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Allegro HD – Destacados de programación – Enero 2018

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Destacados de programación – Enero 2018



Destacados de programación Enero 2018

DOCUMENTAL – De Bach a las raíces: desde Leipzig hasta África – 1 de enero – Pág. 3

ÓPERA – La traviata, ópera en tres actos de Giuseppe Verdi: Anna Netrebko, Rolando Villazón y Filarmónica de Viena – 6 de enero – Pág. 5

CONCIERTO – Serge Baudo dirige la Orquesta de la Suiza italiana: Felix Mendelssohn &

Sergei Rachmaninov – 6 de enero – Pág. 7

CONCIERTO – Markus Poschner dirige la Orquesta de la Suiza italiana, con Paul Lewis: Concierto para piano n.º 1, de Johannes Brahms – Estreno 7 de enero – Pág. 9

ÓPERA – Norma, ópera en dos actos de Vincenzo Bellini – 13 de enero – Pág. 11

CONCIERTO – Daniele Gatti dirige la Orquesta del Concertgebouw, con Yo–Yo Ma: Dmitri Shostakovich, Piotr Ilich Tchaikovsky & Sergei Stravinsky – Estreno 13 de enero – Pág.

13

CONCIERTO – Markus Poschner dirige la Orquesta de la Suiza italiana, con Mischa Maisky: Concierto para violonchelo Op. 104, de Antonín Dvořák – Estreno 14 de enero

– Pág. 15

ÓPERA – La fanciulla del west: ópera en tres actos de Giacomo Puccini – Estreno 20 de enero – Pág. 17

CONCEIRTO – Las estaciones, de Franz Joseph Haydn: Nikolaus Harnoncourt &

Filarmónica de Viena – 21 de enero – Pág. 19

CONCIERTO – Andris Nelsons dirige la Orquesta del Concertgebouw, con Janine Jansen: Concierto para violín n.º 1, de Béla Bartók & Sinfonía Leningrado, de Dmitri

Shostakovich – Estreno 21 de enero – Pág. 21

CONCIERTO – Markus Poschner dirige la Orquesta de la Suiza italiana: Sinfonía n.º 2, de Johannes Brahms – Estreno 21 de enero – Pág. 23

CONCIERTO – Martha Argerich & Daniel Barenboim: dúos de piano en el Teatro Colón –

Estreno 27 de enero – Pág. 25

ÓPERA – Pelléas et Melisande, ópera en cinco actos de Claude Debussy – 28 de enero – Pág. 27

CONCIERTO – Markus Poschner dirige la Orquesta de la Suiza italiana: Sinfonía n.º 4, de

Johannes Brahms – Estreno 28 de enero – Pág. 29



Un documental que le invita a conocer las raíces de la música barroca europea a través de Rubén Dubrovsky y su Vienna Bach Consort.

Género: documental, música barroca, música clásica, música popular, voz.

Intérpretes: Bernarda Fink, Francisco Brito.

Director: Rubén Dubrovsky.

Orquesta: Vienna Bach Consort.

Año: 2015.

Lugar: Hofburgkapelle, Wiener Konzerthaus y Zacherlfabrik, Viena.

Duración: 90 minutos.

La música barroca es el estilo musical europeo surgido en la época cultural homónima

que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera –en torno a 1600– hasta la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750. Es uno de los estilos de la que se conoce

como música clásica, académica o culta –términos bastante obsoletos e inadecuados–, al que antecede la música renacentista y le sigue el Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso del bajo continuo, el Barroco fue uno de los períodos más trascendentes en el desarrollo musical europeo, por múltiples razones. El término Barroco se tomó de la arquitectura, donde designaba algo retorcido o una construcción elaborada, envuelta, siguiendo el término original barrueco o berrueco, tomando del portugués, que describía una perla deformada. En el siglo XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las características del estilo musical del siglo anterior, que se consideraba tosco, extraño, áspero y anticuado. Desde mediados del pasado siglo, con la

Documental: De Bach a las raíces: desde Leipzig hasta África 23 de septiembre 20:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Paraguay | 18:00 Colombia/Ecuador



llegada de corrientes filológicas que perseguían el estudio profundo de las fuentes primerias y secundarias con el fin de interpretar estos repertorios de la manera más fidedigna posible, la música del Barroco ha ido viviendo un desarrollo cada vez mayor, surgiendo numerosos especialistas en la interpretación y su estudio. El llamado

historicismo –movimiento de interpretación de la música antigua con criterios e

instrumentos originales– ha supuesto uno de los movimientos interpretativos más sustanciosos e importantes del siglo XX. En este documental, titulado De Bach a las raíces: desde Leipzig hasta África, el conjunto Bach Consort de Viena, bajo la dirección del director e instrumentista argentino Rubén Dubrovsky, interpreta música europea del Barroco a las que añade unos toques con raíces latinoamericanas. Los dos mundos de la música folklórica argentina y de la música barroca europea se contraponen e imbrican entre sí de manera impresionante. Dubrovsky lleva sus raíces musicales a la audiencia, destaca lo que tienen en común y, a medida que el programa musical se desarrolla, se embarca en una búsqueda entretenida, enigmática y perspicaz de pistas que van desde Leipzig a las raíces de la música barroca en África.

Esto se debe a que en el siglo XVI tres culturas entraron en contacto entre sí en América Latina: los indígenas, los conquistadores españoles y los esclavos africanos. Violines y tiorbas se mezclaron con charangos argentinos, jaranas mexicanas y tambores africanos. De Argentina a México nuevos bailes explotaron en vida. Como polizones, estos bailes viajaron con el botín colonial a España. Esta música rápidamente conquistó Europa, con la mezcla de culturas siguiendo su curso. Mientras que los bailes ardientes fueron olvidados pronto en Europa, en la Argentina han permanecido vivos en la forma de una música folklórica sofisticada y tienen gran importancia para enseñarnos sobre la manera original de hacer música y los instrumentos en el período barroco. Mientras que la mezzosoprano Bernarda Fink y el tenor Francisco Brito realizan interpretaciones de obras barrocas en la tradición sudamericana y presentan la música argentina de acuerdo con la interpretación europea, el etnólogo musical, Gerhard Kubik, y el periodista musical Albert Hosp, tienen su propia opinión al respecto, la cual será desvelada a lo largo del documental.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00400_Bach_a_las_raices_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00400_Bach_a_las_raices_2.jpg

Documental: De Bach a las raíces: desde Leipzig hasta África 23 de septiembre 20:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Paraguay | 18:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: ¿Cuáles son los orígenes de la música barroca europea? Esta pregunta sostiene el documental en el que Rubén Dubrovsky, el dúo solista Bernarda Fink / Francisco Brito y Bach Consort Wien rastrean las raíces de esta música.

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Una de las grandes óperas verdianas, servida desde el Festival de Salzburg con un trío

protagonista de excepción.

Género: ópera, música clásica, música romántica, verismo.

Intérpretes: Anna Netrebko, Rolando Villazón, Thomas Hampson, Helene Schniderman, Diane Plicher, Salvatore Cordella, Paul Gay, Herman Wallén, Luigi Roni, Wilhelm Schwinghammer, Dritan Luca, Friedrich Springer, Wolfram Igor Derntl, Athol Farmer; Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena; Willy Decker [dirección de escena], Wolfgang Gussmann [escenografía y vestuario], Susana Mendoza [vestuario], Catherine Zuber [vestuario], Hans Toelstede [iluminación], Athol Farmer [coreografía], Klaus Bertisch [dramaturgia].

Director: Carlo Rizzi.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2005.

Lugar: Grossen Festspielhaus, Salzburg.


