intervalos - Uniandes

intervalos

Isabella Ocampo Zambrano

Abstract

Marco teórico

Antecedentes artísticos

Referentes artísticos

Referentes cromáticos

Referentes de interpretación temática

Estado del arte

Audiencia

Proceso creativoMood boards Análisis del mood board finalSelección de texturas

Experimentación

Diseño de la colección

Índice de imágenes

Bibliografía

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Índice

En los escenarios cotidianos se encuentran una variedad de superficies en continua transformación. El paso del tiempo, los procesos de envejecimiento y la interacción con agentes externos como la hu-medad y la luz las alteran produciendo cambios de color, forma, textura y materialidad que modifican su belleza. La contemplación de estas superficies sugiere la posibilidad de crear una colección de telas y papeles de colgadura.

Los diseños de la colección intervalos surgen de la alteración y modificación de las imágenes de estas superficies, utilizando recursos de saturación cromática y textural, que las convierten en extraordinarias. Asimismo, el nivel de saturación y la materialidad de las piezas de la colección comunican momentos que transmiten diferentes emociones.

La colección intervalos pretende despertar la imaginación e incentivar memoria como instrumento de evocación de huellas de vida, y a su vez acelerar los procesos de asociación de la mente con los que se crea una percepción personal de la colección. De esta forma las telas y los papeles de colgadura de intervalos logran enriquecer y caracterizar los espacios, modificando la manera de habitarlos.

Abstract

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Marco teórico

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Fragmentos de memoriaIvonne Pini

La memoria como datos para reconstruir nuevos imaginarios

“La memoria puede jugar a ser fantasía pura o a intenta convertirse en fragmentos de la realidad que se filtra, proponiendo el rescate del pasado que no sólo busca conocer y dar a conocer, sino que intenta reconstruir nuevos imaginarios.” (Pini 13)

En el libro Fragmentos de memoria: Los artistas latinoamericanos piensan el pasado, Ivonne Pini(1) hace énfasis en la importancia de la relación entre el espectador y la obra, con la cual se espera que el espectador encuentre su propio imaginario y signifi-cado y que no sea sólo un contemplador pasivo. Para esto se parte de los datos que aporta su memoria al proyecto, entendiendo que ésta es subjetiva.

Despertadores de memoria Myriam Bahntje, Laura Biadiu, y Silvina Lischinsky

Percepción e interpretación subjetivas

“La mirada descubre, la mirada recrea, la mirada imagina, la mirada recuerda” (Bahntje, Biadiu, y Lischinsky 1)

Myriam Bahntje, Laura Biadiu y Silvina Lischinsky, en su texto Despertadores de memoria(2), dejan claro que saber es diferente de conocer y a su vez estos son diferentes de percibir. Partiendo de esto, descri-ben la lógica de la percepción, afirmando que el es-pectador sabe, el espectador conoce (su historia y su memoria) y por último el espectador percibe. Proceso durante el cual, éste une “el pasado de la memoria y el presente de lo observado, - haciendo una - super-posición de imágenes de las que se enriquece la interpretación” (Bahntje, Biadiu, y Lischinsky 5) Vale aclarar que esto resulta subjetivo y único para cada individuo, pues parte de las experiencias pasadas de cada uno que están archivadas en su memoria.

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Los ojos de la piel Juhani Pallasmaa

La importancia de la multisensorialidad en la experiencia y la percepción

“Las manos quieren ver, los ojos quieren acariciar”. (Johann Wolfgang von Goethe) “Mi percepción no es una suma de datos conocidos visuales, táctiles y auditivos. Percibo de una forma total con todo mi ser: capto una estructura única de la cosa, una única manera de ser que habla a todos los sentidos a la vez”. (Merlau-Ponty) Juhani Pallasmaa, en su libro Los Ojos de la Piel(3), afirma que todos los sentidos son importantes para almacenar y procesar la información que brinda una experiencia sensorial, y por ende, para obtener la mayor ganancia posible y la mejor percepción de ésta. Cómo se siente algo es igual de importante que su aspecto, es decir cómo se ve. El cuerpo de cada individuo -con todos los sentidos- es el verdadero receptor de imaginación y memoria.

