Tema 15. Arte Barroco en España: Pintura

Tema 15:

LA PINTURA BARROCA ESPAÑOLA. PRINCIPALES ESCUELAS. (Ribera, Zurbarán y Murillo). Velázquez.

¿Qué es la vida? Un frenesí.

¿Qué es la vida? Una ilusión,

una sombra, una ficción,

y el mayor bien es pequeño;

que toda la vida es sueño,

y los sueños, sueños son.

introducción

Busca lo teatral, la ilusión, la fugacidad, lo espontáneo, el instante.

Época de crisis política y económica, sin embargo, es el SIGLO DE ORO del Arte en España

El papel de España como defensora de la Contrarreforma define las creaciones artísticas del Barroco.

El arte es instrumento de poder religioso y monárquico.

Características Generales Soporte y Composición

Lienzo

Composiciones sencillas y naturlalistas.

Realismo Emplean tipos humanos reales, directos (Los Borrachos de

Velázquez) y las escenas cotidianas para hacer más próximos y comprensibles los temas religiosos (Cristo en casa de Marta y Maríade Velázquez).

Temática Religiosa: santos, inmaculadas, mártires, penitentes, Crucificados,

escenas de la vida de Cristo y de la Virgen…

Pintura mitológica reservada a círculos cortesanos

pintura de paisaje no muy abundante.

Naturalezas muertas o bodegones fueron muy apreciadas.

Retrato muy prolijo, sobre todo de la familia real y la nobleza, junto a ellos retratos de los personajes más desfavorecidos, enanos, bufones, mendigos… como vehículo para observar la naturaleza en todos los aspectos.

Las pinturas de historia son más escasas, aunque encontramos importantes ejemplos de temas de batallas como La Rendición de Breda de Velázquez.

REALISMO

Los Borrachos o El Triunfo de Baco, Velázquez

Temática: Santos y vida de Cristo

Cristo crucificado, Velázquez

San Jerónimo, José de Ribera

Temática: la Virgen y martirios

Inmaculada, MurilloMartirio de San Felipe, Ribera

RetratosPríncipe Baltasar Carlos, Velázquez

Pablos de Valladolid, Velázquez

Mitologías

La Venus del Espejo, Velázquez

Pintura de HistoriaLa rendición de Breda (Las Lanzas), Velázquez

Mecenas Rey y nobleza:

Coleccionismo

Galerías de Retratos

Patrocinarán fundaciones religiosas

Órdenes religiosas lienzos para los retablos series para los monasterios.

Focos o escuelas MADRID: la Corte, Velázquez VALENCIA: influencia del tenebrismo de Caravaggio: José

de Ribera y Francisco Ribalta ANDALUCÍA: Velázquez, Zurbarán y Alonso Cano en la

primera mitad de siglo, y Murillo y Valdés Leal en la segunda.

Esta clasificación de escuelas no obliga a los autores a permanecer adscritos a una de ellas y por tanto inamovibles, la mayoría llegará a realizar encargos para la Corte.

VALENCIA: RIBERA Y RIBALTA

Francisco Ribalta 1565 – 1628

Formado en El Escoria

Influjo de Caravaggio.

Individualización de los rostros, el color de

Caravaggio y el tenebrismo.

Temas místico religiosos, en obras como:

San Francisco confortado por un ángel

Cristo abrazando a San Bernardo


San Francisco confortado por un ángel Ángel músico que se

aparece a San Francisco, quien aparece con los estigmas

Claroscurista Calidades de los

objetos: Contrastes entre la

pesada tela del hábito del monje y las telas ligeras del ángel

Contraste entre los colores

Simbología del cordero


Cristo Abrazando a San Bernardo

Composición diagonal

Místico pero tangible

Penumbra en los fondos (ángeles

casi inapreciables), estancia muy

oscura, de pardos negruzcos

Naturalismo tenebrista

Luz, de color artificial. Potente

foco de luz, algo lateral y cenital,

que incide directamente sobre el

cuerpo desnudo de Cristo y el

rostro arrobado del santo.

anatomías realistas

dimensión monumental

TEMA: milagro de la vida de San

Bernardo, una efigie de Cristo, a

la cual el santo rezaba

desconsolado, se desclava de la

cruz para abrazar y consolar al

santo varón.

VALENCIA: RIBERA Y RIBALTA

José de Ribera 1591 – 1652 Toda su obra la produce en Italia, conocido como Il

Spagnoletto.

