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Allegro HD – Destacados de Programación – Octubre 2016

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Destacados de Programación – Octubre 2016



Destacados de Programación Octubre 2016

CONCIERTO – Tsuyuki & Rosenboom: dúo de piano – Estreno 1 de octubre – Pág. 3

CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Variaciones sobre un tema

de Frank Bridge, de Benjamin Britten – Estreno 2 de octubre – Pág. 5

CONCIERTO – Carlos Morán: recital de piano a beneficio del Proyecto Suma – Estreno 2 de octubre – Pág. 7

ÓPERA – I due Foscari: ópera en tres actos de Giuseppe Verdi – Estreno 8 de

octubre – Pág. 9

CONCIERTO – Celebración: gala de apertura de Filarmónica de Los Angeles con Gustavo Dudamel & Juan Diego Flórez – Estreno 9 de octubre – Pág. 11

ÓPERA – Manon: ópera en cinco actos de Jules Massenet – Estreno 15 de

octubre – Pág. 13

CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: conciertos de Antonio Vivaldi – Estreno 16 de octubre – Pág. 15

CONCIERTO – Hollywood en Viena: 2012 – Estreno 16 de octubre – Pág. 17

ÓPERA – Tosca: ópera en tres actos de Giacomo Puccini – Estreno 22 de octubre

– Pág. 19

CONCIERTO – Orquesta de Cámara Nouvelle Europe: Maurice Ravel & Astor Piazzolla – Estreno 23 de octubre – Pág. 21

CONCIERTO – Mariss Jansons: concierto de despedida – Estreno 23 de octubre –

Pág. 23

DOCUMENTAL –Eres el mundo para mí, con Jonas Kaufmann – Estreno 29 de octubre – Pág. 25

CONCIERTO – Jonas Kaufmann: Eres el mundo para mí – Estreno 29 de octubre –

Pág. 27

CONCIERTO – Khatia Buniatishvili: Mind in the Wilderness – Estreno 30 de octubre – Pág. 29



Una propuesta magnífica de repertorio clásico, en las versiones pianísticas de este

espectacular dúo artístico.

Género: concierto, música clásica, música barroca, música romántica, piano.

Intérpretes: Chie Tsuyuke, Michael Rosenboom.

Año: 2012, 2014 [Reminiscenses, Liszt; Sonata KV 448, Mozart].

Lugar: Offenburg; Lindeman Hall, Oslo [Reminiscenses, Liszt; Sonata KV 448, Mozart].

Duración: 95 minutos.

Fundado en 2009 por la pianista japonesa Chie Tsuyuki y el pianista alemán Michael Rosenboom, el dúo comenzó rápidamente a ofrecer conciertos por todo el mundo con gran éxito. Sus interpretaciones, las cuales intentan ser hipnóticas y tener un efecto duradero en el público, presentan además una alta calidad expresiva. Amén del repertorio estándar para piano a cuatro manos y para dos pianos, intentan ofrecer un enfoque especial de la vertiente artística del dúo, creando sus propios arreglos de obras para orquesta u otras formaciones, adaptándolas a su concreta formación. Ellos arreglan obras de diferentes épocas y géneros con el fin de expresar su entusiasmo por toda la literatura musical y ampliar el repertorio para piano a cuatro manos. Con este enfoque, el galardonado dúo ya ha cosechado éxitos a través de gran parte de Europa, EE.UU. y Asia. Ambos se conocieron realizando sus estudios en la Hoschschule für Musik, Theater und Medien de Hannover, interpretando junto por primera vez un arreglo para piano a cuatro manos de Große Fuge de Beethoven, lo que supuso un antes y un después para ambos, una experiencia en la que, en sus propias palabras: «descubrimos completamente nuevos medios de expresión y sentimos que éramos almas gemelas.»

Concierto: Tsuyuki & Rosenboom Dúo de piano Estreno 1 de octubre 18:25 Argentina/Uruguay | 16:25 Colombia/Ecuador



A nivel individual sostienen una sólida carrera. Chie Tsuyuki fue ganadora del Gran Premio del Concurso IBLA en Italia y en el Concurso de Piano PTNA en Japón, ofreciendo recitales en prestigiosas salas de concierto como el Carnegie Hall de New York. Por su parte, Michael Rosenboom ha sido beneficiario del premio de su promoción en la Academia de Verano Mozarteum de Salzburg, y ha trabajado como asistente del profesor Einar Steen- Nokleberg en Hannover. Recibieron su inspiración artística y formativa de parte de grandes maestros como: Konrad Meister, Einar Steen-Nokleberg, Ralf Gothóni, David Wilde, Francis Bamberger, Homero Francesch, o el dúo de piano Genova & Dimitrov. Una de sus

mayores influencias artísticas proviene de Bernd Goetzke –considerado como el último

alumno de Arturo Benedetti Michelangeli–, con el que desde 2009 se han formado, dentro de su programa para solistas en el HMTM de Hannover. La carrera internacional del dúo comenzó 2010, después de ganar el primer premio y el premio Kawai en el Concurso Internacional de Dúos de Piano en Tokio. También en los años siguientes han recibido numerosos premios y distinciones, no solo en algunas de las grandes competiciones internacionales de piano, sino también en concursos y festivales internacionales de música de cámara. Son ganadores del Concurso Internacional de Música de Londres, Liszt 200 Chicago o el Concurso Internacional de Música Pietro Argento.

En el presente recital muestran todo lo mejor de su trabajo, tanto desde sus inicios como en las últimas creaciones en las que han estado trabajando, interpretando un variopinto repertorio que traslada al público desde la Alemania del XVIII hasta la Centroeuropa del XIX. De Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893) interpretan un arreglo de la impresionante Fantasía-Obertura de Romeo & Juliet; de Franz Liszt (1811-1886) dos arreglos, uno de su Poema sinfónico N.º 6 «Mazeppa» y de su Totentanz [Danse macabre], además de una versión a cuatro mano de Reminiscenses de Norma; de Franz Schubert (1797-1828) su Allegro en La menor D 947 Lebensstürme; de Johann Sebastian Bach (1685-1750), un arreglo de su célebre Toccata & Fugue en Re menor BWV 565; la Danza Húngara n.º 5 de Johannes Brahms (1833-1897); para finalizar con el movimiento inicial de la Sonata para dos pianos en Re mayor KV 448, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791).

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Concierto: Tsuyuki & Rosenboom Dúo de piano Estreno 1 de octubre 18:25 Argentina/Uruguay | 16:25 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Disfruten de lo mejor del repertorio, desde el Barroco hasta el Romanticismo, con este dúo de pianistas conformado por la japonesa Chie Tsuyuki y el alemán Michael Rosenboom. Una visión fascinante de obras de autores como Piotr Ilich Tchaikovsky, Franz Liszt, Franz Schubert, Johann Sebastian Bach y Johannes Brahms.

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La joven y talentosa orquesta francesa ofrece una de las piezas menos conocidas pero de

gran interés del excepcional compositor británico.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea.

Director: Nicolas Krauze.

Orquesta: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe.

Año: 2010.

Lugar: Festival 1001 Notes, Limousin.


La Orquesta de Cámara Nouvelle Europe une a músicos jóvenes de toda Europa que están viviendo en la actualidad en Paris y que comparten altas habilidades musicales, pues la mayoría está empezando su carrera internacional como solistas y/o intérpretes de cámara. La orquesta cuenta entre sus filas con no menos de seis ganadores de premios internacionales en el ámbito de la interpretación. Uno de los objetivos de la orquesta es reunir el mundo de solista con el orquestal, dando así la oportunidad a sus miembros tanto para la interpretación solística como para el acompañamiento de solistas de fama mundial. Creada en 2004 por Nicolas Krauze, ha realizado más de 400 conciertos por toda Europa en las mejores salas y festivales. Recientemente está viviendo grandes oportunidades de desarrollo, con temporadas regulares en Francia, así como la posibilidad de viajar por Europa y América del Sur durante las próximas temporadas. Está compuesta por entre 15 y 35 músicos, ha logrado crear un sonido único por su compacidad y virtuosismo, con una preferencia por los repertorios de los siglos XIX a XXI. Está ampliamente considerada

Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Variaciones sobre un tema de Frank Bridge, de Benjamin Britten Estreno 2 de octubre 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador



como una de las mejores y más activas orquestas de cámara en Francia en la actualidad, apareciendo regularmente acompañada por solistas de fama mundial.

