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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2016

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Destacados de Programación – Mayo 2016



Destacados de Programación Mayo 2016

CONCIERTO – Festival de Lucerna: Simon Rattle dirige las tres últimas sinfonías de Mozart – 3 de abril – Pág. 3

CONCIERTO – Puro Schumann: los conciertos a solo – 4 de mayo – Pág. 5

CONCIERTO – Duran Duran: Diamond in the Mind – 6 de mayo – Pág. 7

CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Conciertos para piano de Mozart –

Estreno 7 de mayo – Pág. 9

ÓPERA – Carmen: ópera en cuatro actos de Georges Bizet – Estreno 7 de mayo – Pág. 11

ÓPERA – Don Carlo: ópera en cinco actos de Giuseppe Verdi – 8 de mayo – Pág. 13

ÓPERA – Turandot: ópera en tres actos de Giacomo Puccini – 12 de mayo – Pág. 15

BALLET – Mats Ek: Julia & Romeo – 12 de mayo – Pág. 17

CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Sinfonías de Mozart – Estreno 14 de mayo – Pág. 19

CONCIERTO – Sinfonía n.º 6 de Anton Bruckner: Daniel Barenboim y Orquesta Estatal

de Berlin – Estreno 14 de mayo – Pág. 21

DOCUMENTAL – Gran Alma – 15 de mayo – Pág. 23

CONCIERTO – Rolando Villazón canta arias de Händel – Estreno 15 de mayo – Pág. 25 ÓPERA – La nozze di Figaro: ópera en cuatro actos de Wolfgang Amadeus Mozart – 21

de mayo – Pág. 27

CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Shostakovich & Tchaikovsky – Estreno 21 de mayo – Pág. 29

CONCIERTO – Anne-Sophie Mutter interpreta Mozart: Sonatas para violín y piano I –


CONCIERTO – Claudio Abbado y la Joven Orquesta Simón Bolívar de Venezuela – 25 de mayo – Pág. 33

ICONOS – Pat Metheny Group: The Way Up Live – 27 de mayo – Pág. 35

CONCIERTO – Sinfonía n.º 7 de Anton Bruckner: Daniel Barenboim y Orquesta Estatal

de Berlin – Estreno 28 de mayo – Pág. 37

ÓPERA – La flauta mágica: ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart – Estreno 29 de mayo – Pág. 39

CONCIERTO – Anne-Sophie Mutter interpreta Mozart: Sonatas para violín y piano II –




El mejor epílogo posible a una vida de genio, las tres últimas sinfonías de Wolfgang

Amadeus Mozart son el testimonio más fascinante de su creación sinfónica.

Género: Concierto, música clásica, música sinfónica.

Director: Simon Rattle.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Berlín.

Año: 2013.

Lugar: KKL Lucerna.

Duración: 100 minutos.

La que para muchos es la mejor orquesta sinfónica del mundo visita el Lucerne Festival,

de la mano de su director titular Simon Rattle –actualmente se ha procedido al proceso de

su sustitución– y de las tres últimas grandes piezas puramente sinfónicas de Wolfgang Amadeus Mozart [1756-1791]: las sinfonías n.º 39, 40 y 41. Compuestas todas en el verano vienés de 1788, se trata de algunas de las obras más geniales del catálogo mozartiano, que emergen, sin embargo, en un período vital protagonizado por las estrecheces económicas y una situación personal complicada. Se trata realmente de obras que se complementan, a pesar de que las poseen características realmente personales y definitorias per se. Si bien no se conocen los impulsos que llevaron a Mozart a la

composición de tres piezas de este calibre en un lapso temporal tan corto –lo que llevó a algunos a recurrir al pensamiento romántico de la búsqueda de una conclusión grandiosa

de su legado sinfónico–, no es descabellado pensar que pudieran tratarse de obras compuestas para ser interpretadas en concierto, a pesar de que parece que esto nunca llegó a producirse. La Sinfonía n.º 39, en Mi bemol mayor KV 543, compuesta en junio, se

Concierto: Festival de Lucerna Simon Rattle dirige las tres últimas sinfonías de Mozart 3 de mayo 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador



concibe para una plantilla de violines I/II, viola, violonchelo, contrabajo, flauta travesera, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas y timbales, estructurándose en torno a cuatro movimientos. Es la única de sus tres últimas sinfonías en la que su primer movimiento presenta una introducción lenta, característica que sin embargo sí que coincide con lo utilizado en sus dos sinfonías anteriores «Linz» y «Prague». Es una obra realmente interesante, mixtura exquisita entre la solemnidad barroca y el drama prebeethoveniano, con uso trascendente del cromatismo y una gran presencia de los instrumentos de viento metal y los timbales. La Sinfonía n.º 40, en Sol menor KV 500, contiene la siguiente plantilla: violines I/II, viola, violonchelo, contrabajo, flauta travesera, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes y 2 trompas, y se estructura en cuatro movimientos. Mozart trabaja aquí de manera obsesiva sobre un elemento en particular: la tonalidad de Sol menor. De tal forma, esta obra puede observarse casi como si de un estudio sobre la tonalidad se tratase. En la música de Mozart algunas tonalidades concretas son asociaciones claras con expresiones y sentimientos.

Así, si Re mayor es la tonalidad de la fatalidad –se demuestra claramente en el uso recurrente en obras como su Requiem, su Concierto para piano KV 466, su Kyrie KV 341 o

en Don Giovanni–, Sol menor –que se encuentra en obras como su Sinfonía KV 183, su

Cuarteto con piano KV 478 o su Quinteto de cuerda KV 516– apela a un sentido mayor del drama y especialmente a la soledad existencial del individuo, lo que explica la carencia en la instrumentación de esta sinfonía de las trompetas y los timbales.

La última de sus sinfonías, la n.º 40, en Do mayor KV 551, que lleva por título «Jupiter», también se estructura en cuatro movimientos y en ella la tonalidad también juega un papel importante, si bien aquí no únicamente expresivo, sino también simbólico. Compuesta para violines I/II, viola, violonchelo, contrabajo, flauta travesera, 2 oboes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas y timbales, el Do mayor aporta luminosidad y una visión dominada por el uso de los motivos desarrollados a lo largo de toda la obra. Su Molto allegro, uno de los más impactantes de toda su producción, y nos muestra al mejor Mozart, alejado, no obstante, de la tempestuosa creación por impulsos de Beethoven. Estamos ante una visión distinta, pero igualmente genial.

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Concierto: Festival de Lucerna Simon Rattle dirige las tres últimas sinfonías de Mozart 3 de mayo 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador

Sinopsis: La relación entre la Orquesta Filarmónica de Berlín y el Festival de Lucerna es una de las más estrechas y fructíferas de cuantas se recuerdan. En este concierto nos presentan las tres últimas sinfonías de Wolfgang Amadeus Mozart, que suponen sin duda alguna uno de los legados sinfónicos más impresionantes, pues se trata de las tres obras en las que toda su genialidad en el tratamiento orquestal se ve reflejada de manera brillante y condensada. Dejen que Simon Rattle y su excelente conjunto de instrumentistas les demuestren cómo han conseguido firmar una simbiosis director/orquesta que pasará a la historia.

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Una magnífica velada en compañía de tres conciertos a solo de Robert Schumann, tres solistas de auténtico lujo y una de las mejores orquestas historicistas del panorama.

Género: concierto, música clásica, música romántica, violín, violonchelo, piano.

Intérpretes: Isabelle Faust, Jean–Guihen Queyras, Alexander Melnikov.

Director: Pablo Heras-Casado.

Orquesta: Orquesta Barroca de Freiburg.

Año: 2014.

Lugar: Berlin Philharmonic Hall.


Desde que a mediados del pasado siglo XX se instaurase con fuerza un movimiento de

interés por aquello denominado música antigua –repertorio anterior a 1750–, que llevaba décadas movido de manera casi testimonial por algunos personajes aislados, este

movimiento historicista –o interpretación históricamente informada– ha ido creciendo de manera exponencial, de tal forma que actualmente es casi inconcebible escuchar una versión de repertorio barroco que no se encuentre bajo los preceptos del historicismo y se interprete con instrumentos originales o copias fidedignas de estos. Tal ha sido su desarrollo que las fronteras se han ido desvaneciendo de manera progresiva, y aquel criterio que se utilizaba únicamente hasta la música del Barroco, ha ido ampliando sus horizontes, llegando para algunos incluso hasta comienzo del siglo XX. El precepto principal que sustenta este movimiento es la interpretación lo más fidedigna posible al momento de la creación de la obra en sí, esto es, utilizando el instumentario de la época y la

manera de interpretar –en el sentido más amplio– que corresponde a cada momento.

Es por eso que conjuntos como el que protagoniza el presente concierto, la Orquesta Barroca de Freiburg, especializados en repertorio barroco, han ampliado sus fronteras de manera notable al Clasicismo y por ende al Romanticismo. Fundamentados en el estudio de las fuentes de la época pretenden reconstruir esa sonoridad más alejada de lo que puede parecer de la tradición postromántica que se instauró en la interpretación

Concierto: Puro Schumann Los conciertos a solo 4 de mayo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador



orquestal a finales del siglo XIX. Sin duda un concepto novedoso, extraño para los más acostumbrados a la sonoridad habitual de las orquestas sinfónicas, pero que se afana en presentar una visión diametralmente opuesta en cuanto a la sonoridad intrínseca y extrínseca de las obras de la segunda mitad del XVIII o la primera del XIX. De entre estos conjuntos, sin duda la Orquesta Barroca de Friburgo es uno de los más dotados, pues lleva desde hace años realizando una encomiable labor a este respecto, con una discografía extensísima que incluye numerosos registros dedicados a la obra de Mozart, Haydn o Mendelssohn, entre otros.

Robert Schumann (1810–1856), compositor alemán y crítico musical, se encuentra entre los más destacados de la historia musical del siglo XIX. Más recordado por su música para piano y sus canciones, además de por algunas de sus obras sinfónicas y de cámara, Schumann hizo contribuciones significativas a todos los géneros musicales de su época, cultivando también una serie de géneros nuevos. Su doble interés por la música y la literatura lo llevó a desarrollar una crítica de música históricamente informada y un estilo compositivo profundamente en deuda con los modelos literarios. Gran exponente del romanticismo musical, tuvo un fuerte impacto en las sucesivas generaciones de compositores europeos. De su enorme corpus compositivo se interpretan aquí tres ejemplos dentro del género del concierto, uno de los que menos desarrolló. Únicamente un ejemplo de concierto para violín y otro para violonchelo se han conservado de su catálogo, por lo que se trata de ejemplos sumamente relevantes para comprender la concepción de los mismos en su obra. De sus conciertos para piano, sin duda el más importante y acabado es el que aquí se interpreta, completando así el ciclo de sus tres conciertos a solo más importantes. Se completa el programa con un ejemplo de su escritura puramente sinfónica con la Ouvertüre, Scherzo und Finale Op. 52, probablemente su obra sinfónica más importantes tras las propias sinfonías. Un concierto que demuestra que el Romanticismo también posee otras manera de comprenderse, como se afana en demostrar el director español Pablo Heras–Casado, una de las figuras rutilantes en la escena de la dirección orquestal actual.

