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Allegro HD – Destacados de Programación – Marzo 2017

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Destacados de Programación – Marzo 2017



Destacados de Programación Marzo 2017

CONCIERTO – Gala Kálmán – Estreno 4 de marzo – Pág. 3

CONCIERTO – Anne-Sophie Mutter con André Previn y Lynn Harrell: Trío

n.º 1 de Felix Mendelssohn – Estreno 5 de marzo – Pág. 5

CONCIERTO – Andris Nelsons & Yefim Brofman en el Festival de Lucerna – Estreno 11 de marzo – Pág. 7

DOCUMENTAL – Barenboim en Beethoven: Nueve sinfonías que cambiaron

el mundo – Estreno 12 de marzo – Pág. 9

CONCIERTO – Murray Perahia en vivo en Varsovia – 17 de marzo – Pág. 11

Aniversario Rimsky-Korsakov CONCIERTO – Scheherazade Op. 35, Orquesta Filarmónica de San

Petersburgo – 18 de marzo – Pág. 13 ÓPERA – La novia del zar, ópera en cuatro actos de Nikolai Rimsky-

Korsakov – 18 de marzo – Pág. 15

DOCUMENTAL – Kiri Te Kanawa: Mi mundo de la ópera – Estreno 18 de marzo – Pág. 17

ÓPERA – Madama Butterfly, ópera en tres actos de Giacomo Puccini –

Estreno 19 de marzo – Pág. 19

CONCIERTO – Bad Boys, con Bryn Terfel – Estreno 25 de marzo – Pág. 21

Aniversario Pierre Boulez CONCIERTO – Celebración Liszt: Pierre Boulez, Daniel Barenboim &

Orquesta Estatal de Berlin – 26 de marzo – Pág. 23 CONCIERTO – Pierre Boulez: concierto de apertura del Festival de

Salzburg – 26 de marzo – Pág. 25 CONCIERTO – Homenaje a Pierre Boulez en sus 85 años – 26 de marzo –

Pág. 27

ÓPERA – El rapto en el serrallo, ópera en tres actos de Wolfgang Amadeus Mozart – Estreno 26 de marzo – Pág. 29



Uno de los grandes autores de la opereta, en esta velada desde Dresden repleta de

grandes artistas.

Género: concierto, opereta, música clásica, música romántica.

Intérpretes: Ingeborg Schöpf, Piotr Beczala; Sächsischer Staatsopernchor; Semperoper Ballett.

Director: Christian Thielemann.

Orquesta: Staatskapelle Dresden.

Año: 2013.

Lugar: Sumperoper, Dresden.

Duración: 109 minutos.

Emmerich Kálmán (1882-1953) fue un compositor húngaro nacido en Siofok –en la orilla

sur del lago Balatón–, en el seno de una familia judía. Inicialmente estaba destinado a convertirse en pianista, pero debido a la aparición temprana de artritis se centró en la composición. Estudió teoría musical y composición en la Academia de Música de Budapest, donde fue compañero de estudios de autores de gran importancia, como Béla Bartók, Zoltán Kodály y Hans Kössler. Si bien sus primeros poemas sinfónicos fueron bien recibidos, no logró que llegasen a publicarse. Sin embargo, la popularidad de sus canciones de cabaret humorístico lo llevó hacia la composición de operetas. Su primer gran éxito fue Ein Herbstmanöver [Una maniobra de otoño], estrenada el 22 de febrero de 1908 en el Lustspiel theater de Budapest. Posteriormente se trasladó a Viena, donde alcanzó fama mundial mediante la composición de sus operetas, con títulos como Der Zigeunerprimas [Primado de los gitanos], Csárdásfürstin [Princesa gitana], Mariza Gräfin [La condesa Maritza) y Zirkusprinzessin [La princesa del circo]. Kálmán y Franz Lehár fueron los principales compositores de lo que se ha llamado la Edad de Plata de la opereta vienesa

Concierto: Gala Kálmán Estreno 4 de marzo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



en el primer cuarto del pasado siglo, género que llevaron a su máximo apogeo gracias a su

fusión de vals de Viena con las csardas húngaras –ese lenguaje gitano que entonces se

creía que era típicamente húngaro–. Polifónica y melódicamente Kálmán era un devoto seguidor de Giacomo Puccini, mientras que en los métodos de su orquestación empleó los principios característicos de la música de Piotr Ilich Tchaikovsky. A pesar de su origen judío fue uno de los compositores favoritos de Adolf Hitler. Después del Anschluss rechazó la oferta de Hitler para convertirse en un ario honorario y se vio obligado a trasladarse primero a París y luego a los Estados Unidos, estableciéndose finalmente en California en 1940. Tras emigrar, las representaciones de sus obras fueron prohibidas en la Alemania nazi. Emigró de nuevo a Viena desde Nueva York en 1949 antes de trasladarse en 1951 a París, donde murió.

Con este Concierto de Gala desde la Semperoper de Dresden, Christian Thielemann da testimonio elocuente por un de sus amores tempranos, la opereta, pues desde el comienzo de su carrera como director ha sentido fascinación por este género. Una y otra vez ha trazado líneas paralelas entre el peso pesado Richard Wagner y las obras más ligeras, con el objetivo principal de demostrar las habilidades que se adquieren dirigiendo operetas: Cualquiera que pueda dirigir La viuda alegre no tendrá ningún problema con Lohengrin. Para esta gala centra su atención al contemporáneo de Lehár, Emmerich Kálmán, encontrando dos socios entusiastas en las voces de Ingeborg Schöpf, la soprano líder del Dresden State Operetta Company, y el tenor internacionalmente aclamado Piotr Beczala, aplaudido frenéticamente por la audiencia en sus numerosas actuaciones. Se unen al Coro de la Ópera Estatal de Dresde y el Ballet de la Ópera de Dresde, bailando en los hermosos interiores de la Semperoper.

En el presente recital de gala se interpretan pasajes de algunas de sus más afamadas obras, como Die Csárdásfürstin [1915[, Gräfin Mariza [1924] y Die Zirkusprinzessin [1926], así como arias de obras menos conocidas y raramente realizadas. Uno de los primeros éxitos del compositor, Der Zigeunerprimas [1913], celebró además su 100.º aniversario en Dresde, pues fue estrenada en el Residenztheater de la ciudad, dirigida por el propio Kálmán.

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Concierto: Gala Kálmán Estreno 4 de marzo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Emmerich Kálmán ha alcanzado, con todo el merecimiento, uno de los puestos privilegiados en la historia como creador de operetas. Su estilo particular, magnífica mezcla de lenguajes, lo convirtió en una referente. La Semperoper Dresden y Christian Thielemann le rinde tributo, acompañados por las voces de Ingeborg Schöpf, Piotr Beczala, además del Sächsischer Staatsopernchor y el Semperoper Ballett.

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Un trío absolutamente único para interpretar una de las grandes obras de cámara del

magnífico compositor alemán.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música de cámara, violín, piano, violonchelo.

Intérpretes: Anne-Sophie Mutter, André Previn, Lynn Harrell.

Año: 2008.

Lugar: Musikverein [Sala Brahms], Wien.


Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847) es uno de los prodigios más dotados y versátiles de su tiempo, situándose en la vanguardia de la música alemana durante los años 1830 y 1840 como director de orquesta, pianista, organista y, sobre todo, compositor. Su estilo musical, completamente desarrollado antes de cumplir los veinte años, se basó en una variedad de influencias, incluyendo el complejo contrapunto cromático de Johann Sebastian Bach, la claridad formal y gracia de Wolfgang Amadeus Mozart y la fuerza dramática de Ludwig van Beethoven y Carl Maria von Weber. El resurgimiento de Mendelssohn en el primer rango de los compositores alemanes del siglo XIX coincidió con los esfuerzos de los historiógrafos musicales por desarrollar el concepto de una dialéctica clásico-romántica en la música de los siglos XVIII y XIX. En gran medida, su música refleja una tensión fundamental entre el Clasicismo y el Romanticismo en la

Concierto: Trío n.º 1 en Re mayor de Felix Mendelssohn Anne-Sophie Mutter con André Previn y Lynn Harrell Estreno 11 de marzo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



generación de compositores alemanes después de Beethoven, que supo llevar a cabo en mucho de los grandes géneros del momento, especialmente en la música puramente instrumental, además de en el tratamiento vocal, sobremanera en la escritura coral.

