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Destacados de programación Abril 2020
DOCUMENTAL | Mirella Freni: Una vida dedicada a la ópera [In Memoriam], un documental de Marita Stocker – 3 de abril – Pág. 3
CONCIERTO | Serendipia Ensemble – Pequeña tempestad; Concierto en la Catedral de Alcalá de Henares – Estreno 10 de abril – Pág. 5
CONCIERTO | Claudio Abbado dirige la Filarmónica de Berlín - Tributo a Gustav
Mahler – Estreno 11 de abril – Pág. 7
CONCIERTO | Maria Callas - Una vida de ópera – Estreno 17 de abril – Pág. 9
CONCIERTO | Semyon Bychkov dirige la Filarmónica de la República Checa – Sinfonía n.º 9, de Gustav Mahler – Estreno 18 de abril – Pág. 11
CONCIERTO | Denis Matsuev desde el Real Concertgebouw de Ámsterdam – Obras de Tchaikovsky, Schumann & Stravinsky – Estreno 19 de abril – Pág. 13
JAZZ | Chucho Valdés en Ucrania – Alfa Jazz Festival – Estreno 24 de abril – Pág. 15
CONCIERTO | Gala desde Berlín 2019 – Filarmónica de Berlín, Diana Damrau & Kirill Petrenko – Estreno 25 de abril – Pág. 17
ÓPERA | Falstaff, ópera en tres actos de Giuseppe Verdi [Ópera Estatal de
Hamburgo] – Estreno 26 de abril – Pág. 19
CONCIERTO | Waldbühne 2016: Una noche checa – Filarmónica de Berlín, Lisa Batiashvili & Yannick Nézet-Séguin – Estreno 30 de abril – Pág. 21
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Un magnífico documental para descubrir en profundidad a una de las grandes divas de la
ópera en el siglo XX, y a la mujer que la contempla.
Género: documental, ópera, voz.
Intérpretes: Mirella Freni, Plácido Domingo, Lamberto Pugelli, Elvio Giudici.
Director: Marita Stocker.
Año: 2010.
Duración: 58 minutos.
Mirella Freni (1935-2020) ha sido una de las sopranos más notables del mundo de la ópera. Se ha ganado el corazón de los espectadores durante medio siglo, con su voz siempre fresca y con una calidad de voz que no ha disminuido. En 2010, el año de su 75.º cumpleaños y el 55.º aniversario de su debut en el escenario, recibió el MIDEM Classical Award por su trayectoria artística. Este documental Una vida dedicada a la ópera es un retrato que muestra a Mirella Freni durante una clase de canto en el Centro Universale del Bel Canto [CUBeC] en su ciudad natal, Modena. Además, una extensa entrevista con Freni se filma en el Teatro Comunale de Modena, el mismo lugar donde la soprano comenzó su carrera mundial. Las entrevistas con colegas y amigos, como el famoso tenor Plácido Domingo, el director Lamberto Pugelli y el crítico de ópera Elvio Giudici, completan este retrato dirigido por Marita Stocker.
Documental | Mirella Freni: Una vida dedicada a la ópera [In Memoriam]
Un documental de Marita Stocker 3 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
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La familia de Mirella era de clase media –su madre y la madre del tenor Luciano
Pavarotti trabajaron juntas en la tabacalera de Modena–, pero fue sin duda una niña talentosa para la música. El tenor Beniamino Gigli le advirtió que corría el riesgo de arruinar su voz si no dejaba el canto hasta que no tuviera mayor edad, por lo que Freni retomó el canto a los 17 años. Su debut operístico tuvo lugar en Modena en 1955, a los 19 años, cantando el personaje de Micaëla, en la Carmen de Bizet. A pesar de que recibió varias ofertas, decidió dejar de lado su carrera para casarse y tener un hijo con su profesor de canto, Leone Magiera. En 1958 reinició su carrera, ganando un concurso de canto e interpretando a Mimì, de La bohème de Puccini, en el Teatro Regio de Turín. Después cantó en la Ópera de los Países Bajos en la temporada 1959/1960, siendo reconocida internacionalmente cuando cantó el papel de Adina en una producción de Franco Zeffirelli, en un L'elisir d'amore en el Festival de Glyndbourne. En la temporada 1961/1962 cantó en ese mismo festival los personajes cómicos de Susanna y Zerlina.
Debutó en el Royal Opera House como Nannetta en 1961, en la Scala en 1963 –bajo la
dirección de Herbert von Karajan y Zeffirelli–, y en el Metropolitan Opera House como Mimì en 1965. Freni se convirtió entonces en una de las cantantes favoritas de Karajan, con quien grabó y actuó en varias ocasiones. Su repertorio se amplió para abarcar Liù, Marguerite y Julieta. Entre los años 1970 y 1980 cantó papeles más complejos y exigentes de Verdi, como Elisabetta, Desdemona, Amelia, Elvira, Leonora e incluso, Aida. También cantó papeles de Puccini como Manon, Tosca, Madama Butterfly y los tres personajes de Il Trittico. En los años 1990 incluyó también personajes del verismo italiano, como Adriana, Fedora y Madame Sans-Gêne, e incluso papeles de la ópera rusa, como Tatiana, Lisa y Juana. En 1981 se casó con Ghiaurov y juntos fundaron el Centro Universale del Bel Canto en Vignola, donde comenzaron a impartir clases magistrales en 2002. Tras la muerte de Ghiaurov, en 2004, Freni continuó su trabajo y sus clases no solo en el centro sino por todo el mundo. En 1990 publicó sus memorias, Mio Caro Teatro, el mismo año que recibió la orden Cavaliere della Gran Croce della Repubblica Italiana y en 1993 la condecoración de la Legión de Honor francesa. En 2007 recibe en Oviedo el Premio Lírico Teatro Campoamor a toda una carrera dedicada al canto. Mirella Freni posee una voz de extremada belleza, lirismo y fuerza. Como intérprete ha podido abordar roles dramáticos y otros más ligeros con igual fortuna. Pocos han sido los papeles escritos para soprano que ella no haya llevado a los escenarios. Como curiosidad, uno de los que ha grabado, pero nunca ha interpretado en un teatro es el de Cio-Cio-San, de Madama Butterfly de Puccini, pues según sus propias palabras no podía cantarlo sin que la emoción le rompiera la voz cuando llega la escena en la que se despide de su hijo. Su amplísima discografía incluye un abundante número de óperas de los grandes autores centrales desde finales del XVIII hasta finales del XIX, incluyendo Mozart, Puccini, Verdi, Gounod, Massenet, Bellini, Bizet, Mascagni, Leoncavallo y Donizetti.
Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00494_Mirella_Freni_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00494_Mirella_Freni_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00494_Mirella_Freni_4.jpg
Documental | Mirella Freni: Una vida dedicada a la ópera [In Memoriam] Un documental de Marita Stocker 3 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis: Mirella Freni: Una vida dedicada a la ópera. Un documental de Marita Stocker, con la participación de Plácido Domingo, Lamberto Pugelli, Elvio Giudici y otros. 2010.
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Las flautas de pico y la percusión histórica se inspiran en la obra de Shakespeare para
narrar la creación del Universo a través de música de los siglos XV a XVIII.
Género: concierto, música clásica, música renacentista, música barroca, instrumental, flauta de pico, percusión.
Intérpretes: Rita Rodríguez, Moisés Maroto [flautas de pico], Pablo Cantalapiedra [percusión histórica].
Año: 2020.
Lugar: Catedral, Alcalá de Henares, Madrid.
Duración: 95 minutos.
Pequeña tempestad: La miniaturización de la creación del Universo, es el título del concierto que este conjunto español de música antigua, Serendipia Ensemble, ofreció en la Catedral de Alcalá de Henares (España). «Una tormenta en un vaso de agua y un barco en una botella de vidrio, esta es la miniaturización que Serendipia busca en este programa, trasmitir la fuerza de una batalla, la creación de los elementos y la armonía y celebración de la unión en la creación del Universo. Con la obra de The Tempest, de William Shaskespeare, como referencia, Serendipia trae la idea de la creación del Universo, donde el Kahos da origen a la Diáspora de los elementos que se juntan en Harmonía y consiguen festejar el principio del mundo, en el que las flautas de pico actúan como un Demiurgo (Dios o elemento creador), mediante batallas, danzas, sonatas a dúo, istampittas, recercatas… Es como ver el mundo a través de una cerradura».
Concierto | Serendipia Ensemble Pequeña tempestad – Concierto en la Catedral de Alcalá de Henares Estreno 10 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
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Serendipia es un dúo de flautas de pico de reciente creación, integrado por Moisés Maroto y Rita Rodríguez. Como grupo han tocado en el Ecos Festival – Festival Internacional de Música Antigua de Sierra Espuña, compartiendo cartel con músicos tan importantes como Raquel Andueza, o el Ciclo Maldà 1700 – Cicle de Música Antiga i Xocolata. Además, su trabajo está teniendo gran acogida por el público, por la crítica y por los programadores, con críticas publicadas por la revista especializada de música Codalario y con conciertos en el horizonte en grandes e importantes festivales, como el Festival de Música y Danza «Portingaloise» en Oporto, Festival Bach Cartagena o en el Festival de Música Antiga dels Pirineus (FeMAP). Ambos músicos estudian juntos en la Escola Superior de Música e Artes do Espectáculo (ESMAE) de Oporto, con el profesor y doctor en música antigua Pedro Sousa. Posteriormente, también coinciden en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMuC), con el prestigioso profesor y doctor en música Pedro Memelsdorff. Además de coincidir en sus estudios, también lo hacen en sus carreras
como intérpretes, formando parte de grupos como Barrock’n’roll –ganador del premio del jurado y el premio del público del II Concurso Internacional de Música Antigua de Gijón en
2013–, Continuum XXI o Consort Dolce Eolo, con los que ofrecen conciertos nacionales e internacionales. Tanto Moisés en el CSMA (Conservatorio Superior de Música de Aragón) y en la ESMuC, como Rita en la ESMAE obtuvieron las máximas calificaciones en sus respectivos cursos. En el programa actual del grupo Pequeña Tempestad: La miniaturización de la creación del universo, Serendipia Ensemble cuenta con la colaboración de un intérprete más, Pablo Cantalapiedra, que con sus percusiones históricas convierte al dúo en trío y le da un toque diferente y nuevo.
El programa está conformado por las siguientes obras: Gravemment de la Suite para dos flautas en re menor, de Jacques Hotteterre (1674-1763); Ricercare para flauta, corneto, violín y traverso y similar en Batalla, de Aurelio Virgiliano (S.XVI); Disminuciones sobre el Passamezzo antico, de Diego Ortiz (1510-1570); Recercare a duo sobre las Ricertas seconda y terza, de Giovanni Basano (1558-1617); Istampitta Belicha, del London Manuscript (c.1400); Sonata para dos flautas en sol menor, de Georg Philipp Telemann (1681-1767); danzas del tratado The English Dancing Master (Prince Ruper’s March – Black and Grey; RedHouse – Pell mell; Prince George – The Cobbler’s Jigg), de John Playford (1623-1686); Passacaille de la Suite para dos flautas en re menor, de J. Hotteterre.
Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00723_Serendipia_Ensemble_Concierto_Catedral_Alcalá_de_Henares_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00723_Serendipia_Ensemble_Concierto_Catedral_Alcalá_de_Henares_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00723_Serendipia_Ensemble_Concierto_Catedral_Alcalá_de_Henares_3.jpg
Concierto | Serendipia Ensemble Pequeña tempestad – Concierto en la Catedral de Alcalá de Henares Estreno 10 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis: Obras de J. Hotteterre, A. Virgiliano, D. Ortiz, G. Bassano, G.P. Telemann, J. Playford. Serendipia Ensemble: Rita RodrÍguez, Moisés Maroto (flautas de pico), Pablo Cantalapiedra (percusión histórica). Catedral de Alcalá de Henares. 2020.
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Magnífico tributo a uno de los grandes genios de la Historia de la música, servido por la
excepcional orquesta germana, dos grandes voces y un director de leyenda.
Género: concierto, música clásica, música postromántica, orquestal, voz.
Intérpretes: Anne Sofie von Otter [mezzosoprano], Jonas Kaufmann [tenor].
Director: Claudio Abbado.
Orquesta: Filarmónica de Berlín.
Año: 2011.
Lugar: Philharmonie, Berlín.
Duración: 98 minutos.
En este programa se rinde homenaje a Gustav Mahler (1860-1911), el célebre compositor
y director austriaco que compuso obras de gran formato sinfónico y lieder –muchos de ellos
con orquesta– y desarrolló una carrera como director de orquesta que se tornó poderosa e innovadora, proporcionando un modelo del idealismo postwagneriano para el teatro musical alemán. Sus composiciones fueron consideradas inicialmente por algunos como excéntricas y por otros como nuevas expresiones del modernismo de la «Nueva Alemania» ampliamente asociada con Richard Strauss. Solo durante la última década sus obras comienzan a disfrutar del apoyo crítico y el éxito del público que ayudó a asegurar la supervivencia póstuma de su reputación como compositor más allá de los años del nacionalsocialismo en Alemania y Austria. Mahler sufrió el destino de innumerables compositores de origen judío que fueron prohibidos en un momento en que su música era todavía poco conocida y comprendida fuera de los países de habla alemana de Europa.
