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Allegro HD – Destacados de Programación – Febrero 2016

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Destacados de Programación – Febrero 2016



Destacados de Programación Febrero 2016

DOCUMENTAL – Nana… cuando cantas – Estreno 6 de febrero – Página 3

ÓPERA – Mosè: melodrama sacro de Giacchino Rossini– Estreno 7 de febrero –

Página 5

ÓPERA – Rigoletto: ópera en tres actos de Giuseppe Verdi – Estreno 14 de febrero – Página 7

CONCIERTO – Musique en fête: los mejores momentos – Estreno 14 de febrero –

Página 9

CONCIERTO – Pierre Boulez: concierto de apertura del Festival de Salzburg – Estreno 20 de febrero –Página 11

ÓPERA – Il Trovatore: ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi – Estreno 21 de

febrero – Página 13

CONCIERTO – La Orquesta West–Eastern Divan en el Teatro Colón: Daniel Barenboim y Martha Argerich – Estreno 27 de febrero – Página 15

ÓPERA – Don Giovanni: ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart –

Estreno 28 de febrero – Página 17



Documental inédito que presenta por primera vez una retrospectiva de la

cantante griega.

• Género: documental, música popular, canción, voz. • Intérpretes: Nana Mouskouri; Stéphane Bern y Gérard Pont (directores). • Año: 2014. • Duración: 120 minutos. Para muchos, la voz de Nana Mouskouri (1934) es la música. Son cientos de miles de personas que se han criado, crecido y vivido con su música, generación tras generación. La cantante cretense ha vendido más de 450 millones de discos, una cifra al alcance de muy pocos artistas, y sin embargo su presencia en los medios ha sido siempre realmente escasa, sin mostrar al mundo apenas nada de su vida, nada de lo ajeno a su carrera como cantante.

Iōánna Múskjuri, conocida mundialmente como Nana, comenzó su carrera a temprana edad y se estableció con su familia en Atenas, donde su padre trabajaba como proyeccionista de cine, ahí comenzó el amor de Nana por el arte, especialmente por el arte de los sonidos. Con la llegada de la Segunda Guerra Mundial continuó con sus estudios gracias a su profesor de música, que la apoyó sin reservas, permaneciendo en el conservatorio hasta 1950. Su vida como profesional en sus comienzos fue dura, cantando en pequeños clubes nocturnos, donde conoció un día a Harry Belafonte, quien la ayudó en dar el salto a la fama. Estas «escapadas» nocturnas no eran del agrado de su maestro y del conservatorio, por lo que la obligaron a decidir, como ella misma dice: «mi maestro me dijo: jazz o clásica, y yo opté por la música».

Ahí comenzó una larga y dura carrera, primero como vocalista del trío Los Atenienses, donde conoció a su marido Yorgos (George) Petsilas. El año 1959 supuso una inflexión en su carrera, pues a partir de entonces daría un empujón que la conduciría de manera definitiva a la fama mundial, gracias especialmente a sus acercamientos a

Documental: Nana… cuando cantas Estreno el 6 de febrero



diversos géneros como el pop, Jazz, folk, góspel, e incluso algunas incursiones en el terreno de la música clásica. En 1960 le llega, a través del Festival Internacional del Mediterráno en Barcelona, su primer éxito internacional en concurso. Ha sido acreditada con otros galardones, como el León de Oro de Berlín (1961), por la música del documental Grecia, Tierra de Sueños. En 1963 representó a Luxemburgo en el Festival de la Canción de Eurovisión con À force de prier, con la que quedó en octavo lugar posición. Desde entonces, Nana se convirtió en una celebridad mundial, agotando las entradas en la mayoría de los conciertos que ofrece. Ganó también otros premios y grabó alrededor de 300 álbumes, que en los años 1980 y 1990 consolidaron aún más su carrera musical.

Artista «global», ha sido quizá de las que primera se dio cuenta de lo importante de utilizar los diversos idiomas para llegar al público. Ha cantado y grabado temas en griego, inglés, francés, español, italiano, latín, alemán, hebreo, japonés… lo que la ha catapultado al éxito mundial. Ha sido embajadora de UNICEF en 1993 y ha llegado a representar a Grecia en el Parlamento Europeo en 1994. Mouskouri se fue convirtiendo en el instrumento predilecto de dos de los más grandes artistas griegos, el compositor Manos Hadjidakis y el poeta Nikos Gatsos, que escribieron las más bellas canciones de su repertorio. Por primera vez, Nana Mouskouri se entrega por completo la cámara, descubre algunos de sus recuerdos y abre al espectador un mundo repleto de documentos de excepción de toda una vida y una carrera dedicadas a la música.