Naturalismo

Uso de personas comunes como modelos

Estudio lumínico y anatómico perfecto.

Su paleta evolucionará desde el tenebrismo de clara influencia caravaggesca, hasta una paleta de tonalidades más claras

Su factura pasa de un dibujo apretado y pincelada más minuciosa a una pincelada o factura más desecha y pastosa.

Algunas de sus obras más destacadas son: La serie de los Cinco Sentidos La serie de los Filósofos La Inmaculada del Convento de las Agustinas de Monterrey en

Salamanca. El sueño de Jacob La mujer Barbuda El Patizambo

José de Ribera 1591 – 1652

La serie de los Cinco Sentidos Naturalismo inspirado en

Caravaggio

luz de tradición tenebrista

modelos personas cotidanas

Iconografía: se aleja de las visiones realizadas en los Países Bajos -Brueghel-, cargadas de elegancia y complejidad compositiva.

Un personaje con una serie de elementos relacionados con el sentido que representan.

LA VISTA: el hombre tiene entre sus manos un catalejo que

le permite contemplar el Universo a través de la ventana. Unos anteojos y un espejo completan la representación de la vista.

La figura se sitúa en un interior

Luz dirigida (cabeza y manos)

Detallismo

Tonalidades oscuras

Fondo neutro

Serie de los sentidos

Olfato

Serie de los sentidosTacto Gusto

Filósofos (sabios mendigos)

Demócrito Arquímedes

José de Ribera 1591 – 1652La Inmaculada del Convento de las Agustinas de Monterrey en Salamanca. 1635 Óleo sobre lienzo TEMA: Inmaculada

Concepción. (dogma proclamado en 1854, pero tema muy común en la España Barroca)

Tipología: según Pacheco, virgen joven, vestida con una túnica blanca y un manto azul, símbolos respectivamente de pureza y eternidad (según la visión de Santa Brígida), coronada con las doce estrellas y con la media luna a los pies.

Influido por los Carracci Espiritualidad propia del

barroco español. En este momento Ribera ha

abandonado el tenebrismo y hace un cuadro luminoso, de rico colorido.

La Inmaculada del Convento de las Agustinas de Monterrey en Salamanca. En la parte baja del cuadro

unos angelitos llevan diversos atributos e invocaciones que la piedad popular atribuye a la Virgen según las Letanías de Loreto: palmera, rama de olivo, rosa, lirio, espejo sin mancha, torre de David, etc.

En la parte baja del cuadro dos ángeles mancebos miran con arrobo a la Virgen.

En la parte superior aparece la figura de Dios Padre, en atrevido escorzo, amparando con su mano a la Virgen. Debajo, la figura de la paloma, símbolo del Espíritu Santo, protege a la madre de Jesús, segunda persona de la Santísima Trinidad.

José de Ribera 1591 – 1652

El Sueño de Jacob

José de Ribera 1591 – 1652El Sueño de Jacob

óleo sobre lienzo

1639

TEMA: episodio que aparece en el Antiguo Testamento: Jacob se echa a dormir y se le aparece una escalera por la que suben y bajan ángeles. Esa escalera se suele entender como un símbolo de la vida contemplativa, según la interpretación benedictina.

Naturaliismo: humanidad del pastor.

Introduce un toque de fantasía en la visión esfumada de los ángeles que suben y bajan.

gama de color dorada

José de Ribera 1591 – 1652La Mujer Barbuda 1631 Oleo sobre lienzo El Virrey de Nápoles, don

Fernando Afán de Ribera y Enríquez, tercer duque de Alcalá, encargó a Ribera uno de los cuadros más extraños de su producción.

Se trata del retrato de Magdalena Ventura con su marido y en una inscripción que aparece en la zona derecha del lienzo cuenta el extraño caso. A Magdalena, mujer procedente de los Abruzzos, le empezó a crecer la barba a los 37 años y 15 después tuvo el hijo con el que aquí aparece representada.

El encargo responde al deseo del Virrey de tener una excepcional prueba de un extraño caso que se produjo durante su mandato.

José de Ribera 1591 – 1652La Mujer Barbuda Doña Magdalena aparece en el

centro de la composición, vestida como una mujer y dando de amamantar a su pequeño pero su rostro es absolutamente viril, mostrando en su gesto cierto dolor y abatimiento.

