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Allegro HD – Destacados de Programación – Abril 2017

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Destacados de Programación – Abril 2017



Destacados de Programación Abril 2017

DOCUMENTAL – Barenboim en Beethoven: Nueve sinfonías que cambiaron el mundo – Estreno 2 de abril – Pág. 3

Aniversario Johannes Brahms

CONCIERTO – Mariss Jansons dirige el Requiem alemán – 3 de abril – Pág. 5 CONCIERTO – Brahms & Reger: Maurizio Pollini, Orquesta Estatal de Dresden y

Christian Thielemann – 3 de abril – Pág. 7

Aniversario Gaetano Donizetti ÓPERA – L’elisir d’amore, ópera en dos actos de Donizetti – 8 de abril – Pág. 9

ÓPERA – Anna Bolena, ópera en dos actos de Donizetti – 8 de abril – Pág. 11 CONCIERTO – Cecilia Bartoli & Il Giardino Armonico: Sacrificium – 9 de abril – Pág.

13

CONCIERTO – Bartók & Beethoven: Festival de Radio France et Montpellier Languedoc-Rousillon 2013 – Estreno 9 de abril – Pág. 15

Aniversario Georg Fredrich Händel

CONCIERTO – Rolando Villazón canta arias de Händel – 14 de abril – Pág. 17

ÓPERA – Macbeth, ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi – 15 de abril – Pág. 19 ÓPERA – Turandot, ópera en tres actos de Giacomo Puccini – Estreno 15 de abril –

Pág. 21

Domingo de Pascua CONCIERTO – Pasión según San Mateo, de Johann Sebastian Bach – 16 de abril –

Pág. 23 CONCIERTO – La infancia de Cristo, de Hector Berlioz – Estreno 16 de abril – Pág.

25

ÓPERA – Don Giovanni, ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart – Estreno 22 de abril – Pág. 27

ÓPERA – Simon Boccanegra, ópera en tres actos de Giuseppe Verdi – 23 de abril –

Pág. 29

CONCIERTO – Variaciones Goldberg, de Johann Sebastian Bach: Duo Mélisande – Estreno 23 de abril – Pág. 31

ÓPERA – El caso Makropulos, ópera en tres actos de Leoš Janáček – Estreno 29 de

abril – Pág. 33

ÓPERA – Evviva Belcanto!: Gala Montserrat Caballé & Marilyn Horne – Estreno 30 de abril – Pág. 35



Espectáculo documental que narra la visión del gran Daniel Barenboim en su integral de las

sinfonías beethovenianas junto a West-Eastern Divan Orchestra.

Género: documental, música clásica, música romántica, música sinfónica.

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: West-Eastern Divan Orchestra.

Año: 2012.

Sin duda, la integral de las nueve sinfonías de Ludwig van Beethoven (1770-1827) es un acontecimiento fundamental en el desarrollo del género sinfónico en su historia. La sinfonía, que había nacido en el Barroco como un género consustancial a la ópera, se fue desarrollando a partir de ahí como género independiente, alcanzando una trascendencia y una significación mucho mayor y totalmente distinta a aquella. Durante el Clasicismo se erigió como el género que ha llegado hasta la actualidad, alcanzando en las figuras de

Franz Joseph Haydn –considerado como padre del género– y Wolfgang Amadeus Mozart a sus máximos representantes. Después llegaría la figura de Beethoven, que, a pesar de componer un número mucho menor de obras que los dos anteriores, llevó el género hacia su máximo apogeo en el nuevo estilo del Romanticismo. Sus nueve sinfonías son un dechado de su capacidad compositiva, de su lenguaje, además de una exquisita muestra de su evolución creadora. Con sus sinfonías se inicia el desarrollo de una visión sinfónica,

Documental: Barenboim en Beethoven Nueve sinfonías que cambiaron el mundo Estreno 2 de abril 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador



que será continuada por Brahms, Mendelssohn, Schumann, Bruckner, hasta desembocar en Mahler.

El presente documental, que lleva por elocuente título Barenboim en Beethoven: nueve sinfonías que cambiaron el mundo, es la plasmación de la aventura que, a lo largo de tres años, llevó a Daniel Barenboim y a su orquesta, West–Eastern Divan Orchestra, a recorrer el mundo con las nueve sinfonías de Beethoven. El cineasta Michael Waldman se unió a los ensayos del conjunto en España y a la gira a Corea del Sur y China para producir este documental, singularmente atractivo, sobre la interpretación y actuaciones musicales, así como sobre los pensamientos y sentimientos de los músicos sobre Beethoven y Barenboim. La gira culmina con una interpretación especial de la Novena Sinfonía, la sinfonía que se ha convertido en el símbolo musical de la libertad, en la frontera entre Corea del Norte y Corea del Sur.

El proyecto West-Eastern Divan fue concebido en 1999 por las mentes de dos artistas e intelectuales de primer orden a nivel mundial: el pianista y director de orquesta argentino-israelí Daniel Barenboim y el intelectual palestino Edward Said. Ambos creyeron en un proyecto que supusiera la creación de un taller para jóvenes músicos de Israel y otros países de Oriente Medio que facilitara el estudio y el desarrollo musical, además de la posibilidad de compartir el conocimiento y la comprensión entre culturas que han sido tradicionalmente rivales. Aquí, los músicos asistentes mejoran su nivel musical mientras conviven con jóvenes de países que pueden estar en situaciones de conflicto con el suyo propio. La base de la orquesta la componen músicos árabes e israelíes acompañados de músicos españoles. Sus primeros pasos los dieron entre Weimar y Chicago hasta que en 2002 se establecieron definitivamente en Sevilla gracias al apoyo de la Junta de Andalucía. Pero este no es únicamente un proyecto musical, sino quizá por encima de ello, un foro para el diálogo y la reflexión sobre el problema palestino-israelí. Gracias a todos los contactos interculturales que allí se realizan, el proyecto aspira a representar un importante papel en la superación de diferencias políticas y culturales entre los países representados en el taller.

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Documental: Barenboim en Beethoven Nueve sinfonías que cambiaron el mundo Estreno 2 de abril 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La unión de Daniel Barenboim con la obra de Ludwig van Beethoven conoce una simbiosis especial. No solo destaca el gran artista en su obra para piano, sino que como director son célebres sus magníficas versiones de las obras orquestales del alemán, especialmente de sus sinfonías. Este documental desentraña la visión de los intérpretes sobre tan extraordinario legado artístico, aunando momentos de ensayos y conciertos en su gira al frente de la West–Eastern Divan Orchestra.

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El Requiem alemán de Johannes Brahms es una de las obras cumbres en la música sacra de

todo el siglo XIX, repleta de espiritualidad en su sentido más amplio.

Género: concierto, música clásica, romanticismo, música sacra.

Intérpretes: Genia Kühmeier, Gerald Finley, Coro de la Radio Holandesa.

Director: Simon Rattle.

Orquesta: Orquesta del Real Concertgebouw de Amsterdam.

Año: 2012.

Lugar: Real Concertgebouw Amsterdam.

Duración: 80 minutos.

Sin duda, uno de los puentes directos entre Johann Sebastian Bach y el siglo XIX lo tenemos en la figura de Johannes Brahms (1833-1897). Si bien no hizo tanto por el redescubrimiento de la obra del Kantor como su compatriota Felix Mendelssohn, sí que se encuentra en Brahms un puente tendido, especialmente en la música coral, con la escritura bachiana. Brahms fue, además, uno de los primeros en recuperar obras vocales del Barroco alemán, como hizo de manera recurrente con la figura de Heinrich Schütz. Esto influyó poderosamente en su manera de concebir la composición coral, lo que se aprecia de manera evidente en algunas de sus grandes obras.

Este Ein Deutsches Requiem [Requiem alemán] Op. 45 es una reflexión introspectiva basada en textos bíblicos, traducidos al alemán, sobre la vida y la muerte, que Brahms

comienza a perfilar hacia 1856 –cuando fallece su amigo Robert Schumann– y que

terminará a partir de 1865 –cuando la muerte de su madre le hace obsesionarse más por

estas cuestiones–. Ya para el verano de 1866 tendrá completados seis movimientos. La obra se estrenó primeramente de forma parcial en la Catedral de San Pedro de Bremen

Concierto: Mariss Jansons dirige el Requiem alemán de Johannes Brahms 3 de abril 21:40 Argentina/Uruguay | 19:40 Colombia/Ecuador



[abril de 1868], para hacerlo de forma completa en la Gewandhaus de Leipzig en 1869. Brahms concibe la obra en siete movimientos y la prescribe para soprano, barítono, coro, orquesta y órgano, aunque existe una versión que elimina la orquesta y el órgano y se acompaña únicamente de dos pianos, arreglo que parece destinado a facilitar la interpretación de la obra por orfeones y conjuntos corales no profesionales de buena parte de Alemania, pero también de otros países, lo que ayudaría a dar a conocer su nombre en algunos países donde no era todavía no muy apreciado. En 1871 se produce el estreno de la obra en Inglaterra, de la mano de Juluis Stockhausen, amigo de Brahms que además interpretó la parte de barítono solista, que tuvo lugar en la residencia de Sir Henry Thompson.

Brahms sufrió una cierta incomprensión por parte de buena parte del público, pues la composición de un Requiem en el que apenas se menciona de manera directa a Dios resultaba algo extraño y levantaba suspicaces. No en vano, Brahms designó a la obra como eine Art deutsches Requiem [una especie de Requiem alemán], pues su intención era la de configurar la pieza como una composición de carácter puramente musical, dejando a un lado, por supuesto, su carácter y concepción litúrgica. Brahms eligió para ello la traducción alemana que de la Biblia realizara Lutero, con una selección de textos

efectuada por el compositor y concebida con el fin de reconfortar a los vivos –aquellos que

han perdido algún ser amado– más que para conmemorar las vidas u orar por las almas de quienes han muerto. En cierta ocasión el mismo Brahms declaró lo siguiente: admitiré que podría omitir el término Alemán y llamarlo simplemente un Requiem por lo Humano o por la Humanidad. Precisamente por su concepción fue llamado por algunos como el Requiem ateo. De cualquier manera, y aunque la obra se aleje de aspectos puramente religiosos, es bien cierto que el logro espiritual que se produce en esta composición es prácticamente un milagro.

