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Allegro HD – Destacados de Programación – Junio 2017

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Destacados de Programación – Junio 2017



Destacados de Programación Junio 2017

CONCIERTO – Cuarteto Cambini: Modernidades italianas, en el Musée d’Orsay de Paris – Estreno 3 de junio – Pág. 3

Aniversario Georges Bizet

ÓPERA – Los pescadores de perlas, ópera en tres actos de Georges Bizet – Estreno 10 de junio – Pág. 5

ÓPERA – I due Foscari, ópera en tres actos de Giuseppe Verdi – 10 de junio – Pág. 7

Aniversario Georges Bizet

ÓPERA – Carmen, ópera en cuatro actos de Georges Bizet [Daniel Barenboim] – 11 de junio – Pág. 9

ÓPERA/BALLET – Rameau, el maestro de danza – Estreno 11 de junio – Pág. 11

ÓPERA – Don Giovanni, ópera en dos actos de Wolfgang Amadeus Mozart – 16 de

junio – Pág. 13

Aniversario Georges Bizet ÓPERA – Carmen, ópera en cuatro actos de Georges Bizet [Andris Nelsons] – 17 de

junio – Pág. 15

Aniversario Richard Strauss CONCIERTO – Richard Strauss: Gala de aniversario – Estreno 17 de junio – Pág. 17

CONCIERTO – Christian Thielemann dirige Richard Strauss: Renée Fleming & Filarmónica de Viena – 18 de junio – Pág. 19

ÓPERA – Il Trovatore, ópera en cuatro de Giuseppe Verdi –18 de junio – Pág. 21

CONCIERTO – Katia Buniatishvili: Mind in the Wilderness – 23 de junio – Pág. 23

Aniversario Richard Strauss

CONCIERTO – Mariss Jansons dirige Strauss – 24 de junio – Pág. 25

ÓPERA – Norma, ópera en dos actos de Vincenzo Bellini – Estreno 24 de junio – Pág. 27

ÓPERA – Andrea Chénier, ópera en cuatro actos de Umberto Giordano – 24 de junio – Pág. 29

WORLD – Jasser Haj Youssef & Les Musiciens du Louvre Grenoble – Estreno 25 de

junio – Pág. 31



Uno de los mejores cuartetos de cuerda del mundo en un magnífico recital desde el

célebre museo parisino.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música de cámara, cuarteto de cuerda.

Intérpretes: Cuarteto Cambini.

Año: 2015.

Lugar: Auditorium, Musée d’Orsay, Paris.

Duración: 68 minutos.

Formado en 2007, el Quatour Cambini-Paris es uno de los raros cuartetos de cuerda que interpretan con instrumentos de época, por lo que se ha convertido rápidamente en uno de los conjuntos de mayor proyección en el escenario musical internacional, a través de la riqueza de su repertorio. El conjunto ha sido destacado y aplaudido por la interpretación de obras maestras de Haydn, Mozart, Beethoven o Mendelssohn, y por su redescubrimiento de olvidados compositores franceses como Jadin, David o Gouvy. Con el fin de dar cuenta lo más fidedignamente de las condiciones musicales que los compositores conocían en su día, el Cuarteto Cambini-Paris toca instrumentos montados con cuerdas de tripa y utiliza arcos apropiados para cada época. Al elegir el nombre de Giuseppe Maria Cambini (1746-1825), un violinista y compositor prolífico que llevó una vida

Concierto: Cuarteto Cambini Modernidades italianas, en el Musée d’Orsay de Paris Estreno 3 de junio 19:50 Argentina/Uruguay | 17:50 Colombia/Ecuador



repleta de aventuras, el cuarteto atestigua su interés en explorar la variedad estilística de los períodos clásico y romántico. El Cuarteto Cambini-Paris ha actuado en los recintos y festivales más famosos: la Colección Frick en Nueva York, la Colección Philips en Washington DC, la Salle Bourgie en el Museo de Bellas Artes de Montreal, el Palazzetto Bru Zane en Venecia, El Palacio de San Petersburgo, la Ópera Comique, el Auditorio del Museo del Louvre y del Museo de Orsay en París, el Centro de Música Barroca de Versalles [CMBV], el Teatro de Caen, el Arsenal de Metz, el Concertgebouw de Brujas, Centro en Amberes, el Bijloke de Gante, los Institutos Franceses de Viena y Budapest, los festivales de Deauville, Sable-sur-Sarthe, Épau, Newbury y Saintes… Sus grabaciones han sido aclamadas por la crítica y el público, entre las que se encuentran los seis cuartetos de Mozart dedicados a Haydn [Ambroisie-Naïve en 2015], Théodore Gouvy [Palazzetto Bru Zane en 2014], Félicien David [Ambroisie-Naïve en 2012], Hyacinthe Jadin [Timpani en 2010] y 200 años de música en Versalles [MBF en 2007]. Ha actuado junto a grandes artistas como Nicolas Baldeyrou, Kristian Bezuidenhout, Nicola Boud, Christophe Coin, Jérôme Pernoo y Alain Planès, entre otros. Desde junio de 2016 el Cuarteto Cambini-Paris se ha presentado con cuatro instrumentos históricos, prestados como parte del proyecto Adopt a Musician, una iniciativa de MusicMasterpieces en Lugano: un violín de Francesco Pressenda de 1841, un violín de Giuseppe Rocca de 1839, una viola de Giuseppe Rocca de 1855 y un violonchelo de Antonio Guadagnini de 1881.

En el presente recital se interpretan dos cuartetos de cuerda, el primero de ellos de un autor absolutamente consagrado como es Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), de quien se interpreta su Cuarteto de cuerda n.º 19 en Do mayor KV 465, más conocido como Cuarteto Disonancias, especialmente debido a su introducción lenta, tensa, llena de armonías sin resolver sobre la línea del violonchelo. Es quizá el más famoso de sus cuartetos y el último de la serie de los cuartetos dedicados a Haydn, compuestos entre 1782-1785 en honor del compositor y amigo de Mozart, considerado generalmente como el padre del cuarteto de cuerda. De acuerdo con el catálogo de obras de Mozart, fue iniciado el año anterior y completado el 14 de enero de 1785.

El segundo de los cuartetos pertenece a un compositor mucho más desconocido, Félicien David (1810-1876), autor francés recordado casi exclusivamente por sus óperas-comiques La Perle du Brésil y Le Désert, así como su oratorio Moïse au Sinaï. Sin embargo, mientras muchos de sus contemporáneos y compatriotas como Gounod, Bizet y Massenet se concentraron en escribir para la ópera, David mantuvo un interés constante por la música instrumental. Su producción incluye veinticuatro quintetos de cuerda, cuatro sinfonías, dos nonetos para viento, cuatro cuartetos de cuerda y tres tríos de piano. Mientras que la

influencia en sus canciones y óperas era en gran parte oriental –pasó largo tiempo

viviendo en Egipto–, su música de cámara hunde sus raíces en la tradición germánica.

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Concierto: Cuarteto Cambini Modernidades italianas, en el Musée d’Orsay de Paris Estreno 3 de junio 19:50 Argentina/Uruguay | 17:50 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El Cuarteto Cambini les invita a deleitarse con sendos cuartetos de Wolfgang Amadeus Mozart y Félicien David. Del primero se interpreta su Cuarteto en Do mayor, Disonancias, KV 465; del segundo el Cuarteto de cuerda n.º 1 en Fa menor. Un lujo para deleitarse con la mejor música de cámara, desde el auditorio del célebre Museo d’Orsay de la capital parisina.

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Una de las grandes obras del repertorio operístico francés, en este especial dedicado al

magnífico compositor galo.

Género: ópera, música clásica, música romántica.

Intérpretes: Patrizia Ciofi, Dmitry Korchak, Dario Solari, Roberto Tagliavini; Coro y Ballet del Teatro San Carlo; Fabio Sparvoli [dirección de escena], Giorgio Richelli [escenografía], Alessandra Torella [vestuario], Vinicio Cheli [iluminación], Annarita Pasculli [coreografía].

Director: Gabriele Ferro.

Orquesta: Orquesta del Teatro San Carlo.

Año: 2013.

Lugar: Teatro San Carlo, Napoli.


Los pescadores de perlas [Les Pêcheurs de Perles], ópera en tres actos con música de Georges Bizet (1838-1875) y libreto en francés de Eugène Cormon y Michel Carré. Fue estrenada el 30 de septiembre de 1863 en el Théâtre Lyrique du Châtelet, de Paris, ofreciéndose 18 representaciones, respetables para una obra de debut. Aunque carece de la fama de Carmen, es su ópera más exitosa tras la célebre historia de la cigarrera sevillana. Su fama y éxito posterior se debe en gran parte a su orquestación colorista y exótica, y por su gran dúo de amistad, Au fond du temple saint, uno de los más famosos en toda la ópera, así como el aria Je crois entendre encore, que en su traducción al italiano

Ópera: Los pescadores de perlas Ópera en tres actos de Georges Bizet Estreno 10 de junio 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador



[Mi par d'udire ancor] se convirtió en caballo de batalla de los más grandes tenores lírico-ligeros del pasado siglo. Aun con ello, no obtuvo un buen recibimiento en su estreno, pero con el tiempo se fue convirtiendo en una de las óperas más habituales en el repertorio escénico lírico francés.