Concierto | Claudio Abbado dirige la Filarmónica de Berlín Tributo a Gustav Mahler Estreno 11 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
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El centenario de su nacimiento en 1960 inspiró el redescubrimiento popular de sus sinfonías, sobre todo en Inglaterra y los EE.UU. La tensión, el compromiso apasionado y el poder a menudo catártico de su música adquirieron una resonancia que se vio incrementada, en un periodo marcado por los movimientos de protesta, por la experimentación crítica y por unas ideas y estilos de vida poco convencionales. Hoy día es visto como una figura histórica que emerge como un mediador entre la tradición musical austro-alemana y los principios de la modernidad del siglo XX.
La muerte sorprendería a Mahler en pleno trabajo de composición de la Sinfonía n.º 10, por lo que de ella únicamente ha quedado completo el primero de los movimientos, su magnífico Adagio. No obstante, la estructura general de la obra también quedó planteada, e incluso esbozados algunos de los restantes movimientos. Tras la muerte de Mahler, Alma entregó a Bruno Walter los manuscritos de la Sinfonía n.º 9 y La canción de la tierra para su estreno. Sin embargo, no hizo igual con los esbozos de la inacabada Décima, que Walter le aconsejaba destruir. Tras muchas dudas, en 1924 Alma publicó el facsímil del Adagio y solicitó a su yerno, Ernst Krenek, que estudiase si era viable terminar la sinfonía. Krenek arregló el Adagio y el tercer movimiento con ayuda del «falsificador» de Bruckner, Franz Schalk, además de Otto Jokl y Alexander von Zemlinsky. Más tarde, el editor Richard Specht animó a Alma a buscar a un compositor de la talla de Mahler para que lo intentase de nuevo, y durante varios años se trató de convencer a Shostakovich y Schönberg, pero siempre rehusaron la tarea. Las primeras grabaciones del Adagio datan de los años 50 y se basaron en la versión de Krenek y Jokl, pero no convencían a la crítica y el público. Por ello en 1960 la BBC pidió al musicólogo inglés Deryck Cooke que hiciera un estudio sobre ella, para terminar reconstruyéndola finalmente.
De él se interpreta la afamada Das Lied von der Erde [La canción de la tierra], un ciclo de seis canciones para dos voces y orquesta compuesto por entre 1908 y 1909. Descrita como una sinfonía cuando se publicó, comprende un total de seis lieder para alto y tenor o bien para tenor y barítono. Mahler compuso esta obra tras del período más doloroso de su vida, quizá por ello las canciones abordan temas como los de la vida, la separación y la salvación. En el centenario del nacimiento de Mahler, Leonard Bernstein describió a Das Lied von der Erde como la «mayor sinfonía» de Mahler. Tres desastres ocurrieron en Mahler durante el verano de 1907: las maniobras políticas y el antisemitismo lo obligaron a renunciar como director de la Ópera de la Corte de Viena; su hija mayor, María, murió de escarlatina y difteria; y el propio Mahler fue diagnosticado con un defecto cardíaco congénito. «De un solo golpe», le escribió a su amigo Bruno Walter, «he perdido todo lo que he ganado en términos de quién creía que era, y tengo que aprender mis primeros pasos nuevamente como un recién nacido». Mahler escogió siete poemas de la colección Die chinesische Flöte, de Hans Bethge, para ponerles música, completando la obra en 1909.
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Concierto | Claudio Abbado dirige la Filarmónica de Berlín Tributo a Gustav Mahler Estreno 11 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis: Gustav Mahler: Adagio de la Sinfonía n.º 10; La canción de la tierra. Anne Sofie von Otter, Jonas Kaufmann & Filarmónica de Berlín | Claudio Abbado. Philharmonie, Berlín. 2011.
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Sentido concierto en homenaje a quien fuera una de las grandes voces del siglo XX, con un
plantel de artistas de primer orden interpretando arias de leyenda.
Género: concierto, música clásica, música romántica, orquestal, voz, belcanto.
Intérpretes: Venera Gimadieva, Anne–Sophie Duprels, Aleksandra Kurzak, Marina Rebeka, Vannina Santoni [soprano]; Karine Deshayes, Ekaterina Semenchuck [mezzosoprano]; Roberto Alagna, Jean-François Borras, Saimir Pirgu, Levy Sekgapane [tenor]; Tassis Christoyannis, Florian Sempey [barítono]; Ensemble vocal Fiat Cantus.
Director: Yvan Cassar.
Orquesta: Orchestre Lamoureux.
Año: 2018.
Lugar: Teatro de los Campos Elíseos, París.
Duración: 128 minutos.
Maria Anna Sofia Cecilia Kalogeropoulos (1923-1977), legendaria soprano estadounidense de origen griego, conocida popularmente como Maria Callas. Convertida en un mito que sobrepasa a los amantes de la ópera, a ello han contribuido su portentosa voz y su capacidad escénica. Su estilo revolucionó los usos y costumbres de los grandes divos y divas de su época. Hija de un emigrante griego, Callas regresó con su familia a Atenas cuando contaba trece años. Poco después ingresó en el Conservatorio de la capital helena, donde tuvo como profesora de canto a Elvira de Hidalgo. Su formación fue lenta y nada había en ella que permitiera presagiar a la futura diva; miembro de la compañía de la Ópera de Atenas desde 1940 hasta 1945, tuvo oportunidad de familiarizarse con los
Concierto | Maria Callas Una vida de ópera
Estreno 17 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
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grandes papeles de su cuerda y de ganar experiencia escénica. El estreno de la ópera de Manolis Kalomiris El contramaestre, uno de los pocos títulos del repertorio contemporáneo que abordó en su carrera, y los papeles titulares en Suor Angelica y Tosca de Puccini, así como el de Leonora en el Fidelio de Beethoven, fueron algunos de los que interpretó en esta primera época. Tras rechazar un contrato en el Metropolitan Opera House de Nueva York se fue a Italia, donde debutó en la Arena de Verona en 1947 con La Gioconda de Amilcare Ponchielli. El éxito que obtuvo en esas representaciones atrajo sobre ella la atención de otros prestigiosos teatros italianos. Su carrera estaba desde entonces lanzada: protegida por el eminente director de orquesta Tullio Serafin, cantó Turandot de Puccini, Aida y La forza del destino de Giuseppe Verdi, e incluso Tristán e Isolda de Richard Wagner. Su personificación de la protagonista de la Norma de Vincenzo Bellini en Florencia, en 1948, acabó de consagrarla como la gran soprano de su generación y una de las mayores del siglo. La década de 1950 fue la de sus extraordinarios triunfos: en absoluta plenitud de sus medios vocales, protagonizó veladas inolvidables, muchas de ellas conservadas en documentos fonográficos de inestimable valor, en las que encarnó los grandes papeles del repertorio italiano belcantista y romántico para soprano.