Siendo un niño Mendelssohn ya demostraba ser un prodigio al piano y el violín. Junto con su hermana Fanny fue a Paris a estudiar la obra de Mozart y Bach, los dos compositores que tuvieron una mayor y más duradera influencia en él. En muchas de sus obras se muestra su inclinación por la lógica clásica, la forma y la elegancia sobre las herramientas más habituales del período romántico. Su Trío para violín, violonchelo y piano n.º 1 en Re menor, Op. 49, fue terminado el 23 de septiembre de 1839 y publicado el año siguiente. El trabajo se concibe para trío de piano estándar. Este trío es una de las obras de cámara más populares de Mendelssohn y es reconocido como uno de sus mayores trabajos. Durante la composición inicial de la obra Mendelssohn tomó el consejo de un colega compositor, Ferdinand Hiller, y revisó la parte de piano. La versión revisada posee un estilo más romántico, Schumannesque, con el piano obteniendo un papel más importante en el trío. De hecho, esta revisión fue a su vez fue revisada por el propio Schumann, quien declaró a Mendelssohn como el Mozart del siglo XIX, el más iluminador de los músicos.

Está interpretada por tres de las grandes figuras de las últimas décadas. André Previn es pianista, director y compositor estadounidense de origen alemán, formado en los conservatorios de Berlín y París, que comenzó su carrera musical como pianista de jazz y pasó más tarde a componer bandas sonoras en Hollywood. Después desarrolló una intensa labor en la Metro Goldwyn y en otros estudios. Recibió cuatro Oscar de la Academia por sus bandas sonoras. A la par se convirtió en un pianista notable de música clásica y de jazz, a la vez que comenzaba a dirigir. Anne-Sophie Mutter, por su parte, se dio a conocer a la edad de 13 años de la mano de Herbert von Karajan. Es una artista del máximo nivel mundial, que ha tocado y grabado con los mejores directores y las mejores orquestas. A pesar de su temprano éxito ha sabido desarrollar una carrera en la que ha ido poniéndose metas artísticas y retos personales cada vez más exigentes. Su discografía está plagada de magníficas versiones de las grandes obras del repertorio, desde Mozart hasta compositores del siglo XX. Lynn Harrell se formó en algunas de las grandes escuelas estadounidenses [Juilliard], haciendo se debut con la Filarmónica de New York en 1961. Ha sido violonchelo principal de algunas de las mejores orquestas del panorama [Cleveland] y profesor en centros de la importancia del Royal Academy of Music [London].

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Concierto: Trío n.º 1 en Re mayor de Felix Mendelssohn Anne-Sophie Mutter con André Previn y Lynn Harrell Estreno 11 de marzo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Dos generaciones de grandes intérpretes se une en este magnífico recital, para interpretar una magnífica obra camerística de Felix Mendelssohn. Le invitamos a deleitarse con la el talento puro de Anne-Sophie Mutter, André Previn y Lynn Harrell en este breve recital que les dejará con la boca abierta. Un lujo a su alcance como nunca antes ha visto.

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Estos dos magníficos artistas lideran a la extraordinaria Orquesta del Concertgebouw de

Amsterdam en este programa dedicado a Beethoven y Rimsky–Korsakov.

Género: concierto, música clásica, música romántica, piano.

Intérpretes: Yefim Brofman.

Director: Andris Nelsons.

Orquesta: Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam.

Año: 2011.

Lugar: KKL Luzern.


El programa se abre con una pieza puramente orquestal del genial Ludwig van Beethoven (1770-1827): la obertura de Las Ruina de Atenas, Op. 113. La obra completa se encaja dentro del género de la música incidental. En 1811 Beethoven escribió una obertura y música incidental para esta obra de August von Kotzebue, llamada Las Ruinas de Atenas, que tuvo su estrenó en Budapest en 1812.

La obra central del programa es el Concierto para piano n.º 5 en Mi bemol mayor, Op. 73, conocido popularmente como Emperador. Fue compuesto entre 1809 y 1811 en Viena y está dedicado a Rodolfo de Austria, protector y pupilo de Beethoven. Fue estrenado el 28 de noviembre de 1811 en la Gewandhaus de Leipzig. En 1812 Carl Czerny, alumno del compositor, estrenó la obra en Viena. Es un concierto estructurado en tres movimientos, con la habitual plantilla orquestal del momento. Se trata de su último concierto para

Concierto: Andris Nelsons & Yefim Bronfman en el Festival de Lucerna Estreno 11 de marzo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



piano y también del más conocido. Es una obra madura en la que se aprecian importantes innovaciones románticas. Pertenece a su período medio, una fase de crisis en que su creciente sordera le lleva a obras épicas y que reflejan su lucha interior. Formalmente dista poco de sus homónimos clásicos. Los dos últimos movimientos se interpretan sin solución de continuidad y, dada la gran longitud del primero, consigue crear la ilusión de dos partes iguales en duración. Se observa en él la inmensa capacidad de desarrollo del maestro: partiendo de motivos musicales sencillos era capaz de generar piezas musicales de gran tamaño y densidad.

Scheherazade de Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908), es una obra compuesta en 1888 y considerada la obra más popular del compositor ruso. Está divida en cuatro movimientos basados en las cuatro historias que Rimsky-Korsakov seleccionó a partir de la famosa recopilación medieval que narra la historia del sultán Shahriar, quien tras haber sido traicionado por su primera esposa juró asesinar a cada una de las siguientes después de la primera noche de bodas. Sheherazade, hija del visir de Shahriar, mantiene su interés despierto con los relatos que le narra durante mil y una noches y logra que posponga su ejecución día tras día hasta que, finalmente, el sultán abandona su cruel propósito. La obra resulta una exquisita mixtura entre dos de las principales características de la música rusa del momento: por un lado una orquestación que rebosa colorido y que es tratada de manera brillante; y por otro el gusto por temas orientalizantes, tan de moda en la Rusia Imperial. En un comienzo los nombres de los cuatro movimientos se iban a reducir a indicaciones someras, aunque posteriormente cambió de idea y decidió asignar títulos que basaban en vagas descripciones de las historias, con el fin de no asociar de manera muy fuerte la música a un posible programa. Finalmente decidió eliminar los nombres y mantener únicamente las indicaciones de tempo y carácter, aunque posteriormente se han recuperado los nombres originales. La obra utiliza de manera consciente algunos motivos que son utilizados para representar a personajes concretos a lo largo de la misma.

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Concierto: Andris Nelsons & Yefim Bronfman en el Festival de Lucerna Estreno 11 de marzo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Puro deleite de la mano del pianista Yefim Bronfman y la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, bajo la dirección de Andris Nelsons. Interpretan tres excepcionales obras del repertorio de Ludwig van Beethoven y Nikolai Rimsky-Korsakov, que incluyen el magistral Concierto para piano n.º 5, Emperador, del autor alemán, y Scheherazade Op. 35 del ruso.

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Espectáculo documental que narra la visión del gran Daniel Barenboim en su integral de las

sinfonías beethovenianas junto a West-Eastern Divan Orchestra.

Género: documental, música clásica, música romántica, música sinfónica.

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: West-Eastern Divan Orchestra.

Año: 2012.

Sin duda, la integral de las nueve sinfonías de Ludwig van Beethoven (1770-1827) es un acontecimiento fundamental en el desarrollo del género sinfónico en su historia. La sinfonía, que había nacido en el Barroco como un género consustancial a la ópera, se fue desarrollando a partir de ahí como género independiente, alcanzando una trascendencia y una significación mucho mayor y totalmente distinta a aquella. Durante el Clasicismo se erigió como el género que ha llegado hasta la actualidad, alcanzo en la figuras de Franz

Joseph Haydn –considerado como padre del género– y Wolfgang Amadeus Mozart a sus máximos representantes en aquel momento. Después llegaría la figura de Beethoven, que, a pesar de componer un número mucho menor de obras que los dos anteriores, llevó el género hacia su máximo apogeo en el nuevo estilo del Romanticismo. Sus nueve sinfonías son un dechado de su capacidad compositiva, de su lenguaje, además de una exquisita muestra de su evolución creadora. Con sus sinfonías se inicia el desarrollo de una visión

Documental: Barenboim en Beethoven Nueve sinfonías que cambiaron el mundo Estreno 12 de marzo 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador



sinfónica, que será continuada por Brahms, Mendelssohn, Schumann, Bruckner, hasta desembocar en Mahler.