Asimismo, agrega que la visión enfocada aleja y vuelve a las persona en meros espectadores del mundo, la visión periférica y los demás sentidos acercan e integran al espectador con éste, y se brindan un aporte mutuo: “Nuestros cuerpos y movimientos están en interacción constante con el entorno; el mundo y el yo se informan y se redefinen constantemente el uno al otro”. (Pallasmaa 42)

Aun así, Pallasmaa deja claro que existe un cierto predominio de la visión, aunque se entiende que también pueden los ojos llegar a colaborar con el resto de los sentidos. Por esto es importante lograr que por medio del ojo, los otros sentidos se vean seducidos y se agudicen, para lograr una experiencia verdaderamente estimulante. En “la arquitectura griega; el ojo estimula e invita a las sensaciones musculares y táctiles. El sentido de la vista puede incorporar, e incluso reforzar, otras modalidades sensoriales; el ingrediente táctil inconsciente de la vista es especialmente importante”. (Pallasmaa 26)

Se entiende pues que la coexistencia e interacción de todos los sentidos permiten y enriquecen la memoria, la imaginación y la percepción, que van siempre ligados. Hay que tener en cuenta que “nuestra capacidad de memoria sería imposible sin una memoria corporal” (Pallasmaa 47), el cuerpo y los sentidos tienen la capacidad de recordar, y no sólo esto, “los sentidos […] también son medios de inflamar la imaginación y de articular el pensamiento sensorial” (Pallasmaa 47).

Los ojos: “El ojo colabora con el cuerpo y el resto e los sentidos.” (Pallasmaa 43)

Los oídos:“Silencio receptivo, que hace recordar” (Pallasmaa 54)

La nariz:“La nariz hace que los ojos recuerden”. (Pallasmaa 55)

El gusto:“La vista también se transfiere al gusto; ciertos colores y detalles delicados evocan sensaciones orales.” (Pallasmaa 60)

La piel:“La piel lee la textura, el peso, la densidad y la tem-peratura de la materia”. (Pallasmaa 58)

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Theory of coloursJohann Wolfgang von Goethe

El efecto emocional y sensorial de los colores

La Teoría de los Colores de Johann Wolfgang von Goethe(4) declara que los colores son una norma de la naturaleza que se relaciona específicamente con el sentido de la vista pero que tiene repercusiones morales y sensoriales más allá de ésta.

El autor clasifica los colores en 3: fisiológicos, físicos y químicos, y a su vez a estos últimos los clasifica en dos polos opuestos o contrastes, que al combinarse crean una relación armoniosa o balance; siendo el amarillo el polo positivo y activo y el azul el polo negativo y pasivo, por lo cual el verde el color armo-nioso por excelencia. Esta última clasificación es la que utiliza para explicar los efectos de los colores en relación a asociaciones morales, emociones y sensa-ciones. Además, explica que los colores producen una influencia y excitación en la mente que corresponde a ciertos estados de sentimientos, y que esto es enseñado por experiencias anteriores.

En su libro, explica como los colores por sí solos tienen ciertos efectos, pero que esto sería sólo posible de estar en una habitación única y totalmente pintada de dicho color, por lo que es aún más importante entender el efecto de las combinaciones de colores, en pro de encontrar la sensación de armonía.

Johann Wolfgang von Goethe propone tres contrastes que se convierten en complementarios para sumar esta armonía: amarillo con lila, azul con naranja y rojo con verde. Además establece otras combina-ciones que pueden producir una sensación simi-lar: amarillo+azul=verde, amarillo+rojo=naranja y azul+rojo=lila.

