Republica Bolivariana de VenezuelaInstituto Universitario Politécnico Santiago Mariño

Extensión - Barinas

IDENTIFICACION DE LOS ELEMENTOS ARQUITECTONICOS

Nombre: Patricia SosaCI:17509349

Junio 2014

RENACIMIENTO ITALIANO

La iglesia es obra del arquitecto Filippo Brunelleschi, se construyó entre 1422 y 1470.

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su estilo austero y geométrico, inspirado en la antigua Roma y completamente diferente del gótico florido que prevalecía en su época

•Su característica principal consistía en el predominio de las proporciones matemáticas, marcado por un orden espacial modular, basado en las formas cúbicas, con nervios ortogonales, líneas rectas y planos lisos. Esta arquitectura austera se convirtió con su rigor geométrico en un paradigma para la mayoría de los edificios posteriores del renacimiento Florentino.

fachada desnuda y plana de toscos ladrillos de terracota

Las paredes de la nave central tienen ventanas pequeñas y las laterales óculos, ventanas pequeñas y redondas, las que dan iluminación natural al interior

Los soportes entre las naves son columnas de orden corintio coronadas por arcos de medio punto. Domina la horizontalidad, frente a la verticalidad gótica, y todas las paralelas confluyen en un punto siguiendo las leyes de la perspectiva.

Las cúpulas son con pechinas sobre tambor.

está compuesta por tres puertas encuadradas entre dos pilastras adornadas con madera de roble y laurel

Este templo, claro ejemplo de la arquitectura renacentista del Quattrocento italiano, se inspira por un lado en las primeras basílicas paleocristianas y, por otro, en los patrones de la arquitectura clásica, tal como revelan elementos como el orden corintio o la cubierta plana con casetones.Todo el edificio refleja el acusado interés de Brunelleschi por conseguir la armonía y la proporción en la construcción.

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Esta obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal.La Virgen Maria joven, bella y piadosa, cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene a Cristo muerto y que , intencionadamente, aparenta mayor edad que la madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen María es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una madre eternamente joven y bella

En esta escultura predominan las armonías de contraste. Hay tres:Primera armonía: Los ejes del cuerpo de Jesús (líneas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la Virgen María.

Segunda armonía: El brazo derecho de Jesús cae inerte. Éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que está lleno de vida y conmiseración.

Tercera armonía: Los pliegues de la Virgen con oquedades forman contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús

Material : MármolRealizado por Miguel Angel  entre 1948 y 1499 en la Basílica de San Pedro.

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Leonardo Da Vinci(Italia, 1452-1519)La GiocondaEs el verdadero maestro de la perspectiva aérea, con la técnica del sfumato: las líneas del dibujo desaparecen y los límites de las figuras y volúmenes se difuminan. Con Leonardo el aire aparece en el lienzo, es el aire, en definitiva el que, difuminando los volúmenes, crea la ilusión de cercanía o lejanía, de perspectiva.

carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos pasados, en la cual, se habrían barrido las veladuras o leves trazos con que se pintaron. Según otros expertos, Leonardo nunca le pintó cejas ni pestañas para dejar su expresión más ambigua o porque, realmente, nunca llegó a terminar la obra. El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda.

La SonrisaEn el siglo XVI Leonardo da Vinci pintó la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla directamente y sólo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro.

Pintura la Gioconda – Mona Lisa

Italia fue el foco primero y principal del Renacimiento en todas sus manifestaciones, del siglo XV al XVI

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Este importante edificio sorprende tanto por su austeridad como por la sencillez de sus líneas. Cuatro macizas torres delimitan el monasterio en sus cuatro ángulos, a la manera de las construcciones civiles y militares españolas. En el centro se alzan las torres de la basílica dominada por la gran cúpula. Todo el conjunto presenta una forma piramidal conforme a una tendencia muy española. Los puntiagudos techos de pizarra, novedosos en España, semejan a los de Europa Central.

Fachada oeste Con 207 metros de longitud y 20 metros al altura es la principal del monasterio. Está flanqueada por dos torres de 56 metros de altura.

En el centro se encuentra la puerta acceso principal

Fachada Sur

Con una longitud de 161 metros, está considerada la más hermosa de las cuatro. En ella podemos encontrar una galería porticada de dos pisos con 77 arcos

Las cubiertas se cubren a doble aguas con

Ventanas y chimeneas

Las naves del templo se cubren mediante bóvedas de cañón soportadas por arcos perpiaños. Todo ello gravita sobre los muros perimetrales y sobre cuatro gruesos pilares dóricos centrales, de 8 metros de lado, distantes entre sí 15,50 metros. El espacio que definen, a modo de crucero, se cierra mediante un tambor circular sostenido por cuatro pechinas; en él se abren ocho ventanales que proporcionan luz natural. Se cubre con una cúpula de 17 metros de diámetro rematada por un cupulín y, en su extremo, por una bola metálica de 2 metros de diámetro sobre la que se levanta una cruz. La altura total del punto más elevado de la cruz tomada con respecto al pavimento de la iglesia es de 95 metros.El templo pequeño o sotacoro reproduce a escala reducida la forma del templo principal. De planta cuadrada, posee cuatro pilares centrados que soportan una bóveda circular sostenida por pechinas (cúpula plana: circular, con pechinas y con sus dovelas y clave). Dado que este espacio queda debajo del coro y que, por tanto, su altura es escasa, los arcos torales no son de medio punto sino carpaneles, y la bóveda es tan rebajada que aparenta ser casi plana.Toda la obra está realizada con sillería de granito. El pavimento es de mármol blanco y gris.

