Tema 15:
LA PINTURA BARROCA ESPAÑOLA. PRINCIPALES ESCUELAS. (Ribera, Zurbarán y Murillo). Velázquez.
¿Qué es la vida? Un frenesí.
¿Qué es la vida? Una ilusión,
una sombra, una ficción,
y el mayor bien es pequeño;
que toda la vida es sueño,
y los sueños, sueños son.
introducción
Busca lo teatral, la ilusión, la fugacidad, lo espontáneo, el instante.
Época de crisis política y económica, sin embargo, es el SIGLO DE ORO del Arte en España
El papel de España como defensora de la Contrarreforma define las creaciones artísticas del Barroco.
El arte es instrumento de poder religioso y monárquico.
Características Generales Soporte y Composición
Lienzo
Composiciones sencillas y naturlalistas.
Realismo Emplean tipos humanos reales, directos (Los Borrachos de
Velázquez) y las escenas cotidianas para hacer más próximos y comprensibles los temas religiosos (Cristo en casa de Marta y Maríade Velázquez).
Temática Religiosa: santos, inmaculadas, mártires, penitentes, Crucificados,
escenas de la vida de Cristo y de la Virgen…
Pintura mitológica reservada a círculos cortesanos
pintura de paisaje no muy abundante.
Naturalezas muertas o bodegones fueron muy apreciadas.
Retrato muy prolijo, sobre todo de la familia real y la nobleza, junto a ellos retratos de los personajes más desfavorecidos, enanos, bufones, mendigos… como vehículo para observar la naturaleza en todos los aspectos.
Las pinturas de historia son más escasas, aunque encontramos importantes ejemplos de temas de batallas como La Rendición de Breda de Velázquez.
REALISMO
Los Borrachos o El Triunfo de Baco, Velázquez
Temática: Santos y vida de Cristo
Cristo crucificado, Velázquez
San Jerónimo, José de Ribera
Temática: la Virgen y martirios
Inmaculada, MurilloMartirio de San Felipe, Ribera
RetratosPríncipe Baltasar Carlos, Velázquez
Pablos de Valladolid, Velázquez
Mitologías
La Venus del Espejo, Velázquez
Pintura de HistoriaLa rendición de Breda (Las Lanzas), Velázquez
Mecenas Rey y nobleza:
Coleccionismo
Galerías de Retratos
Patrocinarán fundaciones religiosas
Órdenes religiosas lienzos para los retablos series para los monasterios.
Focos o escuelas MADRID: la Corte, Velázquez VALENCIA: influencia del tenebrismo de Caravaggio: José
de Ribera y Francisco Ribalta ANDALUCÍA: Velázquez, Zurbarán y Alonso Cano en la
primera mitad de siglo, y Murillo y Valdés Leal en la segunda.
Esta clasificación de escuelas no obliga a los autores a permanecer adscritos a una de ellas y por tanto inamovibles, la mayoría llegará a realizar encargos para la Corte.
VALENCIA: RIBERA Y RIBALTA
Francisco Ribalta 1565 – 1628
Formado en El Escoria
Influjo de Caravaggio.
Individualización de los rostros, el color de
Caravaggio y el tenebrismo.
Temas místico religiosos, en obras como:
San Francisco confortado por un ángel
Cristo abrazando a San Bernardo
Francisco Ribalta 1565 – 1628
San Francisco confortado por un ángel Ángel músico que se
aparece a San Francisco, quien aparece con los estigmas
Claroscurista Calidades de los
objetos: Contrastes entre la
pesada tela del hábito del monje y las telas ligeras del ángel
Contraste entre los colores
Simbología del cordero
Francisco Ribalta 1565 – 1628
Cristo Abrazando a San Bernardo
Composición diagonal
Místico pero tangible
Penumbra en los fondos (ángeles
casi inapreciables), estancia muy
oscura, de pardos negruzcos
Naturalismo tenebrista
Luz, de color artificial. Potente
foco de luz, algo lateral y cenital,
que incide directamente sobre el
cuerpo desnudo de Cristo y el
rostro arrobado del santo.
anatomías realistas
dimensión monumental
TEMA: milagro de la vida de San
Bernardo, una efigie de Cristo, a
la cual el santo rezaba
desconsolado, se desclava de la
cruz para abrazar y consolar al
santo varón.