Benjamin Britten (1913-1973, fue un compositor y pianista británico. Músico precoz, desarrolló un inmenso talento musical desde su más tierna infancia, cuando ya comenzó a sentirse atraído por la composición. Su Simple Symphony, escrita a partir de temas melódicos compuestos en aquella época, da rápida cuenta de la originalidad y valor de esos primeros intentos. Estudió con Frank Bridge, quien le descubrió el universo sonoro de la Segunda Escuela de Viena, uno de cuyos integrantes, Alban Berg, sería uno de sus referentes durante toda su vida. Su música empezó a adquirir un lenguaje propio, basada en la síntesis personal de elementos de distinta procedencia: desde la artificiosa vocalidad de Monteverdi hasta la obsesión formal y expresiva del mencionado Berg, pasando por otros autores como Puccini, Musorgski, Mahler y Purcell. El mundo de la ópera sin duda supuso un antes y un después en su carrera, empezando por Peter Grimes, la cual marcaría el verdadero inicio de la carrera del músico británico como compositor, y a partir de la cual vendrían otros grandes títulos como La violación de Lucrecia, Billy Budd, Otra vuelta de tuerca, Sueño de una noche de verano y Muerte en Venecia, que lo convirtieron en uno de los operistas más aclamados del siglo XX.

Las Variaciones sobre un tema de Frank Bridge Op. 10, que fueron estrenadas en 1927 en Salzburg, muestran una clara influencia de su primer gran maestro, al que homenajea en el título y en la propia obra. Contaba con tan solo 10 años cuando escuchó en concierto su obra El mar, que le dejó impactado. Tres años después ya era alumno su alumno, y a sus 14 años ya tenía en su catálogo escrito 10 sonatas para piano y 6 cuartetos para cuerda. La influencia que recibió de Bridge y el afecto hacia él le acompañaron siempre, alentándolo a esforzarse por conseguir la perfección técnica como una solución a los requerimientos musicales. Las Variaciones sobre un tema de Frank Bridge fueron compuestas como un encargo de Boyd Neel, un director de orquesta a quien habían invitado ese año al Festival de Salzburg. El único requisito para su presentación allí era el estreno de una obra inédita de un compositor de su país. Ya en su época de estudiante Britten había empezado a trabajar sobre estas variaciones, con un tema extraído del segundo de los Tres idilios para cuarteto de cuerdas Op. 6 n–º. 2 de su maestro. La presencia de la obra en este prominente festival atraería por primera vez la mirada internacional sobre Britten.

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Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Variaciones sobre un tema de Frank Bridge, de Benjamin Britten Estreno 2 de octubre 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La fantástica Orquesta de Cámara Nouvelle Europe regresa a la música para conjunto orquestal sin solistas, con estas extraordinarias Variaciones sobre un tema de Frank Bridge, de Benjamin Britten, una obra de juventud pero de gran valía musical. Disfrútela como siempre en nuestro canal, de una forma nunca vista antes.

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El gran pianista argentina en un recital con lo mejor del repertorio pianística desde el XVIII

hasta el XX, con la música como medio para ayudar a los que lo necesitan.

Género: concierto, música clásica, música romántica, impresionismo.

Intérpretes: Carlos Morán.

Año: 2016.

Lugar: Templo Comunidad Amijai, Buenos Aires.


Carlos Morán es un pianista argentino de 27 años, ganador de la beca del Mozarteum Argentino en 2015, además de Primer premio en la 33ª. edición del concurso Nacional e Internacional para la selección de jóvenes talentos organizado por el Mozarteum Santa Fe, filial del Mozarteum salzburgués, en 2014. Fue seleccionado para participar en el Festival Internacional de Música del Estado de Santa Catalina, Brasil, en 2015, y ha sido beneficiario de la beca del Festival Internacional de Música SESC otorgado por la UFPEL, Río Grande do Sur, Brasil (2014). Obtuvo la máxima puntuación y calificación, distinguido con mención por parte del jurado, en el Concurso Nacional Bienal de piano realizado en el año 2012 en la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Finalizó su Licenciatura en Composición en la U.C.A. y cursó su último año de la Licenciatura en piano en la Universidad Nacional de las Artes, Departamento de Artes Musicales, donde continúa su perfeccionamiento con el maestro Néstor Zulueta. Asimismo, actualmente está profundizando y ampliando sus estudios con el maestro Fernando Pérez. Ha asistido a clases magistrales con los maestros Luca Chiantore, Alexandre Dossin, Eduardo Monteiro, Ney Fialkow e Iván Citera.

Concierto: Carlos Morán Recital de piano a beneficio del Proyecto Suma Estreno 2 de octubre 18:30 Argentina/Uruguay | 16:30 Colombia/Ecuador



Además, ha realizado conciertos en el Salón Principal, Teatro Municipal Ciudad de Santa Fe (2014); Salón Dorado, Legislatura Porteña (2015); Auditorio Jorge Luis Borges, Biblioteca Nacional (2014); Salón Levalle, Palacio Paz (2014); Auditorio El Aleph, Centro Cultural Recoleta (2014); y otros lugares de importancia. El presente concierto se enmarca dentro de las actividades desarrolladas por Proyecto Suma, una organización civil sin ánimo de lucro que trabaja junto a personas con sufrimiento mental para mejorar su calidad de vida. Su objetivo es dar tratamiento e integrar social, laboral y/o familiarmente a las personas con problemas mentales. En palabras del propio Morán: «Hay un concepto que comparto con Proyecto Suma, una idea por la cual incluso elegí ser músico: al momento de escuchar música somos todos iguales. Me sentiría profundamente conmovido si en este concierto pudiera plasmar ese concepto entre los presentes». Para el pianista argentino el arte tiene un «rol clave» en el tratamiento de la salud mental: «La expresión y la creación artísticas son un canal para la exteriorización de la individualidad, entendiéndola como la síntesis de la personalidad y las vivencias. Al ponerse de manifiesto a través del arte, tiene un efecto catártico. La estigmatización expresa el temor que produce la falta de conocimiento, en este caso respecto a quienes tienen padecimientos mentales. Gracias a iniciativas como las de Proyecto Suma, se empieza a generar conciencia y conocimiento sociales para romper la barrera del prejuicio. Es un camino que comenzó a ser recorrido y aunque, aún falta mucho por andar, cada paso que demos en ese sentido estaremos más cerca de la verdadera comprensión.»

El programa, divido en dos partes, se inicia con la Fantasía n.º 4 en Do menor, KV 475, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), compuesta en Viena el 20 de mayo de 1785 y que fue publicada en diciembre de 1785 junto con la Sonata para piano n.º 14, KV 457, como Opus 11 por la editorial Artaria. Le siguen dos obras de Frédéric Chopin (1810-1849), su Polonesa Op. 26, n.º 1; y Scherzo Op. 1, n.º 1, en Si menor, en las que poder demostrar su conocimiento tanto del repertorio clásico y mozartiano, como del desarrollo romántico en el repertorio pianístico, de la mano de uno de los mayores exponentes del piano decimonónico. La segunda parte comienza con una obra de Franz Liszt (1811-1886), Funérailles (Harmlonies poétiques et religieuses), uno de los mayores exponentes de la complejidad y expresividad del piano en la historia. Le siguen varias piezas de Claude Debussy (1862-1918), padre del impresionismo francés y un referente en la creación pianística de finales del XXI y principios del siglo XX, con Ondine y Minstrels, de sus Libros I y II de preludios; además de sus Études pour le arpèges composés. Cierran el recital las Tres danzas argentinas de Alberto Ginastera (1916-1983) y Chalileo de Nicolás Ledesma (1965).

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Concierto: Carlos Morán Recital de piano a beneficio del Proyecto Suma Estreno 2 de octubre 18:30 Argentina/Uruguay | 16:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Carlos Morán, el joven y talentoso pianista argentino, pone lo mejor de sí al servicio de la música y de una buena causa, en este recital ofrecido a beneficio del Proyecto Suma, que ayuda a personas con problemas mentales. Un bello recorrido por tres siglos de música, en el que se demuestra su poder infinito.