Monasterio del Escorial

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Para el color se empleaban dos técnicas el estofado, generalmente sobre las vestiduras que se recubrían de pan de oro, que salía después de aplicar el color y raspar y el encarnado sobre las zonas desnudas que se cubrían de yeso antes de dar color.

La escultura renacentista se aplica fundamentalmente a dos tipos de obras, el monumento funerario y el retablo , ambas ya muy utilizadas en España. Pero la necesidad contra reformista de clarificar la imagen de los santos, como intercesores ante Dios, contribuyó decisivamente a la difusión del esquema narrativo del retablo , donde se suceden escenas diversas, con significados iconográficos bien caracterizados, de gran impacto visual, gracias al riguroso orden

arquitectónico y la profusa policromía .

EL Su estilo se caracteriza por el dinamismo , la disimetría en los rostros y anatomías, la huída de la repetición de figuras, gestos o actitudes, la variedad en el estudio de manos y la acentuación del contraposto , llegando a la figura serpentina que gira en un plano helicoidal, adquiriendo un perfil flameante , creando desequilibrio, en consonancia con la agitación espiritual de la representación. En el aspecto expresivo se hace especial hincapié en el carácter angustioso de la existencia, en la lucha del espíritu por romper la corteza carnal que lo atenaza. De ahí la agitación de las formas , el dinamismo y el dramatismo de sus creaciones. Para subrayar el dramatismo recurre, en ocasiones, a fórmulas de carácter subjetivo: proporcionalidad jerárquica, yuxtaposición de figuras, perspectiva inversa, estridencias formales, incorrecciones técnicas. Todo ello supone una clara renuncia a la belleza formal en beneficio de una mayor expresividad.

La mesa con los trece personajes se enmarca en una arquitectura clásica representada con exactitud a través de la perspectiva lineal, concretamente central, de manera que parece ampliar el espacio del refectorio como si fuera un trampantojo salvo por la diferente altura del punto de vista  y el monumental formato de las figuras. Ello se logra a través de la representación del pavimento, de la mesa, los tapices laterales, las tres ventanas del fondo o, en fin, los casetones del techo. Esta construcción en perspectiva es lo más destacado del cuadro

La escena parece estar bañada por la luz de las tres ventanas del fondo, en las que se vislumbra un cielo crepuscular, de igual manera que por la luz que entraría a través de la ventana verdadera del refectorio. 

Los 12 Apóstoles están distribuidos en cuatro grupos de 3

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La técnica de la pintura al fresco requiere pintarse con rapidez trabajando en jornadas y no volviendo atrás para corregir aquello que se pintó el día anterior. Entre el largo proceso que requería Leonardo da Vinci en sus obras y su ánimo innovador, experimentó en La última cena con una nueva técnica fallida que combinaba óleo y yeso.

La última cena (1495-1497)Leonardo da Vinci Temple y óleo sobre yeso

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diseñada y construida durante el período artístico del Renacimiento europeo, que abarcó los siglos XV y XVI. Se caracteriza por ser un momento de ruptura en la Historia de la Arquitectura, en especial con respecto al estilo arquitectónico previo: el Gótico; mientras que, por el contrario, busca su inspiración en una interpretación propia del Arte clásico, en particular en su vertiente arquitectónica, que se consideraba modelo perfecto de las Bellas Artes.

de estilo residencial del siglo XVI situado en la comuna francesa de Chenonceaux, en el departamento de Indre-et-Loire, y que forma parte de la serie de castillos comúnmente conocidos comocastillos del Loira.Por otra parte, se trata del Monumento Histórico en manos privadas más visitado de toda Francia, e incluye varios jardines, un parque y una plantación vitivinícola. El castillo, que sustituyó a otro anterior, no sólo posee importancia en tanto que obra de arte, sino que además ha gozado de una activa presencia en la Historia de Francia.