VALENCIA: RIBERA Y RIBALTA
José de Ribera 1591 – 1652 Toda su obra la produce en Italia, conocido como Il
Spagnoletto.
Naturalismo
Uso de personas comunes como modelos
Estudio lumínico y anatómico perfecto.
Su paleta evolucionará desde el tenebrismo de clara influencia caravaggesca, hasta una paleta de tonalidades más claras
Su factura pasa de un dibujo apretado y pincelada más minuciosa a una pincelada o factura más desecha y pastosa.
Algunas de sus obras más destacadas son: La serie de los Cinco Sentidos La serie de los Filósofos La Inmaculada del Convento de las Agustinas de Monterrey en
Salamanca. El sueño de Jacob La mujer Barbuda El Patizambo
José de Ribera 1591 – 1652
La serie de los Cinco Sentidos Naturalismo inspirado en
Caravaggio
luz de tradición tenebrista
modelos personas cotidanas
Iconografía: se aleja de las visiones realizadas en los Países Bajos -Brueghel-, cargadas de elegancia y complejidad compositiva.
Un personaje con una serie de elementos relacionados con el sentido que representan.
LA VISTA: el hombre tiene entre sus manos un catalejo que
le permite contemplar el Universo a través de la ventana. Unos anteojos y un espejo completan la representación de la vista.
La figura se sitúa en un interior
Luz dirigida (cabeza y manos)
Detallismo
Tonalidades oscuras
Fondo neutro
Serie de los sentidos
Olfato
Serie de los sentidosTacto Gusto
Filósofos (sabios mendigos)
Demócrito Arquímedes
José de Ribera 1591 – 1652La Inmaculada del Convento de las Agustinas de Monterrey en Salamanca. 1635 Óleo sobre lienzo TEMA: Inmaculada
Concepción. (dogma proclamado en 1854, pero tema muy común en la España Barroca)
Tipología: según Pacheco, virgen joven, vestida con una túnica blanca y un manto azul, símbolos respectivamente de pureza y eternidad (según la visión de Santa Brígida), coronada con las doce estrellas y con la media luna a los pies.
Influido por los Carracci Espiritualidad propia del
barroco español. En este momento Ribera ha
abandonado el tenebrismo y hace un cuadro luminoso, de rico colorido.
La Inmaculada del Convento de las Agustinas de Monterrey en Salamanca. En la parte baja del cuadro
unos angelitos llevan diversos atributos e invocaciones que la piedad popular atribuye a la Virgen según las Letanías de Loreto: palmera, rama de olivo, rosa, lirio, espejo sin mancha, torre de David, etc.
En la parte baja del cuadro dos ángeles mancebos miran con arrobo a la Virgen.
En la parte superior aparece la figura de Dios Padre, en atrevido escorzo, amparando con su mano a la Virgen. Debajo, la figura de la paloma, símbolo del Espíritu Santo, protege a la madre de Jesús, segunda persona de la Santísima Trinidad.
José de Ribera 1591 – 1652
El Sueño de Jacob
José de Ribera 1591 – 1652El Sueño de Jacob
óleo sobre lienzo
1639
TEMA: episodio que aparece en el Antiguo Testamento: Jacob se echa a dormir y se le aparece una escalera por la que suben y bajan ángeles. Esa escalera se suele entender como un símbolo de la vida contemplativa, según la interpretación benedictina.
Naturaliismo: humanidad del pastor.
Introduce un toque de fantasía en la visión esfumada de los ángeles que suben y bajan.
gama de color dorada
José de Ribera 1591 – 1652La Mujer Barbuda 1631 Oleo sobre lienzo El Virrey de Nápoles, don
Fernando Afán de Ribera y Enríquez, tercer duque de Alcalá, encargó a Ribera uno de los cuadros más extraños de su producción.
Se trata del retrato de Magdalena Ventura con su marido y en una inscripción que aparece en la zona derecha del lienzo cuenta el extraño caso. A Magdalena, mujer procedente de los Abruzzos, le empezó a crecer la barba a los 37 años y 15 después tuvo el hijo con el que aquí aparece representada.
El encargo responde al deseo del Virrey de tener una excepcional prueba de un extraño caso que se produjo durante su mandato.