Enlaces de imágenes: http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00108_Jansons_Brahms_Requiem_1.jpg http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00108_Jansons_Brahms_Requiem_2.jpg http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00108_Jansons_Brahms_Requiem_3.jpg http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00108_Jansons_Brahms_Requiem_4.jpg http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00108_Jansons_Brahms_Requiem_5.jpg

Concierto: Mariss Jansons dirige el Requiem alemán de Johannes Brahms 3 de abril 21:40 Argentina/Uruguay | 19:40 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Los conjuntos holandeses con su titular al frente, el gran director letón Mariss Jansons, acercan a sus casas una de las grandes obras del repertorio coral alemán de toda su historia, el llamado Requiem alemán, de Johannes Brahms, una obra que se tambalea entre lo sacro y lo profano y que supone la gran obra coral del compositor alemán, todo un ejemplo de expresividad y emoción sin límite.

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Uno de los pianistas más legendarios del siglo XX acompañado por una orquesta de lujo,

para un doble programa del XIX alemán: Brahms y Reger.

Género: concierto, música clásica, música romántica, piano.

Intérpretes: Maurizio Pollini.

Director: Christian Thielemann.

Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.

Año: 2011.

Lugar: Ópera Estatal de Sajonia, Dresden.


Maurizio Pollini (1942), pianista italiano, es uno de los grandes representantes del instrumento en la segunda mitad del siglo XX y aún en la actualidad. Su agilidad, virtuosismo y su gusto por el repertorio más complejo se desarrollaron en él temprano, durante sus estudios con Carlo Lonati y Carlo Vidusso. Como estudiante obtuvo el segundo premio en el Concurso Internacional de Ginebra 1957 y su graduación en el Conservatorio de Milán en 1959, a lo que siguió la victoria en el Concurso Ettore Pozzoli ese año, y ya en 1960 en el Concurso Chopin de Warszawa. A estas alturas ya tenía ganada la reputación de perfeccionista problemático, y poco después decide retirarse de la escena internacional para consolidar su técnica y repertorio. A su regreso en 1968, el impacto que causó fue sensacional. Firmó un contrato con Deutsche Grammophon y en la década siguiente realizó una serie de grabaciones de diversos compositores, que se encuentran entre lo

Concierto: Brahms & Reger Maurizio Pollini y Christian Thielemann con la Orquesta Estatal de Dresden 3 de abril 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador



mejor de la fonografía. Sus interpretaciones se caracterizan por una combinación de claridad, el poder y la lucidez intelectual, lo que sugiere su admiración por Michelangeli.

En este programa doble, destaca primeramente la figura de Johannes Brahms (1833–1897), uno de los grandes maestros de la historia de la música alemana y uno de los referentes a nivel occidental dentro del Romanticismo. Sucesor de Ludwig van Beethoven y Franz Schubert en las formas compositivas de mayor formato, además de en la música de cámara y las composiciones orquestales; pero también del propio Schubert y Robert Schumann en las formas musicales en miniatura, como las piezas para piano y las canciones. Hay en su música coral un verdadero puente tendido entre los polifonistas del Renacimiento y el Barroco con los creadores del siglo XIX. Las obras de Brahms sintetizan las prácticas de tres siglos con el color del folklore y el lenguaje de la música culta de mediados y finales del siglo XIX. Su obra, de pasión controlada, es considerada reaccionaria y un epígono, así como progresiva, llegando a ser muy valorada y respetada en vida del autor, y reverenciada como una absoluta genialidad por el público, la crítica y los intérpretes de la actualidad. De él se interpretan su Obertura Trágica en Re menor, Op. 81 [1880], obra que más allá de su título no tiene ningún programa narrativo específico. Obra imponente, se desarrolla en el espíritu de los predecesores de mayor importancia en torno al Re menor, incluyendo la Novena de Beethoven y el Concierto para piano n.º 1 del propio Brahms. La obra principal del programa, ese primer concierto para piano, Op. 15 [1858], de nuevo en Re menor, es uno de los conciertos más interesantes en la historia. Lo estrenó el propio Brahms al instrumento. Es uno de los conciertos más poderosos tras los de Beethoven, al menos en lo que Carl Dahlhaus denominó como estilo sinfónico, cuyo objetivo para los efectivos orquestales alcanzados por medio de orquesta es de una concepción casi monumental, recordando en algunos momentos a la Novena de Beethoven. Es uno de los mejores ejemplos de su esfuerzo por combinar los efectos pianísticos con la orquesta, a diferencia de sus predecesores, que limitaban el papel de esta última a un mero acompañamiento del solista.

Max Reger (1873–1916), compositor alemán cuyo estilo combina un lenguaje armónico cromático de mirada al barroco con procedimientos formales del Clasicismo, se define tanto como un sucesor de finales del siglo XIX del Romanticismo como un precursor del modernismo temprano del siglo XX. Se interpreta su Suite Romántica Op. 125 [1912], inspirada en una serie de poemas de Joseph von Eichendoff. Es quizá la única partitura de Reger influida por el expresionismo postromántico, en la que domina su preocupación rigurosa por la construcción temática.

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Concierto: Brahms & Reger Maurizio Pollini y Christian Thielemann con la Orquesta Estatal de Dresden 3 de abril 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: No siempre se puede disfrutar de uno de los mejores pianistas del último siglo interpretando uno de los grandes conciertos para piano en la historia. Esto es lo que les ofrecemos en este programa, una oportunidad de disfrutar de una unión única entre compositor, solista, orquesta y director: Johannes Brahms, Maurizio Pollini, Orquesta Estatal de Dresden y Christian Thielemann.

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La célebre ópera del gran autor italiano en una magnífica versión del coliseo londinense,

con un trío protagonista de excepción.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Lucy Crowe, Vittorio Grigòlo, Bryn Terfel, Levente Molnár, Kiandra Howarth; Coro de la Royal Opera House; Laurent Pelly [dirección de escena y vestuario], Chantal Thomas [escenografía], Joël Adams [iluminación].

Director: Daniele Rustioni.

Orquesta: Orquesta de la Royal Opera House.

Año: 2014.

Lugar: Royal Opera House, London.


L'elisir d'amore [El elixir de amor] es el título de esta fantástica ópera cómica en dos actos con música de Gaetano Donizetti (1797-1848), compuesta sobre libreto en italiano de Felice Romani, a su vez basado en el libreto Le philtre (1831) de Eugène Scribe, creado para la ópera de Daniel-François Auber. Es sin duda una de las óperas más frecuentemente interpretadas, no solo ya del catálogo de Donizetti, sino de toda la historia del género. Momentos como la célebre aria de Nemorino Una furtiva lacrima han pasado sin duda a formar parte del imaginario de los amantes de la ópera.

Ópera: L’elisir d’amore Ópera en dos actos de Gaetano Donizetti 8 de abril 16:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Colombia/Ecuador



Como resultado de un encargo que no llegó a buen puerto, Alessandro Lanari, por aquel entonces empresario del Teatro della Canobbiana de Milano, le pidió a Donizetti la composición de una ópera en el breve lapso de dos semanas. Felice Romani, quien era colaborador asiduo del compositor, empleó buena del tiempo para configurar el texto. El tema no era original, pues estaba basado en un libreto previo, inspirado a su vez en Il filtro de Silvio Malaperta, con la traducción al francés por Stendhal. La temática bucólica consiguió que Donizetti y Romani eludiesen los enfrentamientos con los censores, que tantos problemas ocasionaron a los autores de la época. A pesar de lo apremiante del encargo, la obra consiguió un fantástico éxito, así como su posterior inmortalidad, manteniéndose en cartel desde la primera representación. Los autores eran suficientemente experimentados como para hacer de El elixir de amor una obra maestra. El ámbito bucólico era ideal para escenificar una historia sencilla¸ pero no por ello carente de un contenido profundo, en la cual se exhibiesen diversos arquetipos humanos que son reflejo directo de los caracteres de la comedia del arte. En la obra encontramos la superficialidad y la frivolidad de Adina; el descaro y la vulgaridad del sargento Belcore; en el charlatán Dulcamara encontramos la astucia, el aprovechamiento y la mala fe ocultados tras una gran simpatía. Todo un muestrario de vicios y defectos, excepción hecha de Nemorino, el campesino sencillo e ingenuo, capaz de vivir los grandes sentimientos que otros desconocen. La obra se estrenó evidentemente en el Teatro della Canobbiana de Milano, el 12 de mayo de 1832, cuyo brutal éxito hizo que permaneciera en cartel durante 32 días consecutivos.

Su libreto, realmente entretenido, lleno de humor, ingenio e incluso con una buena dosis de significación más profunda; su música, manifiesto de todas las buenas características del compositor: tiernas melodías que conmueven al oyente; su notable capacidad de ingenio; su gran poder dramático... Ambos lograron colmar a la obra de la gloria que posee hasta la actualidad. Por momentos es ligera e ingeniosa como Rossini, en otros es lírica y sentimental como Bellini, para terminar sirviendo como embrión del dramatismo que será recuperado por el propio Verdi. El elixir de amor sigue siendo una de las óperas más populares en la actualidad, la 12.ª entre las cien óperas más

representadas en el período 2005-2010 –7.ª cantada en italiano y la primera de Donizetti–. Junto a El barbero de Sevilla y Las bodas de Fígaro, es la ópera cómica más conocida y representada del repertorio.

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Ópera: L’elisir d’amore Ópera en dos actos de Gaetano Donizetti 8 de abril 16:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Pocas óperas han soportado el paso de los años y continúan hoy actualmente vigentes como L’elisir d’amore, de Gaetano Donizetti. Disfruten de esta inmortal obra en una extraordinaria producción del Royal Opera House de Londres, que tiene en Lucy Crowe, Vittorio Grigòlo y Bryn Terfel a su fabuloso trío protagonista. La parte orquestal y coral la ponen las agrupaciones del teatro londinense, bajo la dirección de Daniele Rustioni.

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Una de las óperas menos conocidas del operista italiano, pero de gran calidad, que le

ofrecemos en las voces de un trío protagonista de auténtico lujo.