Finalmente habla de unas combinaciones, que aunque no producen una impresión significativa, son importantes porque evocan un estado de progresión, al ser entre colores muy parecidos entre sí: amarillo+naranja, amarillo+verde, rojo+naranja, rojo+lila, azul+morado y azul+verde.

“People experience a great delight in colour, generally”. (Goethe, v., par. 759)

“All bodies are susceptible to colour; it can either be excited, rendered intense, and gradually fixed in them, or at least communicated to them”. (Goethe, v., par. 490)

“Every colour produces a distinct impression on the mind, and thus addresses at once the eye and feelings. Hence it follows that colour may be employed for certain moral and aesthetic ends”. (Goethe, v., par. 915)

Antecedentes artísticos

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Arte Barroco (1600-1700)

Fuertes emociones que tientan al cuerpo a viajar por el espacio aparente

“La pintura barroca abre la visión con límites desdibujados, focos tenues y múltiples perspectivas, ofreciendo una invitación clara y táctil y tentando al cuerpo a viajar por el espacio ilusorio”. (Pallasma 34)

El arte barroco(5) se identifica por sus temas realistas, tratados desde la descripción de acciones espectacu-lares y la generación de emociones fuertes, valiéndose de la pintura naturalista, la iluminación dramática (claroscuro) y composiciones asimétricas. Dos de los artistas más reconocidos del Barroco son Gian Lorenzo Bernini y Rembrandt.

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Post-Impresionismo (1885-1905)

Exploración emocional, espiritual y simbólica del arte

“Hacer visible cómo nos toca el mundo” (Pallasma 34)

El Post-Impresionismo(6) es una forma de arte que resulta de algunos artistas independientes que quisi-eron rebelarse en contra de las limitaciones del Impresionismo, y enfocarse en cuestiones espirituales, emocionales y simbólicas.

Paul Gauguin (1848-1903), simplificó las formas y elevó el color, para engrandecer su fuerza expresiva y emocional. (Antecesor del Fovismo).

Vincent van Gogh (1853-1890), sus instintos estaban puramente en sintonía con el poder expresivo del color, resultando en una exploración más emocional y espiritual del arte. (Antecesor del Expresionismo).

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Expresionismo (S. XX)

El color liberado como instrumento emocional

El Expresionismo(7) está cargado con una visión emocional y espiritual del mundo, utilizando formas distorsionadas y colores exagerados que amplifican las sensaciones. Dos reconocidos artistas de este movimiento artístico son Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) y Auguste Macke (1887-1914).

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Fovismo (S. XX)

Experimentación con colores paraexpresar emociones

El Fovismo(8) propone que el color tiene un vocabu-lario simbólico que puede ser utilizado para traducir visualmente las emociones. Dos de los más recono-cidos artistas del Fovismo son Henri Matisse (1869-1954) y André Derain (1880-1954).

Referentes artísticos

Dentro de estos referentes se encuentran aquellos artistas que han logrado cambiar la percepción del espectador ante los objetos o temas centrales de su

obra, evidenciando y resaltando la realidad, pero con un giro inesperado.

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Beatriz González

“Usted es la única gran pintora colombiana. Usted es la única pintora en Colombia que ha sido capaz de pintar colombiano.” (Luis Caballero)

Beatriz González(9) encarna la colectividad Colombiana, la inventa y la proyecta en su obra, de manera culta y analítica. Esto lo hace jugando con la percepción de la realidad a través de un fuerte sistema expresivo, basado en figuras planas y colores llamativos que de una forma u otra adornan la verdadera presencia y testimonio de la memoria del pueblo colombiano que existe en el contenido de su obra.

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Doris Salcedo

Doris Salcedo(10) es una artista y escultora Colom-biana, cuya obra se ve profundamente afectada por la situación de su país y se basa en testimonios reales de familia y amigos de las víctimas de la violencia en Colombia. Por esta razón, su obra resulta conmovedora y ha sido descrita como un gesto ante esta cultura que parece olvidar su propia realidad. Ella utiliza objetos cotidianos y domésticos en espacios o maneras ines-peradas, convirtiéndolos en extraordinarios y compro-metiendo la experiencia del espectador con su obra.