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Concierto: Puro Schumann Los conciertos a solo 4 de mayo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador

Sinopsis: ¿Puede una orquesta historicista interpretar Robert Schumann? Les invitamos a que lo descubran por ustedes mismos en este espectacular programa dedicado a tres conciertos a solo del compositor alemán, de la mano de tres de los mejores solistas que se pueden encontrar actualmente: la violinista Isabelle Faust, el violonchelista Jean–Guihen Queyras y el pianista Alexander Melnikov. Pablo Heras–Casado se pone al frente de la Orquesta Barroca de Freiburg para firmar una versión apabullante.

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La legendaria banda británica hace una histórica presentación de su gira All You Need is

Now en el Evening News Arena de Manchester.

Género: concierto, música popular urbana, new wave, dance rock, voz.

Intérpretes: Simon Le Bon, Nick Rhodes, John Taylor, Roger Taylor, Dom Brown, Simon Willescroft, Anna Ross, Dawne Adams.

Año: 2011.

Lugar: Manchester Arena.

Duración: 116 minutos. Ya son algo más de treinta y cinco años en que John Taylor y Nick Rhodes, arrancan, en su época de estudiantes en Birmingham, esta maravillosa aventura de un grupo que ha sobrevivido a las difíciles coyunturas que deben sortear las bandas de rock. Ya entonces para los 80’s queda conformado el grupo por Nick Rhodes, Simon Le Bon, su vocalista insignia y los Taylor (Roger, Andy y John) sin ningún parentesco, a pesar de su apellido común. Es en una película del francés Roger Vadim, Barbarella, protagonizada por Jane Fonda, donde ellos encuentran el nombre que identificará la banda, gracias al personaje villano del film, Dr. Duran Duran, interpretado por el actor Milo O’Shea. Ya cercanos a su cuarta década de su vida como grupo, Duran Duran ha experimentado las normales vicisitudes de una larga carrera, pero son sin duda un ejemplo de reinvención constante, de mezcla de recursos y de ningún temor a correr riesgos musicales y escénicos. Su decisión permanente de utilizar el video como parte esencial de sus actuaciones, ha sido uno de los motivos que garantizan la admirable supervivencia del grupo.

Iconos: Duran Duran Diamond in The Mind 6 de mayo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador



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Iconos: Duran Duran Diamond in The Mind 6 de mayo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador

Sinopsis: El concierto en Manchester marca sin duda la cima de su gira mundial en el 2011 y una muestra de permanente trabajo y experimentación de un grupo, que si bien se inscribe en la onda New Romantic del rock, con una marcada influencia de New Wave y Funk, encontró en los videoclips un look y estética definitivos para su arrollador éxito.

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La joven orquesta francesa interpreta algunos de los momentos concertísticos para piano más destacados del genio salzburgués.

Género: concierto, música clásica, piano.

Intérpretes: Kotaro Fukuma.

Director: Nicolas Krauze.

Orquesta: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe.

Año: 2014.

Lugar: Neuilly–sur–Seine (Concierto n.º 20); Francia (Adagio del Concierto n.º 23).


Poco o nada puede decirse hoy en día acerca de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), el genial compositor austríaco, sin duda uno de los mejores creadores en toda la historia de la humanidad. Su estilo compositivo representa esencialmente la síntesis de muchos elementos diferentes, que se fueron conformando en sus años vieneses, desde 1781 en adelante, en un lenguaje que ahora se considera como un hito del clasicismo vienés. Su música «madura», que se distingue por su belleza melódica, su elegancia formal y su riqueza de la armonía y la textura, está profundamente influida por la ópera italiana, aunque también enraizada en las tradiciones instrumentales de Austria y del sur de Alemania. A diferencia de Haydn, mayor que él en 24 años, y Beethoven, menor que él en 15, se destacó en todos los ámbitos y corrientes de su tiempo. Así, para muchos puede ser considerado como el compositor más universal en la historia de la música occidental.

Dentro de su inmenso y extraordinario corpus compositivo, los conciertos para piano y orquesta representan un total de 27 piezas compuestas entre 1767 y 1791. La estructura de estos conciertos suele conformarse de tres movimientos que siguen el esquema clásico: movimientos extremos rápidos que enmarcan un movimiento central lento. En cuanto a su forma, los primeros movimientos suelen estar compuestos en forma sonata, el segundo

Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Conciertos para piano de Mozart Estreno 7 de mayo 19:20 Argentina/Uruguay | 17:20 Ecuador



movimiento en forma sonata abreviada, mientras que el tercero suele ser un rondo. En sus conciertos para piano, Mozart exhibe una enorme habilidad técnica y un dominio completo de los recursos que ofrece la orquesta, creando un amplio abanico de afectos y emociones en la escritura solística, pero también en el tratamiento de la paleta orquestal. Sus conciertos presentan grosso modo un carácter improvisatorio y realmente virtuosístico, especialmente en los primeros movimientos, donde desarrolla todas las posibilidades técnicas del fortepiano de la época. En la actualidad, se considera que los conciertos para piano de Mozart constituyen la cumbre del concierto clásico y son los más influyentes, quizá junto a los cinco de Beethoven, en la historia del género. Tres de sus

conciertos para piano –que incluyen los nos. 20 y 23– se hallan entre las obras más grabadas y conocidas del repertorio clásico.

Los dos conciertos que protagonizan el presente recital se encuentran entre los considerados de su etapa de madurez, compuestos entre 1784 y 1786, que van desde el concierto n.º 14 hasta el n.º 25, lo que da buena muestra de la genialidad y la capacidad creativa del genio de Salzburg. El Concierto para piano y orquesta n.º 20 en Re menor, KV 466, fue compuesto en Viena el 10 de febrero de 1785 y se estrenó en esa misma ciudad al día siguiente. Es posible considerarlo como el más dramático de la producción mozartiana, pues con él desarrolla aspectos musicales y estéticos que posteriormente estarán presentes en su célebre ópera Don Giovanni, por ejemplo. Destaca a su vez por el uso del Re menor, tonalidad lúgubre que utiliza de manera realmente significativa en esta misma ópera o en su enigmático Requiem. A los pocos días después de ser estrenado, su padre, Leopold, visitó Viena y escribió en una carta a la hermana de Mozart, Nannerl, en la que daba buena cuenta del éxito de la obra. El mismísimo Beethoven admiraba este concierto, que solía interpretar durante su juventud, incluso escribió varias cadenzas para

el mismo –al igual Johannes Brahms–. El Concierto para piano n.º 23 en La mayor, KV 488, fue concluido el 2 de marzo de 1786, siendo uno de los tres conciertos por subscripción que ofreció esa primavera y probablemente fue interpretado por el propio Mozart. El segundo movimiento, interpretado aquí, es apasionado e incluso lírico, siendo uno de los más célebres de su catálogo.

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Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Conciertos para piano de Mozart Estreno 7 de mayo 19:20 Argentina/Uruguay | 17:20 Ecuador

Sinopsis: La Orquesta de Cámara Nouvelle Europe, bajo la dirección de Nicolas Krauze, les ofrece una velada de puro deleite, protagonizada por el pianista japonés Kotaro Fukuma, quienes interpretan el Concierto para piano n.º 20 y el hermoso Adagio del Concierto para piano n.º 23, ambas geniales obras del gran autor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart.

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Una de las óperas más célebres de la historia en producción desde la Ópera de Viena con

un fantástico plantel de solistas y la dirección de Andris Nelsons.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Nadia Krasteva, Anna Netrebko, Massimo Giordano, Ildebrando D’Arcangelo, Anita Hartig, Zoryana Kushpler, Alexandre Moisiuc, Adrian Eröd, Herwig Pecoraro, Tae Joong Yang; Coro de la Ópera estatal de Viena, Coro Infantil de la Ópera Estatal de Viena, Ballet de la Ópera Estatal de Viena; Franco Zeffirelli (dirección de escena y escenografía), Leo Bei (vestuario), Rafael de Córdoba (coreografía), Peter Grauer (iluminuación).

Director: Andris Nelsons.

Orquesta: Orquesta de la Ópera Estatal de Viena.

Año: 2010.

Lugar: Ópera Estatal, Wien.


Carmen es una ópera dramática en cuatro actos, compuesta por el célebre autor francés Georges Bizet (1838-1875) sobre libreto en francés de Ludovic Halévy y Henri Meilhac, que se basaron en la novela homónima escrita por Prosper Mérimée (1845), la cual probablemente está influida a su vez por el poema narrativo Los gitanos (1824) de Aleksandr Pushkin, el cual Mérimée conocía bien, pues lo tradujo al francés años después. Se estrenó en la Opéra-Comique de la capital parisina el 3 de marzo de 1875, aunque no gozó de críticas especialmente halagüeñas por parte de la mayoría de los críticos, lo que la lleva casi a ser retirada después de tan solo cinco representaciones, aunque finalmente se evitó y le facilitó su llegada hasta la nada desdeñable cifra de 48 representaciones en

Ópera: Carmen

Ópera en cuatro actos de Georges Bizet Estreno 7 de mayo 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador



su primera temporada, a pesar de que al final de la misma el propio teatro parisino regalaba pases con el fin de ayudar a atraer a un mayor número de oyentes. Bizet murió prematuramente ese mismo año, por lo que nunca llegó a conocer la popularidad real posterior de su gran obra maestra. Pocos meses después, en octubre de 1875, fue producida en Viena, obteniendo ya sí un gran éxito de público y crítica, lo que marcó el inicio de su inmensa popularidad en el continente.

Esta última ópera de Bizet no sólo transformó el género de la opéra comique tan popular en Francia, que había permanecido prácticamente inamovible desde finales del siglo XVIII, sino que sus modificaciones terminaron por aniquilar el género tal y como era conocido. En la segunda mitad del siglo XIX desapareció la tradicional y férrea diferenciación entre la ópera seria y la cómica, especialmente gracias a que Carmen alimentó un movimiento de mixtura intergéneros que iba a ganar muchos adeptos y notoriedad tanto en Italia como en Francia, además del resto de Europa. En cierta manera estaba naciendo el culto al realismo, conocido a posteriori como verismo. La historia está ambientada en Sevilla alrededor de 1820, y está protagoniza por una atractiva gitana con un carácter muy fuerte y complicado. Carmen decide seducir al cabo don José, un soldado inexperto, lo que desarrolla una serie de acontecimientos que van dando color a la historia. Este termina por amotinarse contra su superior y se une como desertor

a un grupo de contrabandistas. Cuando Carmen centra su atención en Escamillo –un torero

prototipo del español visto desde fuera–, los celos impulsan a don José a cometer el asesinato de Carmen. Es sin duda una historia trágica, que mezcla elementos populares con otros realmente duros realistas.

