manifiesto realista de los hermanos Pevsner y Gabo: "Proclamamos: el espacio y el tiempo han nacido hoy. El espacio y el tiempo: las únicas formas sobre las cuales se edifica la vida, las únicas sobre las que debería edificarse el arte. Los estados, los sistemas políticos y económicos mueren con el paso de los siglos; las ideas se agostan, pero la vida es robusta; crece y no puede ser arrancada, y el tiempo es continuo en su duración real. ¿Quién nos enseñará formas más eficaces? ¿Qué hombre genial nos dará fundamentos más sólidos? ¿Qué genio concebirá para nosotros una leyenda más enervante que ese relato prosaico que se llama vida? El constructivismo nace en Rusia imbuido de las ideas de la revolución que, en nombre del proletariado, habían llevado a cabo. Este proceso se salda con una profunda crisis social y económica como consecuencia de la Guerra Mundial y la propia revolución rusa, cerrándose, de esta manera una era de la historia y se abre una nueva época para la humanidad. Aunque la revolución plástica había precedido a la revolución política.

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El rayonismo y el simultaneísmo se desarrollaron antes de 1918, abriendo el camino del constructivismo.

En el campo de las artes a partir de los años 20, existen dos tendencias abstractas pero conceptualmente diferentes. La representada por Kandinsky, Malevich, Gabo y Pevsner que defienden lo subjetivo en la obra de arte, el proceso consciente de creación y la encabezada por Rodchenko y Tatlin que propugna la inserción de la persona del artista dentro del proceso constructivo de la obra de arte, como un elemento más, poseyendo la misma importancia que los materiales o cualquier otro agente. A partir de los años veinte, el arte en Rusia se convierte en una edificación, en un producto más. El constructivismo implica que la obra de arte sea una construcción, que se articule como un edificio y se realice siguiendo métodos análogos.

2.1Características:

La obra de arte está en comunicación con el espacio que la circunda y penetra, cuya estructura invisible se materializa en ella. El arte concreto se apoyó en esta premisa.

La obra se abre por todas partes hacia el espacio y consta de elementos, frecuentemente transparentes, de formas geométricas, lineales y planas.

Se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz. Hace hincapié en lo abstracto, relacionado con la industria y la técnica, y es geométrico y

funcional.

Tiene muchos puntos de contacto con el cubismo, el futurismo y el dadaísmo.

La formación estética constructiva limita sus materiales a algunos cuántos. Nos extenderemos en cinco.

2.2Textiles

La palabra textil viene del latín "textilis" que, a su vez, lo hace del término "texere" -tejer-. Es el término genérico aplicado originalmente a las telas tejidas, pero que hoy se utiliza también para fibras, filamentos, hilazas e hilos, así como para los materiales hilados, afieltrados o no tejidos y tejidos, acolchados, trenzados, adheridos, anudados o bordados que se fabrican a partir de entrelazamiento de urdimbre y trama o tejido, ya sea plano o elástico.

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El arte textil es un arte milenario y su técnica es la del tejido. El tapiz, surge con una función decorativa y funcional, cubrir muros y separar ambientes. Durante siglos se lo consideró un arte menor. En el siglo XIX con el Art Nouveau se lo coloco al nivel de las otras artes consideradas artes mayores, como la pintura, escultura y arquitectura. Matisse, Gauguí, Picasso, incursionan en el tapiz, pero de una manera indirecta y secundaria a su hacer pictórico. Sigue una semi-revalorizacion hasta llegar a la segunda guerra mundial, donde adquiere, su propia identidad e igual libertad de expresión y valorización de la pintura y escultura.

Los más antiguos son los egipcios, babilonios, asirios, persas, chinos y japoneses, utilizando materiales como seda, hilo de oro, cuero y fieltro. La región más rica acerca de la cultura textil es la América precolombina, los tejidos reflejan su vida cotidiana como el Nazca-Perú, utilizan los motivos geométricos y en el Tilcara las telas dobles y enriquecidas con plumas, decoraciones con grecas y animales.

El arte textil tradicional y el artesanal se ponen de manifiesto en tapices, esculturas e instalaciones, empleándose variadas técnicas y materiales, desde lana, algodón, seda y fibras hasta la incorporación de materiales no tradicionales como papel, metal, cuero, materiales sintéticos, y ecológicos.

Hasta el siglo XX las fibras más utilizadas para los tejidos eran las naturales: el algodón y el lino que provienen de plantas, y la lana y la seda, que son fibras de origen animal. Posteriormente, y con el descubrimiento y desarrollo de los polímeros plásticos, se generalizó el uso de fibras artificiales que tienen origen natural y sintético de composición únicamente química, como el nylon y el poliéster. Realmente fue una nueva explotación e hizo aumentar la economía, dio más trabajo y subieron los puestos.

Las fibras que se emplearon en primer lugar en la historia del textil fueron las que la propia naturaleza ofrecía; pero aunque existen más de 500 fibras naturales, muy pocas son en realidad las que pueden utilizarse industrialmente, pues no todas las materias se pueden hilar, ni todos los pelos y fibras orgánicas son aprovechables para convertirlos en tejidos. El carácter textil de una materia ha de comprender las condiciones necesarias de resistencia, elasticidad, longitud, aspecto, finura, etc. En la naturaleza, y con la única excepción de la seda, las fibras tienen una longitud limitada, que puede variar desde 1 mm, en el caso de los asbestos, hasta los 350 mm de algunas clases de lanas, y las llamamos fibras discontinuas. Químicamente podemos fabricar fibras de longitud indefinida, que resultarían similares al hilo producido en el capullo del gusano de seda y que denominamos filamentos; estos filamentos son susceptibles de ser cortados para asemejarse a las fibras naturales (fibra cortada).

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Una primordial clasificación de las fibras textiles se hace dividiéndolas en dos grandes grupos: fibras naturales y fibras artificiales. El primer grupo está constituido por todas aquellas fibras que como tales se encuentran en estado natural y que no exigen más que una ligera adecuación para ser hiladas y utilizadas como materia textil. El segundo grupo lo forman una gran diversidad de fibras que no existen en la naturaleza sino que han sido fabricadas mediante un artificio industrial.

En cuanto a las fibras naturales, cabe hacer una subdivisión según el reino natural del que proceden: animales, procedentes del reino animal; vegetales, procedentes del reino vegetal; minerales, procedentes del reino mineral.

En cuanto a las fibras artificiales, aquellas que han sido fabricadas en un proceso industrial, una parte de ellas, más raras y menos abundantes, son las manufacturadas físicas, proceden de la industria que por medios físicos le confiere a una materia forma de fibra: como, por ejemplo, el vidrio, el papel y muchos metales. Otro gran conjunto lo constituyen las fibras manufacturadas químicas, obtenidas en la industria química a base de polímeros naturales o polímeros sintéticos.

Lana

La Biblia menciona la gran calidad de la lana que se vendía en la ciudad de Damasco. Los antiguos pueblos del Cáucaso vestían mantos de lana denominados shal (de donde deriva la palabra chal). Las ovejas se criaban por su lana —además de por su carne y su piel— en toda la zona mediterránea. Sicilia y el sur de Italia proporcionaban lana a Roma para la confección de prendas de vestir; durante los primeros siglos de la era cristiana se pusieron de moda los tejidos de seda importados de China. La mejor lana procedía de las ovejas merinas criadas en Castilla (España).

Lino

Los primeros en utilizar el lino fueron los antiguos egipcios (probablemente la palabra lino se deriva de un vocablo egipcio). Dado que los primeros tejidos de lino por lo general eran blancos, esta materia se convirtió en un símbolo de pureza, por lo que los egipcios no sólo lo usaban para la confección de prendas de vestir y artículos domésticos, sino también para sus prácticas religiosas. En el antiguo Egipto también se producían textiles con algodón importado de la India.

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Algodón

Aunque el algodón es la fibra textil más común en la actualidad, fue la última fibra natural en alcanzar importancia comercial. En el siglo V a.C. el historiador griego Heródoto informaba que uno de los productos valiosos de la India era una planta silvestre cuyo fruto era el vellón; en el siglo siguiente, Alejandro Magno introdujo el algodón indio en Grecia. Aunque los antiguos griegos y romanos utilizaban algodón para toldos, velas y prendas de vestir, en Europa no se extendió su uso hasta varios siglos después.

En América, los habitantes del México prehispánico utilizaban algodón para elaborar telas. Durante los siglos XV y XVI los exploradores europeos encontraron textiles de algodón en las Antillas y Sudamérica. Los primeros colonos ingleses ya cultivaban algodón; con la introducción de la desmotadora de algodón, inventada en 1793 por el estadounidense Eli Whitney, el algodón se convirtió en la fibra más importante del mundo en cuanto a su cantidad, su bajo costo y su utilidad.

Seda

Según la leyenda china, la seda empezó a tejerse en el siglo XXVII a.C. durante el reinado del emperador Huang Ti, cuya esposa desarrolló supuestamente la técnica de devanar el hilo del gusano de seda para tejerlo. Aunque durante muchos siglos se exportaron seda en bruto y los tejidos de seda a los países mediterráneos, la fuente de dicha fibra no fue conocida por los europeos hasta el siglo VI d.C., cuando unos viajeros que volvían de China trajeron de contrabando a Occidente huevos del gusano de seda; a partir de ellos empezaron a criarse gusanos en Grecia e Italia. En el siglo XII, la seda se usaba ya en toda Europa para la confección de tejidos suntuosos.

