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Allegro HD – Destacados de Programación – Mayo 2017

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Destacados de Programación – Mayo 2017



Destacados de Programación Mayo 2017

ÓPERA – Aida, ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi – Estreno 1 de mayo – Pág. 3

ÓPERA – Lucia di Lammermoor, ópera en tres actos de Gaetano Donizetti – Estreno

6 de mayo – Pág. 5

Gustavo Dudamel: clase magistral DOCUMENTAL – Escuela para el oído: Gustavo Dudamel & Orquesta Sinfónica Simón

Bolívar – Estreno 6 de mayo – Pág. 7 CONCIERTO – Gustavo Dudamel & Orquesta Sinfónica Simón Bolívar: Beethoven &

Mussorgsky – 6 de mayo – Pág. 9

CONCIERTO – Bertrand de Billy & Orquesta de Cámara de Lausanne en la Maison de la Radio – Estreno 7 de mayo – Pág. 11

ÓPERA – Doña Francisquita, comedia lírica en tres actos de Amadeo Vives – Estreno

13 de mayo – Pág. 13

ÓPERA – Roméo et Juliette, ópera en cinco actos de Charles Gounod – 14 de mayo – Pág. 15

DOCUMENTAL – Frank Sinatra: la voz de América – 14 de mayo – Pág. 17

CONCIERTO – Orquesta de París & Alondra de la Parra – Estreno 14 de mayo – Pág.

19

CONCIERTO – Una celebración barroca: Le Concert d’Astrée & Emmanuelle Haïm –15 de mayo – Pág. 21

ÓPERA – Fidelio, ópera en tres actos de Ludwig van Beethoven – Estreno 20 de

mayo – Pág. 23

ÓPERA – La forza del destino, ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi – 21 de mayo – Pág. 25

Jazz – Alter Ego(s): Yaron Herman e invitados – Estreno 21 de mayo – Pág. 27

ÓPERA – Un ballo in maschera, ópera en tres actos de Giuseppe Verdi – 27 de mayo

– Pág. 29

CONCIERTO – Elías, de Felix Mendelssohn – Estreno 27 de mayo – Pág. 31

ÓPERA – Manon, ópera en cinco actos de Jules Massenet – 28 de mayo – Pág. 33

CONCIERTO – Daniel Barenboim & West-Eastern Divan Orchestra en Marsella – Estreno 28 de mayo – Pág. 35



Quizá la más célebre ópera verdiana, en una excepcional producción de la Ópera de San

Francisco, con Luciano Pavarotti como cabeza de cartel.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Margaret Price, Luciano Pavarotti, Kurt Rydl, Stefania Toczyska, Kevin Langan, Colenton Freeman, Susan Quittmeyer, Simon Estes; Ballet de la Ópera de San Francisco, Christian Holder; Coro de la Ópera de San Francisco; Sam Wanamaker [dirección de escena], Douglas Schmidt [escenografía], Lawrence Casey [vestuario], Thomas J. Munn [iluminación], Margo Sappington [coreografía].

Director: Luis Antonio García Navarro.

Orquesta: Orquesta de la Ópera de San Francisco.

Año: 1981.

Lugar: Ópera de San Francisco.

Duración: 164 minutos.

Aida es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) y libreto en italiano de Antonio Ghislanzoni, basado en la versión francesa de Camille du Locle de la historia propuesta por el egiptólogo francés Auguste Mariette. Tuvo su estreno en el Teatro de Ópera del Jedive en El Cairo, el 24 de diciembre de 1871, dirigida por Giovanni Bottesini. Siempre se ha admitido que Mariette inventó y escribió la historia durante sus trabajos arqueológicos sobre la época de los faraones y que, partiendo de ella, du Locle creó un libreto para Verdi. Aun así, hay un hecho llamativo: en un libreto del celebérrimo Pietro Metastasio, poeta de la corte de Viena y autor del texto de varios centenares de

Ópera: Aida Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi Estreno 1 de mayo 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador



óperas barrocas, hay ya una historia parecida, el amor de un general egipcio, que tiene el favor de la hija del faraón, por una esclava extranjera. El libreto se titula Nitetti y ha sido puesto en música varias veces. De todos modos, en la época de Mariette estaba totalmente olvidado. ¿Es posible que Metastasio y Mariette se basaran en la misma antigua fuente egipcia? Giuseppe Verdi, después de las numerosas experiencias desagradables que había sufrido con Don Carlo en París y con óperas anteriores en otros lugares, sobre todo en Italia, se hizo de rogar mucho antes de mostrarse dispuesto a componer una nueva ópera. Y ocurrió solo cuando tuvo delante la sinopsis de Camille du Locle, el amigo parisiense y director de la Opéra Comique, y vio en ella todo lo que podía esperar de un libreto interesante. Entonces confió al eficaz Antonio Ghislanzoni la redacción del libreto, en el que intervino más que nunca en la elaboración dramática y literaria.

Aída es una de las obras maestras de la ópera. La ópera italiana, la ópera romántica y la mal llamada gran ópera encuentran aquí uno de sus puntos culminantes, aunque es también posible ver en Aida un verdadero drama musical. El desarrollo de la ópera es totalmente consecuente y está sometido a ciertos presupuestos: la tendencia general de la época se dirige hacia la ópera integral, a la ópera que ya no se divide en números, que además se hace más profunda desde el punto de vista dramático y psicológico, y en la que el texto adquiere una nueva significación, llega a una relación nueva con la música; la técnica del leitmotiv se presenta también en Aida, haciéndolo sonar todas las veces que se habla de la unión íntima de Aida y Radames, o incluso cuando solo se piensa en ella, es la consecuencia de su desarrollo natural. En este drama Verdi alcanza una diferenciación de la instrumentación que hasta entonces era infrecuente en la ópera italiana. Se encontraba en ese momento, a los sesenta años, en la cumbre de su inspiración y de su capacidad.

Verdi no viajó a El Cairo para el estreno, pues los viajes por mar estaban muy lejos del ánimo del autor. Por medio de un telegrama se enteró aquella misma noche del extraordinario triunfo de su obra. Despertó gran júbilo la marcha triunfal, para la cual el director de orquesta Giovanni Bottesini había llevado unidades del ejército egipcio, que también tocaron las trompetas de Aida. La obra sigue siendo vital dentro del repertorio operístico estándar y aparece como la número 13.º en la lista de Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo para el período 2005-2010.

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Ópera: Aida Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi Estreno 1 de mayo 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Si hay una ópera, dentro la inmensa producción dramática de Giuseppe Verdi, que haya trascendido países, siglos e intérpretes, es sin duda Aida, obra maestra de la escena que le traemos aquí en la legendaria producción de la Ópera de San Francisco, con las voces de Margaret Price, Luciano Pavarotti, Kurt Rydl, Stefania Toczyska, Kevin Langan, Colenton Freeman, Susan Quittmeyer y Simon Estes. Les acompañan la Orquesta, Coro y Ballet de la Ópera de San Francisco, todos bajo la dirección musical de Luis Antonio García Navarro y la escénica de Sam Wanamaker.



Una de las grandes óperas del autor italiano, en una producción de la Fundação Clóvis

Salgado y del Grande Teatro do Palácio das Artes, en Belo Horizonte.


Intérpretes: Jaquelina Livieri, Eric Herrero, Leonardo Neiva, Murilo Neves, Santiago Ballerini, Aline Lobão y Mateus Pompeu; Coral Lírico de Minas Gerais; André Heller-Lopes [dirección de escena], Renato Theobaldo [escenografía], Sofia Di Nunzio [vestuario], Gonzalo Córdova [iluminación].

Director: Silvio Viegas.

Orquesta: Orquestra Sinfônica de Minas Gerai.

Año: 2015.

Lugar: Grande Teatro do Palácio das Artes, Belo Horizonte.


Lucia di Lammermoor [Lucía de Lamermoor] es un drama trágico en tres actos con música de Gaetano Donizetti y libreto en italiano de Salvatore Cammarano, basado en la novela The Bride of Lammermoor de Sir Walter Scott. Donizetti compuso esta ópera en 1835, un momento de su vida en el que varios factores le habían llevado a la cumbre de su reputación como compositor de ópera. Gioachino Rossini se acababa de retirar y Vincenzo Bellini había muerto poco después del estreno de Lucia, por lo que Donizetti quedó como el único genio reinante de la ópera italiana. La ópera triunfó no solamente por el interés suscitado por el Donizetti compositor, sino que también existía en Europa un creciente

Ópera: Lucia di Lammermoor Ópera en tres actos de Gaetano Donizetti Estreno 6 de mayo 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador



interés por la historia y la cultura de Escocia: una visión romántica de sus violentas guerras y enemistades, además de su folclore y su mitología, intrigaban a los lectores el público del siglo XIX. Sir Walter Scott había usado estos estereotipos en su novela La novia de Lammermoor, que inspiró varias obras musicales, además de esta Lucia de Donizetti. La historia se refiere a Lucy Ashton, una joven mentalmente frágil que se ve atrapada en la enemistad entre su propia familia y la de los Ravenswood. Se ambienta en las colinas Lammermuir [Lammermoor], en la Escocia del siglo XVII. Tuvo su estreno en el Teatro de San Carlos en Nápoles el 26 de septiembre de 1835. Donizetti revisó la partitura para una versión en francés posterior, Lucie de Lammermoor, que fue estrenada el 6 de agosto de 1839 en el Théâtre de la Renaissance en París. A pesar de todo, durante largo tiempo esta ópera fue considerada como mera pieza de lucimiento para sopranos de coloratura y no se la consideraba una parte sustancial del repertorio operístico. Tras la Segunda Guerra Mundial, un pequeño número de sopranos

muy capaces, especialmente Maria Callas –con interpretaciones desde 1952 y especialmente aquellas de La Scala y Berlín en 1954/55 bajo la dirección de Herbert von

Karajan– y después Dame Joan Sutherland –con sus interpretaciones de 1959 en la Royal

Opera House Covent Garden, que se repitieron en 1960–, revivieron la ópera en toda su gloria trágica original. Desde su renacimiento, Lucía de Lammermoor se ha convertido en una referencia del repertorio operístico estándar, apareciendo como número 19.ª en la lista de las óperas más representadas en el mundo, la 11.ª en Italia y la 2.ª de su autor, tras El elixir de amor. Después de que la Lucia di Lammermoor original fue representada en París, el Théâtre de la Renaissance encargó a Donizetti una versión en francés, Lucie de Lammermoor, con libreto de Alphonse Royer y Gustave Vaëz, no es una simple traducción, pues Donizetti alteró algunas de las escenas y los personajes. Entre los cambios más notables se citan la desaparición del rol de Alisa, la amiga de Lucía. Esto permite a la versión francesa aislar a Lucía y dejar un impacto emocional más fuerte que en el original. Más aún, Lucía pierde la mayor parte del apoyo de Raimondo; su papel queda considerablemente disminuido mientras que crece el personaje de Arturo. Donizetti creó además un nuevo personaje, Gilbert, basado libremente en el cazador de la versión original. Sin embargo, es una figura más desarrollada, que sirve igualmente a Enrico y Edgardo, divulgando sus secretos al otro por dinero. La versión en francés suele ser representada con menor frecuencia que la versión italiana.