Carmen modificó decididamente la ópera francesa y se ha definido como la gran anticipación del verismo de la escuela operística italiana. Fue considerada por el filósofo alemán Friedrich Nietzsche como una respuesta más pasional y mediterránea a la estética wagneriana. Es desde hace décadas la ópera francesa más conocida e interpretada en todo el mundo. Carmen es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico estándar y aparece siempre entre las óperas más interpretadas en todos los teatros y temporadas de ópera del mundo. Se trata de una obra maestra, merced a la belleza de sus arias, su colorista y excelsa orquestación, la calidad de su libreto, el tratamiento psicológico de los personajes y el ambiente que rodea a la historia.

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Ópera: Carmen Ópera en cuatro actos de Georges Bizet Estreno 7 de mayo 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador

Sinopsis: Carmen es, a pesar de su extrema popularidad, una obra maestra que les invitamos a disfrutar en esta producción de la Ópera Estatal de Viena, que presenta un elenco vocal de espectacular nivel, encabezado por Nadia Krasteva, Anna Netrebko, Massimo Giordano e Ildebrando D’Arcangelo. La dirección corre a cargo del talentoso Andris Nelsons, en lo musical (Orquesta de la Ópera Estatal de Viena), y el experimentado Franco Zeffirelli, en lo escénico.

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Fantástica producción de la ópera más grandiosa del autor italiano, desde el Festival de

Salzburg.

Género: ópera, música clásica, música romántica, música vocal, belcanto.

Intérpretes: Jonas Kaufmann, Matti Salminen, Anja Harteros, Thomas Hampson, Ekaterina Semenchuk, Eric Halfvarson, Robert Lloyd, Maria Celeng, Sen Guo, Benjamin Bernheim, Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal del Viena; Peter Sein (dirección de escena), Ferdinand Wögerbauer (decorados), Annamaria Heinrich (vestuario), Lia Tsolaki (coreografía), Joachim Barth (iluminación).

Director: Antonio Pappano.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2013.

Lugar: Grosse Festpielhaus, Salzburg.

Duración: 235 minutos. Pocas óperas en la historia del género hay con la ambición, densidad y complejidad narrativa y dramática del Don Carlo de Giuseppe Verdi (1813–1907). Ópera en cinco actos, con libreto en francés de François Joseph Méry y Camille du Locle basado en Dom Karlos, Infant von Spanien, un drama alemán firmado por Friedrich von Schiller. Fue estrenada el 11 de marzo de 1867 en la Ópera de Paris. Fue precisamente este centro el que encargó a Verdi, como parte de una serie de actos que acompañarían la celebración de la Exposición Universal de 1867, una ópera con texto en francés. La ópera, tal como se publicó a la vez que su estreno, estaba conformada por la concepción original de Verdi, a excepción de una serie de recortes que él mismo realizó, contando además con la inclusión de un ballet, algo tan idiosincrásico de la ópera francesa.

Ópera: Don Carlo Ópera en cinco actos de Giuseppe Verdi 8 de mayo 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador



La primigenia versión francesa se dividió en cinco actos y su escritura se amolda al de la Grand Opéra francesa. En el estreno la acogida no fue especialmente buena, todo lo contario, pues se criticó con dureza que no cumpliese a priori con los cánones que toda obra estrenada en la capital gala debía cumplir, esto es: una irrenunciable estructura en cinco partes; no contener ningún diálogo prosaico, es decir, estar totalmente cantada y, por supuesto, contener un ballet en el tercer acto y no en otro. La temática era de por sí algo problemática para ser representada en Paris y eso pasó factura a la obra. El propio Verdi había encargado una traducción al italiano de la que se encargaría Achille de Lauzières, que ya en el otoño de 1866 estaba trabajando en ella. Para Verdi era muy importante que la obra en italiano tuviese una misma versión en cinco actos más un ballet, al igual que la Grand Opéra que había confeccionado. Dicha traducción al italiano se

presentó primeramente en el Real Teatro de Ópera Italiana, Covent Garden de London –hoy la Royal Opera House– el 4 de junio de 1867, donde se estrenó con algunas modificaciones. Para el estreno italiano habría que esperar hasta el 27 de octubre del

mismo año, realizada en el Teatro Comunale di Bologna el 27 de octubre de ese año –ahora sin alteraciones ni variaciones de ningún tipo–.

Don Carlo es la obra más política de Verdi, a la par que la más larga, pero también la más anticlerical. La política, pues de ella se trasluce el tema la aceptación de la monarquía parlamentaria frente a la perdida causa republicana; y la religiosa, pues hay profundas reflexiones sobre ella a lo largo de las cuatro horas de duración. Se trata de una obra de notable brillantez, aunque quizá no es un título operístico realmente redondo, no al nivel de otras de sus óperas. Buena parte del ello se debe a que su primera versión estuviera dirigida a Paris, un centro operístico cuyos requerimientos constreñían poderosamente a los autores que se consideraban artistas libres más que meros servidores de los gustos sociales trasnochados y superfluos. Aun con todo, hay en Don Carlo(s) un importante paso más en el desarrollo y el rigor con el que presenta la caracterización psicológica de los personajes. Además, el tratamiento orquestal continúa deparando descubrimientos y maravillosos efectos dramáticos. Por último, hay aquí un tratamiento vocal que podría decirse alcanza la madurez verdiana que continuará posteriormente.

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Ópera: Don Carlo Ópera en cinco actos de Giuseppe Verdi 8 de mayo 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador

Sinopsis: Acompáñennos al Festival de Salzburg en su edición de 2013 para disfrutar de la producción que Peter Stein y Antonio Pappano dirigen a la par. Cuenta con un plantel de solistas de primer nivel, encabezado por Jonas Kaufmann, Matti Salminen, Anja Harteros y Thomas Hampson. La ópera más ambiciosa de Verdi brindada de una forma magnífica.

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La inmortal obra del compositor italiano en la impecable presentación y el emplazamiento

único del Festival Chorégies d’Orange.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Lisa Lindstrom, Roberto Alagna, Maria Luigia Borsi, Marco Spotti, Chris

Merritt, Marc Barrand, Jean-François Borras, Florian Laconi, Luc Berin–Hugault, Virgine

Maraskin, Corinne, Parenti, Hyoung–Geoung You, Coro de la Gran Ópera de Avignon, Coro

de la Ópera de Niza, Coro de la Ópera de Tuolon, Coro de la Ópera de Tours, Ensemble

Vocal de Chorégies d’Orange, Escolanía de Bouches–du–Rhône.

Director: Michel Plasson.

Orquesta: Orquesta Nacional de Francia, Ensemble Instrumental de Chorégies d’Orange.

Año: 2012.

Lugar: Festival Chorégies d’Orange.


Ópera en tres actos compuesta por Giacomo Puccini (1858–1924) y estrenada de manera póstuma el 26 de abril de 1925 en La Scala de Milano. Se basa en el libreto en italiano de Giuseppe Adami y Renato Simoni, quienes realizaron la traducción de la obra homónima de Carlo Gozzi que fue recreada posteriormente por Friedrich Schiller. Puccini comenzó idearla en 1920, pero no fue hasta 1921 que comenzó a trabajar sobre su composición. La obra le llevó varios años, de tal forma que al sorprenderle la muerte la ópera quedó inconclusa, pero él mismo había planeado que Riccardo Zandonai la concluyese bajo sus

Ópera: Turandot Ópera en tres actos de Giacomo Puccini 12 de mayo 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador



precisas instrucciones. A pesar de ello su hijo Tonio se negó a que fuese este quien pusiera punto final a la obra, solicitando a Franco Alfano tal labor. La obra se estrenó bajo la dirección del gran Arturo Toscanini, quien en mitad del acto tercero, dos compases después de las palabras «Liù, poesía!», hizo a la orquesta detenerse para volverse al público y proclamar: «Qui il Maestro finí» («Aquí terminó el maestro»). El telón descendió lentamente. Para las posteriores representaciones se incluyó el final completo compuesto por Alfano. La ópera supone el testamento pucciniano, no solo por ser su última obra, sino por ser la más vanguardista de toda su producción. Para muchos con ella se fue no solo su autor, sino una forma de entender la ópera, el bel canto y el drama escénico, un último gran ejemplo de la ópera entendida como solo los italianos parecían poder hacer. Desde su estreno el éxito ha sido arrollador, convirtiendo a la ópera no solo en una de las más representadas del autor italiano, sino en una de las más interpretadas en toda la historia de la música. En el período de 2005 a 2010 esta ópera ha sido la cuarta en números de representaciones dentro de las óperas del propio Puccini, tras La Bohème, Tosca y Madama Butterfly. No obstante, durante muchos años la República Popular China prohibió la representación de Turandot, porque consideró que menospreciaba a China y a sus habitantes. Hacia finales de 1990 se reconsideró esta idea y en septiembre de 1998 se estrenó, estando en cartel durante ocho noches en la Ciudad Prohibida con opulentos escenarios y soldados del ejército como extras. Una breve sinopsis de los tres actos puede ser la siguiente: el exiliado príncipe Calaf, junto con su padre ciego Timur y su esclava Liú, llegan a Pekín. Allí descubren que una despiadada princesa llamada Turandot no acepta pretendientes y que todo aquel que reclame su mano debe superar una serie de enigmas. Cuando Calaf ve a la princesa queda prendado de ella y decide someterse a las pruebas. La princesa enuncia un enigma tras otro hasta tres, resolviéndolos Calaf sin problemas. Turandot, impotente, reclama a su padre el emperador piedad pero este no puede deshacer la promesa hecha por su hija. Viendo Calaf su actitud le propone que si averigua su nombre antes del alba, podrá ser ejecutado. Ya en el último acto Turandot moviliza a todo el pueblo para que averigüen el nombre del extranjero: ¡Que nadie duerma! (Nessun Dorma). Finalmente, Liú revela que es la única conocedora del nombre. Tras esto, coge la espada y se suicida. El pueblo queda conmovido por tal acto de amor e incluso Turandot. El frio escudo de la princesa cae y Calaf le revela su nombre. Al amanecer todos se reúnen en palacio y Turandot cuenta que conoce el nombre del extranjero. Su nombre es... Amor.

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Ópera: Turandot Ópera en tres actos de Giacomo Puccini 12 de mayo 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador

Sinopsis: Siéntense y disfruten de una de las óperas más célebres e intemporales que la historia de la música nos ha legado. Turandot, la historia de la hermosa pero cruel princesa china y de sus amores con Calaf. Una historia de amor y crueldad, de muerte y vida, que nos llega en la extraordinaria versión realizada por el Festival Chorégies d’Orange y que cuenta con un despliegue absoluto en puesta en escena y en los artistas que en ella intervienen, siendo los protagonistas las grandes voces de Lisa Lindstrom y Roberto Alagna. Un enclave único para una obra inmortal.

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La historia de amor más célebre de cuantas hayan existido contada desde una perspectiva novedosa y absolutamente contemporánea.

Género: ballet, música clásica, música romántica.

Intérpretes: The Royal Swedish Ballet; Mats Ek (coreografía), Anders Högstedt

(adaptación musical), Magdalena Ågberg (escenografía y vestuario).

Director: Alexander Polianichko.

Orquesta: The Royal Opera Orchestra.

Año: 2013.

Lugar: Opera House, Stockholm.