El amor de Bizet por los temas exóticos y su capacidad para manejarlos se reconocen con claridad en esta ópera. Lamentablemente, se encontró con un libreto muy débil que,

aunque no le impidió incluir en la partitura algunas partes brillantes –especialmente las ya

mencionadas–, fue un obstáculo para la difusión de esta obra. El argumento trata de la rivalidad de dos nombres por el favor de la bella sacerdotisa Leila, a la que han conocido en un templo de Brahma, en el Lejano Oriente. Para no poner en juego su amistad, Zurga

y Nadir han regresado a su patria europea. Pero cuando emprenden un viaje a Ceilán –donde transcurre la ópera– vuelven a ver a Leila; ésta ha hecho entre tanto un voto de castidad para poder estar a la altura de su misión, que consiste en ahuyentar a los demonios marinos que causan graves perjuicios a los pescadores de perlas. Sin embargo, su pasión y la de Nadir son demasiado grandes. Su amor es descubierto, y Zurga, elegido rey de los pescadores, lucha consigo mismo: por último vence su magnanimidad y decide ayudar a escapar a Nadir y a Leila. Pero el destino decide las cosas de otro modo; una marea lo destruye todo. El pueblo encuentra el cadáver de Nadir en la arrasada aldea y exige la muerte de Leila. La sacerdotisa sube a las rocas y se arroja al mar. El libreto se lo presentó a Bizet el director del Théátre Lyrique y respondía al gusto por el exotismo, que en esa época estaba muy arraigado. El fundador de esta tendencia fue Félicien David (1810-1876), un orientalista y músico poco conocido en la actualidad, cuya obra sinfónica Le désert promovió, con su descripción del desierto y las llamadas del muecín y sus imitaciones sonoras muy sencillas, la pasión por la música de corte exótica. El interés existía desde hacía mucho tiempo; en cierto modo, El rapto en el serrallo de Mozart corresponde a esa tendencia, así como el Oberon de Weber, incluso algunas obras de Gluck y Grétry se pueden considerar como precursoras. Los pescadores de perlas no tuvo mucho éxito el 30 de septiembre de 1863, a pesar de su ambiente exótico. Solamente Berlioz reconoció que había allí una cantidad considerable de piezas musicales bellas y expresivas, llenas de vigor y de rico colorido. Los grandes cantantes se hicieron cargo de los papeles principales en fecha posterior; la interpretación por parte de Caruso del rol de Nadir es hasta hoy inolvidable.

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Ópera: Los pescadores de perlas Ópera en tres actos de Georges Bizet Estreno 10 de junio 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Siéntense a disfrutar de Los pescadores de perlas, una de las grandes obras escénicas de Georges Bizet, que llega aquí en las voces de Patrizia Ciofi, Dmitry Korchak, Dario Solari, Roberto Tagliavini, además de la Orquesta, Coro y Ballet del Teatro di San Carlo de Napoli, todos ellos bajo la dirección musical de Gabriele Ferro y la escénica de Fabio Sparvoli.

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Fantástico título verdiano, servido en las voces de una espléndida plantilla artística y en la

magnífica producción de la Royal Opera House.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Plácido Domingo, Francesco Meli, Maria Agresta, Maurizio Muraro, Samuel Sakker, Rachel Kelly, Lee Hickenbottom, Dominic Barrand; Coro de la Royal Opera House; Thaddeus Strassberger [dirección de escena], Kevin Knight [escenografía], Mattie Ullrich [vestuario], Bruno Poet [iluminación].

Director: Antonio Pappano.

Orquesta: Orquesta de la Royal Opera House.

Año: 2013.

Lugar: Royal Opera House, London.

Duración: 156 minutos. Ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi sobre libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en el drama histórico The Two Foscari de Lord Byron. Fue estrenada en el Teatro Argentina de Roma, el 3 de noviembre de 1844. I due Foscari [Los dos Foscari] es una ópera seria, un drama operístico que narra las intrigas políticas de la antigua república de Venezia. Este tema y la obra de Byron ya habían suscitado la atención de Verdi años antes, en 1843, pero cuando lo propuso al Teatro La Fenice de Venezia fue rechazado por considerarlo inapropiado, pues el drama incluía críticas hacia la República de Venezia, lo que ofendía notablemente a las grandes familias venecianas que habían gobernado la República, incluyendo a los propios Foscari, que todavía mantenían su linaje. Casi a la vez, Verdi había propuesto una nueva ópera sobre Lorenzino de' Medici, que

Ópera: I due Foscari Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 10 de junio 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador



también fue rechazada, ahora por el Teatro Argentina en Roma. I due Foscari fue, sin embargo, incluida en sustitución de aquella y tuvo su estreno mundial allí el 3 de noviembre de 1844. Su génesis tuvo lugar durante los ensayos de Ernani, cuando el empresario florentino Alessandro Lanari encargó a Verdi una nueva ópera para representar en dicho teatro, en el otoño de 1844. Fue compuesta en pocas semanas, retomando un proyecto que Verdi y su libretista Francesco Maria Piave ya tenían en mente. La ópera quedó terminada a principios del verano durante una estancia del compositor en Busseto. Comparado con el gran éxito que aquel mismo año había tenido el estreno de Ernani, ni la música, ni la dramaturgia, ni la actuación de los cantantes entusiasmaron a los asistentes al estreno. El propio Verdi escribió, a raíz del estreno, lo siguiente: «Poco ha faltado para que I due Foscari no haya fracasado del todo, en parte por los cantantes, que han desafinado mucho; en parte porque las exigencias estaban al límite. El hecho es que la ópera ha sido casi un fracaso.» Aun con todo, Verdi fue alabado y celebrado en los círculos más cerrados romanos y el gobierno pontificio hasta acuñó una medalla con su efigie. Esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 213 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 63.ª en Italia y la decimoséptima de Verdi, con 13 representaciones en este período. En esta ópera Verdi experimentó por primera vez con los llamados temas recurrentes o característicos, que prefiguran la presencia de los diferentes personajes e incluso del coro, mediante los cuales cada personaje queda definido por un motivo musical que lo identifica en escena. Se requieren tres magníficos cantantes: tenor, soprano y barítono, además de un cuatro [bajo] para completar el drama. Todos han de dominar ese característico canto verdiano, de gran exigencia, que muestre su capacidad de afrontar los pasajes de bravura y otros muy expresivos con total solvencia. I due Foscari supone un importante avance en la creación verdiana, la cual se encontraba en aquel momento en lo que él mismo denominó como sus «años de galera». Es sin duda un notable ensayo para todo aquello que estará por llegar en sus óperas más maduras y magistrales.

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Ópera: I due Foscari Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi 10 de junio 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Siéntese para disfrutar de I due Foscari, magnífica ópera de Giuseppe Verdi, que le servimos desde la Royal Opera House londinense, con las magníficas voces de: Plácido Domingo, Francesco Meli, Maria Agresta, Maurizio Muraro, Samuel Sakker, Rachel Kelly, Lee Hickenbottom y Dominic Barrand. Se les une el coro y la orquesta de la Royal Opera House, bajo la dirección de Antonio Pappano.

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Una de las óperas más célebres de la historia en producción de la Ópera Estatal de Berlin,

con Villazón y Domashenko como protagonistas, y la dirección de Daniel Barenboim.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Rolando Villazón, Marina Domashenko, Alexander Vinogradov, Norah

Amsellem, Kay Stiefermann, Christof Fischesser, Jan Zinkle, Gustavo Peña, Julia Rempe,

Susanne Kreusch, Martin Hug; Coro de la Ópera Estatal de Berlin, Coro Infantil de la Ópera

Estatal de Berlin; Martin Kusej [dirección de escena].

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.

Año: 2006.

Lugar: Ópera Estatal, Wien.


Carmen es una ópera dramática en cuatro actos, compuesta por el célebre autor francés Georges Bizet (1838-1875) sobre libreto en francés de Ludovic Halévy y Henri Meilhac, que se basaron en la novela homónima escrita por Prosper Mérimée [1845], la cual probablemente está influida a su vez por el poema narrativo Los gitanos [1824] de Aleksandr Pushkin, el cual Mérimée conocía bien, pues lo tradujo al francés años después. Se estrenó en la Opéra-Comique de la capital parisina el 3 de marzo de 1875, aunque no gozó de críticas especialmente halagüeñas por parte de la mayoría de los críticos, lo que la lleva casi a ser retirada después de tan solo cinco representaciones, aunque finalmente se evitó y le facilitó su llegada hasta la nada desdeñable cifra de 48 representaciones en su primera temporada, a pesar de que al final de la misma el propio teatro parisino regalaba pases con el fin de ayudar a atraer a un mayor número de oyentes. Bizet murió prematuramente ese mismo año, por lo que nunca llegó a conocer la popularidad real

Ópera: Carmen

Ópera en cuatro actos de Georges Bizet 11 de junio 14:30 Argentina/Uruguay | 12:30 Ecuador



posterior de su gran obra maestra. Pocos meses después, en octubre de 1875, fue producida en Viena, obteniendo ya sí un gran éxito de público y crítica, lo que marcó el inicio de su inmensa popularidad en el continente.