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Documental: Nana… cuando cantas Estreno el 6 de febrero

Sinopsis: Nana Mouskouri forma parte del imaginario de varias generaciones de apasionados de la música. Les invitamos a descubrir toda una vida dedicada a la música popular, las de una cantante con una vez tan especial que la hizo entrar de lleno en la casa de millones de personas a largo de todo el mundo. Un documental inédito que presenta a la artista y a la cantante como nunca antes se había visto y oído.

Ópera: Mosè in Egitto Melodrama sacro de Gioacchino Rossini

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Un espectáculo único que presenta una de sus obras menos conocidas, interpretada en un

entorno indescriptible: la Catedral de Milano.

Género: ópera, música clásica, música romántica, música vocal, música sacra.

Intérpretes: Ruggero Raimondi, Bogdan Mihai, Filippo Polinelli, Luciano Ganci, Giovanni Sebastiano Sala, Christian Starineri, Maria Cioppi, Lydia Tamburrino, Isabelle Kebatu, Coro della Veneranda Fabbrica del Duomo; Cecilia Ligorio y Tiziano Mancini (dirección de escena), Franca Squarciapino (vestuario), Valerio Tiberi (iluminación y videomapping).

Director: Francesco Quattrocchi.

Orquesta: Orchestra della Veneranda Fabbrica del Duomo.

Año: 2015.

Lugar: Duomo, Milano.

Duración: 121 minutos. Moisés en Egipto (Mosè in Egitto) es un melodrama sacro en tres actos con música de Gioacchino Rossini (1792–1868) y libreto en italiano de Andrea Leone Tottola, que se basa en L’Osiride (1760), de Francesco Ringhieri. Fue estrenada el 5 de marzo de 1818 en el

célebre Teatro San Carlo de Napoli –uno de los legendarios teatros de ópera italianos–. Considerada por el propio autor como una azione tragico-sacra, se trata en realidad de una ópera de temática sacra, un drama sacro con algunos rasgos del oratorio, que permitía eludir proscripciones de interpretaciones dramáticas seculares durante la Cuaresma. Rossini la revisó tras su estreno, introduciendo el aria de oración de Moisés Dal tuo stellato soglio, una de las arias de ópera más populares del momento, que inspiró una serie de variaciones para violín y piano de Niccolò Paganini, y que sobrevive aún hoy de manera profusa como aria de concierto. Rossini volvió a revisarla años después, de tal forma que en 1827 la amplia de manera notable y adapta su libreto al francés. Moïse et Pharaon, ou Le passage de la Mer Rouge (Moisés y el Faraón, o El cruce del Mar Rojo) es el

Estreno el 7 de febrero



resultado, una ópera en cuatro actos con un ballet, que se estrenó en París el 26 de marzo. La creación de las obras de argumento bíblico en el período de Cuaresma se reafirmó en Napoli en los últimos veinte años del siglo XVIII, pues se trataba, como dice Franco Piperno, de «un compromiso entre el período devocional tradicional de Cuaresma y la disposición favorable del soberano por conceder a los empresarios, artistas y el público una temporada más.» A diferencia de la tragedia de Ringhieri, el libretista Tottola añadió la historia de amor entre el hijo del Faraón, Osiris, y el joven hebra Elica, con el doble propósito, según dice él mismo, de hacer interesante el desarrollo de la historia y dar a Osiris una razón clara por la que él podría mostrarse más fervientemente comprometido con su padre por tener esclavos en Egipto, el pueblo de Israel. Muy apreciada por el público en los dos primeros actos, la obra fracasó miserablemente en el acto final, dando lugar no sólo a amargas disputas, sino también a largos episodios de risa, pues al parecer se produjeron importantes problemas técnicos en el complejo escenario del paso del Mar Rojo. Fue por ello que al año siguiente Rossini decide reescribir por completo el tercer acto, convirtiendo, ahora sí, a la obra en un verdadero éxito de principio a fin. Desde los años treinta del siglo XIX, después de la nueva versión francesa de 1827, la obra desapareció prácticamente de la escena, para volver allí en una fecha tan tardía como 1981, con gran éxito. Se trata de una de sus óperas menos conocidas y de las menos interpretadas, con muy pocas representaciones en los últimos años, aunque alguna de ellas haya sido realmente destacada. Estamos, pues, ante una oportunidad magnífica de ampliar repertorio y de comprobar la grandeza del talento rossiniano, que aún en las obras que no forman parte de sus magnas creaciones deja espacio para una música de gran belleza y hondura. La interpretación en la catedral milanesa hace de esta esta producción algo nunca visto hasta entonces, a lo que hay que sumar las proyecciones de videomapping que recrean un mundo casi onírico.