Además, inició la recuperación de algunas obras olvidadas de autores como Luigi
Cherubini –Medea, una de sus creaciones más impresionantes y cargadas de dramatismo–, Christoph Willibald Gluck (Iphigénie en Tauride), Gioachino Rossini (Armida) o Gaetano Donizetti (Poliuto), práctica iniciaría una senda seguida por otras sopranos como Joan Sutherland o Montserrat Caballé. En esos años, el director de cine y teatro Luchino Visconti firmó para ella algunos de sus montajes más importantes, como La traviata que pudo verse en 1955 en la Scala de Milán o la Anna Bolena de 1957. La soprano fue perdiendo fuerza en la década de 1960 y en 1965 anunció que se retiraba de los escenarios a consecuencia de su frágil salud. No obstante, no abandonó el canto, pues en 1974 realizó junto al tenor Giuseppe Di Stefano una gira mundial de conciertos. Se dedicó también a la enseñanza musical en la Juilliard School. Su muerte repentina, a causa de un ataque cardíaco, dejó un hueco en el mundo de la lírica que ninguna otra soprano ha sido capaz de ocupar.
En el presente recital parisino se ofrece una muestra de algunas de las grandes arias y óperas que fueron referentes en la carrera musical de Callas, escogidas de entre las siguientes óperas: La traviata, Rigoletto, Don Carlo, Il trovatore, Un ballo in maschera (Giuseppe Verdi); Tosca, Gianni Schicchi, Madama Butterfly, Tosca (Giacomo Puccini); La cenerentola (Gioachino Rossini); La sonnambula, Norma, I puritani (Vincenzo Bellini); Werther (Jules Massenet); Lucia di Lammermoor, L’elisir d’amore, Maria Stuarda (Gaetano Donizetti); Cavalleria rusticana (Pietro Mascagni).
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Concierto | Maria Callas Una vida de ópera Estreno 17 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis: Obras de G. Verdi, G Puccini, G. Rossini, V. Bellini, J. Massenet, G. Donizetti, P. Mascagni. VV.AA., Ensemble Vocal Fiat Cantus & Orchestre Lamoreux | Y. Cassar. Teatro de los Campos Elíseos, París. 2018.
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La última gran sinfonía completa del genial compositor austríaco, en versión de la
excelente orquesta checa y su director titular.
Género: concierto, música clásica, música postromántica, orquestal.
Director: Semyon Bychkov.
Orquesta: Filarmónica de la República Checa.
Año: 2019.
Lugar: Rudolfinum, Dvořák Hall, Praga.
Duración: 95 minutos.
Para Gustav Mahler (1860-1911) la composición de una sinfonía podía asemejarse a un
acto de creación del universo. En sus nueve sinfonías completas –de la Décima únicamente
llegó a completar su Adagio– se muestra todo su mundo interior y psicológico. Hay en ellas influencias evidentes de los grandes sinfonistas del XIX, empezando por Ludwig van Beethoven y pasando Johannes Brahms o Anton Bruckner, con elementos hasta del propio Richard Wagner. De esta manera, al igual que algunos de estos autores, Mahler utilizó elementos y recursos orquestales que anticipaban ya el siglo XX, en una permanente búsqueda de la tímbrica particular de cada instrumento y sección de la orquesta, incluso
introduciendo el uso de instrumentos poco convencionales. El elemento coral –que
introdujera Beethoven– no es ajeno en su producción. Una de sus características más acusadas es la escritura contrapuntística, pues concebía la orquestación como un recurso para conseguir la mayor inteligibilidad de las líneas posible. La lucha titánica entre su
Concierto | Semyon Bychkov dirige la Filarmónica de la República Checa Sinfonía n.º 9, de Gustav Mahler Estreno 18 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
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optimismo y zozobra vital, a partes iguales, está expresada de la forma más compleja y expresiva de cuantas se recuerdan durante el siglo XIX. Su monumentalidad convierte, no
solo a cada obra por separado –que también–, sino a su corpus sinfónico al completo en la más brillante grandiosidad y elocuencia introspectiva de la que el ser humano es capaz. Compuesta entre 1908 y 1909, la Sinfonía n.º 9 en su última sinfonía completa y un extraordinario final para su ciclo sinfónico, que todavía tendrá que completarse con la
Décima –inacabada–. Está considerada como el testamento del compositor, el gran final para una autobiografía plasmada en sus obras, una especie de cataclismo humano de espesa hondura como solo Mahler es capaz de plasmar sobre el papel. Para muchos es la forma más humana y maravillosa que tuvo de despedirse de este mundo. Una obra que ya desde el primer movimiento parece esbozar su mundo, pero no un mundo cualquiera, sino su mundo interior, rico y profundo, el cual tendrá que recomponerse desde el inicio, cuando se muestra casi desmoronado, como un reflejo de su vida rota por todo lo que vivido y sufrido. Cuando la compuso Mahler ya había sufrido las tres grandes tragedias que marcarían sus últimos años de existencia: la muerte de su hija mayor, su dimisión de la Ópera de Viena y el diagnóstico de una lesión cardíaca, la cual pondría fin a su vida en 1911. Además, la relación que su esposa Alma mantenía con el arquitecto Walter Gropius fue un trago verdaderamente amargo que soportar. Es sin duda un reflejo de esos hechos, pero también de los vividos mucho antes, los que marcaron toda su vida: nueve de sus catorce hermanos murieron durante la infancia, su hermano Otto se suicidó siendo ya adulto, la muerte de su suegra por un fulminante ataque al corazón durante el funeral de la pequeña María…
A diferencia de otras de sus creaciones, que abren perspectivas hacia nuevos paisajes, la Novena de Mahler es claramente un final de viaje, un último regalo con el que cierra no
sólo la vida creativa del genial autor, sino también –más de una forma poética que literal– el Romanticismo como movimiento cultural hegemónico, además de la existencia de la sinfonía como gran género orquestal. Estrenada en 1912, con la batuta de Bruno Walter al frente de la Filarmónica de Viena, al año siguiente de la muerte de Mahler, la obra fue elogiada con total admiración por algunos de los grandes intérpretes del momento: «Es una música que viene de otro mundo, viene desde la eternidad» (Herbert von Karajan); «Esta sinfonía no es solo la última, sino su mayor logro» (Otto Klemperer); «Es como si esta sinfonía fuera la obra de un oculto artista superior que utilizó a Mahler como su portavoz» (Arnold Schönberg).