El presente documental, que lleva por elocuente título Barenboim en Beethoven: nueve sinfonías que cambiaron el mundo, es la plasmación de la aventura que, a lo largo de tres años, llevó a Daniel Barenboim y a su orquesta, West–Eastern Divan Orchestra, a recorrer el mundo con las nueve sinfonías de Beethoven. El cineasta Michael Waldman se unió a los ensayos del conjunto en España y a la gira a Corea del Sur y China para producir este documental, singularmente atractivo, sobre la interpretación y actuaciones musicales, así como sobre los pensamientos y sentimientos de los músicos sobre Beethoven y Barenboim. La gira culmina con una interpretación especial de la Novena Sinfonía, la sinfonía que se ha convertido en el símbolo musical de la libertad, en la frontera entre Corea del Norte y Corea del Sur.

El proyecto West-Eastern Divan fue concebido en 1999 por las mentes de dos artistas e intelectuales de primer orden a nivel mundial: el pianista y director de orquesta argentino-israelí Daniel Barenboim y el intelectual palestino Edward Said. Ambos creyeron en un proyecto que supusiera la creación de un taller para jóvenes músicos de Israel y otros países de Oriente Medio que facilitara el estudio y el desarrollo musical, además de la posibilidad de compartir el conocimiento y la comprensión entre culturas que han sido tradicionalmente rivales. Aquí, los músicos asistentes mejoran su nivel musical mientras conviven con jóvenes de países que pueden estar en situaciones de conflicto con el suyo propio. La base de la orquesta la componen músicos árabes e israelíes acompañados de músicos españoles. Sus primeros pasos los dieron entre Weimar y Chicago hasta que en 2002 se establecieron definitivamente en Sevilla gracias al apoyo de la Junta de Andalucía. Pero este no es únicamente un proyecto musical, sino quizá por encima de ello, un foro para el diálogo y la reflexión sobre el problema palestino-israelí. Gracias a todos los contactos interculturales que allí se realizan, el proyecto aspira a representar un importante papel en la superación de diferencias políticas y culturales entre los países representados en el taller.

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Documental: Barenboim en Beethoven Nueve sinfonías que cambiaron el mundo Estreno 12 de marzo 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La unión de Daniel Barenboim con la obra de Ludwig van Beethoven conoce una simbiosis especial. No solo destaca el gran artista en su obra para piano, sino que como director son célebres sus magníficas versiones de las obras orquestales del alemán, especialmente de sus sinfonías. Este documental desentraña la visión de los intérpretes sobre tan extraordinario legado artístico, aunando momentos de ensayos y conciertos en su gira al frente de la West–Eastern Divan Orchestra.

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El gran pianista estadounidense ofrece un esplendoroso recital en el que da lo mejor de sí

ante tres de los mayores genios de la historia.

Género: concierto, música clásica, música barroca, música romántica, música instrumental, piano.

Intérpretes: Murray Perahia.

Año: 2011.

Lugar: Philharmonic Concert Hall, Varsovia.


Murray Perahia (1947) es uno de los mejores pianistas de las últimas décadas. Nacido en New York en el seno de una familia de origen sefardí, comenzó a tocar el piano a la edad de cuatro años, aunque no se dedicó a ello de manera permanente y seria hasta los 15 años. Cuando tenía 17 ingresó en el Mannes College of Music donde estudió piano, dirección y composición con su profesor y mentor Mieczysław Horszowski. Ya ese mismo verano acudió al Marlboro Music School & Festival, donde se formó con Rudolf Serkin y Pau Casals, entre otros grandes artistas. En 1972 fue el primer estadounidense en conseguir el primer premio del Leeds International Pianoforte Competition, lo que sin duda le ayudó a reforzar e impulsar su carrera como solista y una de las grandes promesas del instrumento. Fanny Waterman comenta como anécdota que el propio Horszowski le llamó previamente para anunciarle que iba a inscribir al ganador. En 1973 tuvo el honor de trabajar junto a Benjamin Britten y Peter Pears en el Festival de Aldeburgh, pasando

Concierto: Murray Perahia en vivo en Varsovia Interpreta Bach, Beethoven & Chopin 17 de marzo 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



posteriormente a ser codirector artístico de dicho Festival entre 1983 a 1989. Guardó también una estrecha amistad con Vladimir Horowitz, otros de los grandes pianistas del pasado siglo, quien tuvo una gran influencia sobre su carrera pianística. Su primer gran proyecto fue la grabación completa de los Conciertos para piano de Wolfgang Amadeus Mozart, que el mismo dirigió desde el piano a la English Chamber Orchestra. Otro de sus hitos discográficos es la integral de conciertos para piano de Ludwig van Beethoven con Bernard Haitink y la Orquesta Real del Concertgebouw. La carrera de Perahia se ha visto permanente afectada por problemas de salud. En 1990 sufrió un corte en su dedo pulgar derecho que se le complicó posteriormente. En 1992 sufrió una anomalía de los huesos de su mano que le causaron una inflamación, por lo que tuvo que dejar de tocar el piano por unos años y someterse a varias operaciones, años en los que afirmó que el estudio de la música de Johann Sebastian Bach había sido su consuelo. Después de recuperarse completamente produjo a finales de la década de los 90 una serie de grabaciones sobre las obras para piano de Bach que fueron muy premiadas y valoradas. A partir de entonces se ha detenido también en la obra de Frédéric Chopin y las últimas sonatas para piano de Franz Schubert. Además de su carrera como solista es un activo músico de cámara y ha actuado con Cuarteto Guarneri y Cuarteto de Budapest. También es el director invitado principal de la orquesta de la Academy of St. Martin in the Fields. En 2004 fue nombrado Caballero Comandante honorífico de la Orden del Imperio Británico por la reina Isabel II. A principios del año 2005 volvió a tener problemas con su mano, al igual que en 2006 y 2008.

En el presente concierto hace un recorrido por algunos de los máximos exponentes de la música para teclado en la historia. Comienza en el Barroco, de la mano de Johann

Sebastian Bach (1685-1750), de quien interpreta su Partita n.º 6 en Mi menor, BWV 830 –a

pesar de que Bach la compuso para otro instrumento de teclado de su época, el clave–. Prosigue con Ludwig van Beethoven (1770-1827) y su Sonata n.º 30 en Mi mayor, Op. 109. Completa la magnífica velada con una serie de obras de Frédéric Chopin (1810-1849): Ballade n.º. 3 en La bemol mayor, Op. 47; Estudio Op. 25, n.º 1 y 5; Estudio Op. 10, n.º 4; Mazurka Op. 50, n.º 3; Mazurka Op. 59, n.º 3. Tres de los autores que mejor conoce y a los que más atención ha prestado a lo largo de los años, de quien se le puede considerar un especialista. Sin duda una oportunidad fabulosa para observar con todo detalle las interpretaciones del maestro, con la mayor calidad audiovisual y con los detalles de cada obra como nunca antes ha visto, gracias a nuestros subtítulos exclusivos.

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Concierto: Murray Perahia en vivo en Varsovia Interpreta Bach, Beethoven & Chopin 17 de marzo 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Murray Perahia es aclamado, desde hace varias décadas, como uno de los mejores pianistas del siglo XX. A través de sus brillantes y expresivas interpretaciones de algunas exquisitas obras de Johann Sebastian Bach, Ludwig van Beethoven y Frédéric Chopin, podrán comprobar el porqué. Una velada de lujo para no moverse del sillón.