Mats Ek [1945] es un célebre bailarín, corógrafo y director de escena sueco, uno de los más destacados en la Europa de finales del siglo XX, manager del Culberg Ballet desde 1985 hasta 1993. Desarrolló una importante carrera como bailarín a la que siguió, como suele ser habitual, su carrera como coreógrafo y director, con la que ha conseguido alcanzar cotas realmente altas a nivel artístico. Algunos de sus trabajos han sido muy destacados, siendo especialmente considerado como un gran adaptador de obras, encontrando en su carrera hitos como Giselle (1982), Swan Lake (1987), Carmen (1992), Don Giovanni (1999) o Andromaque (2001).

Presenta aquí una de sus últimas creaciones, en la que vuelve a la adaptación, esta vez con Julia & Romeo, una clara adaptación y una novedosa visión de clásico literario de William Shaespeare, Romeo & Juliet. Transcurridos cuatrocientos años del estreno del original, Ek decide que es el momento de darle la vuelta al título y mirar la trama desde

Ballet: Mats Ek Julia & Romeo 12 de mayo 17:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Ecuador



una perspectiva ligeramente diferente. Una de las historias en que Shakespeare basó su obra, escrita a mediados de la década de 1590, fue The Tragedy of Juliet and Romeo, traducido del italiano al inglés un año antes. La finalidad es clara: volver a la fuente; ¿o se trata de otra asumir la vieja historia sobre el poder subversivo del amor que se construye en nuestro banco de genes cultural?

Es una historia romántica ambientada en una sociedad brutal donde el conflicto entre las personas y el poder es cruento. El amor, el odio y los celos... todo está toma por Mats Ek en este clásico que resulta refrescantemente divertido, pero notablemente triste al mismo tiempo. El ballet tiene lugar en una ciudad en crisis, una urbe que destaca por sus tonos grisáceo y negro. La escenografía requiere un escenario vacío donde todas las paredes son de color negro. Tres paredes son la única escenografía en el escenario, que van cambiando por los bailarines y los ayudantes para crear diferentes ambientes y formas. Mats Ek, un maestro en la reinterpretación de los grandes clásicos en la danza contemporánea dice al respecto de su obra: «Todos las grandes historias a través del tiempo deben ser revisadas para que sean significativos en nuestro tiempo.» La música utilizada para la adaptación es una es una selección de piezas de Piotr Illich Tchaikovsky que incluye extractos de la Patética, la Sinfonía Manfred, el Capricho italiano o su Concierto para piano, entre otras. Anders Högstedt es el encargado de adaptar y arreglar estas piezas de tal forma que sirvan específicamente a los requerimientos de este ballet.

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Ballet: Mats Ek Julia & Romeo 12 de mayo 17:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Ecuador

Sinopsis: Quédense con nosotros para disfrutar de la adaptación que el coreógrafo sueco Mats Ek realiza de este clásico en la historia de las relaciones amorosas. Julia & Romeo presenta una novedosa visión que cuenta la historia, pero al revés. Descubran de qué manera lo hace junto al Royal Swedish Ballet y una adaptación musical sobre obras de Piotr Illich Tchaikovsky.

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El excelente conjunto francés continúa su viaje por la creación instrumental del genial

compositor austríaco, ahora con dos de sus mejores sinfonías.

Género: concierto, música clásica, música sinfónica.



Año: 2014-2015.

Lugar: Paris (Sinfonía n.º 40); Neuilly-sur-Seine (Sinfonía n.º 36).


La producción musical de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) es absolutamente inmensa y genial en cualquiera de los repertorios que se estudien con detenimiento. Si hablábamos en otro de nuestros programas de que sus conciertos para piano son quizá los más importantes e influyentes de la historia de la música occidental, no menos supone su corpus puramente sinfónico. Este cubre un intervalo de 24 años, desde 1764 hasta el 1788, para albergar un catálogo poblado por 41 sinfonías de una calidad realmente fascinante y que son, junto a las de Franz Joseph Haydn, el ejemplo más numeroso y brillante en toda la historia del género. No obstante, son varios los estudiosos que creen que el número total de sus sinfonías podría llegar hasta las 68 obras, aunque únicamente estas 41 están catalogadas y atribuidas con total certeza. Dentro de su corpus sinfónico se pueden encontrar diversas etapas: sinfonías de infancia o juventud (1764-1761; nos. 1-13); sinfonías de Salzburg (1771-1777; nos. 14-30); sinfonías de madurez (1778-1786; nos. 31-38); últimas sinfonías (1778; nos. 39-41). Se pueden encontrar dos modelos básicos dentro de su producción: las sinfonías de juventud, compuestas en tres movimientos,

Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Sinfonías de Mozart Estreno 14 de mayo 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador



tomando como modelo la obertura italiana, que posteriormente añaden otro movimiento, normalmente un minuetto; las sinfonías Salzburg y de madurez, basadas ya en el habitual modelo de cuatro movimientos, siendo el primero y último normalmente una forma

sonata –el cuarto puede ser también un rondo–, el segundo un movimiento de carácter lento más delicado y con una sonoridad más reducida, mientras que para el tercero se reserva el habitual minuetto con su respectivo trío central.

La Sinfonía n.º 36 en Do mayor, KV 425, intitulada como Linz, fue compuesta en 1783. Ese mismo verano Mozart se traslada de Viena a Salzburg, a casa de su padre Leopold, parece que con la intención de mejorar las tensas relaciones entre su reciente mujer, Constanze Weber, y su padre, aunque esto no tuvo mucho éxito, por lo que en octubre deciden volver a la capital austríaca. Durante su viaje la pareja hizo parada en Linz, un 30 de octubre. Allí fueron bien atendidos, e incluso Mozart fue invitado a dar el 4 de noviembre un concierto público en el teatro de la ciudad. El compositor, ya que estaba en un período de descanso, no llevaba consigo ninguna partitura, por lo que tuvo que improvisar algo y componerlo para la ocasión. Por supuesto, dada la genialidad mozartiana, para el día del estreno la sinfonía estaba convenientemente concluida y con

las particelle –cada una de las partes de los diversos instrumentos para poder ejecutarlas– correctamente. Es muy probable que fuera estrenada sin tener tiempo para poder ser ensayada convenientemente. A pesar de la rapidez con que vio la luz, esta es una de sus sinfonías más celebradas e interpretadas.

La última de sus sinfonías, la n.º 41 en Do mayor, KV 551, que lleva por sobrenombre el de Jupiter, fue compuesta en el verano de 1788, al igual que las otras dos sinfonías que suponen el gran resumen a toda su creación sinfónica. También se estructura en cuatro movimientos y en ella la tonalidad juega un papel importante, si bien aquí no únicamente expresivo, sino también simbólico. El Do mayor aporta luminosidad y una visión dominada por el uso de los motivos desarrollados a lo largo de toda la obra. No se sabe si fue estrenada en vida del compositor. Al parecer fue Johann Peter Salomon quien dio a esta sinfonía el sobrenombre de Júpiter, con lo que quiso probablemente resumir en una palabra el carácter triunfal, generoso y solemne de esta sinfonía. El movimiento final, Molto allegro, es uno de los más impactantes de toda su producción, y nos muestra al mejor Mozart, alejado, no obstante, de la tempestuosa creación por impulsos de Beethoven. Estamos ante una visión distinta, pero igualmente genial.


Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Sinfonías de Mozart Estreno 14 de mayo 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador

Sinopsis: Continuamos con la andadura de la Orquesta de Cámara Nouvelle por la obra de Wolfgang Amadeus Mozart. Esta vez le invitamos a disfrutar de dos de sus grandes sinfonías, la n.º 41, Jupiter, y la n.º 36, Linz. Nicolas Krauze se pone al frente de su joven orquesta para ofrecer una velada puramente sinfónica de gran altura.








Continuamos con el hito que Daniel Barenboim firma al frente de su orquesta

berlinesa, la interpretación de las seis últimas sinfonías de Bruckner.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica.

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.

Año: 2010.

Lugar: Philharmonie, Berlin.


Anton Bruckner (1824-1896) es un compositor austríaco, una de las figuras más innovadoras de la segunda mitad del siglo XIX, que es recordado principalmente por sus sinfonías y composiciones sacras. Su música hunde sus raíces en las tradiciones formales de Ludwig van Beethoven y Franz Schubert, pero pasadas por el tamiz armónico y de la orquestación wagneriana. Hasta el final de su carrera su reputación se basaba principalmente en sus habilidades de improvisación en el órgano, hasta que se ha ido descubriendo y respetando como uno de los sinfonistas de mayor talento, no solo en el Romanticismo y Postromanticismo, sino en toda la historia de la música occidental. Destacado maestro, fue responsable de hacer llegar el sistema de contrapunto ideado por Simón Sechter a una toda generación de estudiantes vieneses. Fue en Linz donde consiguió

Concierto: Sinfonía n.º 6 de Anton Bruckner Daniel Barenboim y Orquesta Estatal de Berlin Estreno 14 de mayo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador



el puesto de maestro de órgano de su catedral, el lugar en el que se acercó con mayor intensidad a la obra de Ludwig van Beethoven y Richard Wagner, que le reveló un universo expresivo que nunca habría imaginado. A partir de su primer sinfonía (1866) Bruckner fue creando un estilo definido y personal que se centraba quizá más en una

mirada hacia el futuro o al menos no tan anclada en la tradición clásica –en la que se

había educado, como se observa en sus composiciones previas especialmente las corales–. Sus sinfonías, incomprendidas en su tiempo, expresan el amor a la naturaleza y la profunda fe del compositor, y componen una síntesis extraordinaria entre la armonía romántica más avezada y la tradición contrapuntística más severa, la cual ejerció una profunda influencia en un autor de importancia fundamental a posteriori como fue Gustav Mahler.

Su Sinfonía n.º 6, en La mayor está formada por cuatro movimientos y fue compuesta entre el 24 de septiembre de 1879 y el 3 de septiembre de 1881, siendo dedicada a su mecenas, el Dr. Anton Van Ölzelt-Newin. Aunque posee muchos rasgos característicos de las sinfonías del autor, difiere en algunos aspectos del grueso de su producción. Algunos estudiosos, como Redlich, han ido más allá para señalar la ausencia de huellas del estilo bruckneriano en la composición de su Sexta, explicando así el poderoso desconcierto surgido entre la crítica y el público en el estreno de la misma. Para Robert Simpson aunque esta no es la más interpretada de sus sinfonías y ha sido considerada en múltiples ocasiones como la más floja de sus sinfonías «maduras», no solo evoca una inmediata sensación de rica y expresiva individualidad, sino que posee unos temas excepcionalmente bellos, con armonías que contienen momentos audaces y al mismo tiempo sutiles, además de una orquestación que es probablemente la más imaginativa que Bruckner ideó jamás, mostrando un dominio de las formas clásicas que llegó a impresionar incluso a Johannes Brahms.