Fibras Sintéticas

La belleza y el precio de la seda estimularon a muchos de los primeros científicos a desarrollar una fibra que se pareciera al hilo del gusano de seda. En 1664 el científico británico Robert Hooke sugirió la posibilidad de sintetizar una sustancia pegajosa semejante al fluido segregado por el gusano de seda para tejer su capullo. Sin embargo pasaron más de 200 años hasta que un científico francés (el conde Hilaire de Chardonnet) inició la producción artificial de fibras, conocidas al principio como seda artificial. El proceso de Chardonnet, que seguía el principio sugerido por químicos anteriores, consistía en forzar el paso de un líquido viscoso a través de pequeñas toberas (denominadas boquillas de hilatura) y endurecer el fluido para formar hilo coagulándolo en un baño

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químico. Este proceso sigue siendo el método básico para producir fibras textiles sintéticas. En 1924, el término ‘seda artificial’ fue sustituido por el de rayón.

El nailon se introdujo en la década de 1930. Esta fibra, más resistente que la seda, se utiliza mucho en la confección de prendas de vestir, calcetería, tela de paracaídas y cuerdas. A partir de 1940 muchas otras fibras sintéticas alcanzaron importancia en la industria textil, como el poliéster (a veces denominado dacrón), el polivinilo, el polietileno y la olefina (véase Plásticos). En 1968 se introdujo un nailon parecido a la seda conocido como qiana. Los tejidos fabricados con qiana no se arrugan, mantienen los plisados y tableados y presentan colores bien definidos y estables al ser teñidos.

La utilización de fibras artificiales condujo a numerosos cambios en la economía textil, debido a que los métodos de producción y características físicas de estas fibras podían adaptarse para cumplir requisitos específicos. Los países altamente industrializados, que antes estaban obligados a importar algodón y lana como materias primas para los textiles, pasaron a fabricar sus propias fibras a partir de recursos disponibles como el carbón, el petróleo o la celulosa. El desarrollo de las fibras sintéticas llevó a la producción de nuevos tipos de tejidos, duraderos y de fácil lavado y planchado.

Tapices y otros tejidos

El telar -básico en estas tres actividades artesanas- se conoce desde hace miles de años; los peruanos lo empleaban ya, y con técnica muy complicada, en el tercer milenio antes de Jesucristo.

El sector textil no abarca solamente la fabricación de tejidos, el diseño de prendas y su confección. Una poderosa ingeniería textil se ocupa de investigar en el diseño de tecnología que perfeccione el hilado de la fibra, con mayor producción, más calidad y menos coste; se ocupa también en la investigación sobre materias primas que, siendo abundantes (como los hidrocarburos), son susceptibles de transformaciones tales que con ellas pueden obtenerse fibras textiles de un bajo coste y de alta calidad.

2.3: Arte culinario

El arte culinario es, indiscutiblemente, "Arte", tarea de artistas que saben armonizar una serie de elementos para provocar el deleite con su obra. El término Arte se suele contraponer al de Técnica: actividad encaminada a la creación de objetos de valor práctico. Sin embargo, cuando un artista logra una obra de arte es porque ha sabido manejar las herramientas necesarias: las técnicas y los materiales.

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Análogamente, para que en la elaboración de platillos se llegue con perfección al "arte culinario", es necesario llevar a cabo de manera sistemática los métodos de trabajo requeridos, de tal forma que no sólo satisfagan una necesidad primaria, sino que sean un deleite para los sentidos, es decir, que provoquen placer en el comensal, tanto a la vista como al olfato y, primordialmente, al gusto.

La culinaria o arte culinario es una forma creativa de preparar los alimentos y depende mucho de la cultura, en términos de conocimientos respecto a los alimentos, su forma de prepararlos, así como de los rituales sociales establecidos alrededor de la comida. No hay que confundirlo con gastronomía, que englobaría a esta en un campo más general dedicado a todo lo relacionado con la cocina.

Existe un arte culinario característica en cada pueblo, cultura y región. Hoy en día con el fenómeno de la globalización, con la continua comunicación de millones de personas y la influencia de los medios de comunicación, así como del comercio han conducido a un mayor conocimiento y aprecio de las cocinas foráneas, y una mayor facilidad para acceder a su preparación. Sin embargo, una gran mayoría de esas recetas y sus variaciones tienen sus orígenes en las cocinas tradicionales desarrolladas a lo largo de mucho tiempo, con rituales de preparación transmitidos a lo largo de muchas generaciones.

La cocina tradicional es un arte fundamentalmente social con caracteres locales y tradicionales, pero la sociedad moderna ha conseguido facilitar su elaboración y materias primas que se cultivan a miles de kilómetros. Es importante, en la cocina moderna esta base de distintos orígenes étnicos y culturales.

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El tipo de cocina depende, del cocinero, de los ingredientes y de las costumbres u obligaciones culturales, médicas y religiosas para unos alimentos en concreto.

Decimos, entonces, que algunos alimentos (casi todos) deben pasar por un proceso llamado cocción, que es la aplicación de calor u otras técnicas para conservar y modificar su sabor, color y textura; de esta manera serán estos aptos para el consumo humano.

Para que un alimento sea parte íntegra del modo de alimentación tendrá que estar fácilmente disponible, en cantidad adaptada a las necesidades humanas y, a ser posible, a buen precio.

Como el hombre se nutre, no solamente para asegurar su crecimiento y desarrollo sino también por placer, los alimentos tendrán que tener a menudo unas calidades gustativas, las cuales cambian según las sociedades. Comer es también un acto social, algunas personas intentan no comer ciertos alimentos por su imagen desvalorizante (el aceite de colza después de la Primera Guerra Mundial), buscan unos más raros y caros (el foie-gras o el caviar) o rivalizan de imaginación para preparar algún plato de manera compleja, apetitosa y visualmente satisfactoria.

La cocina es además el soporte y manifestación de alguna posición religiosa y hasta política. Así, algunas costumbres culturales o algunas religiones han puesto tabúes sobre ciertos alimentos o preparaciones.

Los alimentos y modos de preparación elegidos dependen de los principios de cada consumidor. Buscar alimentos con etiqueta de calidad o Denominación de Origen, de agricultura biológica o el re-uso de comer alimentos de origen animal (vegetarianos, por ejemplo) viene a menudo de una elección ética, igual que el deseo de no-violencia a los animales, o para no imponer un impacto tan grande para la biosfera (desde el punto de vista energética, la producción de 1 kilo de proteínas animales resulta más cara que la misma cantidad de proteínas vegetales). Estas posiciones son muy defendidas por los ecologistas, ver también macrobióticos.

La elección inicial de los alimentos depende de múltiples variables: antes, el primer factor fue el de la disponibilidad, por ejemplo la carne de mamut en una eco-región al norte de Europa o los períodos de recolección de los agroalimentos. Las costumbres y técnicas alimentarias se formaron en torno a esos períodos favorables y de la disponibilidad de los combustibles (madera, carbón).

Ahora, para la mayor parte de la humanidad, los alimentos utilizados, más o menos variados, vienen de los huertos e invernaderos, conforme a la biodiversidad de cada región. En los países industrializados se compran en los comercios próximos o en supermercados. Encontramos alimentos sin transformar, parcial o completamente preparados listos para su consumo. En este caso lo único que hace falta es calentarlo; si se desea.

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Gracias a la multiplicación de los intercambios entre países se puede encontrar frutas y verduras en todo momento del año, cosa que antes era imposible. Esta disponibilidad permanente de algunos comestibles ya ha cambiado la conducta alimentaria y numerosos ritos. También se ha observado un abandono progresivo del consumo de varios alimentos, víctimas del fenómeno de la moda o simplemente olvidados por la industria agroalimentaria.

2.4 : Metal

Metal se usa para denominar a los elementos químicos caracterizados por ser buenos conductores del calor y la electricidad, poseen alta densidad y son sólidos en temperaturas normales (excepto el mercurio); sus sales forman iones electropositivos (cationes) en disolución.

La ciencia de materiales define un metal como un material en el que existe un solape entre la banda de valencia y la banda de conducción en su estructura electrónica (enlace metálico). Esto le da la capacidad de conducir fácilmente calor y electricidad, y generalmente la capacidad de reflejar la luz, lo que le da su peculiar brillo. En ausencia de una estructura electrónica conocida, se usa el término para describir el comportamiento de aquellos materiales en los que, en ciertos rangos de presión y temperatura, la conductividad eléctrica disminuye al elevar la temperatura, en contraste con los semiconductores..

El concepto de metal refiere tanto a elementos puros, así como aleaciones con características metálicas, como el acero y el bronce. Los metales comprenden la mayor parte de la tabla periódica de los elementos y se separan de los no metales por una línea diagonal entre el boro y el polonio. En comparación con los no metales tienen baja electronegatividad y baja energía de ionización, por lo que es más fácil que los metales cedan electrones y más difícil que los ganen.

Metales como el oro, la plata y el cobre, fueron utilizados desde la prehistoria. Al principio, sólo se usaron los que se encontraban fácilmente en estado puro (en forma de elementos nativos), pero paulatinamente se fue desarrollando la tecnología necesaria para obtener nuevos metales a partir de sus menas, calentándolos en unhorno mediante carbón de madera.

El primer gran avance se produjo con el descubrimiento del bronce, fruto de la utilización de mineral de cobre con incursiones de estaño, entre 3500 a. C. y 2000 a. C., en diferentes regiones del planeta, surgiendo la denominada Edad del Bronce, que sucede a la Edad de Piedra.