La traviata es una magnífica y célebre ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas II, La dama de las camelias (1852), aunque no del propio texto, sino de

una posterior adaptación teatral. Titulada en principio Violetta –como la protagonista

principal del drama–, está basada en la vida de una cortesana parisina, Alphonsine Plessis. Tanto Piave como Verdi pretendían seguir a Dumas dándole a la ópera una ambientación contemporánea, pero las autoridades de La Fenice insistieron en que se ambientara en el pasado, hacia 1700. No fue hasta la década de 1880 que se respetaron los deseos

Ópera: La traviata Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 6 de enero 16:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Paraguay | 14:30 Colombia/Ecuador



originales del compositor y del libretista y se representaron producciones realistas y respetuosas con la intención original. La obra tuvo un estreno poco exitoso en el teatro La Fenice de Venezia, el 6 de marzo de 1853. El público se burló de la representación varias veces, dirigiendo especialmente sus burlas hacia la soprano Fanny Salvini-Donatelli, que interpretaba a Violetta, pues aunque era cantante bien considerada, fue tomada por

demasiado vieja –a los 38– y además con sobrepeso como para encajar en el papel dramático de la joven Violetta, quien muere de tuberculosis. A pesar de todo, el primer acto encontró el aplauso al final; en el segundo, sin embargo, el público se volvió contra la representación, especialmente con el barítono (Felice Varesi) y el tenor (Lodovico Graziani). Al final de la ópera, el público rió a carcajadas, mostrando un total desprecio por su trágico y doloroso final. Al día siguiente Verdi escribió a su amigo Muzio: La traviata anoche un fracaso. ¿Fallo mío o de los cantantes? El tiempo lo dirá. Tras unas revisiones entre 1853 y mayo de 1854, que afectaron principalmente los actos II y III, la ópera se representó de nuevo en Venezia, esta vez en el Teatro San Benedetto y con un éxito mucho mayor, especialmente de crítica, en gran medida debido al retrato de Violetta hecho por Maria Spezia-Aldighieri. Desde entonces su popularidad ha sido constante y se ha mantenido en el repertorio hasta la actualidad. La traviata aparece como la número uno en la lista elaborada por Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo en las temporadas 2007/2008 y 2011/2012, la primera de Italia y de Verdi.

Con ella Verdi alcanzó un estilo maduro, con mayor hondura en la descripción de los personajes, mayor solidez en las construcciones dramáticas y una orquesta más importante y rica. No obstante, es una obra algo atípica dentro de su producción, por su carácter realista. No refiere grandes hechos históricos, como Nabucco, ni está basada en tragedias, como Macbeth, sino que es un drama psicológico de carácter intimista. Fue la primera ópera en la que los actores usaron trajes contemporáneos de la época, ya que lo normal en aquel momento es que los personajes usaran trajes históricos, correspondientes a siglos pasados o a otras civilizaciones, como ocurrió con Aida, en la que se usaron ropas del antiguo Egipto; Nabucco, del antiguo Israel, o Rigoletto, que evocaba la Italia del norte del siglo XVI.

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Ópera: La traviata Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 6 de enero 16:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Paraguay | 14:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La traviata, de Giuseppe Verdi, en impresionante producción del Festival de Salzburg que cuenta con Anna Netrebko, Rolando Villazón, y Thomas Hampson, el Coro de la Ópera Estatal de Viena, la Filarmónica de Viena y Carlo Rizzi.

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Magnífico programa doble con la excelsa Orquesta de la Suiza italiana a la que dirige aquí el francés Serge Baudo.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, música sinfónica, piano.

Intérpretes: Mikhail Rudy.

Director: Serge Baudo.

Orquesta: Orquesta de la Suiza italiana.

Año: 2000.

Lugar: Palacio de congresos, Lugano.


Tras formarse en el Conservatorio de París, donde obtuvo el primer premio en armonía y dirección de orquesta, Serge Baudo (1927) comenzó su carrera como percusionista en la Orquesta Lamoureux. Después sería director de la Orquesta de la Radio de Niza de 1959 a 1962, justo antes de ser nombrado director de la Opera de París entre 1962 y 1965. Trabajó en la música de dos películas-documentales de Jacques-Yves Cousteau: Le Monde sans soleil [1964] y Voyage au bout du monde [1976]. Realizó los estrenos mundiales de las óperas La mère coupable [1966], de Darius Milhaud, y Andrea del Sarto [1969], de Jean-Yves Daniel-Lesur. En julio de 1970 llevó a cabo la dirección de la premier de la obra de Henri Dutilleux, Tout un monde lointain..., con Mstislav Rostropovich y la Orquesta de

Concierto: Serge Baudo dirige a la Orquesta de la Suiza italiana Felix Mendelssohn & Sergei Rachmaninov 6 de enero 21:45 Argentina/Uruguay | 20:45 Paraguay | 19:45 Colombia/Ecuador



París en el Festival de Aix-en-Provence. Realizó también distintas grabaciones de las sinfonías completas de Arthur Honegger con la Filarmónica Checa. A finales de 1970 se convirtió en director musical de la Orquesta Filarmónica de Rhône-Alpes, puesto en el que permaneció hasta 1987. Durante su tiempo en Lyon fundó el Festival Berlioz en 1979. También fue director principal de la Orquesta della Svizzera Italiana [1997 a 2000] y de la Orquesta Sinfónica de Praga [2001 a 2006]. En su honor, el 6 de marzo de 2004 el asteroide 36235 recibió el nombre de Sergebaudo.

El concierto se divide entre dos de los grandes autores de la historia de la música. Del alemán Felix Mendelssohn (1809-1847) se interpreta la obertura de Ruy Blas Op. 95, que es el resultado de una petición a Mendelssohn por parte del Fondo Teatral de Pensiones de Leipzig, una organización de caridad que a Mendelssohn le gustaba apoyar. Tenían la intención de presentar la obra Ruy Blas, de Victor Hugo, para lo que le pidieron una obertura y una canción para la producción. Mendelssohn se mostró inicialmente en contra de la obertura, más aún al leer la obra, que le resultó bastante horrible, por lo que renunció cortésmente a escribir una obertura. Entonces pensó en la situación y se dio cuenta de que había dado la impresión de que no podía escribir una obertura en el espacio de unos meses. Su naturaleza competitiva se encendió y escribió la obertura en tres días. La otra obra es la Sinfonía n.º 5 en Re mayor, conocida como de la Reforma. Fue compuesta por Mendelssohn en 1830 y estrenada en noviembre de 1832, en Berlín. La sinfonía se compuso en honor al tricentenario de la presentación de las confesiones de Augsburgo. En ellas Mendelssohn incluye dos temas de manifiestos protestantes que normalmente no tendrían cabida en una sinfonía: el Dresden Amen y el coral Ein' feste Burg ist unser Gott.

Del otro gran autor, el ruso Sergei Rachmaninov (1873-1943), se interpreta el Concierto para piano n.º 1 en Fa sostenido menor, iniciado en 1890 y terminado el 6 de julio de 1891. El primer movimiento fue interpretado en Moscú el 17 de marzo de 1892, con el compositor en el piano y Vasily Safonov dirigiendo la Orquesta del Conservatorio de Moscú. En octubre de 1917 Rachmaninov inició amplias revisiones, que terminaron el 10 de noviembre de 1917. Años atrás, cuando Rachmaninov era estudiante, tenía gran respeto por Tchaikovski, quien a su vez dio apoyo al joven compositor. Por lo tanto, no es sorprendente que Rachmaninov muestre su deuda con los conciertos para piano del viejo compositor. Él mismo hablaba así de la obra: He vuelto a escribir mi Primer Concierto. Ahora es verdaderamente bueno. Tiene toda la frescura juvenil y sin embargo se toca mucho más fácilmente. Y nadie le presta ninguna atención. Cuando en Norteamérica anuncio que voy a tocar el Primer Concierto, no protestan, pero detecto en sus rostros que preferirían el Segundo o el Tercero.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00410_Baudo_conducts_OSI _1.jpg

Concierto: Serge Baudo dirige a la Orquesta de la Suiza italiana Mendelssohn & Rachmaninov 6 de enero 21:45 Argentina/Uruguay | 20:45 Paraguay | 19:45 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Serge Baudo dirige la afamada OSI en una magnífica velada con tres exquisitas obras del repertorio: la Sinfonía n.º 5 y la Obertura Ruy Blas, de Mendelssohn, y Concierto para piano n.º 1, de Rachmaninov, con las manos de Mikhail Rudy.

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Una de las cimas en la historia del concierto para piano en la extraordinaria versión de la

orquesta suiza, el pianista británico y el director germano.

Género: concierto, música clásica, música romántica, piano.

Intérpretes: Paul Lewis.

Director: Markus Poschner.


Año: 2016.

Lugar: LAC Lugano Arte e Cultura.