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Una jornada en la Scheherazade de Las Mil y Una Noches, con Rimsky-Korsakov y la

batuta del gran director Yuri Temirkanov.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música sinfónica.

Director: Yuri Temirkanov.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de San Petersburgo.

Año: 2013.

Lugar: Iglesia de Santa Bernadette, Annecy.


El Festival de Annecy es ya un evento de gran importancia en el panorama cultural internacional. En la edición del año 2013 del Festival, La Orquesta Filarmónica de San Petersburgo une fuerzas con su icónico director, Yuri Temirkanov, para conducirnos con Scheherazade a una jornada de Las Mil y Una Noches, llena de magia, sabores exóticos y colores orientales.

Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908) fue el miembro mejor preparado desde el punto de vista técnico del llamado Grupo de los Cinco, a pesar que al igual de sus compañeros, Balakirev, Borodin, Cui y Mussorgski, su entrega a la música no fuera en sus inicios profesional. Como los demás músicos de su generación, buscaba plasmar en sus óperas un

Concierto: Scheherazade Op. 35, de Nikolai Rimsky-Korsakov Orquesta Filarmónica de San Petersburgo & Yuri Temirkanov 18 de marzo 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador



carácter más auténticamente ruso en los temas y la música que sus predecesores. Parte de personajes de la poesía popular, de viejos cuentos, de ritos eslavos, de temas legendarios fantásticos y del romanticismo de Oriente y trata la ópera con gran variedad de estilos y riqueza musical. Pero también se ocupa de temas en los que la tendencia política se manifiesta claramente. Su dominio de la orquestación es quizá el elemento más destacado dentro de su marcado estilo, que fue muy respetado por sus coetáneos rusos, e incluso por otros compositores europeos.

Scheherazade de Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908), es una obra compuesta en 1888 y considerada la obra más popular del compositor ruso. Está divida en cuatro movimientos basados en las cuatro historias que Rimsky-Korsakov seleccionó a partir de la famosa recopilación medieval que narra la historia del sultán Shahriar, quien tras haber sido traicionado por su primera esposa juró asesinar a cada una de las siguientes después de la primera noche de bodas. Sheherazade, hija del visir de Shahriar, mantiene su interés despierto con los relatos que le narra durante mil y una noches y logra que posponga su ejecución día tras día hasta que, finalmente, el sultán abandona su cruel propósito. La obra resulta una exquisita mixtura entre dos de las principales características de la música rusa del momento: por un lado una orquestación que rebosa colorido y que es tratada de manera brillante; y por otro el gusto por temas orientalizantes, tan de moda en la Rusia Imperial. En un comienzo los nombres de los cuatro movimientos se iban a reducir a indicaciones someras, aunque posteriormente cambió de idea y decidió asignar títulos que basaban en vagas descripciones de las historias, con el fin de no asociar de manera muy fuerte la música a un posible programa. Finalmente decidió eliminar los nombres y mantener únicamente las indicaciones de tempo y carácter, aunque posteriormente se han recuperado los nombres originales. La obra utiliza de manera consciente algunos motivos que son utilizados para representar a personajes concretos a lo largo de la misma.

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Concierto: Scheherazade Op. 35, de Nikolai Rimsky-Korsakov Orquesta Filarmónica de San Petersburgo & Yuri Temirkanov 18 de marzo 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Sin más preámbulos, déjense llevar por la magia de la orquestación del gran Nicolai Rimsky-Korsakov y su Scheherazade misteriosa, exótica y sensual, de la mano experta y genial del conductor Yuri Temirkanov al frente de la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo.

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Uno de los grandes títulos de la ópera rusa, en una excepcional producción de la Ópera

Estatal de Berlín y dirección de Daniel Barenboim.

Género: ópera, música clásica, música romántica.

Intérpretes: Anatoli Kotscherga, Olga Peretyatko, Johannes Martin Kränzle, Pavel Černoch, Anita Rachvelishvili, Anna Tomowa-Sintow, Anna Lapkovskaja, Carola Höhn, Tobias Schabel, Stephan Rügamer; Dmitri Tcherniakov [dirección de escena].

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: Orquesta Estatal de Berlín.

Año: 2013.

Lugar: Ópera Estatal, Berlín.


La novia del zar [Tsárskaya nevesta] es una ópera en cuatro actos compuesta por Nikolai Rimski-Korsakov (1844-1908) sobre libreto en ruso de Ilia Fiodorovich Tiumenev, basado en el drama del mismo nombre de Liev Aleksandrovich Mei. El texto de Mei le fue sugerido por primera vez al compositor como un asunto propio para ópera en 1868, por Mili Balakirev. El también compositor ruso Aleksandr Borodin llegó en una ocasión a barajar la posibilidad de componerla. Rimsky-Korsakov tenía en mente ya en 1891 el trabajar de manera seria sobre la historia, aunque no sería hasta 1898 que lo hizo finalmente. La primera representación de la ópera tuvo lugar el 22 de octubre de 1899 en el Teatro Solodovnikov de Moscú. San Petersburgo tuvo que esperar dos años para ver el estreno de

Ópera: La novia del zar Ópera en cuatro actos de Nikolai Rimsky-Korsakov 18 de marzo 16:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Colombia/Ecuador



la ópera, en el Teatro Mariinski. Otra representación notable fue en el Teatro Bolshoi de Moscú. Años después, en 1966, se realizó una versión filmada, bajo la dirección de Vladimir Gorikker. El propio Rimsky-Korsakov dijo que con ella pretendía una reacción contra las ideas de Richard Wagner, además de crear una partitura en el estilo de la cantilena par excellence. La novia del zar no forma parte del repertorio operístico estándar en Occidente, pero sí en Rusia. En las estadísticas de Operabase aparece la n.º 124 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 8.ª en Rusia y la primera de su autor, con 26 representaciones en el período. Se trata de una ópera de enorme belleza melódica, con uso muy interesante de algunas melodías populares de su tierra. Es además un notable ejercicio de veracidad operística, con pasajes en los que el canto está al servicio de una poderosa idea expresiva cargada de sentido trágico, no al del lucimiento de los cantantes. Además, la mezcla entre el sabor folclórico y el refinamiento de la música académica ofrece un enorme atractivo, a lo que hay que sumar las excepcionales dotes de orquestador que siempre destacan en la figura de Rimsky-Korsakov. Defiende Barenboim que la dificultad de la ópera rusa estriba precisamente en su eclecticismo, no suena a ópera alemana, francesa o italiana, sino que incorpora elementos de las tres, y los mezcla con influencias de la música popular rusa. Quizá es por ello que, además del siempre complicado tema del ruso para el canto, no sean muchos los teatros, cantantes y directores que se atreven con ella fuera de su hábitat natural. A pesar de ello, de vez en cuando emergen visiones ajenas al mundo al menos parcialmente, que llevan títulos tan magníficos como este a todos los rincones del planeta.

La acción se desarrolla en 1572. Presenta la sociedad del Zarato ruso, dominada por el zar y los cortesanos que lo rodean, con un poder omnímodo sobre sus súbditos. Se basa en el tercer matrimonio del zar Iván el Terrible con Maria Sobakina, pero se aparta bastante de la realidad históricamente acreditada. Griaznoi ha raptado a la joven Liubasha, pero luego se enamora de Marfa, prometida de Lykov. Griaznoi acude a un mago para que le ayude en la conquista con un filtro de amor. Liubasha quiere que el mago le dé, en su lugar, un veneno que la vaya matando poco a poco. Iván el Terrible quiere casarse con Marfa, pero esta muere. Cuando al final Griaznoi descubre lo ocurrido, mata a Liubasha. La guardia del zar lo arresta.

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Ópera: La novia del zar Ópera en cuatro actos de Nikolai Rimsky-Korsakov 18 de marzo 16:00 Argentina/Uruguay | 14:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La novia del zar es una de las óperas fundamentales en el repertorio lírico ruso, además del título para la escena más destacado de Nikolai Rimsky-Korsakov. Le invitamos a descubrirlo en esta fascinante producción de la Ópera Estatal de Berlín, que cuenta con las voces solistas de Anatoli Kotscherga, Olga Peretyatko, Johannes Martin Kränzle, Pavel Černoch, Anita Rachvelishvili, Anna Tomowa-Sintow, Anna Lapkovskaja, Carola Höhn, Tobias Schabel y Stephan Rügamer. Les acompañan las Orquesta Estatal de Berlín y la batuta de Daniel Barenboim.