Otro hecho importante en la historia fue la utilización del hierro, hacia 1400 a. C. Los hititas fueron uno de los primeros pueblos en utilizarlo para

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elaborar armas, tales como espadas, y las civilizaciones que todavía estaban en la Edad del Bronce, como los egipcios o los aqueos, pagaron caro su atraso tecnológico.

No obstante, en la antigüedad no se sabía alcanzar la temperatura necesaria para fundir el hierro, por lo que se obtenía un metal impuro que había de ser moldeado a martillazos. Hacia el año1400 d. C. se empezaron a utilizar los hornos provistos de fuelle, que permiten alcanzar latemperatura de fusión del hierro, unos 1.535 °C.

Henry Bessemer descubrió un modo de producir acero en grandes cantidades con un coste razonable. Tras numerosos intentos fallidos, dio con un nuevo diseño de horno (el convertidor Thomas-Bessemer) y, a partir de entonces, mejoró la construcción de estructuras en edificios y puentes, pasando el hierro a un segundo plano.

Poco después se utilizó el aluminio y el magnesio, que permitieron desarrollar aleaciones mucho más ligeras y resistentes, muy utilizadas en aviación, transporte terrestre y herramientas portátiles.

El titanio, es el último de los metales abundantes y estables con los que se está trabajando y se espera que, en poco tiempo, el uso de la tecnología del titanio se generalice.

Los elementos metálicos, así como el resto de elementos, se encuentran ordenados en un sistema denominado tabla periódica. La mayoría de los elementos de esta tabla son metales. Los metales se diferencian del resto de elementos, fundamentalmente en el tipo de enlace que constituyen sus átomos. Se trata de unenlace metálico y en él los electrones forman una «nube» que se mueve, rodeando todos los núcleos. Este tipo de enlace es el que les confiere las propiedades de conducción eléctrica, brillo, etc.

Hay todo tipo de metales: metales pesados, metales preciosos, metales ferrosos, metales no ferrosos, etc. y el mercado de metales es muy importante en la economía mundial.

Propiedades

La gran resistencia del metal junto a la facilidad de su trabajo lo hacen un material excelente para cualquier construcción. Los metales poseen ciertas propiedades físicas características, entre ellas son conductores de la electricidad. La mayoría de ellos son de color grisáceo, pero algunos presentan colores distintos; el bismuto (Bi) es rosáceo, el cobre (Cu) rojizo y el oro (Au) amarillo. En otros metales aparece más de un color; este fenómeno se denomina policromismo.

Otras propiedades serían:

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Maleabilidad: capacidad de los metales de hacerse láminas al ser sometidos a esfuerzos de compresión.

Ductilidad: propiedad de los metales de moldearse en alambre e hilos al ser sometidos a esfuerzos de tracción.

Tenacidad: resistencia que presentan los metales a romperse o al recibir fuerzas bruscas (golpes, etc.)

Resistencia mecánica: capacidad para resistir esfuerzo de tracción, comprensión, torsión y flexión sin deformarse ni romperse.

Suelen ser opacos o de brillo metálico, tienen alta densidad, son dúctiles y maleables, tienen un punto de fusión alto, son duros, y son buenos conductores (calor y electricidad).

Repujado en Metal

El repujado en metal se realiza con materiales blandos como aluminio, estaño, latón, oro o plata.

Se realiza trabajando el metal con estiletes y esfominos de diferentes tamaños y formas desde el envés de la pieza, dispuesta sobre una superficie blanda o dura que permita la progresiva deformación de la superficie trabajada, para alcanzar plasmar el dibujo que queremos realizar. De esta forma, se trabaja en "negativo", hundiendo más aquellas zonas que deben obtener por el lado contrario mayor relieve, se trabaja el metal por la cara anterior y posterior.

Los detalles finales del dibujo se obtienen trabajando la parte de detrás de la pieza con esfominos, resaltando las partes que estén mas cercanas a nosotros y las que queramos realzar. Por delante perfilamos el dibujo con buriles más finos para obtener una mayor definición.

El siguiente paso, consiste en reforzar la pieza para evitar que el dibujo conseguido pueda deformarse con su uso posterior. Dependiendo de la naturaleza del material trabajado, esto puede obtenerse endureciendo la pieza o rellenando el hueco posterior con un material maleable como resanador de madera mezclado con goma o alguna material moldeable como cera o yeso, que al secar sea lo suficientemente dura para no permitir la deformación del dibujo o del metal.

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El paso final sería, si es en aluminio, mediantes una pátina negra, apaciguar el metal y hacer que realcen las partes más destacadas y luego fijaremos esa pátina. Si es en estaño, mediante ácido, puliremos el metal, hasta lograr alcanzar el brillo deseado.

Rejería

Como su propio nombre indica, se conocen como artes del metal aquellas manifestaciones artísticas, de carácter utilitario y/o decorativo que utilizan cualquier tipo de metales para su fabricación. Aunque su existencia se retrotrae hasta los períodos más antiguos de la historia de la humanidad, los historiadores del arte se han ocupado, específicamente, de las que se han producido desde finales de la Edad Media hasta el siglo XIX.

La reja es una red de barras metálicas, generalmente de hierro forjado (aunque también existen de bronce), que protege un recinto o un vano. Estilísticamente, el arte de la rejería responde a la evolución general de la historia de la arquitectura y de la decoración, de manera que es posible hacer un seguimiento de formas y usos, ligados a los problemas espaciales, ornamentales y simbólicos de cada período histórico.

Desde fines del siglo XV y, sobre todo, en el siglo XVI, la reja tiene un papel fundamental como cierre de los presbiterios y capillas en las iglesias. En el Renacimiento hubo auténticos maestros en el arte de la rejería, como el maestro Bartolomé, autor de la reja de la Capilla Real de Granada (1518-1523), que llega a ser un elemento indispensable del conjunto.

También tuvo mucha importancia la rejería en la época barroca, utilizada en palacios (balcones y ventanas) y cierre de jardines, como las verjas de bronce de la plaza Stanislas de Nancy (1752). Asimismo, en la época modernista, el arte de la rejería cobra importancia como un elemento asociado a la arquitectura civil, además de la religiosa.

Orfebrería y platería

En sentido estricto, la orfebrería es el arte de la fabricación de objetos en oro, aunque, ocasionalmente, se le da un sentido más extenso, que incorpora, también, no solo los de plata, sino cualquier trabajo con metales y piedras preciosas.

En todas las civilizaciones las piezas de orfebrería han ocupado una altísima consideración, dado el valor intrínseco del material con el que están realizadas. Por lo tanto, están asociadas siempre a actividades de profundo sentido simbólico.

El término «platería» suele aplicarse al arte de fabricar vasijas u objetos de cualquier clase a base de plata. Igualmente, su uso es antiquísimo, aunque como problema históricoartístico específico, los estudios de platería se han centrado, preferentemente y

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como ocurre en el caso de la rejería, en el período que va desde fines de la Edad Media al siglo XIX.

Para su utilización, la plata se mezcla con materiales de calidad inferior para rebajar su pureza y conseguir mayor dureza. Este procedimiento, como hacía disminuir el valor intrínseco de los objetos, y no era observable a simple vista, estuvo sometido a disposiciones legales a lo largo de la historia, para evitar que se cobrase un valor superior al que realmente tenía.

El trabajo se llevaba a cabo de diversos modos, con martillos, troqueles, prensas de estampado, moldes de madera, soldadura o fundición. En el estudio de la platería, el historiador del arte tiene en cuenta, en primer lugar, las marcas de plateros, que son los sellos con los que los artífices designan sus piezas.

Los plateros, como los demás oficios artísticos, se regían por un sistema gremial, que comenzaba con el aprendizaje (siempre al servicio del maestro); finalizado este período, se llegaba a oficial, que trabajaba para distintos plateros; para alcanzar el grado de maestro, en algunos lugares, se realizaban exámenes. Como todos los otros artífices, el platero era considerado un artesano más, aunque el valor de la materia y el contacto con aristócratas le llevaron enseguida a tomar conciencia de su trabajo.

La realización de las piezas se llevaba a cabo mediante contrato. En España, la clientela de los plateros fue, muy frecuentemente, eclesiástica. Eso determina los tipos de objetos más comunes, que forman parte del ajuar litúrgico: cálices, custodias, hostiarios, crismeras, relicarios, candeleros, cruces, coronas, relicarios... Ello no quiere decir que no hubiera trabajos en plata de uso no litúrgico. Generalmente, los trabajos en plata están muy influidos por la arquitectura, a la que deben asociarse estilísticamente.

Existen estampas, con modelos decorativos, que se difunden, con más o menos seguimiento. No obstante, incluyen también muchos elementos figurativos. Por lo tanto, el estudio de un objeto de plata, además de tener en cuenta su uso funcional, representativo y simbólico, ha de valorar aspectos del lenguaje arquitectónico, del ornamento y de la plástica escultórica.

2.5 Madera

La madera es un material ortotrópico encontrado como principal contenido del tronco de un árbol. Los árboles se caracterizan por tener troncos que crecen cada año y que están compuestos por fibras de celulosa unidas con lignina. Las plantas que no producen madera son conocidas como herbáceas.

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Como la madera la producen y utilizan las plantas con fines estructurales, es un material muy resistente, y gracias a esta característica y a su abundancia natural, es utilizada ampliamente por los humanos ya desde tiempos muy remotos.