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Concierto | Semyon Bychkov dirige la Filarmónica de la República Checa Sinfonía n.º 9, de Gustav Mahler Estreno 18 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis: Gustav Mahler: Sinfonía n.º 9. Orquesta Filarmónica de la República Checa | Semyon Bychkov. Rudolfinum, Dvořák Hall, Praga. 2019.
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Uno de los mayores exponentes del pianismo ruso en la actualidad ofrece este homenaje a
uno de sus compatriotas, en una de las salas más legendarias del mundo.
Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, instrumental, piano.
Intérpretes: Denis Matsuev [piano]
Año: 2015.
Lugar: Real Concertgebouw, Ámsterdam.
Duración: 105 minutos.
Nacido en 1975 en una familia de músicos –su madre es profesora de piano y su padre
un compositor y pianista reconocido–, Denis Matsuev comenzó sus estudios de música bajo la tutela de su padre y, hasta los 15 años, asistió a la escuela de música de Irkutsk, su ciudad natal. En 1990 se traslada a Moscú, donde asiste a la Escuela Central de Música de Moscú. En 1993 participa en su primer concurso internacional de piano en Sudáfrica, en el cual logra el primer premio. El mismo año entra en el Conservatorio Tchaikovski de Moscú. A la edad de 23 años [1998] gana el primer premio en el prestigioso Concurso Internacional Tchaikovski de Moscú, acontecimiento que marca un giro de su carrera. A Matsuev no le agradaba que le llamasen niño prodigio y se divertía más jugando al fútbol o al hockey sobre hielo. «Recuerdo cómo les costó a mis padres convencerme para participar en mi primer concurso de piano, o para viajar a Moscú para ingresar en la Escuela Central de Música. Pero mis padres encontraron un truco para convencerme
Concierto | Denis Matsuev desde el Real Concertgebouw de Ámsterdam Obras de Tchaikovsky, Schumann & Stravinsky Estreno 19 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
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diciéndome: ‘Allí podrías ir al Estadio Luzhniki para ver al Spartak, tu equipo preferido’. Y así lo lograron». Desde que ganara el Concurso Tchaikovsky su progresión artística ha sido imparable. En la actualidad da más de doscientos conciertos al año con orquestas y en escenarios de todo el mundo junto a los más afamados directores. «Viajo mucho porque, en primer lugar, los conciertos me hacen feliz y porque no sé decir ‘no’. He tenido varias oportunidades para quedarme a vivir en el extranjero, pero soy una persona sentimental y melancólica, todavía quiero volver a Irkutsk. Cuando me preguntan si me gusta Moscú, digo que sí, pero yo era, soy y seré un siberiano». Denis Matsuev se ha convertido en una de las grandes estrellas del panorama internacional y se ha consolidado como uno de los pianistas más solicitados de su generación. Es además un hombre comprometido con la cultura y la promoción de nuevos talentos artísticos de la Federación Rusa, fruto de una actividad incansable y un compromiso cultural constante.
Durante once años consecutivos ha preservado su ciclo de conciertos en el Conservatorio de Moscú bajo el título Denis Matsuev invita a …, en el que muchas orquestas famosas, directores prominentes y solistas destacados han participado. Durante muchos años ha dirigido numerosos festivales musicales y proyectos educativos que se han sumado a su papel como una figura pública prominente. Desde 2004 organiza Stars on Baikal en Irkutsk y desde 2005 es director artístico del festival de música Crescendo. En 2010 se convirtió en el director artístico del Festival de Música de Annecy (Francia), con el objetivo de reunir a las culturas musicales rusas y francesas. En 2012 se convirtió en el director artístico del I Certamen y Festival Internacional Astana Piano Passion, así como el director artístico del Festival Internacional y Concurso Sberbank DEBUT en Kiev [2013]. En 2016 comenzó como director artístico y el presidente del comité organizador en un nuevo concurso para jóvenes pianistas en Moscú. Además, es el presidente de la fundación benéfica New Names, que descubre y apoya a niños con talento y les ayuda a desarrollar su educación musical en las regiones de su Rusia natal. Más de 10.000 niños han recibido ayudas y oportunidades para iniciarse en su etapa profesional. Durante muchos años, Denis Matsuev ha colaborado con la Fundación Sergei Rachmaninov, establecida por Alexander Rachmaninov, nieto del compositor, interpretando y grabando piezas desconocidas de Rachmaninov en el piano del compositor en su casa de Lucerna.
2015 marcó el 175.º aniversario del nacimiento de Piotr Ilich Tchaikosvky (1840–1893). Por eso, Matsuev y el Real Concertgebouw de Ámsterdam ofrecieron este concierto dedicado a Las estaciones, Op. 37a, una de sus grandes creaciones pianísticas. Se completó el programa con Kreisleraina, Op. 16, de Robert Schumann (1810–1856), y tres movimientos del ballet Petrushka, de Igor Stravinsky (1882-1971).
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Concierto | Denis Matsuev desde el Real Concertgebouw de Ámsterdam Obras de Tchaikovsky, Schumann & Stravinsky Estreno 19 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis: Piotr Ilich Tchaikovsky: Las estaciones, Op. 37a; Robert Schumann: Kreisleriana, Op. 16; Igor Stravinsky: Tres movimientos de Petrushka. Denis Matsuev. Real Concertgebouw, Ámsterdam. 2015.
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Una de las leyendas vivas del jazz cubano, presentando una velada con lo mejor del sonido
afrocubano desde uno de los festivales de jazz más potentes de Europa.
Género: concierto, música clásica, jazz, música contemporánea, piano, batería, percusión, contrabajo.
Intérpretes: Chucho Valdés Quartet: Chucho Valdés [piano], Yelsi Heredia [contrabajo], Georvis Pio Milian [batería], Pedro Pablo Rodríguez [percusión].
Año: 2017.
Lugar: Bohdan Khmelnytskyi Culture Park, Lviv.
Duración: 94 minutos.