Intérpretes: Anna Netrebko, Elīna Garanča, Ildebrando d’Arcangelo, Francesco Meli, Elisabeth Kulman, Peter Jelosits, Dan Paul Dumitrescu; Coro de la Ópera Estatal de Viena; Eric Génovèse [dirección de escena], Jacques Gabel y Claire Sternberg [escenografía], Luisa Spinatelli [vestuario], Bertrand Couderc [iluminación].

Director: Evelino Pidò.

Orquesta: Orquesta de la Ópera Estatal de Viena.

Año: 2011.

Lugar: Ópera Estatal, Viena.


Anna Bolena es una tragedia lírica en dos actos con música de Gaetano Donizetti (1797-1848) y libreto en italiano de Felice Romani, basada en Enrico VIII ossia Anna Bolena, de Ippolito Pindemonte, y Anna Bolena, de Alessandro Pepoli, ambas sobre la vida de la segunda esposa del rey Enrique VIII de Inglaterra. Fue estrenada en el Teatro Carcano de Milano, el 26 de diciembre de 1830. El dúo Sul suo capo aggravi un Dio entre Anna [soprano] y Giovanna Seymour [mezzosoprano] está considerado uno de los mejores de todo el repertorio operístico. Esta ópera forma parte de una serie de óperas de Donizetti que tratan del período Tudor en la historia inglesa, que incluye Roberto Devereux, Maria Stuarda e Il castello di Kenilworth. Los principales papeles femeninos de las óperas Anna

Ópera: Anna Bolena Ópera en dos actos de Gaetano Donizetti 8 de abril 19:15 Argentina/Uruguay | 17:15 Colombia/Ecuador



Bolena, Maria Stuarda y Roberto Devereux son a menudo conocidos como las Tres Reinas de Donizetti.

La ópera fue escasamente representada entre la segunda mitad del siglo XIX y principios del siglo XX, cayendo después en el olvido. Anna Bolena no se representó con frecuencia hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Su retorno al escenario marcó un gran triunfo para Maria Callas junto a la mezzosoprano Giulietta Simionato en abril de 1957, en La Scala. A partir de Callas la obra siguió representándose. Otras intérpretes que destacaron en el papel de Anna han sido Leyla Gencer, Montserrat Caballé, Renata Scotto, Edita Gruberová, Mariella Devia y Anna Netrebko. Esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 221 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 64.ª en Italia y la undécima de Donizetti, con 12 representaciones en el período. Hacia finales de la década de los años veinte del siglo XIX, Donizetti, imbuido por el nuevo estilo romántico, empieza a introducir una serie de elementos distintos en sus obras, que le acercan a los postulados del nuevo movimiento. Evolución que también en estos momentos está llevando a cabo su rival Vicenzo Bellini de modo independiente. Ejemplo de este periodo de transición pueden ser las obras Albor di Granata [1826], Gemma di Vergy [1827], Elisabetta al castello di Kenilworth [1829] o Anna Bolena. En todas estas óperas se pueden observar nuevos elementos relacionados con el sentimentalismo romántico, con los temas históricos o con las nuevas formas en lo estrictamente musical; no obstante aún se pueden observar algunos elementos relacionados directamente con la opera buffa y con el bel canto que, influidos por Rossini, sigue arrastrando en su producción. La ópera pertenece a una etapa en donde los elementos románticos priman sobremanera. Donizetti, cada vez más alejado de la ópera bufa, se adentra en un tema de

ambientación medieval muy al gusto de ese movimiento. Junto a este tema medieval –en este momento la definición de los períodos históricos era aún confusa– el desarrollo de

unos amores reales –a los que la censura italiana es transigente ya que se trata de un rey

cismático– ahondan en la idea romántica junto con los sentimientos que se acercan a la locura de la protagonista y una ambientación escénica muy próxima a lo gótico.

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Ópera: Anna Bolena Ópera en dos actos de Gaetano Donizetti 8 de abril 19:15 Argentina/Uruguay | 17:15 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Como todos los operistas, Gaetano Donizetti tiene algunas óperas que no son tan conocidas en su producción. Anna Bolena es una de ellas, por eso redescubrirla siempre es un placer, especialmente cuando viene servida en las voces protagonistas de Anna Netrebko, Elīna Garanča e Ildebrando d’Arcangelo, a las que se unen Francesco Meli, Elisabeth Kulman, Peter Jelosits y Dan Paul Dumitrescu. Les acompañan la Orquesta y Coro de la Ópera Estatal de Viena, bajo la dirección de Evelino Pidò.

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La excepcional mezzosoprano romana interpreta un hermoso y reivindicativo programa

dedicado a honrar a los castrati y sus increíbles voces.

Género: concierto, ópera, música clásica, música barroca, bel canto, castrati.

Intérpretes: Cecilia Bartoli.

Director: Giovanni Antonini.

Orquesta: Il Giardino Armonico.

Año: 2009.

Lugar: Palacio Real, Caserta.


Cecilia Bartoli es una mezzosoprano romana que ha forjado su carrera sobre los pilares de las óperas de Wolfgang Amadeus Mozart y Gioachino Rossini, además del repertorio barroco, de la que es una incansable defensora e investigadora. Como mezzosoprano ligera de coloratura cuenta con un timbre aterciopelado y una técnica acreditadamente impecable, siendo la mayor figura lírica aparecida en Italia desde Giulietta Simionato. Destaca especialmente por su labor de recuperación del repertorio de compositores ignotos o injustamente olvidados, de los castrati italianos o de cantantes antológicas como María Malibrán. Bartoli comenzó su educación desde niña de la mano de sus padres. En 1985, cuando contaba con 19 años, hizo una aparición en un programa de talentos de la televisión italiana. Riccardo Muti, por aquel entonces director del Teatro de La Scala, escuchó su actuación y la invitó a una audición. Años más tarde Herbert von Karajan la

invitó a cantar en el Festival de Salzburg de 1990 –aunque su muerte impidió realizar dicho

Concierto: Cecilia Bartoli & Il Giardino Armonico Sacrificium. El arte de los castrati 9 de abril 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador



debut–. En esa época Bartoli captó la atención de Daniel Barenboim cuando la escuchó actuando en un homenaje a María Callas en la televisión francesa. Trabajando con dos de los grandes directores del siglo XX, como el propio Barenboim y Nikolaus Harnoncourt, Bartoli se concentró en papeles mozartianos, desarrollando una exitosa carrera internacional. Además de Mozart y Rossini ha prestado atención a la música barroca y del período clásico temprano de compositores como Christoph Willibald Gluck, Antonio Vivaldi, Franz Joseph Haydn o Antonio Salieri. Dentro de su faceta musicológica recuperó el legado de la legendaria cantante del siglo XIX María Malibrán, y con su disco Sacrificium ha devuelto a la actualidad el olvidado y muy difícil repertorio de los castrati, encabezando

las listas de ventas con las estrellas de la música pop –lo que no ocurría desde los tiempos

de Luciano Pavarotti–. Ha sido condecorada con la Ordine al merito della Repubblica Italiana, Orden de las Artes y Letras y el Premio Musical Léonie Sonning en su edición de 2010, entre muchas otras distinciones. En 2016 se la distingue en Estocolmo con el Premio Polar, considerado el Premio Nobel de la música. Sacrificium. El arte de los castrati es un excepcional concierto rodado en el impresionante y absolutamente adecuado Palacio Real de Caserta, una hermosa localidad cercana a Napoli. Con este programa y el registro discográfico que le precedió, Bartoli quiere rendir un homenaje a las miles de voces que fueron sacrificadas en el nombre de la música: los castrati. Desde el Renacimiento, Europa, que tenía en sus centros religiosos las prohibición de que las mujeres pudiesen cantar, encontró en esta figura de los

capones –como se les llamaba en la España del Barroco– una magnífica solución. La cuestión era simple, pero realmente sanguinaria: castrar a los niños en su mejor estado vocal, justo antes de que cambiasen la voz adulta, con lo que se mantenía así toda su calidad y se proveía a la iglesia y los teatros de cantantes adultos con una voz angelical. Cada año eran castrados en Europa miles de niños, con todos los problemas que ello conllevaba. Algunos de estos castrati se convirtieron en auténticas estrellas del canto, por los que teatros y capillas se peleaban para contar con sus servicios.

El presente programa muestra ejemplos de algunos de los mejores operistas del siglo XVIII y de los papeles que para castrati del momento compusieron en sus óperas. Así aparecen obras de Nicola Porpora (1686-1768), Geminiano Giacomelli (c.1692-1740),

Francesco Araia (1709-1770), Riccardo Broschi (c.1698-1756) –hermano del célebre

Farinelli– y el gran Georg Friedrich Händel (1685-1759).

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Concierto: Cecilia Bartoli & Il Giardino Armonico Sacrificium. El arte de los castrati 9 de abril 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La historia de la música está repleta de atrocidades. Sin duda, la de los castrati fue una de las más inmensas y permitidas durante siglos. Cecilia Bartoli, una de las grandes voces del panorama mundial en los últimos veinticinco años, le invita a deleitarse con compositores que dedicaron con pasión a componer grandes papeles operísticos para algunos de los mejores castrati de la historia. La música de Nicola Porpora, Geminiano Giacomelli, Francesco Araia, Riccardo Broschi y Georg Friedrich Händel viene servida por su extraordinaria voz, junto al conjunto historicista Il Giardino Armonico y la dirección de Giovanni Antonini.

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Excepcional concierto protagonizado por dos grandes en la historia de la composición y

una auténtica leyenda de la dirección orquestal.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea, música sinfónica.

Director: Bernard Haitink.

Orquesta: Orquesta Nacional de Francia.

Año: 2013.

Lugar: Corum – Opéra Berlioz, Montpellier.