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Selección personal de la gran soprano neozelandesa de algunos de sus mejores momentos,

que jalonan una carrera realmente espectacular.

Género: documental, ópera, música clásica, música romántica.

Director: VV.DD.

Orquesta: VV.AA.

Año: 1991.


Kiri Te Kanawa (1944), cuyo nombre de nacimiento es Claire Mary Teresa Rawstron, es una soprano mundialmente reconocida desde hace décadas como una de las mejores cantantes de ópera del pasado siglo. La cantante neozelandesa-irlandesa-maorí es considerada, además, una suprema exponente de su generación en papeles de Wolfgang Amadeus Mozart y Richard Strauss, con exitosas incursiones en el repertorio de Giuseppe Verdi, Georg Friedrich Händel y la música francesa. Su singular presencia escénica la hizo ideal para encarnar princesas, condesas y personajes nobles, su voz, de textura y timbre fácilmente reconocibles la convirtieron en una de las máximas divas de los años ochenta. Se estima que en 1981 fue vista y escuchada por unos 600 millones de personas en todo el mundo cuando interpretó el aria Let the Bright Seraphim, de Händel, en la boda de Carlos, Príncipe de Gales y Lady Diana Spencer. Te Kanawa fue adoptada por una familia maorí cuando aún era una niña. En su adolescencia y primera juventud Te Kanawa fue una

Documental: Kiri Te Kanawa Mi mundo de la ópera Estreno 18 de marzo 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



popular cantante de entretenimiento en Nueva Zelanda. Con su grabación de Nun's Chorus, de Casanova, la opereta compuesta por Ralph Benatzky en 1928, con música de Johann Strauss II, ganó su primer disco de oro de Nueva Zelanda. En 1965 ganó un concurso de canto y recibió una beca para estudiar en Londres. En 1966 se inscribió en el London Opera Centre, donde estudió con Vera Rozsa. Te Kanawa comenzó su carrera como mezzosoprano, pero más tarde, por consejo del director de orquesta Richard Bonynge, se convirtió en soprano.

Participando en pequeños papeles en las óperas Don Carlo, Boris Godunov, Parsifal, La flauta mágica y Rigoletto fue descubierta por Sir Colin Davis, además de en unas audiciones para Las bodas de Fígaro en 1969. En 1971 Te Kanawa hizo un sonado debut en el Royal Opera House como la Condesa Almaviva, en Las bodas de Fígaro de Mozart. Actuaría después en la Ópera de Escocia, la Ópera de Berlín, en el Festival de Glyndebourne, en la Ópera de San Francisco y en la Ópera de Santa Fe. Siguió un sensacional debut en el Metropolitan Opera en 1974. En los años siguientes actuó en la Ópera Lírica de Chicago, en la Ópera de Paris, en la Ópera de Sidney, en la Ópera de Viena, en La Scala de Milán, en la Ópera de San Francisco, en la Ópera de Munich y en la Ópera de Colonia, y añadió los personajes de Mozart Doña Elvira, Pamina y Fiordiligi, además de personajes italianos, como Mimi, de La bohème. Te Kanawa destacada además en las heroínas más líricas de Richard Strauss y en ciertos papeles de Verdi. En 1979 fue Donna Elvira en la película Don Giovanni sobre la ópera de Mozart. En 1982 cantó su única Tosca, y agregó a su repertorio Elizabeth de Valois. Destacó como intérprete de comedia musical en versión de concierto y de crossover. Retirada del escenario operístico en 2004, ha seguido actuando esporádicamente en conciertos, pasando la mayor parte de su tiempo en su residencia en Nueva Zelanda. Entre los honores recibidos ha sido nombrada Dame Commander de la Orden del Imperio Británico [1982], Orden de Australia [1990] y Orden de Nueva Zelanda [1995].

En este programa, titulado Mi mundo de la ópera, Dame Kiri Te Kanawa introduce una selección personal de sus escenas de ópera favoritas, compartiendo con los espectadores sus recuerdos de actuaciones memorables del mundo de la ópera. Incluye extractos de: The Royal Opera House, London: Der Rosenkavalier, Las Condes de Hoffmann, Don Carlo, La Bohème, Die Fledermaus; Del Teatro alla Scala, Milano: Ernani, Andrea Chénier, Nabucco; desde la Arena di Verona: Otello; y del Festival de Glyndebourne: La Cenerentola, Orfeo ed Euridice.

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Documental: Kiri Te Kanawa Mi mundo de la ópera Estreno 18 de marzo 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: No siempre se puede disfrutar a un artista hablando sobre su propia carrera y, sobre todo, seleccionando fragmentos de actuaciones a lo largo de su carrera que considera fundamentales. Una especie de maleta de viaje con sus grandes éxitos, que podrá descubrir en la propia voz de la soprano Kiri Te Kanawa, que los comentas para usted.

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Magnífica producción de la aclamada ópera del autor francés, en un giro moderno en torno

a la actual situación mundial.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Raina Kabaivanska, Eleonora Jankovic, Nazzareno Antinori, Lorenzo Saccomani, Gianni Brunelli, Mario Ferrara, Giuseppe Zecchillo, Marisa Zotti; Coro del Arena de Verona; Giulio Chazalettes [dirección de escena].

Director: Maurizio Arena.

Orquesta: Orquesta del Arena de Verona.

Año: 1983.

Lugar: Arena de Verona.


Madama Butterfly, ópera en tres actos con música de Giacomo Puccini (1858-1924), sobre libreto en italiano de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica. Puccini basó su ópera en parte en el cuento Madame Butterfly [1898] de John Luther Long, que fue dramatizada por David Belasco. Puccini también se basó en la novela Madame Chrysanthème [1887] de Pierre Loti. Parece que la ópera se basó en acontecimientos que realmente ocurrieron en Nagasaki a principios de los años 1890. Puccini volvió una y otra vez a la misma, de tal manera que llegó a componer hasta cinco versiones de la ópera. La versión original, en dos actos, fue estrenada el 17 de febrero de 1904 en La Scala de Milán. Fue recibida

Ópera: Madama Butterfly Ópera en tres actos de Giacomo Puccini Estreno 19 de marzo 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador



de manera bastante mala por público y crítica, a pesar de la presencia de destacados cantantes en los roles principales. Esto se debió en gran medida a que se acabó tardíamente, además de su escaso tiempo de ensayo.

Puccini retiró la ópera y la reescribió notablemente, dividiendo el segundo acto en dos y haciendo otros cambios de cierta profundidad. Esta segunda versión revisada sí conquistó a la audiencia en su estreno en Brescia el 28 de mayo de 1904. Fue esta segunda versión la que se estrenó en los Estados Unidos en 1906. En 1906 volvió a ella para escribir una tercera versión, que se interpretó en la Metropolitan Opera de Nueva York. El estreno en el Met el 11 de febrero de 1907 contó con la presencia de Puccini, siendo protagonistas nada menos que Geraldine Farrar y Enrico Caruso. En el Met se ha representado 818 veces entre 1907 y 2009, siendo la sexta ópera más popular del repertorio. En 1907 hizo varios cambios en la partitura orquestal y vocal, y esta se convirtió en la cuarta versión, que se representó en París. Finalmente, en 1907 hizo su revisión final de la ópera en una quinta versión, que se conoce ya como la versión estándar, habitualmente representada. No obstante, la versión original de 1904 también se representa ocasionalmente. Entre 1915 y 1920 la cantante de ópera más conocida de Japón, Tamaki Miura, obtuvo fama internacional en su rol de Cio-Cio San. Su estatua, junto con la de Puccini, puede encontrarse en el Jardín Glover en Nagasaki, la ciudad donde se ambienta la ópera. Debido a las connotaciones negativas del personaje del teniente yanqui Pinkerton, la ópera fue suspendida en Estados Unidos durante los años de la Segunda Guerra Mundial.