Enlaces de imágenes:

Ópera: Lucia di Lammermoor Ópera en tres actos de Gaetano Donizetti Estreno 6 de mayo 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Gaetano Donizetti es uno de los mejores operistas de la historia. Muchos de sus dramas han traspasado el tiempo y se han mantenido en el imaginario colectivo de la ópera mundial. Lucia di Lammermoor es, sin duda, uno de sus grandes títulos. Se la ofrecemos aquí en las voces de Jaquelina Livieri, Eric Herrero, Leonardo Neiva, Murilo Neves, Santiago Ballerini, Aline Lobão y Mateus Pompeu. Les acompaña la Orquestra Sinfônica de Minas Gerais y Coral Lírico de Minas Gerais, todos bajo la dirección de Silvio Viegas.



Una extraordinaria clase magistral de la mano de Gustavo Dudamel al frente de la

orquesta que le vio nacer: la Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela.

Género: documental, música clásica, música romántica, música sinfónica.

Director: Gustavo Dudamel.

Orquesta: Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela.

Año: 2009.

Lugar: Grosse Universitätsaula, Salzburg.


El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, obra social y cultural del Estado venezolano, también conocida como El Sistema, fue concebido y fundado en 1975 por el maestro y músico venezolano José Antonio Abreu para sistematizar la instrucción y la práctica colectiva e individual de la música a través de orquestas sinfónicas y coros, como instrumentos de organización social y de desarrollo humanístico. Un movimiento fundamental en el desarrollo musical y pedagógico del país, que reconoce al movimiento orquestal como una oportunidad para el desarrollo personal en lo intelectual, en lo espiritual, en lo social y en lo profesional, rescatando al niño y al joven de una juventud vacía, desorientada y desviada. A José Antonio Abreu, gerente, emprendedor, maestro insigne, tutor de varias generaciones de venezolanos y fundador del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, hay que

Documental: Escuela para el oído Gustavo Dudamel & Orquesta Sinfónica Simón Bolívar

Estreno 6 de mayo 20:30 Argentina/Uruguay | 18:30 Colombia/Ecuador



definirlo con una sola palabra: visionario. Este músico venezolano, sembrador de ilusiones y constructor de sueños, ha llevado a cabo una tarea que supera el horizonte musical y cultural, y se inserta en el rescate y formación de la juventud venezolana y latinoamericana. Así titulaba el diario El Nacional una noticia sobre la Orquesta Nacional Juvenil aparecida el 2 de febrero de 1976. Convertido y asumido como el lema del Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, Tocar y luchar, refleja la determinación y el empeño que siempre han caracterizado a sus integrantes y que han hecho de El Sistema el proyecto orquestal y social más importante de la historia musical venezolana. Gustavo Dudamel es sin duda uno de los directores referenciales en el panorama de la música clásica actual. A pesar de su juventud, el artista venezolano llevo años ocupando un lugar de privilegio en el complejo y exigente mundo de la dirección orquestal, merced a su gran talento musical y su enorme carisma. Se formó desde su infancia en el Sistema, del que es su buque insignia. La pasión con la que dirige continúa vigorizando a públicos de todas las edades en todo el mundo. Actualmente es el director musical de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela y de la Filarmónica de Los Ángeles, y el impacto de su liderazgo musical se siente en varios continentes. Mientras su compromiso como director musical en los Estados Unidos y Venezuela representa la mayor parte de su calendario anual, Dudamel es invitado cada temporada a dirigir algunas de las más prestigiosas orquestas del mundo.

El trabajo de la clase se centra en una gran obra, la Sinfonía n.º 1, »Titan», de Gustav Mahler (1860-1911), uno de los compositores fetiches para Dudamel. La sinfonía fue comenzada en el año 1884, sin embargo no como una sinfonía, sino como un poema sinfónico de grandes dimensiones y que adquiere el título de Titan por la novela homónima de Jean Paul, a pesar de que en realidad parece que Mahler no se inspiró en ella para la composición. Mahler utiliza material procedente de su malograda ópera Rübezahl y trabajó sobre ella de forma recurrente y casi obsesiva. Terminada en 1888, la primera versión se estrenó en Budapest en 1889, llevando como nombre Symphonische Dichtung in zwei Teilen, siendo en 1983 cuando la reestrena en Hamburg bajo el nombre de Titan, aunque todavía volvería a trabajar sobre ella y finalmente se estrenará en Berlin [1896] ya sin el sobrenombre y en la forma que nos ha llegado finalmente. Obra de transgresora factura, sufrió un estreno en cierta manera complicado y bastante frío por parte del público y la crítica. Sea como fuere, la obra se revela como una obra genial que no es comprendida en su momento, quizá porque se adelantada varios años a lo que está por llegar, denotando así la capacidad creadora de Mahler, que sin duda apoyan la visión de que es uno de los compositores más trascendentes de finales del XIX.

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Documental: Escuela para el oído Gustavo Dudamel & Orquesta Sinfónica Simón Bolívar Estreno 6 de mayo 20:30 Argentina/Uruguay | 18:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: No siempre se puede asistir a toda una lección magistral de la mano de uno de los grandes directores del siglo XXI, y mucho menos desde la comodidad de su hogar. Le invitamos a disfrutar de Gustavo Dudamel y la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela en esta clase práctica sobre la magnífica Sinfonía n.º 1, «Titan», de Gustav Mahler, al auspicio del célebre Festival de Salzburg.

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La orquesta que creó al genio, a la que vuelve para ser su director: una historia de

superación artística para deleitarse.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música postromántica, piano, violín, violonchelo.

Intérpretes: Martha Argerich, Renaud Capuçon, Gautier Capuçon.

Director: Gustavo Dudamel.

Orquesta: Orquesta Joven Simón Bolívar de Venezuela.

Año: 2008.

Lugar: Grosses Festspielhaus, Salzburg.


El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, obra social y cultural del Estado venezolano, también conocida como El Sistema, fue concebido y fundado en 1975 por el maestro y músico venezolano José Antonio Abreu para sistematizar la instrucción y la práctica colectiva e individual de la música a través de orquestas sinfónicas y coros, como instrumentos de organización social y de desarrollo humanístico. Un movimiento fundamental en el desarrollo musical y pedagógico del país, que reconoce al movimiento orquestal como una oportunidad para el desarrollo personal en lo intelectual, en lo espiritual, en lo social y en lo profesional, rescatando al niño y al joven de una juventud vacía, desorientada y desviada. A José Antonio Abreu hay que definirlo con una sola palabra: visionario. Este músico venezolano, sembrador de ilusiones y constructor de sueños, ha llevado a cabo una tarea que supera el horizonte musical y

Concierto: Orquesta Joven Simón Bolívar de Venezuela & Gustavo Dudamel Beethoven & Mussorgsky 6 de mayo 21:15 Argentina/Uruguay | 19:15 Colombia/Ecuador



cultural. Convertido y asumido como el lema del Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, Tocar y luchar, refleja la determinación y el empeño que siempre han caracterizado a sus integrantes y que han hecho de El Sistema el proyecto orquestal y social más importante de la historia musical venezolana.

Gustavo Dudamel se ha erigido como una de las más rutilantes y destacadas figuras en

la dirección orquestal a nivel mundial. Educado en la música desde la infancia –hijo de un

trombonista y una cantante–, Dudamel obtuvo una cuidada educación musical dentro de El Sistema y con doce años dirigió por primera vez la orquesta de Barquisimeto por casualidad, lo que sin duda cambiaría su vida. Rápidamente se convirtió en el asistente del director de la orquesta y a los quince años se alzó en el podio de la Orquesta Juvenil Simón Bolívar. A partir de ahí, su carrera iría de éxito en éxito y de orquesta en orquesta, pasando a estar al frente de varias de las orquestas sinfónicas más importantes del mundo. El hijo pródigo vuelve a la que fue su orquesta, convertido ahora en el máximo referente de la misma.

La velada se compone de dos excepcionales obras. El Concierto para violín, violonchelo y piano en Do mayor, Op. 56, de Ludwig van Beethoven (1770-1829), conocido comúnmente como Triple concierto, que fue compuesto entre 1804 y 1805. Se interpretó varias veces en público desde entonces, aunque su estreno «oficial» tuvo lugar en 1808, durante los conciertos de verano del palacio de Augarten, Viena. Es probable que en ese estreno los solistas fueran Ignaz Schuppanzigh (violín), Anton Kraft (chelo) y el propio compositor. Por otro lado, una gran obra puramente orquestal, Cuadros de una exposición, célebre composición de Modest Mussorgsky (1838-1891), que fue en origen una suite de piezas para piano, aunque su fama posterior se debe especialmente a la orquestación que el compositor Maurice Ravel (1875-1937) realizó en 1922. El autor ruso se inspiró por la exposición póstuma de diez pinturas y escritos de su gran amigo, Víktor Hartmann, un

notable artista a quien Vladimir Stasov –escritor, crítico musical y asesor del Círculo de

Balakirev– quiso dedicar dicha exposición. Como un homenaje, el compositor quiso dibujar en música, algunos de los cuadros expuestos y dedicó la partitura a Stasov.