Este programa monográfico está protagonizado por la figura de Johannes Brahms (1833–1897), uno de los grandes maestros de la historia de la música alemana y uno de los referentes a nivel occidental dentro del Romanticismo. Sucesor de Ludwig van Beethoven y Franz Schubert en las formas más compositivas de mayor formato, además de en la música de cámara y las composiciones orquestales; pero también del propio Schubert y Robert Schumann en las formas musicales en miniatura, como las piezas para piano y las canciones. Hay en su música coral un verdadero puente tendido entre los polifonistas del

Concierto: Markus Poschner dirige la Orquesta de la Suiza italiana, con Paul Lewis Concierto para piano n.º 1, de Johannes Brahms Estreno 7 de enero 22:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Paraguay | 20:00 Colombia/Ecuador



Renacimiento y el Barroco y la creación coral del siglo XIX. Las obras de Brahms sintetizan las prácticas de tres siglos con el color del folklore y el lenguaje de la música culta de mediados y finales del siglo XIX.

La única obra del programa, el Concierto para piano en Re menor, Op. 15 [1858], es uno de los conciertos más interesantes en la historia del género. Lo estrenó el propio Brahms al instrumento. Es uno de los conciertos más poderosos tras los de Beethoven, en lo que Carl Dahlhaus denominó como estilo sinfónico, cuyo objetivo para los efectivos orquestales alcanzados por medio de orquesta es de una concepción casi monumental, recordando en algunos momentos a la Novena de Beethoven. Es uno de los mejores ejemplos de su esfuerzo por combinar los efectos pianísticos con la orquesta, a diferencia de sus predecesores, que limitaban el papel de esta última a un mero acompañamiento del solista.

El solista de la velada, Paul Lewis, nacido en 1972 en Liverpool, está considerado internacionalmente como uno de los pianistas más importantes de su generación, como demuestra su agenda llena de compromisos en las salas de conciertos y festivales más prestigiosos del mundo. Estudió con Ryszard Bakst en la Chetham’s School of Music y con Joan Havill en la Guildhall School of Music and Drama de Londres. También ha desarrollado sus conocimientos con el gran con Alfred Bredell. Tras los éxitos conseguidos en los concursos internacionales de Londres y de Tunbridge Wells, inició una brillante carrera internacional. Ha sido galardonado con premios tan importantes como Instrumentista del Año de la Royal Philharmonic Society, el South Bank Show Award Classical Music, el Diapason d’Or de l’Année, dos premios Edison sucesivos, el 25 Premio Internacional Accademia Musicale Chigiana de Siena, el premio de la Crítica Discográfica de Alemania, un premio Limelight en Australia, y tres premios Gramophone, incluyendo el Disco del Año de 2008. El 2009 fue investido Doctor Honoris Causa por la Universidad de Southampton. Los ciclos completos de las obras fundamentales de Beethoven y Schubert le han valido el reconocimiento unánime de la crítica internacional. Paul Lewis ha actuado junto a las orquestas más importantes del panorama, así como con muchos de los mejores directores del mundo. Su premiadísima discografía, editada por Harmonia Mundi, incluye las sonatas completas y conciertos para piano de Beethoven, las Variaciones Diabelli, todas las grandes obras para piano compuestas por Schubert durante sus seis últimos años de vida y los tres ciclos de canciones de Schubert con el tenor Mark Padmore. Junto a su esposa, la violonchelista noruega Bjørg Lewis, es director artístico de Midsummer Music, festival de música de Buckinghamshire.

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Concierto: Markus Poschner dirige la Orquesta de la Suiza italiana, con Paul Lewis Concierto para piano n.º 1, de Johannes Brahms Estreno 7 de enero 22:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Paraguay | 20:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Continúa nuestro viaje de la mano de la magnífica Orquesta de la Suiza italiana, que interpreta aquí el exquisito Primer concierto para piano de Johannes Brahms, con el solista Paul Lewis y la batuta de Markus Poschner.

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Una de las grandes óperas de la Italia del XIX, en una producción que le fascinará, pues cuenta con Edita Gruberova, una de las mejores Normas que se recuerdan.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Edita Gruberova, Zoran Todorovich, Roberto Scandiuzzi, Sonia Ganassi, Cynthia Jansen, Markus Herzog, Michael Kolh, Stefan Kohl; Coro de la Ópera Estatal de Baviera; Jürgen Rose [dirección de escena, escenografía, vestuario e iluminación], Peter Heilker [dramaturgia], Michael Bauer [iluminación], Jo Siska [coreografía].

Director: Friedrich Haider.

Orquesta: Orquesta Estatal de Baviera.

Año: 2006.

Lugar: Nationaltheater, Munich.


Norma es una tragedia lírica en dos actos con música de Vincenzo Bellini (1801-1835) y libreto en italiano de Felice Romani, basado en la tragedia Norma, ossia L'infanticidio, de Alexandre Soumet. La ópera tuvo su estreno en La Scala de Milán el 26 de diciembre de 1831. Se considera un ejemplo brillante y definitorio de la mejor tradición belcantista. Tras La sonnambula, se produce en Bellini un cambio de registro, con el que dio paso a la tragedia. Precisamente con Norma se ponen de manifiesto las excepcionales dotes teatrales del compositor para explorar las profundidades del drama romántico. El rol de Norma ocupa un lugar destacado entre los grandes personajes femeninos de la historia. Felice Romani realizó en su libreto profundas modificaciones respecto a la

Ópera: Norma

Ópera en dos actos de Vincenzo Bellini 13 de enero 16:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Paraguay | 14:00 Colombia/Ecuador



tragedia de Soumet. Los modelos de Soumet serán las figuras mitológicas de Niobe y Medea, así como Lady Macbeth de Shakespeare y la sacerdotisa de los druidas Velléda, del poema épico de Chateaubriand Les martyrs ou Le Triomphe de la religion chrétienne. Pero Romani enriqueció notablemente este mundo femenino, de por sí ya complejo, con dos aspectos importantes: el amor de la protagonista hacia Pollione y sus hijos; y el rol de Norma, una mujer de sentimientos profundos y contradictorios, al ser suma sacerdotisa y madre, además de amante abandonada y rival vengativa, todo en una misma persona. Su trágico final es consecuencia inevitable de sus conflictos emocionales y de la incompatibilidad entre el voto religioso, el deber hacia su pueblo y el amor no correspondido. Su muerte no es un castigo que se inflige a sí misma, sino una solución catártica a sus conflictos internos. En una carta datada el 1 de septiembre de 1831, Bellini escribió a la soprano Giuditta Pasta que Romani cree (que este tema) será muy efectivo, y absolutamente ideal para tu carácter enciclopédico, debido a la clase de carácter que tiene Norma. Musicalmente, Norma se caracteriza por sus melodías largas, dramáticas, muy ornamentadas e intensamente emocionales. Entre los fragmentos inolvidables de esta ópera se encuentra Casta diva, una de las arias de soprano más conocida de toda la historia de la música. Una de las características del Romanticismo es la vuelta a la historia. Pero esta vez en vez no a la Antigüedad Clásica o al Renacimiento, sino a la Edad Media o a las tradiciones de los pueblos prerromanos. Dicha circunstancia hace que durante el primer tercio del siglo XIX se ponga de moda las novelas ambientadas en la Galia o en otros pueblos prerromanos, considerados como los verdaderos orígenes distintivos del nuevo nacionalismo emergente en la sociedad. Así, Alexandre Soumet se inspirará en antiguas leyendas de estos pueblos. Concretamente en la leyenda Celta en donde los druidas

veneraban un árbol [Ydraggsil] –el mismo al que hace referencia Wagner en el Anillo del

Nibelungo–. La complejidad del rol de Norma es doble, vocal y psicológica, por lo que ha hecho que solo las verdaderamente grandes sopranos de la historia hayan podido afrontar el papel con la suficiente dignidad. Norma sigue siendo una de las óperas más populares, apareciendo en las estadísticas de Operabase como la n.º 38 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 20.ª en Italia y la primera de Bellini.

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Ópera: Norma Ópera en dos actos de Vincenzo Bellini 13 de enero 16:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Paraguay | 14:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Norma, una de las grandes óperas de Vicenzo Bellini, que llega en esta magnífica producción alemana con un excepcional elenco encabezado por Edita Gruberova y Zoran Todorovich, junto a la Orquesta Estatal de Baviera y Friedrch Haider.

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La magnífica orquesta holandesa interpreta una magnífica terna rusa, de la mano del

excelente director italiano y el chelista franco-estadounidense.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, chelo.

Intérpretes: Yo-Yo Ma.

Director: Daniele Gatti.