Puccini se encuentra en este momento en el punto culminante de su inspiración melódica. Desde el punto de vista técnico domina todo lo que la música de su época ha logrado. Une la poesía más delicada al dramatismo más vertiginoso. En esta obra utiliza en parte sonidos exóticos, pero sin tomar un solo giro de la música del Lejano Oriente. Obtiene el sonido extraño por medio de la escala fundamental y de los acordes

aumentados –los mismos medios auxiliares con los que han trabajado también otros

compositores europeos cuando han querido representar musicalmente el Lejano Oriente–. Butterfly es un hito en el repertorio operístico y aparece como la 8.ª en la lista Operabase de las óperas más representadas por todo el mundo, siendo la cuarta de Italia y la tercera de Puccini, después de La bohème y Tosca. Ha sido dirigida en los escenarios incluso por directores de cine, como por ejemplo, Ken Russell, Harold Prince y Anthony Minghella, autor de una controvertida puesta en escena en Londres y Nueva York.

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Ópera: Madama Butterfly Ópera en tres actos de Giacomo Puccini Estreno 19 de marzo 17:00 Argentina/Uruguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Siéntese a disfrutar de esta legendario producción de unas de las grandes óperas de Giacomo Puccini. Esta Madama Butterfly de 1983, que llega en las voces protagonistas de Raina Kabaivanska, Eleonora Jankovic, Nazzareno Antinori y Lorenzo Saccomani, acompañadas por la Orquesta y Coro del Arena de Verona, bajo la dirección de Maurizio Arena.

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Espectacular y particular recital con una de las voces masculinas más interesantes

de las últimas dos décadas.


Intérpretes: Bryn Terfel; London Welsh Chorale.

Director: Gareth Jones.

Orquesta: Sinfonia Cymru.

Año: 2009.


Bryn Terfel es un bajo-barítono galés de ópera y recitales líricos. Terfel fue inicialmente asociado con roles de Mozart, Figaro y Leporello, pero expandió su repertorio a roles más densos, especialmente los de Wagner. Destaca además en el repertorio popular y de comedia musical. Es actualmente uno de los cantantes de ópera más mediáticos y con una carrera muy consolidada en el panorama internacional. Su voz grave, con gran potencia y nobleza, junto a sus dotes dramáticas, le han llevado a interpretar los roles de ópera más destacados para su tesitura vocal. Entre ellos destacan villanos como el Barón Scarpia, en Tosca de Puccini, también el papel protagonista en el Don Giovanni mozartiano, o el Dios Wotan en La Valkiria de Wagner, por citar algunos. Es precisamente, entre el catálogo de este último compositor alemán, donde el barítono destaca especialmente, y por ello la crítica internacional ha valorado de forma positiva sus interpretaciones en El Holandés errante y Tannhäuser.

Terfel mostró un gran interés y talento por la música a muy temprana edad. Un amigo de la familia le enseñó a cantar, comenzando con canciones tradicionales galesas. Tras ganar numerosas competencias de canto, Terfel se mudó a Londres en 1984 e ingresó al Guildhall School of Music and Drama, donde se graduó en 1989, ganando la Medalla de

Concierto: Bad Boys, con Bryn Terfel Estreno 25 de marzo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



Oro. Obtuvo el segundo puesto detrás de Dmitri Hvorostovsky en el Cardiff BBC Singer of the World Competition, sin embargo ganó el Lieder Prize. Hacia el año 1989 participa como Massetto en lo que podría ser su primer documento discográfico; una grabación de la versión de Praga de la ópera Don Giovanni de Wolfgang Amadeus Mozart. Con este documento se tiene prueba de la participación de Terfel en todos los papeles para bajo–barítono del Don Giovanni mozartiano, pues después cantaría como Leporello y hacia finales del siglo tomaría el papel estelar de esta. En 1990 hizo su debut operístico como Guglielmo en Così fan tutte y después, en la misma temporada, cantó el rol protagónico en Le nozze di Figaro, el rol con el que hizo su debut en el English National Opera en 1991. Terfel debutó en Estados Unidos como Figaro en la Ópera de Santa Fe. En 1992, debutó en el Royal Opera House, Covent Garden como Masetto en Don Giovanni, con Thomas Allen en el papel protagónico. Saltó a la fama cuando cantó el papel de Jochanaan en la ópera Salome de Strauss, en el Festival de Salzburgo de 1992. Considerado uno de los más completos intérpretes de hoy, ha destacado cantando comedias musicales, especialmente Sweeney Todd, de Stephen Sondheim. Ha grabado varios álbumes dedicados a canciones galesas, canciones de cámara alemanas y musicales. Desde el año 2000 celebra en Snowdonia el Festival de Faenol, llamado comúnmente Brynfest, donde reúne figuras de la lírica y cantantes populares. Otros papeles que interpreta son Scarpia en Tosca y Nick Shadow, en The Rake's Progress de Stravinsky. En agosto de 2008 cerró los Proms en el Royal Albert Hall de Londres.

En el presente recital interpreta algunos pasajes de célebres óperas del repertorio, además de óperas menos conocidas: L’elisir d’amore, de Gaetano Donizetti; Mefistofele, de Arrigo Boito; Otello y La forza del destino, de Giuseppe Verdi; Tosca, de Giacomo Puccini; El cazador furtivo, de Carl Maria von Weber; Porgy and Bess, de George Gerswhin; además de piezas extraídas de musicales y obras de la comedia musical, como Sweeny Todd, de Stephen Sondheim; West Side Story, de Leonard Bernstein; o La ópera de los tres centavos, de Kurt Weill.

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Concierto: Bad Boys, con Bryn Terfel Estreno 25 de marzo 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El gran bajo-barítono galés Bryn Terfel presenta Bad Boys, un recital de sumo interés en el que demuestra su gran voz y su carisma y presencia escénica descomunales. Está acompañado para la ocasión por la Sinfonia Cymru, London Welsh Chorale y la batuta de Gareth Jones. Un concierto que le enganchará desde el primer minuto.

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Celebración de los 200 años del gran compositor húngaro, de la mano de dos de los

intérpretes que más han marcado la música clásica en el siglo XX.

Género: concierto, música clásica, música romántica, piano, música orquestal.

Intérpretes: Daniel Barenboim.

Director: Pierre Boulez.

Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.

Año: 2011.

Lugar: Philharmonie, Essen.


Franz Liszt (1811-1886), excelente compositor, pianista y profesor húngaro, fue uno de los líderes del movimiento romántico en la música. En sus composiciones desarrolló nuevos métodos, tanto imaginativos como técnicos, que dejaron su huella en sus contemporáneos, en una mirada hacia el futuro que anticipa algunas ideas y procedimientos del siglo XX. También desarrolló el método de la transformación de temas, hizo experimentos radicales en la armonía e inventó el género del poema sinfónico. Considerado como el mayor virtuoso de piano en su tiempo, utilizó su sensacional técnica y personalidad concertística cautivante para difundir, a través de sus transcripciones, el conocimiento de la música de otros compositores. Como director de orquesta y maestro, especialmente en Weimar, se convirtió en la figura más influyente de la Nueva Escuela Alemana. Su defensa incesante hacia las figuras de Wagner y Berlioz

Concierto: Celebración Liszt Pierre Boulez, Daniel Barenboim & Orquesta Estatal de Berlin 26 de marzo 14:30 Argentina/Uruguay | 12:30 Colombia/Ecuador



ayudó a estos compositores a lograr una fama europea más amplia. Igualmente importante fue su inigualable compromiso con la preservación y la promoción de la mejor del pasado, incluyendo autores como Bach, Händel, Schubert, Weber y, sobre todo, Beethoven; sus interpretaciones de obras tales como la Novena sinfonía y la Sonata Hammerklavier crearon nuevos públicos para esta música hasta entonces considera por muchos como

incomprensible. Las aparentes contradicciones en su vida personal –un fuerte impulso

religioso mezclado con un amor de los sentimientos mundanos– se resolvieron con dificultad. Sin embargo, la gran cantidad de nueva información biográfica sobre su figura hace desterrar definitivamente esa visión mitad gitano, mitad cura que imperaba hasta hace décadas. Sin duda, Liszt contenía en su carácter más de los ideales y aspiraciones del siglo XIX que cualquier otro músico importante del momento.