En el momento en que Bruckner comenzó la composición de la Sexta, únicamente tres de sus sinfonías habían sido editadas e interpretadas ante el público. Además, el reciente y catastrófico estreno de la Tercera no auguraba nada bueno. La composición de la Cuarta marcó el inicio de lo que algunos han dado en llamar la «Tetralogía Mayor», formada por las sinfonías con tonalidades mayores, la cual le ocupó una década entera. La composición del Quinteto de cuerda y de la Sexta Sinfonía supuso su entrada en un nuevo período composicional dentro de la etapa de la «Tetralogía Mayor». De cualquier modo, esta Sexta mantiene fuertes y profundos lazos con la Cuarta y la Quinta, estando considerada como la respuesta reflexiva y humanística a estas dos que la preceden. Las críticas recibidas fueron similares a las obtenidas por las sinfonías precedentes. Mientras que Bruckner la consideraba «su sinfonía más atrevida», el resto del mundo parecía no tener la misma estima por ella.

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Sinopsis: Sigan disfrutando de un viaje maravilloso por uno de los corpus sinfónicos más fascinantes del siglo XIX, el de las sinfonías «maduras» de Anton Bruckner, sus seis últimas sinfonías, de la mano magistral de Daniel Barenboim al frente de la Orquesta Estatal de Berlin.

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Una de las mujeres más fascinante en la historia de la música clásica. La historia de la

mujer detrás del hombre Mahler narrada por primera vez en documental.

Género: documental, música clásica, postromanticismo.

Director: Susanne Freund.

Año: 2007.


Alma Mahler-Werfel siempre ha sido considerada como una persona muy ambigua en el siglo pasado. Por un lado una devoradora de hombres extrovertidos, por otro una musa contemporánea muy respetada. Sin embargo, su verdadero mundo interior sigue siendo desconocido. Compositora austriaca, hija del paisajista vienés Emil Schindler, estudió música con Labor y tomó lecciones de composición con Zemlinsky. En 1902 se casó con Gustav Mahler, entonces director de la Viena Hofoper, después de haber aceptado a abandonar sus aspiraciones de composición. Su matrimonio complejo y a menudo infeliz –Mahler era casi 20 años mayor que ella– duró hasta su muerte en 1911; de sus dos hijas solamente Anna Mahler, la escultora, sobrevivió. Una crisis matrimonial en 1910 impulsó a Mahler a publicar cinco de las Canciones de Alma; otras colecciones aparecieron en 1915 y 1924, año en el que publicó su influyente edición de las cartas de Mahler y el manuscrito del facsímil de su Décima Sinfonía. Para entonces se había casado y divorciado el arquitecto Walter Gropius –una hija, Manon, murió en 1925–. En 1929 se casó con el poeta y novelista Franz Werfel, con quien posteriormente huyó de la Austria nazi, a través de Francia, a los Estados Unidos, a donde llegó en 1940. En California, Alma se convirtió en una influyente anfitriona de la emigración europea, manteniendo un parecido estilo de vida en Nueva York incluso después de la muerte de Werfel en 1945. Murió en 1964 y fue enterrada junto a su hija Manon en Grinzing, cerca de Viena. Escritos autobiográficos de Mahler-Werfel documentan coloridamente la historia de una nueva mujer fuertemente inspirada por

Documental: Gran Alma 15 de mayo 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Ecuador



Nietzche en la década de 1890, que posteriormente profesaba simpatía por Mussolini y ciertos fascistas alemanes –excepcto Hitler–, cuyo antisemitismo se ve afectado por compartirlo con la angustia de sus amigos judíos y su marido Werfel.

Big Alma [Gran Alma o Alma grande] es el primer documental centrado de manera exclusiva en la vida de Alma Mahler-Werfel y que se detiene en comentar aspectos sobre su supuesto estilo de vida infame. Numerosas entrevistas con testigos contemporáneos de todo el mundo acompañan a la historia de su vida, fundamentalmente impulsada por el deseo de convertirse en compositora, algo inusual en le época y un sueño socialmente no aceptado en la Centroeuropa de comienzos del siglo XX. La trágica historia de Alma María Mahler, nacida Schindler, viuda Mahler, divorciada Gropious y otra vez viuda Werfel, supone un viaje fascinante por un siglo claramente patriarcal, en el que surge la figura de esta mujer, una figura controvertida y misteriosa a partes iguales.

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Documental: Gran Alma 15 de mayo 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Ecuador

Sinopsis: Es habitual esa frase que dice «detrás de un hombre siempre hay una gran mujer». La historia de la música occidental está plagada casos como este, aunque lamentablemente muchos de ellos ido cayendo en el olvido. Descubran con nosotros la historia de Alma Mahler, la mujer que se esconde tras la figura del gran Gustav Mahler, al que inspiró e influyó poderosamente. Descubrirán una relación tremendamente compleja que marcó sus vidas.

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El célebre tenor mexicano se embarca en un viaje al mundo barroco, acompañado

por una de las formaciones historicistas más experimentadas de Gran Bretaña.

Género: ópera, oratorio, música clásica, música barroca.

Intérpretes: Rolando Villazón, Rebecca Bottone, Timothy Travers-Brown.

Director: Paul McCreesh.

Orquesta: Gabrieli Players.

Año: 2008.

Lugar: Iglesia de San Pablo, Deptford.


Pocos compositores hay de la importancia e influencia posterior que Georg Friedrich Händel (1685-1759). El autor alemán, nacido en Halle, desarrolló una intensa y brillante carrera que le llevó primero a Italia y finalmente a Inglaterra. Considerado por muchos un compositor inglés, y por otros como un compositor italiano que nació en Alemania y trabajó en Inglaterra, la verdadera cuestión es que su corpus compositivo es uno de los más poderosos de cuantos se pueden encontrar entre los autores del Barroco. A pesar de ser reconocido constantemente como uno de los autores más grandes de su época, su reputación tras su muerte y hasta a principios del siglo 20 se basaba en gran medida en el conocimiento de un pequeño número de obras orquestales y oratorios, su Mesiah en particular. Sin embargo, contribuyó de manera absolutamente decisiva a todos los géneros musicales de su tiempo, tanto vocales como instrumentales. La composición de óperas, principalmente sobre libretos italianos, dominó la primera parte de su carrera y le ayudó a establecerse en Inglaterra. En sus últimos años su compromiso con las obras vocales a gran escala, por lo general con un elemento dramático fuerte, encontró una salida más individual en el oratorio Inglés, un género que él inventó y estableció como nunca

Concierto: Rolando Villazón canta arias de Händel Estreno 15 de mayo 20:45 Argentina/Uruguay | 18:45 Ecuador



antes ni después se ha vuelto a concebir. Es en sus óperas donde Händel alcanza el rol de dominador de la Europa barroca tardía, a pesar de que tuvo que competir de manera feroz con otros autores de gran talento, entre ellos algunos italianos radicados en London, pero también con la creación de autores franceses o los italianos residentes en sus respectivos países. Son estas, muestra de su inmensa capacidad creativa, de su exquisitez a la hora de escribir para la voz y de su excepcional tratamiento orquestal, contando muchos de los instrumentos de la orquesta con pasajes simplemente antológicos dentro de la literatura de las óperas händelianas. Dentro de las formaciones de corte historicista de Gran Bretaña, Gabrieli Consort & Players, que fue fundada en 1982 por su director, Paul McCreesh, es una de las más destacadas y experimentadas. Ha desarrollado una extensa labor como conjunto vocal e instrumental, centrando su atención tanto en obras del Renacimiento y el Barroco, como en repertorios posteriores que albergan hasta el Romanticismo. Es especialmente destacable su atención a autores policorales venecianos de finales del Renacimiento como

los Gabrieli –de quienes toma su nombre–, además de su querencia hacia las obras sacras de Johann Sebastian Bach y los oratorios del propio Händel.

Por su parte, el tenor mexicano Rolando Villazón es un artista de gran expresividad sobre el escenario, que se dio a conocer en el Certamen Internacional Operalia, organizado por Plácido Domingo, figura con la que siempre se le ha comparado. Formado desde joven en el mundo musical, fue en 1990 cuando inicia su formación operística, de la mano de Arturo Nieto. Desde entonces se ha ido formando y desarrollando una carrera musical en aumento, que sin duda sufrió un gran espaldarazo con el segundo premio en Operalia. A partir de ese momento su presencia en los teatros de ópera y auditorios más importantes del mundo ha sido permanente. Es uno de los tenores más solicitados, como atestiguan el número de roles protagonizados, además de su intensa actividad discográfica. Como resultado de su apretada agenda, ha tenido que llevar a cabo algunos descansos, especialmente desde 2007. El presente recital presenta algunos de los recitativos y arias más exquisitos del catálogo del autor germano-británico, extraídos de títulos operísticos como Serse, Rodelinda, Tamerlano y Ariodante, a lo que sumar obras instrumentales extraídas de obras como la Música acuática [Water Music] o la célebre Llegada de la Reina de Saba de su oratorio Solomon.

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Concierto: Rolando Villazón canta arias de Händel 20:45 Argentina/Uruguay | 18:45 Ecuador

Sinopsis: Disfruten con este fantástico programa de una selección de las arias más exquisitas de quien es uno de los mejores exponentes de la ópera y el oratorio durante el siglo XVIII. El gran Rolando Villazón se acompaña aquí de la soprano Rebecca Bottone y el contratenor Timothy Travers–Brown para embarcarse en una hermosa travesía por la obra de Georg Friedrich Händel, por sus óperas, oratorios y piezas instrumentales. La base orquestal la proporcionan los Gabrieli Players de Paul McCreesh.

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El tradicional concierto de apertura de este fantástico festival de la mano de la

Filarmónica de Viena, bajo la dirección del gran maestro francés.

Género: ópera, música clásica, opera buffa.

Intérpretes: Dorothea Röschmann, René Pape, Roman Trekel, Emily Magee, Patricia Risley, Peter Schreier, Mark Hastings; Coro de la Ópera Estatal de Berlin; Thomas Langhoff (director de escena), Herbert Käpplmüller (escenografía), Yosio Yabara (vestuario).



Año: 1999.

Lugar: Ópera Estatal, Berlin.


Las óperas de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) se encuentran, por méritos propios, entre lo más granado de la historia de la música occidental. Son muchos los aspectos que dan pábulo a esta genialidad creadora. Son de especial interés los títulos compuestos con la inestimable ayuda del libretista Lorenzo da Ponte (1749–1838), una de las luminarias de la creación textual para la ópera del momento, que firmó junto a Mozart probablemente la trilogía operística más destacada de la historia: Le nozze di Figaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1789). Le nozze di Figaro se estrenó en Viena el 1 de mayo de 1786, justo tres años antes de que estallara la Revolución Francesa. A esto hay que añadir que el libreto de da Ponte se basaba en Le Mariage de Figaro, obra del

Ópera: La nozze di Figaro Ópera en cuatro actos de Wolfgang Amadeus Mozart 21 de mayo 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador



francés Pierre-Augustin de Beaumarchais (1732-1799) que se considerada realmente subversiva, hasta tal punto que había sido prohibida en gran parte del continente, por lo que no hemos de extrañarnos ante la visión que se tiene de esta ópera como la representación de la caída de una aristocracia degenerada (el conde de Almaviva) y la ascensión de las clases populares (Figaro).