El Festival de Radio France et Montpellier Languedoc-Rousillon es un festival anual que se celebra en julio en la ciudad de Montpellier y en localidades cercanas a la metrópolis, así como otros municipios de la gran región de Occitanie. El festival fue creado en 1985 por iniciativa de Radio France y la ciudad de Montpellier, y confió la dirección a René Koering para: Conciliar la clásica y lo desatendido, los grandes artistas y las jóvenes promesas, los acentos antiguos y los sonidos del mañana… continuando la gran tradición de servicio público. La región occitana es ahora el primer y principal apoyo del Festival, así

como Montpellier y su área metropolitana, además de Radio France –principal radio pública

del país–. Koering se afanó por recuperar muchos espectáculos líricos hasta entonces inéditos, además de formas inusuales en concierto, aportando suma presencia a la producción de los autores contemporáneos. Se mantuvo en el cargo hasta 2011, año en

Concierto: Bartók & Beethoven Festival de Radio France et Montpellier Languedoc-Rousillon 2013 Estreno 9 de abril 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador



que fue sucedido por Jean-Pierre Le Pavec, que ostentó la dirección hasta 2014, año en el que asume el cargo Jean-Pierre Rousseau. Desde 2016 el festival está copresidido por Carole Delga y Mathieu Gallet. El festival acoge alrededor de 200 diferentes eventos musicales, el 90% de los cuales son totalmente gratuitos. Muchos conciertos se transmiten en vivo en las ondas de Radio France. En 2015 el Festival ha recibido a más de 120.750 espectadores.

El programa se estructura sobre dos pilares fundamentales, siendo el primero de ellos el Concierto para orquesta Sz 116, BB 123 de Béla Bartók (1881-1945). Se trata de una composición para orquesta sinfónica en cinco movimientos, escrita en 1943. Es una de las obras más conocidas y populares del húngaro, siendo quizá la más conocida entre las obras que llevan el contradictorio título de Concierto para orquesta. Este contrasta con la

forma convencional del concierto –instrumento solista y acompañamiento orquestal–, pero Bartók denominó a esta pieza concierto en lugar de sinfonía por la forma en que cada sección de instrumentos se trata de una manera solista y virtuosa. La obra fue un encargo de la Koussevitzky Foundation. La obra fue estrenada el 1 de diciembre de 1944 en el Symphony Hall de Boston, interpretada por la Boston Symphony Orchestra bajo la dirección de Serge Koussevitzky, con éxito inmediato. Dicho éxito animó a Bartók, que recibió otros encargos, sin embargo no pudo disfrutarlo mucho tiempo ya que murió diez meses después del estreno

El otro pilar lo conforma la Sinfonía nº. 3 en Mi bemol mayor de Ludwig van Beethoven (1770-1827), compuesta en 1804. Se trata de una de las grandes sinfonías del autor. Su estreno público fue el 7 de abril de 1805 en Viena. Para muchos esta tercera sinfonía, intitulada como Heroica, marca de manera clara el cambio entre el Clasicismo y el Romanticismo, mostrando una nueva manera de concebir la composición. Beethoven admiraba profundamente los ideales de la Revolución Francesa que se encarnaban en la figura de Napoleón, pero al recibir informaciones de que se había autoproclamado emperador en mayo de 1804, Beethoven no pudo soportar lo que para él suponía una ofensa y se dice que eliminó el nombre Bonaparte del título de la obra con tal fuerza, que rompió su lápiz y dejó un agujero rasgado en el papel. Cuando la sinfonía se publicó en 1806 Beethoven le da como título el de Sinfonia eroica, composta per festeggiare il sovvenire d'un grand'uomo [Sinfonía heroica, compuesta para festejar el recuerdo de un gran hombre], en cierta manera una referencia clara a lo que Napoleón supuso antes de desviarse verdaderamente de aquellos ideales, pero también en referencia a un héroe no existente, al espíritu del heroísmo en sí mismo.

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Concierto: Bartók & Beethoven Festival de Radio France et Montpellier Languedoc-Rousillon 2013 Estreno 9 de abril 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Bernard Haitink, una de las mejores batutas del siglo XX, se pone al frente de la Orquesta Nacional de Francia para interpretar un programa doble protagonizado por el Concierto para orquesta de Béla Bartók y la Sinfonía n.º 3 de Ludwig van Beethoven. Un evento único de entre los mejores momentos del Festival de Radio France et Montpellier Languedoc-Rousillon 2013.

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El célebre tenor mexicano se embarca en un viaje al mundo barroco, acompañado

por una de las formaciones historicistas más experimentadas de Gran Bretaña.

Género: ópera, oratorio, música clásica, música barroca.

Intérpretes: Rolando Villazón, Rebecca Bottone, Timothy Travers-Brown.

Director: Paul McCreesh.

Orquesta: Gabrieli Players.

Año: 2008.

Lugar: Iglesia de San Pablo, Deptford.


Pocos compositores hay de la importancia e influencia posterior de Georg Friedrich Händel (1685-1759). El autor alemán, nacido en Halle, desarrolló una intensa y brillante carrera que le llevó primero a Italia y finalmente a Inglaterra. Considerado por muchos un compositor inglés, y por otros como un compositor italiano que nació en Alemania y trabajó en Inglaterra, la verdadera cuestión es que su corpus compositivo es uno de los más poderosos de cuantos se pueden encontrar entre los autores del Barroco. A pesar de ser reconocido constantemente como uno de los autores más grandes de su época, su reputación tras su muerte y hasta a principios del siglo XX se basaba en gran medida en el conocimiento de un pequeño número de obras orquestales y oratorios, su Messiah en particular. Sin embargo, contribuyó de manera absolutamente decisiva a todos los géneros musicales de su tiempo, tanto vocales como instrumentales. La composición de óperas, principalmente sobre libretos italianos, dominó la primera parte de su carrera y le ayudó a establecerse en Inglaterra. En sus últimos años su compromiso con las obras vocales a

Concierto: Rolando Villazón canta arias de Händel Gabrieli Consort & Paul McCreesh 14 de abril 20:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Colombia/Ecuador



gran escala, por lo general con un elemento dramático fuerte, encontró una salida más individual en el oratorio Inglés, un género que él inventó y estableció como nunca antes ni después se ha vuelto a concebir. Es en sus óperas donde Händel alcanza el rol de dominador de la Europa barroca tardía, a pesar de que tuvo que competir de manera feroz con otros autores de gran talento, entre ellos algunos italianos radicados en London, pero también con la creación de autores franceses o los italianos residentes en sus respectivos países. Son estas, muestra de su inmensa capacidad creativa, de su exquisitez a la hora de escribir para la voz y de su excepcional tratamiento orquestal, contando muchos de los instrumentos de la orquesta con pasajes simplemente antológicos dentro de la literatura de las óperas händelianas. Dentro de las formaciones de corte historicista de Gran Bretaña, Gabrieli Consort & Players, que fue fundada en 1982 por su director, Paul McCreesh, es una de las más destacadas y experimentadas. Ha desarrollado una extensa labor como conjunto vocal e instrumental, centrando su atención tanto en obras del Renacimiento y el Barroco, como en repertorios posteriores que albergan hasta el Romanticismo. Es especialmente destacable su atención a autores policorales venecianos de finales del Renacimiento,

como los Gabrieli –de quienes toma su nombre–, además de su querencia hacia las obras sacras de Johann Sebastian Bach y los oratorios del propio Händel.

Por su parte, el tenor mexicano Rolando Villazón es un artista de gran expresividad sobre el escenario, que se dio a conocer en el Certamen Internacional Operalia, organizado por Plácido Domingo, figura con la que siempre se le ha comparado. Formado desde joven en el mundo musical, fue en 1990 cuando inicia su formación operística, de la mano de Arturo Nieto. Desde entonces se ha ido formando y desarrollando una carrera musical en aumento, que sin duda sufrió un gran espaldarazo con el segundo premio en Operalia. A partir de ese momento su presencia en los teatros de ópera y auditorios más importantes del mundo ha sido permanente. Es uno de los tenores más solicitados, como atestiguan el número de roles protagonizados, además de su intensa actividad discográfica. Como resultado de su apretada agenda, ha tenido que llevar a cabo algunos descansos, especialmente desde 2007. El presente recital presenta algunos de los recitativos y arias más exquisitos del catálogo del autor germano-británico, extraídos de títulos operísticos como Serse, Rodelinda, Tamerlano y Ariodante, a lo que sumar obras instrumentales extraídas de obras como la Música acuática [Water Music] o la célebre Llegada de la Reina de Saba de su oratorio Solomon.

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Concierto: Rolando Villazón canta arias de Händel Gabrieli Consort & Paul McCreesh 14 de abril 20:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Disfruten con este fantástico programa de una selección de las arias más exquisitas de quien es uno de los mejores exponentes de la ópera y el oratorio durante el siglo XVIII. El gran Rolando Villazón se acompaña aquí de la soprano Rebecca Bottone y el contratenor Timothy Travers–Brown para embarcarse en una hermosa travesía por la obra de Georg Friedrich Händel, por sus óperas, oratorios y piezas instrumentales. La base orquestal la proporcionan los Gabrieli Players de Paul McCreesh.

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Una de las óperas más fantásticas del operista italiano, servida a través de la magnífica

producción del Royal Opera House londinense.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto, verismo.

Intérpretes: Simon Keenlyside, Raymond Aceto, Liudmyla Monastyrska, Elisabeth Meister, Nigel Cliffe, Ian Lindsay, Steven Ebel, Dimitri Pittas, Will Richardson, Olle Zetterström, William Payne, Archie Buchanan, Jonathan Coad, Lukas Jakobski; Coro de la Royal Opera House; Phyllida Lloyd [dirección de escena], Anthony Ward [escenografía], Paule Constable [iluminación], Mihael Keengan-Dolan [coreografía].

Director: Antonio Pappano.


Año: 2011.