A su lado podemos ver a su marido cuyo retrato también es soberbio, captando la amarga resignación con la que vive el caso.

Sobre las piedras que contienen la inscripción podemos apreciar un huso y una devanadera de hilo, símbolos de la feminidad que se supone a la mujer, a pesar de su aspecto.

tenebrismo de origen caravaggista

iluminación que crea intensos contrastes

Rostros, manos, paños y objetos están tomados con absoluto naturalismo

José de Ribera 1591 – 1652El Patizambo 1642

Óleo sobre lienzo

Representa a un joven con el pie deforme; no puede pisar con el talón. Muestra su sonrisa al espectador que puede apreciar la falta de dientes. En la mano tiene un cartel en el que pide, en latín, limosna por el amor de Dios. Con el mismo brazo sujeta la muleta en la que se apoyaría al andar, y que lleva apoyada en el hombro para divertirse.

Fondos influencia escuela veneciana y los Carracci.

Contrasta el azul del cielo con la figura del patizambo que está pintado con colores ocres casi monocromos, apagados y oscuros.

La línea del horizonte muy baja, lo que hace que tenga un aspecto monumental.

Posiblemente inspirado en modelos.

ANDALUCIA:

ZURBARÁN1598 –1664 Formado en en Sevilla con Pedro Díaz De Villanueva, conocido de

Pacheco y Velázquez.

ESTILO: Sencillez reproducción fiel de la naturaleza Llamado el pintor de los frailes y de los “blancos” Composiciones y personajes con simplicidad, volúmenes de

carácter casi geométrico, visible en sus bodegones por medio de fuerte contrastes lumínicos.

TEMAS: series para órdenes religiosas

retratos monásticos

Mitologías: Los Trabajos de Hércules, para decorar el Salón de reinos del Palacio del Buen Retiro de Madrid.

Bodegones

Pintor realista, escueto y místico

Fondos neutros, con luces contrastadas, tenebristas.

ZURBARÁN1598 –1664San Hugo en el refectorio de los Cartujos.

1655

Composición: escena en el refectorio, comedor, de un monasterio cartujo.

TEMA:La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno, fundador de los cartujos, y a los

seis primeros monjes de la Orden, quienes comían gracias a la generosidad de San Hugo,

obispo de Grenoble. Un domingo les envió carne, alimento al que no estaban

acostumbrados, lo que provocó una discusión sobre la conveniencia de practicar la

abstinencia. Mientras discutían quedaron sumidos en un profundo sueño que duró toda la

Cuaresma. El miércoles Santo, San Hugo, que había estado ausente, fue a verlos y los

sorprendió despertándose, comprobando que no tenían noción del tiempo transcurrido.

Entonces miró a los platos y vio que la carne se convertía en ceniza, interpretándolo como

aprobación divina de la abstinencia.

Hábitos blancos, color en el cual se dice que llega a manejar hasta 100 tonos diferentes.

Cerámicas blancas y azules de Talavera, con los escudos del obispo y la Orden.

Cuencos de barro que contienen la comida y unos trozos de pan. Dos jarras de barro, un

tazón boca abajo y unos cuchillos abandonados, ayudan a romper una disposición que

podría resultar monótona si no estuviera suavizada por el hecho de que los objetos

presentan diversas distancias en relación al borde de la mesa.

Geometrización de las telas

Interés por las calidades

ZURBARÁN1598 –1664San Hugo en el refectorio de los Cartujos.

ZURBARÁN1598 –1664La Aparición de San Pedro a san Pedro Nolasco

Parte de una serie encargada por el Convento de la Merced calzada de Sevilla, en el año 1628, y está pintada al óleo.

San Pedro Nolasco (1189 – 1256), fundador de la orden, acaba de ser canonizado, para conmemorar dicho evento, Zurbarán recibe el encargo de pintar un serie de 22 cuadros para el claustro del convento.

Renuncia a la composición tradicional que separaba la esfera terrenal de la celestial.

Los dos santos se encuentran en el mismo plano

Ausencia de fondo

Luz rojiza que parte de la figura de San Pedro crucificado, de modo que el manto blanco del

mercedario hace de pantalla.

Efecto de juegos contrarios: postura de los personajes, desnudez de San Pedro y en las

pesadas ropas de Nolasco.