Orquesta: Orquesta del Real Concertgebouw de Ámsterdam.

Año: 2015.

Lugar: Real Concertgebouw, Ámsterdam.


Magnífico triple programa protagonizado por tres obras de excepción, pilares fundamentales en la interpretación del repertorio orquestal ruso de finales del XIX y del siglo XX. Se inicia con el Concierto para violonchelo n.º 1 en Mi bemol mayor, Op. 107, de Dmitri Shostakovich (1906-1975). Compuesto en 1959, en un momento de plena madurez en su carrera compositiva, sin ataduras estéticas de tiempos anteriores, en las que el régimen de Stalin le obligó a componer obras en las que quizá no creía. Su Op. 107 se encuentra entre las obras maestras de este período, logrando además reflejar, de manera

Concierto: Daniele Gatti dirige la Orquesta del Concertgebouw, con Yo-Yo Ma Dmitri Shostakovich, Piotr Ilich Tchaikovsky & Igor Stravinsky Estreno 13 de enero 21:15 Argentina/Uruguay | 20:15 Paraguay | 19:15 Colombia/Ecuador



muy fidedigna, el alma torturada del compositor. La obra es un dechado de creación en la que se mezclan elementos expresionistas acompañados de un lirismo cantable y emotivo que hunde sus raíces en la tradición romántica rusa. El dedicatario de la obra fue su amigo, el gran chelista Mstislav Rostropovich, que en tan solo cuatro días conocía su papel de memoria, teniendo su estreno el 4 de octubre de 1959, con Yevgeni Mravinski dirigiendo la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo en la sala principal del Conservatorio de San Petersburgo. La primera grabación discográfica del concierto tuvo lugar en noviembre de ese mismo año, con el propio Rostropovich acompañado por la Orquesta de Philadelphia y la batuta de Eugene Ormandy. La segunda obra es la Suite orquestal extraída del Cascanueces, el célebre ballet que Piotr Ilich Tchaikovsky (1840–1893) compuso por encargo del director de los Teatros Imperiales en 1891, y que se estrenó en 1892. La obra, que data de 1891 y 1892, es el tercero de sus ballets, que en la producción original contó con la coreografía de Marius Petipa y Lev Ivanov. El libreto fue escrito por Ivan Vsevolozhsky y el propio Petipa tomando como base la obra de Alejandro Dumas (padre) inspirada sobre El cascanueces y el rey de los ratones, de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann. Antes de su estreno completo, el propio Tchaikovsky seleccionó ocho de los números del ballet para conformar la Suite El cascanueces op. 71a, concebida para tocarse en concierto. La suite se tocó bajo la dirección del compositor el 19 de marzo de 1892, con ocasión de una reunión de la sección de la Sociedad Musical en San Petersburgo, convirtiéndose al momento en una obra de repertorio, que llegó a superar en popularidad durante muchos años al propio ballet.

La Suite de El pájaro de fuego de 1919 es la segunda de las tres que preparó Igor Stravinsky (1882-1971) a partir de su ballet, y sin duda la más conocida e interpretada. Con una duración aproximada a la mitad del ballet completo, consta de unos pocos movimientos en los que se suceden la presentación, danza y captura del pájaro de fuego, el baile de las princesas, la danza infernal del rey, su seducción por el pájaro de fuego y el final, con la desaparición del palacio y los encantos que da lugar a la algarabía general. El ballet El pájaro de fuego se comenzó a componer en noviembre de 1909, siendo terminado el 18 de mayo de 1910. El estreno tuvo lugar en la Ópera de París, el 25 de junio de 1910, interpretado por los célebres Ballets Rusos de Sergei Diaghilev. La coreografía original fue creación de Mikhail Fokine, contando con la escenografía de Alexandre Golovine, el vestuario de Golovine y León Bakst, y la dirección orquestal de Gabriel Pierné. Algún tiempo después el propio Stravinsky extrajo varias suites diferentes del original, para ser interpretadas en concierto. La orquestación de El pájaro de fuego es espectacular. Sin contar aún con los treinta años, se muestra ya como un maestro orquestador.

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Concierto: Daniele Gatti dirige la Orquesta del Concertgebouw, con Yo-Yo Ma Dmitri Shostakovich, Piotr Ilich Tchaikovsky & Igor Stravinsky Estreno 13 de enero 21:15 Argentina/Uruguay | 20:15 Paraguay | 19:15 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La Orquesta del Real Concertgebouw, el violonchelista Yo-Yo Ma y Daniele Gatti les ofrecen el Concierto para violonchelo nº. 1, de Shostakovich, la Suite de Cascanueces, de Tchaikovsky, y la Suite de El pájaro de fuego, de Stravinsky.

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La cima concertística del gran compositor checo en las manos de uno de los mejores

violonchelistas del siglo XX, junto a la excepcional orquesta suiza.

Género: concierto, música clásica, música romántica, violonchelo.

Intérpretes: Mischa Maisky.



Año: 2016.



Antonín Dvořák (1841-1904) fue un compositor checo que ya desde niño demostró disposición y grandes dotes para la música. Su obra es muy variada: desde la ópera a la

música de cámara, pasando por la música sinfónica –ámbito al que dedicó más atención–. Su obra musical no es tan sencilla y bucólica como la de su compatriota Bedřich Smetana, ya que Dvořák posee un lenguaje más moderno, en el que emplea con mayor sofisticación la técnica, además de una orquesta más numerosa. En su orquestación busca la espectacularidad, conseguida a través de contrastes dinámicos y de la experimentación de nuevas combinaciones tímbricas. Algunos de los recursos que emplea son propios de los compositores eslavos, como la utilización frecuente del registro grave del violín y el

Concierto: Markus Poschner dirige la Orquesta de la Suiza italiana, con Mischa Maisky Concierto para violonchelo Op. 104, de Antonín Dvořák

Estreno 14 de enero 22:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Paraguay | 20:00 Colombia/Ecuador



uso de los instrumentos de metal en pianissimo. Su fluidez y gran espontaneidad melódica proceden en cierta medida de Franz Schubert. En sus obras de juventud imitaba los modelos románticos, especialmente los de Felix Mendelssohn. En la década de los años sesenta se puede apreciar en su música cierta ambigüedad tonal y frecuentes modulaciones hacia ámbitos tonales lejanos. Pero a partir de 1874 se alejó del influjo de compositores como Franz Liszt y Richard Wagner para desarrollar un estilo algo más convencional y clásico. Fue en esa época cuando comenzó a estudiar el folclore de su país, cuyos principales elementos utilizó posteriormente en sus composiciones. Así incluyó en su obra ritmos sincopados de danzas populares como la mazurka, la dumka o la sparcirka y abandonó la práctica de la anacrusa, ya que ésta no existe en el folclore checo. En esta línea de carácter nacionalista surgieron multitud de títulos, incluyendo obras maestras que, junto con el Requiem [1890], le hicieron convertirse en el padre del oratorio checo.

Su Concierto para violonchelo y orquesta en Si menor Op.104 [1895] es el más conocido de su catálogo. Previamente había iniciado ya un concierto para violonchelo en 1865, pero abandonó su composición tras completar la parte del solista y con un acompañamiento para piano que nunca llegó a orquestar. El Op. 104 pertenece al repertorio general del violonchelo y es uno de los más interpretados. Está dedicado al violonchelista Hanuš Wihan, quien debía estrenarlo en Londres, aunque finalmente se estrenó el 19 de marzo de 1896, bajo la batuta del propio compositor y con Leo Stern como solista. Dvořák inició su composición el 8 de noviembre de 1884 y lo concluyó el 9 de febrero de 1895, es decir, los últimos meses de su estancia en Estados Unidos tras haber aceptado la invitación de Jeannette Thurber, fundadora del Conservatorio de Nueva York, para que se hiciera cargo de la dirección de esta institución.