Macbeth es una ópera en cuatro actos y diez cuadros con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) sobre libreto en italiano de Francesco Maria Piave y Andrea Maffei, que fue estrenada en el Teatro della Pergola de Firenze, el 14 de marzo de 1847. El libreto está basado en la tragedia homónima de William Shakespeare. Fue la décima ópera de Verdi y también la primera de las obras de Shakespeare que adaptó a la escena operística. De ella, el propio Verdi escribió: He aquí este Macbeth, el cual amo más que a todas mis otras óperas. Escrita después del éxito de Atila en 1846, para entonces el compositor estaba bien

Ópera: Macbeth Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi 15 de abril 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador



establecido, y precedió a los grandes éxitos de 1850 a 1853, Rigoletto, Il Trovatore y La traviata, que impulsaron a Verdi a su fama universal tal y como hoy la conocemos. La fuente es clara, especialmente aquí, pero también en otras de sus óperas, siendo el dramaturgo Shakespeare una de las grandes inspiraciones verdianas, como se verá en la atención que prestará a posterori a algunas de sus obras. Influido por su amistad en los años 1840 con Andrea Maffei, Verdi comenzó la composición de la obra en 1846, tras recibir ese encargo del teatro florentino, asegurándole además que determinados cantantes estarían disponibles. La primera versión de Macbeth se terminó en la mitad de lo que Verdi llamó sus años de galera, un período entre 1842 y 1850 en el que el autor italiano creó nada menos que 14 óperas. Sin embargo, para los estándares de la mayoría de las óperas italianas de los primeros cincuenta años del siglo XIX, Macbeth era una rara avis. Verdi intentó construir con ella un verdadero drama musical que no siguiera las tradicionales convenciones de la ópera italiana, establecidas en cierta manera ya desde el Barroco: recitativos, arias, números concertantes… El texto de Piave se basó en una traducción en prosa de Carlo Rusconi, publicada en Torino en 1838. Verdi no encontró la obra original de Shakespeare hasta después de la primera representación de la ópera, pero su conocimiento de otras obras shakespearianas era evidente, como él mismo señaló en 1865: Es uno de mis poetas favoritos. Lo tengo en mis manos desde mi más temprana juventud. Escribiendo a Piave, Verdi dejó claro cuán importante le resultaba este tema: Esta tragedia es una de las grandes creaciones humanas... Si no podemos sacar algo grande de ella, al menos intentemos hacer algo extraordinario. Aún con ciertos desacuerdos y la necesidad de Verdi de corregir constantemente los

borradores de Piave –tanto es así que Maffei participó en la reescritura de algunas escenas

del libreto–, su versión sigue la obra de Shakespeare de manera muy fidedigna, presentando con todo algunos cambios. La versión de 1847 tuvo mucho éxito y fue ampliamente representada. Encantado con su ópera y la recepción que tuvo, Verdi escribió a Antonio Barezzi, su anterior suegro y partidario desde hacía tiempo, el 25 de marzo de 1847: Desde hace tiempo quiero dedicarte una ópera a ti, que has sido padre, benefactor y amigo mío. Era un deber que debía haber cumplido antes, si las imperiosas circunstancias no me lo hubieran impedido. Ahora te envío Macbeth, a la que aprecio por encima de mis otras óperas, y por lo tanto considero la más valiosa que puedo regalarte. La versión de 1847 fue representada por toda Italia hasta que apareció la versión de 1865.

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Ópera: Macbeth Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi 15 de abril 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Macbeth no es, a pesar de su descomunal calidad musical y su sentido dramático fuera de lo común, una de las óperas más conocidas e interpretadas de Giuseppe Verdi. Les invitamos a descubrirla en esta sensacional producción del Royal Opera House de Londres, siempre una garantía de éxito. Las voces protagonistas son las de Simon Keenlyside, Raymond Aceto, Liudmyla Monastyrska, Elisabeth Meister, acompañados por los conjuntos de la casa y la batuta de Antonio Pappano.

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La inmortal obra del compositor italiano en la fascinante producción y el escenario

único y mágico del Festival de Bregenz.


Intérpretes: Mlada Khudoley, Riccardo Massi, Guanqun Yu, Andrè Schuen, Taylan Reinhard, Cosmin Ifrim, Manuel von Senden, Michail Ryssov, Yusushi Hirano; Coro Filarmónico de Praga, Coro del Festival de Bregenz; Marco Arturo Marelli [dirección de escena y escenografía], Constance Hoffman [vestuario], Aaron Kitzig [diseño de vídeo], Davy Cunningham [iluminación].

Director: Paolo Carignani.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de Viena.

Año: 2015.

Lugar: Festival de Bregenz.


Ópera en tres actos compuesta por Giacomo Puccini (1858–1924) y estrenada de manera póstuma el 26 de abril de 1925 en La Scala de Milano. Se basa en el libreto en italiano de Giuseppe Adami y Renato Simoni, quienes realizaron la traducción de la obra homónima de Carlo Gozzi, que fue recreada posteriormente por Friedrich Schiller. Puccini comenzó idearla en 1920, pero no fue hasta 1921 que comenzó a trabajar sobre su composición. La obra le llevó varios años, de tal forma que al sorprenderle la muerte la ópera quedó inconclusa, pero él mismo había planeado que Riccardo Zandonai la concluyese bajo sus precisas instrucciones. A pesar de ello su hijo Tonio se negó a que fuese este quien pusiera punto final a la obra, solicitando a Franco Alfano tal labor.

Ópera: Turandot Ópera en tres actos de Giacomo Puccini Estreno 15 de abril 20:50 Argentina/Uruguay | 18:50 Colombia/Ecuador



Como sabemos, la obra se estrenó bajo la dirección del gran Arturo Toscanini, quien en mitad del acto tercero, dos compases después de las palabras Liù, poesía!, hizo a la orquesta detenerse para volverse al público y proclamar: Qui il Maestro finí [Aquí terminó el maestro]. El telón descendió lentamente. Para las posteriores representaciones se incluyó el final completo compuesto por Alfano. La ópera supone el testamento pucciniano, no solo por ser su última obra, sino por ser la más vanguardista de toda su producción. Para muchos con ella se fue no solo su autor, sino una forma de entender la ópera, el bel canto y el drama escénico, un último gran ejemplo de la ópera entendida como solo los italianos parecían poder hacer. Desde su estreno el éxito ha sido arrollador, convirtiendo a la ópera no solo en una de las más representadas del autor italiano, sino en una de las más interpretadas en toda la historia de la música. Aun así en el período de 2005 a 2010 esta ópera ha sido la cuarta en números de representaciones dentro de la óperas del propio Puccini, tras La Bohème, Tosca y Madama Butterfly. No obstante, durante muchos años la República Popular China prohibió la representación de Turandot, porque consideró que menospreciaba a China y a sus habitantes. Hacia finales de 1990 se reconsideró esta idea y en septiembre de 1998 se estrenó, estando en cartel durante ocho noches en la Ciudad Prohibida, con opulentos escenarios y soldados del ejército como extras. Una breve sinopsis de los tres actos puede ser la siguiente: el exiliado príncipe Calaf, junto con su padre ciego Timur y su esclava Liú, llegan a Pekín. Allí descubren que una despiadada princesa llamada Turandot no acepta pretendiente alguno y que todo aquel que reclame su mano debe superar una serie de enigmas. Cuando Calaf ve a la princesa por primera vez queda prendado de ella y decide someterse a las pruebas. La princesa enuncia un enigma tras otro hasta tres resolviéndolos Calaf sin problemas. Turandot, impotente por ser vencida, reclama a su padre el emperador piedad pero éste no puede deshacer la promesa hecha por su hija: aquel que resuelva los enigmas se casará con la princesa. Calaf le propone un acertijo: si averigua su nombre antes del alba, podrá ser ejecutado, de lo contrario deberá tomar su mano. Turandot moviliza a todo el pueblo para que averigüen el nombre del extranjero con la frase: ¡Que nadie duerma! Calaf es sobornado con riquezas y mujeres pero no las acepta. Liú revela que es la única conocedora del nombre y que su amor por Calaf. El pueblo queda conmovido por tal acto de amor e incluso la princesa Turandot baja sus defensas dejando que Calaf le robe un beso. El frio escudo de la princesa cae y Calaf le revela su nombre. Al amanecer todos se reúnen en palacio y Turandot cuenta que conoce el nombre del extranjero.

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Ópera: Turandot Ópera en tres actos de Giacomo Puccini Estreno 15 de abril 20:50 Argentina/Uruguay | 18:50 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Acomódense para disfrutar de una de las óperas más célebres e intemporales de la historia de la música. Turandot, una historia de amor y crueldad, de muerte y vida, que nos llega en la extraordinaria versión realizada por el Festival de Bregenz y que cuenta con un despliegue absoluto de puesta en escena, además de las voces protagonistas de Mlada Khudoley y Riccardo Massi. Un enclave único para una obra inmortal

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La gran Pasión de Bach desde la Iglesia de Santo Tomás de Leipzig, en interpretación del

Coro de Niños de esta institución, para conmemorar los 800 años de su existencia.

Género: concierto, música clásica, música barroca, música sacra.

Intérpretes: Christina Landshamer, Stefan Kahle, Wolfram Lattke, Martin Lattke, Klaus Mertens, Gotthold Schwarz, Thomanenchor Leipzig.

Director: Georg Christoph Biller.

Orquesta: Orquesta del Gewandhaus de Leipzig.

Año: 2012.

Lugar: Thomaskirche, Leipzig.


La celebración de 800 años de existencia para cualquier institución es un acontecimiento de enormes dimensiones. Si además esto supone que se trate de la institución cuya historia se remonta más lejos de cuantas existen en una localidad, la efeméride debe suponer un hecho de gran calado a todos los niveles. Es por eso que los fastos organizados por el Coro de Niños de Santo Tomás en Leipzig [Thomanerchor] el pasado 2012, coincidiendo con dicha ocasión, tuvieron una notable relevancia a nivel regional, nacional e incluso internacional.

El Thomanerchor es un coro que alarga su historia hasta 1212, año en el que el Margrave von Meißen lo creara como un coro para el Monasterio de los Agustinos de Santo Tomás, previo a la creación de la actual iglesia homónima, con el fin de que interpretase la música de los oficios. El coro pasó a ser propiedad de la ciudad de Leipzig a partir de

Concierto: Pasión según San Mateo, de Johann Sebastian Bach 800 años del Coro de niños de Santo Tomás 16 de abril 15:15 Argentina/Uruguay | 13:15 Colombia/Ecuador



1539. Actualmente, como coro de niños de la iglesia, se compone de un total de noventa jóvenes entre ocho y dieciocho años, que se forman musicalmente y educativamente en la propia institución, incluso residen en ella como internos, en los centros habilitados hace años para ello. Desde el siglo XVI existe una figura ligada de manera indisoluble al coro, que es la del director y encargado de la educación musical y la interpretación. El Thomaskantor, que así se llama, es el cargo musical más prestigioso de la localidad alemana de Leipzig, y por su este puesto han pasado desde que se creó hasta la actualidad la notable cifra de 36 Thomaskantoren, destacando sobremanera la figura del gran Johann Sebastian Bach, quien ostentó el cargo desde 1723 hasta 1750. En la actualidad el puesto está ocupado por Georg Christoph Biller, quien lleva 23 años en el mismo, y que es el encargado de dirigir esta velada de celebración.