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Concierto: Orquesta Joven Simón Bolívar de Venezuela & Gustavo Dudamel Beethoven & Mussorgsky 6 de mayo 21:15 Argentina/Uruguay | 19:15 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Le invitamos a descubrir la sensación del Festival de Salzburg en 2008: la Orquesta Joven Simón Bolívar de Venezuela se une al gran talento de Gustavo Dudamel y a tres solistas de excepción, Martha Argerich, Ranaud Capuçon y Guatier Capuçon, para ofrecer dos magníficas obras de repertorio: el Concierto triple, para piano, violín y violonchelo, de Ludwig van Beethoven, y Cuadros de una exposición, la magistral pieza orquestal de Modest Mussorgsky, en un evento único.

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Una fantástica velada protagonizada por una de las mejores orquestas de cámara a nivel

mundial, con un programa triple Fauré/Messiaen/Mozart.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, flauta travesera, arpa, piano, ondes Martenot.

Intérpretes: Sarah Louvion [flauta travesera], Letizia Belmondo [arpa], Claire Désert [piano], Valérie Hartmann-Clavarie [ondes Martenot]; Escolanía de Radio Francia.

Director: Bertrand de Billy.

Orquesta: Orquesta de Cámara de Lausanne.

Año: 2015.

Lugar: Maison de la Radio, Paris.


Masques et bergamasques Op. 112 es un sutil homenaje al mundo de las fêtes galantes del siglo XVIII, llevado a cabo en pleno siglo XX por el compositor francés Gabriel Fauré (1845–1924). Compuesta en los últimos años de la vida del compositor, Masques et bergamasques se escucha actualmente como una suite orquestal, a pesar de que surgió en un formato inusual. La última pieza, la Pavana Op. 50, es una de las obras más famosas del compositor. Interpretada por primera vez en Montecarlo el 10 de abril de 1919, fue un encargo realizado por Alberto I de Mónaco. Se ideó como acompañamiento un divertimento en un acto, diversión cantada y bailada, con escenografía de René Fauchois inspirada por Paul Verlaine, relatando como los miembros de la troupe de la Commedia dell'arte espiaban los encuentros amorosos de los aristócratas y su audiencia. Casi todos los movimientos se basan en obras primigenias del propio compositor galo. El título Masques et bergamasques [Máscaras y bergamascas] hace alusión a la bergamasca, una

Concierto: Bertrand de Billy & Orquesta de Cámara de Lausanne Estreno 7 de mayo 21:15 Argentina/Uruguay | 19:15 Colombia/Ecuador



danza popular originaria de Bérgamo y muy conocido en los siglos XVII y XVIII. La idea tiene su origen en la línea inicial del poema de Verlaine cantado en el sexto movimiento: Votre âme est un paysage choisi / Que vont charmant masques et bergamasques. Fauré dijo que Masques et bergamasques es como la impresión que te producen las pinturas de Watteau.

Trois petites liturgies de la présence divine [Tres pequeñas liturgias de la presencia divina] es una obra de Olivier Messiaen (1908-1992) para coro de voces blancas, piano

solo, ondes Martenot y orquesta –sin vientos–. El libreto de la obra fue escrito por el propio Messiaen. Trois petites liturgies fue un encargo de Denise Tual para los Concierts de la Pléiade en París y fue compuesto durante la Segunda Guerra Mundial, entre el 15 de noviembre de 1943 y el 15 de Marzo de 1944. Messiaen originalmente la concibió como una obra para dos pianos, ya que había alcanzado el éxito en ese formato previamente con Visions de l'amen. Las palabras cantadas evocan la presencia de Dios en sí mismo y en todas las cosas, como indica el título. Para el propio Messiaen, cada movimiento describe una faceta diferente de la presencia de Dios. La obra se estrenó durante los Conciertos de la Pléiade en el Ancien Conservatoire el 21 de abril de 1945. El estreno fue un éxito. Entre el público se encontraban personalidades de la talla de Arthur Honegger, Georges Auric, Francis Poulenc, André Jolivet, Georges Braque, Paul Eluard, Pierre Boulez o Pierre Henry. Aunque la obra fue muy bien recibida por el público, los críticos reaccionaron con dureza. La obra provocó una polémica en la que llegó a ser conocida como la bataille des liturgies. Los dos principales puntos de discusión fueron la calidad y la pertinencia de los comentarios de Messiaen y el uso de sonidos inusuales para expresar los temas religiosos.

El Concierto para flauta, arpa y orquesta en Do mayor, KV 299/297c, es una composición de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Es uno de los dos conciertos dobles que escribió y su única pieza para arpa como instrumento solista. El concierto es uno de los más populares en el repertorio del instrumento. Fue compuesto en abril de 1778 durante un viaje desde París hasta la corte de Guînes. Fue encargado, aunque nunca pagado, por Adrien-Louis de Bonnières, Duque de Guînes, intérprete de flauta, que a su vez contaba con una hija arpista que tomaba lecciones de composición con Mozart.


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Concierto: Bertrand de Billy & Orquesta de Cámara de Lausanne Estreno 7 de mayo 21:15 Argentina/Uruguay | 19:15 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Magnífico ejemplo de variedad musical, en la que dicen está el gusto. Los solistas Sarah Louvion, Letizia Belmondo, Claire Désert y Valérie Hartmann-Clavarie se unen a la Escolanía de Radio Francia y la Orquesta de Cámara de Lausanne para interpretar este programa triple, protagonizado por Masques et Bergamasques Op. 112, de Gabriel Fauré; Trois petites liturgies de la présence divine, de Olivier Messiaen; y el Concierto para flauta travesera y arpa en Do mayor, de Wolfgang Amadeus Mozart.

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Una de los grandes títulos de la zarzuela del siglo XX, que llega en excepcional

coproducción del Teatro Colón, el Teatro de la Zarzuela y el Théâtre du Capitole.

Género: ópera, zarzuela, música clásica, voz.

Intérpretes: Elisandra Melián, Clara Mouriz, Joel Prieto, Jesús Álvarez, Pilar Vázquez, Leonardo Estévez, César San Martín, Marga Cloquell, Pablo García-López, Catherine Alcoverro, Thierry Vincent, Christine Sinibaldi, Isabelle Russo, Bruno Vincent; Coro del Capitolio; Emilio Sagi [dirección de escena], Goyo Montero [coreografía], Ezio Frigerio [decorados], Franca Squarciapino [vestuario], Eduardo Bravo [iluminación].

Director: Josep Caballé.

Orquesta: Orquesta Nacional del Capitolio.

Año: 2014.

Lugar: Teatro del Capitolio, Toulouse.


Doña Francisquita, zarzuela de Amadeo Vives, denominada comedia lírica en tres actos, con libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, basada en la comedia La discreta enamorada de Félix Lope de Vega. Tuvo su estreno en el Teatro Apolo de Madrid el 17 de octubre de 1923. Esta denominada comedia lírica se retrasa dos siglos respecto a la contemplada por Lope, con lo que queda salpicada del madrileñismo cantado por Galdós y por Mesonero Romanos. En la gestación de la obra tal y como hoy la conocemos abundan los sucedidos, empezando por la forma de componer de Vives que se

Ópera: Doña Francisquita Comedia lírica en tres actos de Amadeo Vives Estreno 13 de mayo 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador



anticipaba al libreto mediante lo que llamaban el monstruo, una especie de andamio literario sobre el que el compositor escribía su música, para luego ser sustituido por el libretista y el texto final. También se admite generalmente que el maestro recurrió al archivo municipal de Madrid para estudiar tonadillas que utilizó en su obra, siendo por ello acusado de plagio, aunque no ha sido demostrado posteriormente. No faltó la peripecia física en forma de accidente, que sufrió el maestro días antes del estreno y que obligó a que la instrumentación de algunos números la terminasen otros compositores, entre ellos Conrado del Campo, Turina y Pablo Luna. Antes de escoger el título se barajaron otros como Doña Manolita, Felipa y Felipita, Doña Mariquita… Tras su estreno, Vives suprimió un dúo de Francisquita y Francisca y por contra el dúo de Francisquita y Fernando, Le van a oír no sea usted imprudente, no figuró en la partitura hasta el estreno en Barcelona.

El éxito fue apoteósico, repitiéndose muchos números, y Sol Burguete se hace eco de que el entusiasmado público llegaba a corear que en España, solo Vives y Belmonte. Estadísticamente se cuenta que en 20 años la obra se representó 5.210 veces, de las cuales 682 en Madrid y 896 en Barcelona. Este éxito no ha dejado de acompañarle en toda su historia, aunque el veredicto del público y de la crítica convirtió en principal el papel pensado como secundario de Aurora la Beltrana en detrimento del de Francisquita. En un principio, Doña Francisquita iba a tener cuatro actos, pero los autores en una de las tertulias perdieron el manuscrito original, por lo que tuvieron que escribir de nuevo rápidamente para poder presentárselo a Amadeo Vives. Al final alguien encontró el libreto original y se los remitió, por lo que pudieron comparar ambas versiones y coger de cada una lo mejor. Todas estas orquestaciones fueron revisadas y arregladas durante el viaje a América de Amadeo Vives con su compañía lírica. Amadeo Vives pudo escuchar el estreno gracias al teléfono que fue instalado en su casa y que tenía comunicación directa con el escenario del Teatro Apolo.

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Ópera: Doña Francisquita Comedia lírica en tres actos de Amadeo Vives Estreno 13 de mayo 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Doña Francisquita es uno de los títulos zarzuelísticos más poderosos en la historia del género. Es por eso que tres de los teatros más importantes de sus países, como son el Teatro Colón de Buenos Aires, el Teatro de la Zarzuela de Madrid y el Tháâtre du Capitole de Tolouse, unen sus fuerzas aquí para hacerle llegar una magnífica producción de esta inmortal obra de Amadeo Vives. Las roles protagonistas llegan en las voces de Elisandra Melián, Clara Mouriz, Joel Prieto, Jesús Álvarez, Pilar Vázquez, Leonardo Estévez, César San Martín, Marga Cloquell, Pablo García-López, Catherine Alcoverro, Thierry Vincent, Christine Sinibaldi, Isabelle Russo, Bruno Vincent. Están acompañados por la Orquesta y el Coro Nationale du Capitole, contando con la dirección musical de Josep Caballé y la escénica de Emilio Sagi.