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Richard Serra

El Estadounidense Richard Serra(11) es uno de los artistas más importantes de su generación, creando esculturas de gran escala, con las que explora la relación entre las obra y su materialidad, el espacio y el cuerpo del espectador. Su obra resulta desafiante y tiene un enfoque espacial y temporal, dos elementos que considera materiales esenciales de la obra. Asimismo, hace gran uso del acero, su medio preferido, utilizando diferentes acabado, como la oxidación que le brinda un color naranja brillante y llamativo a la escultura, y logrando una textura bastante agradable al tacto.

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Christo and Jeanne-Claude

Christo and Jeanne-Claude(12) son una pareja de ar-tistas medioambientales que crean obras temporales a gran escala. Con sus obras pretenden resaltar los espacios y hacer que el público tome conciencia de éstos y del medio ambiente.

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Referentes cromáticos

De estos referentes de extrae el valor que se le da al color y al manejo de este como recurso de comuni-cación y de alteración de las imágenes y superficies. Se tiene muy en cuenta que la percepción que se

capta de un lugar se ve muy influenciada por el cromatismo de éste.

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India

India(13) es el segundo país más poblado del mundo y cuenta con diversidad cultural que lo enriquece. Además, deslumbra por su carácter festivo y colorido como es evidente en los adornos corporales y pren-das de vestir de las mujeres, además de las que le hacen a los elefantes en sus festividades llenas de color. Esto, sin dejar de un lado la fabulosa arqui-tectura, llena de texturas y colores.

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Fabian Oefner

Fabian Oefner(14) es un fotógrafo y artista Suizo, que además se mueve en el campo de la ciencia y la in-vestigación. Busca siempre aprovechar los fenómenos naturales y leyes de la ciencia para capturarlos de la manera más impresionante posible, para así apreciar la “magia” que contiene la naturaleza. En su serie Millefiori utiliza ferro-fluido mezclado con colores a base de agua en un campo magnético, lo que hace que el ferro-fluido empiece a formar canales alrededor de los pigmentos, creando estructuras similares que se asemejan a la visual de un cerebro, pero con un colorido espectacular.

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Carnovsky

Carnovsky(15) es un dúo artista-diseñador establecido en Milán, compuesto por Francesco Rugi y Silvia Quintanilla. En su exposición La Selva - RGB The Black Series, en DreamBags-JaguarShoes, Londres, se muestra la técnica RGB, donde se superponen tres imágenes, una roja, otra verde y otra azul, creando una imagen compleja de múltiples capas, que con cada filtro de color revela una imagen diferente y genera un ambiente totalmente diferente en el espacio.

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Referentes de interpretación temática

En estos referentes se ve el uso de diferentes medios para comunicar un tema. Se trata de ver cuáles medios

se utilizan para comunicar temas que se acercan al de éste proyecto, y también cómo el medio de los

textiles y papeles de colgadura se ha utilizado para comunicar diferentes temas.

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Natasha St. Michael

Entrelazando cuentas de vidrio, la artista Natasha St. Michael(16) explora la interconexión de la vida. Sus piezas están inspiradas en elementos orgánicos encon-trados en la naturaleza, como hongos y líquenes, y su intención es encarnar la esencia de una entidad colectiva, donde ningún elemento puede sostenerse independientemente, capturando la complejidad y la continuidad de la existencia.

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Tim Walker

Tim Walker(17) es un fotógrafo de moda Británico, conocido principalmente por su trabajo para la revista Vogue. Sus fotografías se diferencian porque siempre cuentan historias y por su carácter extravagante y per-sonajes teatrales, respaldados por un encanto mágico.