José de Ribera 1591 – 1652La Mujer Barbuda Doña Magdalena aparece en el
centro de la composición, vestida como una mujer y dando de amamantar a su pequeño pero su rostro es absolutamente viril, mostrando en su gesto cierto dolor y abatimiento.
A su lado podemos ver a su marido cuyo retrato también es soberbio, captando la amarga resignación con la que vive el caso.
Sobre las piedras que contienen la inscripción podemos apreciar un huso y una devanadera de hilo, símbolos de la feminidad que se supone a la mujer, a pesar de su aspecto.
tenebrismo de origen caravaggista
iluminación que crea intensos contrastes
Rostros, manos, paños y objetos están tomados con absoluto naturalismo
José de Ribera 1591 – 1652El Patizambo 1642
Óleo sobre lienzo
Representa a un joven con el pie deforme; no puede pisar con el talón. Muestra su sonrisa al espectador que puede apreciar la falta de dientes. En la mano tiene un cartel en el que pide, en latín, limosna por el amor de Dios. Con el mismo brazo sujeta la muleta en la que se apoyaría al andar, y que lleva apoyada en el hombro para divertirse.
Fondos influencia escuela veneciana y los Carracci.
Contrasta el azul del cielo con la figura del patizambo que está pintado con colores ocres casi monocromos, apagados y oscuros.
La línea del horizonte muy baja, lo que hace que tenga un aspecto monumental.
Posiblemente inspirado en modelos.
ANDALUCIA:
ZURBARÁN1598 –1664 Formado en en Sevilla con Pedro Díaz De Villanueva, conocido de
Pacheco y Velázquez.
ESTILO: Sencillez reproducción fiel de la naturaleza Llamado el pintor de los frailes y de los “blancos” Composiciones y personajes con simplicidad, volúmenes de
carácter casi geométrico, visible en sus bodegones por medio de fuerte contrastes lumínicos.
TEMAS: series para órdenes religiosas
retratos monásticos
Mitologías: Los Trabajos de Hércules, para decorar el Salón de reinos del Palacio del Buen Retiro de Madrid.
Bodegones
Pintor realista, escueto y místico
Fondos neutros, con luces contrastadas, tenebristas.
ZURBARÁN1598 –1664San Hugo en el refectorio de los Cartujos.
1655
Composición: escena en el refectorio, comedor, de un monasterio cartujo.
TEMA:La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno, fundador de los cartujos, y a los
seis primeros monjes de la Orden, quienes comían gracias a la generosidad de San Hugo,
obispo de Grenoble. Un domingo les envió carne, alimento al que no estaban
acostumbrados, lo que provocó una discusión sobre la conveniencia de practicar la
abstinencia. Mientras discutían quedaron sumidos en un profundo sueño que duró toda la
Cuaresma. El miércoles Santo, San Hugo, que había estado ausente, fue a verlos y los
sorprendió despertándose, comprobando que no tenían noción del tiempo transcurrido.
Entonces miró a los platos y vio que la carne se convertía en ceniza, interpretándolo como
aprobación divina de la abstinencia.
Hábitos blancos, color en el cual se dice que llega a manejar hasta 100 tonos diferentes.
Cerámicas blancas y azules de Talavera, con los escudos del obispo y la Orden.
Cuencos de barro que contienen la comida y unos trozos de pan. Dos jarras de barro, un
tazón boca abajo y unos cuchillos abandonados, ayudan a romper una disposición que
podría resultar monótona si no estuviera suavizada por el hecho de que los objetos
presentan diversas distancias en relación al borde de la mesa.
Geometrización de las telas
Interés por las calidades
ZURBARÁN1598 –1664San Hugo en el refectorio de los Cartujos.
ZURBARÁN1598 –1664La Aparición de San Pedro a san Pedro Nolasco
Parte de una serie encargada por el Convento de la Merced calzada de Sevilla, en el año 1628, y está pintada al óleo.
San Pedro Nolasco (1189 – 1256), fundador de la orden, acaba de ser canonizado, para conmemorar dicho evento, Zurbarán recibe el encargo de pintar un serie de 22 cuadros para el claustro del convento.
Renuncia a la composición tradicional que separaba la esfera terrenal de la celestial.
Los dos santos se encuentran en el mismo plano
Ausencia de fondo
Luz rojiza que parte de la figura de San Pedro crucificado, de modo que el manto blanco del
mercedario hace de pantalla.