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El clásico de Shakesperare pasado en la visión operística del autor francés y protagonizado

aquí por un dúo de lujo.

Género: ópera, música clásica, música romántica, verismo.

Intérpretes: Nino Machaidze, Rolando Villazón, Mikhail Petrenko, Russell Braun, Cora Burggraaf, Falk Struckmann, Juan Francisco Gatell, Susanne Resmark, Christian Van Horn, Mathias Hausmann, Jean-Luc Ballestra, Robert Murray; Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena; Bartlett Sher [dirección de escena], Michael Yeargan [escenografía], Catherine Zuber [vestuario], Jeniffer Tipton [iluminación], Chase Brock [coreografía], B.H Barry [escenas de lucha].

Director: Yannick Nézet-Seguin.

Orquesta: Orquesta del Mozartuem de Salzburg.

Año: 2008.

Lugar: Felsenreitschule, Salzburg.


Romeo y Julieta [Roméo et Juliette] es una ópera en un prólogo y cinco actos que Charles Gounod (1818-1893) compuso sobre libreto en francés de Jules Barbier y Michel Carré, basado en el famoso drama homónimo de William Shakespeare. Tuvo su estreno en el Théâtre-Lyrique Impérial du Châtelet de París, el 27 de abril de 1867. Esta ópera es, justo a Faust, la más célebre del autor francés y continúa en repertorio, aunque no está entre las más representadas. En Operabase aparece la n.º 60 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 5.ª en Francia y la segunda de Gounod, con 72 representaciones. A pesar de ello, según las estadísticas esta ópera encabeza, desde su estreno el 29 de abril de 1867, la lista de obras de más éxito en la Ópera de París.

Ópera: Roméo & Juliette Ópera en cinco actos de Charles Gounod 14 de mayo 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador



Además, la temporada de la Metropolitan Opera House de New York se inauguró durante lustros con esta obra. Su libreto, que se atiene al drama de Shakespeare con sorprendente fidelidad, procede, como el libreto de Faust, de Barbier y Carré. Narra el amor trágico de la pareja veronesa, modelo del amor leal y en argumento de numerosas obras musicales a lo largo de la historia. Después de haber logrado un gran éxito con Fausto, Gounod escribió ocho óperas más, aunque únicamente Mireille y Romeo y Julieta fueron recibidas con entusiasmo por el público. Esta última siempre había estado en el pensamiento de Gounod, pues la idea de poner en música una de las tragedias más conocidas de Shakespeare le emocionaba especialmente. Gounod se enamoró de la historia de los amantes desgraciados de Shakespeare a los diecinueve años, cuando asistió a un ensayo orquestal de la sinfonía dramática Romeo y Julieta de Berlioz. Aquel poderoso retrato musical de la tragedia shakespeariana marcó a Gounod profundamente. En 1841, durante su viaje a Italia, Gounod había pensado en escribir una ópera sobre la historia de Romeo y Julieta, utilizando el famoso libreto de Felice Romani, al que ya habían puesto música Bellini y Vaccai. Gounod hizo unos esbozos, pero el proyecto fue abandonado. Su ópera Fausto se había hecho popular en el Théâtre Lyrique desde su estreno en 1859, lo que llevó a un encargo del director. En 1864 Gounod se propuso crear la versión operística de Romeo y Julieta. Sus antiguos colaboradores siguieron la conocida tragedia escena a escena, preparando un libreto en solo tres meses. Simplificaron la historia original, eliminando personajes secundarios y reduciendo la trama a sus elementos esenciales; Gounod pudo así centrar su atención en el romance cautivador que es el núcleo de la trama.

En la primavera de 1865, inspirado por la belleza de la Riviera francesa, Gounod se dedicó a escribir. En una carta a su mujer Gounod admitió que escribir Romeo y Julieta le había hecho sentir como si hubiera vuelto a los veinte años de nuevo. La versión del año 1865 es una remodelación de los esbozos juveniles. Se trataba de una versión operística basada sobre la alternancia de números musicales y diálogos hablados pero de estos diálogos hablados nada queda. La versión del año 1867 es la versión del estreno, con la adición de algunas piezas. Romeo y Julieta llenó los teatros de ópera con multitud de admiradores fanáticos, pero no gustó a todo el mundo, pues Algunos críticos afirmaron que no estaba a la altura de Fausto.

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Ópera: Roméo & Juliette Ópera en cinco actos de Charles Gounod 14 de mayo 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Las obras de William Shakespeare han sido siempre una especie de imán para los autores de óperas de todas las épocas. Charles Gounod no fue menos, como podrá comprobar en esta magnífica obra, que cuenta con las voces protagonistas de dos impresionantes cantantes de la actualidad: Nino Machaidze y Rolando Villazón. La Orquesta del Mozarteum de Salzburg, el Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena y la dirección de Yannick Nézet-Séguin completan el plantel, en esta producción magnífica del Festival de Salzburg.

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Magnífico y novedoso documental sobre una de las grandes figuras de la música popular

urbana de la historia de la música occidental.

Género: documental, música, voz, música popular urbana, crooner.

Director: Annette Buameister.

Año: 2015.


Frank Sinatra representa como pocos el llamado sueño americano. Su trayectoria personal discurrió en paralelo a lo que estaba ocurriendo en el país en aquel momento. Hijo de emigrantes italianos, era la personificación del siglo XX: por sus ideas políticas, por haber ido a contracorriente, y por haberse convertido en un icono de la cultura popular estadounidense y de la música en todo el mundo. La canción I’ll Never Smile Again surgió a comienzos de la Segunda Guerra Mundial y convirtió a Sinatra en la voz de consuelo de toda una nación. Sinatra también fue el intérprete de la canción de campaña de Kennedy. Pero el tema que le haría inmortal sería New York, New York. Esta producción francesa de 2015, dirigida por Annette Baumeister y con la producción de Broadview TV y la coproducción con Arte y ZDF, muestra los detalles de la vida y la carrera de esta poliédrica figura. Francis Albert Sinatra (1915-1998), más conocido como Frank Sinatra, fue un cantante y actor estadounidense que ha pasado a la historia bajo el apodo de La voz, siendo una de las figuras más importantes de la música popular del siglo XX, legando a través de sus discos y actuaciones en directo un repertorio considerado hoy día como canónico en lo que respecta a la interpretación vocal masculina del mismo. Su popularidad llegó a ser

Documental: Frank Sinatra, la voz de América 14 de mayo 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador



inmensa y prácticamente constante a lo largo de toda su vida, aunque fueron especialmente exitosos los años cuarenta y cincuenta, siendo esta última década, gracias a sus grabaciones para Capitol, la que se considera como su etapa de mayor calidad e influencia posterior como cantante. Su repertorio se basó en la obra de los más importantes compositores populares estadounidenses: Jimmy Van Heusen, Cole Porter, Sammy Cahn o George Gershwin, y su estilo sintetizó años de influencias mutuas entre la música de inspiración jazzística y la música pop, que empezaba a difundirse a través de la radio. Sinatra construyó su estilo sobre la base de una comprensión natural de la música popular, tal como la habían entendido Bing Crosby, Fred Astaire, Benny Goodman y Louis Armstrong. En el aspecto técnico se caracterizó por su cuidada emisión y precisión en el fraseo, además de su control de la respiración. Su inmensa capacidad y categoría artística radicaba en su naturalidad y fluidez interpretativas, con las que lograba transmitir las emociones y sentimientos implícitos en las letras de las canciones. A Sinatra se le reconoce haber sido el primer cantante que hace un uso consciente de los medios de amplificación del sonido con el objeto de situar su voz por encima del sonido de la orquesta –dominadora de la música popular estadounidense de principios del siglo XX– y para aproximarla a la intimidad auditiva de los consumidores. Como actor, Sinatra fue un artista de tipo intuitivo, reacio a someterse a los ensayos y repeticiones habituales en una grabación, por lo que sus interpretaciones fueron emocionalmente intensas al tiempo que irregulares. La importancia en su vida de su trabajo actoral fue capital; por ejemplo fue precisamente a través de su papel en De aquí a la eternidad como logró salir de un bache personal y artístico en el tránsito de los años cuarenta a los cincuenta para encumbrarse en lo más alto de la popularidad, además de ganar por su interpretación el Oscar al mejor actor secundario. A lo largo de su carrera profesional Sinatra grabó más de 1.300 canciones y participó en más de cincuenta películas. Recibió multitud de premios y homenajes, entre los que se cuentan diez premios Grammy y la Medalla de la Libertad del gobierno estadounidense.

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Documental: Frank Sinatra, la voz de América 14 de mayo 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Conocido en la historia como La voz, Frank Sinatra en sin duda uno de los personajes más fascinantes en el mundo de la música melódica, la canción estadounidense y el mundo de los crooners. Este reciente documental muestra la vida y obra de esta gran voz, cuya vida fuera de los escenarios está plagada de controversia.

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La directora mexicana, una de las de mayor proyección en la actualidad, dirige a la gran

orquesta parisina en un programa variopinto y lleno de pasión.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, guitarra, bandoneón.

Intérpretes: Richard Galliano [bandoneón], Yamandu Costa [guitarra], Roland Daugareil [violín].

Director: Alondra de la Parra.

Orquesta: Orquesta de París.

Año: 2015.

Lugar: Philharmonie I, París.