Esta última ópera de Bizet no sólo transformó el género de la opéra comique tan popular en Francia, que había permanecido prácticamente inamovible desde finales del siglo XVIII, sino que sus modificaciones terminaron por aniquilar el género tal y como era conocido. En la segunda mitad del siglo XIX desapareció la tradicional y férrea diferenciación entre la ópera seria y la cómica, especialmente gracias a que Carmen alimentó un movimiento de mixtura intergéneros que iba a ganar muchos adeptos y notoriedad tanto en Italia como en Francia, además del resto de Europa. En cierta manera estaba naciendo el culto al realismo, conocido a posteriori como verismo. La historia está ambientada en Sevilla alrededor de 1820, y está protagoniza por una atractiva gitana con un carácter muy fuerte y complicado. Carmen decide seducir al cabo don José, un soldado inexperto, lo que desarrolla una serie de acontecimientos que van dando color a la historia. Este termina por amotinarse contra su superior y se une como desertor

a un grupo de contrabandistas. Cuando Carmen centra su atención en Escamillo –un torero

prototipo del español visto desde fuera–, los celos impulsan a don José a cometer el asesinato de Carmen. Es sin duda una historia trágica, que mezcla elementos populares con otros realmente duros realistas.

Carmen modificó decididamente la ópera francesa y se ha definido como la gran anticipación del verismo de la escuela operística italiana. Fue considerada por el filósofo alemán Friedrich Nietzsche como una respuesta más pasional y mediterránea a la estética wagneriana. Es desde hace décadas la ópera francesa más conocida e interpretada en todo el mundo. Carmen es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico estándar y aparece siempre entre las óperas más interpretadas en todos los teatros y temporadas de ópera del mundo. Se trata de una obra maestra, merced a la belleza de sus arias, su colorista y excelsa orquestación, la calidad de su libreto, el tratamiento psicológico de los personajes y el ambiente que rodea a la historia.

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Ópera: Carmen Ópera en cuatro actos de Georges Bizet 11 de junio 14:30 Argentina/Uruguay | 12:30 Ecuador

Sinopsis: Carmen es, a pesar de su extrema popularidad, una obra maestra que les invitamos a disfrutar en esta producción de la Ópera Estatal de Viena, que presenta un elenco vocal de espectacular nivel, que cuenta con Rolando Villazón, Marina Domashenko, Alexander Vinogradov, Norah Amsellem, Kay Stiefermann, Christof Fischesser, Jan Zinkle, Gustavo Peña, Julia Rempe, Susanne Kreusch, Martin Hug. Les acompaña la Orquesta Estatal de Berlin y los Coros de la Ópera Estatal de Berlin, bajo la dirección musical del gran Daniel Barenboim.

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El célebre conjunto Les Arts Florissants pone en escena dos de las obras escénicas menos

conocidas del genial compositor francés.

Género: ópera, ballet, música clásica, música barroca.

Intérpretes: Reinoud van Mechelen, Élodie Fonnard, Sean Clayton, Magali Léger, Arnaud Richard, Pierre Bessière; Coro de Les Arts Florissants; bailarines: Nathalie Adam, Romain Arreghini, Bruno Benne, Anne-Sophie Berring, Pierre-François Dolle, Robert Le Nuz, Andrea Miltnerova, Artur Zakirov; Sophie Daneman [dirección de escena], Françoise Denieau [coreografía], Christophe Naillet [escenografía e iluminación], Alain Blanchot [vestuario].

Director: William Christie.

Orquesta: Les Arts Florissants.

Año: 2014.

Lugar: Académie de La Guérinière, Caen.


Jean-Philippe Rameau (1683-1764) fue un compositor, organista, clavecinista, violinista y teórico de la música francés, sin duda uno de los más trascendentales en la historia de la música de su país, pero también todo Occidente. Se familiarizó con los rudimentos de la práctica musical desde su más tierna infancia. Un viaje a Milán

Ópera/Ballet: Rameau, el maestro de danza Les Arts Florissants & William Christie Estreno 11 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



emprendido en 1701 le dio a conocer la tradición musical italiana. En 1706 publicó en París su Primer libro de piezas para clave, de gran importancia. De 1722 data la publicación de su Tratado de armonía, ambicioso ensayo que suscitó una viva polémica, pero que contribuyó a cimentar su fama como teórico. En 1733 inició una brillante aunque tardía carrera como autor dramático con la ópera Hippolyte et Aricie, a la que siguieron, entre otras, Les Indes galantes [1735] y Castor et Pollux [1737], escritas según el modelo de la tragédie-lyrique establecido por Lully, aunque enriquecido a nivel melódico, armónico e

instrumental. A pesar de llegar de manera tan tardía a la ópera –que se tomaba muy en

serio–, transitó por todos los géneros de importancia, logrando alcanzar las más altas cotas de refinamiento y calidad musical. Su legado es imprescindible, tanto por sus escritos teóricos, fundamentales para comprender el cambio de mentalidad de la época, como por sus numerosas composiciones, no solo en el ámbito escénico, sino también en lo puramente instrumental, en la cantata profana y el gran motete sacro francés. El programa doble emprendido por Les Arts Florissants para la conmemoración del Año

Rameau –que en 2014 se celebró en Francia con todo tipo de espectáculos y eventos de

tipo musical y artístico– consistió en la interpretación de dos de sus breves obras

escénicas, correspondientes al género del Acte de ballet –una breve vocal de un solo acto,

en el que la danza cobra una importancia superlativa– y de la Pastorale héroïque –pieza escénica desarrollada en Francia durante los siglos XVII y XVIII, cuyo espíritu y principios son próximos a la tragédie lyrique, pero con un carácter más ligero y un número de actos reducido, cuyos argumentos permiten poner en escena dioses y héroes de la mitología

clásica, con una intriga generalmente centrada en los sentimientos amorosos–.

Daphnis et Égle es una pastorale héroïque en un acto, con texto de Charles Collé, que fue estrenada en el Théâtre de Fontainebleau el 30 de octubre de 1753. Rameau se desliza aquí por algunos principios de estilo italiano: la obertura en tres movimientos, recitativos eliminados. Sin embargo, el encanto en sus pasajes de danza supone el mejor efecto de la obra, gracias a sus zarabandas, gavotas, gigas, minuetos y contradanzas. Por su parte, Le naissance d’Osiris es un acte de ballet sobre texto de Louis de Cahusac, que tuve su estreno el 12 de octubre de 1754, en el mismo teatro de Fontainebleau. Philippe Beaussant escribió sobre la obra: A excepción de algunas arias, son los bailes los protagonistas de esta obra, que no pretende ser otra cosa que un ballet. La apertura es italiana, en tres movimientos de danza, y la atmósfera pastoral prevalece todas ellas.

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Ópera/Ballet: Rameau, el maestro de danza Les Arts Florissants & William Christie Estreno 11 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Jean-Philippe Rameau es sin duda uno de los mejores compositores franceses de la historia. A pesar de que su obra escénica ha sido muy grabada e interpretada, todavía quedan obras menos conocidas. Es el caso de Daphnis et Églé y Le Naissance d’Osiris, que el magnífico conjunto francés Les Arts Florissants, con su director William Christie al frente, puso en liza en 2014, año de la conmemoración de los 250 años de su desaparición. Un conjunto de solistas vocales, instrumentistas y bailarines de primer nivel completan un elenco de auténtico lujo.

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Uno de los títulos operísticos más legendarios en producción del Festival de Salzburgo,

bajo la dirección de Christoph Eschenbach.

Género: ópera, música clásica.

Intérpretes: Lenneke Ruiten, Anett Fritsch, Valentina Naforniţa, Ildebrando D’Arcangelo, Luca Pisaroni, Tomasz Konieczny, Andrew Staples, Alessio Arduini, Coro de la Filarmonía de Viena; Sven–Eric Bechtolf [dirección de escena] Rolf Glittenberg [decorados], Marianne Glittenberg [vestuario], Ronny Dietrich [dramaturgia].

Director: Christoph Eschenbach.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2014.

Lugar: Haus für Mozart, Salzburg.