Una vez cortada y secada, la madera se utiliza para muchas y diferentes aplicaciones. Una de ellas es la fabricación de pulpa o pasta, materia prima para hacer papel. Artistas y carpinteros tallan y unen trozos de madera con herramientas especiales para fines prácticos o artísticos. La madera, es también un material de construcción muy importante desde los comienzos de las construcciones humanas y continúa siéndolo hoy.

En la actualidad y desde principios de la revolución industrial, muchos de los usos de la madera han sido cubiertos por metales o plásticos. Sin embargo, es un material apreciado por su belleza y porque puede reunir características que difícilmente se conjuntan en materiales artificiales.

La madera que se utiliza para alimentar el fuego se denomina leña y es una de las formas más simples de biomasa.

Según su dureza, la madera se clasifica en:

Maderas duras: son aquellas que proceden de árboles de un

crecimiento lento, por lo que son más densas y soportan mejor las inclemencias del tiempo si se encuentran a la intemperie que las blandas. Estas maderas proceden de árboles de hoja caduca, que tardan décadas, e incluso siglos, en alcanzar el grado de madurez suficiente para ser cortadas y poder ser empleadas en la elaboración de muebles o vigas de los caseríos o viviendas unifamiliares. Son mucho más caras que las blandas, debido a que su lento crecimiento provoca su escasez, pero son mucho más atractivas para construir muebles con ellas. También son muy empleadas para realizar tallas de madera o todo producto en el cual las maderas macizas de calidad son necesarias.

Maderas blandas: el término madera blanda es una denominación

genérica que sirve para englobar a la madera de los árboles pertenecientes a la orden de las coníferas. La gran ventaja que tienen respecto a las maderas duras, procedentes de especies de hoja caduca con un periodo de crecimiento mucho más largo, es su ligereza y su precio, mucho menor. Este tipo de madera no tiene una vida tan larga como las duras, pero puede ser empleada para trabajos específicos. Por ejemplo, la madera de cedro rojo

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tiene repelentes naturales contra plagas de insectos y hongos, de modo que es casi inmune a la putrefacción y a la descomposición, por lo que es muy utilizada en exteriores. La manipulación de las maderas blandas es mucho más sencilla, aunque tiene la desventaja de producir mayor cantidad de astillas. Además, la carencia de veteado de esta madera le resta atractivo, por lo que casi siempre es necesario pintarla, barnizarla o teñirla.

Proceso de obtención de la madera

Apeo, corte o tala: en este proceso intervienen los leñadores o la cuadrilla de operarios que suben al monte y con hachas o sierras eléctricas o de gasolina cortan el árbol y le quitan las ramas, raíces y empiezan a quitarle la corteza para que empiece a secarse. Se suele recomendar que los árboles se los corte en invierno u otoño. Es obligatorio replantar más árboles que los que se cortaron.

Transporte: es la segunda fase y es en la que la madera es transportada desde su lugar de corte al aserradero y en esta fase dependen muchas cosas como la orografía y la infraestuctura que haya. Normalmente se hace tirando con animales o maquinaria pero hay casos en que hay un río cerca y se aprovecha para que los lleve, si hay buena corriente de agua se sueltan los troncos con cuidado de que no se atasquen pero si hay poca corriente se atan haciendo balsas que se guían hasta donde haga falta.

Aserrado: en esta fase la madera es llevada a unos aserraderos. En los cuales se sigue más o menos ese proceso y el aserradero lo único que hace es dividir en trozos la madera según el uso que se le vaya a dar después. Suelen usar diferentes tipos de sierra como por ejemplo, la sierra alternativa, de cinta, circular o con rodillos. Algunos aserraderos combinan varias de estas técnicas para mejorar la producción.

Secado: este es el proceso más importante para que la madera sea de calidad y esté en buen estado aunque si fallan los anteriores también fallara este.

Existen comentarios al respecto de su uso en el arte. Por ejemplo, se discute el uso de metales y madera. El maestro Grosso en su web dice:

“En el arte contemporáneo nos encontramos con escultores que, tratando de lograr nuevas e innovadoras fuentes comunicacionales de su arte ante el público, buscaron ensamblar y fusionar de alguna manera, materias como el metal y la madera. Tratando de elevar la bidimencionalidad de sus obras, han incorporado a las mismas soportes de maderas adheridos mediante ciertos pegamentos a láminas de aluminio.

Hay que tener en cuenta, que las maderas dependiendo de los cambios constantes de temperatura y la humedad variable del ambiente en que se encuentre la misma, sus fibras entran en expansión y contracción produciendo a mediados o largo plazos resquebrajamientos de la misma, si no son controlables dichos cambios térmicos y de humedad, además de tomar en cuenta y evaluando profesionalmente, si se utiliza como soporte para otra materia donde formara parte del ensamble de una escultura.

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El aluminio, por ser unos de los metales de gran conductividad de temperaturas, dependiendo de los cambios ambientales, el mismo, no es recomendable adherirlo mediante ciertos pegamentos, a un soporte de madera, ya que por alteraciones anteriormente enumeradas de la madera y de dicho metal, por su constante movimiento terminarían desprendiéndose el adhesivo, y por ende se separarían los mismos de la obra, con el consiguiente daño a la misma.”

Talla de madera

Una talla es una obra de escultura, especialmente en madera. La madera se talla mediante un proceso de desbaste y pulido, con el propósito de darle una forma determinada, que puede ser un objeto concreto o abstracto. El producto final puede ir desde una escultura individual hasta moldes trabajados a mano que forman parte de una tracería.

Es una actividad muy antigua y extendida. Algunos de los mejores ejemplos que subsisten de antigua madera tallada provienen de la Edad Media en Italia y Francia, donde los temas típicos de aquella época era la iconografía cristiana. En Inglaterra subsisten ejemplos de los siglos XVI y XVII, época en la que el medio preferido era el roble.

Desde las épocas más remotas la decoración de madera ha sido un arte destacado. La tendencia de la naturaleza humana ha sido siempre ornamentar cada artículo de uso ordinario. La Humanidad, desde sus primeros tiempos, cortan dibujos o diseños en cada artículo de madera que es susceptible de talla. Así puede verse en la obra de diversos pueblos que conservan esta tradición: los indios de Norteamérica tallan sus anzuelos o las boquillas de las pipas, lo mismo que los polinesios tallan sus remos.

Sus aplicaciones son variadísimas, aunque su principal función es la decoración y el ornamento. Se usa tanto a nivel arquitectónico como para el embellecimiento de objetos de uso cotidiano.

Como toda artesanía, tiene un componente artístico, en el cual el tallista-artesano vuelca su talento creativo para sacar de unas simples tablas una obra de arte, y otro componente, técnico y mecánico, que hay que tener en cuenta para que la materia prima responda a los esfuerzos del tallista y logre el resultado deseado.

Para realizar la talla en madera se emplean herramientas especializadas como lagubias, eligiéndose maderas de alta densidad y que no se astillan fácilmente.

2.6: Cerámica

La palabra cerámica se deriva de otra palabra del griego antiguo que se utilizaba para describir el material alfarero llamado arcilla. Consecuentemente la palabra cerámica

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fue inicialmente utilizada para describir artículos que habían sido hechos por materiales donde predominaba la arcilla. Sin embargo esta definición no puede seguirse aplicando a las cerámicas eléctricas las cuales contienen muy poca o ninguna arcilla. Por lo tanto ha sido necesario ampliar el concepto de cerámica relacionándolo no con la composición química de los materiales que la constituyen ni con sus propiedades físicas sino con los artículos manufacturados mediante un proceso tecnológico particular.

De esta forma podemos definir los materiales cerámicos (cerámicas) como aquellos materiales inorgánicos con los cuales se pueden hacer piezas de diversas formas que posteriormente se someten a procesos de cocción a altas temperaturas.

El arte de la cerámica es una de las grandes herederas de los antiguos "alquimistas", es por lo tanto, en gran medida, una experiencia directa y continua, en todos los campos, las pastas cerámicas y sus componentes, los pigmentos y sus mezclas, los componentes para cubiertas y el gran protagonista: ¡el fuego! El origen de la cerámica es mítico, la creencia judeocristiana sostiene, de forma pedagógica, que Dios creó a Adán y Eva del barro de la tierra, modelándoles con sus manos, convirtiendo, de esta forma, a Dios en el primer alfarero, todo lo cual se recoge de manera perfecta en los octosílabos, anónimos populares de la siguiente quintilla:

“Oficio noble y bizarro, entre todos el primero,

pues en el arte del barro, Dios fue el primer alfarero

y el hombre el primer cacharro.”

La cerámica es una de las actividades más antiguas del ser humano, quizás antecesora de muchas otras formas de arte. Cerámica en griego significa ‘sustancia quemada’ o ‘sustancia calentada’, por lo cual podríamos describir a esta actividad como la que se encarga de cocinar determinados tipos de materiales con el objetivo tal de solidificarlos y darles consistencia permanente. Las primeras formas de cerámica han sido encontradas en el último período de la Era de piedra de la Prehistoria, período conocido como Neolítico en el cual el hombre tuvo que comenzar a construir sus propios elementos de almacenamiento para los productos agrícolas y alimenticios que producía.

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Las primeras noticias que se tienen de la aparición de la cerámica es durante el periodo neolítico, alrededor del año 6.400 antes de nuestra era. Es una cerámica muy rudimentaria hecha a mano que imita la cestería.