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Fantástico título verdiano, servido en las voces de una espléndida plantilla artística y en la

magnífica producción de la Royal Opera House.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Plácido Domingo, Francesco Meli, Maria Agresta, Maurizio Muraro, Samuel Sakker, Rachel Kelly, Lee Hickenbottom, Dominic Barrand; Coro de la Royal Opera House; Thaddeus Strassberger [dirección de escena], Kevin Knight [escenografía], Mattie Ullrich [vestuario], Bruno Poet [iluminación].

Director: Antonio Pappano.

Orquesta: Orquesta de la Royal Opera House.

Año: 2013.

Lugar: Royal Opera House, London.

Duración: 156 minutos. Ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi sobre libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en el drama histórico The Two Foscari de Lord Byron. Fue estrenada en el Teatro Argentina de Roma, el 3 de noviembre de 1844. I due Foscari [Los dos Foscari] es una ópera seria, un drama operístico que narra las intrigas políticas de la antigua república de Venezia. Este tema y la obra de Byron ya habían suscitado la atención de Verdi años antes, en 1843, pero cuando lo propuso al Teatro La Fenice de Venezia fue rechazado por considerarlo inapropiado, pues el drama incluía críticas hacia la República de Venezia, lo que ofendía notablemente a las grandes familias venecianas que habían gobernado la República, incluyendo a los propios Foscari, que todavía mantenían su linaje. Casi a la vez, Verdi había propuesto una nueva ópera sobre Lorenzino de' Medici, que

Ópera: I due Foscari Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi Estreno 8 de octubre 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador



también fue rechazada, ahora por el Teatro Argentina en Roma. I due Foscari fue, sin embargo, incluida en sustitución de aquella y tuvo su estreno mundial allí el 3 de noviembre de 1844. Su génesis tuvo lugar durante los ensayos de Ernani, cuando el empresario florentino Alessandro Lanari encargó a Verdi una nueva ópera para representar en dicho teatro, en el otoño de 1844. Fue compuesta en pocas semanas, retomando un proyecto que Verdi y su libretista Francesco Maria Piave ya tenían en mente. La ópera quedó terminada a principios del verano durante una estancia del compositor en Busseto. Comparado con el gran éxito que aquel mismo año había tenido el estreno de Ernani, ni la música, ni la dramaturgia, ni la actuación de los cantantes entusiasmaron a los asistentes al estreno. El propio Verdi escribió, a raíz del estreno, lo siguiente: «Poco ha faltado para que I due Foscari no haya fracasado del todo, en parte por los cantantes, que han desafinado mucho; en parte porque las exigencias estaban al límite. El hecho es que la ópera ha sido casi un fracaso.» Aun con todo, Verdi fue alabado y celebrado en los círculos más cerrados romanos y el gobierno pontificio hasta acuñó una medalla con su efigie. Esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 213 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 63.ª en Italia y la decimoséptima de Verdi, con 13 representaciones en este período. En esta ópera Verdi experimentó por primera vez con los llamados temas recurrentes o característicos, que prefiguran la presencia de los diferentes personajes e incluso del coro, mediante los cuales cada personaje queda definido por un motivo musical que lo identifica en escena. Se requieren tres magníficos cantantes: tenor, soprano y barítono, además de un cuatro [bajo] para completar el drama. Todos han de dominar ese característico canto verdiano, de gran exigencia, que muestre su capacidad de afrontar los pasajes de bravura y otros muy expresivos con total solvencia. I due Foscari supone un importante avance en la creación verdiana, la cual se encontraba en aquel momento en lo que él mismo denominó como sus «años de galera». Es sin duda un notable ensayo para todo aquello que estará por llegar en sus óperas más maduras y magistrales.

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Ópera: I due Foscari Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi Estreno 8 de octubre 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Siéntese para disfrutar de I due Foscari, magnífica ópera de Giuseppe Verdi, que le servimos desde la Royal Opera House londinense, con las magníficas voces de: Plácido Domingo, Francesco Meli, Maria Agresta, Maurizio Muraro, Samuel Sakker, Rachel Kelly, Lee Hickenbottom y Dominic Barrand. Se les une el coro y la orquesta de la Royal Opera House, bajo la dirección de Antonio Pappano.

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Una pura celebración de lo latino, con dos de las figuras más destacadas en el panorama

mundial de la música clásica.

Género: concierto, ópera, música clásica, música romántica, bel canto, canción latinoamericana.

Intérpretes: Juan Diego Flórez.

Director: Gustavo Dudamel

Orquesta: Filarmónica de Los Angeles.

Año: 2010.

Lugar: Walt Disney Concert Hall, Los Angeles.


Gustavo Dudamel es sin duda uno de los directores referenciales en el panorama de la música clásica actual. A pesar de su juventud, el artista venezolano llevo años ocupando un lugar de privilegio en el complejo y exigente mundo de la dirección orquestal, merced a su gran talento musical y su enorme carisma. Se formó desde su infancia en el Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, obra social y cultural del Estado venezolano, también conocida como «El Sistema». Dudamel es sin duda el buque insignia de «El Sistema», su miembro más visible e importante a nivel mundial. La pasión con la que dirige continúa vigorizando a públicos de todas las edades en todo el mundo. Actualmente es el director musical de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela

Concierto: Celebración Gala de apertura de Filarmónica de Los Angeles con Gustavo Dudamel & Juan Diego Flórez Estreno 9 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



(OSSBV) y de la Filarmónica de Los Ángeles (LA Phil), y el impacto de su liderazgo musical se siente en varios continentes. Mientras su compromiso como director musical en los Estados Unidos y Venezuela representa la mayor parte de su calendario anual, Dudamel es invitado cada temporada a dirigir algunas de las más prestigiosas orquestas del mundo. El concierto aquí presentado supone su primer concierto oficial como director titular de la Orquesta Filarmónica de Los Angeles tras su nombramiento en agosto de 2009. Por su parte, Juan Diego Flórez es uno de los mejores tenores del siglo XXI, considerado el tenor belcantista de referencia en los principales teatros del mundo. Su canto fluido y expresivo y su asombrosa virtuosidad lo convierten en un intérprete ideal de las óperas de Rossini, Donizetti y Bellini. Sus apariciones en los escenarios más importantes del mundo, tanto en óperas como en conciertos, son siempre recibidas con entusiasmo por el público y la crítica. Su padre, Rubén Flórez, fue cantante de música peruana e intérprete, sobre todo, de los valses criollos de la compositora Chabuca Granda. De él no solo heredó la voz, sino también el amor por la música peruana y latinoamericana. Su madre, María Teresa, fue el motor detrás de Juan Diego. En sus inicios se dedicó al pop, al rock y a la música peruana. Tras formarse en el Curtis Institute de Philadelphia, entre 1993 y 1996, en 1994 conoció al tenor peruano Ernesto Palacio en Lima, quien le ofreció ayudarlo a emprender una carrera. En 1996 comenzó su carrera de manera fulgurante y desde entonces ha encarnado los principales roles operísticos en los mejores teatros del mundo, incluyendo 32 roles y tres decenas de grabaciones. Ha recibido numerosos galardones que acreditan su importancia y vigor en la lírica del momento. El presente recital inauguró la temporada 2010/2011 de LA Phil, uniendo a estos dos inmensos talentos, símbolo de la explosión de Latinoamérica en el panorama de la música clásica. El programa incluye dos partes claramente diferenciadas. La primera con grandes obras del repertorio lírico de Gioachino Rossini (1792-1868) y Gaetano Donizetti (1797-1848): La gazza ladra, Otello, Semiramide, L’elisir d’amore, Guillaume Tell y La Fille du Regiment. Para la segunda parte se reservaron canciones de autores latinoamericanos de referencia: Chabuca Grande, José Pablo Moncayo, Pedro Elias Gutiérrez o Arturo Márquez.

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Concierto: Celebración Gala de apertura de Filarmónica de Los Angeles con Gustavo Dudamel & Juan Diego Flórez Estreno 9 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Una unión latinoamericana única e insuperable: Gustavo Dudamel y Juan Dieg Flórez, los máximos representantes de la explosión latina en la música clásica, que se unen a la Filarmónica de Los Angeles para abrir su temporada de conciertos en 2010. Interpretan un florido recital con fragmentos de célebres óperas europeas junto a canciones latinoamericanas.