El título de la obra, La jornada loca, o La boda de Figaro, ayuda a disminuir el aspecto «político» de la obra. Dentro de la tradición de la commedia dell’arte, los sirvientes siempre consiguen dar su merecido a sus lascivos amos y las mujeres siempre demuestran ser más listas que los hombres. Pero se mantiene con precaución la manera de mostrarlo. Esto es aún más claro en lo que se refiere al libreto operístico, en el que da Ponte ha eliminado con sumo cuidado aquellos elementos más problemáticos del texto de Beaumarchais, del tal forma que tanto la obra de teatro como la ópera se pueden ver como un pequeño drama doméstico que tiene lugar en un remoto palacio español, por lo que la Revolución queda muy lejos. Varios aspectos atraían a Mozart: su abundante comicidad, ingeniosos juegos de palabras, humor visual basado en un ágil movimiento escénico, y un enorme potencial musical. Mozart, configura la ópera para nueve cantantes, con dos de ellos doblando personajes, y un pequeño coro, además de una orquesta habitual provista de violín I/II, viola, violonchelo, contrabajo, 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas, clave y timbales. A cada uno de los cantantes le correspondía un número determinado de arias solistas dependiendo de su rango en la obra, lo cual explica en parte la sobreabundancia de dichas arias en el último acto. Del mismo modo parece que la compañía del Burgtheater trabajaba bien en equipo y podía cantar con solvencia los números de conjunto, una de los verdaderos puntos fuertes de la obra. En esta obra Mozart es capaz de mostrar todo lo que ha aprendido gracias a la composición de sinfonías, conciertos y cuartetos. Su gran dominio del contrapunto nos retrotrae a sus seis cuartetos «Haydn», que le permitía combinar líneas musicales contrastadas para obtener una determinada caracterización dramática. Su talento con el manejo de las dinámicas de la forma sonata parece ayudarle a la hora de hacer uso de la disonancia tonal que reflejara los diferentes giros argumentales. Los tríos del primer y segundo acto, los finales del segundo y cuarto, y el fantástico sexteto del tercero dan probadas muestras de una nueva concepción de los números de conjunto, quizás el aspecto más fascinante e intemporal de la obra. La obra está repleta de detalles teatrales y hace gala de un ritmo dramático extraordinario. Se sirve también de manera muy lograda de la música de baile, tanto de los nobles minuetos con los que los sirvientes desafían a sus amos, como del fandango que puntea el final del tercero. Le nozze di Figaro es, sin ninguna duda, un ejemplo magnífico de comedia musical en el más alto sentido del término.

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Ópera: La nozze di Figaro Ópera en cuatro actos de Wolfgang Amadeus Mozart 21 de mayo 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Ecuador

Sinopsis: Le nozze di Figaro mozartiana es sin duda uno de los títulos de mayor relevancia en la historia del género operístico, por diversas razones. Les invitamos a descubrirlas todas en esta producción alemana que corre a cargo en la dirección de escena de Thomas Langhoff y la musical de Daniel Barenboim, que acompañan a un plantel de solistas de auténtico lujo, protagonizado por Dorothea Röschmann, René Pape y Roman Trekel.

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La joven agrupación orquestal francesa se pone al servicio de dos de los más

trascendentales compositores rusos de la historia.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música postromántica, nacionalismo, música sinfónica.

Intérpretes: Lise de la Salle, Bruno Fontaine, Vihn Pham, Hermine Horiot, Johann Nardeau.



Año: 2011, 2012, 2013.

Lugar: Neuilly-sur-Seine (Shostakovich, Op. 110a I), Antibes (Shostakovich, Op. 110a II), Théâetre de Brive (Lisa de la Salle), Vincennes (Bruno Fontaine), Théâtre de l’Athénee (Tchaikovsky).


La música rusa ha supuesto, desde su desarrollo especialmente importante a mediados del siglo XVIII, una fuente inmensa de composiciones de una calidad excepcional, y sobre todo de un estilo único que se ha ido desarrollando al amparo de los diversos sucesos históricos. Así, obtiene su punto álgido de creación durante los siglos XIX y XX, encontrando en algunas figuras un nivel que nada tiene que envidiar al del resto de la producción musical europea. Dos de estos maestros de primer orden mundial son, sin duda, Tchaikovsky y Shostakovich. Cada cual en su parcela y estilo han sabido alzar la voz de la música rusa a lo más alto del panorama mundial.

Dmitry Shostakovich (1906-1975) es uno de los últimos grandes compositores rusos. Es considerado como uno de los más importantes sinfonistas de la mitad del siglo XX, y muchos

Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Shostakovich & Tchaikovsky Estreno 21 de mayo 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador



de sus cuartetos de cuerda, conciertos, obras instrumentales y vocales también están firmemente establecidos en el repertorio. Sus numerosas bandas sonoras de películas, teatro musical, música incidental y ballets son de calidad más variable, pero aun así ayudan a conformar una personalidad poliédrica y realmente brillante. En 1936, la intervención política y de la guerra acortó algunas de sus posibilidades artísticas y especialmente su triunfo operístico. Dicha interferencia continuó arruinando su carrera. En medio de las presiones contradictorias de las exigencias políticas, el sufrimiento masivo de sus compatriotas y sus ideales personales de humanitarismo y servicio público, fue capaz de crear un lenguaje musical de un poder emocional colosal. La música de su período intermedio es a menudo épica en escala y contenido, entendida por muchos de sus compatriotas, y en años más recientes también por los europeos, como crónica de su sociedad y tiempo, siendo capaz de transmitir estados de ánimo y, como algunos argumentan, experiencias e incluso mensajes políticos en sus notas. Desde la aparición en 1979 de sus supuestas memorias, que expresaron una profunda desafección con el régimen soviético, sus obras han sido objeto de un intenso estudio para probar dicha aseveración. Desarrolló un papel decisivo en la vida musical de la antigua Unión Soviética, como profesor y escritor y administrador. También fue un pianista activo, interpretando con frecuencia sus propias obras, al menos hasta que la discapacidad física se lo impidió. De él se interpretan aquí su Sinfonía de Cámara Op. 110a, un arreglo de Rudolf Barshai del Cuarteto de cuerda n.º 8 en Do mayor, Op. 110, que fue compuesto en tres días en julio de 1960. Se completa su figura con dos extractos de su Concierto para piano, trompeta y orquesta de cuerda Op. 35, en Do menor, compuesto en 1933, una de sus grandes obras concertísticas.

Piotr Illich Tchaikovsky (1840-1893) fue el primer compositor de un nuevo tipo de Rusia en materia musical, totalmente profesional, que continuó de manera firme las tradiciones del sinfonismo europeo occidental asimilándolo como propio; que consiguió un estilo profundamente original, personal y nacional que aunó la idea sinfónica de Beethoven y Schumann con el trabajo de Glinka, además de que transformó los logros de Berlioz y Liszt en su música programática en materia de elevación casi shakespeariana por su importancia psicológica. De su inmenso catálogo se interpreta la Serenata para cuerda Op. 48, en Do mayor, una obra compuesta en 1888, cuyo tercer movimiento, Élégie, es uno de los momentos más líricos, evocadores y expresivas de toda su producción.


Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Shostakovich & Tchaikovsky Estreno 21 de mayo 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador

Sinopsis: La Orquesta de Cámara Nouvelle Europe, que dirige su fundador, Nicolas Hrauze, ofrece para su disfrute un programa doble dedicado a la más exquisita música instrumental rusa, con el extraordinario binomio formado por Dmitry Shostakovich y Piotr Ilich Tchaikovsky. Les acompañan tres solistas de auténtico lujo: Lise de la Salle, Bruno Fontaine y Johann Nardeau.








La gran violinista presenta la integral de las sonatas «de madurez» para violín y piano en una serie de tres programas monográficos.

Género: ópera, música clásica, música de cámara, violín, piano.

Intérpretes: Anne-Sophie Mutter, Lambert Orkis.

Año: 2006.

Lugar: Gasteig München.


A pesar de su pronta desaparición, cuando contaba tan solo 35 años, el poder creador de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) es probablemente el más destacado en toda la producción musical en la historia de Occidente, al menos en cuanto al ratio años del autor/número de obras compuestas se refiere. A esto hay que sumarle que prácticamente la totalidad de sus obras, incluso las compuestas durante su período infantil o juvenil, muestran un talento y una capacidad compositiva al alcance de muy pocas personalidades en toda la historia de la música.

Las sonatas para violín y piano han sido históricamente consideradas obras «menores» en relación con sus sonatas para piano, aunque al abrigo de los últimos estudios han sido puestas en el lugar que realmente merecen. Pocas producciones como estas resultan tan ejemplificadoras de la evolución creativa de Mozart, pues este género le acompañó durante toda su vida, desde la infancia hasta el final de sus días. Su aporte al género ha

Concierto: Anne-Sophie Mutter interpreta Mozart Sonatas para violín y piano I Estreno 22 de mayo 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador



resultado absolutamente esencial, pues sus composiciones terminaron por influir de manera directa a la forma, algo que fue heredado por Beethoven y Schubert, quienes a su vez lo transmitieron a otros músicos románticos. En ellas, Mozart logra el equilibrio ideal entre ambas partes, especialmente en las 16 sonatas de «madurez» que aquí se interpretan,

compuestas en diez años, entre 1778 y 1888 –se excluyen las KV 402, 403 y 404, de las que

únicamente se conservan fragmentos–. Supone quizá la evolución perfecta entre el diálogo barroco de la sonata y la búsqueda de la emoción creadora del romanticismo. El sentido más estricto y esencial de la música de cámara logra su punto culminante, al menos en lo referente a esta combinación instrumental, en esta serie de 16 sonatas de absoluta genialidad.

La Sonata n.º 22 en La mayor, KV 305, quinta de las Sonatas Palatinas, fue compuesta en Mannheim en 1878 y publicada en París en el mismo año. Es especialmente valorada por la brillantez de su movimiento inicial y la gracia de sus seis variaciones sobre un tema expuesto por el piano. La Sonata n.º 20 en Do mayor, KV 303, también de su época en

Mannheim, se estructura también en dos movimientos, concluyendo –como solía ser

habitual– con un Tempo di Menuetto; lo más característico de ella es su Adagio introductorio, al que sigue un pasional Molto Allegro. La Sonata n. º 28 en Mi bemol mayor, KV 380, regresa al esquema habitual de tres movimientos. Si el Allegro inicial no presenta muchas novedades, el tiempo lento en Sol menor, de gran intensidad cromática, resulta tremendamente profundo y misterioso, para terminar con un Rondó final, que en ritmo casi de caza se vuelve, al momento, obscuro a través de otro breve episodio en Do menor. La Sonata n.º 18 en Sol mayor, KV 301, firmada en Mannheim, carece de tiempo lento. El Allegro inicial, en estructura de sonata bitemática, reparte así los dos temas: uno melódico para el violín y otro más rítmico para el teclado. En el Allegro conclusivo, en forma de rondó, resalta un pasaje en ritmo de siciliana y en modo menor. Por su parte, la Sonata para violín n.º 36 en fa mayor, KV 547, fue completada el 10 de julio de 1788, y recibe con frecuencia el sobrenombre «Para principiantes». A diferencia de las sonatas para violín previas, en las que este instrumento jugaba un papel de igualdad con respecto al piano, esta sonata está dominada por la escritura pianística, y por eso solo la parte de violín es de «fácil» ejecución, mientras que la parte para teclado resulta más compleja de lo esperado. La Sonata n.º 26 en Si bemol mayor, KV 378, fue compuesta en Salzburg en 1779, pero no se publicó hasta dos años después en un grupo de seis que incluye una sonata de la época de Mannheim (KV 296) y las cuatro sonatas vienesas de 1781 (KV 376, 377, 379 y 380). Su movimiento lento en Mi bemol es probablemente el centro de la obra y sin duda su movimiento más expresivo.