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Ópera: Mosè in Egitto Melodrama sacro de Gioacchino Rossini Estreno el 7 de febrero

Sinopsis: Si se unen a la ecuación una obra de gran interés, pero de las menos conocidas en el catálogo de un compositor, y la interpretación de la misma en un entorno de auténtico ensueño, el resultado no puede sino espectacular. Eso es lo que les ofrecemos en el presente programa, con la presencia de este melodrama sacro de Rossini en versión de la Orchestra e Coro della Veneranda Fabbrica del Duomo, que bajo la dirección de Francesco Quattrocchini está protagonizado por un elenco vocal de lujo, encabezado por Ruggero Raimondi, Bogdan Mihai, Filippoe Polinelli, Maria Cioppi y Lydia Tamburrino, entro otros. La grabación en Duomo milanés y la proyección de videomapping hacen de esta una producción única.

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Otro de los grandes títulos en el catálogo operístico del autor italiano, en producción de la

Ópera de Zürich y dirección de Fabio Luisi.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Saimir Pirgu, George Petean, Aleksandra Kurzak, Andreas Mastroni, Judith Smichd, Julia Riley, Valeriy Murga, Chayne Davidson, Dmitry Ivanchey, Yuriy Tsiple, Deanna Breiwick, Dara Savinova, Roberto Lorenzi, Coro de la Ópera de Zürich; Tatjana Gürbaca (dirección de escena), Klaus Grünberg (escenografía e iluminación), Silke Willrett (vestuario).

Director: Fabio Luisi.

Orquesta: Philharmonia Zurich (Orquesta de la Ópera de Zürich).

Año: 2014.

Lugar: Grosse Festpielhaus, Salzburg.

Duración: 124 minutos.

Ópera en tres actos compuesta por Giuseppe Verdi (1813–1901), es la segunda en su catálogo, tras Ernani, que basa su libreto en un texto de Victor Hugo, concretamente en Le Roi s’amuse (El Rey se divierte). La adaptación corrió a cargo de Francesco Maria Piave, estrenándose el 11 de marzo de 1851 en el legendario Teatro La Fenice de Venezia. En 1850 Verdi firmó un contrato con el teatro para llevar a escena una nueva ópera en 1851 para el templo operístico, en un momento en que era ya un compositor asentado y con una notable libertad a la hora de elegir las obras que quería acometer.

Solicitó a Piave –al que le unía una trayectoria importante: Ernani, I due Foscari,

Macbeth, Il corsaro y Stiffelio– que se detuviese en Kean, una obra de Alexandre Dumas, aunque sentía que necesitaba un tema más enérgico sobre el que componer. Al poco tiempo dio con Le Roi s’amuse, un drama francés de Víctor Hugo, del que consideraba: «contiene posiciones extremadamente poderosas... El tema es grande, inmenso, y tiene

Ópera: Rigoletto Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi Estreno el 14 de febrero



un personaje que es una de las más importantes creaciones del teatro de todos los países y todas las épocas.» «El Rey se divierte es el mejor tema y quizá el mejor drama de este tiempo, Tribolet es un personaje digno de Shakespeare.» Se trataba de un tema muy controvertido, pues ya el propio Hugo había tenido problemas con la censura en Francia. Pero Verdi estaba convencido, como así hizo constar a su libretista en una misiva: «usa cuatro piernas, corre por toda la ciudad y encuéntrame una persona influyente que pueda obtener permiso para hacer Le Roi s'amuse.»

Fue en el verano de 1850 cuando empezaron a difundirse rumores de que la censura austriaca iba a prohibir la producción por el libreto. En agosto, Verdi y Piave se retiraron a Busseto, para continuar la composición y preparar un esquema defensivo, escribiendo al teatro para intentar convencer de que las dudas del censor sobre la moralidad de la obra eran injustificadas, pero puesto que quedaba poco tiempo, poco podía hacerse. Tres meses antes del estreno llegó de nuevo la censura que vetó el libreto.

Para no desperdiciar el trabajo, titulado entonces La maledizione, Piave intentó revisar el libreto y fue incluso capaz de sacar de él otra ópera, Il Duca di Vendome, en la que el soberano era sustituido por un duque y tanto él como el jorobado y la maldición desaparecían. Verdi se mostró absolutamente en contra de ello, prefiriendo negociar directamente con los censores para argumentar cada punto de la obra. Finalmente el asunto se resolvió gracias a la diplomacia de los administradores del teatro. Se trasladaron a Busseto y allí instaron a Verdi y Piave a que cambiasen al menos estos puntos: trasladar la acción de la Corte de Francia a un ducado de Francia o Italia; y cambiar los nombres de los protagonistas inventados por Víctor Hugo. Verdi aceptó y firmó el contrato.