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La ópera más célebre del compositor francés, que cuenta con Netrebko y Villazón como

protagonistas y la dirección de Barenboim.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Anna Netrebko, Rolando Villazón, Alfredo Daza, Christof Fischesser, Rémy Corazza, Arttu Kataja, Hanan Alattar, Gal James, Silvia de la Muela, Matthias Vieweg; Staatsopernchor; Vincent Paterson [dirección de escena y coreografía], Johannes Leiacker [escenografía], Susan Hilferti [vestuario], Duane Schuler [iluminación].

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.

Año: 2007.

Lugar: Staatsoper Unter den Linden, Berlin.


Manon es una ópera en cinco actos compuesta por Jules Massenet sobre libreto en francés de Henri Meilhac y Philippe Gille, a su vez basado en la novela de Abbé Prévost, Manon Lescaut, que del mismo modo inspiró a Giacomo Puccini para la composición de su ópera homónima. Se estreno tuvo lugar en la Opéra-Comique de París el 19 de enero de 1884, con Marie Heilbronn en el papel principal, quien lo interpretó con un éxito clamoroso unas ochenta veces. Solo su muerte interrumpió la serie de representaciones, ante lo que Massenet prefirió retirar la obra de la escena antes de que ese papel fuera encarnado por otra cantante. Tras el incendio de la Opéra-Comique, Manon ya había entrado de manera definitiva en el repertorio de numerosos teatros de todo el mundo,

Ópera: Manon Ópera en cinco actos de Jules Massenet Estreno 15 de octubre 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador



para regresar el lugar de su estreno diez años después, tras lo cual se ha representado en más de mil ocasiones. Sin embargo, no fueron Massenet ni Puccini los primeros en atender a esta historia, pues ya Halévy [Manon Lescaut, ballet, 1830] y Auber [Manon Lescaut, opéra comique, 1856] habían usado el tema para obras escénicas de cierta importancia. Massenet comenzó a ocuparse del tema en 1881, completando la ópera en un plazo de dos años, para lo cual trabajó temporalmente en El Havre, la misma casa en la que un siglo antes había trabajado el abate Prévost en su novela. L'Histoire du Chevalier Des Grieux et de Manon Lescaut) es una célebre y en cierta parte autobiográfica novela del abate Antoine Francois Prévost d'Exiles, que narra la aparentemente verídica historia de una pareja de enamorados: Des Grieux sigue a Manon al destierro norteamericano y allí, después de la muerte de la joven, se casa y echa raíces. Meilhac y Gille siguieron el original de Prévost, excepción hecha de la última escena, que sitúan en Francia, mientras que la novela original lo hace en Norteamérica. A partir de la excelente novela se logra algo no tan habitual como puede parecer, la factura de un buen libreto, en el que los contrastes son llevados a extremos con una lograda efectividad: pasión auténtica y el medio frívolo: la sala de juego y la iglesia; el trajín mundano y la muerte en la soledad…

Massenet se ajusta de manera brillante al libreto. Su música es inspirada, llena de melodías que expresan multitud de sentimientos, y está construida e instrumentada de manera brillante. Algunas escenas constituyen puntos culminantes de la obra de su creador y de la ópera francesa: la descripción del sueño de Des Grieux, Manon despidiéndose de la pequeña mesa del modesto nido de amor en que pasó horas felices con Des Grieux, la grandiosa aria de éste, en la que trata de ahuyentar, ya en el convento, la imagen de Manon que se le aparece constantemente, así como varios dúos de amor. Esta ópera sigue en el repertorio, aunque no está entre las más representadas de manera habitual. En las estadísticas de Operabase aparece la n.º 89 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 10.ª en Francia y la segunda de Massenet, con 43 representaciones.

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Ópera: Manon Ópera en cinco actos de Jules Massenet Estreno 15 de octubre 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Un deleite fascinante: Manon, la gran ópera de Jules Massenet, en una magnífica producción de la Staatsoper Unter den Linden berlinesa, que cuenta con las voces de Anna Netrebko, Rolando Villazón, Alfredo Daza, Christof Fischesser, Rémy Corazza, Arttu Kataja, Hanan Alattar, Gal James, Silvia de la Muela y Matthias Vieweg, a las que se unen el Staatsopernchor y la Staatskapelle Berlin, todos bajo la dirección musical del gran Daniel Barenboim.

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Dos de los más fascinantes conciertos del compositor veneciano, interpretados por seis

excepcionales solistas a los que acompañan el ensemble francés.

Género: concierto, música barroca, violín, violonchelo.

Intérpretes: Vinh Pham, Kristi Gjezi, Eléonore Darmon, George Tudorache, Aylen Pritchin, Demarquette, Claire-Lise Démettre.



Año: 2010.

Lugar: Festival 1001 Notes, Solignac.


Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un compositor y violinista italiano, cuya abundante obra concertística ejerció una influencia determinante en la evolución histórica que llevó al afianzamiento del género concertante, así como de otros géneros puramente instrumentales, como la sonata o la sinfonía. Autor ciertamente prolífico, la producción vivaldiana no se relaciona únicamente con la música instrumental, sino que destacó sobremanera como operista, firmando algunos de los títulos más brillantes en la Europa de la primera mitad del XVIII, además de como un excepcional compositor de música vocal sacra, de la que practicó prácticamente la totalidad de los géneros más importantes del momento, aplicando en ellos su escritura tan particular y definitoria. Célebre al extremo merced a la composición de Las cuatro estaciones, sus conciertos para violín y orquesta, cuya fama ha eclipsado prácticamente el resto de su obra, Vivaldi es con todo

Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Conciertos de Antonio Vivaldi Estreno 16 de octubre 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador



merecimiento uno de los más grandes autores del período Barroco y de la historia de la música occidental.

A pesar de que Igor Stravinsky comentó en cierta ocasión que Vivaldi no había escrito quinientos conciertos, sino «quinientas veces el mismo concierto», la realidad es que Vivaldi es probablemente el autor de conciertos para cuerda más relevante de la historia. El Concierto para dos violonchelos en Sol menor RV 531 parece ser el único y verdadero doble concierto para violonchelos de su autoría, a pesar de que escribió un Concierto en Do mayor para violín, dos violonchelos, cuerdas y bajo continuo, RV561. Fue escrito, con casi toda probabilidad, durante la década de 1720 para el Ospedale della Pietà. Michael Talbot –el mayor experto en Vivaldi de las últimas décadas– le asigna al concierto un significado especial y lo considera: «a destacar entre los cientos que Vivaldi escribió.» El color del instrumento escogido, de los violonchelos por pares y el tono menor le aportan a la obra una interesante y relativamente sombría sonoridad. Los violonchelos anuncian su presencia ya desde el inicio del Allegro de apertura, que también cuenta con un interludio particularmente atractivo en el modo mayor. Los instrumentos solistas veces armonizan entre sí, en otras ocasiones responden unos a otros en imitación canónica. Después de un Largo casi cantabile, de sonoridad casi cavernosa, la obra concluye con un Allegro extrovertido y repleto de esa pasión y furore tan vivaldianos. Por su parte, el Concierto para cuatro violines, violonchelo y cuerda en Si menor RV 580 forma parte de su colección L’Estro Armonico, publicada como Op. III en 1711. Ocupa el décimo puesto dentro de la colección. Se trata de una de las colecciones más importante de la música instrumental italiana de la primera mitad del siglo XVIII. En ella Vivaldi tomó el estilo del concierto romano propio de Corelli, al que infundió una ligereza, una musculatura y un virtuosismo que determinan la historia del género. Este concierto en Si menor es una obra en tres movimientos para cuatro violines solistas, además de ripieno orquestal de violines, violas, violonchelo y bajo continuo. El Allegro inicial, al igual que todos los otros trabajos de la colección, se alterna entre el bajo continuo y el ripieno, pero ambos grupos comparten el mismo tema-nota repetida de propulsión y conducción del movimiento hacia su potente cadencia final. En el Larghetto e spiccato central, grandes acordes y notas con puntillo para el ripieno se alternan con arpegios imitativos para los solistas, seguidos de un episodio central escalofriante que parece predecir el movimiento central cubierto de nieve del Invierno sus Cuatro estaciones. El Allegro final presenta un tema en compás ternario casi de danza, para el ripieno, que se alterna con episodios brillantes para los cuatro solistas.


Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Conciertos de Antonio Vivaldi Estreno 16 de octubre 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Antonio Vivaldi fue uno de los máximos desarrolladores del concierto solista en la Italia de la primera mitad del XVIII. Descubran algunas de sus cualidades y la belleza de su música de la mano de los cuatro excepcionales violinistas que son Vinh Pham, Kristi Gjezi, Eléonore Darmon y George Tudorache, además de los violonchelistas Henri Demarquette y Claire-Lise Démettre. Están sustentados por la Orquesta de Cámara Nouvelle Europe, que como siempre dirige Nicolas Krauze.








Magnífica velada dedicada a la música para cine de algunos de los grandes autores de las

últimas décadas, con énfasis en la obra de Lalo Schifrin.

Género: concierto, música clásica, música contemporéna, bandas sonoras.

Intérpretes: Al Jarreau, Natalia Ushakova y Neue Wiener Stimme, Lalo Schifrin, František Jánoška.

Director: David Newman.

Orquesta: Orquesta Sinfónica ORF de Viena.

Año: 2012.

Lugar: Wiener Konzerthaus.


Desde el nacimiento del cine, los directores se afanaron introducir música de una u otra manera. Los comienzos más evidentes y sencillos fueron los del llamado cine mudo, en el que a pesar de no haber sonido, rápidamente se pasó a acompañar –en directo– con un piano la mayor parte de las acciones, para aportar una mayor expresividad y unidad narrativa al filme. Desde aquellos inicios hasta hoy, en el que tienen cabida grandes orquestas sinfónicas, pasando por estilos musicales de todo tipo y hasta efectos sonoros y música creada e interpretada de manera total con medios tecnológicos, el devenir de las bandas sonoras originales se ha desarrollado de manera impresionante. Hollywood en Viena es un recorrido por algunas de las más destacadas de la historia, todo un homenaje al mundo de la música de cine y para el cine.

La presente edición está dedicada de manera especial a Boris Claudio Schifrin, conocido artísticamente como Lalo Schifrin (1912). Pianista, arreglista, director y compositor

Concierto: Hollywood 2012 Especial Lalo Schifrin Estreno 16 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



argentino de música clásica, jazz y música popular, es destacado y conocido como uno de los más destacados creadores de bandas sonoras para cine y televisión de las últimas cuatro décadas, algunas tan conocidas como la de Harry el sucio o Misión Imposible. A lo largo de sus más de seis décadas de carrera ha compuesto bandas sonoras para más de cien filmes y series de televisión. El gran público lo recuerda por la inolvidable melodía que creó en 1966 para la serie Misión Imposible – retomada después para el cine–, pero es también autor de la música para series míticas como Mannix o Starsky y Hutch, además de películas como The Cincinnati Kid, Cool Hand Luke, Bullitt y otras muchas. Entre otros reconocimientos, Schifrin ha estado nominado en seis ocasiones a los Oscar de la Academia de Hollywood y ha ganado cuatro premios Grammy. Siendo un niño aprendió a tocar el piano animado por su padre, Luis Schifrin, quien era primer violinista de la Orquesta del Teatro Colón de Buenos Aire. Como músico de jazz ha actuado junto a muchos de los grandes en la historia del género, como Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Stan Getz o Count Basie. De joven viajó a estudiar a París, donde se sumergió el mundo del jazz, un género que se convertiría en una de sus grandes pasiones y que influenciaría gran parte de su obra. Como director se ha puesto en el podio ante algunas de las orquestas sinfónicas más importantes del planeta y ha colaborado con cantantes de renombre, como los tenores José Carreras, Placido Domingo, y Luciano Pavarotti.

El presente concierto está protagonizado por algunos de los grandes en la historia de la música de cine, con fragmentos absolutamente célebres como Sunset Boulevard [Fran Waxman], Laura [David Raksin], Spellbound [Miklós Rózsa], Third Man [Anton Karas], The Godfather [Nino Rota], Psycho [Bernard Herrmann], Basic Instinct [Jerry Goldsmith], The Untouchables, Once Upon a Time in the West y The Good, The Bad And the Ugly [Ennio Morricone], Concorde, The Fox, Dirty Harry, Bullitt, Cool Hand Luke, Enter the Dragon, Cincinnati Kid, Mission Impossible [Lalo Schifrin], Inception [Hans Zimmer], James Bond – Casino Royale [David Arnold, Monty Norman] o Gone with the Wind [Max Steiner]. Todo un lujo y una fuente inagotable de recuerdos, sensaciones y emociones para deleitarse.

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Concierto: Hollywood 2012 Especial Lalo Schifrin Estreno 16 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La música para cine siendo un género a medio camino entre la música clásica y otros géneros. Le invitamos a descubrir algunas de las bandas sonoras más geniales de la historia del cine, con autores como Max Steiner, Fran Waxman, David Raksin, Miklós Rózsa, Anton Karas, Nino Rota, Bernard Herrmann, Jerry Goldsmith, Ennio Morricone, Lalo Schifrin, Al Jarreau, Hans Zimmer, David Arnold o Monty Norman. Las interpretan la Orquesta Sinfónica ORF de Viena, bajo la dirección de David Newman, a los que se unen las voces de Al Jarreau, Natalia Ushakova y Neue Wiener Stimme, así como el piano de Lalo Schifrin y František Jánoška.

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Uno de los grandes títulos operísticos del autor italiano, servido en bandeja para su

disfrute, desde uno de los lugares más imponentes del panorama lírico.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto, verismo.

Intérpretes: Fiorenza Cedolins, Marcelo Álvarez, Ruggero Raimondi, Marco Spotti, Fabio Previati, Enrico Facini, Giuliano Pelizon, Angelo Nardinocch y Ottavia Dorrucci; Coro del Arena de Verona; Hugo de Ana [dirección de escena, escenografía, vestuario e iluminación].

Director: Daniel Oren.

Orquesta: Orquesta del Arena de Verona.

Año: 2006.

Lugar: Arena de Verona.


Tosca, ópera en tres actos, con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, fue estrenada con éxito en el Teatro Costanzi de Roma, el 14 de enero de 1900. El texto de la obra está basado en un intenso drama, La Tosca, de Victorien Sardou, presentado en París en 1887. Tosca es considerada una de las óperas más representativas del repertorio verista italiano, por su intensidad dramática y por contener algunas de las arias más bellas del repertorio. El argumento combina amor, intriga, violencia, pasión y muerte. Junto a sus otras óperas, Madama Butterfly, La Bohème y Turandot integra el cuarteto de óperas más conocidas de Puccini.

Ópera: Tosca Ópera en tres actos de Giacomo Puccini Estreno 22 de octubre 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador



La pieza teatral homónima, de Victorien Sardou, se estrenó en Paris en 1887. Puccini pudo asistir en su presentación en Milano, contando la célebre actriz Sarah Bernhardt en el papel protagonista. Automáticamente pidió a su editor, Giulio Ricordi, que adquiriera los derechos de dicha obra, pues veía en ella una fuente magnífica sobre la que componer. Finalmente los derechos fueron vendidos al compositor Alberto Franchetti en 1893. Illica comenzó inmediatamente con la escritura del libreto. Tras unos pocos meses de trabajo, Franchetti se dio cuenta de que no estaba en condiciones de componer la música para esta obra, por lo que Ricordi pidió a Puccini tal empresa. Inicialmente Puccini se negó, al mostrarse ofendido por ser considerado como un arreglo de emergencia, pero terminó

aceptando, en parte gracias a la intercesión de Giuseppe Verdi –quien estaba también fascinado con la obra, aunque no mostró interés en componer una ópera sobre la historia,

puesto que su desenlace no le agradaba en exceso–. Comenzó a componer la ópera en 1896, tras haber concluido La Bohème. Ricordi encomendó a la vez a Giacosa trabajar junto con Luigi Illica en el libreto. En octubre de 1899, tras tres años de una colaboración ardua

y compleja –disputas entre los libretistas, Puccini y Sardou incluidas–, la ópera fue terminada y estrenada en medio de gran expectativa, logrando un gran éxito. Actualmente, Tosca es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico estándar y aparece como la número 6 en la lista de Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo entre 2005-2010.

A nivel musical la obra mantiene el estilo desarrollado por Puccini hasta este momento: continuidad del discurso musical, que es roto apenas por una o dos arias de gran impacto emocional y musical. Las escenas más impresionantes son el Te Deum del final del primer acto, así como las arias Vissi d'arte [Tosca] y E lucevan le stelle [Mario]. Dramáticamente logra en su segundo acto una intensidad que probablemente no se ha igualado en ninguna otra ópera de Puccini. La acción transcurre en Roma, el 14 de junio de 1800, cuando Napoleón vence a los austríacos al mando del general Michael von Melas en la batalla de Marengo.