Durante la edad de los metales aparecen los cuencos y ollas ovoides y campaniformes. Su decoración consistía en las huellas de los dedos durante su confección. En esta época se descubrió que el barro perdía su plasticidad cuando se sometía al fuego y para su decoración se emplearon distintas tierras coloreadas.

La temática de su decoración era muy simple: elementos geométricos vegetales, formas de aves, componiendo un friso o cenefa.

Las regiones más ricas, en este tipo de cerámica, se han descubierto en Asia Menor, Mesopotamia y, en centro europa, en La Tène y Hallstat.

En este periodo se encuentran las primera representaciones de la figura humana, las famosas "venus", representando la fecundidad, tanto humana como de la tierra.

Egipto:

En el antiguo reino de Tebas y Beni-Hassán, se tiene constancia que desde la disnastía IV y V (2600-2350 a.c) se utilizó el torno cerámico.

Por sus creencias religiosas, enterraban a sus muertos con todas sus pertenencias terrenales: vasos, copas, platos, collares y objetos de indumentaria.

Los objetos cerámicos estaban esmaltados usando colores verdes y azul, destacando los escarabajos azules decorados usando óxido de cobalto.

Mesopotamia:

Las civilizaciones del Próximo Oriente, Babilonia, Caldea y Asiria, se situan en la franja conocida como "creciente fertil", comprendida entre los ríos Tigris y Eufrates y el Mar Mediterraneo.

Los caldeos-asirios aplicaron el barro usaron el barro, no solamente para la construcción de vasijas, también para la fabricación de ladrillos con los que construyeron edificios tanto de tipo civil como religioso. Lo podemos observa en los restos del palacio de Khorsabad.

En ocasiones estos ladrillos se decoraron a partir de una pasta silícea coloreada que producía un esmalte vitreo. Debemos dejar constancia que en occidente todavía no se

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conocía el esmalte. El "friso de los arqueros", en el palacio de Dario en Susa es un ejemplo. (Louvre).

En esta civilización aparece la escritura cuneiforme. Se tiene constancia que los babilonios conocían el torno.

Los elementos ornamentales de la cerámica son de formas geométricos utilizando colores pardos sobre fondo blanco.

Grecia:

Rodas y Corintio destacan en la producción de cerámica arcaica, llegando a su máxima expresión en la cerámica ática del Siglo V, decorada con figuras rojas sobre fondo negro. Esta decoración se realizaba aplicando un engobe o pasta coloreada que se aplicaba sobre la pieza en el proceso de secado "dureza de cuero" y posteriormente se serigrafiaba las figuras con un punzón, dejando al descubierto la arcilla original, generalmente roja.

Los griego fueron prolíferos en la creación de variedad formas de vasijas cerámicas, aunque no sabemos bien la función que cada una desempeñaba. Entre otras podemos citar: ánfora, peliké, hidrya, krátera, kyatos, skyphos ..., se supone que todo esto vino favorecido por el auge del comercio, empleándose las diversas vasijas para transportar todo tipo de mercancías, aceite, vino, agua, trigo, perfumes, conservas, pescados ... etc. ¿cuáles asociaríais con cada cual?

Etruria:

En la cultura etrusca, destaca sobre manera, las tumbas, vasijas en forma de urna. La característica principal es que estaban confeccionadas con un barro con multitud de impurezas, por lo que se cree que lo utilizaban según lo encontraban en la naturaleza, con un grano desigual, de color oscuro. La manufactura era de paredes gruesas, mostrando una cocción imperfecta.

Roma:

Fue el heredero de la civilización griega, mostrándose siempre como un pueblo práctico. No se preocuparon de mejorar ni embellecer la cerámica heredada pero si buscaron una utilidad práctica, por eso la cerámica romana es ordinaria pero con una técnica perfecta Las legiones de Augusto difundieron por todo el imperio la cerámica "sigillata", como útiles de mesa.

Las formas más comunes son tazas, ollas con tapadera, cuencos, linternas, destacando sobre todas ellas y erigiéndose en la vasija representativa el ánfora alargada, esbelta, de cuello alto, terminada en punta y con dos asas laterales.

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Arabia.

Hace su aparición durante el Siglo VIII que recoge la tradición de los pueblos sirio-persas, aunque introduce un aplicación, del esmalte blanco (mal llamado barniz blanco opaco), empleando dióxido de estaño. La característica más sobresaliente de la cerámica árabe, se puede concretar en que toda ella presenta un reflejo metálico, el cual se conseguía mediante una mezcla de cinabrio, sulfato de cobre, óxido de hiero, azufre y plata, actuando, en ocasiones el vinagre como disolvente. Esta aplicación siempre se cocía a más baja temperatura que el esmalte de base compuesto por: sulfuro de plomo, dióxido de estaño, sílice y arena con detalles en azul cobalto.

Una característica de la cerámica primitiva es que es una monococción. Las formas de las vasijas de uso diario eran sencillas y estaban decoradas, principalmente, con motivos geométricos. Los colores predominantes son, marrones-violáceos, conseguidos a partir del óxido de manganeso y los verdes, con el óxido de cobre. También se usaban como elemento decorativo las incisiones y perforaciones.

El mayor impulso se fraguó en la época del califato de Córdoba. Aplicaron el barniz plúmbeo o vidriado, al mismo tiempo que lo coloreaban usando la mezcla de óxidos. Se inicia la técnica de la "cuerda seca", que consiste en aplicar unas finas líneas de materia grasa con el fin de que no se mezclen colores colindantes. La fabricación de ladrillos también experimento un gran avance.

Los centros más importantes de producción cerámica en España son Toledo, Córdoba, Medina Azzahara, Elvira y con los nazaríes Almería, Málaga, Manises y Granada. Hacia el siglo XIV se desplazará esta influencia hacia Paterna y Teruel.

China y Japón:

Las primeras noticias que tenemos de china corresponden al periodo de 618 al 906, donde se encuentras figurillas de una pasta porosa, compacta coloreada y revestida de un barniz que da colores verdes y azules turquesa. Fue con la dinastía Sung cuando dotaron a las pastas compactas de gres y porcelana de un aspecto inconfundible, basándose en la naturaleza propia de la pasta y a los esmaltes vítreos con los que decoraban la ornamentación incisa o en bajo relieve, con un color verde que desde entones se le conoce como verde celedón.

En el año 256 a.C sube al trono Qin Shi Huang, perteneciente a las dinastía Qin, el cual unifico toda China siendo el primer emperador. Durante su reinado se construyeron los famosos guerreros de Xi'an (Sian) y mando construir la gran Muralla.

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Con la dinastía Yuan se unieron el Medio y Lejano Oriente y, la cerámica experimento un avance sobre todo en el campo de la decoración, pintando en color turquesa, peonías, crisantemos, dragones, aves, nubes, ... aunque raramente la figura humana.

Con la dinastía Ming (s.XIV - XVII), se siguieron usando y ampliando los dibujos anteriores sobre porcelanas de fondo blanco y, será con los Chiang, cuando se generalizó el uso de la figura humana en la decoración cerámica, consolidándose unas paletas de tres o cinco colores en la decoración sobre cubierta junto con la monocroma.

En el Japón, la cerámica ha ocupado un papel destacado en la vida socio-cultural de este pueblo, con una influencia directa de China y Corea, por lo que han asimilado todas las técnicas imprimiéndoles un carácter personal.

Europa.

Europa no conoció el secreto de la fabricación de la porcelana hasta el siglo XVIII en el que el alquimista F. Böttger descubrió el secreto del caolín. Desde tiempos de Marco Polo, a través de la ruta de las especies y de la seda, a Europa fueron llegando vasijas que causaban admiración por su resistencia, por su textura, por su transparencia, pero como no sabían fabricarla era unas piezas codiciadas y raras.

Muchos intentos hubo de imitar las piezas chinas con las llamadas "pastas tiernas", en St Cloud, Chantilly Mennec y, posteriormente, promovidas por las manufacturas reales de Luis XV, surgieron Vincennes y Sèvres. Al mismo tiempo cobraba importancia Meissen en Alemania. Una vez que se descubre en Europa la porcelana se fabricaron toda suerte de figuras y figurillas, vasijas y ornamentos reflejando claramente el espíritu de la época barroca, llegándose a bautizar este siglo como el "siglo de la porcelana".

Cuando Carlos de Borbón, rey de Nápoles, se caso con una de las hijas de Federico Augusto de Sajonia, ésta aporto en su matrimonio una envidiable colección de vasijas y jarrones de porcelana de Meissen, causando en su esposo Carlos una profunda emoción debido a su perfección y belleza y en ese momento decidió fundar una fabrica en Capodimonte. Cuando en 1759 fue nombrado rey de España, desmonto Capodimonte y traslado la fábrica al palacio del Buen Retiro de Madrid.

Pero los finales de siglo traerían malos presagios para la porcelana en Europa. Desde Inglaterra, en el afán de obtener un gres parecido al de Renania, llegaron a fabricar una cerámica con una pasta más refinada, más porosa más blanca y ligera e infinitamente más barata, conquistando rápidamente los mercados inspirados ya en la decoración neoclásica, lo que provocó la decadencia de la porcelana

En el diccionario, una de las definiciones que encontramos de arcilla es: "sustancia mineral plástica compuesta principalmente de silicatos de aluminio hidratados".

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Las arcillas las podemos clasificar o agrupar desde varios y distintos puntos de vista:

• por su hallazgo en su estado natural.

• por su plasticidad.

• por su porosidad y color

• por su punto de fusión.