Verdi supo crear un personaje casi de leyenda. Rigoletto es un deforme realmente atormentado, que a pesar de todo destila amor. En esta ópera se pueden encontrar los tres temas recurrentes en el mundo dramático verdiano: el poder, el destino y el amor. Verdi plantea una acción que fluye poderosamente gracias a unas arias y unos números de conjunto (dúos) que perfilan a la perfección la psicología de los personajes y su interrelación, repleta de contrastes. La escritura orquestal no es solo un sustento para la voz, sino que alcanza la importancia del canto en el aspecto dramático, enriqueciendo el discurso y el devenir de la escena. Ópera muy italiana, pero que supone a la vez un gran avance en el desarrollo del drama musical verdiano, que culminará años después en Aida y Otello.

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Ópera: Rigoletto Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi Estreno el 14 de febrero

Sinopsis: Disfruten de esta ópera inmortal en producción de la Ópera de Zürich, que cuenta con un elenco vocal de juventud, pero notable calidad, encabezado por Saimir Pirgu, George Petean, Aleksandra Kurzak, Andreas Mastroni, Judith Smichd y Julia Riley, bajo la dirección musical de Fabio Luisi y la escénica de Tatjana Gürbaca, a los que acompaña la Philharmonia Zürich.

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Celebración de la gala anual del Festival Chóregies d’Orange en su edición de 2014.

Género: concierto, ópera, música clásica, música romántica, música vocal, música popular.

Intérpretes: Julien Behr, Benjamin Bernheim, Maria Celeng, Patrizia Ciofi, Jose Cura, Alexandre Duhamel, Julie Fuchs, Laurent Gerra, Ermonela Jaho, Florian Laconi, Serge Lama, Nathalie Manfrino, Nana Mouskouri, Armando Noguera, George Ganidze, Ruggero Raimondi, Vannina Santoni; Ballet de la Ópera de Avignon; Orfeón Pamplonés, Escolanía de la Gran Ópera de Avignon.

Director: Luciano Acocella, Didier Benetti, Frédéric Manoukian.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Monte–Carlo.

Año: 2014.

Lugar: Festival Chóregies d’Orange.

Duración: 185 minutos. El Chorégies de Orange es un festival de ópera y música clásica creado originalmente en 1869 y en su forma actual en 1971, que se celebra cada verano en julio y agosto en el teatro antiguo de Orange, un lugar de excepción que lo convierte en una festival único. Su programación ofrece anualmente dos óperas de esas que podrían llamarse «populares», en cuanto a que son muy conocidas, que se ofrecen dos veces ante una audiencia de casi nueve mil personas en directo, además de las miles que las presencian en sus emisiones televisivas. Está presidido por Thierry Mariani y dirigido desde 1982 por Raymond Duffaut, que han sabido convertir a Chorégies d'Orange es uno de los centros de la ópera internacional.

Es el festival más antiguo Francia y el primero en haber rehabilitado los espectáculos musicales y teatrales al aire libre, tras la recuperación patrimonial del teatro realizada a partir de 1825. En 1902 el festival adopta el nombre de Chorégies (del

Concierto: Musique en fête Los mejores momentos Estreno el 14 de febrero



griego choreos, que significa «coro»), refiriéndose así a la acústica excepcional que tiene el lugar. Chorégies lleva ofreciendo durante más de un siglo teatro, ópera y conciertos de primer nivel, prestando especial atención a su propio patrimonio teatral y musical. Los artistas de la Ópera de París y de la Comédie-Française conservan el monopolio del escenario hasta la Segunda Guerra Mundial, tras la cual el festival se abre a las empresas privadas. Desde 1969 el teatro deja de representarse en este festival, que queda dedicado de manera íntegra a la música, pasando a crearse el célebre Festival de Avignon, uno de los más importantes del teatro mundial.

Ya en 1971 comienzan las programaciones del nuevo Chorégies d’Orange, dedicado especialmente a la ópera, que centra su programación en seis noches en un período de un mes, por lo general dos representaciones de dos óperas y dos conciertos, pasando desde entonces por este escenario muchos de los grandes cantantes de la escena internacional. La celebración de los espectáculos en el teatro romano, del siglo I, lo han convertido en uno de los festivales con una ubicación más espectacular de cuantos existen, y ha ayudado sobremanera a su éxito internacional. La lista de óperas interpretadas es inmensa, estando en plantel la gran mayoría de las óperas más importantes de la historia.

La celebración de Musique en fête viene realizándose desde 2011, cuando el festival se propone realizar una gala celebrativa en la que se unan grandes artistas del panorama internacional y que pueda ser disfrutado por miles de personas en su emisión en directo. Más de un millón y medio de personas disfrutaron de dicha emisión, que ahora ustedes pueden disfrutar completa. La lista de compositores y artistas es inmensa. Se interpretan obras de autores operísticos de primer orden, como Goerges Bizet, Giuseppe Verdi, Giacomo Puccini, Gaetano Donizetti, Jules Massenet, Jacques Offenbach, Gioacchino Rossini, Franz Léhar, además de obras de compositores clásicos como Carl Orff, Charles Gounod, todo ello con la incursión en el género de la música popular de la mano de autor como Cole Porter, Nana Mouskouri, Serge Lama o o John Newton.