Efecto de juegos contrarios: postura de los personajes, desnudez de San Pedro y en las
pesadas ropas de Nolasco.
TEMA: la aparición de san Pedro al monje. Pedro Nolasco deseaba ir en peregrinación a Roma para visitar la tumba de San Pedro. Antes de partir se le aparece el propio apóstol para decirle cual es su misión y disuadirle de que vaya a Roma. La orden de los Mercedarios tenía como principal fin recoger limosnas para liberar a los cristianos que estaba cautivos en poder de los musulmanes.
ZURBARÁN1598 –1664La Aparición de San Pedro a san Pedro Nolasco
ZURBARÁN1598 –1664La defensa de Cádiz contra los ingleses
ZURBARÁN1598 –1664La defensa de Cádiz contra los ingleses
También conocido como Desembarco hostil de los ingleses cerca de Cádiz en 1625, al mando del Conde de Lest o simplemente Defensa de Cádiz,
La escena representa la defensa que las fuerzas españolas hicieron de la ciudad de Cádiz en 1625 ante el ataque de la flota conjunta anglo-holandesa bajo el mando de Edward Cecil.
En primer término aparece el gobernador de Cádiz Fernando Girón (sentado) impartiendo órdenes a sus subordinados (frente a él, el teniente de maestre de campo Diego Ruiz), mientras al fondo se contempla el desembarco de las tropas atacantes frente al fuerte de El Puntal, en la bahía gaditana.
Encargo decorativo para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro de Madrid.
También pintó diez cuadros sobre Los Trabajos de Hércules.
ZURBARÁN1598 –1664
Los Trabajos de Hércules
ZURBARÁN1598 –1664
Los Trabajos de Hércules
ZURBARÁN1598 –1664
Bodegones
ZURBARÁN1598 –1664
Bodegones
Naturalezas muertas: sin personajes: animales, flores, frutos, y todo tipo de objetos inanimados.
Formas, tamaños, materiales diversos.
Detenimiento
Detalles de las calidades de los objetos
Reducción al mínimo del lenguaje pictórico.
Fondos neutros, oscuros
Idea ascética y mística.
ZURBARÁN1598 –1664
Agnus Dei
ZURBARÁN1598 –1664
SANTA ÁGUEDA: Fue una joven romana que sufrió el martirio durante las persecuciones de la época de Decio (siglo III). El senador Quintiano se enamoró de ella y al no ser correspondido le infringió numerosos castigos, el más cruel de todos arrancarle los pechos. La visión milagrosa de San Pedro le curó sus heridas. Zurbarán la representa sosteniendo una bandeja con los pechos cortados, como era habitual en la iconografía cristiana.
SANTA CASILDA: vivió en el siglo XI. Era la hija del rey musulmán de Toledo, pero apiadada de los cristianos que su padre tenía como prisioneros, les llevaba alimentos a la prisión escondidos entre sus vestidos. En una ocasión sorprendida por los soldados, cuando le pidieron que enseñara lo que llevaba respondió que flores, y cuando la obligaron a mostrarlas, los alimentos milagrosamente se convirtieron en flores. Zurbarán nos la muestra levantado ligeramente su vestido para sostener las flores.
Sencillez, naturalidad, el valor de las pequeñas cosas, misticismo Las Santas de Zurbarán aparecen como damas, atavidas con ropajes
exquisitos y joyas. Elegancia y serenidad. Luminosidad de las telas, la majestuosidad de algunos trajes, y el
virtuosismo técnico pintor de calidades.