El 29 de octubre de 1787 se produce en Praga uno de los estrenos más importantes de la historia de la ópera. Se pone en escena por primera vez la ópera de Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791), Il dissoluto punito, ossia il Don Giovanni, un dramma giocoso en dos actos con libreto de Lorenzo da Ponte, que pasará casi inmediatamente a convertirse en un título absolutamente legendario, fruto de una de las colaboraciones entre compositor y libretista más extraordinarias en la historia del género. La obra se gesta en Praga, a donde el 1 de octubre de 1787 se dirige el propio Mozart junto a su mujer, Constanze, con casi toda la partitura completa, pues el estreno estaba previsto para quince días después, aunque finalmente este se aplazó hasta el 29 del mismo mes. Es en diciembre de 1786 cuando se produce la génesis de esta gran obra, con el encargo que hacen a Mozart los empresarios del Nostizt–Theater, Pasquale Bondini y Domenico Guardasoni, ante el

Ópera: Don Giovanni Ópera en dos actos de actos de Wolfgang Amadeus Mozart 16 de junio 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador



impresionante éxito que en la ciudad tuvo el estreno de La nozze de Figaro del propio autor.

Estos le ofrecieron como libreto el segundo acto de Il capriccio drammatico, que llevaba por título Don Giovanni Tenorio, ossia il convitato di pietra, un texto de Giovanni Bertati que había sido puesto en música previamente por Giuseppe Gazzaniga. Mozart delega entonces la responsabilidad de redactar el libreto sobre el gran da Ponte, al que respetaba poderosamente. Este se pone a trabajar de inmediato en el mismo, a pesar de que se encontraba trabajando en otros libretos a la vez. Da Ponte realiza un exquisito trabajo de reescritura de la obra de Bertati, que recompone de un solo acto en dos y que trata el tema de una menara realmente donjuanesca, siendo como ere este buen amigo del célebre Casanova, quien asistió además al estreno.

El estreno en Praga fue realmente exitoso, y tras ello, los Mozart regresan, a mediados de noviembre, a Viena, donde Mozart parece será nombrado como músico de la Cámara real e imperial. Transcurridos unos meses, el 7 de mayo de 1788 se produce por fin el estreno de Don Giovanni en la capital austríaca, con un éxito mucho menor que el que obtuvo en Praga. Mozart realizó algunas modificaciones, la más importante fue la eliminación del sexteto final en el que todos celebran, con lo que parece que quería poner más difíciles las cosas al público vienes, ya de por sí infinitamente más conservador, que no terminó de aceptar de buen grado esta ópera hasta varios años después. Mozart, junto a da Ponte, consiguen aquí dar vida a una serie de personajes con gran profundidad psicológica, especialmente su protagonista, un hombre de talla moral más que reprobable, que nunca parece arrepentirse de su comportamiento despreciable. Obra a medio camino entre el drama y la comedia, la propia denominación del autor como dramma giocoso deja siempre la puerta abierta al debate y a la elucubración. Los propios personajes son un reflejo de ello, algunos claramente cómicos, otros más destinados al drama puro, la mixtura que se produce entre estos, además de la genialidad de sus magníficas arias, de manera especial, sus números de conjunto, hacen de esta una de las óperas más interesantes y célebres en la historia del género.

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Ópera: Don Giovanni Ópera en dos actos de actos de Wolfgang Amadeus Mozart 16 de junio 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Les invitamos a entrar de lleno desde sus casas en una de las historias más destacadas de la historia de la ópera, la de Don Giovanni, en la visión extraordinaria de Wolfgang Amadeus Mozart. En producción del Festival de Salzburg, se presenta en la voces protagonistas de Ildebrando D’Arcangelo, Lenneke Ruiten, Anett Fritsch, Valentina Naforniţa y Luca PIssaroni. Todos ellos acompañados por la excepcional Orquesta Filarmónica de Viena y la dirección de Christoph Eschenbach, en lo musical, y Sven–Eric Bechtolf, en lo escénico.

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Una de las óperas más célebres de la historia en producción desde la Ópera de Viena con

un fantástico plantel de solistas y la dirección de Andris Nelsons.


Intérpretes: Nadia Krasteva, Anna Netrebko, Massimo Giordano, Ildebrando D’Arcangelo, Anita Hartig, Zoryana Kushpler, Alexandre Moisiuc, Adrian Eröd, Herwig Pecoraro, Tae Joong Yang; Coro de la Ópera Estatal de Viena, Coro Infantil de la Ópera Estatal de Viena, Ballet de la Ópera Estatal de Viena; Franco Zeffirelli [dirección de escena y escenografía], Leo Bei [vestuario], Rafael de Córdoba [coreografía], Peter Grauer [iluminación].

Director: Andris Nelsons.

Orquesta: Orquesta de la Ópera Estatal de Viena.

Año: 2010.

Lugar: Ópera Estatal, Wien.


Carmen es una ópera dramática en cuatro actos, compuesta por el célebre autor francés Georges Bizet (1838-1875) sobre libreto en francés de Ludovic Halévy y Henri Meilhac, que se basaron en la novela homónima escrita por Prosper Mérimée [1845], la cual probablemente está influida a su vez por el poema narrativo Los gitanos [1824] de Aleksandr Pushkin, el cual Mérimée conocía bien, pues lo tradujo al francés años después. Se estrenó en la Opéra-Comique de la capital parisina el 3 de marzo de 1875, aunque no gozó de críticas especialmente halagüeñas por parte de la mayoría de los críticos, lo que la lleva casi a ser retirada después de tan solo cinco representaciones, aunque finalmente se evitó y le facilitó su llegada hasta la nada desdeñable cifra de 48 representaciones en su primera temporada, a pesar de que al final de la misma el propio teatro parisino regalaba pases con el fin de ayudar a atraer a un mayor número de oyentes. Bizet murió

Ópera: Carmen

Ópera en cuatro actos de Georges Bizet 17 de junio 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Ecuador



prematuramente ese mismo año, por lo que nunca llegó a conocer la popularidad real posterior de su gran obra maestra. Pocos meses después, en octubre de 1875, fue producida en Viena, obteniendo ya sí un gran éxito de público y crítica, lo que marcó el inicio de su inmensa popularidad en el continente.

Esta última ópera de Bizet no sólo transformó el género de la opéra comique tan popular en Francia, que había permanecido prácticamente inamovible desde finales del siglo XVIII, sino que sus modificaciones terminaron por aniquilar el género tal y como era conocido. En la segunda mitad del siglo XIX desapareció la tradicional y férrea diferenciación entre la ópera seria y la cómica, especialmente gracias a que Carmen alimentó un movimiento de mixtura intergéneros que iba a ganar muchos adeptos y notoriedad tanto en Italia como en Francia, además del resto de Europa. En cierta manera estaba naciendo el culto al realismo, conocido a posteriori como verismo. La historia está ambientada en Sevilla alrededor de 1820, y está protagoniza por una atractiva gitana con un carácter muy fuerte y complicado. Carmen decide seducir al cabo don José, un soldado inexperto, lo que desarrolla una serie de acontecimientos que van dando color a la historia. Este termina por amotinarse contra su superior y se une como desertor

a un grupo de contrabandistas. Cuando Carmen centra su atención en Escamillo –un torero

prototipo del español visto desde fuera–, los celos impulsan a don José a cometer el asesinato de Carmen. Es sin duda una historia trágica, que mezcla elementos populares con otros realmente duros realistas.

Carmen modificó decididamente la ópera francesa y se ha definido como la gran anticipación del verismo de la escuela operística italiana. Fue considerada por el filósofo alemán Friedrich Nietzsche como una respuesta más pasional y mediterránea a la estética wagneriana. Es desde hace décadas la ópera francesa más conocida e interpretada en todo el mundo. Carmen es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico estándar y aparece siempre entre las óperas más interpretadas en todos los teatros y temporadas de ópera del mundo. Se trata de una obra maestra, merced a la belleza de sus arias, su colorista y excelsa orquestación, la calidad de su libreto, el tratamiento psicológico de los personajes y el ambiente que rodea a la historia.

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Ópera: Carmen Ópera en cuatro actos de Georges Bizet 17 de junio 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Ecuador

Sinopsis: Carmen es, a pesar de su extrema popularidad, una obra maestra que les invitamos a disfrutar en esta producción de la Ópera Estatal de Viena, que presenta un elenco vocal de espectacular nivel, encabezado por Nadia Krasteva, Anna Netrebko, Massimo Giordano e Ildebrando D’Arcangelo. La dirección corre a cargo del talentoso Andris Nelsons, en lo musical [Orquesta de la Ópera Estatal de Viena], y el experimentado Franco Zeffirelli, en lo escénico.

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Celebre con nosotros el aniversario de Richard Strauss a través de esta magnífica gala con

algunos de sus grandes éxitos operísticos.

Género: concierto, ópera, música clásica, música tardoromántica.

Intérpretes: Christine Goerke, Anja Harteros, Camilla Nylund.

Director: Christian Thielemann.

Orquesta: Orquesta Estatal de Dresden.

Año: 2014.

Lugar: Semperoper, Dresden.