Es duro ser mujer en el mundo de la dirección de orquesta, el cual es todavía un terreno copado, casi en un 95%, por las figuras masculinas. Aún con todo, queda espacio para ciertas figuras femeninas que van emergiendo poco a poco a base de tesón y talento. Alondra de la Parra (1980) ha adquirido gran admiración del público por sus vibrantes interpretaciones musicales, colocándose como una de las directoras más sobresalientes de su generación. Fue la primera mujer mexicana en dirigir en Nueva York y es Embajadora Cultural Oficial de México. Ha sido encomiada por Plácido Domingo como una directora extraordinaria y el periódico francés Le Monde menciona que con Alondra de la Parra, la música clásica ha llegado al siglo XXI. Frecuentemente y como directora invitada, Alondra ha dirigido algunas de las más prestigiosas orquestas de Francia, Alemania, Estados Unidos, Japón, Brasil, Suecia y Rusia incluyendo a la Orquesta de Paris, la Orquesta

Concierto: Orquesta de Paris & Alondra de la Parra Milhaud, Piazzolla, Moncayo y Revueltas Estreno 14 de mayo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



Sinfónica del Radio de Berlín y la Cameristi della Scala de Milán. También hizo una gira por China con la Orquesta Nacional del Capitole de Toulouse. En América Latina, de la Parra trabaja frecuentemente con la Orquesta Sinfónica de Sao Paulo y con la Orquesta Juvenil Simón Bolívar de Venezuela, recibiendo de ésta última su premio más apreciado. También ha dirigido la Orquesta Sinfónica Brasileira, la Filarmónica de Buenos Aires, la Filarmónica de Montevideo y en México las orquestas de Aguascalientes, Jalisco, Sinaloa, Xalapa, Puebla, San Luis Potosí, Estado de México y la Orquesta Sinfónica Nacional. Ha sido invitada para volver a dirigir la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín RSB y la Orquesta de Paris. Entre sus debuts más esperados, caben mencionar los de la Orquesta Filarmónica de Londres, la Orquesta Tonhalle de Zúrich al igual que con la Sinfónica NHK de Japón. También debutará con la Orquesta del Festival de Verbier y la Orquesta Nacional de la BBC de Gales, la Sinfónica de Queensland, la Orquesta sinfónica de Quebec y la Orquesta Nacional RTE de Irlanda.

Nacida en Nueva York en 1980, de la Parra comenzó a tocar el piano a los siete y el chelo a los trece. Fue entonces cuando decidió ser directora de orquesta. Regresó a la ciudad de México y estudió composición en el Centro de Investigación y Estudios de la Música [CIEM]. Después regresó a Nueva York a los diecinueve años y estudió en Manhattan School of Music donde recibió la Beca Presser. Ahí obtuvo su BM en ejecución pianística con Jeffrey Cohen y su Maestría en Dirección Orquestal con el Kenneth Kiesler, logrando terminar su preparación con los más altos honores. En 2004, a los veintitrés años, Alondra de la Parra fundó la Orquesta Filarmónica de las Américas [POA], teniendo como misión crear una plataforma que sirviese a los jóvenes ejecutantes y compositores de las Américas, llevando la música del continente a un lugar preponderante en el repertorio orquestal del mundo. Con POA de la Parra grabó su primer álbum: Mi Alma Mexicana, publicado en 2010 por Sony Classical.

La directora, que dice de sí misma: Siempre he tenido muchos estigmas: ser mujer, joven, mexicana; pero la verdad es que ninguno de ellos me ha detenido. Creo que es una pérdida de tiempo estar pensando en eso; ofrece aquí un programa que demuestra su querencia por los repertorios mexicanos y latinoamericanos, como el Concierto doble para guitarra, bandoneón y orquesta de cuerda, así como Oblivion, ambas de Astor Piazzolla; Huapango, del mexicano Juan Pablo Moncayo; y La noche de los mayas, de su compatriota Silvestre Revueltas. Se completa el programa con una alusión a lo francés, con Le Boeuf sur le toit, de Darius Milhaud.

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Concierto: Orquesta de Paris & Alondra de la Parra Milhaud, Piazzolla, Moncayo y Revueltas Estreno 14 de mayo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Las directoras de orquesta están aún, a pesar de lo avanzado del siglo XXI, emergiendo en un mundo todavía de hombres. Alondra de la Parra es sin duda uno de los mejores ejemplos de la capacidad femenina para la dirección orquestal. Dirige aquí a la célebre Orquesta de París en un programa protagonizado por Le Boeuf sur le toit, de Darius Milhaud; el Concierto doble para guitarra, bandoneón y orquesta de cuerda, de Astor Piazzolla, así como su Oblivion; Huapango, de Juan Pablo Moncayo; y La noche de los mayas, de Silvestre Revueltas.

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Un hermoso recorrido por la Europa barroca a cargo de uno de los conjuntos

franceses más destacados en la interpretación histórica del Barroco en el siglo XXI.

Género: Concierto, música barroca, ópera, oratorio

Intérpretes: Natalie Dessay, Sandrine Piau, Patrici Petibon, Anne Sofie von Otter, Philippe Jaroussky, Rolando Villazón, Topi Lehtipuu, Christopher Purves, Lorenzo Regazzo.

Director: Emmanuelle Haïm

Orquesta: Le Concert d’Astrée

Año: 2011

Lugar: Théâtre des Champs-Elysées


Del país galo han surgido varios de los conjuntos que son una absoluta referencia en el campo de la interpretación historicista a nivel mundial. Aquí se presenta a uno de los conjuntos especializados más interesantes en los últimos años, Le Concert d’Astrée, que celebró en 2011 su décimo aniversario; diez años de interpretación dedicada de manera prácticamente exclusiva al repertorio barroco, prestando especial atención a alguno de los compositores más destacados de los siglos XVII y XVIII, algunos de los cuales se interpretan aquí. Bajo la dirección de su fundadora, la clavecinista francesa Emmanuelle Haïm, y acompañados de un cast vocal de primer orden, entre el que se encuentran algunas de las grandes figuras del canto histórico internacional, como las sopranos francesas Sandrine Piau o Patricia Petibon, el afamado contratenor Philippe Jaroussky, la mezzo sueca Anne

Concierto: Celebración barroca Le Concert d’Astrée & Emmanuelle Haïm 15 de mayo 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Colombia/Ecuador



Sofie von Otter o el tenor finés Topi Lehtipuu, nos acercan lo mejor de algunos de los grandes representantes del Barroco musical en Europa. Con la interpretación historicista se produjo un cambio en la concepción interpretativa de la música anterior a 1800. Al amparo del estudio de los documentos primarios y secundarios que se tiene de épocas pasadas, algunos intérpretes comenzaron, especialmente a partir de la segunda mitad del siglo XX, a acercarse a esta visión que promulgaba un acercamiento sonoro lo más fidedigno posible a cómo pude ser este en el momento de su creación. De esta forma se han ido desarrollando cada vez más los intérpretes y estudios en esta línea, que buscan interpretar las creaciones desde el Medievo hasta comienzos del XIX con una visión informada y que muestre que otra manera de acercarse a esta música es posible. Una gala centrada especialmente en el repertorio operístico, que nos llega de la mano de algunos de sus principales valedores, como Claudio Monteverdi (1567-1643), quien ayudó de manera trascendental al paso de la estética renacentista a la barroca, creador de una de las primeras óperas de la historia; Georg Friedrich Händel (1685-1759), sin duda uno de los mayores talentos del género operístico, que triunfó con sus óperas italianas en Inglaterra y que construyó un nuevo modelo de oratorio; Henry Purcell (1659-1695), gran talento musical del Barroco británico y figura fundamental en la historia musical del país hasta la llegada de Britten, que desarrolló con gran talento la semiópera y ópera; Jean-Baptiste Lully (1632-1687), que a pesar de ser italiano se instauró en Francia como el padre de la tragedia y el drama franceses, siendo reconocido por la corte y el público del momento; a quien continuó en el siglo XVIII Jean-Philippe Rameau (1683-1764), sin duda el autor de ópera francesa más importante del siglo y uno de los más grandes de la historia del género en Europa. Un acontecimiento musical de primer orden que nos acerca la ópera barroca de la mano de unos de los intérpretes más capacitados para ello, auténticos especialistas en el repertorio y en la interpretación de la música de los siglos XVII y XVIII con criterios históricos. Todo un lujo barroco a su alcance.

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Concierto: Celebración barroca Le Concert d’Astrée & Emmanuelle Haïm 15 de mayo 19:30 Argentina/Uruguay | 17:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Únase a la celebración del 10.º aniversario de Le Concert d’Astrée, el conjunto barroco formado por la clavecinista francesa Emmanuele Haïm en el año 2000. Un fascinante recorrido por la música de algunos de los maestros más célebres del Barroco europeo. Toda una fiesta barroca de la mano de un casting vocal de primer nivel, que le acercará lo mejor de la producción operística de autores como Händel, Monteverdi, Rameau, Purcell y Lully.

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La única ópera del genial compositor alemán, en una magnífica producción del Festival de

Salzburg, que cuenta con un dúo protagonista de lujo.

Género: ópera, música clásica, música romántica.

Intérpretes: Adrianne Pieczonka, Jonas Kaufmann, Tomasz Konieczny, Hans-Peter König, Norbert Ernst, Sebastien Holecek, Nadia Kichler, Paul Lorenger, Daniel Lokos, Jens Musger; Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena; Claus Guth [dirección de escena], Christian Schmidt [escenografía y vestuario], Olaf Freese [iluminación].

Director: Franz Welser–Möst.

Orquesta: Filarmónica de Viena.

Año: 2015.

Lugar: Grosses Festspielhaus, Salzburg.


Fidelio o el amor conyugal [Fidelio oder die eheliche Liebe], ópera en dos actos con música de Ludwig van Beethoven (1770-1827) sobre libreto en alemán de Joseph F. Sonnleithner, a partir del texto original en francés de Jean-Nicolas Bouilly que se había usado para la ópera de 1798 Léonore, ou l’amour conjugal, de Pierre Gaveaux, y para la

ópera de 1804 Leonor, de Ferdinando Paer –la que a buen seguro Beethoven conocía, pues

poseía una copia de la partitura–. Es la única ópera que compuso Beethoven. La ópera cuenta cómo Leonora, disfrazada como un guardia de la prisión llamado Fidelio, rescata a su marido Florestán de la condena de muerte por razones políticas.