Mischa Maisky, violonchelista letón nacido en Riga en 1948, comenzó a tomar clases de chelo a los ocho años en su ciudad natal. A los catorce se cambió al Conservatorio de Leningrado y un año después al Conservatorio de Moscú. En 1966 logró el sexto puesto en el Concurso Internacional Tchaikovsky en Moscú. Maisky ha sido el único violonchelista en el mundo que tuvo la oportunidad de estudiar con Mstislav Rostropovich y con Gregor Piatigorsky. Rostropovich lo definió como uno de los talentos más extraordinarios de la nueva generación de violonchelistas combinando en su arte, poesía y delicadeza exquisita junto con temperamento y técnica brillante. Ha sido aclamado en los centros musicales más importantes del mundo. Artista en exclusiva de Deustche Grammophon durante los últimos veinticinco años, ha grabado más de treinta discos con orquestas como las Filarmónicas de Viena o Berlín, la Sinfónica de Londres, Orchestre de Paris y la Orquesta de Cámara de Europa, entre otras. La primera grabación de Mischa Maisky fue el Doble concierto para violín y chelo, de Johannes Brahms junto a Gidon Kremer y la Filarmónica de Viena, dirigida por Leonard Bernstein. Desde entonces muchas de sus grabaciones han sido merecedoras de importantes premios internacionales.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00412_Poschner_OSI_1.jpg

Concierto: Markus Poschner dirige la Orquesta de la Suiza italiana, con Mischa Maisky Concierto para violonchelo Op. 104, de Antonín Dvořák Estreno 14 de enero 22:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Paraguay | 20:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Markus Poscher y la Orquesta de la Suiza italiana vuelven a rodearse de otro gran solista, el violonchelista letón Mischa Maisky, para interpretar junto el exquisito Concierto para violonchelo Op. 104, de Antonín Dvořák.




Una de las óperas menos conocida del genial operista italiano, protagonizada por Nina

Stemme y Jonas Kaufmann, desde la Ópera Estatal de Viena.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Nina Stemme, Tomasz Konieczny, Jonas Kaufmann, Norbert Ernst, Paolo Rumetz, Boaz Daniel, Michael Roider, Hans Peter Kammerer, Tae-Joong Yang, Peter Jelosits, Carlos Osuna, Clemens Unterreiner, Il Hong, Jongmin Park, Juliette Mars, Alessio Arduini, Wolfram Igor Derntl; Coro de la Ópera Estatal de Viena; Marco Arturo Marelli [dirección de escena, escenografía e iluminación], Dagmar Niefind [vestuario].

Director: Franz Welser-Möst.

Orquesta: Orquesta de la Ópera Estatal de Viena.

Año: 2013.

Lugar: Ópera Estatal, Viena.


La fanciulla del west [La muchacha del Oeste] es una ópera en tres actos con música de Giacomo Puccini (1858-1924) y libreto en italiano de Guelfo Civinini y Carlo Zangarini, sobre el relato The Girl of the Golden West, de David Belasco. Su estreno tuvo lugar en el Metropolitan de Nueva York, el 10 de diciembre de 1910, contando con un elenco de absoluta leyenda: Emmy Destinn [Minnie] y Enrico Caruso [Dick Johnson], con la dirección orquestal de Arturo Toscanini. Fanciulla siguió a Madama Butterfly en el catálogo de Puccini, pero tiene menos números brillantes de los que son característicos en otras obras de Puccini, aunque sigue siendo admirada por su impresionante orquestación y por

Ópera: La fanciulla del west Ópera en tres actos de Giacomo Puccini Estreno 20 de enero 17:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Paraguay | 15:00 Colombia/Ecuador



una partitura que está más integrada melódicamente que Butterfly. Fanciulla muestra la influencia de la obra de Claude Debussy y Richard Strauss sin ser en modo alguno una imitación.

Mucho antes de que el cine se apoderase del salvaje Oeste, lo hizo la novela. Y David Belasco, basándose en un título de Bret Harte, redactó una conmovedora obra de teatro que Puccini vio en un viaje a Estados Unidos. Es posible que el contraste entre el ambiente rudo y la magnífica figura de Minnie lo animase a poner en música esta obra. Dos autores jóvenes, Carlo Zangarini y Guelfo Civinini, redactaron un libreto de efectismo asegurado, con una buena descripción del ambiente del Oeste. Dieron al bandido el nombre hispánico de Ramírez, que de todos modos se acabó modificando para escribirlo a la manera anglosajona, Ramerrez.

No se trata de un Puccini más flojo, sino un Puccini nuevo y diferente. Y sin embargo, todos los elementos de esta típica ópera norteamericana aparecen ya en algunas de sus obras anteriores: el tono casi dialogante, melódico y fluido; las descripciones pictóricas con la paleta orquestal y sonora, que se desarrollan de una manera particularmente expresiva; el refinamiento de una orquestación utilizada de manera variada, y que sin embargo en cada instante suena como un auténtico Puccini. De todos modos, el esquema básico aparece un poco modificado: las óperas anteriores conducían, mediante transiciones relativamente breves, de un aria a otra aria o a un dúo lo que eran inevitable

–particularmente en las primeras épocas de la ópera, sobre todo en Italia– por las numerosas interrupciones de los aplausos. En La fanciulla del west se arrincona casi completamente esta forma en beneficio de un continuum sonoro. Solo un aria se puede cantar aislada: Ch'ella mi creda, una de las perlas del repertorio de concierto para todo cantante. Podría afirmarse que la tensión provocada por la música aquí en casi más poderosa que en ningún otro momento del catálogo operístico pucciniano. Escenas del salvaje Oeste son subrayadas por la música, lo que supuso una novedad. Es cierto que Puccini puso música a caracteres nuevos, pero no del todo. El esquema diva–amante–intrigante que aparece en La fanciulla del West ya está configurado fundamentalmente en Tosca. Una ópera de enorme fuerza que muestra a Puccini recorriendo caminos insólitos. Aunque se representa con frecuencia, no está entre las más representadas, situándose en las estadísticas de Operabase como el n.º 100 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 37.ª en Italia y la 9.ª de Puccini.

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Ópera: La fanciulla del west Ópera en tres actos de Giacomo Puccini Estreno 20 de enero 17:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Paraguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La fanciulla del west, un Giacomo Puccini que les sorprenderá, pues logra aunar lo nuevo con su estilo tan reconocible. Llega en producción de la Ópera estatal de Viena, con Nina Stemme y Jonas Kaufmann como protagonistas de lujo.

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Uno de los grandes oratorios del siglo XVIII, servido de la mano de uno de los mejores

directores en la historia y la excepcional orquesta vienesa.

Género: concierto, oratorio, música clásica.

Intérpretes: Dorothea Röschmann, Michael Schade, Florian Boesch; Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena.

Director: Nikolaus Harnoncourt.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2013.

Lugar: Grosses Festspielhaus, Viena.


Die Jahreszeiten [Las Estaciones] Hob. XXI:3 es el segundo gran oratorio de Franz Joseph Haydn (1732-1809), compuesto entre 1799 y 1801, dentro del último y gran período de madurez del genial compositor austríaco. Supone junto a Schöpfungsmesse Hob. XXII:13 y Harmonienmesse Hob. XXII:14 las últimas obras de gran envergadura de su autor. Tras su doble estancia en Inglaterra, donde fue galardonado con el título de Honoris Causa por la Universidad de Oxford, Haydn es considerado por sus compatriotas vieneses como el compositor vivo más importante. Durante esta época es también liberado de sus obligaciones en Esterházy. Por esta razón puede dedicar su tiempo a encargos privados. Impresionado por la cantidad de público que atraían los oratorios de Händel en Londres, siente el deseo de componer obras de este género. Aborda entonces la composición de La Creación entre 1796 y 1798, con la que obtiene un éxito rotundo.