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Ópera: Tosca Ópera en tres actos de Giacomo Puccini Estreno 22 de octubre 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Acompáñennos hasta Verona, la hermosa ciudad del Véneto, para deleitarse con Tosca, una de las más maravillosas óperas de Giacomo Puccini, sin duda uno de los mejores operistas de la historia. Llega en esta emisión desde el Arena di Verona, uno de los centros operístico más monumentales del mundo, auténtico templo del género. Le dan vida las voces de Fiorenza Cedolins, Marcelo Álvarez, Ruggero Raimondi, Marco Spotti, Fabio Previati, Enrico Facini, Giuliano Pelizon, Angelo Nardinocch y Ottavia Dorrucci, a los que acompañan la Orquesta y Coro del Arena de Verona, bajo la dirección musical de Daniel Oren.

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Una unión aparentemente inconcebible, que sin embargo se muestra asombrosa de la

mano de la orquesta francesa y de dos solistas magníficos.

Género: concierto, música clásica, impresionismo, música contemporánea, tango.

Intérpretes: Kristi Gjezi , Henri Demarquette.



Año: 2010 [Piazzolla].

Lugar: Festival 1001 Notes, Solignac [Piazzolla].


El compositor francés Maurice Ravel (1875-1937) es, junto a Claude Debussy –con quien

se le suele relacionar habitualmente–, el gran representante de la moderna escuela musical francesa y uno de los padres del llamado impresionismo musical parisino.

Conocido universalmente por el Bolero, su catálogo –si bien no resulta extremadamente

extenso– incluye una serie de obras, algunas de ellas todavía poco conocidas, que muestran a un autor complejo, casi misterioso, que evitaba cualquier tipo de confesión en su música. Ravel concebía su arte como un elegante y poderoso artificio, un recinto mágico que se alejara de la cruda realidad y las preocupaciones de tipo cotidiano. Igor Stravinsky dijo de él que se trataba del «más perfecto relojero de todos los compositores». Quizá esta sea la mejor manera de comprender su música, como la obra de un artesano obsesionado por la perfección formal y técnica de su creación. Se ofrece aquí su obra Tzigane, una composición rapsódica escrita en 1924 por encargo de la violinista húngara Jelly d´Aranyi, sobrina nieta del gran violinista Joseph Joachim. La obra captura el espíritu de

Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Maurice Ravel & Astor Piazzolla Estreno 23 de octubre 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador



la improvisación gitana, en su instrumentación original para violín con acompañamiento

de piano luthéal –instrumento de teclado que posee controles especiales para alterar el

color de las notas–. Las improvisaciones de Aranyi fueron añadidas más tarde por el propio compositor para completar la obra, que fue estrenada, por la propia Aranyi, el 26 de abril de 1924 en Londres, con Henri Gil-Marchez al luthéal. Aquí se interpreta en una orquestación realizada por Mikołaj Majkusiak.

Astor Piazzolla (1921-1992) es una de las grandes figuras en las historia de la música argentina. Especialmente suyo es el mérito de haber sabido conjugar el tango de manera tan brillante y fluida con otros géneros de la música clásica, del tal forma que resulta difícil diluir la línea que separa uno de otros, no tanto en forma y estructura, sino en carácter, instrumentación y aceptación por parte del público. Nadie como él supo aportar calidad intramusical y elevar al género a algo más que una producción popular de las calles y barrios de la Argentina de principios del siglo XX. Gracias a Piazzolla el tango se acercó

como nunca antes –ni después– a la producción musical culta de manera tan estrecha, llegando a darse la mano en más de una ocasión, sabiendo conjugar a la perfección la escritura musical más refinada con la permanencia de la esencia del género. Autor de más de 750 piezas, su obra consigue una singularidad creadora e insoslayablemente argentina, que muestra influencias sobre los algunos de los mejores músicos del mundo en diversos géneros. Su escritura se caracteriza por su potencia estética; no se parece a ninguna otra. Cuando se escucha a Piazzolla irremediablemente se reflexiona y cuestionan los límites intergéneros.

Su Grand Tango fue compuesto en 1982, en su instrumentación original para violonchelo y piano, y con la dedicatoria al violonchelista ruso Mstislav Rostropóvich, En ella expresa el espíritu del nuevo tango, una fusión de ritmos tradicionales del tango y la síncopa inspirada en el jazz. Posteriormente fue publicada en Francia, de ahí que tomara el término galo en lugar del español de su Argentina natal. Piazzolla concibe el tango en muchas de sus obras como una mezcla del contrapunto y las voces polifónicas a las que añade elementos musicales de vanguardia, tales como armonías audaces o nuevas formas de tocar los instrumentos. Aquí se interpreta en una versión para violonchelo con acompañamiento de orquesta de cuerda.


Concierto: Orquesta de Cámara Nouvelle Europe Maurice Ravel & Astor Piazzolla Estreno 23 de octubre 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La Orquesta de Cámara Nouvelle Europe, dirigida por su fundador Nicolas Krauze, nos trae como siempre un repertorio interesante y de amplio espectro. Le invitamos a paladear esta velada que incluye obras de compositores bien diferentes pero que encajan de forma fantástica: Maurice Ravel y su Tzigane; junto al Grand Tango de Astor Piazzolla. Están protagonizadas por dos solistas de gran nivel, como son Kristi Gjezi y Henri Demarquette.








Último concierto del gran director letón como titular de la Orquesta del Real

Concertgebouw Amsterdam, con la que nos ha regalado tantos inmensos momentos.

Género: concierto, música clásica, música contemporéna, voz, música sinfónica.

Intérpretes: Thomas Hampson.

Director: Mariss Jansons.

Orquesta: Orquesta del Real Concertgebouw Amsterdam.

Año: 2015.

Lugar: Het Concertgebouw, Amsterdam.


Mariss Jansons (1943) es un director de orquesta letón, que ha sabido posicionarse, con un trabajo apasionado, entregado y alejado del glamour que acompaña a otros directores, como uno de los mejores exponentes de la dirección orquestal en las últimas tres décadas. A Jansons la vocación le viene de familia, pues es hijo del director Arvīds Jansons. Su madre, una judía en territorio ocupado por los nazis, tuvo que darle a luz a escondidas después de que su padre y su hermano fuesen asesinados en el Ghetto de Riga. Desde niño aprendió a tocar el violín junto a su padre. En 1946, su padre ganó el segundo premio en una competición nacional y fue escogido por Yevgeny Mravinsky para ser su asistente en la Filarmónica de Leningrado. Cuando su familia se unió a él en 1956, Jansons ingresó al Conservatorio de Leningrado para formarse piano y dirección coral. En 1969 se traslada a Viena para seguir formándose, entonces con Hans Swarowsky, y después en Salzburg con nada menos que Herbert von Karajan. Karajan había invitado a Jansons para ser su asistente en la Filarmónica de Berlín, pero las autoridades soviéticas impidieron que Jansons aceptara el nombramiento. Ya en 1973 fue nombrado director asociado de la

Concierto: Mariss Jansons Concierto de despedida Estreno 23 de octubre 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador



Orquesta Filarmónica de Leningrado, y seis años más tarde director musical de la Orquesta Filarmónica de Oslo, con la que le unió una relación duradera y realmente fructífera, aunque terminó renunciando en 2000 tras varias disputas por la mala acústica de la sala de conciertos. En 1992 se le nombra director invitado principal de la Orquesta Filarmónica de Londres y de la Orquesta Sinfónica de Londres, y al año siguiente director musical de la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh, donde permaneció hasta 2004.

En 1996 sufrió un ataque cardíaco mientras dirigía las páginas finales de La bohème en Oslo. Tras un delicado proceso de recuperación y de abandonar definitivamente los Estados Unidos, en 2003 comenzó como director principal de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, sucediendo a Lorin Maazel, entidad con la que ha ido renovando cargos de manera consecutiva, de forma que actualmente sigue siendo su titular, y por varios años. Solo un año más tarde es nombrado también director titular de la Orquesta del Real Concertgebouw Amsterdam, de la que se despide en el presente concierto, a la que llegó

como sucesor de Riccardo Chailly y con la que ha conseguido magníficos logros –en Allegro HD hemos sido testigos de algunos de esos hitos, como la integral de sinfonías de Beethoven

que hemos ofrecido de forma íntegra–. En 2006, 2012 y 2016 dirigió el Concierto de Año Nuevo de Viena.