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Rubelli

Rubelli(18) es una casa de diseño y fabricación textil de Venecia de trayectoria familiar y tradicional. Sus diseño son extraordinarios y extravagantes, dirigidos a un estilo de vida hedonista, elegante y excéntrico. Como herramienta esencial para la creación de estos diseños tienen un archivo histórico de tejidos antiguos de todo el mundo, la cual fusionan con las tenden-cias contemporáneas más innovadoras, resultando nuevos tejidos que contienen pasado y presente, la industria y lo artesanal.

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Estado del arte

Se realizó una búsqueda del estado del arte de textiles y papeles de colgadura enfocada tanto en los materiales, colores y técnicas utilizadas como

en la temática e intención de éstos como medio. Se buscaron técnicas de repetición de patrones, técnicas

y temáticas de envejecimiento, el uso de colores vibrantes como elemento protagonista en el diseño y

materiales novedosos y táctiles.

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Toile de Jouy

Toile(19) se le denomina a un estilo de textiles y pape-les de colgadura que surgió en el S.XVIII en Francia, y que ha empezado a resurgir en los últimos años. Re-sulta fascinante pues cada diseño cuenta una historia utilizando una imagen completa como patrón que se repite. Originalmente la imagen era de un solo color (azul, negro o rojo) sobre fondo blanco, pero hoy en día se utilizan variedad de colores tanto en la imagen como en el fondo, creando contrastes y composi-ciones vibrantes.

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Élitis

Élitis(20) es una casa de diseño francesa de papeles de colgadura, textiles para tapicería y mobiliario. Busca ofrecer colecciones coloridas y originales, de deseo y que deleiten. Utilizan principalmente técnicas de es-tampación digital con patrones que se repiten, sobre diferentes materiales de excelente calidad.

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ABC Carpet & Home

ABC Carpet & Home(21), es la tienda de tapetes y alfombras más grande del mundo (8 pisos) y está ubi-cada en Manhattan. Además de tapetes y alfombras, dentro de su portafolio de productos se encuentran antigüedades, muebles, textiles, accesorios, y artícu-los de baño. En su última colección de alfombras: Color reform spectrum edition, se aplica una sobre-saturación en el teñido elaborada a mano, por artesa-nos paquistaníes, por lo cual cada una resulta única y exclusiva. La campaña para esta colección fue produ-cida por Jason Madara, en una casa abandonada del siglo XX en Nueva York, escenario perfecto para estas alfombras por sus interiores de colores vibrantes.

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Lydia in St. Petersburg

Lydia in St. Petersburg(22) es un taller de diseño donde se exploran los principios opuestos de la belleza y la transitoriedad. Su juego con la materialidad y la forma evocan la fuerza expresiva y encanto de la decaden-cia, junto con una estética atemporal y elegante que mejora con el paso del tiempo. Susan Krieger, diseña-dora textil y fundadora del taller demuestra su talento para transformar superficies principalmente mediante procesos de oxidación, de dónde nace una patina que se convierte en el acabado insignia de éste taller de diseño. Además, utilizan técnicas de estampación manual, lo cual resulta en piezas únicas y exclusivas.

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Mutina

En 2006, después de 30 años de historia en la pro-ducción de cerámica, Mutina(23), una firma Italiana se embarco en un nuevo curso, al decidir enfocarse en diseñadores exclusivos y una Mirada a la cerámica como parte integral del diseño de interiores. Entre sus colecciones más destacadas se encuentran Déchirer (2008/2010) y Bas-Relief (2010) de Patricia Urquiola y Phenomenon (2010) de Tokujin Yoshioka. Déchirer está inspirada en la materialidad del concreto, pero que carga capas de memoria y trazos del pasado y Phenomenon basa sus texturas en los fenómenos y leyes de la naturaleza y juaga con las luces y sombras de los interiores.

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Nendo

Nendo(24) es el arquitecto y diseñador Japonés que estuvo a cargo de Moss House, un proyecto de reno-vación de una casa, cuyas paredes resultan lo más característico. Éstas tienen una textura de musgo natural que forma dibujos y patrones imitando un papel de colgadura, que recorren y conectan los espacios, envolviendo casi la totalidad de la casa.