Concierto: Las estaciones, de Franz Joseph Haydn Nikolaus Harnoncourt & Filarmónica de Viena 21 de enero 16:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Paraguay | 14:00 Colombia/Ecuador



El Barón Gottfried van Swieten, traductor y libretista de esta pieza, propone a Haydn trabajar sobre el poema Les Saisons, de James Thomson. En un principio, a Haydn no le convence la idea de no trabajar sobre un texto religioso, como es habitual en los oratorios clásicos, pero al final se deja convencer. La composición durará dos años en difíciles condiciones, tanto por los roces con las indicaciones de von Swieten como por la debilidad que le iban causando sus enfermedades. Haydn comenzó a trabajar, pues, en este segundo gran oratorio, contando de nuevo con la colaboración en el libreto del Barón van Swieten, al que una vez más tuvo que aguantar su vanidad y las permanentes instrucciones de cómo debía ser la música. Desde el inicio, el oratorio levantó notables críticas debido a sus excesivas descripciones en la partitura, elemento al que van Swieten era muy aficionado. Quizá por ello, Haydn cargó el peso de la culpa a este. A pesar de sus permanentes discusiones y de permanecer un tiempo sin dirigirse la palabra, la obra terminó siendo un éxito total en su estreno el 24 de abril de 1801, causando una profunda impresión en público y crítica, como así se pudo comprobar en los años siguientes. Surgieron algunas críticas con respecto al texto, pero el planteamiento de Haydn fue unánimemente alabado. Hoy día, disfrutando de la perspectiva histórica que da el tiempo, sería difícil escoger entre Las estaciones y La Creación como el mejor ejemplo en el ámbito del oratorio. Sea como fuere, el compositor austríaco se alza aquí como un espléndido creador en el género del oratorio, completando así un catálogo compositivo descomunal, que ahonda en su genio y lo aleja del campo sinfónico, al que muchos le adscriben únicamente. Van Swieten había sembrado su texto de indicaciones para el compositor con detalles descriptivos e imitaciones de sonidos de animales. El pasaje del croado de la rana es célebre por las tensiones que incitó entre ambos. Swieten se basó en una antigua partitura de Grétry para convencer a un Haydn reticente del interés de la imitación, refiriéndose a ella como porquería afrancesada. La manera en que la música responde a las imágenes

no es menos notable: chalumeaux –antecesor del clarinete– para los pastores, bordones de gaitas, crepitar de grillos, cantos de pájaros y hasta una imponente tormenta, anticipándose al propio Beethoven en la Sinfonía Pastoral. A pesar de todo, Haydn luchó para imponer algunas de sus ideas, incluida la reutilización del tema del andante de su Sinfonía n.º 94.

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Concierto: Las estaciones, de Franz Joseph Haydn Nikolaus Harnoncourt & Filarmónica de Viena 21 de enero 16:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Paraguay | 14:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El Festival de Salzburg les ofrece Las estaciones, de Franz Joseph Haydn, con Dorothea Röschamann, Michael Schade y Florian Boesch, el Coro de la Ópera Estatal de Viena, la Filarmónica de Viena y el inigualable Nikolaus Harnoncourt.

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La magnífica orquesta y la excepcional violinista, ambas holandesas, unen fuerzas para

interpretar dos grandes obras bajo la dirección del talentoso letón.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea, violín.

Intérpretes: Janine Jansen.

Director: Andris Nelsons.

Orquesta: Orquesta del Real Concertgebouw de Ámsterdam.

Año: 2015.

Lugar: Real Concertgebouw, Ámsterdam.


Niña prodigio, la holandesa Janin Jansen [1978] se inició en el violín a la edad de seis años. Comenzó a destacar como solista en el panorama internacional en 2001, cuando interpretó el Concierto para violín de Johannes Brahms, junto a la National Youth Orchestra de Escocia. Su amplia discografía es una guía importante para descubrir su evolución y gustos. En 2002 grabó su primer álbum como solista, bajo el título Janine Jansen, junto a la Royal Philharmonic Orchestra. En 2004 estrenó su grabación de Las Cuatro Estaciones de Antonio Vivaldi, y ya en 2006 salió a la venta su tercer álbum, en el que incluyó el

Concierto: Andris Nelsons dirige la Orquesta del Concertgebouw, con Janine Jansen Concierto para violín n.º 1, de Béla Bartók & Sinfonía Leningrado, de Dmitri Shostakovich Estreno 21 de enero 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador



Concierto para violín en Mi menor, Op. 64, de Felix Mendelssohn y el Concierto para violín y orquesta en Sol menor, de Max Bruch, junto a Riccardo Chailly y la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. En 2007, junto a Maxim Rysanov y Torleif Thendeén, grabó Bach: Inventions & Partita. En 2009 estrenó su grabación de los conciertos para violín de Beethoven y Britten, ambos con la dirección por Paavo Järvi. En 2010 grabó Beau Soir, un álbum de música francesa. Ha actuado en los escenarios más importantes del mundo, junto a las orquestas más influyentes y las batutas más destacadas. En 2005 protagonizó la apertura de los BBC Proms. Sus interpretaciones son destacadas por la expresividad de las mismas, con un mayor énfasis en la comunicación con el público que en la precisión, que por otro lado domina. Utiliza frecuentemente el Stradivarius «Barrere» de 1727, en préstamo de la Stradivari Society of Chicago. Interpreta aquí el Concierto para violín n.º 1 Sz. 36, de Béla Bartók (1881-1945), conocido también como Concierto suizo para violín. Compuesto el 24 de diciembre de 1907, terminó la orquestación el 5 de febrero de 1908, estando finalmente conformado por dos movimientos: Andante sostenuto y Allegro giocoso. No llegó a estrenarse en vida de su autor, si bien el primer movimiento sí se estrenó como primero de los Dos Retratos Op. 5. Fue estrenado posteriormente por Hans-Heinz Schneeberger, a petición testamentaria de la violinista a la que fue dedicado, Stefi Geyerl, el 30 de mayo de 1958. Los dos movimientos se corresponden con la admiración que Bartók profesaba hacia ella,

tanto en el terreno personal –primer movimiento–, como en el terreno violinístico –segundo movimiento–. La melodía con la que se inicia el movimiento es en clara referencia a ella. Según palabra del autor, se pretendía transmitir la idea de la idealizada Stefi, celeste e introvertida.

El programa se completa con la Sinfonía n.º 7 en Do mayor, de Dmitri Shostakovich (1906-1975), conocida como Leningrado. Fue empezada en el mes de julio de 1941, terminando sus tres primeros movimientos hacia finales de septiembre. Las autoridades le obligan junto con su familia a abandonar Leningrado, para reunirse con otros evacuados y dirigirse a la provinciana ciudad de Kuibyshev. Allí termina su sinfonía el 27 de diciembre de 1941. Se estrenó el 5 de marzo de 1942 en Kuibyshev, interpretada por la Orquesta del Teatro Bolshoi dirigida por Samuil Samosud, siendo retransmitida a través de toda la Unión Soviética. Poco después se estrena en Moscú, siendo enviada la partitura a los Estados Unidos en forma de microfilm. La obra fue muy popular durante la guerra, tomándola como símbolo de la resistencia antifascista, tanto en la Unión Soviética como en los Estados Unidos. Después de la guerra la sinfonía era contemplada como mera propaganda soviética, siendo poco interpretada.

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Concierto: Andris Nelsons dirige la Orquesta del Concertgebouw, con Janine Jansen Concierto para violín n.º 1, de Béla Bartók & Sinfonía Leningrado, de Dmitri Shostakovich Estreno 21 de enero 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La Orquesta del Real Concertgebouw acompaña a la violinista Janine Jansen, bajo la atenta mirada de Andris Nelsons, en el Concierto para violín n.º 1, de Béla Bartók. Completa la velada la Sinfonía Leningrado, de Dmitri Shostakovich.

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Johannes Brahms y una de sus obras maestras sinfónicas, de la mano de la magnífica

orquesta suiza a las órdenes del director alemán.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica.



Año: 2016.



Fundada en Lugano en 1935 como Orquesta de la Radio de la Suiza italiana, jugó un papel crucial en el desarrollo musical de la región, ayudando a establecer importantes festivales en Lugano, Locarno y Ascona desde la década de 1940. Ha sido dirigida por grandes figuras musicales como Ansermet, Stravinsky, Stokowski, Celibidache y Scherchen, y colaboró con compositores como Mascagni, Richard Strauss, Honegger, Milhaud, Martin, Hindemith, Berio, Henze y Penderecki. Su primer director principal fue Leopoldo Casella. Le sucedió Otmar Nussio en 1938, bajo cuya dirección la orquesta ofreció un gran número de conciertos abriéndose de manera muy amplia a los compromisos internacionales. De 1969 a 1991, con Marc Andreae como director principal, consolidó su reputación, ampliando su repertorio e interpretando las primeras obras de los principales compositores vivos. En 1991 la orquesta tomó su nombre actual y comenzó a ganar reconocimiento internacional, actuando en los escenarios más prestigiosos de Viena,

Concierto: Markus Poscher dirige la Orquesta de la Suiza italiana Sinfonía n.º 2, de Johannes Brahms Estreno 21 de enero 22:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Paraguay | 20:00 Colombia/Ecuador



Amsterdam, San Petersburgo, París, Roma, Milán o Salzburgo. En 1999 comenzó su estrecha colaboración con Alain Lombard, quien primero asumió el cargo de director principal y en 2005 fue nombrado director honorario. Desde septiembre de 2013 la OSI ha trabajado con el gran director y pianista Vladimir Ashkenazy, quien dirigiría la orquesta las siguientes cuatro temporadas como director invitado principal. A partir de la temporada 2015-16 OSI es dirigida por el director alemán Markus Poschner, quien guía la orquesta en la actualidad.