Para su despedida, Jansons ha seleccionado un programa realmente variado y verdaderamente expresivo: se abre con tres de los lieder de Des Knaben Wunderhorn [El cuerno mágico de la juventud], un ciclo de lieder basados en una recopilación homónima de cantos populares alemanes, realizada por Clemens Brentano y Achim von Arnim entre 1805-1808, y que Gustav Mahler (1860–1911) puso en música en varias colecciones entre 1880 y 1990; le sigue la obra Ick seg adieu, estreno mundial de esta creación del compositor holandés Martjin Padding (1956); Aaron Copland (1900-1990) es uno de los máximos exponentes de la música clásica en los Estados Unidos, y de él se interpretan, The Dodger, The Little Horses y The Boatmen’s Dance, extraídas de Old American Songs, dos colecciones de arreglos de canciones de su país, compuestas entre 1950 y 1952, inicialmente para voz y piano, y posteriormente para barítono o mezzosoprano y orquesta; concluye el recital con el Concierto para orquesta de Béla Bartók, obra en cinco movimientos compuesta en 1943 y que es una de las más populares de su autor.

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Concierto: Mariss Jansons Concierto de despedida Estreno 23 de octubre 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Mariss Jansons es sin duda uno de los grandes directores de las últimas décadas. Se unión con la Orquesta del Real Concertgebouw de Amsterdam es una de las fructíferas y enriquecedoras del siglo XXI. Se despide como titular del conjunto holandés con este magnífico recital en el que, acompañado por el barítono Thomas Hampson, ofrecen obras de Gustav Mahler, Martjin Padding, Aaron Copland y Béla Bartók. La mejor despedida posible para uno de los grandes.

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Un excepcional complemente para el concierto con este mismo programa, protagonizado

por el gran tenor alemán.

Género: documental, música clásica, música contemporéna, voz.

Intérpretes: Jonas Kaufmann.

Director: Thomas Voigt & Wolfgang Wunderlich.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlin [Jochen Rieder].

Año: 2014.


Al igual que sucede con el concierto que completa el presente documental, con el tenor alemán Jonas Kaufmann, se trazan aquí las trayectorias de los grandes cantantes

y compositores de los últimos años de la República de Weimar –entre la derrota de

Alemania en la Primera Guerra Mundial en 1918 y el ascenso de Hitler al poder en 1933–. La Alemania de Weimar era un centro de innovación artística, gran creatividad y una considerable experimentación. Por un lado había una libertad generalizada para las variedades, que desembocaron en una explosión de la producción artística; por otro lado Alemania se enfrentaba a graves crisis políticas, el desempleo y una situación económica inestable. Ambos factores conducen a un mayor interés y producción por el entretenimiento popular. La Alemania de Weimar fue, sin duda, el último gran laboratorio experimental para la música, en el que los géneros de tipo popular y la música clásica realmente se fusionaron. Elementos de la música popular, números de baile y elementos tomados del jazz encontraron su camino en las estructuras de la música clásica y la opereta, lo que sin duda resultó un gran éxito. Lamentablemente, después de la toma del

Documental: Eres el mundo para mí Con Jonas Kaufmann Estreno 29 de octubre 20:35 Argentina/Uruguay | 18:35 Colombia/Ecuador



poder nazi en Alemania, tanto la música como los músicos, quienes la crearon y quienes la interpretaban, fueron suprimidos de manera sistemática. Los músicos célebres se convirtieron en víctimas del fanatismo racial y tuvieron que sufrir los destinos más trágicos. El documental incluye extractos de la sesión de grabación de Jonas Kaufmann para su disco en el Funkhaus Berlin. Se pueden encontrar, además, entrevistas con personajes de

sumo interés, como Yvonne Kálmán –hija del compositor–, Marta Eggerth y Clarissa Stolz-

Henry –hija adoptiva de Robert Stolz–. El material de archivo utilizado es una selección de varias grabaciones de opereta –Ein Lied geht um die Welt, Ich liebe Alle Fraun–,

documentos radiofónicos, hits fonográficos –por Richard Tauber, Joseph Schmidt, Helge

Rosvaente, Jan Kiepura–, además de otros documentales históricos. Richard Tauber (1891-1948) y Joseph Schmidt (1904-1942) fueron dos de los grandes tenores del momento. Tauber, austríaco de nacimiento, fue considerado como uno de los más grandes cantantes del siglo XX y gozó de gran popularidad. Poseía un timbre de tenor spinto inconfundible. Triunfó en las grandes ciudades de Europa, fue incomparable intérprete de Mozart y Schubert y de las operetas de su amigo Franz Lehár. Cuando Alemania y Austria se unieron en 1938 se exilió en Inglaterra donde murió. Su última actuación fue como Don Ottavio en Don Giovanni. Grabó 735 discos y participó en varias películas, entre ellas El país de las sonrisas sobre la opereta homónima donde cantaba la canción que lo hizo famoso: Dein ist mein ganzes Herz [Tuyo es mi corazón]. En 1950 se creó el Premio Richard Tauber en su honor, instaurando una competición para jóvenes cantantes. Schmidt fue un tenor austro-rumano de gran facilidad en el registro agudo, poseedor de un canto intuitivo y fácil. Hijo de judíos ortodoxos, desde muy joven cantaba en coros y pudo desarrollar su talento para el canto. Por su corta estatura [150 cm.] tuvo limitaciones para la ópera escenificada, por lo que fue la radio la que le dio inmensa fama en Alemania. Entre 1929 y 1933 cantó en más de 37 óperas para Radio Berlin, llegando a ser conocido como el tenor del pueblo. Gracias a su éxito debutó en el teatro con La bohème en 1939 y filmó varias películas. Una de ellas, titulada Una canción da la vuelta al mundo, fue pensada para él. Los nazis le prohibieron actuar en Alemania y Austria, pero continuó cantando en Bélgica, Holanda y Francia con regularidad.

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Documental: Eres el mundo para mí Con Jonas Kaufmann Estreno 29 de octubre 20:35 Argentina/Uruguay | 18:35 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Tanto el concierto como este documental homónimos cobran todo su sentido con su visionado conjunto. No se entienden al 100% el uno sin el otro. Así es que les invitamos a descubrir los entresijos del repertorio interpretado en el concierto por el gran tenor Jonas Kaufmann, trasladándose al Berlin de los años 20 y 30 del pasado siglo. Una aventura fascinante que le maravillará.

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El gran tenor alemán resucita la música del Berlin en los últimos años de la República de

Weimar, en un concierto que le enganchará.

Género: concierto, música clásica, música contemporéna, voz.

Intérpretes: Jonas Kaufmann, Julia Kleiter.

Director: Jochen Rieder.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlin.

Año: 2014.


Eres el mundo para mí, evocador título para este magnífico programa, en el que el gran tenor alemán Jonas Kaufmann, probablemente el tenor de moda, propone quince piezas de opereta alemana con las que se rinde homenaje a Richard Tauber, Joseph Schmidt y otros de los grandes tenores en el Berlin de los años 20 y 30. El cine y la canción ligera hicieron de estos tenores auténticas estrellas, en una carrera paralela a la de su desarrollo lírico. Tras su triunfo indiscutible en un concierto antes cientos de personas en Berlín en 2011, Kaufmann quiso recuperar piezas de opereta alemana y convertirlas en páginas de repertorio para ofrecer como propina en sus numerosos conciertos. Este programa no es solo recopilación de aquellas hermosas melodías de una época dorada, sino que se detiene de forma profunda en los detalles de cada obra con el fin de imponer la estética adecuada a cada una de ellas. Y no es solo música, sino que pretende ser un reflejo de la manera de vivir la música en aquellos años de ensueño, en los que la línea entre la música clásica y la popular era más fina de lo que ha sido nunca, puesto que los compositores hacían uso de las grandes voces líricas para emocionar y divertir a partes iguales.