Las distintas arcillas se formaron, primero a partir de la descomposición de las formaciones rocosas y, por la acción de distintos factores, presión tectónica, movimientos sísmicos, distintos tipos de erosión, etc., y segundo por la adquisición, durante el viaje hasta su lugar de sedimentación, de diferentes impurezas de origen mineral; por lo tanto, dependiendo de las características de la roca de origen, existen innumerables tipos de arcillas, cada una de las cuales posee unas propiedades particulares.

El proceso de sedimentación dura millones de años. Los lechos de arcilla se encuentran, en casi todos los terrenos, a flor de tierra o a pocos metros de la superficie, aunque no todos son útiles para el ceramista.

Entre sus componentes básicos debemos destacar las materias plásticas como el caolín y la arcilla y, los no plásticos o antiplásticos, como el cuarzo, la arena o la pegmatita, que prestan un papel fundamental en el proceso de transformación de los materiales dentro del horno, actuando como fundentes.

Todos los tipos de arcilla, en el tiempo de secado y de cocción, sufren un proceso de encogimiento, de reducción de tamaño. Esta disminución de tamaño es mayor, cuanto menor sea el contenido de materias no plásticas de la arcilla que estamos trabajando.

La decoración es algo muy personal y, por lo tanto, existe un sinfín de posibilidades de ornamentar las obras, aunque cada ceramista trata de imprimir carácter a su obra, eligiendo y evolucionando en una de ellas.

Debemos prever cómo va a ser la decoración, tratando que forme parte de la obra misma, constituyendo un conjunto armónico. Según en qué estado o en qué fase de la ejecución de la obra quiera hacerse la decoración, se pueden aplicar varios métodos, a saber:

• Decoración sobre la pasta húmeda.

• Decoración sobre pasta semi seca, con la dureza de cuero.

• Decoración bajo cubierta.

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• Decoración sobre cubierta.

• Decoración empleando atmósferas reductoras: el rakú.

• Decoración por medio de engobes.

Tanto si se escoge un proceso como otro, la decoración tiene una finalidad única: la de subrayar la forma de tal manera que las dos cosas unidas formen un conjunto armónico.

Todos y cada uno poseemos un temperamento distinto por lo que, la técnica decorativa que vaya bien a uno, es posible que resulte inviable para otros, por lo que, cada uno de nosotros debemos encontrar aquellas técnicas en las que nos encontremos cómodos y podamos llegar a dominar, para ello se necesita práctica, aunque siempre resulta motivador el terreno de la experimentación.

Por otra parte, hay quienes emplean algunos tipos de decoración para enmascarar formas poco graciosas o malogradas.

De los expertos y grandes maestros, debemos sacar enseñanzas y quedarnos con lo esencial: la simplicidad. Muchas de las decoraciones de gran tradición histórica, tienen un carácter casi abstracto. A este proceso de simplificación se llega, porque, estos motivos tradicionales, al ser repetidos tantas veces por todas las generaciones, con el tiempo, han sufrido, inconscientemente, unos cambios que, el que lo ejecuta, ha perdido el significado de los rasgos que imprime o dibuja.

La cerámica fue sin embargo, desde un principio, un soporte sobre el cual el ser humano podía realizar diferentes tipos de inscripciones o diseños, además de convertirse cada elemento cerámico en un elemento único en sí por su diseño, color y estilo. Las vasijas y recipientes de cerámica más antigua ya nos muestran coloridos diseños, formas e inscripciones realizadas sobre el material que probablemente fueran hechas para colaborar con la identificación de los mismos.

Hoy en día, y miles de años después, la cerámica es más que nada una actividad artística

que ha evolucionado sobremanera. En este sentido, el ser humano ha podido desarrollar

la cerámica con otros materiales que no fueran barro o arcilla, además de inventar

novedosas e increíbles técnicas de patinado, decoración y coloreado arriba del material. Al

mismo tiempo, las formas de las cerámicas han variado en gran modo y mientras que las

primeras solían ser toscas y simples, hoy en día se pueden encontrar maravillosas obras de

arte de alto refinamiento y delicadeza. Entre las diferentes técnicas de producción

cerámica debemos mencionar a las que se conocen como terracota, la porcelana, la

mayólica (típica de la isla de Mallorca), la loza y muchas otras.

33

3. Teatro Opera

Un teatro de ópera es un edificio especialmente concebido para la representación de

piezas de ópera, aunque la interpretación de otras artes escénicas también es posible. Un

ejemplo de ello es la Ópera de Sídney, ubicada en la Bahía de Sídney. En muchos teatros

de ópera, la temporada de ópera es seguida de la temporada de ballet.

La primera sala de ópera pública fue el Teatro San Cassiano de Venecia, Italia, que abrió

sus puertas en 1637. Italia, país cuya tradición de ópera es popular desde hace siglos,

tiene aún un gran número de ellos. En la época de Henry Purcell, no había uno solo en

Londres.1 En Alemania, la primera sala se abrió en 1678. Los primeros teatros de ópera de

los Estados Unidos servían a una variedad de funciones, albergando también bailes

comunitarios, ferias, piezas de teatro, vodevil y otros eventos musicales.

Características típicas de un teatro de ópera

Ya que muchas óperas demandan producciones de gran escala, los teatros de ópera son

amplios— generalmente más de 1000 plazas, a menudo varios miles de ellos. Muchas

óperas no requieren producciones de gran tamaño y pueden ser presentadas en teatros

más pequeños.

En una sala tradicional, el auditorio tiene forma de herradura, su envergadura define pues

el aforo. En sus costados, hay filas de balcones y palcos. Tiene por lo general un foso, en el

que se puede alojar una orquesta con los músicos sentados a un nivel inferior al del

auditorio, para que su interpretación no acalle la de las voces en el escenario. El tamaño

de una orquesta de ópera varía, pero para ciertas óperas, oratorios y para algunas obras

del periodo romántico, el número de intérpretes puede alcanzar los 100.

Una ópera puede tener un extenso elenco de personajes, coros, bailarines y

supernumerarios. Por ello, un teatro de ópera debe tener muchos camerinos. A menudo,

también acogen sus propios talleres de confección de vestuario y de escenografía, y otros

espacios de reserva y preparación de maquillaje, máscaras e incluso espacios consagrados

a los ensayos.

Richard Wagner

Wilhelm Richard Wagner (Leipzig, Reino de Sajonia,

Confederación del Rin, 22 de mayo de 1813-Venecia, Reino

de Italia, 13 de febrero de 1883), fue un compositor, director

de orquesta, poeta, ensayista, dramaturgo y teórico musical

34

alemán del Romanticismo. Destacan principalmente sus óperas (calificadas como «dramas

musicales» por el propio compositor) en las que, a diferencia de otros compositores,

asumió también el libreto y la escenografía.

En sus inicios, fundamentó su reputación como compositor en obras como El holandés

errante y Tannhäuser que seguían la tradición romántica de Weber y Meyerbeer.

Transformó el pensamiento musical con la idea de la «obra de arte total»

(Gesamtkunstwerk), la síntesis de todas las artes poéticas, visuales, musicales y escénicas,

que desarrolló en una serie de ensayos entre 1849 y 1852, y que plasmó en la primera

mitad de su monumental tetralogía El anillo del nibelungo. Sin embargo, sus ideas sobre la

relación entre la música y el teatro cambiaron nuevamente y reintrodujo algunas formas

operísticas tradicionales en las obras de su última etapa, como en Los maestros cantores

de Núremberg. Las obras de Wagner, particularmente las de su último periodo (que se

corresponden con su etapa romántica), destacan por su textura contrapuntística, riqueza

cromática, armonía, orquestación y un elaborado uso de los leitmotivs (temas musicales

asociados a caracteres específicos o elementos dentro de la trama). Wagner fue pionero

en varios avances del lenguaje musical, como un extremo cromatismo (asociado con el

color orquestal) o la ampliación del cosmos armónico a través de un continuo

desplazamiento de los centros tonales, lo que influyó en el desarrollo de la música clásica

europea.

Su ópera Tristán e Isolda se describe a veces como punto de inicio de la música académica

contemporánea. La influencia de Wagner se extendió también a la filosofía, la literatura,

las artes visuales y el teatro. Hizo construir su propio teatro de ópera, el Festspielhaus de

Bayreuth, para escenificar sus obras del modo en que él las imaginaba y que contienen

diseños novedosos. Allí tuvo lugar el estreno de la tetralogía del Anillo y Parsifal, donde

actualmente se siguen representando sus obras operísticas más importantes en un

Festival anual a cargo de sus descendientes. Los puntos de vista de Wagner sobre la

dirección orquestal también fueron muy influyentes. Escribió ampliamente sobre música,

teatro y política, obras que han sido objeto de debate en las últimas décadas,

especialmente algunas de contenido antisemita y por su supuesta influencia sobre Adolf

Hitler y el nazismo.

Wagner logró todo esto a pesar de una vida que se caracterizó, hasta sus últimas décadas,

por el exilio político, relaciones amorosas turbulentas, pobreza y repetidas huidas de sus

acreedores. Su agresiva personalidad y sus opiniones, con frecuencia demasiado directas,

sobre la música, la política y la sociedad lo convirtieron en un personaje polémico,

etiqueta que todavía mantiene. El impacto de sus ideas se puede encontrar en muchas de

las artes del siglo.