TEMA: la aparición de san Pedro al monje. Pedro Nolasco deseaba ir en peregrinación a Roma para visitar la tumba de San Pedro. Antes de partir se le aparece el propio apóstol para decirle cual es su misión y disuadirle de que vaya a Roma. La orden de los Mercedarios tenía como principal fin recoger limosnas para liberar a los cristianos que estaba cautivos en poder de los musulmanes.

ZURBARÁN1598 –1664La Aparición de San Pedro a san Pedro Nolasco

ZURBARÁN1598 –1664La defensa de Cádiz contra los ingleses

ZURBARÁN1598 –1664La defensa de Cádiz contra los ingleses

También conocido como Desembarco hostil de los ingleses cerca de Cádiz en 1625, al mando del Conde de Lest o simplemente Defensa de Cádiz,

La escena representa la defensa que las fuerzas españolas hicieron de la ciudad de Cádiz en 1625 ante el ataque de la flota conjunta anglo-holandesa bajo el mando de Edward Cecil.

En primer término aparece el gobernador de Cádiz Fernando Girón (sentado) impartiendo órdenes a sus subordinados (frente a él, el teniente de maestre de campo Diego Ruiz), mientras al fondo se contempla el desembarco de las tropas atacantes frente al fuerte de El Puntal, en la bahía gaditana.

Encargo decorativo para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro de Madrid.

También pintó diez cuadros sobre Los Trabajos de Hércules.

ZURBARÁN1598 –1664

Los Trabajos de Hércules


Bodegones


Bodegones

Naturalezas muertas: sin personajes: animales, flores, frutos, y todo tipo de objetos inanimados.

Formas, tamaños, materiales diversos.

Detenimiento

Detalles de las calidades de los objetos

Reducción al mínimo del lenguaje pictórico.

Fondos neutros, oscuros

Idea ascética y mística.


Agnus Dei


SANTA ÁGUEDA: Fue una joven romana que sufrió el martirio durante las persecuciones de la época de Decio (siglo III). El senador Quintiano se enamoró de ella y al no ser correspondido le infringió numerosos castigos, el más cruel de todos arrancarle los pechos. La visión milagrosa de San Pedro le curó sus heridas. Zurbarán la representa sosteniendo una bandeja con los pechos cortados, como era habitual en la iconografía cristiana.

SANTA CASILDA: vivió en el siglo XI. Era la hija del rey musulmán de Toledo, pero apiadada de los cristianos que su padre tenía como prisioneros, les llevaba alimentos a la prisión escondidos entre sus vestidos. En una ocasión sorprendida por los soldados, cuando le pidieron que enseñara lo que llevaba respondió que flores, y cuando la obligaron a mostrarlas, los alimentos milagrosamente se convirtieron en flores. Zurbarán nos la muestra levantado ligeramente su vestido para sostener las flores.

Sencillez, naturalidad, el valor de las pequeñas cosas, misticismo Las Santas de Zurbarán aparecen como damas, atavidas con ropajes

exquisitos y joyas. Elegancia y serenidad. Luminosidad de las telas, la majestuosidad de algunos trajes, y el

virtuosismo técnico pintor de calidades.


Santa Águeda Santa Casilda


Santa Margarita Santa Dorotea


SANTA MARGARITA: Probablemente la más famosa de todas las santas de Zurbarán, no existió nunca. Su historia fue difundida en Occidente por la Leyenda Dorada, de Jacopo de la Vorágine, según la cual vivió en tiempos de Diocleciano. Hija de un sacerdote pagano de Antioquía de Pisidia, habría sido convertida por su nodriza, quien la había puesto a cuidar a sus ovejas. El gobernador Olibrio, cuando paseaba a caballo, vio a la joven pastora y fue seducido por su belleza. Pero como ella se le negó la hizo encarcelar. Allí Margarita fue asaltada por Satán en forma de enorme dragón, pero Margarita lo atacó con un crucifijo y lo derrotó. Posteriormente sufrió numerosos castigos y murió decapitada

SANTA DOROTEA. Cuando el prefecto Sapricio le pidió que ofreciera un sacrificio a los dioses, se negó y fue torturada. El prefecto la confió a Crista y Calixta, dos hermanas apóstatas, para que la convencieran de que abandonase la religión cristiana, pero ocurrió al contrario: ambas volvieron al cristianismo y fueron por ello quemadas vivas, mientras Dorotea fue condenada a la decapitación. Por el camino al martirio, encontró a Teófilo, quien le dijo irónicamente: «Esposa de Cristo, mándame manzanas y rosas del jardín de tu esposo». Dorotea aceptó y, antes de la decapitación, mientras rezaba, apareció un niño que le trajo tres rosas y tres manzanas, a pesar de que estaban en el crudo invierno. Ella le pidió que se las llevara a Teófilo, quien, visto el prodigio, se convirtió al cristianismo.