Para celebrar dicha conmemoración, y fieles a su cita con la obra de Bach, como es costumbre en Semana Santa, se ha elegido la Pasión según San Mateo, una de las obras cumbre en toda la creación musical occidental. Bach concibió la obra entre 1725 y 1728 para las vísperas de Viernes Santo, a celebrar justamente en la misma iglesia desde la que se emite el concierto, la de Santo Tomás en Leipzig, lugar en que se estrenó el año de 1729. Pasión de monumentales dimensiones, los 68 números de los que consta tienen texto de Picander y se estructura en torno a los habituales roles del Evangelista, Jesús, Pilato, Judas y otros papeles secundarios, que son arropados por una doble orquesta y coro en la que Bach despliega toda su sapiencia musical y el mayor dominio instrumental

posible. A pesar de que se ha conservado un manuscrito autógrafo de 1736 –año en que

revisa la obra–, se sabe que la obra se estrenó en dicha iglesia en 1729, incluso una primera interpretación tuvo lugar entre 1725 y 1728. Los coros se encuentran entre lo mejor de su producción, especialmente los coros de turba, que se utilizan a veces

unificando los dos coros en las cuatro voces principales– y otras veces a la manera de los cori spezzati venecianos. Los chorales son de una hermosura, una delicadeza y una hondura expresiva que escapan al alcance de cualquier mente creadora en la historia de la música. En los recitativos es donde Bach desempeña todo su magisterio para estructurar la obra en torno a ellos, pues son sin duda la columna vertebral de la obra. Maravillosos pasajes nos deparan los recitativos del Evangelista, que narra la historia, así como lo de Jesús. Sirven de complemento las hermosísimas arias en las que Bach se deleita para explicar de manera más detenida algunos pasajes textuales, a través de los que desarrolla una escritura vocal de primer nivel, acompañada por multitud de instrumentos de escritura idiomática que escapa al arte de cualquier otro maestro en la historia.

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Concierto: Pasión según San Mateo, de Johann Sebastian Bach 800 años del Coro de niños de Santo Tomás 16 de abril 15:15 Argentina/Uruguay | 13:15 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Acompáñennos a disfrutar de la que es una de las grandes composiciones de toda la historia de la música, la Pasión según San Mateo de Johann Sebastian Bach, y celebren junto a nosotros los 800.º aniversario del Coro de Niños de la Iglesia de Santo Tomás en Leipzig. La música de Bach en el templo para la que fue concebida, de la mano de la institución cultural más longeva de la ciudad alemana.

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Una de las grandes obras sacras del siglo XIX, en un espectáculo dedicado por el Festival

de Saint-Denis a la memoria del gran Colin Davis.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sacra.

Intérpretes: Stéphanie d’Oustrac, Stéphane Degout, François Lis, Jeremy Ovenden, Nahuel di Pierro; Coro de Radio Francia.

Director: James Conlon.

Orquesta: Orquesta Nacional de Francia.

Año: 2011.

Lugar: Basílica de Saint-Denis.


La composición de La infancia de Cristo se dilató bastante en el tiempo y en la carrera de Hector Berlioz (1803-1869), pues en realidad se compuso en dos fases. En 1850 vieron la luz el coro de la Despedida de los pastores y el Descanso de la Sagrada Familia, dos delicadas y breves piezas que terminarían siendo el núcleo central del futuro trabajo. La primera interpretación de la Despedida de los pastores tiene lugar en la Sala Santa Cecilia de París el 12 de noviembre de ese año, bajo la dirección del propio compositor y ya famoso director internacional. El Descanso de la Sagrada Familia se estrena el 3 de mayo de 1853 en Londres. La unión de ambas piezas ve la luz en Leipzig el 1 de diciembre de 1853. Parece probado que la excelente acogida de las dos piezas, denominadas ya La huida a Egipto, animó definitivamente al autor a convertir estos nueve minutos en conmovedor estilo arcaico en un vasto poema sacro de noventa minutos que se estrena un año después

Concierto: La infancia de Cristo, de Hector Berlioz Estreno 16 de abril 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador



del concierto de Leipzig: 10 de diciembre de 1854 en la Sala Herz de París. Esta obra ha provocado numerosas interpretaciones. Resulta chocante que un compositor e intelectual secular y casi hijo de la Revolución Francesa se inclinara sobre un tema tan sensible al ámbito cristiano. Como tantos momentos en la vida de Berlioz, era una nueva manera de no dejar indiferente ni satisfecho a nadie. Los católicos podían ver demasiada mundanidad en el tratamiento del tema y los librepensadores sonreían ante una obra que parecía recuperar la atmósfera de los autos navideños populares de la antigüedad. No obstante, parece que la música ha puesto siempre de acuerdo a todos, ya que la acogida de esta obra siempre ha sido excelente, incluidas las interpretaciones que el propio Berlioz ofreció él mismo en sus giras como director. Con el paso de los años, esta obra se ha despojado de cualquier sombra de perplejidad para ser reclamada como un monumento sinfónico-coral en la cima de los que produjo el siglo XIX.

La infancia de Cristo se compone de tres episodios: El sueño de Herodes, La huida a Egipto y La llegada a Sais. El texto de la obra fue escrito por el propio Berlioz a partir de una documentación previa en los Evangelios. El tono que adopta Berlioz es el de una humanización de los personajes y el de mostrar esencialmente el drama humano de la peripecia. La orquesta, a diferencia de otras de sus obras, es ajustada, casi beethoveniana, aunque con un poco más de peso en el metal y el añadido necesario del órgano y el arpa. En la orquesta de Berlioz acapara un protagonismo destacado la madera, escrita a dos. Para lo que vendría después es casi austero, pero consigue sacar un provecho máximo de ella. Esta escritura no va, por supuesto, en detrimento de las otras familias instrumentales, además de ayudar a diversificar admirablemente los climas sonoros de una obra tan larga.

En cuanto al capítulo de voces, Berlioz concibe la obra para siete personajes. En la primera parte, los militares de Herodes, Polidoro y el centurión tienen un papel reducido y se ha hecho costumbre que lo canten miembros del coro. En cuanto al bajo, también es norma que haga doble papel y cante a Herodes en la primera parte y al padre de familia ismaelita en la tercera parte. Quedan, pues, cuatro voces en tesituras bastante habituales en obras sinfónico-corales: el narrador [tenor], María [mezzosoprano], José [barítono] y el ya citado bajo en la doble función de Herodes y Padre de Familia. En cuanto al coro, se diversifica bien en sus papeles amén de los tutti, voces graves de hombres para los judíos, voces agudas para los ángeles, y si se cuenta con un coro de voces blancas aún mejor. En suma, una planificación que ofrece extraordinarios resultados sin exigir esfuerzos que vayan más allá de los de cualquier oratorio romántico.

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Concierto: La infancia de Cristo, de Hector Berlioz Estreno 16 de abril 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Hector Berlioz es uno de los grandes autores franceses del siglo XIX, y lo es por obras como La infancia de Cristo Op. 25, un drama sacro excepcional que llega aquí desde el Festival de Saint–Denis y en interpretación de Stéphanie d’Oustrac, Stéphane Degout, François Lis, Jeremy Ovenden, Nahuel di Pierro, el Coro de Radio Francia y la Orquesta Nacional de Francia, bajo la dirección de James Conlon.

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Uno de los títulos operísticos más célebres en exquisita producción de Royal Opera

House londinense, bajo la dirección del legendario Charles Mackerras.

Género: ópera, música clásica.

Intérpretes: Simon Keenlyside, Kyle Ketelsen, Eric Halfvarson, Joyce DiDonato, Marina Poplavskaya, Ramón Vargas, Miah Persson, Robert Gleadow; Coro del Royal Opera House; Francesca Zambello [dirección de escena], Maria Björnson [escenografía y vestuario], Stephen Mear [coreografía], Paul Pyant [iluminación].

Director: Charles Mackerras.

Orquesta: Orquesta del Royal Opera House.

Año: 2008.

Lugar: Royal Opera House, Londres.


El 29 de octubre de 1787 se produce en Praga uno de los estrenos más importantes de la historia de la ópera, el de Il dissoluto punito, ossia il Don Giovanni, un dramma giocoso en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791) y libreto de Lorenzo da Ponte, que pasará casi inmediatamente a convertirse en un título absolutamente legendario, fruto de una de las colaboraciones entre compositor y libretista más extraordinarias en la historia del género. La obra se gesta en Praga, a donde el 1 de octubre de 1787 se dirige el propio Mozart con casi toda la partitura completa, pues el estreno estaba previsto para quince días después, aunque finalmente este se aplazó hasta

Ópera: Don Giovanni Ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart Estreno 22 de abril 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador



el 29 del mismo mes. Es en diciembre de 1786 cuando se produce la génesis de esta gran obra, con el encargo de los empresarios del Nostizt–Theater, Pasquale Bondini y Domenico Guardasoni, ante el impresionante éxito que en la ciudad tuvo el estreno de La nozze de Figaro mozartiana. Estos le ofrecieron como libreto el segundo acto de Il capriccio drammatico, que llevaba por título Don Giovanni Tenorio, ossia il convitato di pietra, un texto de Giovanni Bertati que había sido puesto en música previamente por Giuseppe Gazzaniga. Mozart delega entonces la responsabilidad de redactar el libreto sobre el gran da Ponte, al que respetaba poderosamente. Este se pone a trabajar de inmediato en el mismo, a pesar de que se encontraba trabajando en otros libretos a la vez. Da Ponte realiza un exquisito trabajo de reescritura de la obra de Bertati, que recompone de un solo acto en dos, y que trata el tema de una menara realmente donjuanesca, siendo como ere este buen amigo del célebre Casanova, quien asistió además al estreno.