Richard Strauss (1864-1949), compositor y director de orquesta alemán, se erigió, tras la muerte de Richard Wagner y Johannes Brahms, como el compositor alemán vivo más importante. Su ingente carrera artística abarcó casi ocho décadas en las que compuso sobre prácticamente todos los géneros musicales en boga del momento, aunque destacó

especialmente gracias a sus poemas sinfónicos –que compuso principalmente durante los

últimos años del siglo XIX– y sus óperas –estas ya en las primeras décadas del XX–. Le tocó vivir una época en la que la dualidad entre la burguesía y el artista se había vuelto cada vez más problemática, pero Strauss supo negociar el mundo del arte y la sociedad con una notable combinación de ingenuidad e ironía. Sentía cierta aversión por la metafísica de Wagner y se mostraba indiferente a las intenciones filosóficas de Gustav Mahler en la música, por lo que se preocupó en explotar las paradojas y contradicciones que se podían encontrar en la modernidad. Las nuevas posibilidades que previó para la música se ejemplifican en el eclecticismo de la ópera Der Rosenkavalier, cuya yuxtaposición de lo

Concierto: Richard Strauss Gala de aniversario Estreno 17 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

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más puramente contemporáneo con elementos anacrónicos, creados intencionalmente, supone un pluralismo estilístico que presagia la posterior experimentación de finales del siglo XX.

La relación entre Richard Strauss y la Staatskapelle Dresden [Orquesta Estatal de Dresden] fue muy especial: nueve de sus quince óperas se estrenaron en Dresde, incluyendo Salomé, Elektra y Der Rosenkavalier. De hecho, Strauss dedicó su célebre Sinfonía Alpina a la Staatskapelle. En total, la amistad entre el compositor y la orquesta duró más de sesenta años, desde su primer encuentro en 1883 hasta la muerte de Strauss en 1949. Es por ello que el 150.º aniversario de Richard Strauss supuso una gran efeméride en la ciudad de Dresden. Uno de los momentos más destacados del año fue este concierto especial para conmemorar su cumpleaños, celebrado en la Semperoper. Christian Thielemann, un gran experto en la obra de Strauss, ha escogido extractos de nueve de las óperas de Strauss que se estrenaron en Dresden, incluyendo rarezas como Feuersnot. Cuenta además con la presencia de tres principales sopranos straussianas, como son Christine Goerke, Anja Harteros y Camilla Nylund, un hecho que subraya el significado especial de este concierto. La Staatskapelle Dresden es una agrupación orquestal alemana con sede en Dresden, que fue fundada en 1548, lo que la hace una de las más antiguas del mundo. Su sala de conciertos habitual es la Semperoper. En sus primeros años Heinrich Schütz estuvo asociado a ella y en el siglo XIX Carl Maria von Weber y Richard Wagner fueron sus directores principales. En el siglo XX Richard Strauss estuvo muy relacionado con ella como director y como compositor. También Karl Böhm y Rudolf Kempe fueron sus directores. Herbert Blomstedt fue su director musical entre 1975 y 1985. Giuseppe Sinopoli fue el director principal hasta su muerte en 2001. En agosto de 2002, Bernard Haitink tomó el puesto, hasta su repentina renuncia en 2004. En agosto de 2007 Fabio Luisi comenzó su actividad como Director Principal de la orquesta. Desde el inicio de la temporada 2012-2013 el Kapellmeister es Christian Thielemann, que es además director artístico del Festival de Pascua de Salzburg. En 2015 fue nombrado director musical del Festival de Bayreuth, puesto de nueva creación. Fue director de la Deutsche Oper Berlin y de la Filarmónica de Munich. En 2015 fue finalista en la candidatura a la dirección de la Filarmónica de Berlin. Máximo exponente actual de la tradición germana en la dirección de orquesta, continuador de Furtwängler y Karajan, es especialmente renombrado por sus interpretaciones del repertorio romántico alemán más complejo.

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Concierto: Richard Strauss Gala de aniversario Estreno 17 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Esta Gala Richard Strauss sirve para celebrar la efeméride de su 150.º aniversario en Dresden [2014], y también para celebrar en 2017 los 153 años de su nacimiento en el mes de junio. Puro deleite en las voces de Christine Goerke, Anja Harteros, Camilla Nylund, a las que acompañan la Orquesta Estatal de Dresden y Christian Thielemann, dos de las figuras actuales más trascendentes a la hora de interpretar a Strauss.

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La gran soprano estadounidense se une a la excepcional orquesta vienesa para ofrecer un

monográfico Strauss, bajo la batuta del director alemán.

Género: ópera, música clásica, música postromántica, música vocal, música sinfónica.

Intérpretes: Renée Fleming.

Director: Christian Thielemann.

Orquesta: Filarmónica de Viena.

Año: 2011.

Lugar: Grosses Festspilhaus, Salzburg.


Richard Strauss (1864-1949), compositor y director de orquesta alemán, se erigió, tras la muerte de Richard Wagner y Johannes Brahms, como el compositor alemán vivo más importante. Su ingente carrera artística abarcó casi ocho décadas en las que compuso sobre prácticamente todos los géneros musicales en boga del momento, aunque destacó

especialmente gracias a sus poemas sinfónicos –que compuso principalmente durante los

últimos años del siglo XIX– y sus óperas –estas ya en las primeras décadas del XX–. Le tocó vivir una época en la que la dualidad entre la burguesía y el artista se había vuelto cada vez más problemática, pero Strauss supo negociar el mundo del arte y la sociedad con una notable combinación de ingenuidad e ironía. Sentía cierta aversión por la metafísica de Wagner y se mostraba indiferente a las intenciones filosóficas de Gustav Mahler en la música, por lo que se preocupó en explotar las paradojas y contradicciones que se podían encontrar en la modernidad. Las nuevas posibilidades que previó para la música se

Concierto: Christian Thielemann dirige Richard Strauss Renée Fleming & Filarmónica de Viena 18 de junio 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador



ejemplifican en el eclecticismo de la ópera Der Rosenkavalier, cuya yuxtaposición de lo más puramente contemporáneo con elementos anacrónicos, creados intencionalmente, supone un pluralismo estilístico que presagia la posterior experimentación de finales del siglo XX.

En la primera parte se interpreta un repertorio puramente vocal, con acompañamiento orquestal, a la manera de Strauss más brillante. Se abre con Brefreit, Op. 39/4 [Liberado], un lied para soprano y piano acompañante compuesto por este en 1898 sobre un texto del poeta alemán Richard Dehmel. Forma parte de la colección Fünf Lieder für hohe Singstimme mit Pianofortebegleitung [Cinco canciones para voz aguda y acompañamiento de piano]. Se interpreta aquí el arreglo para soprano y orquesta que el propio Strauss realizó en 1933, que se estrenó en octubre del mismo año con el propio Strauss dirigiendo a la Filarmónica de Berlin. Continúa con Winterliebe, Op. 48/5, el lied que cierra esta colección compuesta en 1900, sobre textos de Otto Julius Bierbaum y Karl Henckell. Winterliebe habla del viaje de un amante a través de un paisaje invernal y cómo el pensamiento de su amada le ayuda a calentarse a lo largo del camino y ver a través de él. Estos cinco lieder son para voz y acompañamiento de piano, pero a excepción de uno de ellos, Strauss también proporcionó acompañamientos orquestales alternativos. Traum durch die Dämmerung [Sueño en el crepúsculo], Op. 29/1, compuesto en 1895, ahora sobre textos amorosos de Bierbaum. La obra formaba parte de una breve colección de tres canciones, que posterioremente se arregló para orquesta. Gesang der Apollopriesterin [Canto de la sacerdotisa de Apolo], Op. 33/2, lied que conforma una de las cuatro piezas de sus Vier Gësange, compuestas en 1896. Se cierra esta parte con una breve escena de Arabella, comedia lírica en tres actos sobre texto de Hugo von Hofmannsthal, estrenada en julio de 1933 en Dresden.

La segunda parte está dedicada por completo a una obra puramente orquestal, su Eine Alpensinfonie [Sinfonía alpina], Op. 64, una obra a medio camino entre la sinfonía y el poema sinfónico para gran orquesta. Es un gran ejemplo de música programática, en el que se sigue un programa narrado por el compositor; en este caso la ascensión a un pico de los Alpes bávaros y el retorno al valle. En él emplea toda la variedad cromática de la orquesta para dibujar los paisajes y además hace un notable uso del leitmotiv. Lo consideraba como su trabajo más perfecto de orquestación. Los primeros esbozos proceden de 1911, pero se terminará el 8 de febrero de 1915. Se estrenó, con la Dresdner Hofkapelle el 28 de octubre de 1915 en Berlín, dirigiéndola el propio compositor.

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Concierto: Christian Thielemann dirige Richard Strauss Renée Fleming & Filarmónica de Viena 18 de junio 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Les invitamos a entrar de lleno, una vez más, en el prestigioso Festival de Salzburg. La magnífica soprano Renée Fleming forma equipo para la ocasión con la que sigue siendo considerada como una de las mejores orquestas del mundo, la Filarmónica de Viena. Dirige el conjunto la sabia batuta de Christian Thielemann, para ofrecer un magnífico programa monográfico dedicado a Richard Strauss.

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Una de las cimas operísticas en el catálogo del compositor italiano, en una excelente

producción desde el Festival de Salzburg, bajo la dirección de Daniele Gatti.