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Concierto: Musique en fête Los mejores momentos Estreno el 14 de febrero

Sinopsis: Acepten nuestra invitación para disfrutar de este evento anual de primer nivel en el panorama musical francés: la celebración del Musique en fête, una gala anual que celebra el Festival Chóregies d’Orange y que es visto por millones de personas en el país galo. Un programa que mezcla lo mejor de la ópera, con algunas incursiones en la música popular, de la mano de grandes solistas, los coros habituales del festival, la Orquesta Filarmónica de Monte–Carlo y tres directores muy queridos en él: Luciano Acocella, Didier Benetti y Frédéric Manoukian.

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El tradicional concierto de apertura de este fantástico festival de la mano de la Filarmónica de Viena, bajo la dirección del gran maestro francés.

Género: concierto, música clásica, música postromántica, música contemporánea, ópera.

Intérpretes: Anna Prohaska, Dorothea Röschmann, Anna Larsson, Johan Botha, Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena.

Director: Pierre Boulez.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2011.

Lugar: Grosses Festpilhaus, Salzburg.

Duración: 95 minutos. Pierre Boulez es, a todas luces, una de las figuras fundamentales en el desarrollo de la música clásica durante el siglo XX. Compositor y director, músico completo como pocos, sirva este concierto como homenaje a su reciente pérdida el 5 de enero de 2016. Su imaginación resoluta, enorme fuerza de voluntad y una despiadada combatividad artística le aseguraron, en su juventud, una posición primordial en la escena musical parisina de vanguardia. Sus predecesores, en su opinión, no habían sido lo suficientemente radicales con el arte, y en su obra encontramos una sutil combinación del serialismo de la Escuela de Viena con la irregularidad rítmica abierta con anterioridad por Igor Stravinsky y Olivier Messiaen.

Su llamada hacia una modernidad renovada fue ampliamente escuchada y profusamente seguida durante la década de 1950, pero su capacidad se fue debilitó gradualmente a partir de entonces, y en la misma medida su creatividad se desvaneció. Comenzó a ser más activo como director de orquesta, en un primer momento como gran especialista del amplio repertorio del siglo XX, para pasar después, en la década de 1970, a abarcar un repertorio realmente amplio y sin etiquetas. Hacia el final de esa

Concierto: Pierre Boulez Concierto de apertura del Festival de Salzburg Estreno el 20 de febrero



década centró buena parte de su atención al estudio de la música electroacústica en un estudio construido ex profeso para él en Paris, donde esperaba reanudar el esfuerzo e interés por crear un nuevo lenguaje musical sustentado en una base racional. Tras un breve período, sin embargo, dirigir se convirtió de nuevo en su principal medio para expresar su independencia y claridad de visión artística.

En este programa, ya cercano al final de su carrera, Boulez hace casi un resumen de su carrera como director, centrándose primeramente en la creación contemporánea, de la mano de Alban Berg (1885–1935), autor austríaco del que fue gran defensor e intérprete. De él se interpreta la Suite Lulu (1934), extraída de su genial ópera, un magnífico ejemplo de la composición operística puramente dodecafónica. Se completa esta parte con el aria de concierto Der Wein (1929), obra cuyo texto es una traducción al alemán de Stefan George de tres poemas de Las flores del mal [Les fleurs du mal], de Charles Baudelaire. Música realmente transgresora en la que encontramos multitud de referencias y elementos sorpresivos, como referencias al tango, la introducción del saxo alto, sonoridades armónicas cercanas al jazz, uso del recurso del palíndromo musical en su estructura…

La segunda parte, central del concierto, se detiene en la figura de Gustav Mahler (1860–1911), concretamente en su Canción del lamento [Das klagende Lied], cantata compuesta para tres solistas, gran coro mixto y orquesta de enormes dimensiones, que en su momento fue definida como una «gran ópera espectral para los ojos de la mente.» Obra sometida a profundas y numerosas revisiones, se ofrece aquí en su forma final, revisada entre 1889 y 1899, aunque no fue estrenada hasta dos años después, y es la que ha quedado como parte del repertorio de manera permanente, siendo considerada como una obra de sumo interés.

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Concierto: Pierre Boulez Concierto de apertura del Festival de Salzburg Estreno el 20 de febrero

Sinopsis: Como es habitual, la Orquesta Filarmónica de Viena inaugura la celebración del Festival de Salzburg, uno de los más destacados del panorama internacional. Disfruten de este magnífico concierto en el que, la que es considerada como una de las mejores orquestas del mundo, se pone a las órdenes del gran Pierre Boulez, para acompañar a las voces de Anna Prohaska, Dorothea Röschamann, Anna Larsson y Johan Botha en un suculento recital de música postromántica y contemporánea.