Programa monográfico dedicado al gran Johannes Brahms (1833–1897), uno de los grandes maestros de la historia de la música alemana y uno de los referentes a nivel occidental dentro del Romanticismo. Sucesor de Ludwig van Beethoven y Franz Schubert en las formas más compositivas de mayor formato, además de en la música de cámara y las composiciones orquestales; pero también del propio Schubert y Robert Schumann en las formas musicales en miniatura, como las piezas para piano y las canciones. Hay en su música coral un verdadero puente tendido entre los polifonistas del Renacimiento y el Barroco y la creación coral del siglo XIX. Las obras de Brahms sintetizan las prácticas de tres siglos con el color del folklore y el lenguaje de la música culta de mediados y finales del siglo XIX. Su obra, de pasión controlada, es considerada reaccionaria y epigonal por algunos, así como progresiva por otros, llegando a ser muy valorada y respetada en vida del autor, y reverenciada como una absoluta genialidad por el público, la crítica y los intérpretes de la actualidad.

De él se interpreta la Sinfonía n.º 2, iniciada en junio de 1877 y terminada en el siguiente otoño, para ser estrenada el 30 de diciembre de 1877 por la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Hans Richter. Después de años de lucha para componer la Primera Sinfonía, Brahms descubrió que era mucho más fácil componer la Segunda. Trabajaba mejor lejos de la ciudad, y así la escribió en pocos meses, en una pequeña ciudad a orillas del lago de Wörth. La Segunda es una obra de arte de construcción compacta e inventiva rítmica y presenta interesantes paralelismos con la obra de Beethoven. La Segunda Sinfonía presenta un interesante paralelo con Beethoven. Brahms tenía permanentemente presente al compositor, cuya música fue para él modelo e inspiración. Beethoven había escrito sus Sinfonías Quinta y Sexta muy cercanas una de la otra y lo mismo hizo Brahms con su Primera y Segunda. La Quinta es meditabunda pero apasionada, emocional pero triunfante y está en la tonalidad apropiada, Do menor. La Primera de Brahms comparte la tonalidad y el estado de ánimo con la Quinta de

Beethoven. La siguiente sinfonía de Brahms comparte el estado de ánimo –pero no la

tonalidad– con la posterior Pastoral de Beethoven. Ambas son idílicas, sin problemas y

pacíficas –aunque hay mucho drama interior en ambas obras–.

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Sinopsis: Markus Poscher y la Orquesta de la Suiza italiana vuelven a colaborar para ofrecer una magnífica versión una de las grandes obras sinfónicas del romanticismo alemán, la Sinfonía n.º 2 del genial compositor Johannes Brahms.








Dos de los mejores pianistas del siglo XX se unen en este legendario recital desde el

monumental coliseo porteño.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, piano.

Intérpretes: Martha Argerich, Daniel Barenboim.

Año: 2014.

Lugar: Teatro Colón, Buenos Aires.


La pianista Martha Argerich, nacida en Buenos Aires [1941], siempre sintió una gran afición por el piano, y empezó a recibir clases desde muy pequeña. Hizo su primera actuación en público con tan sólo cuatro años de edad. En el año 1949, contando solamente ocho años, da su primer concierto oficial. No tarda mucho en empezar a recibir clases del prestigioso compositor y pianista argentino Vicente Scaramuzza. En el año 1954 se traslada a Viena, donde le imparte clases Friedrich Guida, y seguidamente a Ginebra, donde tiene como profesores a Madeleine Lipatti y a Nikita Magaloff. En el año 1957 gana dos concursos de piano, y en el año 1960 vuelve a recibir clases de otro prestigioso músico, el italiano Arturo Benedetti Michelangeli. En el año 1965 participa en el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin, consiguiendo el primer premio. A partir de la década de los 80 reduce sus interpretaciones de piano como solista y empieza a dedicarse más a los conciertos para piano y orquesta y música de cámara. Argerich está considerada como una de las máximas exponentes de su generación, y a lo largo de su vida ha obtenido un gran número de premios y reconocimientos, incluyendo tres Premios

Concierto: Martha Argerich & Daniel Barenboim Dúos de piano en el Teatro Colón Estreno 27 de enero 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador



Grammy. Además, en el Teatro Colón de la ciudad de Buenos Aires cada año tiene lugar un importante evento musical en su honor, el Festival Martha Argerich. Daniel Barenboim [1942], pianista y director de orquesta argentino-israelí, que debutó en Buenos Aires con tan solo siete años, logrando tal éxito que fue invitado por el Mozarteum de Salzburg para formarse en su prestigioso centro. Posteriormente continuó sus estudios con Nadia Boulanger, Ígor Markevitch y en la Academia de Santa Cecilia de Roma. En 1956 se presentó en Londres y Nueva York apoyado por Arthur Rubinstein. Con veinte años, las grandes orquestas del mundo requerían ya sus servicios, y en 1966 se incorporó como director de la English Chamber Orchestra. Desde entonces ha copado la práctica totalidad de los escenarios del mundo y se ha subido al podio frente a las mejores orquestas y teatros del mundo. Su interés se ha transitado por un vasto repertorio, que busca ofrecer bajo nuevas concepciones obras de los clásicos, mientras se preocupa de las obras de los autores contemporáneos.

El presente recital se ofrece desde el célebre Teatro Colón de Buenos Aires, una de las salas de ópera más importantes del mundo. Su rico y prestigioso historial y las excepcionales condiciones acústicas y arquitectónicas de su edificio lo colocan al nivel de otros grandes teatros. En su primera sede, el Teatro Colón funcionó desde 1857 hasta 1888, año en que fue cerrado para la construcción de una nueva sala. Ésta fue inaugurada el 25 de mayo de 1908 con una función de Aida. En sus inicios, el Colón contrataba para sus temporadas a compañías extranjeras; a partir de 1925 contó con sus propios cuerpos estables [Orquesta, Ballet y Coro] y sus propios talleres de producción, lo cual le permitió, ya en la década de 1930, organizar sus propias temporadas financiadas por el presupuesto de la ciudad. Desde entonces, el Teatro Colón ha quedado definido como un teatro de temporada con capacidad para realizar íntegramente la totalidad de una producción gracias a sus cuerpos escenotécnicos especializados. Finalmente, a partir del año 2010 el Teatro Colón exhibe un edificio restaurado en todo su esplendor original. En el presente programa se interpreta una selección de piezas del repertorio pianístico, como la Sonata para dos pianos en Re mayor, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), las Variaciones sobre un tema original en La bemol mayor, de Franz Schubert (1797-1828), La consagración de la primavera [en versión para dos pianos], de Igor Stravinsky (1882-1971), Andante y variaciones para dos pianos Op. 46, de Robert Schumann (1810-1856), el Waltz de la Suite n.º 2, Op. 17, de Sergei Rachmaninov (1873-1943), Bailecito, de Carlos Guastavino (1912-2000), y Scaramouche Brazileira, de Darius Milhaud (1892–1974).

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Concierto: Martha Argerich & Daniel Barenboim Dúos de piano en el Teatro Colón Estreno 27 de enero 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Marta Argerich y Daniel Barenboim suponen una de las conjunciones artísticas más impresionantes de la historia. Disfrútenlos aquí interpretando música de Mozart, Schubert, Stravinsky, Rachmaninov, Schumann, Guastavino o Milhaud.

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La gran ópera del compositor galo en magnífica producción desde Essen, con un fantástico

elenco artístico.

Género: ópera, música clásica, música contemporánea.

Intérpretes: Jacques Imbrailo, Michaela Selinger, Vincent Le Texier, Doris Soffel, Wolfgang Schöne, Dominik Eberle, Mateusz Kabala; Coro de Ópera del Aalto-Theaters; Nikolaus Lehnhoff [dirección de escena], Raimund Bauer [escenografía], Andrea Schmidt-Futterer [vestuario], Olaf Freese [iluminación].

Director: Stefan Soltesz.

Orquesta: Filarmónica de Essen.

Año: 2013.