Antes que Beethoven otros músicos y libretistas afrontaron la historia de Leonora, hecho real ocurrido en los años que siguieron a la Revolución Francesa. Uno de ellos será

Ópera: Fidelio Ópera en tres actos de Ludwig van Beethoven Estreno 20 de mayo 16:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Colombia/Ecuador



Jean Nicolas Boully, quien construye una obra que más tarde será musicalizada por Pierre Gaveaux en 1798, llevando por título Leonore, ou lámour conjugal. Más tarde el mismo

tema será abordado por Ferdinando Paër, que estrenará en Dresden –un mes y medio antes

de que lo haga Beethoven– una Leonora, ossia lámore coniugale. Paralelamente, el mismo año [1805] también aparecerá una obra denominada Lámore coniugale, de Johann Simon Mayr. Beethoven retomará este tema, pero a diferencia de los casos anteriores situará la acción en España con el fin de que las culpas no recayesen en los jacobinos, con los que de alguna manera siente cierto aprecio, por lo que de revolución y cambio suponían sus posturas, más que sus métodos. Su primer estreno supuso un gran fracaso, por lo que el

compositor volvió a revisar la obra y a introducir modificaciones en ella –fundamentalmente el cambio de oberturas y el añadido del tercer acto–. Así cuando se reestrena en su forma definitiva en 1814 alcanza un gran éxito, apareciendo en diversos teatros del mundo: Riga, 1818, San Petersburgo 1819, Londres 1832, Moscú 1842, Roma 1886, Madrid 1893, Milán 1927…

La obra se enmarca dentro de lo que se ha venido en llamar la segunda etapa del artista [1802-1816], esto es, una etapa de transición en la que da por agotadas las viejas fórmulas del clasicismo y se adentra en nuevas con el fin de poder dar a la música una expresión bien diferente. Estos sentimientos no solo aparecen por lo que al tema se refiere: Leonora es un prototipo de lucha por un ideal, algo así como una alegoría de la revolución y la libertad; si no también por los nuevos elementos musicales que utiliza en la obra, tales como la función importantísima del coro, circunstancia novedosa, o la gran instrumentación y orquestación de la misma, hasta tal punto que las tesituras de los personajes han de ser muy poderosas para poder elevarse sobre los instrumentos. Esto hace que necesariamente se abandonen las tradiciones belcantistas en aras de una mayor dramatización del personaje.


Ópera: Fidelio Ópera en tres actos de Ludwig van Beethoven Estreno 20 de mayo 16:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El catálogo de Ludwig van Beethoven está repleto de grandes títulos en prácticamente todos los géneros habituales de su época. Sin embargo, la ópera fue uno de los menos transitados por él. Solo nos ha llegado una ópera de su mano, Fidelio, un extraordinario ejemplo que les invitamos a disfrutar en las voces de Adrianne Pieczonka, Jonas Kaufmann, Tomasz Konieczny, Hans-Peter König, Norbert Ernst, Sebastien Holecek, Nadia Kichler, Paul Lorenger, Daniel Lokos, Jens Musger, el Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena, la Filarmónica de Viena y la dirección de Franz Welser-Möst.



Gran producción de la Ópera Estatal de Baviera de uno de los grandes títulos operísticos

verdianos, con un elenco vocal de auténtico lujo.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Vitalij Kowaljow, Anja Harteros, Ludovic Tézier, Jonas Kaufmann, Nadia Krasteva, Renato Girolami; Coro de la Ópera Estatal de Baviera; Ballet Estatal de Viena; Martin Kujej [dirección de escena], Martin Zehetgruber [escenografía], Heidi Hackl [vestuario], Reinhard Traub [iluminación].

Director: Asher Fisch.

Orquesta: Orquesta Estatal de Baviera.

Año: 2014.

Lugar: Teatro Nacional, München.


Ópera en cuatro actos sobre libreto de Francesco Maria Piave, basado en la dramaturgia de Ángel de Saavedra, Duque de Rivas, titulada Don Álvaro o la fuerza del sino. Giuseppe Verdi (1813-1901) compuso La fuerza del destino [La forza del destino] a comienzos de la década de 1830. Fue estrenada el 10 de noviembre de 1832 en el Teatro

Mariinsky de San Petersburgo –por aquel entonces Teatro Bolshói Kámenny–, quien realizó el encargo al propio autor italiano. El estreno no dejó muy satisfecho al público, que esperaba una obra de corte menos dramático. Aun con todo, el zar Alejandro II de Rusia, que acudió a la cuarta representación, felicitó efusivamente a Verdi; incluso la crítica terminó mostrándose favorable ante la creación del genio italiano.

Ópera: La forza del destino Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi 21 de mayo 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador



La obra sufrió algunas revisiones posteriores, que se presentaron en algunas representaciones, como Roma en 1863, o el Teatro Real de Madrid, con la asistencia del mismo Verdi y la presencia del duque de Rivas. Verdi encomendó después a Piave una revisión del libreto para el estreno italiano, en el que pretendía buscar la forma de evitar todos esos muertos. Una indisposición de salud de este hizo que fuera Antonio Ghislanzoni el encargado de la revisión, quien alteró radicalmente el final, además del

tercer acto y algunas otras partes. Verdi además compuso una nueva obertura –reemplazando al breve preludio–, concebida ahora como una larga introducción con motivos de la ópera; y añadió una escena final en el Acto III, después del duelo entre Carlos y Álvaro. El estreno de esta segunda versión fue el más conocido y es la versión que más se interpreta y graba actualmente. Este tuvo lugar el 27 de febrero de 1869 en el Teatro alla Scala de Milano. Actualmente la obra permanece en repertorio, estando entre las cien óperas más representadas de los últimos años, aunque ocupa el undécimo puesto entre las óperas de su autor.

La acción transcurre en la España del siglo XVIII. El argumento de la ópera verdiana es complejo, pero se ajusta a aquella famosa frase que resumía los dramas operísticos románticos, y que indicaba que el tenor intentaba seducir a la soprano pero que el barítono lo impedía. En este caso el tenor es Don Álvaro, el indiano, que está enamorado de Leonora de Vargas [soprano]. Como el padre de ella, el Marqués de Calatrava [bajo], no admite esta relación, ambos planean su huida. Sin embargo esta se hace imposible al descubrir el padre de la joven las intenciones de la pareja. En ese momento, por voluntad del destino, el arma de Don Álvaro se dispara al caer al suelo, provocando al marqués una herida mortal. Entonces ambos huyen por caminos distintos, ante la persecución del hijo del marqués y hermano de Leonora, Don Carlos de Vargas [barítono]. Éste coincide con el indiano en un campamento militar en Italia, aunque ninguno de los dos reconoce su verdadera identidad y ambos juran una amistad eterna. Pero, casualmente, Don Carlos descubre la identidad del joven amante, y ambos se enfrentan en un duelo a muerte, que no llega a realizarse. Don Álvaro ingresa entonces en un convento, donde es de nuevo hallado por su rival, originando un nuevo combate en el que Carlos es herido de muerte. El destino quiere que al pedir ayuda Don Álvaro se encuentre con Leonora, que, con la ayuda del Padre Guardián [bajo], aguardaba en una ermita hasta el final de sus días. Moribundo, Don Carlos apuñala a su hermana, que fallece poco después ante las impotentes miradas de Álvaro y del Padre Guardián.

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Ópera: La forza del destino Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi 21 de mayo 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Les invitamos a descubrir esta fantástica creación operística de Giuseppe Verdi, uno de los mejores operistas de la historia. Una producción desde la Ópera Estatal de Baviera que reúne a un elenco vocal de primero orden, protagonizado por Jonas Kaufmann, Anja Harteros, Ludovic Tézier, Vitalij Kowaljow, Nadia Krasteva y Renato Girolami. La dirección corre a cargo del talentosos Asher Fisch, en lo musical, y Martin Kusej, en lo escénico.

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Una fantástica velada de jazz de la mano de este gran pianista y algunos buenos

amigos, que le deleitarán con su inmenso talento.

Género: concierto, jazz, música contemporánea, piano

Intérpretes: Yaron Herman, Émile Parisien, Ziv Ravitz, Stéphane Kerecki, Bertrand Chamayou, Valgeir Sigurdson, Fredrika Stahl.

Año: 2013.

Lugar: Le Trianon, Paris.


Con Alter-ego (s) le invitamos a una reunión en la cumbre de la creación, que incita a una mayor exploración, la de la música sin fronteras entre la música clásica, el arte contemporáneo y la música jazz. La temática del Festival Ile-de-France de 2013 llevaba por título este mismo Alter Ego, invitando así a los artistas al intercambio y la descompartimentación, como a ello se adapta en este recital Yaron Herman, el pianista nacido en Tel Aviv, que ha desarrollado una exitosa carrera en solitario con el jazz y esta idea de la unión intergéneros como base de su trabajo. Entrenado en el piano a través de un método de enseñanza basado en la filosofía y las matemáticas, que, más que ninguna otra, requiere la necesidad de tejer una conversación musical en trío y cuarteto, se junta habitualmente con Emile Parisien en el saxofón, Ziv Ravitz en la percusión y el contrabajo de Stéphane Kerecki, a los que suma para esta creación al talentoso teclista islandés Valgeir Sigurosson, al piano de Bertrand Chamayou y a la voz de Fredrika Stahl.

Así describe el propio Herman el resultado de su unión con todos los intérpretes en este espectáculo: Estos poderosos momentos eran como un parto. Un resultado. En su compañía, cuando sus instrumentos hablan juntos, se conocen, se contradicen, nos invitan

Jazz: Alter Ego(s) Yaron Herman e invitados Estreno 21 de mayo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



a una conversación musical donde el rigor intelectual deja el campo de la emoción, donde la improvisación colectiva es también una reflexión filosófica sobre el tiempo, ahora y para siempre.