El castillo presenta una planta cuadrada, con un vestíbulo central al que se abren cuatro habitaciones, una por cada lado. En la planta baja hay una capilla, junto con la habitación deDiana de Poitiers y el gabinete de trabajo de Catalina de Médicis. Desde el final del vestíbulo se accede a la galería que se encuentra sobre el río Cher La galería existente en la planta baja cuenta con un enlosado clásico en plan hipodámico, en forma de tablero de ajedrez en colores blanco y negro, siendo la parte del edificio que durante la Primera Guerra Mundial albergó un hospital militar

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En la pintura El Renacimiento se inicia con algunos detalles aislados mezclados en obras de estilo Gótico, a partir de la segunda mitad del XV. A principios del XVI, importantes pintores italianos trabajan para los reyes franceses, entre ellos Leonardo da Vinci, cuya muerte acaece en Francia. Pero solamente a partir de 1530 y de la formación de la escuela deFontainebleau empiezan a extenderse las influencias italianas sobre pintores franceses. En general, esta pintura (cuyos maestros son el ya citado Primaticio y el florentino Rosso) tiene finalidades cortesanas y decorativas. Entre los franceses de esta época podemos citar a los Cousin, padre e hijo. Más adelante, en tiempos de Enrique III y Enrique IV, se forma la segunda escuela de Fontainebleau, en la que colaboraron artistas franceses con flamencos, holandeses e italianos. En el retrato de Corte destacan los Clouet. Escuela de Fontainebleau: Diana cazadora, 1550-1560.

La figura se sitúa en un paisaje, plenamente iluminada por una luz inventada procedente de la derecha que provoca

una zona de sombra en el pecho de la joven.

Cubre su pubis con la piel que la identifica como cazadora, además del carcaj, el arco o la pieza que

encontramos en el suelo.

El color es bastante aceptable, aplicado con seguridad, al

igual que el dibujo, firme y decidido

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El Renacimiento artístico no fue en Alemania una tentativa de resurrección del arte clásico, sino una renovación intensa del espíritu germánico, motivado por la Reforma protestante.

no sólo es el lugar más destacado de la ciudad, sino la ruina más famosa de Alemania. Consta de varios edificios, incluido la Dicker Turm («torre gorda») que fue explosionada y el jardín desde donde se tiene una magnífica vista sobre el valle y la urbe. En su interior alberga el Museo Alemán de Farmacia y el barril grande del castillo de Heidelberg. Cada año hay espectáculos populares, como los Schlossfestspiele (festivales teatrales en el castillo) y bailes como el Ball der Vampire («baile de los vampiros»). Es un famoso resto arqueológico en Alemania y monumento de Heidelberg. Las edificaciones del castillo se encuentran entre las más importantes estructuras

renacentistas al norte de los Alpes.

El castillo ha sido reconstruido sólo parcialmente desde su demolición en los siglos XVII y XVIII. Se encuentra 80 metros arriba de la parte septentrional de la ladera del Königstuhl, y por lo tanto domina la vista de la vieja ciudad. Se llega por una estación intermedia en el funicular Heidelberger Bergbahn que va desde el Kornmarkt de Heidelberg hasta la cumbre del Königstuhl.La estructura más antigua del castillo fue construida antes del año 1214 y más tarde ampliada a dos castillos cerca de 1294; sin embargo, en 1537, un rayo destruyó el castillo superior. Las estructuras actuales habían sido ampliadas en 1650, antes del daño causado por guerras e incendios posteriores. En 1764, otro rayo destruyó algunas secciones reconstruidas

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Lucas Cranach, el Viejo, fue, junto con Alberto Durero, un destacado pintor del siglo XVI alemán. En sus obras trató tanto temas religiosos como retratos o escenas mitológicas en las que el desnudo se aleja de los cánones procedentes de Italia para crear un prototipo estrictamente alemán que destila sensualidad. Esta tabla representa a la ninfa de la fuente Castalia, cuya agua bebían filósofos y poetas en busca de inspiración. La ninfa se nos muestra tumbada sobre un tupido césped, en una posición antinatural, con la cabeza apoyada sobre el brazo derecho, girando su cuerpo hacia el espectador y con la pierna izquierda cruzada. Tras la protagonista, en primer término, se van sucediendo distintos planos que dotan a la obra de profundidad. El tema de esta composición aúna las referencias a la Antigüedad clásica con las influencias del arte italiano. Esta ninfa nos remite por su postura a la Venus de Giorgione de la Gemäldegalerie de Dresde y a las de Tiziano por la cartela del ángulo superior izquierdo, cuyo texto corresponde a un poema latino. El carcaj con flechas y el arco apoyados en el árbol pueden hacer referencia a Diana cazadora o bien a Cupido, acompañante de Venus.

Las dimensiones de esta pintura, que es de una gran calidad, han sido modificadas en sus cuatro lados.

Al borde inferior, además, se le añadió una banda de unos cuatro centímetros de ancho

sobre la que la figura reposa el pie izquierdo

En la composición, en la que dominan los elementos horizontales, el artista ha colocado, en primer término, a su ninfa cubierta con un sutilísimo velo transparente que cubre su cabeza y envuelve su cuerpo.

La orientación que marca el eje de su cuerpo desnudo se van añadiendo, en profundidad, las distintas partes con las que Cranach ha construido el paisaje y que acentúan, por su disposición, el

carácter sosegado y apacible que invade la pintura.

Estos planos corresponden al borde del tupido césped sobre el que la ninfa directamente está tumbada, los suaves perfiles de las colinas donde descansan los ciervos y, finalmente, la pantalla de árboles con la que el artista cierra el último término de su composición.