Intérpretes: Francesco Meli, Anna Netrebko, Plácido Domingo, Marie–Nicole Lemieux, Riccardo Zanellatto, Diana Haller, Gérard Schneider, Raimundas Juzuitis, Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena; Alvis Hermanis [dirección de escena y escenografía], Eva Dessecker [vestuario] Ronny Dietrcih [dramaturgia].

Director: Daniele Gatti.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2014.

Lugar: Grosse Festpielhaus, Salzburg.


El gran Enrico Caruso llegó a afirmar en cierta ocasión: para interpretar Il Trovatore se necesitan los cuatro mejores cantantes del mundo. No parece una cita extremadamente real, aunque en cualquier caso da buena muestra de la complejidad técnica que requiere por parte del elenco protagonista. Se trata de una ópera en cuatro actos sobre texto en italiano de Salvatore Cammarano, que fue estrenada en el Teatro Apollo de Roma el 19 de enero de 1853. La idea de la composición sobre este tema, basado en el libreto en español de El trovador [1836], de Antonio García Gutiérrez, proviene del propio Giuseppe Verdi (1813–1901), quien en una misiva a Cammarano, fechada el 2 de enero de 1850, confiesa lo siguiente: el tema que me interesa en este momento y que deseo proponerle es El trovador, un drama español de Gutiérrez, se me antoja muy bello, rico en ideas y situaciones fuertes. Quisiera contar con dos papeles femeninos: el principal una gitana, una mujer de un carácter especial; ella le dará el nombre a la ópera. La otra parte será para la segunda cantante. ¡Manos a la obra! Como se puede comprobar, algunos de los

Ópera: Il trovatore Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi 18 de junio 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador



requerimientos del autor no llegaron a cumplirse, todo ello después de que, tras un largo silencio del libretista, Verdi tuviera que insistirle para realizar el trabajo.

En la obra, Verdi parece desnudar los sentimientos más crudos y extremos del hombre, precipitando a los protagonistas permanentemente a sentimientos y actitudes encontrados: amor y odio, violencia y calma, venganza y perdón, vulgaridad y refinamiento… Para algunos es probablemente su gran ópera romántica, pues en ella predomina un ambiente obscuro, un color grisáceo, plúmbeo, que no se aprecia de tal

forma en ninguna de sus óperas restantes. Segunda de sus óperas de esa supuesta trilogía –junto a Rigoletto y La traviata–, parece la más sencilla y convencional de las tres, al menos en la elección de su temática, argumento y personajes, aunque no es tan simple como puede parecer a priori. Tras sus reservas iniciales y la insistencia de Verdi, Cammarano accede a escribir el libreto, haciendo realmente un buen trabajo y una notable adaptación de este drama español de complicada historia, del que elimina algunos personajes, además de uno de los actos, y al que añade algún personaje. Sin embargo, al poeta le sorprenderá la muerte en 1852, dejando incompleto el libreto, por lo que Verdi acude a Leone Emanuele Bardare, buen amigo del difunto escritor, para completar la obra, aunque bajo la atenta supervisión del compositor italiano, que influyó de manera profunda en el resultado final.

La ópera se estrenó en 1853, logrando un éxito absolutamente descomunal, de tal manera que pasó inmediatamente a considerarse como una de las cimas de la creación verdiana y uno de los mejores ejemplos en la ópera del siglo XIX. Es una ópera de cantantes, al menos en el sentido de que la escritura vocal es muy definida y compleja, hasta tal punto que en ella se inician algunas tipologías vocales nuevas, como la soprano lírico–spinto de coloratura para el papel de Leonora. Verdi exprime de manera brillante la técnica, la tesitura, la expresividad, la proyección y el virtuosismo vocal como nadie lo había hecho antes en el siglo. A esto hay que añadir una escritura orquestal realmente refinada, repleta de imaginación y un manejo tímbrico notable, que la convierten en una obra maestra.

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Ópera: Il trovatore Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi 18 de junio 16:30 Argentina/Uruguay | 14:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Les invitamos de nuevo al Festival de Salzburg. Ahora acompañados de Giuseppe Verdi y su magna ópera Il trovatore, en una poderosa producción encabezada vocalmente por artistas de la talla de Francesco Meli, Anna Netrebko, Plácido Domingo o Marie–Nicole Lemieux. Sustenta las voces la excelsa Orquesta Filarmónica de Viena, todo ellos a las órdenes del maestro italiano Daniele Gatti. Una oportunidad fascinante de conocer una de las mejores creaciones verdianas.

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La intérprete georgiana protagoniza un excepcional recital a solas con el piano, en el que

realiza un bello recorrido desde el Barroco al siglo XX.

Género: concierto, música clásica, música barroca, música romántica, música contemporánea, piano.

Intérpretes: Khatia Buniatishvili, Gvantsa Buniatishvili.

Año: 2014.

Lugar: 2013


Khatia Buniatishvili (1987) es una joven pianista de origen georgiano, que comenzó a estudiar piano bajo la enseñanza de su madre a la edad de tres años. Dio su primer concierto con la Orquesta de Cámara en Tbilisi cuando contaba con tan solo seis. Desde los diez años ha sostenido ya una importante carrera en la que ha ofrecido conciertos en Europa, Rusia, Ucrania, Armenia, Israel y los EE.UU. Tras graduarse en la Escuela Central de Música de Tbilisi pasó a formarse en el Conservatorio Estatal de Tiflis en 2004. Buniatishvili, quien ha descrito el piano como símbolo de soledad musical, lo escogió sobre el violín a pesar de su oído absoluto. Ella y su hermana Gvansta aprendieron juntas a tocar el piano, tocando dúos en su casa desde muy pequeñas. Buniatishvili ha interpretado con grandes orquestas a nivel mundial, como la Orquesta de Paris, la Filarmónica de Los Angeles, la Orquesta Sinfónica de Viena, la Orquesta Nacional de Francia o la Orquesta Filarmonia de Londres. También ha interpretado música de cámara con músicos como Gidon Kremer y Renaud Capuçon entre otros.

Concierto: Kathia Buniatishvili Mind in the Wilderness 23 de junio 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador



En 2010 recibió el premio Borletti-Buitoni y se la incluyó en la serie documental de la BBC, Nueva Generación de Artistas. La Musikverein y Konzerthaus vienesas la nominaron como Rising Star para su temporada 2011/2012, y este último año fue galardonada con el premio de artista revelación en los premios Eco Klassik. En 2010 firmó un contrato con el sello discográfico Sony Classical, cuyo álbum de debut en 2011 marcó el 200.º aniversario del nacimiento de Franz Liszt, incluyendo alguna de sus mejores piezas. Classic FM declaró en su crítica del disco que Buniatishvili es una artista joven con enorme temperamento y técnica, que hace que uno piense en la joven Martha Argerich. A dicha grabación le siguió un álbum dedicado a Chopin en 2012, en el que combinaba obras para piano solo con su Concierto para piano nº. 2, acompañada por la Orquesta de Paris y la dirección de Paavo Järvi. The Guardian escribió al respecto: Esta es una interpretación que viene directamente del corazón de una de las más apasionantes y técnicamente dotadas jóvenes pianistas de hoy en día. En 2014, Buniatishvili lanzó su tercer álbum para Sony Classical, titulado Motherland.

Las interpretaciones de Buniatishvili han sido descritas con un aura de soledad elegante e incluso de melancolía. Es una perfecta caracterización de esta pianista con una amplia paleta expresiva. Buniatishvili posee una musicalidad natural. Fuerza de la naturaleza, espíritu libre o libertad infinita son con frecuencia los atributos con que han descrito sus interpretaciones. El bosque como un lugar de magia y peligro, como ese lugar extraño y maravilloso en el que todo puede ocurrir, es un lugar poco común y magnífico desde el que ofrecer este recital. El repertorio comprende momentos alegres, melancólicos pasajes y episodios de evocación nocturna, todos virtuosamente trasladados a través de una experiencia única con una gran calidad, repleta de intimidad y un generoso ardor. El repertorio incluye obras de algunos de los grandes compositores de la historia junto a otros menos conocidos, con obras originales o arreglos para el piano de obras de otros géneros, en un recorrido por los siguientes autores: Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Frédéric Chopin, Piotr Ilich Tchaikovsky, Johannes Brahms, Maurice Ravel, Aleksandr Skrjabin, Antonín Dvořák, Igor Stravinsky, Astor Piazzola, Claude Debussy y Giya Kancheli, algunos de los cuales es interpretado a cuatro mano con su hermana Gvansta.

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Concierto: Kathia Buniatishvili Mind in the Wilderness 23 de junio 20:00 Argentina/Uruguay | 18:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Más es menos. A veces, la música únicamente necesita de un instrumento y alguien que lo interpreta para lograr la mayor excelencia musical y conseguir emocionar por medio de una belleza magistral. Descubran la capacidad técnica y expresiva de la pianista Khatia Buniatishvili en este magnífico recital, que transita por la música de Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Frédéric Chopin, Piotr Ilich Tchaikovsky, Johannes Brahms, Maurice Ravel, Aleksandr Skrjabin, Antonín Dvořák, Igor Stravinsky, Astor Piazzola, Claude Debussy y Giya Kancheli.