Ópera: Il Trovatore Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi

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Una de las cimas operísticas en el catálogo del compositor italiano, en una excelente

producción desde el Festival de Salzburg, bajo la dirección de Daniele Gatti.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Francesco Meli, Anna Netrebko, Plácido Domingo, Marie–Nicole Lemieux, Riccardo Zanellatto, Diana Haller, Gérard Schneider, Raimundas Juzuitis, Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena; Alvis Hermanis (dirección de escena, decorados), Eva Dessecker (vestuario), Ronny Dietrcih (dramaturgia).

Director: Daniele Gatti.


Año: 2014.

Lugar: Grosse Festpielhaus, Salzburg.


El gran Enrico Caruso llegó a afirmar en cierta ocasión: «para interpretar Il Trovatore se necesitan los cuatro mejores cantantes del mundo». No parece una cita extremadamente real, aunque en cualquier caso da buena muestra de la complejidad técnica que requiere por parte del elenco protagonista. Se trata de una ópera en cuatro actos sobre texto en italiano de Salvatore Cammarano, que fue estrenada en el Teatro Apollo de Roma el 19 de enero de 1853. La idea de la composición sobre este tema, basado en el libreto en español de El trovador (1836), de Antonio García Gutiérrez, proviene del propio Giuseppe Verdi (1813–1901), quien en una misiva a Cammarano, fechada el 2 de enero de 1850, confiesa lo siguiente: «el tema que me interesa en este momento y que deseo proponerle es El trovador, un drama español de Gutiérrez, se me antoja muy bello, rico en ideas y situaciones fuertes. Quisiera contar con dos papeles femeninos: el principal una gitana, una mujer de un carácter especial; ella le dará el nombre a la ópera. La otra parte será para la segunda cantante. ¡Manos a la obra!» Como se puede comprobar, algunos de los requerimientos del autor no llegaron a cumplirse, todo ello después de que, tras un largo silencio del libretista, Verdi tuviera que insistirle para realizar el trabajo.

Estreno el 21 de febrero



En la obra, Verdi parece desnudar los sentimientos más crudos y extremos del hombre, precipitando a los protagonistas permanentemente a sentimientos y actitudes encontrados: amor y odio, violencia y calma, venganza y perdón, vulgaridad y refinamiento… Para algunos es probablemente su gran ópera «romántica», pues en ella predomina un ambiente obscuro, un color grisáceo, plúmbeo, que no se aprecia de tal forma en ninguna de sus óperas restantes. Segunda de sus óperas de esa supuesta trilogía

–junto a Rigoletto y La Traviata–, parece la más sencilla y convencional de las tres, al menos en la elección de su temática, argumento y personajes, aunque no es tan simple como puede parecer a priori.

Tras sus reservas iniciales y la insistencia de Verdi, Cammarano accede a escribir el libreto, haciendo realmente un buen trabajo y una notable adaptación de este drama español de complicada historia, del que elimina algunos personajes, además de uno de los actos, y al que añade algún personaje. Sin embargo, al poeta le sorprenderá la muerte en 1852, dejando incompleto el libreto, por lo que Verdi acude a Leone Emanuele Bardare, buen amigo del difunto escritor, para completar la obra, aunque bajo la atenta supervisión del compositor italiano, que influyó de manera profunda en el resultado final.

La ópera se estrenó en 1853, logrando un éxito absolutamente descomunal, de tal manera que pasó inmediatamente a considerarse como una de las cimas de la creación verdiana y uno de los mejores ejemplos en la ópera del siglo XIX. Es una «ópera de cantantes», al menos en el sentido de que la escritura vocal es muy definida y compleja, hasta tal punto que en ella se inician algunas tipologías vocales nuevas, como la soprano lírico–spinto de coloratura para el papel de Leonora. Verdi exprime de manera brillante la técnica, la tesitura, la expresividad, la proyección y el virtuosismo vocal como nadie lo había hecho antes en el siglo. A esto hay que añadir una escritura orquestal realmente refinada, repleta de imaginación y un manejo tímbrico notable, que la convierten en una obra maestra.

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Ópera: Il Travatore Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi Estreno el 21 de febrero

Sinopsis: Les invitamos de nuevo al Festival de Salzburg. Ahora acompañados de Giuseppe Verdi y su magna ópera Il Trovatore, en una poderosa producción encabezada vocalmente por artistas de la talla de Francesco Meli, Anna Netrebko, Plácido Domingo o Marie–Nicole Lemieux. Sustenta las voces la excelsa Orquesta Filarmónica de Viena, todo ellos a las órdenes del maestro italiano Daniele Gatti. Una oportunidad fascinante de conocer una de las mejores creaciones verdianas.