Ganador de seis premios Grammy tres Latin Grammy, el pianista, compositor y arreglista cubano Chucho Valdés (1941) es la figura más influyente en la historia moderna del jazz afrocubano. Un artista versátil, tan cómodo como solista o en pequeños grupos como liderando grandes conjuntos, en su más reciente proyecto, Jazz Batá 2, vuelve a visitar una idea que él propuso originalmente en 1972: un trío de jazz con tambores batá en lugar de la clásica batería. Recientemente ha recibido el Premio a La Excelencia Musical de La Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación en una ceremonia que tuvo lugar en la semana de los Latin Grammy. También fue honrado con su introducción en el pabellón de la fama de los compositores latinos, y recibió el Lifetime Achievement Award del DC Jazz Festival. Dionisio Jesús «Chucho» Valdés Rodríguez, nació en una familia de músicos en Quivicán, Cuba. Su primer maestro, y su mayor influencia, fue su padre, el pianista, compositor y director de orquesta Ramón «Bebo» Valdés. A los tres años, Chucho ya tocaba en el piano
Jazz | Chucho Valdés en Ucrania Alfa Jazz Festival Estreno 24 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
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de oído, con las dos manos y en todas las tonalidades, las melodías que escuchaba en la radio. A los cinco años comenzó a recibir clases particulares de piano, teoría y solfeo, estudios que culminaron en el Conservatorio Municipal de Música de la Habana, del que se graduó a la edad de catorce años. Un año después formó su primer trío de jazz, y en 1959 también hizo su debut con la extraordinaria orquesta Sabor de Cuba, dirigida por su padre. Chucho es quizás más conocido como el fundador y principal compositor y arreglador de Irakere (1973-2005) orquesta en formato de pequeña big band, otro punto de referencia en la historia de la música cubana. Aunque Irakere tuvo su primer gran impacto internacional en 1976 en Finlandia, la banda no era extensamente conocida. Pero al año siguiente, Irakere fue descubierta por el gran Dizzy Gillespie en una visita a La Habana en un crucero de jazz. Al año siguiente, el productor Bruce Lundvall, entonces presidente de CBS, fue a Cuba a escuchar a Irakere en persona y la firmó para su sello en el acto. Meses después, Irakere debutó en los Estados Unidos, en el Carnegie Hall como parte del Newport Jazz Festival. Una selección de temas del concierto en Carnegie Hall y de la actuación del grupo en el Festival de Jazz de Montreux, Suiza, conformó el programa del primer disco del grupo lanzado en los Estados Unidos. Titulado simplemente Irakere (CBS), la grabación ganó un Grammy como Mejor Álbum de Música Latina en 1979. La formación original de Irakere incluía músicos que pronto se transformarían en estrellas internacionales, tales como el saxofonista Paquito D’Rivera y el trompetista Arturo Sandoval. Pero sobre su larga vida, Irakere no solo se transformó en una escuela rodante de música afrocubana, sino que incluyó importantes figuras tales como Miguel «Angá» Díaz, José Luis Cortés y Germán Velazco. Por diferentes razones, Irakere fue cambiando sus integrantes a través de los años; Chucho permaneció como la gran constante, pero el éxito tuvo sus costos. Su talento como pianista fue por mucho tiempo oscurecido por sus otras obligaciones como líder en Irakere.
En 1998 inició una carrera paralela como solista y líder de pequeños grupos para así explorar más plenamente sus posibilidades como pianista. Esta nueva etapa estuvo marcada por hitos como Solo Piano (Blue Note, 1991), Solo: Live in New York (Blue Note, 2001) y New Conceptions (Blue Note, 2003), así también como grabaciones con cuartetos tales como Bele Bele en La Habana (Blue Note, 1998), Briyumba Palo Congo (Blue Note, 1999) y Live at the Village Vanguard (Blue Note, 2000), el cual ganó el Grammy como Mejor Álbum de Latin Jazz. Chucho permaneció con Irakere hasta el 2005, y desde entonces ha ganado Grammy por Juntos Para Siempre (Calle 54, 2007), su dueto con su padre Bebo; Chucho’s Steps (Comanche, 2010), el cual sirvió de presentación a su nuevo grupo, los Afro-Cuban Messengers; y Live at Marciac (Jazz Village /Comanche Music, 2016).
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Jazz | Chucho Valdés en Ucrania Alfa Jazz Festival Estreno 24 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis: Obras de J. Ubieta, C. Valdés, M. Lecuona, B. Valdés, E. Lecuona, M. Davis, G. Gershwin, F. Chopin. C. Valdés, Y. Heredia, G.P. Milian, P.P. Rodríguez. Chucho Valdés Quartet. Alfa Jazz Festival, Lviv. 2017.
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El habitual concierto de Año Nuevo de la orquesta berlinesa, en su primera edición con el
director ruso como titular y con un programa que mira a los Estados Unidos.
Género: concierto, música clásica, música contemporánea, orquestal, voz, musical.
Intérpretes: Diana Damrau [soprano].
Director: Kirill Petrenko.
Orquesta: Filarmónica de Berlín.
Año: 2019.
Lugar: Philharmonie, Berlín.
Duración: 90 minutos.
La Orquesta Filarmónica de Berlín [Berliner Philharmoniker] es una de las más
importantes del mundo. Tras la destrucción –en la Segunda Guerra Mundial– de su antigua sede, la orquesta reside desde 1963 en la Berliner Philharmonie, una de las salas de conciertos más importantes del mundo. Desde 2002 es una fundación pública, gestionada por el land de Berlín, cuyos fondos para la organización son subvencionados por el gobierno de la ciudad de Berlín, con el patrocinio del Deutsche Bank. La precursora de la Filarmónica de Berlín fue la orquesta creada por Johann Ernst Benjamin Bilse, antiguo miembro de la orquesta de Johann Strauss I en Viena, la cual comenzó a dar conciertos en 1867 en la nueva sala de conciertos de la Leipziger Strasse. Los Bilsekonzerte se hicieron muy populares en poco tiempo, y aunque inicialmente se dedicaron a la música de entretenimiento, Bilse introdujo poco a poco las obras del gran repertorio, e incluso llegó a invitar al propio Richard Wagner a dirigir como invitado la orquesta. En 1882 los músicos
Concierto | Gala desde Berlín 2019 Filarmónica de Berlín, Diana Damrau & Kirill Petrenko Estreno 25 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
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de la orquesta se rebelaron contra Bilse, por sus mediocres condiciones de trabajo durante una gira a Varsovia, y decidieron establecerse como una orquesta autónoma, que pasó a gestionarse y administrarse por los propios músicos. La nueva orquesta se fundó oficialmente el primero de mayo de 1882. Los primeros conciertos de la orquesta, bajo la dirección de Ludwig von Brenner mantenían el mismo repertorio anterior, y el nombre de Antigua Orquesta Bilse. En el verano de 1882 se hizo cargo de la organización de la orquesta el agente de conciertos Hermann Wolff, que cambió su nombre a Orquesta Filarmónica de Berlín, encontrando sede fija en la antigua pista de patinaje de la Bernburger Straße. Después llegarían los reinados de Hans von Bülow, Wilhelm Furtwängler, Herbert von Karajan Claudio Abbado y Simon Rattle, quienes han moldeado su sonido hasta convertirla en una de las mejores orquestas del mundo.