Concierto: Jonas Kaufmann Eres el mundo para mí Estreno 29 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



Nacido en Munich, Kaufmann estudió canto en la Academia de Música y Teatro de dicha ciudad. Comenzó su carrera en los teatros de ópera de Saarbrücken y Stuttgart antes de integrar la Ópera de Zurich. Desde su debut en el Metropolitan Opera de Nueva York en 2006, canta los roles principales en los teatros líricos más importantes del mundo, como La Scala, la Ópera de Paris, Wiener Staatsoper, Bayerische Staatsoper München y la Royal Opera House de London. Su amplísimo repertorio incluye ópera italiana, francesa y alemana, así como lied alemán, francés e inglés; oratorio y opereta. Su extraordinaria versatilidad se ha registrado en múltiples CDs y DVDs: Pagliacci, Cavalleria Rusticana, Don Carlo, Tosca, Adriana Lecouvreur, Werther, Carmen, Lohengrin, La Valquiria, Parsifal, Los hijos del rey y Ariadna en Naxos. Sus álbumes solistas son verdaderos éxitos de ventas, como el de este mismo recital, un auténtico boom que incluso encabezó las listas de ventas de música popular. Kaufmann ha sido nombrado varias veces Cantante del Año por las revistas de música clásica Opernwelt, Diapason y Musical America, como por los jurados de Eco-Klassik y de la primera edición de los International Opera Awards [Londres, 2013]. También ha sido aclamado por sus recitales de lieder de Schumann, Schubert, Wagner, Mahler, Strauss, Liszt, Duparc y Britten, entre otros. Su trabajo con el pianista Helmut Deutsch, con quien comenzó a colaborar en su época de estudiante en Munich, se concretó en innumerables conciertos, incluyendo el del 30 de octubre de 2011 en el Metropolitan Opera de Nueva York. Este fue el primer recital solista en el escenario del Met desde el regreso de Luciano Pavarotti en 1994.

Las obras que componen este magnífico concierto pertenecen a algunos de los compositores más importantes del momento: Freunde, das Leben ist lebenswert!, de Giuditta; Hab’ ein blaues Himmelbett, de Frasquita; Gern hab’ ich die Frau’n geküsst; de Paganini; Dein ist mein ganzes Herz, de Das Land des Lächelns [Franz Lehár]; Grüß mir mein Wien, de Gröfin Mariza [Emmerich Kálmán]; Frag’ nicht, warum ich gehe, de Das Lied ist aus; Im Traum hast Du mir alles erlaubt, de Das Liebeskommando [Robert Stolz]; Ein Lied geht um die Welt [Hans May]; Es muss was Wunderbares sein, de Im weißen Rössl [Ralf Benatzky]; Du bist die Welt für mich!, de Der singende Traum [Richard Tauber]; Heute Nacht oder nie, de Das Lied der Nacht [Mischa Spoliansky]; Irgendwo auf der Welt, de Der blonde Traum [Richard Heymann]; Glück, das mir verblieb, de Die Tote Stadt [Erich W. Korngold]; Reich mir zum Abschied noch einmal die Hände, de Viktoria und ihr Husar; e Ich hab’ ein Diwanpüppchen, de Die Blume von Hawaii [Paul Abraham].

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Concierto: Jonas Kaufmann Eres el mundo para mí Estreno 29 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Jonas Kaufmann es uno de los grandes tenores líricos de la actualidad. Presenta en este magnífico programa Eres el mundo para mí, un interesante y poco transitado repertorio del Berlin de los años 20 y 30 del pasado siglo, en el que está acompañado por la soprano Julia Kleiter, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlin y la batuta de Jochen Rieder.













La intérprete georgiana protagoniza un excepcional recital a solas con el piano, en el que

realiza un bello recorrido desde el Barroco al siglo XX.

Género: concierto, música clásica, música barroca, música romántica, música contemporánea, piano.

Intérpretes: Khatia Buniatishvili, Gvantsa Buniatishvili.

Año: 2014.

Lugar: 2013


Khatia Buniatishvili (1987) es una joven pianista de origen georgiano, que comenzó a estudiar piano bajo la enseñanza de su madre a la edad de tres años. Dio su primer concierto con la Orquesta de Cámara en Tbilisi cuando contaba con tan solo seis. Desde los diez años ha sostenido ya una importante carrera en la que ha ofrecido conciertos en Europa, Rusia, Ucrania, Armenia, Israel y los EE.UU. Tras graduarse en la Escuela Central de Música de Tbilisi pasó a formarse en el Conservatorio Estatal de Tiflis en 2004. Buniatishvili, quien ha descrito el piano como «símbolo de soledad musical», lo escogió sobre el violín a pesar de su oído absoluto. Ella y su hermana Gvansta aprendieron juntas a tocar el piano, tocando dúos en su casa desde muy pequeñas. Buniatishvili ha interpretado con grandes orquestas a nivel mundial, como la Orquesta de Paris, la Filarmónica de Los Angeles, la Orquesta Sinfónica de Viena, la Orquesta Nacional de Francia o la Orquesta Filarmonia de Londres. También ha interpretado música de cámara con músicos como Gidon Kremer y Renaud Capuçon entre otros.

Concierto: Kathia Buniatishvili Mind in the Wilderness Estreno 30 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



En 2010 recibió el premio Borletti-Buitoni y se la incluyó en la serie documental de la BBC, Nueva Generación de Artistas. La Musikverein y Konzerthaus vienesas la nominaron como Rising Star para su temporada 2011/2012, y este último año fue galardonada con el premio de artista revelación en los premios Eco Klassik. En 2010 firmó un contrato con el sello discográfico Sony Classical, cuyo álbum de debut en 2011 marcó el 200.º aniversario del nacimiento de Franz Liszt, incluyendo alguna de sus mejores piezas. Classic FM declaró en su crítica del disco que «Buniatishvili es una artista joven con enorme temperamento y técnica, que hace que uno piense en la joven Martha Argerich». A dicha grabación le siguió un álbum dedicado a Chopin en 2012, en el que combinaba obras para piano solo con su Concierto para piano nº. 2, acompañada por la Orquesta de Paris y la dirección de Paavo Järvi. The Guardian escribió al respecto: «esta es una interpretación que viene directamente del corazón de una de las más apasionantes y técnicamente dotadas jóvenes pianistas de hoy en día». En 2014, Buniatishvili lanzó su tercer álbum para Sony Classical, titulado Motherland.

Las interpretaciones de Buniatishvili han sido descritas con «un aura de soledad elegante e incluso de melancolía». Es una perfecta caracterización de esta pianista con una amplia paleta expresiva. Buniatishvili posee una musicalidad natural. Fuerza de la naturaleza, espíritu libre o libertad infinita son con frecuencia los atributos con que han descrito sus interpretaciones. El bosque como un lugar de magia y peligro, como ese lugar extraño y maravilloso en el que todo puede ocurrir, es un lugar poco común y magnífico desde el que ofrecer este recital. El repertorio comprende momentos alegres, melancólicos pasajes y episodios de evocación nocturna, todos virtuosamente trasladados a través de una experiencia única con una gran calidad, repleta de intimidad y un generoso ardor. El repertorio incluye obras de algunos de los grandes compositores de la historia junto a otros menos conocidos, con obras originales o arreglos para el piano de obras de otros géneros, en un recorrido por los siguientes autores: Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Frédéric Chopin, Piotr Ilich Tchaikovsky, Johannes Brahms, Maurice Ravel, Aleksandr Skrjabin, Antonín Dvořák, Igor Stravinsky, Astor Piazzola, Claude Debussy y Giya Kancheli, algunos de los cuales es interpretado a cuatro mano con su hermana Gvansta.

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Concierto: Kathia Buniatishvili Mind in the Wilderness Estreno 30 de octubre 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Más es menos. A veces, la música únicamente necesita de un instrumento y alguien que lo interpreta para lograr la mayor excelencia musical y conseguir emocionar por medio de una belleza magistral. Descubran la capacidad técnica y expresiva de la pianista Khatia Buniatishvili en este magnífico recital, que transita por la música de Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Frédéric Chopin, Piotr Ilich Tchaikovsky, Johannes Brahms, Maurice Ravel, Aleksandr Skrjabin, Antonín Dvořák, Igor Stravinsky, Astor Piazzola, Claude Debussy y Giya Kancheli.

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ALLEGRO HD 235 LINCOLN ROAD, SUITE 201

MIAMI BEACH, FL 33139 USA

Destacados de Programación Octubre 2016 -...

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