Lugar: Aalto-Musiktheater, Essen.


Pelléas et Mélisande, ópera en cinco actos con música de Claude Debussy (1862-1918) y libreto en francés del mismo compositor y Maurice Maeterlinck, sobre una pieza teatral de este último. Tuvo su estreno el 30 de abril de 1902 en la Opéra-Comique de París, bajo la dirección de André Messager, a quien está dedicada la obra. El papel de Mélisande recayó en la famosa soprano Mary Carden. El éxito fue inequívoco, aunque de ninguna manera sensacional. La obra, de difícil representación, conquistó lentamente los escenarios del mundo. Resulta significativo el hecho de que muchos compositores de la época pusieran música a textos de Maeterlinck, incluso Fauré y Schönberg compusieron también obras tituladas Pelléas et Mélisande. Debussy conoció el drama de Maeterlinck, Pelléas et Mélisande, en 1892 y en seguida quiso ponerle música. Se puso en contacto con el poeta,

Ópera: Pelléas et Mélisande Ópera en cinco actos de Claude Debussy 28 de enero 15:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Paraguay | 13:00 Colombia/Ecuador



que le dio su autorización. Debussy respetó el texto en medida mucho mayor de lo que es usual en la composición de óperas, pero no pudo evitar la exclusión de algunas escenas

en razón de la extensión de la obra teatral. Esto y una cuestión personal –el papel

protagonista femenino había sido pensado al principio para la esposa de Maeterlinck– separaron a los dos hombres, que llegaron a una ruptura violenta y total. Debussy trabajó en la ópera durante diez años y con una entrega absoluta. Entre tanto, el poeta y el compositor se habían reconciliado, conscientes de haber dado al teatro musical una obra única. El libreto de la ópera está lejos de los libretos usuales de la época, especialmente por estar firmado por Maeterlinck, uno de los más grandes representantes del simbolismo, ese estilo posromántico, ensoñador, emparentado con el impresionismo pictórico y musical, común a Rilke, Verhaeren y Verlaine, cuya mejor época fue el período que va desde finales de siglo hasta la Primera Guerra Mundial. Los franceses hablaron a menudo de décadence, un concepto que no se corresponde del todo con el término alemán dekadenz, pues su sentido es mucho menos negativo. Puede ponerse en duda que un poema como este pueda servir de base a una ópera, pero a tenor del resultado la respuesta sería un no rotundo. Debussy hizo posible lo aparentemente imposible: a partir de este libreto ajeno a la realidad cotidiana, totalmente alejado de todos los estilos de la música dramática, creó una maravillosa obra musical. Para ello solo podía encontrar un estilo musical igualmente ensoñador y trascendental, que en última instancia se remonta al Tristán e Isolda de Wagner, pero que en realidad representa algo completamente nuevo. Aquí la palabra y la música se compenetran hasta lo más profundo. La música nostálgica y melancólica de Debussy, sus armonías ensoñadoras, sus sonidos mágicos, que parecen venir de un mundo diferente, fueron el complemento ideal de un poema en el que las palabras solo dicen la mitad de lo que contienen. Aquí Debussy es completamente él mismo y completamente impresionista. Por medio de un recitativo melódico único soluciona el eterno problema operístico de la preponderancia de la poesía o de la música. El hecho de que ese recitativo pueda tener un efecto ligeramente monótono si no se le da una interpretación de alto nivel, no dice nada contra él. Con los interludios entre los diferentes cuadros, Debussy crea verdaderas obras maestras sinfónicas, cada una de las cuales refleja la situación anímica de los personajes.

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Ópera: Pelléas et Mélisande Ópera en cinco actos de Claude Debussy 28 de enero 15:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Paraguay | 13:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Pelléas et Mélisande, gran obra escénica de Claude Debussy, en producción del Aalto-Musiktheater Essen, con Jacques Imbrailo, Michaela Selinger, Vincent Le Texier, Doris Soffel y la Filarmónica de Essen, bajo la dirección de Stefan Soltesz.

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Johannes Brahms es representado en otra de sus grandes obras orquestales, la Sinfonía n.º

4, que interpretan de nuevo OSI y la batuta del director germano.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica.



Año: 2016.



El director alemán Markus Poschner [1971] ha sido aclamado como uno de los talentos más prometedores entre los directores de su generación. Recientemente ha sido nombrado director titular de la Orquesta Bruckner y la Opera Linz. En la temporada 2017/2018 destacan producciones de Die Frau ohne Schatten, Richard de Strauss y La Damnation de Faust, de Hector Berlioz, así como una gira por el Reino Unido con Bruckner Orchester Linz, además de diversas invitaciones con la Dresdner Philharmoniker, Radio Symphonie Orchestre Wien y Bamberger Symphoniker. En la temporada 2015/2016 se convirtió en el director general de la Orchestra della Svizzera italiana de Lugano. Poschner fue director general de música de la Filarmónica y la Ópera de Bremen entre 2007 y 2017. Bajo su dirección, la Orquesta y el Teatro dieron la bienvenida a nuevas audiencias y aumentaron la asistencia más allá de lo esperado, convirtiéndose en una de las instituciones musicales más exitosas de Alemania. De 2011 a 2014 fue director principal invitado de la Filarmónica de Dresde, donde dirigió un ciclo muy aclamado de




las sinfonías completas de Beethoven. Ganador del Premio de los directores alemanes en 2004, también ha ostentado el cargo de maestro de capilla del Komische Oper Berlin. De 2000 a 2006 fue director principal de la legendaria Georgian Chamber Orchestra en Ingolstadt, Alemania.

Como director invitado, Markus Poschner colabora frecuentemente con muchas orquestas de prestigio como la Staatskapelle de Dresden, la Orquesta Filarmónica de Munich, la Sinfónicas de Viena, Bamberg, de la Radio de Berlín, Stuttgart, Colonia y Copenhague, la Konzerthausorchester de Berlín, la NHK, la Orquesta Sinfónica Metropolitana de Tokio y la Orquesta Filarmónica de Montecarlo. Numerosos compromisos lo han llevado a las Óperas Estatales de Berlín, Hamburgo, Colonia, Zúrich y Frankfurt, así como a la Komische Oper de Berlín. Reconocido por sus impresionantes interpretaciones de Beethoven, Brahms y Richard Strauss, Markus Poschner convence a su público con un enfoque nuevo e ideas de programación únicas. En particular, su impresionante habilidad como pianista de jazz ha encendido la pasión por explorar aspectos desconocidos de la música y combinar estilos inesperados de música.

De Johannes Brahms (1833–1897), uno de los grandes maestros de la historia de la música alemana y uno de los referentes a nivel occidental dentro del Romanticismo, se interpreta la Sinfonía n.º 4 en Mi menor, Op.98, compuesta en el verano de 1884 durante su estancia vacacional en Mürzzuschlag. Durante una reunión celebrada en su casa en el

otoño de 1885 presentó al piano –junto con su amigo Ignaz Brüll– fragmentos de la obra. Entre los oyentes se encontraban Eduard Hanslick, Hans Richter, Theodor Billroth y Max Kalbeck, los cuales no acogieron la obra favorablemente. Especialmente no les gustaba la forma del Finale. Por ello la obra no se estrenó en Viena, como las anteriores, ni fue dirigida por Hans Richter. El estreno tuvo lugar en Meiningen el 25 de octubre de 1885, con la dirección del propio compositor con la Orquesta de la Meininger Hofkapelle. No obstante, la obra fue bien recibida por el público y Brahms realizó una gira por Alemania y Holanda dirigiendo la que fue su última sinfonía. Está considerada como su obra maestra sinfónica, caracterizada por el especial énfasis en la nota Do a lo largo de los cuatro movimientos, así como los encadenamientos de terceras que los violines tocan sigilosamente en el primer movimiento y que se van repitiendo a lo largo de la obra. La sinfonía está repleta de alusiones a varias de las composiciones de Beethoven. Para algunos esta obra se inspira en el drama shakesperiano Antony and Cleopatra, pues Brahms había estado ensayando en una producción de esta obra no mucho antes de ponerse a componer la Cuarta Sinfonía.

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Sinopsis: Markus Poscher y la Orquesta de la Suiza italiana se unen una vez más al genio de Johannes Brahms, en la exquisita versión de su Sinfonía n.º 4, el hito sinfónico más monumental del extraordinario compositor germánico.










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