Republica Bolivariana de VenezuelaInstituto Universitario Politécnico Santiago Mariño

Extensión - Barinas

Nombre: Patricia SosaCI:17509349

Junio 2014

ArquitecturA-Palacio Te

El Palacio del Té es un palacio en las afueras de Mantua, Italia, obra maestra reconocida de Giulio Romano. Construido entre 1524/1534

Es una construcción articulada en torno a un patio central, siendo una de sus principales características la armonía entre los diversos motivos clasicistas que la adornan

Edificio de planta cuadrada, con un patio cuadrado en el centro

La entrada principal se resolvió con una logia, donde se repiten arcos de medio punto y serlianas

El frente da a un jardín delimitado, al lado opuesto, por una gran exedra semi circular

Estos elementos parten del código clásico, pero el carácter rústico del edificio (el orden y almohadillado no están ya en dos pisos distintos, sino que se unen en un solo elemento en las fachadas laterales) acerca la obra a los cánones de la arquitectura manierista.

Pocas ventanas dan al patio interior, las paredes con columnas están decoradas por todos lados con hondos nichos y ventanas ciegas y las superficies intermedias están salpicadas con spezzato (escayola rota y con manchas) que da vida y profundidad a las superficies.

Las fachadas no son tan simétricas como parecen y los espacios entre las columnas son irregulares. El centro de las fachadas septentrional y meridional están recorridas por arcos en dos plantas sin pórtico ni frontón, simplemente un camino abierto que llevaba

ArquitecturA-Biblioteca Laurenciana

La Biblioteca Laurenciana

es una de las bibliotecas más importantes de Florencia y de toda Italia. Es famosa por conservar aproximadamente 11.000 manuscritos. Construida en el claustro de la medicea basílica de San Lorenzo, fue patrocinada por el papa Clemente VII (en el siglo, Julio de Médicis).

El aspecto del edificio que alberga la Biblioteca escaleras arriba tiene la sala de lectura, la cual es considerada como una contraposición de vanos ciegos rectangulares y cuadrados, caracterizando de esta manera la insistencia a que las personas estudien y tengan un lugar perfecto para meditar

Bajo el actual suelo de taracea de madera de la sala de lectura de la biblioteca existe un enlosado de 15 paneles blancos y rojos de terracota.

Estípites. Columnas adosadas que disminuyen según descienden (verdaderamente anti constructivas), volviendo a crear un sensación de desequilibrio

Esquinas en donde se pliegan los elementos

Dobles ménsulas que las “no sustentan”, impidiéndoles su llegada lógica al suelo

En este espacio la escalera es un verdadero objeto más digno de admiración que de uso (de nuevo una ruptura del ideal de equilibrio del clasicismo).

sus peldaños curvilíneos crean una enorme movilidad que termina desparramándose por completo en los tres inferiores, generándose una nueva sensación de constante crecimiento que muy pronto llenará la estancia.

Dobles columnas que nada sujetan que, en vez de reforzar la pared, se embuten en ella, de nuevo creando un sentimiento de opresión

ArquitecturA-Basílica Vicenza

La Basílica que surge en la Plaza dei Signori es una de las más extraordinarias obras de Palladio

Hace uso simultáneo de columnas a dos escalas causando una trama visual.

La fachada tiene dos alturas. las columnas se prolongan por los dos cuerpos.

En este edificio existe un gran juego de sucesiones de luces y sombras por la alternancia de los vanos.

Las estatuas que coronan la Basílica datan de los Siglos XVI y XVII.

•Gran importancia del uso de la columna como elemento decorativo y con valor estructural o sustentante. Utiliza todos los órdenes romanos. La columna puede ser el sostén de un pórtico, la decoración de un muro o un pilar o puede ser empleada con efectos colosales en fachadas donde emplea el orden gigante (sobrepasa la altura de un piso).

Combinación equilibrada de materiales: mármoles para dar monumentalidad y riqueza a sus fachadas y ladrillo para las partes menos visibles

elementos portantes y sostenidos y los macizos y huecos: arco-arquitrabe, columnas de dos tamaños (las pequeñas exentas y las grandes adosadas para provocar tensión)

ArquitecturA-Iglesia de Gesú

La planta es de cruz griega, con tres naves que se corresponden con las tres puertas de entrada. El estilo arquitectónico es renacentista y la ornamentación barroca.

cúpula AltarEntrada

La Planta es una combinación de 1. Planta longitudinal (gótica) y 2. Planta central (Renacimiento). La planta longitudinal permite albergar mayor número de fieles, se trata de recuperar a partir de esta a los fieles perdidos por la reforma protestante.

La fachada se articula mediante pilastras y el ritmo exterior reproduce el ritmo interior, reflejando la distribución de las naves.

La parte central se encuentra destacada mediante el uso de medias columnas y un doble frontón doble, en el que un frontón curvo engloba a otro recto (los frontones englobados serán característicos del Barroco posterior), marcando el eje axial. Existe un cierto dinamismo en la fachada, pero esta sigue siendo bastante plana, únicamente con un ligero movimiento en el frontón y el ritmo generado a través de las pilastras.

Los materiales que se utilizan son principalmente: ladrillos con mezcla revestidos en travertino (mármol) en muros; ladrillo, piedra y mortero revestido con estuco en bóvedas; piedra y mortero en la cúpula; madera y tejas en la cubierta; baldosas de mármol en los pisos

La Iglesia de Gesú es un edificio de nave única con transepto muy poco pronunciado y una gran cúpula sobre el crucero, particularmente adecuado para las exigencias litúrgicas de la Contrarreforma, y de ahí su gran continuidad en el tiempo. Se considera, incluso, este edificio el preludio de la posterior arquitectura barroca, la cual añadió a esta tipología básica una gran carga ornamental.