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Concierto: Anne-Sophie Mutter interpreta Mozart Sonatas para violín y piano I Estreno 22 de mayo 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador

Sinopsis: Pocos autores como Mozart fueron capaces de crear corpus instrumentales tan idiomáticos y brillantes para los diversos instrumentos a solo. A través de esta serie de tres programas dedicados a las 16 sonatas para violín y piano que compuso en su «madurez» pueden comprobar su absoluta genialidad. La interpretación corre a cargo de la gran violinista alemana Anne-Sophie Mutter y el pianista estadounidense Lambert Orkis. Sin duda todo un hito discográfico que le invitamos a descubrir. En el presente recital presentan las sonatas KV 305, 303, 380, 301, 547 y 378.

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El hito musical más importante de Venezuela en los últimos cuarenta años bajo la

dirección del maestro Abbado en el marco del Festival de Lucerna.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, ópera.

Intérpretes: Anna Prohaska.

Director: Claudio Abbado.

Orquesta: Joven Orquesta Simón Bolívar de Venezuela.

Año: 2010.

Lugar: KKL Luzern.


El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, obra social y cultural del Estado venezolano, también conocida como «El Sistema», fue concebido y fundado en 1975 por el maestro y músico venezolano José Antonio Abreu para sistematizar la instrucción y la práctica colectiva e individual de la música a través de orquestas sinfónicas y coros, como instrumentos de organización social y de desarrollo humanístico. Un movimiento fundamental en el desarrollo musical y pedagógico del país, que reconoce al movimiento orquestal como una oportunidad para el desarrollo personal en lo intelectual, en lo espiritual, en lo social y en lo profesional, rescatando al niño y al joven de una juventud vacía, desorientada y desviada. A José Antonio Abreu, gerente, emprendedor, maestro insigne, tutor de varias generaciones de venezolanos y fundador del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, hay que

Concierto: Claudio Abbado y la Joven Orquesta Simón Bolívar de Venezuela 25 de mayo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador



definirlo con una sola palabra: visionario. Este músico venezolano, sembrador de ilusiones y constructor de sueños, ha llevado a cabo una tarea que supera el horizonte musical y cultural, y se inserta en el rescate y formación de la juventud venezolana y latinoamericana.

Así titulaba el diario El Nacional una noticia sobre la Orquesta Nacional Juvenil aparecida el 2 de febrero de 1976. Convertido y asumido como el lema del Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, «Tocar y luchar», refleja la determinación y el empeño que siempre han caracterizado a sus integrantes y que han hecho de «El Sistema» el proyecto orquestal y social más importante de la historia musical venezolana. El sistema nacional de orquestas preescolares, infantiles y juveniles está contribuyendo en gran medida a construir, en el espacio público, una imagen del músico venezolano exitosa, una carrera profesional como posibilidad, con estatus y reconocimiento social; un modelo y oportunidad a seguir para las juventudes venezolanas. Se están creando, así mismo, nuevos significados relacionados con la cultura del mérito, el esfuerzo, la constancia y la disciplina, como dignos caminos que conducen hacia una Venezuela mejor. Son muchos los organismos y organizaciones internacionales que reconocen a «El Sistema» como un programa de educación musical único, digno de ser implementado en todas las naciones del mundo y, principalmente, en aquellos países que buscan disminuir sus niveles de pobreza, analfabetismo, marginalidad y exclusión en su población infantil y juvenil.

En el presente concierto se presenta a uno de sus principales bastiones, la Joven Orquesta Simón Bolívar de Venezuela, que junto a su hermana, la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, supone sin duda la herramienta musical mejor acabada y de mayor nivel de todo «El Sistema». Innumerables son ya los hitos que jalonan la historia de las agrupaciones, y por eso no debe extrañar que ese 2010 la Joven Orquesta ocupase el puesto de orquesta en residencia dentro del célebre Festival de Lucerna, bajo la dirección musical del gran maestro italiano Claudio Abbado. El programa se compone de cuatro obras de enorme calado. Se abre con Skifskaya syuita [Scythian Suite Op. 20], de Sergey Prokofiev, obra compuesta entre 1914 y 1915 por encargo de los Ballets Rusos, inspirada directamente en Le Sacre du printemps de Igor Stravinsky. Le siguen la Suite de la ópera Lulu, de Alban Berg, ejemplo de la creación atonal más relevante del siglo XX, y el aria de Pamina «Ach, ich fülh’s», en las que se presenta a la soprano austríaca Anna Prohaska, uno de los talentos vocales de mayor pujanza en los últimos años. Se cierra el concierto con la Sinfonía n.º 6 Op. 74, llamada a posteriori como Pateticheskaya, uno de los grandes hitos en la historia de la música sinfónica occidental, obra culminante en la producción de Piotr Illich Tchaikovsky.

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Concierto: Claudio Abbado y la Joven Orquesta Simón Bolívar de Venezuela 25 de mayo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Ecuador

Sinopsis: En 2010 la Joven Orquesta Simón Bolívar de Venezuela se convirtió en orquesta residente del prestigio Festival de Lucerna. Disfruten de este concierto en el que estos talentos y jóvenes artistas son dirigidos por una de las mayores figuras en la historia de la dirección, Claudio Abbado, que junto a la voz de la soprano Anna Prohaska les llevarán a un mundo de inmensas obras.

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Treinta y ocho años de música incomparable, son la mejor carta de presentación

de este grupo de jazz y jazz fusión.

Género: concierto, guitarra, jazz, jazz fusión.

Intérpretes: Pat Metheny Group.

Año: 2006.

Lugar: Seul.


Hijo de una familia de músicos de Missouri, Pat, bajo influencia de su hermano Mike, comienza a tocar la trompeta, pero para fortuna de la música –aunque nunca sabremos cómo lo hubiera ido con dicho instrumento–, a los doce años comienza su indisoluble amistad con la guitarra. Con una sólida formación académica, Pat estudia inicialmente en la Universidad de Miami y pasa luego a Boston donde llega a ser profesor de la prestigiosa Berklee College of Music, contando entre sus alumnos con grandes músicos de la talla Al DiMeola. En Berklee conoce a Gary Burton, quien lo integra por tres años a su banda. Para 1974, Pat Metheny hace su debut discográfico, de la mano de otro grande de siempre, Jaco Pastorius, en su álbum Jaco. Con Pastorius edita su primer álbum instrumental y un año más tarde crea con Lyle Mays el Pat Metheny Group. Pat Metheny ha sido un verdadero pionero en el ámbito de la música electrónica, y fue uno de los primeros músicos de jazz en usar el sintetizador como un instrumento musical. Pero su permanente afán de modernizarse y recrear, nunca lo ha hecho olvidar su conexión con el jazz tradicional, el swing y el blues.

Iconos : Pat Metheny Group The Way Up Live 27 de mayo 21:45 Argentina/Uruguay | 19:45 Ecuador

http://es.wikipedia.org/wiki/Sintetizador



Con un impresionante record de premios Grammy, el grupo es un verdadero trotamundos y desde 1974 han realizado un promedio de 180 presentaciones por año, un verdadero record en el ámbito musical internacional.

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Iconos: Pat Metheny Group The Way Up Live 27 de mayo 21:45 Argentina/Uruguay | 19:45 Ecuador

Sinopsis: Compuesta por Metheny y Lyle Mays, su compañero y teclista por muchos años, la música de este concierto, The Way Up Live, es un «continuo» de 70 minutos. Seguramente, no podrán olvidar la experiencia de ver y escuchar estos siete brillantes músicos en escena y quedará tan maravillado como los miles de espectadores en Seúl.

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La Orquesta Estatal de Berlin, bajo la dirección de su director titular, Daniel Barenboim,

continúa con la interpretación de las seis últimas sinfonías del austríaco.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica.



Año: 2010.

Lugar: Philharmonie, Berlin.


Las sinfonías de Anton Bruckner (1824-1896) abarcan técnicas compositivas realmente diversas. Desde el punto de vista temático se pueden distinguir dos clases de temas en sus sinfonías: I. los temas claramente definidos en la forma; II. otros temas que operan como motivos cortos y con un acabado más abierto. Otro rasgo definitorio de los temas en las sinfonías de Bruckner es la estrecha relación entre los movimientos inicial y final, siendo habitualmente el primer movimiento donde se enfatiza el contraste temático. Concretamente, la amplificación de la exposición del movimiento de apertura se construye tanto con el tema principal como con dos de los temas subordinados que se desarrollan en ese momento, una técnica exclusivamente bruckneriana. Otras características que encontramos en las sinfonías de Bruckner es el exhaustivo tratamiento del acorde de séptima dominante como acorde de sexta alemana cuando se pasa a una tonalidad nueva,




el uso de cadencias como factor predominante en modulaciones de carácter realmente atrevido, el uso de pedales de órgano como pivotes armónicos y estructurales, cadenas de secuencias armónicas, además del uso masivo de motivos de corte rítmico, especialmente el llamado ritmo bruckneriano: dos negras seguidas de un tresillo de negras o viceversa.

Junto a la Cuarta, esta Séptima Sinfonía es probablemente la más interpretada del catálogo del maestro austríaco. Fue estrenada en la Gewandhaus de Leipzig el 30 de diciembre de 1884, con Arthur Nikisch a la batuta. En 1881 Bruckner disfrutaba de gran optimismo y de un ánimo sereno, comenzando la composición de la obra entre agosto y septiembre. La Séptima discurre por un camino formal perfectamente definido, aunque ello no ha evitado que se continúe debatiendo sobre cómo clasificar los grupos temáticos de cada uno de sus movimientos. Desde la perspectiva del oyente estos carecen de relevancia, pues lo esencial es que cada tema que resuena en un momento dado, sea cual sea su función estructural, lo hace con una claridad y una energía maravillosas. Sus cuatro movimientos responden con estricta diligencia al esquema de la sinfonía clásica de corte vienés. Son cuatro piezas monumentales, tanto en duración como en profundidad expresiva. El casi perfecto equilibrio de la obra se alía con la música de factura más avanzada de cuantas se puedan concebir en su catálogo. Bruckner transporta al oyente a un mundo fascinante merced a sus extensas e intensas melodías, repletas de densidad, fluidez y plasticidad. La sencillez y solidez de las estructuras resulta apabullante, mientras que la brillantez y espesura de las sonoridades nunca deja de sorprender. Hermann Levy, gran director wagneriano y Generalmusikdirektor en Münich escribió al respecto de la obra el 30 de abril de 1884: «a todos los músicos que acuden a mí les hago oír el Adagio y, aun con las limitaciones de una versión al piano, observo en cada uno de ellos el asombro y el entusiasmo que yo mismo sentí al conocer por primera vez su música. Mientras llega el día del estreno, me ocupo de que media ciudad sepa quién es y qué cosas es capaz de hacer el señor Bruckner.»