El programa se nutre principalmente con la interpretación de sus dos primeros conciertos para piano y orquesta. El Concierto para piano n.º 1 en Mi bemol mayor fue concluido en 1849 y estrenado seis años más tarde, el 17 de febrero de 1855, con el propio autor como solista y nada menos que Hector Berlioz al frente de la orquesta. En la partitura manuscrita Liszt denominó esta obra como concerto symphonique. El concierto está dedicado al también compositor y pianista Henry Litolff. Se le considera como su concierto más brillante, perfecto y popular. No hay en él mundos contemplativos, ni ideas profundas, algo en lo que parece Liszt no estaba especialmente interesado, salvo en ciertas excepciones. Lo que sí hay es una enorme fuerza superior, muy superior a su posible trascendencia. Su característica más acusada es el lenguaje y la importancia orquestal, la cual sobreviene sin que el piano pierda protagonismo, que se hace efectiva bien a través de intervenciones de distintos solistas, bien con los poderosos tutti de una formación que emplea, alejada de la escritura clásica, un gran conjunto que incluye trombones y una rica y brillante percusión.

El Concierto para piano n.º 2 en La mayor fue comenzado en 1839 y no terminado hasta 1861, debido a un largo historial de revisiones. La obra se estructura en un curioso y extenso único movimiento, que es a su vez dividido en seis secciones claramente

diferenciadas. La obra Liszt fue dedicada a Hans von Bronsart –de quien era profesor–, que fue el encargado de su estreno –contando con la dirección del propio Liszt– el 7 de enero de 1857 en Weimar. Como en el anterior destaca sobremanera la técnica de la transformación temática, tan puramente lisztiana. Es un brillante ejemplo de la técnica de Liszt y de su singular modo de encarar la forma, en solo movimiento que combina aspectos de un concierto de cuatro movimientos.

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Concierto: Celebración Liszt Pierre Boulez, Daniel Barenboim & Orquesta Estatal de Berlin 26 de marzo 14:30 Argentina/Uruguay | 12:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: No todo los días se puede disfrutar de la conjunción legendaria de Daniel Barenboim al piano y la dirección de Pierre Boulez. Se unen para conmemorar el 200.º aniversario del nacimiento del gran Franz Liszt, acompañados de la Orquesta Estatal de Berlin. Un programa que presenta a Barenboim interpretando los dos primeros conciertos para piano de Liszt por primera vez juntos en vivo, a lo que añaden dos breves obras de Richard Wagner.

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El tradicional concierto de apertura de este fantástico festival de la mano de la Filarmónica de Viena, bajo la dirección del gran maestro francés.

Género: concierto, música clásica, música postromántica, música contemporánea, ópera.

Intérpretes: Anna Prohaska, Dorothea Röschmann, Anna Larsson, Johan Botha, Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena.

Director: Pierre Boulez.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2011.

Lugar: Grosses Festpilhaus, Salzburg.

Duración: 95 minutos. Pierre Boulez es, a todas luces, una de las figuras fundamentales en el desarrollo de la música clásica durante el siglo XX. Compositor y director, músico completo como pocos, sirva este concierto como homenaje a su reciente pérdida el 5 de enero de 2016. Su imaginación resoluta, enorme fuerza de voluntad y una despiadada combatividad artística le aseguraron, en su juventud, una posición primordial en la escena musical parisina de vanguardia. Sus predecesores, en su opinión, no habían sido lo suficientemente radicales con el arte, y en su obra encontramos una sutil combinación del serialismo de la Escuela de Viena con la irregularidad rítmica abierta con anterioridad por Igor Stravinsky y Olivier Messiaen. Su llamada hacia una modernidad renovada fue ampliamente escuchada y profusamente seguida durante la década de 1950, pero su capacidad se fue debilitó gradualmente a partir de entonces, y en la misma medida su creatividad se desvaneció.

Concierto: Pierre Boulez Concierto de apertura del Festival de Salzburg 26 de marzo 15:50 Argentina/Uruguay | 13:50 Colombia/Ecuador



Comenzó a ser más activo como director de orquesta, en un primer momento como gran especialista del amplio repertorio del siglo XX, para pasar después, en la década de 1970, a abarcar un repertorio realmente amplio y sin etiquetas. Hacia el final de esa década centró buena parte de su atención al estudio de la música electroacústica en un estudio construido ex profeso para él en Paris, donde esperaba reanudar el esfuerzo e interés por crear un nuevo lenguaje musical sustentado en una base racional. Tras un breve período, sin embargo, dirigir se convirtió de nuevo en su principal medio para expresar su independencia y claridad de visión artística. En este programa, ya cercano al final de su carrera, Boulez hace casi un resumen de su carrera como director, centrándose primeramente en la creación contemporánea, de la mano de Alban Berg (1885–1935), autor austríaco del que fue gran defensor e intérprete. De él se interpreta la Suite Lulu (1934), extraída de su genial ópera, un magnífico ejemplo de la composición operística puramente dodecafónica. Se completa esta parte con el aria de concierto Der Wein (1929), obra cuyo texto es una traducción al alemán de Stefan George de tres poemas de Las flores del mal [Les fleurs du mal], de Charles Baudelaire. Música realmente transgresora en la que encontramos multitud de referencias y elementos sorpresivos, como referencias al tango, la introducción del saxo alto, sonoridades armónicas cercanas al jazz, uso del recurso del palíndromo musical en su estructura… La segunda parte, central del concierto, se detiene en la figura de Gustav Mahler (1860–1911), concretamente en su Canción del lamento [Das klagende Lied], cantata compuesta para tres solistas, gran coro mixto y orquesta de enormes dimensiones, que en su momento fue definida como una gran ópera espectral para los ojos de la mente. Obra sometida a profundas y numerosas revisiones, se ofrece aquí en su forma final, revisada entre 1889 y 1899, aunque no fue estrenada hasta dos años después, y es la que ha quedado como parte del repertorio de manera permanente, siendo considerada como una obra de sumo interés.

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Concierto: Pierre Boulez Concierto de apertura del Festival de Salzburg 26 de marzo 15:50 Argentina/Uruguay | 13:50 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Como es habitual, la Orquesta Filarmónica de Viena inaugura la celebración del Festival de Salzburg, uno de los más destacados del panorama internacional. Disfruten de este magnífico concierto en el que, la que es considerada como una de las mejores orquestas del mundo, se pone a las órdenes del gran Pierre Boulez, para acompañar a las voces de Anna Prohaska, Dorothea Röschamann, Anna Larsson y Johan Botha en un suculento recital de música postromántica y contemporánea.

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Tributo a uno de los grandes músicos del pasado siglo, con la dirección del propio Boulez,

al que acompaña el gran director argentino-israelí.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea.

Intérpretes: Hassan Moataz el Molla, Michael Barenboim, Hilary Summers.

Director: Pierre Boulez, Daniel Baremboim.

Orquesta: West-Eastern Divan Orchestra.

Año: 2010.

Lugar: Staatoper Unter den Linden, Berlin.