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El proyecto musical y humano de Barenboim y Said desde el célebre Teatro Colón de Buenos Aires, acompañados por la gran Martha Argerich.

Género: concierto, música clásica, música romántica, impresionismo, piano.

Intérpretes: Martha Argerich, Daniel Barenboim.

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: Orquesta West–Eastern Divan.

Año: 2014.

Lugar: Teatro Colón, Buenos Aires.

Duración: 116 minutos. El proyecto West-Eastern Divan fue concebido en 1999 por las mentes de dos artistas e intelectuales de primer orden a nivel mundial: el pianista y director de orquesta argentino-israelí Daniel Barenboim y el intelectual palestino Edward Said. Ambos creyeron en un proyecto que supusiera la creación de un taller para jóvenes músicos de Israel y otros países de Oriente Medio que facilitara el estudio y el desarrollo musical, además de la posibilidad de compartir el conocimiento y la comprensión entre culturas que han sido tradicionalmente rivales. Aquí, los músicos asistentes mejoran su nivel musical mientras conviven con jóvenes de países que pueden estar en situaciones de conflicto con el suyo propio. La base de la orquesta la componen músicos árabes e israelíes acompañados de músicos españoles. Sus primeros pasos los dieron entre Weimar y Chicago hasta que en 2002 se establecieron definitivamente en Sevilla gracias al apoyo de la Junta de Andalucía. Pero este no es únicamente un proyecto musical, sino quizá por encima de ello, un foro para el diálogo y la reflexión sobre el problema palestino-israelí. Gracias a todos los contactos interculturales que allí se realizan, el proyecto aspira a representar un importante papel en la superación de diferencias políticas y culturales entre los países representados en el taller. El uso de las palabras «West-Eastern Divan» hace referencia a una colección de poemas de Johann Wolfgang von Goethe. Sus propios fundadores

Concierto: La Orquesta West–Eastern Divan en el Teatro Colón Con Daniel Barenboim y Martha Argerich Estreno el 27 de febrero



comentan al respecto: «la razón por la que hemos llamado así a esta orquesta proviene del hecho de que Goethe fue uno de los primeros alemanes verdaderamente interesado en otros países, ya que empezó a aprender árabe con más de 60 años.» El Taller del West-Eastern Divan tiene lugar cada año en Andalucía. Se estructura en torno a un plan de trabajo intensivo en el que los jóvenes artistas desarrollan sus habilidades musicales, pero en el que también discuten temas diversos y distintos puntos de vista sobre el conflicto árabe-israelí. Cuando este proceso finaliza se inicia la gira de la Orquesta West-Eastern Divan. Desde su creación la Orquesta West-Eastern Divan ha ofrecido conciertos en numerosos países de Europa, América y Asia. En agosto de 2003 la orquesta tocó por primera vez en un país árabe con un concierto en Rabat y en 2005 dio un gran paso al dar su primer concierto en un país de Oriente Próximo, ofreciendo una actuación en Ramala, que fue retransmitida en directo. Asimismo, el West-Eastern Divan ha tocado en dos ocasiones en el Emirato de Catar en los años 2010 y 2011. El presente programa supone todo un ejercicio de conciliación musical, reflejo absoluta de la filosofía que el proyecto persigue desde sus inicios. Un recorrido por dos siglos de música, que comienza de la mano de Ludwig van Beethoven (1770–1827) y su Concierto para piano n.º 1, y que se traslada aún más atrás en el tiempo para interpretar la obertura de La nozze di Figaro de Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791). A partir de ahí se produce en interesante recorrido por la música del siglo XIX, con la presencia Robert Schumann (1810–1856) y sus Fantasiestücke Op. 12, Hector Berlioz (1803–1869) y su Suite de Carmen, para pasar a centrarse en el siglo XX, de la mano de Maurice Ravel (1875–1937), del que se interpretan algunas de sus obras más célebres: Pavane por une infante défunte y el Bolero, junto a otras menos conocidas: Rapsodie espagnole y Alborada del gracioso. Como nota de color local se interpreta El Firulete, una milonga porteña compuesta a mediados de siglo por Mariano Mores, el polifacético músico argentino.

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Concierto: La Orquesta West-Eastern Divan en el Teatro Colón Con Daniel Barenboim y Martha Argerich Estreno el 27 de febrero

Sinopsis: Un evento musical, pero por encima de todo conciliador. Acompáñennos a presenciar un concierto de primer nivel mundial, que presenta al proyecto musical y humanístico Orquesta West–Eastern Divan, dirigida por su cofundador, el argentino–israelí Daniel Barenboim. Junto a Martha Argerich interpretan un rico y variado repertorio de más de dos siglos, ofrecido desde una de las cunas de la música clásica en Latinoamérica, el Teatro Colón de Buenos Aires.