ALONSO CANO 1601-1667

Arquitecto, escultor y pintor.

Pintura que huye del naturalismo

Belleza idealizada.

La pintura veneciana (conocida a través de las obras de la Colección Real en Madrid) le ejercieron gran influencia.

Composiciones clásicas

Gran delicadeza

Colores suaves

Pincelada suelta

Obras: La visión de San Juan Evangelista en Patmos

Noli Me Tangere

Retratos de los reyes Godos, para decorarla sala Dorada del


La visión de San Juan Evangelista en Patmos Formaba parte del retablo de San Juan

Evangelista del convento de Santa Paula en Sevilla, con escenas de la vida del santo.

Expresividad y gracia de las manos de Cano

El ángel, de gran belleza y elegancia.

Aquí aparece agachado sobre San Juan, en fuerte escorzo muy bien conseguido. Sus alas desplegadas y los extremos de su fina capa al viento crean un efecto especialmente barroco. La figura del evangelista, que porta una gruesa túnica blanca y una capa rosada, equilibra la composición, con una postura contrapuesta a la del ángel.

Colorido armónico y muy vivo.

El ángel es sutilmente ambiguo.

Luz natural

Colores empleados, los malvas, azules, rosas, amarillos y verdes se armonizan delicadamente, una pincelada más fluida.


Noli me tangere (1652) Últimos años de su estancia

en Madrid

Inspirado en Correggio.

Tema: humanizado a través del gesto de la mano en la cabeza de la Magdalena, gesto con un sentido iconográfico al hacer alusión a la leyenda según la cual los dedos del Salvador quedaron marcados en su frente.

Composición, repitiendo y oponiendo diagonales en la disposición de brazos y piernas

Ternura del trágico momento.

Solemne paisaje del fondo

ALONSO CANO 1601-1667Noli me tangere

(1652)

Noli me tangere,

Correggio

ALONSO CANO 1601-1667Retratos de los

Reyes Godos El motivo de la obra

es desconocido e interesante ya que Alonso Cano apenas trató temas profanos.

Las figuras resultan de tamaño mayor que el natural, captadas desde un punto de vista bajo.

Realismo dominio del color

influencia de los pintores venecianos y Velázquez.

delicadeza y armonia

BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO

1617-1682

Sensibilidad que a veces anticipa el Rococó

Elevado número de discípulos y seguidores

Condicionado por la clientela: eclesiásticos, el grueso de su producción está formado por obras de carácter religioso, pero a diferencia de los restantes grandes maestros españoles cultivó también la pintura de género de forma continuada e independiente.

Muy popular.

ESTILO: imágenes religiosas, dulces y amables nueva sensibilidad que

rompe con las imágenes trágicas del barroco español anterior. Crea un tipo iconográfico de enorme éxito: la Inmaculada, una

virgen niña, vestida con un manto azul y una túnica blanca, con el rostro inclinado hacia el cielo, las manos en actitud de orar y bajo sus pies la serpiente del mal y la media luna, en ambientes cálidos, de colores intensos y rompimientos de gloria.

Es el pintor de los niños: niños mendigos, escenas callejeras, llenas de ternura en los que huye del dolor y la miseria, representando el lado más amable.

BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO

1617-1682

Obras:

Niños comiendo melón y uvas

El sueño del patricio

Los niños de la concha

Niño mendigo

La Sagrada Familia del pajarito

Inmaculada

BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO 1617-1682


1650.

Escena de interior: sencillez y realismo, entorno humilde.

Composición: centro la escena del Niño hacia el que confluyen las miradas de la Virgen y de

San José.

Penumbra

acentúan los efectos de luz en la figura central

contrastes que permitan modelar los volúmenes de las figuras y de los objetos.

escena cotidiana

Los personajes sagrados adquieren un carácter plenamente humano: San José tiene a su lado el banco de carpintero en el que trabaja habitualmente, la Virgen está ocupada con sus ovillos de lana, y el Niño se entretiene divertido con un pajarito y un perro, alejado de cualquier tema cruel.

La cotidianeidad, la anécdota y la sensibilidad son los rasgos más evidentes de esta obra.