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4.Medios Audiovisuales

Existen dos medios audiovisuales a través de los cuales se puede educar, divertir, informar

y contribuir en el desarrollo cultural de un pueblo. Ambos medios son considerados una

expresión del avance tecnológico de la humanidad, son una forma de conocer otras

culturas, pueblos, y una forma moderna para la expresión artística.

El Cine

Tiene como principio captar imágenes en movimiento que posteriormente serán

proyectados sobre una pantalla mediante la cámara de proyección cinematográfica. El

aspecto artístico del cine se observa en las creaciones de escenarios, calles, viviendas,

paisajes, vestuario, maquillaje, actuación de los personajes, trabajo de los camarógrafos,

iluminación de escenas, color, sonido, efectos especiales, dirección general de la película,

entre otros. Por esta razón se ha considerado el cine como el "séptimo arte", porque

hacer buen cine es crear una obra de arte.

Técnicas utilizadas en el cine

El close up: consiste en el acercamiento sobre un detalle con el fin de poder llamar la

atención sobre el mismo.

El primer plano: se obtiene cuando se enfoca un detalle o un objeto para que se destaque

del conjunto que hay a su alrededor.

Visión panorámica: consiste en captar la mayor cantidad de elementos naturales,

culturales y humanos que existen en el ambiente donde se realiza la filmación.

Las ilusiones o trucos: el cine se vale de muchos artificios por medio de los cuales se crean

diferentes ilusiones que hacen creer al espectador que lo visto es auténtico y real, por

ejemplo, escenas de guerra, crímenes, ciencia - ficción, entre otras.

Es importante señalar que el rodaje de una película es muy costoso en tiempo, dinero y

recursos humanos, y que después de un largo proceso donde que hay que repetir escenas

o episodios, la película es comercializada y puede exhibirse en las salas de cine.

El cine ha abordado todo tipo de temas, para identificarlos han sido clasificados en una

serie de géneros, algunos de estos son:

Tabla 1.-

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Género Cinematográfico Características

Cine de Terror Se vale de personajes monstruosos, fantasmas, brujas, vampiros, para inspirar miedo.

Cine Religioso

Películas donde predominan historias bíblicas o de Cristo.

Cine Policíaco

Sus tramas tienen relación con crímenes, policías, detectives.

Cine de Dibujos Animados

Se basa en dibujos o muñecos que adquieren vida en la pantalla. El gran impulsor de este género fue el genial Walt Disney.

Cine Musical

Destacan canciones, danzas e interpretaciones musicales.

Cine de Dramático

Representa las pasiones humanas, conflictos familiares o sociales.

Cine Cómico

Situaciones creadas de manera artificial, que provoca la risa de los espectadores.

La Televisión

Este medio de comunicación y recreación ha pasado

a ser "uno más de la familia". Es un medio poderoso

que presenta semejanzas y diferencias con el cine. A

continuación la descripción de algunas semejanzas y

diferencias.

Bajo una sola dirección general, en ambos medios

intervienen diferentes directores: de interiores,

exteriores y fotografía, entre otros.

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Existe una dirección técnica encargada de supervisar las actividades de camarógrafos,

luminotécnicos, electricistas, fotógrafos, maquilladores, escenógrafos y muchos

especialistas más.

Cuenta con artistas principales y secundarios que intervienen en la producción.

Trabajan ayudantes y obreros encargados de transportar materiales y equipos hasta

donde se necesiten, o para la construcción de escenarios artificiales.

Utilizan las mismas técnicas de filmación: close up, primer plano, visión panorámica, u

otros.

Diferencias:

La televisión tiene mayor fuerza de comunicación. Se obtienen informaciones completas

porque presentan al autor o testigo de los acontecimientos, en especial cuando hay

transmisiones "en vivo y en directo".

Ofrece una comunicación sin fronteras (hasta los astronautas se comunican con la tierra).

Establece un contacto con el público televidente que participa visual y emocionalmente

con lo que se transmite: espectáculos, artistas, competencias deportivas, de

conocimiento, entre otros tipos de programas.

La televisión está directamente incorporada a la cultura del mundo actual, es importante

tener presentes algunos "inconvenientes" de la televisión que causan serios problemas si

no son tomados en cuenta, estos son:

Su atracción es tan fuerte que puede inducir a la inactividad, al descuido de los

deberes escolares y hasta aislar a los integrantes de la familia.

Enseña de todo sin atención a los diferentes grados de madurez y emotividad de

los espectadores, esto conlleva a imitar formas de ser y de comportamientos que

no están acordes con la moral y buenas costumbres.

La publicidad (cuñas), acaparan la mayoría de sus espacios, con palabras que

ofrecen lo mejor y con imágenes atrayentes que invitan a adquirir los productos,

llevando a las personas a consumir cosas que realmente no necesitan.

5.Situaciones Vivenciales De Formación

Situación vivencial de formación (S.V.F)

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Descripción: En esta situación vivencial de formación el niño(a) podrá encontrar integrado

la técnica de títere de guante con la formación estética constructiva y un área del

currículo. Se exponen diferentes actividades donde el alumno(a) organiza, relaciona,

analiza, interpreta, expresa, crea, diseña, descubre e interactúa con sus compañeros de

clase, su familia, y su comunidad; con el objetivo de promover en ellos la participación

activa en su proceso de enseñanza y aprendizaje, donde los mismos son los protagonistas,

los que expresan y regulan su formación como seres humanos integrales, consientes de su

papel en la sociedad a la cual pertenecen.

Situación inicial natural (S.I.N)

Descripción: En esta situación se pondrá de manifiesto el conocimiento previo que tiene

el niño(a) ya que el generador de problemas que es el docente da inicio al diseño con las

diferentes dificultades o problemas. Esta situación le permite al estudiante enfrentarse a

una serie de incógnitas reflejadas a través de sus procesos cognitivos en donde el alumno

hará uso de su potencial creativo e imaginativo para el desarrollo de sus estructuras de

conocimiento previo y a las adquiridas en base a las nuevas experiencias, que le

permitirán construir nuevos modelos y diseños, donde se destaque la productividad de

sus trabajos.

Es el comienzo del taller, consta del desarrollo de las actividades encontradas en las

distintas áreas académicas del currículo.

Tipo de conocimiento: Confrontado, ordenado y estructurado, esto se utiliza con el objeto

de que los niños expongan su punto de vista, de forma individual, además defiendan su

opinión para que puedan llegar a construir su propio conocimiento.

Espontaneo, para que el niño forme y construya algo como él mismo piensa, es decir por

su propia voluntad o impulso interior sin indicación de otro.

Momento o parte: 1ra parte

Situación genésica conceptual( S.G.C)

Descripción: En esta parte o momento de la situación vivencial de formación el alumno(a),

confronta el conocimiento previo con sus compañeros, ya que la animadora les presenta

las actividades planteadas en la situación inicial natural, para que ellos construyan

conocimientos lógicos formales sobre el tema; ordenando y estructurando su

conocimiento.

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Tipo de conocimiento: Confrontado, ordenado y estructurado, con el objetivo de que el

niño(a) exponga su punto de vista, de forma individual, además defienda su opinión para

que pueda llegar a construir su propio conocimiento.

Momento o parte: 2da parte

Situación genésica Procedimental (S.G.P.)

Descripción: En esta situación se pone de manifiesto el conocimiento lógico formal

adquirido a través de la realización de lo expuesto; ya que el conocimiento se vuelve

abstracto. El niño(a) aplica sus nuevos conocimientos, con dicha situación se logra trabajar

e integrar en el aula de clase a los niños(as) con sus compañeros.

Tipo de conocimiento: compartido

Momento o parte: 3ra parte

Situación post vivencial (S.P.V)

Descripción: en esta situación los alumnos(as) transfieren a la familia, los amigos y la

comunidad los conocimientos adquiridos; ya que estarán en condiciones de ejecutar otras

actividades, que le permitirán resaltar y elevar el conocimiento de acuerdo a la realidad

contextual en la que están inmersos. El éxito del conocimiento que transferirán

dependerá de las estrategias que utilicen para que ese conocimiento llegue a la

colectividad para crear así una cadena de aprendizajes que se multipliquen.

Tipo de conocimiento: transferido

Planifcación, Estrategia Y Evaluación

Evaluación:Es la herramienta objetiva o

subjetiva que utiliza el docente para verificar

cuanto aprendió del contenido instruido su

estudiante, la evaluación depende

principalmente del estilo del docente ya que

puede evaluar al niño dentro de una escala de

valores cuantitativa (0-20) o evaluar de manera

holística el progreso y las actitudes del

estudiante con respecto a sus compañeros. Por

40

otro lado, el propósito de la evaluación es hacer tangible el grado de conocimientos que el

niño alcanzó con el trabajo del docente.

Planificación:

Es un documento de apoyo pedagógico para el

docente ya que contiene una estructura preelaborada

que permite guiar el desarrollo de la clase. Para lograr

esto se hace de una serie de competencias

(conceptuales, actitudinales y procedimentales), las

cuales giran en torno a un objetivo común que es el

de lograr un aprendizaje significativo de un tema en

particular.

EstrategiaUna estrategia es un

plan que especifica una serie de pasos

o de conceptos nucleares que tienen

como fin la consecución de un

determinado objetivo. El concepto

deriva de la disciplina militar, en

particular la aplicada en momentos de

contiendas; así, en este contexto, la

estrategia dará cuenta de una serie de

procedimientos que tendrán como

finalidad derrotar a un enemigo. Por extensión, el término puede emplearse en distintos

ámbitos como sinónimo de un proceso basado en una serie de premisas que buscan

obtener un resultado específico, por lo general beneficioso. La estrategia, en cualquier

sentido, es una puesta en práctica de la inteligencia y el raciocinio.