Pierre Boulez (1925-2016) es una de las figuras fundamentales en el desarrollo de la música clásica durante el siglo XX. Compositor y director, músico completo como pocos, sirva este concierto como homenaje a su reciente pérdida a inicios de 2016. Su imaginación resoluta, enorme fuerza de voluntad y una despiadada combatividad artística le aseguraron, en su juventud, una posición primordial en la escena musical parisina de vanguardia. Sus predecesores, en su opinión, no habían sido lo suficientemente radicales con el arte, y en su obra encontramos una sutil combinación del serialismo de la Escuela de Viena con la irregularidad rítmica abierta con anterioridad por Igor Stravinsky y Olivier Messiaen. Su llamada hacia una modernidad renovada fue ampliamente escuchada y profusamente seguida durante la década de 1950, pero su capacidad se fue

Concierto: Homenaje a Pierre Boulez en sus 85 años Daniel Barenboim & West-Eastern Divan Orchestra 26 de marzo 17:20 Argentina/Uruguay | 15:20 Colombia/Ecuador



debilitó gradualmente a partir de entonces, y en la misma medida su creatividad se desvaneció. Comenzó a ser más activo como director de orquesta, en un primer momento como gran especialista del amplio repertorio del siglo XX, para pasar después, en la década de 1970, a abarcar un repertorio realmente amplio y sin etiquetas. Hacia el final de esa década centró buena parte de su atención sobre la música electroacústica, en un estudio construido ex profeso para él en Paris, donde esperaba reanudar el esfuerzo e interés por crear un nuevo lenguaje musical sustentado en una base racional. Tras un breve período, sin embargo, dirigir se convirtió de nuevo en su principal medio para expresar su independencia y claridad de visión artística. Se interpretan aquí tres de sus composiciones: Messagesquiss, para violonchelo solistas y seis violonchelos; Anthèmes 2, para violín y electrónica; y Le Marteau sans maître, para alto y seis instrumentos.

El proyecto West-Eastern Divan fue concebido en 1999 por dos artistas e intelectuales de primer orden: el pianista y director de orquesta argentino-israelí Daniel Barenboim y el intelectual palestino Edward Said. Ambos creyeron en un proyecto que supusiera la creación de un taller para jóvenes músicos de Israel y otros países de Oriente Medio que facilitara el estudio y el desarrollo musical, además de la posibilidad de compartir el conocimiento y la comprensión entre culturas que han sido tradicionalmente rivales. Aquí, los músicos mejoran su nivel musical mientras conviven con jóvenes de países que pueden estar en conflicto con el suyo propio. La base de la orquesta la componen músicos árabes e israelíes acompañados de músicos españoles. Sus primeros pasos los dieron entre Weimar y Chicago, hasta que en 2002 se establecieron definitivamente en Sevilla. Pero este no es únicamente un proyecto musical, sino quizá por encima de ello, un foro para el diálogo y la reflexión sobre el problema palestino-israelí. Gracias a todos los contactos interculturales que allí se realizan, el proyecto aspira a representar un importante papel en la superación de diferencias políticas y culturales entre los países representados en el taller. El uso de las palabras West-Eastern Divan hace referencia a una colección de poemas de Johann Wolfgang von Goethe. Sus propios fundadores comentan al respecto: la razón por la que hemos llamado así a esta orquesta proviene del hecho de que Goethe fue uno de los primeros alemanes verdaderamente interesado en otros países, ya que empezó a aprender árabe con más de 60 años.

Por su parte, Daniel Barenboim es una de esas figuras que no necesitan presentación, pues está presente permanentemente en nuestra programación. Su importancia en la revalorización de repertorios desde finales del XVIII hasta la actualidad ha sido fundamental en la historia de la música.

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Concierto: Homenaje a Pierre Boulez en sus 85 años Daniel Barenboim & West-Eastern Divan Orchestra 26 de marzo 17:20 Argentina/Uruguay | 15:20 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Celebren con nosotros el 85.º aniversario de una de las figuras más trascendentales de la música en el siglo XX. Pierre Boulez, el gran director y compositor francés, es homenajeado por Daniel Barenboim y algunos miembros de la West-Eastern Divan Orchestra, a los que acompañan los solistas Hassan Moataz el Molla, Michael Barenboim y Hilary Summers.

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Una de las grandes óperas mozartianas, servida de una manera que sin duda le

sorprenderá, en el marco del Festival de Salzburg.


Intérpretes: Desirée Rancatore, Javier Camarena, Rebecca Nelsen, Thomas Ebenstein, Kurt Rydl, Tobias Moretti, Bassa Selim; Salzburger Bachchor; Adrian Marthaler [dirección de escena], Ronny Dietrich [escenografía], Lena Hoschek [vestuario], Alois Glaßner [coreografía].

Director: Hans Graf.

Orquesta: Camerata Salzburg.

Año: 2013.

Lugar: Hangar 7 de Red Bull, aeropuerto de Salzburg.


El rapto en el serrallo [Die Entführung aus dem Serail] KV 384, singspiel en tres actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) y libreto en alemán de Gottlieb Stephanie. Tuvo su estreno en el Burgtheater de Viena el 16 de julio de 1782. En aquel año Mozart tenía 25 años y quería por fin tomar el rumbo de su propia vida. Así se fue a Viena. Incluso cuando su padre siempre intentaba influenciarle desde Salzburg, Wolfgang ya no dejaba que nadie se inmiscuyera en su vida. La familia Weber, que conocía desde años atrás, le alquiló una habitación. Allí componía, muy bien cuidado y con una relación amistosa con la familia, nadie le molestaba. Además, pretendía casarse con Constanze, la

Ópera: El rapto en el serrallo Ópera en tres actos de Wolfgang Amadeus Mozart Estreno 26 de marzo 20:30 Argentina/Uruguay | 18:30 Colombia/Ecuador



hija de la familia. En este tiempo Mozart recibe el encargo del emperador Joseph II de componer una ópera. Muchos críticos ven paralelismos en el contenido de esta obra con su situación privada. Al fin y al cabo, Mozart era un artista sin recursos y por ello su futura suegra, Cäcilia Weber, no quiso concederle la mano de su hija Constanze. En efecto, las dificultades por las que atravesaba el amor de Mozart hacia Constanze fueron tratadas en esta ópera.

Es un hecho que El rapto en el serrallo, aunque encuadrada como una ópera turca divertida y entretenida, es una obra con una profundidad emocional total. Los personajes son muy polifacéticos y desarrollan una complejidad insospechada. Así Mozart le escribe a su padre refiriéndose a un aria del Osmín: En este aria he dejado que se vislumbren sus tonos más profundos. El argumento está escrito siguiendo como modelo al del libreto de la opereta Belmonte y Constanza, o El rapto en el serrallo, de Christoph Friedrich Bretzner, sobre la que Mozart corrigió y adaptó a sus ideas.

El rapto en el serrallo pertenece al género del Singspiel, lo que significa que gran parte de la acción progresa a través del diálogo hablado, de manera que la música carece de recitativos y está formada totalmente de números musicales y partes habladas. La obra es ligera y frecuentemente cómica. La complejidad de la obra de Mozart puede entenderse bien a través de esta famosa anécdota, la cual los especialistas tienden a no dar como válida. El emperador José II encargó la creación de El rapto en el serrallo, pero al oírla se quejó a Mozart: Demasiado refinada para nuestros oídos y demasiadas notas, mi querido Mozart, a lo que Mozart replicó: Solo las precisas, majestad. La composición de Mozart contiene multitud de resonancias de la música turca, que se intentó imaginar así en el siglo XVIII. Se amplió la orquesta clásica de Viena para poder incluir instrumentos inusuales hasta la fecha, procedentes del instrumentario de la música jenízara, como platillos, tambores turcos muy grandes, flautines y el triángulo. A Mozart todo esto le divertía muchísimo, su ópera recibió con ello un sabor especial. Mozart alcanzó con El rapto en el serrallo la primera de sus numerosas obras maestras dentro del mundo de la ópera.

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Ópera: El rapto en el serrallo Ópera en tres actos de Wolfgang Amadeus Mozart Estreno 26 de marzo 20:30: Argentina/Uruguay | 18:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El rapto en el serrallo es uno de los grandes títulos operísticos de Wolfgang Amadeus Mozart. Le invitamos a deleitarse con esta producción del Festival de Salzburg, desde la sorprendente localización en el Hangar 7 de Red Bull, en el aeropuerto de Salzburg, con un elenco vocal protagonizado por Desirée Rancatore, Javier Camarena, Rebecca Nelsen, Thomas Ebenstein, Kurt Rydl, Tobias Moretti y Bassa Selim. Se les suma el Salzburger Bachchor, además de Camerata Salzburg. La dirección de escena corre a cargo de Adrian Marthaler, y la musical de Hans Graf.

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ALLEGRO HD 235 LINCOLN ROAD, SUITE 201

MIAMI BEACH, FL 33139 USA

Destacados de Programación Marzo 2017 -...

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