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La mejor música sinfónica de Strauss de la mano de una de las mejores orquestal del mundo, combinando su repertorio más conocido con obras muy poco interpretadas.

Género: concierto, música clásica, música postromántica, orquestal, sinfónica.

Director: Mariss Jansons.

Orquesta: Royal Concertgebouw Orchestra.

Año: 2012.

Lugar: Concertgebouw Amsterdam.


Los siglos XIX y XX fueron testigos del surgimiento de una figura trascendental en el desarrollo de la música alemana. Gran figura del Postromanticismo, Richard Strauss (1864-1949) desarrolló una larga y fundamental carrera musical, que se dividió con gran éxito entre la producción operística y la puramente orquestal. Este programa presenta una interesante mixtura entre la producción más célebre de Strauss con otra menos conocida e

interpretada en el campo instrumental –aunque una de las obras proceda de su corpus

operístico–. Also sprach Zarathustra es un gran ejemplo de esa producción célebre y archiconocida. Se trata seguramente de su poema sinfónico más interpretado y conocido por el gran público, gracias en gran parte a la popularidad que su presencia en diversos filmes le ha dado. Obra en la que subyace una gran influencia del pensamiento filosófico

Concierto: Mariss Jansons dirige Richard Strauss Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam 24 de junio 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador



y casi metafísico, en el que se produce una reacción ante el pensamiento de Schopenhauer y la adopción del llevado a cabo por Nietzsche. Se trata de una obra tremendamente compleja, que se configura sobre una orquesta inmensa que juega profusamente con la variedad y contundencia del timbre y el sonido, contribuye de manera fundamental a la evolución del lenguaje sinfónico de finales del siglo XIX.

Metamorphosen supone esa vía menos conocido dentro de su producción instrumental. Compuesta en período de guerra, su escritura más delicada y reducida, en la que solo participa la sección de cuerda, no resulta por ella menos impactante, sino todo lo contrario. En esta obra se aprecia una influencia evidente de la repulsión y la desolación que la guerra le produjo. Basada en un texto de Goethe, encontramos en ellas claras alusiones paratextuales y musicales, como la cita de la marcha fúnebre de la sinfonía Eroica de Beethoven, un claro reflejo de su estado en aquel momento y de lo que está obra transmite.

Dentro de su catálogo operístico, Der Rosenkavalier ocupa un lugar preminente. Es probablemente su ópera más interesante en cuanto a lo sorprendente de la misma y a lo que supone dentro de su carrera. Con ella se produce todo un giro en cuanto a la concepción que del género tenía Strauss por aquel entonces. Tras obras como Elektra y Salome, esta Der Rosenkavalier transita por caminos prácticamente opuesto a los precedentes. Aquí abandona en cierta manera el lenguaje expresionista de las obras anteriores y se produce una evidente mirada hacia el pasado, aunque conjugado aún con elementos de la modernidad, lo que ayuda a crear una ópera realmente interesante y repleta de contenido digno de loas y alabanzas.

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Concierto: Mariss Jansons dirige Richard Strauss Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam 24 de junio 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Programa Richard Strauss a cargo de la orquesta holandesa del Royal Concertgebouw Amsterdam y su director titular, el letón Mariss Jansons. Una oportunidad magnífica de escuchar alguna de sus grandes obras, como Also sprach Zarathustra y la suite de su célebre ópera Der Rosenkavalier, pero también de obras apenas interpretadas actualmente como su Metamorphosen. Disfruten de una de los grandes talentos de la música alemana de principios del XX sin moverse de su casa.

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Una de las grandes óperas de la Italia del XIX, en una producción que le fascinará, pues cuenta con Edita Gruberova, una de las mejores Normas que se recuerdan.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Edita Gruberova, Zoran Todorovich, Roberto Scandiuzzi, Sonia Ganassi, Cynthia Jansen, Markus Herzog, Michael Kolh, Stefan Kohl; Coro de la Ópera Estatal de Baviera; Jürgen Rose [dirección de escena, escenografía, vestuario e iluminación], Peter Heilker [dramaturgia], Michael Bauer [iluminación], Jo Siska [coreografía].

Director: Friedrich Haider.

Orquesta: Orquesta Estatal de Baviera.

Año: 2006.

Lugar: Nationaltheater, Munich.


Norma es una tragedia lírica en dos actos con música de Vincenzo Bellini (1801-1835) y libreto en italiano de Felice Romani, basado en la tragedia Norma, ossia L'infanticidio, de Alexandre Soumet. La ópera tuvo su estreno en La Scala de Milán el 26 de diciembre de 1831. Se considera un ejemplo brillante y definitorio de la mejor tradición belcantista. Tras La sonnambula, se produce en Bellini un cambio de registro, con el que dio paso a la tragedia. Precisamente con Norma se ponen de manifiesto las excepcionales dotes teatrales del compositor para explorar las profundidades del drama romántico. El rol de Norma ocupa un lugar destacado entre los grandes personajes femeninos de la

Ópera: Norma

Ópera en dos actos de Vincenzo Bellini Estreno 24 de junio 16:45 Argentina/Uruguay | 14:45 Colombia/Ecuador



historia. Felice Romani realizó en su libreto profundas modificaciones respecto a la tragedia de Soumet. Los modelos de Soumet serán las figuras mitológicas de Niobe y Medea, así como Lady Macbeth de Shakespeare y la sacerdotisa de los druidas Velléda, del poema épico de Chateaubriand Les martyrs ou Le Triomphe de la religion chrétienne. Pero Romani enriqueció notablemente este mundo femenino, de por sí ya complejo, con dos aspectos importantes: el amor de la protagonista hacia Pollione y sus hijos; y el rol de Norma, una mujer de sentimientos profundos y contradictorios, al ser suma sacerdotisa y madre, además de amante abandonada y rival vengativa, todo en una misma persona. Su trágico final es consecuencia inevitable de sus conflictos emocionales y de la incompatibilidad entre el voto religioso, el deber hacia su pueblo y el amor no correspondido. Su muerte no es un castigo que se inflige a sí misma, sino una solución catártica a sus conflictos internos. En una carta datada el 1 de septiembre de 1831, Bellini escribió a la soprano Giuditta Pasta que Romani cree (que este tema) será muy efectivo, y absolutamente ideal para tu carácter enciclopédico, debido a la clase de carácter que tiene Norma. Musicalmente, Norma se caracteriza por sus melodías largas, dramáticas, muy ornamentadas e intensamente emocionales. Entre los fragmentos inolvidables de esta ópera se encuentra Casta diva, una de las arias de soprano más conocida de toda la historia de la música.

Una de las características del Romanticismo es la vuelta a la historia. Pero esta vez en vez no a la Antigüedad Clásica o al Renacimiento, sino a la Edad Media o a las tradiciones de los pueblos prerromanos. Dicha circunstancia hace que durante el primer tercio del siglo XIX se ponga de moda las novelas ambientadas en la Galia o en otros pueblos prerromanos, considerados como los verdaderos orígenes distintivos del nuevo nacionalismo emergente en la sociedad. Así, Alexandre Soumet se inspirará en antiguas leyendas de estos pueblos. Concretamente en la leyenda Celta en donde los druidas

veneraban un árbol [Ydraggsil] –el mismo al que hace referencia Wagner en el Anillo del

Nibelungo–. La complejidad del rol de Norma es doble, vocal y psicológica, por lo que ha hecho que solo las verdaderamente grandes sopranos de la historia hayan podido afrontar el papel con la suficiente dignidad. Norma sigue siendo una de las óperas más populares, apareciendo en las estadísticas de Operabase como la n.º 38 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 20.ª en Italia y la primera de Bellini.

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Ópera: Norma Ópera en dos actos de Vincenzo Bellini Estreno 24 de junio 16:45 Argentina/Uruguay | 14:45 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Norma es sin duda una de las grandes óperas del compositor italiano Vicenzo Bellini. Llega aquí en esta magnífica producción alemana, con un excepcional elenco vocal conformado por Edita Gruberova, Zoran Todorovich, Roberto Scandiuzzi, Sonia Ganassi, Cynthia Jansen, Markus Herzog, Michael Kolh, Stefan Kohl, al que acompaña el Coro de la Ópera Estatal de Baviera, la Orquesta Estatal de Baviera y la dirección escénica de Jürgen Rose y la musical de Friedrch Haider.

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La más célebre ópera de Giordano en la impresionante producción del Festival de Bregenz,

que les dejará pegados al asiento.

Género: ópera, música clásica, música romántica, verismo.

Intérpretes: Héctor Sandoval, Scott Hendricks, Norma Fantini, Tania Kross, Rosalind Plowright, Tobias Hächler, Bengt-Ola Morgny, Peter Bronder, David Stout, Wieland Satter, Richard Angas, Giulio Mastrototaro; Coro del Festival de Bregenz, Coro Filarmónico de Praga; Keith Warner [dirección de escena], David Fielding [escenografía], Constance Hoffman [vestuario], Davy Cunningham [iluminación], Lynne Page [coreografía].