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Audiencia

Esta colección de telas y papeles de colgadura está dirigida a diseñadores de interiores, arquitectos y decoradores. Así como para diferentes marcas,

oficinas y demás personas o entidades que tengan una relación con el diseño y sigan tendencias, además de

tener un concepto de interiorismo de vanguardia.

La audiencia de intervalos entiende los muebles y elementos que conforman un espacio como piezas

de diseño y deleite, más que como piezas de utilidad.

Proceso creativo

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Mood boards

Durante el proceso creativo se realizaron cuatro diferentes mood boards hasta llegar a uno con el que se lograra comunicar adecuadamente el tema y la intención del proyecto.

El primero se hizo a manera de tablero de inspiración, y se incluyeron imágenes de óxidos, de objetos y lugares abandonados, de superficies envejecidas, además se incluyeron fotografías de la India de gran riqueza cromática y carácter festivo. Se hizo una relación entre los dos temas por medio de la paleta de color y el paso del tiempo. Como conclusión, se tomo la decisión de centrarse en el tema del paso del tiempo y cómo este afecta las diferentes superficies.

De esta manera se desarrolló el segundo mood board. Se rescataron las imágenes del anterior que muestran los procesos de envejecimiento y los efectos del paso del tiempo, junto con una paleta de color vibrante utilizando colores sobresaturados. En este caso, se incluyeron algunas imágenes nuevas, principalmente de referentes.

El paso a seguir fue crear un mood board sólo con fo-tografías propias, pues los dos anteriores habían sido creados con imágenes encontradas en diferentes pá-ginas web y blogs. Así que se tomaron fotografías en la Universidad de los Andes y en los barrios Chapinero y Parkway. Éstas fueron editadas para crear el efecto cromático y textural deseado para el proyecto.

El último ejercicio en esta etapa del proyecto fue retomar y analizar todas las imágenes que se tenían hasta el momento para acotar el “mood” del proyecto, clasificándolas y seleccionándolas para la elaboración un mood board final. Asimismo, se añadieron más fotografías propias, tomadas en la Quinta de Bolívar y sus alrededores para complementarlo. Además las imágenes se ordenaron en diferentes universos o escenarios con el fin de facilitar el análisis de la información que éstas brindan al proyecto.

Finalmente éste mood board muestra la paleta de color y las texturas que se utilizarán en para el diseño de la colección intervalos.

Mood board 1

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Mood board 2

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Mood board 3

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Mood board final

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Análisis del mood board final

Teniendo ya el mood board final definido, se prosigue a analizar los datos que brindan las imágenes. Se aprovecha que las imágenes están ordenadas en diferentes universos o escenarios: natural, doméstico, urbano e industrial para empezar a ver en qué se diferencian y en qué puntos se encuentran.

Las imágenes más importantes son aquellas que se encuentran en puntos de intersección entre al menos dos o tres de estos universos. En este momento se define que lo que se quiere comunicar con la colección intervalos es precisamente estos puntos de intersección, donde hay superficies que han sido transformadas por el paso del tiempo y que además son puntos de unión entre estos diferentes universos.

Por otro lado, se encontró otra relación importante; existen diferentes momentos entre estas transforma-ciones que hacen cambiar la belleza. Por este motivo se le llamó a la colección intervalos, proponiendo que cada diseño muestre un momento o punto diferente en los estados de mutación que sufren las diferentes superficies en el tiempo.