En su primera cita como titular al frente del tradicional concierto de bienvenida al Año Nuevo de la orquesta berlinesa, el ruso Kirill Petrenko confeccionó un programa que mira de manera directa hacia los EE.UU., por medio de sus grandes figuras de la música orquestal, pero también de los musicales y el cabaret. Se comenzó con George Gershwin (1898-1937), a la sazón pianista y director estadounidense, que está unido de manera indefectible a Tin Pan Alley y al desarrollo musical de Broadway, aunque también supo desarrollar una faceta como concertista y compositor del repertorio académico. De él se interpretó Un americano en París, obra sinfónica estrenada el 13 de diciembre de 1928 en el Carnegie Hall.
Por su parte, Leonard Bernstein (1918-1990) fue uno de los músicos más influyentes del siglo pasado: un maestro dinámico, director brillante, buen compositor y consumado pianista. Sus dotes creativas conocían pocos límites, ya que se movía fácilmente entre el podio, el piano y la pantalla de televisión. A través de seminarios en la Universidad de Brandeis y la enseñanza en Tanglewood, Bernstein rápidamente logró gran renombre como educador. Fascinó a una audiencia aún mayor de jóvenes oyentes en programas de televisión como Omnibus y Young People's Concerts. De hecho, ningún otro músico había cautivado un espectro tan amplio del público estadounidense como lo hizo Bernstein con estos espectáculos. En 1957, Bernstein, junto con el coreógrafo Jerome Robbins y el letrista Stephen Sondheim, crearon la obra que debía asegurar su reputación como compositor: West Side Story. En 1960 extrajo del musical una serie orquestal de Danzas Sinfónicas que sigue los episodios principales del drama. La partitura reúne las canciones [«Somewhere», «Maria»], bailes [Mambo, Cha-cha-cha, Rumba] y secciones orquestales [Meeting Scene] más famosos del musical, así como la confrontación inicial de los Jets y los Sharks [Prólogo] y la recapitulación del Finale. Completan el programa algunas canciones de tres de los grandes autores del musical y el cabaret del siglo XX: Cole Porter, Frederick Loewe y Kurt Weill.
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Concierto | Gala desde Berlín 2019 Filarmónica de Berlín, Diana Damrau & Kirill Petrenko Estreno 25 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis: George Gershwin: An American in Paris; Leonard Bernstein: Symphonic Dances, de West Side Story; canciones de Cole Porter, Frederick Loewe y Kurt Weill. Diana Damrau & Filarmónica de Berlín | Kirill Petrenko. Philharmonie, Berlín. 2019.
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Magnífica creación verdiana que llega en una novísima producción desde la Ópera de
Hamburgo, con un importante elenco solista y artístico para darle vida.
Género: ópera, música clásica, música romántica, voz, orquestal.
Intérpretes: Ambrogio Maestri, Markus Brück, Oleksyi Palchykov, Jürgen Sacher, Daniel Kluge, Tigran Martinrossian, Maija Kovalevska, Elbenita Kajtazi, Nadezhda Karyazina, Meg Page; Calixto Bieito [dirección de escena], Susanne Gschwender [escenografía], Anja Rabes [vestuario], Battina Auer [dramaturgia], Michael Bauer [iluminación]; Coro de la Ópera Estatal de Hamburgo.
Director: Axel Kober.
Orquesta: Orquesta Filarmónica Estatal de Hamburgo.
Año: 2020.
Lugar: Ópera Estatal, Hamburgo.
Duración: 160 minutos.
Falstaff es una comedia lírica en tres actos con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) y libreto en italiano de Arrigo Boito. Está basada en Las alegres comadres de Windsor y Enrique IV, ambas de William Shakespeare. Su estreno tuvo lugar el 9 de febrero de 1893 en el Teatro de la Scala de Milán. Se trata de la última ópera de Verdi y su segunda comedia
–tras Un Giorno di Regno–, así como la tercera con material basado en una obra de
Shakespeare –después de Macbeth y Otello–.
Ópera | Falstaff Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi Estreno 26 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
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Aunque Verdi era consciente de que su provecta edad podría resultar un impedimento para componer, por otro lado anhelaba volver a escribir una comedia y había quedado satisfecho con el boceto de Boito. Él y su equipo de colaboradores estuvieron trabajando durante tres años. Pese a que en Italia recibieron con entusiasmo la noticia del involucramiento de Verdi en otra ópera, Falstaff no resultó ser tan popular como algunas de las obras anteriores del compositor. La obra quedó en el olvido después de algunas representaciones en Italia y otros países europeos, hasta que Arturo Toscanini la volvió a interpretar tanto en La Scala como en el Metropolitan Opera de Nueva York, a finales de los años 1890. En las estadísticas aparece entre las primeras veinticinco óperas más representadas en los últimos años, estando entre las veinte primeras cantadas en italiano y oscilando entre el quinto y décimo puesto de las óperas de Verdi.
Boito tomó detalles de las tres obras de Shakespeare. Su habilidad en este libreto simplifica la acción y da relieve humano a sir John, ese seductor venido a menos, pero simpático. Que a aquellas alturas de la vida un compositor que suele describir hechos sangrientos y crueles, además de pasiones desbordantes y voraces con el más patético dramatismo, compusiera refinadas comedias de primer orden solo puede considerarse un milagro. Y, sin embargo, Verdi utiliza en esta ópera el mismo estilo que en Otello: un formato grandioso, integral; construcciones ariose en las que, como la comedia se desarrolla con rapidez y turbulencia, apenas si hay lugar para un aria; la orquesta, al igual que el canto, queda en segundo plano. Verdi encontró para esta obra una especie de parlato y lo llevó hasta un punto de perfección. La figura de Falstaff ha sido modelada con cariño; el compositor la ha dotado de tanta comicidad natural que, a pesar de la ridiculez que le es inherente, se gana la simpatía del espectador. Por lo demás, esta obra consiste en la actuación fluida, en el canto conjunto de todos. En la sabiduría más elevada y profunda de su vejez, Verdi llega a un estilo claro, casi mozartiano, en el que cada frase, melodía y sonido destella, brilla e ilumina. Para el conocedor, esta partitura es una joya que seduce tanto por la forma como por el contenido. ¿Recordó Verdi a Rossini, que medio siglo antes le había aconsejado que se dedicara a las óperas serias y se alejara de las comedias? Verdi había desmentido de manera realmente profunda aquella profecía, que afirmaba que nunca escribiría una buena comedia musical. El mundo de la música lo comprendió inmediatamente: en el estreno estaban presentes Pietro Mascagni, cuya Cavalleria rusticana había comenzado a conquistar el mundo, y Giacomo Puccini, que acababa de lograr un éxito decisivo con Manon Lescaut. La nueva generación se inclinaba ante el viejo e indiscutido maestro y admiraba su joven espíritu, que al final de su carrera había emprendido algo nuevo y era muy capaz de llevarlo a cabo. Las generaciones posteriores tampoco tuvieron dudas respecto de Falstaff. Richard Strauss dijo que la ópera de Nicolai, Las alegres comadres de Windsor, era una comedia encantadora, mientras que Falstaff era una inmortal obra maestra.