Director: Ulf Schirmer.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de Viena.

Año: 2011.

Lugar: Festspielhaus, Bregenz.


Andrea Chénier es un drama histórico en cuatro actos de Umberto Giordano (1867-1948) y libreto en italiano de Luigi Illica, para el que se basó de manera libre en la vida del poeta francés André Chénier, que fue ejecutado durante la Revolución Francesa. Es una ópera de corte verista, cuyo estreno tuvo lugar en La Scala de Milano el 28 de marzo de 1896. Es sin duda la ópera más famosa de Giordano, la que se ha conservado en el repertorio hasta hoy día, quizá junto a su otra ópera Fedora. Durante la primera mitad del siglo XX fue interpretada con cierta frecuencia y entró en el repertorio operístico estándar.

Ópera: Andrea Chénier Ópera en cuatro actos de Umberto Giordano 24 de junio 20:45 Argentina/Uruguay | 18:45 Colombia/Ecuador



Una de las razones que contribuyó a su popularidad fue la espléndida música lírico-dramática del tenor principal, que provee a un cantante con talento muchas oportunidades para lucirse en escena. En las estadísticas de Operabase aparece como n.º 86 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 34.ª en italiano y la única que aparece de Giordano. Cuando compuso Andrea Chénier a los 27 años, Giordano era un desconocido. Tras su

estreno era ya un hombre célebre. Lo siguió siendo hasta su muerte, a pesar de que –como

sucedió con Mascagni y Leoncavallo– no volvió a tener un éxito como ese. Luigi Illica, uno de los grandes libretistas de Puccini, creó con gran sapiencia escénica un libreto operístico con fondo histórico. Su estilo corresponde al naturalismo temprano y en algunos destellos se le puede considerar como un predecesor de Tosca. El gran valor del libreto se encuentra en sus personajes realmente logrados y bien caracterizados, además de en su dramatismo auténtico y sus rasgos poéticos. Giordano consigue adaptar el texto con notable efectividad, pues en los instantes de mayor tensión, su talento innegable se despliega para

crear melodías expresivas y conmovedoras. No siempre se muestra inspirado al 100% –algo que se podría reprochar a muchos compositores de óperas de éxito, sobre todo de la

época del verismo–, pero la obra a nivel global es realmente intensa y conmovedora.

Giordano nació en Foggia, una localidad cercana a Napoli, un 27 de agosto de 1867. Tras formarse musicalmente desde joven, decidió entonces dedicarse a componer óperas, en un momento en el que en los teatros italianos dominaba la corriente del naturalismo, lo que en la ópera se suele denominar como verismo. No es otra cosa que la representación de la vida real con toda su crueldad y dureza, algo que otros operistas italianos del momento hicieron con verdadera maestría. Giordano logró con su tercera ópera, este Andrea Chénier, un éxito sensacional. No obstante, nunca más pudo repetir dicho triunfo con ninguna otra obra. Algunas de sus otras óperas de cierta importancia, como Fedora (1898), Siberia (1903), Madame Sans-Géne (1915) y La cena delle beffe (1924) estuvieron en cartel durante un período limitado y nunca se trasladaron fuera de las fronteras de su país natal. Gracias a Andrea Chénier y Fedora, ocasionalmente recuperada, el nombre de Giordano se mantiene junto al de sus colegas veristas Puccini, Leoncavallo y Mascagni.

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Ópera: Andrea Chénier Ópera en cuatro actos de Umberto Giordano 24 de junio 20:45 Argentina/Uruguay | 18:45 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Umberto Giordano ha pasado a la historia de la música unido de manera indefectible a una de sus obras. Se trata precisamente de su ópera Andrea Chénier, que les invitamos a disfrutar en esta producción absolutamente fascinante del Festival de Bregenz, que siempre logra sorprender. Al coro del festival y al Filarmónico de Praga se une la Orquesta Sinfónica de Viena, bajo la dirección de Ulf Schirmer, para acompañar a un elenco protagonizado por Héctor Sandoval, Scott Hendricks, Norma Fantini y Tania Kross.

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Una magnífica unión entre música clásica, jazz y música tradicional árabe. Toda una experiencia para disfrutar de la mano de talentosos intérpretes.

Género: concierto, música clásica, world music, jazz, música tradicional, música oriental.

Intérpretes: Jasser Haj Youssef, Marc Buronfosse, Keyvan Chemirani; Les Musiciens du Louvre Grenoble: Pablo Gutierrez, Bérénice Lavigne, Joël Oechslin, Frédéric Baldassare.

Año: 2015.

Lugar: Espace culturel Odyssée, Eybens.


Jasser Haj Youssef (1980) es un compositor, violista y violinista tunecino, tanto de música árabe como de jazz, aunque también realiza incursiones en el ámbito de la música clásica. Desde los catorce años comparte escenario con grandes artistas de su país natal como Choubeila Rashid, Salah Al-Mahdi, Safia Chamia y la Orquesta Sinfónica de Túnez. Su dominio del árabe clásico, del repertorio tradicional y de la teoría musical le convierte en uno de los más brillantes representantes de la nueva generación de músicos árabes. Su estilo revela un cierto eclecticismo que también utiliza tocando con Barbara Hendricks, Youssou N'Dour, Sor Marie Keyrouz y Miguel Ángel Estrella. La influencia del jazz se pone de manifiesto especialmente en su trabajo con la improvisación, siempre inspirado en grandes músicos. Ha tocado con Didier Lockwood, Mario Canonge, Khalil Chahine y Karim Ziad. Este instrumentista de formación musical superior es también titular de un primer

World: Jasser Haj Youssef & Les Musiciens du Louvre Grenoble Estreno 25 de junio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



premio de música árabe y compone para cine, además de colaborar con el director de escena Simona Morini en la Sposa Persiana, de Carlo Goldoni. Como investigador en la Universidad de París 8 y a la Universidad de Túnez, Jasser Haj Youssef se interesa por la fusión entre el jazz y las músicas árabes, basándose en la teoría de las ambos tipos de música tienen como punto común la música improvisada. Jasser imparte regularmente clases y conferencias en distintos países. Fundado por Marc Minkowski en 1982, el ensemble Les Musiciens du Louvre en principio tuvo su sede en París. Desde 1987 se ha impuesto en el escenario europeo como uno de los mejores conjuntos en el ámbito de la música barroca y clásica con criterios historicistas. Desde 1996 el conjunto esta en residencia en Grenoble, donde se une con el conjunto instrumental de la ciudad y toma su nombre actual: Les Musiciens du Louvre Grenoble. MdLG se inscriben en el renacimiento en Francia de la música barroca y, más concretamente, en la práctica de la música interpretada con instrumentos y estilo de cada época. El objetivo de Les Musiciens du Louvre-Grenoble es ofrecer una reinterpretación progresiva del repertorio sinfónico y operístico que transite desde el barroco a la música contemporánea, y devolver a la programación a algunas de las obras que han sido abandonados por razones poco claras o injustificadas. Este proyecto hace de les Musiciens du Louvre-Grenoble uno de los conjuntos más evolutivos, inventivos y originales del mundo. El conjunto destaca por su relectura de obras de Georg Friedrich Händel, Henry Purcell y Jean-Philippe Rameau, pero también de Franz Joseph Haydn y Wolfgang Amadeuz Mozart. Este camino conduce, naturalmente, a acercarse a los repertorios posteriores, con predilección por la música francesa del siglo XIX. Comenzando con la integral de las sinfonías de Franz Schubert, también han participado en proyectos alrededor de Hector Berlioz y de Jacques Offenbach, pero también de Georges Bizet y Gabriel Fauré. Considerada una de las mejores orquestas del mundo por el diario británico The Guardian, el grupo aborda proyectos en una amplia variedad de repertorio que va desde Claudio Monteverdi a Igor Stravinsky. En el presente recital se muestra una significativa muestra de la unión de estos talentos, con distintos puntos de influencia en sus carreras, pero un mismo interés por la interpretación de repertorios pocos transitados y el disfrute de la práctica musical. Se

interpretan obras del propio Jasser Haj Youssef –que además interpreta el violín, la viola

y la viola d’amore–, composiciones que beben de la tradición de su país natal, pero que se combinan con piezas del repertorio medieval italiano, e incluso con extractos de El arte de la fuga, de Johann Sebastian Bach.

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World: Jasser Haj Youssef & Les Musiciens du Louvre Grenoble Estreno 25 de junio 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: En ocasiones las líneas entre la música llamada clásica y otros ámbitos, como el del jazz o la música tradicional de procedencia oriental, son realmente finas. Les invitamos a comprobarlo disfrutando de esta mixtura entre Jasser Haj Youssef y Les Musiciens du Louvre Grenoble, en un programa variado y fascinante, dentro del Festival Détours de Babel – Grenoble, que no les defraudará.

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Destacados de Programación Junio 2017 -...

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