Hay en esta obra pasajes que guardan cierta analogía con la sección central de la Marcia Funebre de la Eroica beethoveniana, o la música con la que Wagner describe la muerte de Sigfrido en su Tetralogía. La Séptima Sinfonía es uno de los logros musicales más descomunales que se conocen en el mundo bruckneriano, tanto por su genial orquestación como por la monumentalidad de sus temas. Pero no solo, sino también en todo el sinfonismo de la historia de la música occidental. La inmensidad de la obra alcanza en el Adagio un momento casi milagroso.

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Sinopsis: Continúen el deleite de escuchar las sinfonías «maduras» de Anton Bruckner en la mano de Daniel Barenboim al frente de la agrupación de la que es titular desde 1992, la excepcional Orquesta Estatal de Berlin. Un viaje que se va acercando a su fin con la interpretación de la séptima sinfonía del maestro de Ansfelden.








Uno de los títulos operísticos más legendarios y fascinantes de la historia en una

impresionante producción desde el Festival de Bregenz.

Género: ópera, música clásica, singspiel, voz.

Intérpretes: Alfred Reiter, Ana Durlovski, Norman Reinhardt, Bernarda Bobro, Daniel Schmutzhard, Dénise Beck, Magdalena Anna Hofmann, Verena Gunz, Katrin Wundsam, Laila Salome Fischer, Eva Dworschak, Dymfna Meijts, Eike Wilm Schlute, Martin Koch, Eleftherios Chladt; Coro Filarmónica de Praga; David Pountney (dirección de escena), Johan Engels (escenografía), Marie-Jeanne Lecca (vestuario y diseño de marionetas), Fabrice Kebour (diseño de iluminación).

Director: Patrick Summers.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de Viena.

Año: 2013.

Lugar: Festpielahus, Bregenz.


La flauta mágica [Die Zauberflöte] es un singspiel en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart [1756-1791] sobre libreto en alemán de Emanuel Schikaneder. Es la última ópera del genial compositor salzburgués, que fue estrenada en el Freihaus-Theater auf der Wieden de Viena el 30 de septiembre de 1791 bajo la dirección del propio Mozart, tan solo un par de meses antes de su muerte. Es sin duda su obra escénica más enigmática, evocadora y fascinante, en la que Mozart fue capaz de realizar una síntesis perfecta de la inmensa variedad de géneros músico-teatrales de su época, pues hay en ella destellos del drama serio italiano, pero también de la ópera buffa, del oratorio o del vaudeville. El

Ópera: La flauta mágica Ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart Estreno 29 de mayo 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Ecuador



singspiel es un tipo de ópera de corte más popular que se cantaba en lengua vernácula y en la que se intercalan partes habladas con las cantadas. Como sucede en muchas obras mozartianas, aunque que aquí como nunca, las diversas consideraciones sobre su significación se disparan por completo: la más básica es la que nos muestra el triunfo del bien sobre el mal, contado a través de un «sencillo» cuento de hadas; una más sopesada nos lleva a comprender que hay en ella una alegoría sobre la búsqueda del camino hacia la iluminación y el conocimiento; la última, más extendida y enigmática, es la que tiene a lo masónico como centro de la historia.

Mozart tenía 35 y estaba a tan solo dos meses del final de su vida. Se encontraba en un momento delicado de salud y las condiciones económicas en las que se encontraban no eran más halagüeñas. Fue entonces cuando el empresario teatral Emanuel Schikaneder, que también pasaba por graves apuros económicos, decidió escribir para Mozart una obra que pudiera dar notables beneficios económicos a ambos. Cuando este conoció la noticia de que un teatro rival iba a estrenar otra ópera con un asunto prácticamente igual decidió modificar por completo la acción, a la que añadió además una significación simbólica de acuerdo con las prácticas masónicas, ya que tanto Mozart como Schikaneder pertenecían a la misma logia. Se ha convenido en considerar que el libreto se inspiró en la obra Lulú o la flauta mágica de Liebeskind, aunque transcrita por Christoph Martin Wieland, pero también se suelen considerar otras fuentes, como Rey de Egipto, de Philippe von Gebler, o Sethos, de Jean Terrasson, incluso algunos consideran que Giesecke fue coautor de la obra junto a Schikaneder. Sea como fuere, el caso es que el libreto es uno de los más brillantes y fascinantes de cuantos se hayan escrito en la historia de la ópera. Y junto a la música de Mozart producen una de las uniones libreto/ópera más impresionantes del género.

En lo musical está repleta de arias magníficas para la totalidad de los personajes, rebosantes de complejidad técnica y belleza casi sin igual. Sus números de conjunto son igualmente brillantes, y su dominio orquestal se demuestra aquí como el gran epílogo a una carrera absolutamente genial. Todo ello hace de esta una de las óperas más queridas por el público y respetada por intérpretes y teatros de ópera, siendo año tras año una de las más escenificadas de su autor y de la historia del género.

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Ópera: La flauta mágica Ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart Estreno 29 de mayo 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Ecuador

Sinopsis: Si hay una ópera que destile imaginación y traslade al espectador a un mundo de ensoñación y magia, esa es sin duda La flauta mágica, última ópera en el extraordinario catálogo operístico del genial Wolfgang Amadeus Mozart, que les invitamos a disfrutar en esta emisión desde el Festival de Bregenz, con un plantel vocal protagonizado por Alfred Reiter, Ana Durlovski, Norman Reinhardt, Bernarda Bobro, Daniel Schmutzhard y Dénise Beck. Les acompañan la Sinfónica de Viena bajo la dirección de Patrick Summers, y la impresionante dirección de escena de David Pountney, que aprovecha al máximo el incomparable marco flotante al aire libre del festival.

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Segundo programa de la integral de las sonatas «de madurez» para violín y piano del genio

salzburgués, en versión de este extraordinario binomio artístico.

Género: ópera, música clásica, violín, piano.

Intérpretes: Anne-Sophie Mutter, Lambert Orkis.

Año: 2006.

Lugar: Gasteig München.


A pesar de su pronta desaparición, cuando contaba tan solo 35 años, el poder creador de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) es probablemente el más destacado en toda la producción musical en la historia de Occidente, al menos en cuanto al ratio años del autor/número de obras compuestas se refiere. A esto hay que sumarle que prácticamente la totalidad de sus obras, incluso las compuestas durante su período infantil o juvenil, muestran un talento y una capacidad compositiva al alcance de muy pocas personalidades en toda la historia de la música.

Las sonatas para violín y piano han sido históricamente consideradas obras «menores» en relación con sus sonatas para piano, aunque al abrigo de los últimos estudios, han sido puestas en el lugar que realmente merecen. Pocas producciones como estas resultan tan ejemplificadoras de la evolución creativa de Mozart, pues este género le acompañó durante toda su vida, desde la infancia hasta el final de sus días. Su aporte al género ha resultado absolutamente esencial, pues sus composiciones terminaron por influir de

Concierto: Anne-Sophie Mutter interpreta Mozart Sonatas para violín y piano II Estreno 29 de mayo 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador



manera directa a la forma, algo que fue heredado por Beethoven y Schubert, quienes a su vez lo transmitieron a otros músicos románticos. En ellas, Mozart logra el equilibrio ideal entre ambas partes, especialmente en las 16 sonatas de «madurez» que aquí se interpretan,

compuestas en diez años, entre 1778 y 1888 –se excluyen las KV 402, 403 y 404, de las que

únicamente se conservan fragmentos–. Supone quizá la evolución perfecta entre el diálogo barroco de la sonata y la búsqueda de la emoción creadora del romanticismo. El sentido más estricto y esencial de la música de cámara logra su punto culminante, al menos en lo referente a esta combinación instrumental, en esta serie de 16 sonatas de absoluta genialidad.

Las Sonatas KV 376 y 377 forman parte de una edición que recogía seis de estas sonatas y que fue publicada en Viena por el célebre editor Artaria, en 1781. La Sonata n.º 24 en Fa mayor, KV 376, es probablemente la que guarda un estilo más galante de todas sus sonatas, incluso con cierta tendencia a una superficialidad agradable y a la brillantez sin concesiones extremas. La Sonata n.º 33 en Mi bemol mayor, KV 481, data de 1785, y esconde en sus compases una pieza de gran empeño y admirable magisterio compositivo. Poco se sabe acerca de su gestación, por lo que es preferible quedarse con su perfección y claridad, incluso la extraña elección de tonalidad y las aún más raras modulaciones que se desarrollan en el movimiento lento. La Sonata n.º 27 en Sol mayor, KV 379, tiene como principal característica lo insólito de su esquema formal y su elección modal. Tras una breve introducción lenta se presenta, casi como si de una improvisación se tratase, se presenta el verdadero primer movimiento de la obra, en Sol menor, con una violencia que no puede por menos que sorprender. La obra concluye de vuelta al Sol mayor en un pasaje sostenido por cinco variaciones de gran belleza. La Sonata n.º 21 en Mi menor, KV 304, fue compuesta en París, y es la única de sus 36 sonatas que se encuentra en modo menor. Todo en ella rezuma melancolía, creando así uno de los ejemplos más expresivos y profundos dentro del presente género. La Sonata n.º 32 en Si bemol mayor, KV 454, tuvo su estreno en manos de la virtuosa italiana Regina Strinasacchi durante un concierto celebrado en Viena el 29 de abril de 1784, con el propio Mozart al piano. Al parecer, este interpretó su parte sin que estuviera del todo acabada, para finalizarla y dejarla tal y como nos ha llegado después del concierto. Está compuesta en la época de los grandes conciertos para piano, a lo que quizá deba la presencia de ese estilo concertante y virtuosístico que impregna toda la obra, además de una construcción muy sopesada y definida. A pesar de su calidad, tanto el movimiento inicial como el Rondó final parecen palidecer ante el fantástico ejercicio de creación que supone el Andante central.

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Concierto: Anne-Sophie Mutter interpreta Mozart Sonatas para violín y piano II Estreno 29 de mayo 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Ecuador

Sinopsis: Pocos autores como Mozart fueron capaces de crear corpus instrumentales tan idiomáticos y brillantes para los diversos instrumentos a solo. A través de esta serie de tres programas dedicados a las 16 sonatas para violín y piano que compuso en su «madurez» pueden comprobar su absoluta genialidad. La interpretación corre a cargo de la gran violinista alemana Anne-Sophie Mutter y el pianista estadounidense Lambert Orkis. Sin duda todo un hito discográfico que le invitamos a descubrir. Para el segundo episodio les ofrecemos las sonatas KV 376, 481, 379, 304 y 454.






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Destacados de Programación Mayo 2016 -...

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