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Natural - Doméstico - Urbano - Industrial

Belleza en objetos ordinarios / PoesíaElementos sorpresa

Objetos y lugares insólitosCapacidad de asombro

Memoria colectiva + Memoria individualEspacio público + Experiencia propia

Huellas del paso del tiempoMutación de las formas

Belleza que se transformaTransformación

Convertirse en un mismo serUna misma existencia

Universos

Natural - Doméstico

Naturaleza intervenidaJardines

Chorreras / FuentesEscaleras de piedra

EnredaderasMusgos

HúmedadInvasión vs Decoración

Doméstico - Urbano

Puertas como límiteTejas y techos

Madera / TablasParedes y murosPintura / Colores

EsquinasSillas y bancas

Antejardín

Urbano - Indusrial

TuberíasBarandas

Puertas y rejas metálicasOxidaciones y desgaste

Calles y andenesConcreto

Tornillos y tuercas

Natural

PatronesAleatoreo

RepeticionesFormas irregularesFormas orgánicasTexturas (follaje)

Doméstico

ÍntimoPropio

IntimidadApropiaciónPrivacidad

Hogar

Urbano

Espacio públicoDe muchos

Compartir el espacioMemoria colectiva

SocialCiudad

Industrial

RígidoPesadoDuro

ÓxidaciónMetal

Herramientas

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Selección de texturas

El paso a seguir fue seleccionar algunas imágenes que sirvieran cómo guía para empezar la experimentación. Esto se hizo para tener algunos parámetros claros y posibilidades para el diseño y así delimitar el proceso de experimentación y pruebas.

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Experimentación

En la fase de experimentación del proyecto se hizo primero un acercamiento a los materiales que aparecen en la selección de texturas. Se trató de dar las sensaciones por medio de procesos de oxidación y envejecimiento, utilizando diferentes pigmentos, aplicándolos y removiéndolos. Además se buscaron piezas que ya estuvieran oxidadas y/o envejecidas, como tornillos, cadenas y tablas en chatarrerías.

Dentro de la experimentación también se hizo pruebas de estampación manual, sacando patrones de fotos relacionadas al tema y se imprimió sobre lona una imagen de una planta trepadora enredada a un tronco de madera, y se recortaron las hojas para pegarlas sobre diferentes piezas. En estas pruebas de patrones e impresión sobre textil se encontró mayor potencial que en las experimentaciones con materiales como madera y metal. Por esto finalmente se decidió pasar a hacer patrones para imprimir sobre tela y papel que formaran la colección intervalos.

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Diseño de la colección

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Los diseños de la colección intervalos surgen de fotografías que son editadas y manejadas como patrones que se repiten. Estos resultan muy versátiles y se pueden manejar en diferentes escalas, tonos y materiales para los diferentes usos en diseño y decoración de interiores.

En las muestras se utiliza impresión digital sobre tela Canvas, cuya principal aplicación es la tapicería, y sobre papel de colgadura sintético; pero en la práctica, se propone el uso de otros materiales.

Para tapicería se plantea la posibilidad de utilizar Terciopelo de algodón, Terciopelo Gofre, Jacquard de Terciopelo o Jacquard Chénille. Para aplicaciones más livianas como cortinas se propone el uso de velos de seda o lino. Se recomienda que cualquiera de las telas que se vaya a utilizar sea compuesta en su mayoría por fibras naturales de algodón, seda y/o lino.

En el caso de los papeles de colgadura se plantea el uso de bases no tejidas de fibras naturales (base textil) o vinílicas. Ambos materiales son lavables y de muy buena resistencia a la luz. Aunque el papel vinílico es más fácil de limpiar y tiene buena resistencia a la humedad, lo que lo hace apropiado para usar en baños, cocinas y terrazas, en el papel de base textil se lucen mejor los colores y los diseños, lo que lo hace más adecuado para fines decorativos.

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Índice de imágenes

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(001) Bernini, Gian Lorenzo. Apolo y Dafne. 2012. Fotografía. Historia del arte. Arte Barroco: Escultura. Web. <http://historiadelartecbe.blogs-pot.com/2012/04/arte-barroco-escultura.html>.

(002) Bernini, Gian Lorenzo. David. 2012. Fotografía. Historia del arte. Arte Barroco: Escultura. Web. <http://historiadelartecbe.blogspot.com/2012/04/arte-barroco-escultura.html>.