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Uno de los títulos operísticos más legendarios en producción del Festival de Salzburgo,

bajo la dirección de Christoph Eschenbach.

Género: ópera, música clásica.

Intérpretes: Lenneke Ruiten, Anett Fritsch, Valentina Naforniţa, Ildebrando D’Arcangelo, Luca Pisaroni, Tomasz Konieczny, Andrew Staples, Alessio Arduini, Coro de la Filarmonía de Viena; Sven–Eric Bechtolf (dirección de escena), Rolf Glittenberg (decorados), Marianne Glittenberg (vestuario), Ronny Dietrich (dramaturgia).

Director: Christoph Eschenbach.


Año: 2014.

Lugar: Haus für Mozart, Salzburg.


El 29 de octubre de 1787 se produce en Praga uno de los estrenos más importantes de la historia de la ópera. Se pone en escena por primera vez la ópera de Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791), Il dissoluto punito, ossia il Don Giovanni, un dramma giocoso en dos actos con libreto de Loreno da Ponte, que pasará casi inmediatamente a convertirse en un título absolutamente legendario, fruto de una de las colaboraciones entre compositor y libretista más extraordinarias en la historia del género. La obra se gesta en Praga, a donde el 1 de octubre de 1787 se dirige el propio Mozart junto a su mujer, Constanze, con casi toda la partitura completa, pues el estreno estaba previsto para quince días después, aunque finalmente este se aplazó hasta el 29 del mismo mes. Es en diciembre de 1786 cuando se produce la génesis de esta gran obra, con el encargo que hacen a Mozart los empresarios del Nostizt–Theater, Pasquale Bondini y Domenico Guardasoni, ante el impresionante éxito que en la ciudad tuvo el estreno de La nozze de Figaro del propio autor. Estos le ofrecieron como libreto el segundo acto de Il

Ópera: Don Giovanni Ópera en dos actos de actos de Wolfgang Amadeus Mozart Estreno el 28 de febrero



capriccio drammatico, que llevaba por título Don Giovanni Tenorio, ossia il convitato di pietra, un texto de Giovanni Bertati que había sido puesto en música previamente por Giuseppe Gazzaniga. Mozart delega entonces la responsabilidad de redactar el libreto sobre el gran da Ponte, al que respetaba poderosamente. Este se pone a trabajar de inmediato en el mismo, a pesar de que se encontraba trabajando en otros libretos a la vez. Da Ponte realiza un exquisito trabajo de reescritura de la obra de Bertati, que recompone de un solo acto en dos y que trata el tema de una menara realmente «donjuanesca», siendo como ere este buen amigo del célebre Casanova, quien asistió además al estreno.

El estreno en Praga fue realmente exitoso, y tras ello, los Mozart regresan, a mediados de noviembre, a Viena, donde Mozart parece será nombrado como músico de la Cámara real e imperial. Transcurridos unos meses, el 7 de mayo de 1788 se produce por fin el estreno de Don Giovanni en la capital austríaca, con un éxito mucho menor que el que obtuvo en Praga. Mozart realizó algunas modificaciones, la más importante fue la eliminación del sexteto final en el que todos celebran, con lo que parece que quería poner más difíciles las cosas al público vienes, ya de por sí infinitamente más conservador, que no terminó de aceptar de buen grado esta ópera hasta varios años después. Mozart, junto a da Ponte, consiguen aquí dar vida a una serie de personajes con gran profundidad psicológica, especialmente su protagonista, un hombre de talla moral más que reprobable, que nunca parece arrepentirse de su comportamiento despreciable. Obra a medio camino entre el drama y la comedia, la propia denominación del autor como dramma giocoso deja siempre la puerta abierta al debate y a la elucubración. Los propios personajes son un reflejo de ello, algunos claramente cómicos, otros más destinados al drama puro, la mixtura que se produce entre estos, además de la genialidad de sus magníficas arias, de manera especial, sus números de conjunto, hacen de esta una de las óperas más interesantes y célebres en la historia del género.

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Ópera: Don Giovanni Ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart Estreno el 28 de febrero

Sinopsis: Les invitamos a entrar de lleno desde sus casas en una de las historias más destacadas de la historia de la ópera, la de Don Giovanni, en la visión extraordinaria de Wolfgang Amadeus Mozart. En producción del Festival de Salzburg, se presenta en la voces protagonistas de Ildebrando D’Arcangelo, Lenneke Ruiten, Anett Fritsch, Valentina Naforniţa y Luca PIssaroni. Todos ellos acompañados por la excepcional Orquesta Filarmónica de Viena y la dirección de Christoph Eschenbach, en lo musical, y Sven–Eric Bechtolf, en lo escénico.

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