Yaron Herman (1981) es un pianista israelí residente en Francia. Algunos incluso se refirieron a él como el Keith Jarrett de su generación. Comenzó a tocar el piano relativamente tarde, cuando era adolescente, y después de unos años de estudio se trasladó a Boston a los 19 años para estudiar en el Berklee College of Music. Pasaría poco tiempo cuando se fue a vivir a Paris donde empezó a grabar a los 21 años. Su álbum de debut fue Takes 2 to Know [2004], un trabajo con el batería Sylvain Ghio. Grabó su primer álbum en solitario, Variations, en 2006. También en 2006 toco en el CD de Raphaël Imbert Newtopia Project, una suite elegiaca para la discográfica clásica Zig-Zag Territoires. En 2007 Herman irrumpió en las listas de éxito francesas con The Yaron Herman Trio con el bajista Matt Brewer y el batería Gerald Cleaver. El álbum presenta tanto temas originales como interpretaciones de éxitos del pop contemporáneo como Army of Me de Björk, Toxic de Britney Spears, así como canciones más antiguas pero igual de conocidas como Message in a Bottle de The Police y Hallelujah de Leonard Cohen. Yaron Herman tocó el piano solo en el Artium en 2006 y en 2008, con el trío en el Jazz del Siglo XXI. Ha actuado con muchos artistas conocidos como Ambrose Akinmusire, Michel Portal, Kurt Rosenwinkel, Dominic Miller, Avishai Cohen, Pat Metheny, Lars Danielsson, Matt Brewer, Gerald Cleaver, Gilad Hekselman, Valgeir Sigurðsson, Yael Naim y Matthieu Chedid. Apasionado por la enseñanza y la disección del proceso creativo, Yaron ha hablado en varias conferencias como TEDxParis [2015], TEDGlobal [2013], TEDxCERN [2013] y TEDxHelvetia [2012], además de presentar seminarios de negocios para varias corporaciones, incluyendo Google. En 2015 participó en una exposición en el Museo del Louvre de París titulada Una breve historia del futuro, organizada por Jacques Attali. También es miembro del programa Jóvenes Líderes de la Fundación Francia-China. Yaron ha compuesto música para anuncios televisivos, como la compañía francesa Free –en colaboración con Jean-Pierre Taïeb– y el banco Société Générale, así como para la casa de moda internacional Hermès.

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Jazz: Alter Ego(s) Yaron Herman e invitados Estreno 21 de mayo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Yaron Herman es uno de los más brillantes pianistas de jazz de la actualidad. Ofrece aquí una velada en la que el jazz es solo el mero continente para que fluye el arte sin barreras. Se une a un elenco de lujo, formado por Émile Parisien, Ziv Ravitz, Stéphane Kerecki, Bertrand Chamayou, Valgeir Sigurdson, Fredrika Stahl, para regalarle un espectáculo que recordará largo tiempo.

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Otro de los geniales títulos operísticos verdianos en emisión desde uno de los grandes

centros de la ópera italiana, la Arena de Verona.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Francesco Meli, Luca Salsi, Hui He, Elisabetta Fiorillo, Serena Gamberoni, William Corrò, Seung Pil Choi, Deyan Vatchkov, Antonio Feltracco, Severio Fiore, Coro de la Arena de Verona, Cuerpo de baile de la Arena de Verona; Pier Luigi Pizzi (dirección de escena, escenografía y vestuario), Vincenzo Raponi (iluminación), Renato Zanella (coreografía).

Director: Andrea Battistoni.

Orquesta: Orquesta de la Arena de Verona.

Año: 2010.

Lugar: Arena de Verona.


Un ballo in maschera, ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi (1813–1901) y libreto de Antonio Somma, basado en el libreto de Eugène Scribe para otra ópera, Gustave III, de Daniel–François Auber. Se trata de un tema ya conocido, precisamente por ser tratados por algunos autores en otras óperas. Tine como centro narrativo el asesinato del rey Gustave III de Suecia, fruto de una conspiración en su contra urdida precisamente en el transcurso de un baile de máscaras, de ahí el título escogido por Verdi tan acertadamente, aunque en un comienzo había elegido el mismo título que Auber.

Como en otras ocasiones a lo largo de su carrera, Verdi tuvo que vérselas con la censura, de tal manera que hasta convertirse en la ópera que conocemos hoy día, el libreto y la ópera tuvieron que sufrir varias transformaciones. Las ideas independentistas estaban muy en boga en la Italia de este momento, una Italia por otra parte dominada aún por el

Ópera: Un ballo in maschera Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 27 de mayo 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador



Imperio Austro–húngaro, por lo que los censores no saltaron por alto un libreto en el que se asesinaba a un rey. La génesis de la obra se convirtió realmente en un proceso largo y muy molesto para el autor, llegando incluso a los tribunales, donde él mismo en su defensa dicto: un músico que se respete y que respete su arte no puede ni debe deshonrarse aceptando […] tales monstruosidades que violan los principios más elementales de arte dramático y envilecen la conciencia del artista.

Para noviembre de 1857 Verdi informó a Somma de que habían surgido algunas objeciones por parte de los censores, que rechazaban la representación de un monarca en escena, más aún cuando este es asesinado. Ambos se ponen a trabajar y acometen cambios de importancia. El 9 de enero de 1858, antes de prepararla para Napoli, Verdi escribió al Teatro San Carlo para comunicarles que «la ópera está hecha e incluso aquí yo estoy trabajando en la partitura completa.» Verdi viaja a Napoli para empezar los ensayos de

Una vendetta in dominò –nuevo título dado a la obra–, el 14 de enero de 1858, pero justo en ese momento tres italianos intentaron asesinar al emperador Napoleón III en Paris, lo que probablemente provoca una nueva revisión de la obra por la censura. La imposición de nuevas exigencias terminó por desquiciar a Verdi, que rompe su contrato, lo que conlleva una demanda por parte de la gerencia del Teatro San Carlo. Esto le hizo lanzar una contra-reclamación contra el teatro por daños. Transcurridos unos pocos meses se resolvió el litigio. Verdi fue libre de presentar el libreto y el esquema musical al Teatro Apollo de Roma. Únicamente tuvo que trasladar su acción de Europa a un nuevo lugar, una gobernación británica en el Nuevo Mundo, en Boston, situando la acción a finales del siglo XVII. Tuvo que alterar el rol principal del rey por otro, el conde de Warwick. Se estrenó finalmente el 17 de febrero de 1857. Se trata de una ópera en cierta manera ambigua, más coral, en el sentido de que los personajes principales se desdibujan frente al resto, y que supone una interesante mezcla entre el modelo operístico claramente italiano, pero con toques del drama francés. Obra muy refinada y realmente sofisticada, presente a un Verdi de nuevo capaz de mover a sus personajes entre el contraste y la reflexión interior.

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Ópera: Un ballo in maschera Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 27 de mayo 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Nos vamos de viaje al corazón de Italia, directos a Verona, a una de las cunas de la ópera italiana, la fascinante Arena de Verona. Desde allí podrán deleitarse con la emisión de Un ballo in maschera, poderoso melodrama de Giuseppe Verdi en interpretación del equipo de la Arena de Verona que sustenta a un elenco vocal protagonizado por Francesco Meli, Luca Salsi, Hui He y Elisabetta Fiorillo. Dirige la escena Pier Luigi Pizzi y en lo musical, Andrea Battistoni.

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Uno de los grandes oratorios del compositor alemán, en magnífica versión desde el

Festival de Saint-Denis.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sacra.

Intérpretes: Lucy Crowe, Christianne Stotijn, Reiner Trost, Michael Nagy, Armand Sztykgold, Kareen Durand, Barbara Vignudelli, Laure Dugué, Tatiana Martynova; Coro de Radio Francia.

Director: Orquesta Nacional de Francia.

Orquesta: Daniele Gatti.

Año: 2014.

Lugar: Basílica de Saint-Denis.


Para León Plantinga –célebre estudioso de la música en el Romanticismo–, en Alemania los oratorios de Felix Mendelssohn han sido considerados siempre como los más destacados y representativos de un género en declive pero resistente al paso del tiempo.

Felix Mendelssohn estaba peculiarmente dotado –gracias a las circunstancias de su entorno cultural, la cualidad de su genio y los grandes contactos que entabló con la vida

artística europea– para continuar la tradición del oratorio.

El oratorio Elijah [Elías], compuesto pata el Birmingham Festival de 1846, es para

muchos uno de los tres grandes representantes de este género a lo largo de la historia –

Concierto: Elías, de Felix Mendelssohn Estreno 27 de mayo 20:45 Argentina/Uruguay | 18:45 Colombia/Ecuador



para el estudio Finney junto al Messiah de Georg Friedrich Händel y Die Schöpfung de Franz Joseph Haydn; algo muy discutible, pues deja fuera muchos de los grandes oratorios de la

historia, entre ellos alguno de los de Bach–. La atracción que produjo por igual entre cantores y público fue inmediata y su mantuvo casi hasta el final del siglo XX, además de que algunos de sus movimientos forman parte del repertorio religioso perenne. Mendelssohn poseía una reserva, en apariencia inagotable, de melodías que saben ganarse al público, las cuales suelen ser muy agradables para los cantores. La obra está

compuesta para soprano, alto, tenor y barítono/bajo [Elijah], coro mixto –normalmente

a cuatro partes, pero ocasionalmente a ocho– y femenino –con escritura a tres–, orquesta sinfónica al uso, con trombones, ofliceido y órgano. Toda la obra es dramática, pasando de un episodio a otro sin ninguna interrupción. Su atmósfera religiosa se ve realzada por pasajes que tienen el estilo y el ambiente de los chorales luteranos. Su primer gran clímax es una gran tormenta en la cual el coro se ve inmerso en truenos, la lluvia y el viento descritos por la orquesta. Mendelssohn utiliza aquí chorales para marcar las divisiones estructurales y brindar comentarios, como Bach había hecho en sus pasiones; empleó una amplia variedad de estilos y texturas para los movimientos corales, como Händel había hecho en su oratorios, y utilizó motivos unificadores y vínculos entre los movimientos para integrar la obra en un todo cohesionado, siguiendo la práctica de su propia época. De este modo, enraizó sus oratorios en la tradición barroca, pero fue capaz de crear algo nuevo y actualizado.

Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847), compositor alemán, es uno de los prodigios más dotados y versátiles de su tiempo, situándose en la vanguardia de la música alemana durante los años 1830 y 1840 como director de orquesta, pianista, organista y, sobre todo, compositor. Su estilo musical, completamente desarrollado antes de cumplir los veinte años, se basó en una variedad de influencias, incluyendo el complejo contrapunto cromático de Johann Sebastian Bach, la claridad formal y gracia de Wolfgang Amadeus Mozart y la fuerza dramática de Ludwig van Beethoven y Carl Maria von Weber. El resurgimiento de Mendelssohn en el primer rango de los compositores alemanes del siglo XIX coincidió con los esfuerzos de los historiógrafos musicales por desarrollar el concepto de una dialéctica clásico-romántica en la música de los siglos XVIII y XIX. En gran medida, su música refleja una tensión fundamental entre el Clasicismo y el Romanticismo en la generación de compositores alemanes después de Beethoven, que supo llevar a cabo en mucho de los grandes géneros del momento, especialmente en la música puramente instrumental, además de en el tratamiento vocal, sobremanera en la escritura coral.

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Concierto: Elías, de Felix Mendelssohn Estreno 27 de mayo 20:45 Argentina/Uruguay | 18:45 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El oratorio encuentra en Felix Mendelssohn a uno de sus grandes valedores en pleno siglo XIX. Elías es sin ninguna duda uno de sus grandes creaciones en el género. Disfruten esta magna obra desde la Basílica de Saint-Denis, en las voces solistas de Lucy Crowe, Christianne Stotijn, Reiner Trost, Michael Nagy, junto al Coro de Radio Francia y la Orquesta Nacional de Francia, con la dirección de Daniele Gatti.

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La ópera más célebre del compositor francés, que cuenta con Netrebko y Villazón como

protagonistas y la dirección de Barenboim.


Intérpretes: Anna Netrebko, Rolando Villazón, Alfredo Daza, Christof Fischesser, Rémy Corazza, Arttu Kataja, Hanan Alattar, Gal James, Silvia de la Muela, Matthias Vieweg; Staatsopernchor; Vincent Paterson [dirección de escena y coreografía], Johannes Leiacker [escenografía], Susan Hilferti [vestuario], Duane Schuler [iluminación].

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.

Año: 2007.

Lugar: Staatsoper Unter den Linden, Berlin.


Manon es una ópera en cinco actos compuesta por Jules Massenet sobre libreto en francés de Henri Meilhac y Philippe Gille, a su vez basado en la novela de Abbé Prévost, Manon Lescaut, que del mismo modo inspiró a Giacomo Puccini para la composición de su ópera homónima. Se estreno tuvo lugar en la Opéra-Comique de París el 19 de enero de 1884, con Marie Heilbronn en el papel principal, quien lo interpretó con un éxito clamoroso unas ochenta veces. Solo su muerte interrumpió la serie de representaciones, ante lo que Massenet prefirió retirar la obra de la escena antes de que ese papel fuera encarnado por otra cantante. Tras el incendio de la Opéra-Comique, Manon ya había entrado de manera definitiva en el repertorio de numerosos teatros de todo el mundo,

Ópera: Manon Ópera en cinco actos de Jules Massenet 28 de mayo 16:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Colombia/Ecuador



para regresar el lugar de su estreno diez años después, tras lo cual se ha representado en más de mil ocasiones. Sin embargo, no fueron Massenet ni Puccini los primeros en atender a esta historia, pues ya Halévy [Manon Lescaut, ballet, 1830] y Auber [Manon Lescaut, opéra comique, 1856] habían usado el tema para obras escénicas de cierta importancia. Massenet comenzó a ocuparse del tema en 1881, completando la ópera en un plazo de dos años, para lo cual trabajó temporalmente en El Havre, la misma casa en la que un siglo antes había trabajado el abate Prévost en su novela. L'Histoire du Chevalier Des Grieux et de Manon Lescaut es una célebre y en cierta parte autobiográfica novela del abate Antoine Francois Prévost d'Exiles, que narra la aparentemente verídica historia de una pareja de enamorados: Des Grieux sigue a Manon al destierro norteamericano y allí, después de la muerte de la joven, se casa y echa raíces. Meilhac y Gille siguieron el original de Prévost, excepción hecha de la última escena, que sitúan en Francia, mientras que la novela original lo hace en Norteamérica. A partir de la excelente novela se logra algo no tan habitual como puede parecer, la factura de un buen libreto, en el que los contrastes son llevados a extremos con una lograda efectividad: pasión auténtica y el medio frívolo: la sala de juego y la iglesia; el trajín mundano y la muerte en la soledad…

Massenet se ajusta de manera brillante al libreto. Su música es inspirada, llena de melodías que expresan multitud de sentimientos, y está construida e instrumentada de manera brillante. Algunas escenas constituyen puntos culminantes de la obra de su creador y de la ópera francesa: la descripción del sueño de Des Grieux, Manon despidiéndose de la pequeña mesa del modesto nido de amor en que pasó horas felices con Des Grieux, la grandiosa aria de éste, en la que trata de ahuyentar, ya en el convento, la imagen de Manon que se le aparece constantemente, así como varios dúos de amor. Esta ópera sigue en el repertorio, aunque no está entre las más representadas de manera habitual. En las estadísticas de Operabase aparece la n.º 89 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 10.ª en Francia y la segunda de Massenet, con 43 representaciones.

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Ópera: Manon Ópera en cinco actos de Jules Massenet 28 de mayo 16:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Un deleite fascinante: Manon, la gran ópera de Jules Massenet, en una magnífica producción de la Staatsoper Unter den Linden berlinesa, que cuenta con las voces de Anna Netrebko, Rolando Villazón, Alfredo Daza, Christof Fischesser, Rémy Corazza, Arttu Kataja, Hanan Alattar, Gal James, Silvia de la Muela y Matthias Vieweg, a las que se unen el Staatsopernchor y la Staatskapelle Berlin, todos bajo la dirección musical del gran Daniel Barenboim.

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Una de las combinaciones director/orquesta más exitosa y celebrada de las últimas

décadas, en un fabuloso concierto en esta bella localidad francesa.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica.

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: West-Eastern Divan Orchestra.

Año: 2013.

Lugar: Ópera de Marsella.


El proyecto West-Eastern Divan fue concebido en 1999 por las mentes de dos artistas e intelectuales de primer orden a nivel mundial: el pianista y director de orquesta argentino-israelí Daniel Barenboim y el intelectual palestino Edward Said. Ambos creyeron en un proyecto que supusiera la creación de un taller para jóvenes músicos de Israel y otros países de Oriente Medio que facilitara el estudio y el desarrollo musical, además de la posibilidad de compartir el conocimiento y la comprensión entre culturas que han sido tradicionalmente rivales. Aquí, los músicos asistentes mejoran su nivel musical mientras conviven con jóvenes de países que pueden estar en situaciones de conflicto con el suyo propio. La base de la orquesta la componen músicos árabes e israelíes acompañados de músicos españoles. Sus primeros pasos los dieron entre Weimar y Chicago hasta que en 2002 se establecieron definitivamente en Sevilla gracias al apoyo de la Junta de Andalucía. Pero este no es únicamente un proyecto musical, sino quizá

Concierto: Daniel Barenboim & West–Eastern Divan Orchestra en Marsella Estreno 28 de mayo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



por encima de ello, un foro para el diálogo y la reflexión sobre el problema palestino-israelí. Gracias a todos los contactos interculturales que allí se realizan, el proyecto aspira a representar un importante papel en la superación de diferencias políticas y culturales entre los países representados en el taller. El uso de las palabras West-Eastern Divan hace referencia a una colección de poemas de Johann Wolfgang von Goethe. Sus propios fundadores comentan al respecto: La razón por la que hemos llamado así a esta orquesta proviene del hecho de que Goethe fue uno de los primeros alemanes verdaderamente interesado en otros países, ya que empezó a aprender árabe con más de 60 años.

Por su parte, Daniel Barenboim es una de esas figuras que no necesitan presentación, pues está presente permanentemente en nuestra programación. Su importancia en la revalorización de repertorios desde finales del XVIII hasta la actualidad ha sido fundamental en la historia de la música.

El programa interpretado para esta ocasión se compone de algunos fragmentos orquestales extraídos de célebres óperas de Giuseppe Verdi (1813-1901), como I vespri siciliani [obertura], La traviata [preludios de los actos I y III] y La forza del destino [obertura]. La obra principal es la Sinfonía fantástica, op.14, subtitulada Episodio de la vida de un artista, compuesta por Hector Berlioz (1903-1869) y estrenada el 5 de diciembre de 1830 en el Conservatorio de París. Interpretada bajo la dirección de François-Antoine Habeneck, gozó de un inmenso éxito en su acogida. La sinfonía, considerada el primer gran ejemplo de música programática estricta, consta de cinco movimientos que son, respectivamente: Sueños y pasiones, Un baile, Escena en el campo, Marcha al suplicio y Sueño de una noche de aquelarre, algo poco usual en aquella época, ya que hasta entonces se componía de únicamente cuatro, a excepción de la Sinfonía Pastoral de Beethoven. La obra contiene un argumento muy detallado, por lo que se incluye en ella un programa que describe un entorno literario en el que poder apoyarse para su comprensión. La sinfonía está inspirada en una obra literaria y narra los sueños de un joven músico que, tras sufrir un desamor, decide recurrir al opio. El compositor, además, introduce variedad de elementos autobiográficos referidos al amor no correspondido de la actriz Harriet Smithson. Este amor se puede ver representado bajo una línea melódica fija que aparece de forma distinta a lo largo de la sinfonía. Considerada la obra más representativa del compositor, la Sinfonía Fantástica consagra a Hector Berlioz como uno de los grandes compositores del Romanticismo.


Concierto: Daniel Barenboim & West–Eastern Divan Orchestra en Marsella Estreno 28 de mayo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El Festival Internacional de Piano de la Roque d’Anthéron y la Ópera de Marsella le invita a deleitarse con la colaboración inigualable entre Daniel Barenboim y la West-Eastern Divan Orchestra, en un programa conformado por fragmentos orquestales de algunas óperas de Giuseppe Verdi, y especialmente por la Sinfonía fantástica de Hector Berlioz.



ALLEGRO HD 235 LINCOLN ROAD, SUITE 201

MIAMI BEACH, FL 33139 USA

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