(003) Bernini, Gian Lorenzo. Éxtasis de Santa Teresa. 2012. Fotografía. Historia del arte. Arte Barroco: Escultura. Web. <http://historiad-elartecbe.blogspot.com/2012/04/arte-barroco-escultura.html>.

(004) Bernini, Gian Lorenzo. Éxtasis de la Beata Ludovica Albertoni. 2012. Fotografía. Historia del arte. Arte Barroco: Escultura. Web. <http://historiadelartecbe.blogspot.com/2012/04/arte-barroco-escultura.html>.

(005) Rembrandt. A Girl at the Window. Scanopia Art Scans. Web. <http://www.scanopia.com/rembrandt/a-girl-at-a-window.html>.

(006) Rembrandt. Rembrandt, Self-Portrait as the Prodigal Son with Saskia, Dresden. Rembrandt Self-Portraits. Web. <http://employees.one-onta.edu/farberas/arth/arth200/artist/rembrandt_self_portraits.html>.

(007) Rembrandt. rbd-home-intro. The Rembrandt Database. Web. <http://www.rembrandtdatabase.org/Rembrandt>.

(008) Gauguin, Paul. Paul Gauguin - Mata Mua (in Olden Times), 1892 at Museo Thyssen-Bornemisza Madrid Spain. 2011. Fotografía. Flickr. Web. <http://www.flickr.com/photos/mbell1975/6768179957/>.

(009) Gauguin, Paul. Fishermen and Bathers of Aven (1888). 2013. Fotografía. Thorstein Ulf. Web. <http://thorsteinulf.tumblr.com/tagged/Paul-Gauguin>.

(010) Van Gogh, Vincent. Ladies of Arles. Fotografía. Viaggiare Sempre. Web. <http://www.viaggiaresempre.it/015VincentVanGoghLadiesOfArles.jpg>.

(011) Van Gogh, Vincent. ‘View of Arles-Orchard in Bloom with Poplars’, 1890 (oil on canvas). Fotografía. Artyfactory. Web. <http://www.artyfac-tory.com/art_appreciation/art_movements/post_impressionism.htm>.

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(15) Yellowtrace, . “RGB – The Black Series by Carnovsky | Jag-uarShoes Collective, London..” Yellowtrace. Web. <http://www.yel-lowtrace.com.au/2011/08/30/rgb-–-the-black-series-by-carnovsky-jaguarshoes-collective-london/>.

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(17) Hutchings, Lucy. “People and Parties. Vogue Archive: Tim Walker.” Vogue. 17 Abril 2012. Web. <http://www.vogue.co.uk/spy/celebrity-photos/2012/4/17/vogue-archive-tim-walker>.

(18) “Rubelli Group: Production.” Rubelli. Web. <http://www.rubelli.com/INTERnet/sito_v5/en/rubelli-group/production>.

(19) Morgan, Hannah. “Design History: Totally Toile.” Natural His-tory. 27 Junio 2011. Web. <http://naturalhistory.typepad.com/blog/2011/06/design-history-totally-toile.html>.

(20) “Acerca de Élitis.” Élitis. 2012. Web. <http://www.elitis.fr/es/a-propos-d-elitis.htm>.

(21) “ABC Carpet & Home Co. Inc. History.” Funding Universe. Web. <http://www.fundinguniverse.com/company-histories/abc-carpet-home-co-inc-history/>.

(22) “Lydia in St. Petersburg.” Creative Germany. Web. <http://www.creative-germany.travel/en/design-en/lydia-in-st-petersburg-3/>.

(23) “Mutina World.” Mutina. Web. <http://www.mutina.it/world-eng.php?lang=eng>

(24) “Moss House, CASA MUSGO.” Living in Designland. 13 Septiem-bre 2009. Web. <http://livingindesignland.blogspot.com/2009/09/moss-house-casa-musgo.html>.

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Isabella Ocampo ZambranoCódigo: [email protected]

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Director: Guillermo Restrepo

Universidad de los AndesDepartamento de DiseñoSemestre 2013-I

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