La estrategia nace en el seno del ámbito militar, remontándose hasta hace miles de años.

En efecto, desde siempre han existido conflictos entre pueblos, hecho que llevó a los

diversos ejércitos a diseñar un cuerpo de conocimientos para afrontar situaciones de

guerra. Esta circunstancia todavía puede experimentarse en el presente, pero debido al

veloz cambio de las condiciones tecnológicas, se hace necesaria una actualización

constante. La estrategia dará cuenta de la forma de aplicar dichos conocimientos a una

situación concreta, es decir, hará referencia a las acciones concretas fundadas en un

41

acervo doctrinal para obtener un resultado específico. Uno de las expresiones más

antiguas de conceptos militares empleados para desarrollar una estrategia es el libro

denominado “El arte de la guerra”, de Sun Tzu; el mismo se emplea como formación para

distintos escenarios que requieren la aplicación de nociones que impliquen obtener un

resultado.

Quizá uno de los juegos más conspicuos que reflejan lo que debe entenderse por

estrategia es el ajedrez. En efecto, este juego fue desarrollado teniendo en cuenta el

escenario militar, hecho que queda reflejado en las formas de las piezas con las que se

juega. El mismo consiste, como es sabido, en la búsqueda de eliminar a una pieza

contraria, el rey, a partir del empleo de distintas tácticas ya conocidas de antemano. En

efecto, el juego, debido a su extensa trayectoria, puede jugarse empleando los

conocimientos que fueron acumulándose en el tiempo, circunstancia que hace a cada

jugador tener un estilo específico. Así, puede entenderse como una aplicación de distintas

estrategias para la consecución de la victoria, estrategias que pueden alterarse según el

decurso de los acontecimientos; dada estas condiciones, no debe sorprender que sea

profundamente intelectual y racional, hecho que lo ha hecho atractivo para las mentes

más avezadas de la historia.

Guión Audiovisual

El guión es el relato escrito de lo que va a suceder en la película. El guión son los

diálogos, las escenas, las secuencias, y una descripción con todos los detalles de lo que los

actores hacen en escena. Es muy importante que un escritor de guiones sepa lo que se

puede y lo que no se puede hacer en el cine.

El guión audiovisual es siempre un producto “en construcción”. Esta característica es

esencial para entender los procesos por los que pasa y su desarrollo final. Se trata de un

texto nacido para morir, abocado a su utilización como herramienta, efímero; su cambio

nunca se detiene, nunca podemos hablar de un “guión final”, salvo aquel que se construye

a partir del film terminado, leyendo y anotando cada una de sus partes y evoluciones.

Desde esta perspectiva, podría pensarse que se trata de un material inútil e inservible,

pero nada más lejos de la realidad, puesto que sin él difícilmente puede llevarse a cabo

una producción audiovisual.

Este matiz tiene una importancia capital porque debe hacer consciente al guionista

de que su trabajo nunca puede ser una “obra terminada” y, por lo tanto, su destino

efímero le obliga a desvincularse materiales aparte e l guión audiovisual y e l trabajo del

guionista de él, a no hacerlo propio, cual si se tratara de una obra literaria, sobre todo si

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tenemos en cuenta que el guión literario (que es lo que aquí nos ocupa de momento) es

una pieza de uso y redefinición. El realizador, junto al ayudante de realización y, en

contadas ocasiones, el guionista, reelabora posteriormente el texto del guión y su

visualización en planos. Lo cual nos permite indicar una cuestión de suma importancia: un

guión audiovisual no es una obra literaria ni debe utilizar los esquemas lingüísticos de

esta. Este es uno de los errores más frecuentes en los principiantes y debe ser eliminado

desde un primer momento.

Aunque más tarde insistiré en ello, hay unas premisas que deben ser respetadas de

forma ineludible: en un guión la narración debe hacerse en presente (sin valoraciones ni

elementos que no sean “visualizables”), el aspecto formal requiere cumplir una serie de

normas elementales, los aspectos técnicos (planificación) no deben indicarse, ya que no

son competencia del guionista. Será bueno ejercitarse desde un primer momento con

estas normas.

Ejemplo de Guión Audiovisual

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ESTRUCTURAS Y ELEMENTOS DEL GUIÓN

El paradigma clásico nos da una noción de estructura (tres actos) muy apreciada por Field

y otros guionistas reconocidos. Empezamos con una descripción general o presentación,

luego la hacemos específica, introducimos un obstáculo y enfrentamiento que llega a un

climax, asciende hacia un “plot point” – punto de giro argumental, agregamos el

desenlace y llegamos al cierre. Para su desarrollo necesitamos, de acuerdo a Field,

conocer con propiedad el final, el comienzo y los puntos de giro. Sin embargo, es

recomendable solo dos puntos de giro que necesariamente han de tener lugar para que la

acción se mantenga en movimiento.

El primer acto abarca alrededor de 30 paginas del guion y en el se establecen las

contradicciones iniciales de la historia: las primeras 10 abordan la presentación del

personaje principal, las siguientes exponen el problema de dicho personaje principal, y las

ultmas 10 paginas, lo colocan en la búsqueda de solución a ese problema o necesidad.

Aquí se introduce el primer “plot point” que determinara el desarrollo del segundo acto. A

principio del tercer acto, se presentara el segundo “plot point” que encaminara las

acciones hacia el desenlace o resolución.

Orden narrativo

Desarrollo lineal: Los hechos se presentan con el orden cronológico en que se produjeron.

In media res (en latín, hacia la mitad de las cosas): se inicia en un punto inmediato de la

historia y se van relatando hechos anteriores y posteriores.

Flash-back: empieza por el final y retrocede al pasado en intervalos breves, si estos son

más extensos se denominan rocconto.

Flash-forward: la narración se produce en y hacia el futuro.

Partes del guión

Secuencia: Unidad dramática y temática con sentido completo, integrada por varias

escenas.

Escenas: Acción continuada que se desarrolla dentro de un mismo ambiente o escenario,

compuesta por varios planos.

Planos: Posición de la cámara en un encuadre determinado en función de la distancia focal

(distancia desde el lente de la cámara al objeto a filmar/grabar).

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Toma: número de veces que se graba / filma un plano. Siempre debe hacerse más de una

para asegurarse de tener respaldos de material o hasta conseguir el resultado que

esperamos de los actores en ese plano especifico.

Ética Y Estética

La ética y la estética son dos conceptos relacionados íntimamente por un punto común

que es el arte pero… ¿Por qué se da está relación?

Para responder a este interrogante es necesario contextualizar lo que significa ética y lo

que significa estética. En cuanto a la ética esta se refiere a la conducta, a la capacidad

que se tiene de obrar libremente, de tomar decisiones y enfrentar acciones, y la estética

por su parte se relaciona con la esencia y la percepción de las cualidades, pero también

con esa forma que tenemos particular de percibir las cosas por medio de la estética el

individuo muestra su estilo y lo que piensa o siente sobre algo.

Si damos una mirada a estas definiciones, podemos percibir como La ética y la estética

están relacionadas de muchas formas en el quehacer diario de las personas, en la toma

de tomar decisiones y en la ejecución de sus ideas, inquietudes, proyectos.

La relación entre las dos es que cuando un individuo toma decisiones debe percibir si lo

que hace está bien o mal, si esto va a afectar al otro ó a él mismo ver si está preparado

para hacerlo.

Siempre todo lo que hacemos sea bien o mal afecta la convivencia los valores, principios

y desarrollo de una comunidad afectando así sus cualidades.

La estética y la ética juntas son arte expresión de libertad, conocimiento, sentimiento

hacia el otro respeto por lo que le rodea permitiéndole dar un valor a todo sin importar

si es algo que le guste o no simplemente por el hecho de formar parte de un espacio

común.

El arte hace que los individuos involucren sus principios y su conocimiento para dar su

apreciación de disgusto o aprecio sobre su entorno haciéndolo un ser único capaz de

percibir lo bonito y lo feo que ve o siente es por esto el arte es una habilidad y talento que

tiene cada individuo.

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Conclusión

El trabajo pretendió seguir el eje transversal del trabajo liberador, centrado en el trabajo

como herramienta para sacar a nuestra nación de las tinieblas de la esclavitud o yugo de

otros países que tienen la supremacía y el poder para robarnos obras primas y ciudadanos

intelectualmente muy capaces. Es necesario, retomar a nuestro país como cultura

individual donde todos tengamos una inyección de patriotismo e identidad con nuestras

raíces.

Asimismo, el conocer el currículo como herramienta primordial para extraer las ideas

tangibles del modelo de ciudadano que requiere nuestra sociedad venezolana actual, es

muy útil ya que constituye la orientación para poder tomar una decisión para poder

enseñar un tema determinado sin que este se vea disperso dentro de la estrategia a

utilizar.

En resumen, se trata de utilizar al arte como elemento para aprender nuevos oficios para

producir económica e intelectualmente, pues la educación no se trata de cultivo nada más

de lo intelectual sino el cultivo del espíritu como forma de sentirse útil dentro de una

comunidad especifica. Aunado a ello, desarrollar un intelecto que sea multidisciplinario

desde la integralidad de las áreas de aprendizaje logrando con ello a un individuo que no

sea un sujeto que deje todo en la teoría sino que en el la más mínima situación ve

reflejado su aprendizaje.

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