Es el cuadro más conocido del artista italiano il Pontormo. Se trata de un óleo que se encuentra en la capilla Capponi de la Iglesia de Santa Felicita de Florencia, Italia.

Tiene unas dimensiones de 3,13 metros de alto por 1.92m de ancho

Las figuras tienen formas duramente modeladas y están unidas por una línea serpentinata.

Es el manierista de colores más suaves, como el azul claro o el rosa pálido, pero los utiliza brillantes

Contraste unos con otros: el rosa y el amarillo o amarillo anaranjado, el naranja y el verde, los violetas muy claros sobre un fondo añil

Un contraste particularmente insólito es el de la ropa de Juan, que se encuentra encima de la Virgen: una túnica verde bronce destaca sobre una tela roja entre bermellón y naranja palido

pinturA-El Descendimiento de la Cruz

Hacia María se dirige una mujer, vestida de color amarillo, transformado en naranja y bermellón en las zonas de sombra

En primer plano se encuentra Nicodemo, representado como un joven que sujeta los pies de Jesucristo. Este personaje viste una túnica ceñida que, allí donde incide la luz, es de color azul, y donde está en sombra el color es rosa

Por encima de todos se encuentra una curiosísima figura con amplio vientre, como si estuviese Embarazada

El espacio está aplanado y resulta inhóspito

Toda la escena está marcada por una luz fuerte que deslumbra a las figuras y aclara los colores.

pintura-Leda y el Cisne

Es una composición con paisaje, donde proliferación de figuras en una especie de friso

Las posturas son anteclásicas, por ello los cuerpos se retuercen y se establece una línea serpentinata

Está realizado en óleo sobre lienzo, y fue pintado hacia 1531-1532

Leda era, según la mitología griega, hija de Testio y esposa de Tindáreo de Esparta, a la que zeus violo adoptando la forma de cisne

El cuadro representa el momento de la unión carnal entre Leda y el cisne, pero sin resultar en ningún momento obscena.

paisaje boscoso tratado con un fino esfumado

Aparecen en esta ambientación ninfas bañándose a la parte derecha del cuadro y, a la izquierda

Cupido tocando la lira y angelotes

La composición, aparentemente improvisada, es sin embargo muy estudiada. La figura de Leda adopta una torsión típicamente manierista

Su figura se ve acentuada por encontrarse delante de un árbol, quedando éste ligeramente desplazado hacia la izquierda

Hay un grupo central de árboles y, en torno a ellos, las figuras secundarias formando un círculo. De esta manera se lleva la mirada a las profundidades del paisaje.

pintura-La Virgen de Cuello Largo

En esta obra las proporciones son alargadas y se emplean colores convencionales

Cuadro del pintor manierista Italiano Parmigianino realizado entre el año 1534 y 1540.

Esta obra que responde a la técnica pictórica del óleo sobre lienzo

tiene unas dimensiones de 216 centímetros de alto por 132 cms de ancho

Esta pintura es de las más importantes del pintor italiano debido a que en ella plasma su manera de entender el Manierismo.

utiliza figuras alargadas que consigue mediante el empleo de lentes aberrantes.

El cuadro representa a una Virgen con Niño, acompañados por ángeles. La virgen sostiene al Niño de proporciones bastante grandes y da la impresión de que puede caerse de un momento a otro.

La Virgen aparece sentada en un pedestal y envuelta en lujosos ropajes, alrededor de ella, unos ángeles contemplan la escena y adoran a Cristo.

Mediante la iluminación el pintor italiano crea contrastes que refuerzan el volumen de los personajes y además emplea la técnica de los paños mojados pegando las telas al cuerpo para mostrar su anatomía

La virgen sostiene al Niño de proporciones bastante grandes y da la impresión de que puede caerse de un momento a otro

Grupo escultórico donde las tres figuras se alzan hacia el infinito, en un complicado movimiento en espiral. el personaje central Rómulo, hace alarde de su fuerza elevando a la Sabina, a la vez que reduce a su marido. La figura femenina en un último intento de librarse vuelve el rostro y la mirada implorando ayuda. En la actualidad se sitúa también en la plaza de la Signoria en Florencia

ESCuLtura-El Rapto de la Sabina

Es una clara muestra de la tendencia a la línea serpenteante del manierismo. Se trata de un famoso tema histórico de la antigua Roma. Los personajes están desnudos.

ESCULTURA-Mercurio

Mercurio se alza majestuoso, con una sutil elegancia y sensibilidad, rasgo de calidad técnica. Desafía la fuerza de la gravedad, parece que emerge del aliento del dios del viento, apoyado en él levemente por uno de sus pies.

La figura desnuda de Mercurio está en un escorzo trazando, de nuevo, una línea serpenteante. Es una estatua de bronce.

ESCULTURA-Perseo

Perseo se encuentra de pie y desnudo. La figura se encuentra sobre un alto pedestal y soporta en su mano la cabeza de Medusa. Rompe un poco el equilibrio por la línea abierta brazo separado

Se separa ligeramente del clasicismo por la modificación de los cánones. No busca un ideal sino una pose humana que ofrezca una posición dinámica

Esta estatua representa el triunfo de los Médicis sobre la República de Florencia.