El estreno en Praga fue realmente exitoso, y tras ello los Mozart regresan, a mediados de noviembre, a Viena, donde Mozart parece será nombrado como músico de la Cámara real e imperial. Transcurridos unos meses, el 7 de mayo de 1788 se produce por fin el estreno de Don Giovanni en la capital austríaca, con un éxito mucho menor que el que obtuvo en Praga. Mozart realizó algunas modificaciones, la más importante fue la eliminación del sexteto final en el que todos celebran, con lo que parece que Mozart quería poner más difíciles las cosas al público vienes, ya de por sí infinitamente más conservador, que no terminó de aceptar de buen grado esta ópera hasta varios años después.

Mozart, junto a da Ponte, consiguen aquí dar vida a una serie de personajes con gran profundidad psicológica, especialmente su protagonista, un hombre de talla moral más que reprobable, que nunca parece arrepentirse de su comportamiento despreciable. Obra a medio camino entre el drama y la comedia, la propia denominación del autor como dramma giocoso deja siempre la puerta abierta al debate y a la elucubración. Los propios personajes son un reflejo de ello, algunos claramente cómicos, otros más destinados al drama puro, la mixtura que se produce entre estos, además de la genialidad de sus magníficas arias, de manera especial, sus números de conjunto, hacen de esta una de las óperas más interesantes y célebres en la historia del género.

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Ópera: Don Giovanni Ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart Estreno 22 de abril 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Les invitamos a entrar de lleno en una de las historias más destacadas de la historia de la ópera, la de Don Giovanni, en la visión extraordinaria de Wolfgang Amadeus Mozart. Cuenta con la magnífica producción del Royal Opera House, London, y con un elenco de primer nivel formado por: Simon Keenlyside, Kyle Ketelsen, Eric Halfvarson, Joyce DiDonato, Marina Poplavskaya, Ramón Vargas, Miah Persson, Robert Gleadow. Les acompañan la excepcional Orquesta y Coro del Royal Opera House, bajo la dirección de Charles Mackerras.

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Magnífica producción dela Royal Opera House londinense, con una selección de voces de

auténtico lujo.


Intérpretes: Plácido Domingo, Marina Poplavskaya, Joseph Calleja, Ferruccio Furlanetto, Jonathan Summers, Lukas Jakobski, Louise Armit, Lee Hickenbottom; Coro de la Royal Opera House; Elijah Moshinsky [dirección de escena], Michael Yeargan [escenografía], Peter J. Hall [vestuario], John Harrison [iluminación].

Director: Antonio Pappano.


Año: 2010.



Simon Boccanegra es una ópera en un prólogo y tres actos de Giuseppe Verdi (1813-1901), sobre libreto en italiano de Francesco Maria Piave, Giuseppe Montanelli y Arrigo

Boito –encargado de la revisión–, que a su vez está basado en la pieza teatral homónima de Antonio García. Tras su exitosa trilogía entre 1851 y 1853 [Rigoletto, Il trovatore y La traviata) Verdi no había vuelto a estrenar ninguna otra ópera en su país. El Teatro de la Fenice de Venezia le encargó entonces una nueva obra. El maestro eligió esta historia, tras lo que esbozó el argumento y pidió un libreto a Piave. La composición fue terminada a finales de 1856 y se estrenó el 12 de marzo de 1857, en la Fenice, pero fue un fracaso

Ópera: Simon Boccanegra Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 23 de abril 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador



total. La obra quedó en el olvido durante casi un cuarto de siglo. Sin embargo, Verdi quiso retomarla cuando conoció a Arrigo Boito, y le propuso una reelaboración. Los cambios en el texto y en la música fueron significativos: se limitaron las arias orientándolas hacia el drama musical, los recitativos apoyados por la orquesta se desarrollaron dramáticamente, los enlaces con leitmotiv se elaboraron más cuidadosamente. La definitiva versión se estrenó el 24 de marzo de 1881 en la Scala de Milano.

La vida del dux genovés Simon Boccanegra ya se trató con anterioridad, siendo el primero de ellos Schiller en La conjuración de Fiesco, aunque Verdi prefirió tomar el argumento del texto del escritor español García Gutiérrez, quien ya le había servido como fuente de inspiración en su Il trovatore. Lamentablemente, los libretos de ambas óperas se encuentran entre los más oscuros y confusos a los que Verdi puso música. No les falta grandeza, pasión y situaciones dramáticas, pero la acción como tal carece de fluidez, por lo que terminó resultando densa y poco fluida para el público. Los múltiples acontecimientos que se suceden, no solo sobre el escenario, sino fuera de escena, hacen que la obra sea difícilmente inteligible. A esto hay que añadir que la acción se extiende a lo largo de más de veinte años, que muchos personajes importantes utilizan nombres falsos, que se presuponen conocimientos de la historia de Genova, con sus luchas entre güelfos y gibelinos, entre aristócratas y plebeyos, que se tejen innumerables intrigas, se elaboran planes, el amor se transforma en odio y viceversa; y que todo esto está puesto en música, cuyo constante fluir sinfónico hace difícilmente comprensibles amplias partes del texto.

A pesar de ello, Verdi fue capaz de crear una de sus óperas más espléndidas en lo musical. La melodía fluye con perfecta regularidad desde la primera hasta la última escena; ya no se divide en números separados, como sucede en Rigoletto o Il trovatore, sino que une cada cuadro formando una unidad completa. Los recitativos tienen una forma tan dramática y son subrayados de una manera tan plástica por la orquesta, que no desmerecen frente a las partes cantadas a solo, los dúos y los números de conjunto. El tratamiento de las voces ya no sigue el sencillo principio del bel canto, sino que profundiza hasta convertirse en una verdadera descripción del alma. Por último, a la orquesta se le ha reservado un espacio que no posee ninguna obra italiana de la época. La definición adecuada para Simon Boccanegra sería dramma musical italiano, pues es la continuación directa y el desarrollo inevitable de Macbeth y por lo tanto el camino hacia Aida y Otello.

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Ópera: Simon Boccanegra Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 23 de abril 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Acompáñennos al Royal Opera House londinense para deleitarse con unos de los títulos operísticos más impresionantes del catálogo de Giuseppe Verdi. Este Simon Boccanegra magnífico, que llega en versión de unas voces fascinantes: Plácido Domingo, Marina Poplavskaya, Joseph Calleja, Ferruccio Furlanetto, Jonathan Summers, Lukas Jakobski, Louise Armit, Lee Hickenbottom. Están acompañados por el coro y la orquesta de la Royal Opera House de Londres y la dirección de Antonio Pappano.

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Obra cumbre en la literatura para teclado, llega aquí en esta interesante y hermosa versión para dúo de guitarras.

Género: concierto, música clásica, música barroca, guitarra.

Intérpretes: Duo Mélisande.

Año: 2015.

Lugar: Orangerie de Rochemontès, Seilh.


Las Variaciones Goldberg BWV 988 son una serie de breves recopiladas en una misma colección, compuestas por Johann Sebastian Bach (1685-1750) en 1741. Denominada originalmente por el autor Aria con variaciones diversas para clave con dos teclados [Aria mit verschiedenen Verænderungen vors Clavicimbal mit 2 Manualen], la obra fue compuesta cuando Bach era Kantor en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig. Debe su nombre al clavicordista y discípulo de Bach, Johann Gottlieb Goldberg, que podría haber sido su primer intérprete. Según explica el primer biógrafo de Bach, Johann Nikolaus Forkel, estas variaciones fueron encargadas a Bach por el conde Hermann Carl von Keyserlingk, de Dresden, para que el clavicordista de su corte, el propio Goldberg, a su vez un destacado alumno de Bach, lo entretuviese con ellas durante sus noches de insomnio. Hay que tener en cuenta que Forkel publica la biografía 1802, más de 60 años después, por lo que su

Concierto: Variaciones Goldberg, de Johann Sebastian Bach Duo Mélisande Estreno 23 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



exactitud ha sido puesta en duda. Además, la falta de dedicatoria en la primera página

de la obra, así como la edad de Goldberg en el momento de su publicación de la obra –14 años–, son dos argumentos citados recurrentemente como motivo para poner en duda las afirmaciones de Forkel, a pesar de que debe decirse que Goldberg era conocido como un competente clavecinista y lector de música a primera vista.

Fueron publicadas por Bach como cuarto volumen de sus Ejercicios para teclado [Clavier-Übung], un compendio demostrativo de su obra para teclado y posiblemente concebido para los que el mismo Bach denominaba Liebhaber, es decir, aficionados competentes y exigentes. Estas variaciones suponen la primera de una serie de importantes obras contrapuntísticas que Bach escribió al final de su carrera: Ofrenda musical BWV 1079, las Variaciones canónicas sobre el coral de Navidad Von Himmel hoch BWV 769, y El arte de la fuga BWV 1080. El título Aria mit verschiedenen Veraenderungen vors Clavicembal mit 2 Manualen se refiere específicamente al clave de dos teclados. Se trata de una de las tres ocasiones en las que Bach indicó este instrumento para la interpretación de sus obras.

Las Variaciones Goldberg se componen de un tema único, elaborado en el aria inicial, treinta variaciones y una repetición del aria de inicio. Lo que liga a todas ellas no es una melodía común, sino un fondo de variaciones armónicas de las que es objeto la línea de bajo. Las melodías pueden variar, pero subyace siempre un tema constante. El tema en el que se basa la obra, desarrollado a lo largo de treinta y dos compases en la línea del bajo ostinato del aria, y sus primeros ocho compases, son idénticos a los del tema de la Chacona con 62 variaciones en Sol mayor HWV 442, de Georg Fredrich Händel, según apunta Christoph Wolff, uno de los grandes especialistas bachianos. En la partitura se indica que las variaciones 8, 11, 13, 14, 17, 20, 23, 25, 26, 27 y la 28 deben ser interpretadas con dos manuales, mientras que las variaciones 5, 7 y 29 pueden ser ejecutadas indiferentemente con uno o dos teclados. Aunque con mucha mayor dificultad, la obra puede ser ejecutada también con un clave de un solo manual o con un piano. Todas las variaciones están escritas en la tonalidad de Sol mayor, salvo las variaciones 15, 21 y 25 que están en Sol menor. Las variaciones están compuestas en forma binaria, esto es, una sección A seguida de una

sección B –quedando normalmente a discreción del intérprete si repetir o no una, las dos,

o ninguna de estas secciones–. En opinión del pianista húngaro András Schiff, Bach indica claramente al intérprete que debe repetir cada sección, por lo que no hacerlo destruiría la perfecta simetría de la obra y sus proporciones: la gran música nunca es demasiado larga, lo que es demasiado corta es la paciencia de ciertos oyentes.