Murillo pretende acercar la escena a los fieles, anulando cualquier referencia celestial o sobrehumana,

belleza dulce del Niño y su alegría en el juego transmiten un sentimiento de serenidad

El papel de San José, manifestando su orgullo paternal, cobra especial relevancia a partir de la Contrarreforma.


Uno de los principales pintores infantiles del Barroco

Personajes absolutamente reales.

Realizada entre 1645-50

Naturalista

Niños presentados como auténticos pícaros

Destacando sus ropas raídas y sus gestos de glotonería.

Detalles están captados a la perfección -especialmente las frutas- , apreciable sensación de realidad.

La pincelada comienza a adquirir una mayor soltura y los efectos de vaporosidad y transparencia

Niños comiendo melón y uvas


También conocido como Niño espulgándose

óleo sobre lienzo

1650

pintura realista y de carácter social

amabilidad y ternura, sin expresar dolor o miseria.

niño vestido con harapos, que se concentra en su ropa apretada entre las manos, por lo que se cree que está despiojándose y aparece con los pies sucios en primer plano.

Como si se tratara de un bodegón o naturaleza muerta, Murillo pinta, con absoluta maestría, un cántaro de barro y un cesto con manzanas, y en el suelo, restos de camarones u otros crustáceos.

Influencia de Caravaggio: fuerte claroscuro mediante el fuerte foco de luz que entra por la ventana lateral.

Composición diagonal

colores amarillentos y castaños, ocres y terrosos, desde los más claros hasta los oscuros, casi negros.

Niño mendigo


Numerosas obras con el mismo tema, la

que aquí tenemos es la Inmaculada de

Soult, pintado hacia 1678.

Repite la misma fórmula: una Virgen niña,

vestida de blanco y manto azul, con las

manos cruzadas sobre el pecho o bien en

actitud de rezar, pisando la Luna y la

mirada dirigida al cielo

Composición en claro impulso

ascensional, muy barroco

luz, nubes y ángeles

desaparición de los tradicionales símbolos

de las Letanías lauretanas

pincelada muy deshecha en los ángeles,

que logra fundir las figuras con la

atmósfera celestial.

Para el Hospital de los Venerables de

Sevilla. Durante la Guerra de la

Independencia fue expoliada y llevada a

Francia por el mariscal Soult en 1813; de

este hecho proviene su otro sobrenombre.

Inmaculada de Soult

BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO 1617-1682:

Inmaculadas

VALDÉS LEAL 1622- 1690

Pintura de significado profundo

Pincelada vibrante, contrastes lumínicos.

Pinturas del Hospital de la Caridad de Sevilla:

dramatismo profundo

Religiosidad

Vánitas: lienzos, 1672.

Reflexión sobre la brevedad de la vida y sobre

lo innecesario de las glorias terrenas y de las riquezas.

In icti oculi (triunfo de la muerte sobre la

vanidad)

Finis Gloriae Mundi

VALDÉS LEAL 1622- 1690 In icti oculi

VALDÉS LEAL 1622- 1690 Finis Gloria Mundi

DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ

VELÁZQUEZ 1599-1660 Nació en Sevilla, la ciudad más cosmopolita

del XVII en España. En ella se encontraba la Casa de la Contratación (comercio con América, gente de todas partes)

1609: entra en el taller de: Herrera el Viejo

FRANCISCO PACHECO: este taller es importante porque era como una Academia con una grana actividad: se hacían tertulias artísticas, llegaban estampas y grabados de todo el mundo… Se caracteriza por la sobriedad y el clasicismo

VELÁZQUEZ. 1ª ETAPA:

SEVILLA

ESTILO:

Luz con matices claroscuristas

Naturalismo: calidad de los objetos

Paleta de ocres y terrosos

Influencia de Caravaggio y Ribera

Temas costumbristas o tratados como tales

aunque encierren contenidos mitológicos o

simbólicos

Pincelada firme, de contornos perfectos.

VELÁZQUEZ. 1ª ETAPA:

SEVILLA

OBRAS:

Vieja friendo huevos

El aguador de Sevilla

Cristo en casa de Marta y Maria

Inmaculada Concepción

Adoración de los Magos

Madre Jerónima de la Fuente

VELÁZQUEZ. Vieja friendo huevos

VELÁZQUEZ. El

aguador de

Sevilla

VELÁZQUEZ. Cristo en casa de Marta y María

VELÁZQUEZ.