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Ópera | Falstaff Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi Estreno 26 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis: A. Maestri, M. Brück, O. Palchykov, J. Sacher, D. Kluge, T. Martinrossian, M. Kovalevska, E. Kajtazi, N. Karyazina, M. Page; C. Bieito [dir. escena]; Coro & Filarmónica Estatal de Hamburgo | A. Kober. Ópera Estatal, Hamburgo. 2020.
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Magnífica edición de la habitual despedida de la temporada musical de la orquesta berlinesa, con una mirada hacia dos de los más grandes compositores bohemios.
Género: concierto, música clásica, música romántica, música nacionalista, violín, orquestal.
Intérpretes: Lisa Batiashvili [violín].
Director: Yannick Nézet–Séguin.
Orquesta: Filarmónica de Berlín.
Año: 2016.
Lugar: Waldbühne, Berlín.
Duración: 105 minutos.
Esta edición de 2016 del habitual concierto que la Filarmónica de Berlín ofrece desde el Teatro del Bosque de Berlín [Waldbühne] se centra en uno de las regiones musicalmente más ricas de Europa del Este, especialmente a partir del siglo XIX: Bohemia. Se inicia con uno de los seis poemas sinfónicos que componen Mi patria [Ma vlast], de Bedřich Smetana (1824-1884), que fueron compuestos entre 1874 y 1879. Aunque se suele presentar como una obra completa en seis movimientos, las partes que lo componen
fueron concebidas como obras individuales. Vltava –nombre checo del río Moldava–, segundo de ellos, fue compuesto entre el 20 de noviembre y el 8 de diciembre de 1874, y estrenado el 4 de abril de 1875. Es sin duda el más conocido de la colección, descrito
Concierto | Waldbühne 2016: Una noche checa Filarmónica de Berlín, Lisa Batiashvili & Yannick Nézet-Séguin Estreno 30 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
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así por su autor: «La composición describe el curso del Moldava: el nacimiento en dos pequeños manantiales, el Moldava Frío y el Moldava Caliente, su unión, el discurrir a través de bosques y pastizales, a través de paisajes donde se celebra una boda campesina, la danza de las náyades a la luz de la luna; en las cercanías del río se alzan castillos orgullosos, palacios y ruinas. El Moldava se precipita en los Rápidos de San Juan, y después se ensancha de nuevo y fluye apacible hacia Praga, pasa ante el castillo Vyšehrad, y se desvanece majestuosamente en la distancia, desembocando en el Elba».
De Antonín Dvořák (1841-1904), quizá el compositor bohemio más destacado del Romanticismo y Nacionalismo musical, se ofrecen dos obras, comenzando con su Concierto para violín en la menor, B. 108, compuesto en 1879 y estrenado en Praga en 1883 por František Ondříček, que también realizó los estrenos de Viena y Londres. Dvořák se inspiró para componerlo tras una reunión con el célebre violonista Joseph Joachim, en 1878, con intención de dedicárselo. Sin embargo, cuando lo terminó en 1879, Joachim se volvió escéptico al respecto, porque no compartía algunas de las visiones propuestas por el bohemio, y de hecho nunca llegó a tocar la pieza en público. Está considera una de las obras maestras del llamado «período eslavo» de Dvořák, muy cercano en el tiempo a la Sinfonía n.º 6, con la que comparte sus convincentes melodías folklóricas y su expresión positiva en general. En su estilización de la parte del violín, el compositor aprovecha al máximo el lirismo del instrumento, mientras traiciona nuevamente su sentido del sonido orquestal completo y resonante. La pieza es una de las obras más populares de su catálogo y hoy es una parte esencial del repertorio canónico de violín.
Por su parte, la Sinfonía n.º 6 en re mayor, B. 112, se publicó originalmente como Sinfonía n.º 1 y está dedicada a Hans Richter, quien fuera director de la Filarmónica de Viena. Compuesta apenas en siete semanas a finales del verano de 1880. Aunque se trata de la sexta de sus sinfonías, durante mucho tiempo fue considerada como la primera, ya
que fue el primer trabajo sinfónico de Dvořák en salir impreso –con la editorial Simrock,
con sede en Berlín–. A pesar de que las últimas tres obras maestras sinfónicas del compositor la eclipsan sobre los escenarios en la actualidad, en realidad esta sinfonía también representa una serie de obras maestras del bohemio en el género sinfónico. En el contexto del desarrollo del estilo sinfónico del compositor, esta obra ratifica que él confiaba totalmente en su enfoque de la composición en cuatro movimientos, una forma que por entonces había logrado dominar. Mientras que la Sinfonía n.º 5 en fa mayor aún manifestaba una cierta falta de cohesión estilística, aquí había logrado por fin un estilo perfecto en todo momento. La obra se distingue por sus ricas melodías líricas, su gran diversidad, los ritmos vivos y también por su sonido orquestal pleno y colorido. La Sexta es el resultado consumado de la influencia de las formas clásicas combinadas con lo que ahora era un estilo compositivo cristalizado y distintivo.
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Concierto | Waldbühne 2016: Una noche checa Filarmónica de Berlín, Lisa Batiashvili & Yannick Nézet-Séguin Estreno 30 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador
Sinopsis: Bedřich Smetana: Moldava, de Mi patria; Antonín Dvořák: Concierto para violín en la menor y Sinfonía n.º 6 en re mayor. Lisa Batiashvili & Filarmónica de Berlín | Yannick Nézet–Séguin. Waldbühne, Berlín. 2016.
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