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Concierto: Variaciones Goldberg, de Johann Sebastian Bach Duo Mélisande Estreno 23 de abril 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Las Variaciones Goldberg no son únicamente una de las grandes obras de Johann Sebastian Bach, sino una de las obras legendarias en la historia de la música en Occidente. Son tan célebres, que han sido versionadas prácticamente para todas las combinaciones posibles. Les invitamos a disfrutar de la exquisita visión para dos guitarras del Duo Mélisande, una versión que sin duda les dejará fascinados.



Uno de los títulos operísticos más interesantes en la producción del autor checo, que llega

en esta legendaria producción de Glyndebourne.

Género: ópera, música clásica, música contemporánea.

Intérpretes: Anja Silja, Kim Begley, Victor Braun, Andrew Shore, Anthony Roden, Manuela Kriscak, Christopher Ventris, Robert Tear, Susan Gorton, Henry Waddington, Menai Davies, Jonathan Hinden; Coro del Festival de Glyndebourne; Nikolaus Lehnhoff [dirección de escena], Tobias Hoheisel [escenografía y vestuario], Mark Henderson [iluminación].

Director: Andrew Davis.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Londres.

Año: 1995.

Lugar: Festival de Glyndebourne.


El caso Makropulos [Věc Makropulos] es una ópera en tres actos con música y libreto en checo de Leoš Janáček, basada en la pieza teatral homónima de Karel Čapek. Se estrenó en Brno el 18 de diciembre de 1926. Es la penúltima ópera de Janáček. No hay mayor arte que la música del lenguaje humano, pues no existe ningún instrumento que pueda permitir a un artista expresar sus sentimientos con una verdadera semejanza a la música del lenguaje hablado. Así describía el propio autor su cercanía a la música y especialmente a la ópera, en tanto representación artística del lenguaje hablado.

Ópera: El caso Makropulos Ópera en tres actos de Leoš Janáček Estreno 29 de abril 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador



La obra teatral de Karel Čapek, adaptada por Janácek, gira en torno de la cantante de

ópera Emilia Marty –originalmente Elina Makropulos, nacida en Creta en 1585–, manipuladora, provocadora, astuta y vulnerable a la vez, hija del alquimista Hieronymus Makropulos, médico del emperador Rodolfo II, quien le había ordenado fabricar un elixir que le prolongara la vida. Cuando ya estaba preparado, el emperador tuvo miedo y ordenó a Makropulos que probase la droga en su hija Elina. La chica sobrevivió a sus efectos iniciales, que la dejaron inconsciente durante una semana, y cuando aparece en 1922, con el nombre de Emilia Marty, ya tiene unos respetables 337 años, lo que es una prueba viviente de que el elixir preparado por su padre funcionó, ya que la ha hecho prácticamente inmortal.

La intensa obertura inicial introduce al oyente en su complejo mundo sonoro. Esta es únicamente el preámbulo a su discurso musical continuo, que se presenta como el verdadero protagonista junto a la línea vocal de Emilia Marty. El resto de los roles presentan también importantes intervenciones a lo largo de la ópera, las cuales se insertan con absoluta precisión en su intrincado y evocador entramado musical, que se eleva siempre en función de la acción dramática. La música discurre entre momentos de

intenso lirismo –de corte bastante pucciniano–, en contraste con otros en los que aparecen fuertes disonancias que pueden asociarse a la música ofrecida en esa misma época por compositores como Igor Stravinski y Béla Bartók. También es posible encontrar sutiles pero evidentes referencias sinfónicas del gran Dimitri Shostakovich, el cual muy probablemente se vio influido por Janáček, pues en el año del estreno de la obra, un jovencísimo Shostakovich de 19 años ofrecía como trabajo de graduación su Sinfonía n.º 1. Y por supuesto, también pueden escucharse ecos lejanos de las fanfarrias mahlerianas. En cuanto a la vocalidad, esta ópera transita en gran parte por el canto de diálogo, casi un recitado, con momentos de derivación a un cierto tipo de arioso y con puntuales subidas verticales hacia el agudo. Un canto fuertemente asociado a la prosodia del idioma checo, pero a la vez cercano a ese estilo pucciniano influenciado por la música impresionista y que se manifiesta claramente en La fanciulla del West, Il Tabarro de Il

Trittico y en su genial Turandot –estrenada además en 1926, el mismo año que Makropulos–. En suma, la música compuesta por Janáček para esta ópera resulta fascinante y demuestra la gran categoría como músico y orquestador del compositor checo. El caso Makropulos se representa poco, apareciendo la n.º 146 de las óperas entre 2005-2010, siendo la 7.ª en la República Checa y la 4.ª de Janáček.

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Ópera: El caso Makropulos Ópera en tres actos de Leoš Janáček Estreno 29 de abril 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: No se pierda esta magnífica ópera de uno de los autores más importantes del siglo XX, el compositor checo Leoš Janáček. El caso Makropulos llega en esta mítica producción del Festival de Glyndebourne, que cuenta con las voces de Anja Silja, Kim Begley, Victor Braun, Andrew Shore, Anthony Roden, Manuela Kriscak, Christopher Ventris, Robert Tear, Susan Gorton, Henry Waddington, Menai Davies, Jonathan Hinden. El soporte instrumental lo aporta la Filarmónica de Londres, todos bajo la batuta de Andrew Davis.

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Un legendario recital a cargo de uno de los dúos vocales femeninos de referencia en el

siglo XX.

Género: ópera, música clásica, música barroca, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Montserrat Caballé, Marilyn Horne.

Director: Nicola Rescigno.

Orquesta: Orquesta de la Radio de Múnich.

Año: 1990.

Lugar: Philharmonie Hall, Múnich.


Montserrat Caballé (1933) es una cantante española nacida en Barcelona. Formada en su ciudad natal, destaca por su voz de soprano lírica, con bello pianissimo en el registro agudo. Especialista del repertorio del bel canto, fue una de las primeras voces del mundo por su calidad vocal, inspiración y perfecto dominio de la técnica. Apadrinada por José Antonio Bertrán, estudió en el Liceo con Napoleone Annovazi, que le enseñó el secreto del canto. También fueron sus profesoras Conchita Badía y Eugenia Kemény, de quien aprendió a sostener la voz en las frases más largas. Debutó oficialmente en 1956 con la representación de La flauta mágica de Mozart. Ese mismo año cantó la Mimí de La Bohème, por indisposición de la titular; el éxito obtenido le supuso numerosas ofertas. En 1964 representó Madame Butterfly con Bernabé Martí, cantante con el que terminó casándose. Su amplísimo repertorio supera las cien obras y abarca desde el barroco hasta el verismo.

Concierto: Evviva Belcanto! Gala Montserrat Caballé & Marilyn Horne Estreno 30 de abril 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



De gran renombre internacional, ha cantado en escenarios multitudinarios, como en el Estadio de Montjuïc de Barcelona, con motivo de la inauguración de los juegos olímpicos de 1992, donde compartió el escenario con Plácido Domingo, Alfredo Kraus y José Carreras. En 1995 apareció su biografía y en 1998 se le concedió el galardón Logros de una Vida en los Cannes Classical Awards.

Marilyn Horne (1934) es una mezzosoprano estadounidense, muy apreciada por sus interpretaciones de personajes operísticos de Rossini y Händel, entre otros. Durante su

larga trayectoria musical ha sido admirada por su amplio registro vocal –desde contralto

a soprano de coloratura–, considerable habilidad para la actuación y notable musicalidad. Inició su carrera como soprano lírica evolucionando hacia una de las voces más importantes apreciadas en la segunda mitad del siglo XX en la tesitura de mezzosoprano. A principios de la década del 60 destacó por sus papeles en óperas de Wagner, Mahler, Brahms y en la música dodecafónica. La primera parte de su carrera operística la realizó en Europa, en la Opera de Gelsenkirchen, Alemania, donde probó su versatilidad cantando infinidad de roles, desde Marie en Wozzeck, a una de las Valquirias, Bach, Mozart, Beethoven, opereta y ópera italiana. Su debut en La Scala de Milano se produjo gracias a la invitación de Igor Stravinsky como Jocasta en Edipo Rey [1969], pero su consagración milanesa tuvo lugar posteriormente, con El sitio de Corinto de Rossini. Su asociación artística con la gran soprano australiana Joan Sutherland fue una de las más exitosas de su era, pues ambas llevaron el arte del bel canto a un altísimo nivel. Gracias a la influencia de los directores Henry Lewis y Richard Bonynge se especializó en el difícil repertorio de coloratura del bel canto, reviviendo un arte que parecía extinto. Horne despuntó como ninguna en el siglo XX como mezzosoprano de coloratura.

Estas dos grandes estrellas del canto ofrecen un magnífico recital, una gala lírica en la que se interpretan algunas de las arias y fragmentos de ópera más fascinantes de la historia, extraídas de las siguientes obras y compositores: Bajazet [Antonio Vivaldi]; Les Huguenots [Giacomo Meyerbeer]; Le due ilustri rivali [Severio Mercadante]; Tancredi, Semiramide y La donna del lago [Gioachino Rossini]; Rodelinda y Giulio Cesare [Georg Fredrich Händel]; Gianni Schicchi [Giacomo Puccini]; y Les Contes d’Hoffmann [Jacques Offenbach].

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Concierto: Evviva Belcanto! Gala Montserrat Caballé & Marilyn Horne Estreno 30 de abril 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Monserrat Caballé y Marilyn Horne han supuesto, a lo largo de sus largas carreras en el siglo XX, dos de los casos más paradigmáticos en el ámbito de la ópera y el bel canto. Le invitamos a disfrutar de sus impresionantes voces en esta gala lírica en la que interpretan arias desde el Barroco hasta el Romanticismo, acompañadas por la Orquesta de la Radio de Múnich y la batuta de Nicola Rescigno.

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