Inmaculada Concepción

VELÁZQUEZ.

Adoración de los

Magos

VELÁZQUEZ. Madre

Jerónima de la Fuente

VELÁZQUEZ: 2ª etapa:

MADRID 1623-1629 ESTILO:

Pintor de cámara del rey Felipe IV

Influencia delos venecianos Tiziano y Veronés, a partir de las colecciones reales.

Influencia de Rubens

Color más claro, cromatismo más vivo y luminoso

Técnica más suelta y pincelada vaporosa, sobre todo en los fondos.

Introducción de las perspectiva aérea

Temas mitológicos y detalles de naturaleza muerta

VELÁZQUEZ: 2ª etapa:

MADRID 1623-1629

OBRAS:

Los Borrachos o El triunfo de Baco

Retratos de Felipe Iv y personajes de la

corte

VELÁZQUEZ: Los Borrachos o El triunfo de Baco

VELÁZQUEZ: Retrato del

Infante Don Carlos (1627)

1er Viaje a ITALIA 1629-1631

ESTILO

Conoce la obra de Rafael, Guercino, Miguel Ángel clasicismo

Abandono total del tenebrismo

Profundidad espacial

Estudio del desnudo, de la anatomía

Composiciones más complejas

Fluidez en la pintura

OBRAS: (1630 las dos)

La Fragua de Vulcano

La Túnica de José

VELÁZQUEZ: La fragua de Vulcano

VELÁZQUEZ: La túnica de José

3ª ETAPA: MADRID 1631-

1649

ESTILO

Se aclara la paleta

Gusto por el academicismo

Emplea ya los plateados (grises brillantes)

Perspectiva aérea

Importancia del retrato

Arrepentimientos y correcciones:

demuestran la constante reflexión sobre la

obra

3ª ETAPA: MADRID 1631-

1649 OBRAS

La rendición de Breda (las Lanzas)

Retrato del Príncipe Baltasar Carlos a caballo

Conde Duque de Olivares

Felipe IV de caza

Príncipe Baltasar Carlos de caza Retratos de bufones y personajes de Corte:

El niño de Vallecas Juan Calabazas Sebastián Mora Pablillos de Valladolid

Marte

Esopo

Cristo Crucificado

VELÁZQUEZ: La rendición de Breda (las Lanzas)

VELÁZQUEZ: Retrato del Príncipe Baltasar Carlos a caballo

VELÁZQUEZ: Conde

Duque de Olivares

VELÁZQUEZ: Felipe

IV de caza

VELÁZQUEZ: El niño

de Vallecas

VELÁZQUEZ:

Juan

Calabazas

VELÁZQUEZ

Sebastián Mora

VELÁZQUEZ: Pablillos de

Valladolid

VELÁZQUEZ:

Marte

VELÁZQUEZ:

Esopo

VELÁZQUEZ: Cristo

Crucificado

2º viaje a ITALIA: 1649- 1651

ESTILO:

Pincelada suelta

Impresión

Es un viaje oficial para adquirir obras de arte

OBRAS

Retrato de Inocencio X

Paisajes de la Villa Médici

Retrato de Juan Pareja

Venus del Espejo

VELÁZQUEZ:

Retrato de Inocencio X

VELÁZQUEZ:

Paisajes de la Villa Médici

VELÁZQUEZ:

Retrato de Juan Pareja

VELÁZQUEZ: Venus del Espejo

4ª ETAPA: 1651-1660

ESPLENDOR Y APOGEO

ESTILO:

Sensación de profundidad

Color supeditado a la luz

Pincelada suelta

Dominio de la composición

OBRAS:

Las Meninas

Las Hilanderas

Retratos de la infanta Margarita

VELÁZQUEZ: Las Meninas

VELÁZQUEZ: Las Hilanderas

Influencia de Velázquez

La pincelada influirá no solo en sus contemporáneos, también en maestros posteriores como Goya o los impresionistas.

Sus obras dejaron una marcada huella, hasta el punto de que pintores como Picasso le rinden con una serie de lienzos de Las Meninas (1957) reinterpretadas en estilo cubista, también Francis Bacon esta vez con una serie basada en el retrato del papa Inocencio X, Salvador Dalí hará lo propio al igual que Monet en sus vinculaciones a ciertas obras del maestro español.

Tema 15. Arte Barroco en España: Pintura

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