ZURBARÁN1598 –1664
Santa Águeda Santa Casilda
ZURBARÁN1598 –1664
Santa Margarita Santa Dorotea
ZURBARÁN1598 –1664
SANTA MARGARITA: Probablemente la más famosa de todas las santas de Zurbarán, no existió nunca. Su historia fue difundida en Occidente por la Leyenda Dorada, de Jacopo de la Vorágine, según la cual vivió en tiempos de Diocleciano. Hija de un sacerdote pagano de Antioquía de Pisidia, habría sido convertida por su nodriza, quien la había puesto a cuidar a sus ovejas. El gobernador Olibrio, cuando paseaba a caballo, vio a la joven pastora y fue seducido por su belleza. Pero como ella se le negó la hizo encarcelar. Allí Margarita fue asaltada por Satán en forma de enorme dragón, pero Margarita lo atacó con un crucifijo y lo derrotó. Posteriormente sufrió numerosos castigos y murió decapitada
SANTA DOROTEA. Cuando el prefecto Sapricio le pidió que ofreciera un sacrificio a los dioses, se negó y fue torturada. El prefecto la confió a Crista y Calixta, dos hermanas apóstatas, para que la convencieran de que abandonase la religión cristiana, pero ocurrió al contrario: ambas volvieron al cristianismo y fueron por ello quemadas vivas, mientras Dorotea fue condenada a la decapitación. Por el camino al martirio, encontró a Teófilo, quien le dijo irónicamente: «Esposa de Cristo, mándame manzanas y rosas del jardín de tu esposo». Dorotea aceptó y, antes de la decapitación, mientras rezaba, apareció un niño que le trajo tres rosas y tres manzanas, a pesar de que estaban en el crudo invierno. Ella le pidió que se las llevara a Teófilo, quien, visto el prodigio, se convirtió al cristianismo.
ALONSO CANO 1601-1667
Arquitecto, escultor y pintor.
Pintura que huye del naturalismo
Belleza idealizada.
La pintura veneciana (conocida a través de las obras de la Colección Real en Madrid) le ejercieron gran influencia.
Composiciones clásicas
Gran delicadeza
Colores suaves
Pincelada suelta
Obras: La visión de San Juan Evangelista en Patmos
Noli Me Tangere
Retratos de los reyes Godos, para decorarla sala Dorada del
ALONSO CANO 1601-1667
La visión de San Juan Evangelista en Patmos Formaba parte del retablo de San Juan
Evangelista del convento de Santa Paula en Sevilla, con escenas de la vida del santo.
Expresividad y gracia de las manos de Cano
El ángel, de gran belleza y elegancia.
Aquí aparece agachado sobre San Juan, en fuerte escorzo muy bien conseguido. Sus alas desplegadas y los extremos de su fina capa al viento crean un efecto especialmente barroco. La figura del evangelista, que porta una gruesa túnica blanca y una capa rosada, equilibra la composición, con una postura contrapuesta a la del ángel.
Colorido armónico y muy vivo.
El ángel es sutilmente ambiguo.
Luz natural
Colores empleados, los malvas, azules, rosas, amarillos y verdes se armonizan delicadamente, una pincelada más fluida.
ALONSO CANO 1601-1667
Noli me tangere (1652) Últimos años de su estancia
en Madrid
Inspirado en Correggio.
Tema: humanizado a través del gesto de la mano en la cabeza de la Magdalena, gesto con un sentido iconográfico al hacer alusión a la leyenda según la cual los dedos del Salvador quedaron marcados en su frente.
Composición, repitiendo y oponiendo diagonales en la disposición de brazos y piernas
Ternura del trágico momento.
Solemne paisaje del fondo
ALONSO CANO 1601-1667Noli me tangere
(1652)
Noli me tangere,
Correggio
ALONSO CANO 1601-1667Retratos de los
Reyes Godos El motivo de la obra
es desconocido e interesante ya que Alonso Cano apenas trató temas profanos.
Las figuras resultan de tamaño mayor que el natural, captadas desde un punto de vista bajo.
Realismo dominio del color
influencia de los pintores venecianos y Velázquez.
delicadeza y armonia
BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO
1617-1682
Sensibilidad que a veces anticipa el Rococó
Elevado número de discípulos y seguidores
Condicionado por la clientela: eclesiásticos, el grueso de su producción está formado por obras de carácter religioso, pero a diferencia de los restantes grandes maestros españoles cultivó también la pintura de género de forma continuada e independiente.
Muy popular.
ESTILO: imágenes religiosas, dulces y amables nueva sensibilidad que
rompe con las imágenes trágicas del barroco español anterior. Crea un tipo iconográfico de enorme éxito: la Inmaculada, una
virgen niña, vestida con un manto azul y una túnica blanca, con el rostro inclinado hacia el cielo, las manos en actitud de orar y bajo sus pies la serpiente del mal y la media luna, en ambientes cálidos, de colores intensos y rompimientos de gloria.
Es el pintor de los niños: niños mendigos, escenas callejeras, llenas de ternura en los que huye del dolor y la miseria, representando el lado más amable.
BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO
1617-1682
Obras:
Niños comiendo melón y uvas
El sueño del patricio
Los niños de la concha
Niño mendigo
La Sagrada Familia del pajarito
Inmaculada
BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO 1617-1682
La Sagrada Familia del pajarito
1650.
Escena de interior: sencillez y realismo, entorno humilde.
Composición: centro la escena del Niño hacia el que confluyen las miradas de la Virgen y de
San José.
Penumbra
acentúan los efectos de luz en la figura central
contrastes que permitan modelar los volúmenes de las figuras y de los objetos.
escena cotidiana
Los personajes sagrados adquieren un carácter plenamente humano: San José tiene a su lado el banco de carpintero en el que trabaja habitualmente, la Virgen está ocupada con sus ovillos de lana, y el Niño se entretiene divertido con un pajarito y un perro, alejado de cualquier tema cruel.
La cotidianeidad, la anécdota y la sensibilidad son los rasgos más evidentes de esta obra.
Murillo pretende acercar la escena a los fieles, anulando cualquier referencia celestial o sobrehumana,
belleza dulce del Niño y su alegría en el juego transmiten un sentimiento de serenidad
El papel de San José, manifestando su orgullo paternal, cobra especial relevancia a partir de la Contrarreforma.
BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO 1617-1682
La Sagrada Familia del pajarito
BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO 1617-1682
Uno de los principales pintores infantiles del Barroco
Personajes absolutamente reales.
Realizada entre 1645-50
Naturalista
Niños presentados como auténticos pícaros
Destacando sus ropas raídas y sus gestos de glotonería.
Detalles están captados a la perfección -especialmente las frutas- , apreciable sensación de realidad.
La pincelada comienza a adquirir una mayor soltura y los efectos de vaporosidad y transparencia
Niños comiendo melón y uvas
BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO 1617-1682
También conocido como Niño espulgándose
óleo sobre lienzo
1650
pintura realista y de carácter social
amabilidad y ternura, sin expresar dolor o miseria.
niño vestido con harapos, que se concentra en su ropa apretada entre las manos, por lo que se cree que está despiojándose y aparece con los pies sucios en primer plano.
Como si se tratara de un bodegón o naturaleza muerta, Murillo pinta, con absoluta maestría, un cántaro de barro y un cesto con manzanas, y en el suelo, restos de camarones u otros crustáceos.
Influencia de Caravaggio: fuerte claroscuro mediante el fuerte foco de luz que entra por la ventana lateral.
Composición diagonal
colores amarillentos y castaños, ocres y terrosos, desde los más claros hasta los oscuros, casi negros.
Niño mendigo
BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO 1617-1682
Numerosas obras con el mismo tema, la
que aquí tenemos es la Inmaculada de
Soult, pintado hacia 1678.
Repite la misma fórmula: una Virgen niña,
vestida de blanco y manto azul, con las
manos cruzadas sobre el pecho o bien en
actitud de rezar, pisando la Luna y la
mirada dirigida al cielo
Composición en claro impulso
ascensional, muy barroco
luz, nubes y ángeles
desaparición de los tradicionales símbolos
de las Letanías lauretanas
pincelada muy deshecha en los ángeles,
que logra fundir las figuras con la
atmósfera celestial.
Para el Hospital de los Venerables de
Sevilla. Durante la Guerra de la
Independencia fue expoliada y llevada a
Francia por el mariscal Soult en 1813; de
este hecho proviene su otro sobrenombre.
Inmaculada de Soult
BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO 1617-1682:
Inmaculadas
VALDÉS LEAL 1622- 1690
Pintura de significado profundo
Pincelada vibrante, contrastes lumínicos.
Pinturas del Hospital de la Caridad de Sevilla:
dramatismo profundo
Religiosidad
Vánitas: lienzos, 1672.
Reflexión sobre la brevedad de la vida y sobre
lo innecesario de las glorias terrenas y de las riquezas.
In icti oculi (triunfo de la muerte sobre la
vanidad)
Finis Gloriae Mundi
VALDÉS LEAL 1622- 1690 In icti oculi
VALDÉS LEAL 1622- 1690 Finis Gloria Mundi
DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ
VELÁZQUEZ 1599-1660 Nació en Sevilla, la ciudad más cosmopolita
del XVII en España. En ella se encontraba la Casa de la Contratación (comercio con América, gente de todas partes)
1609: entra en el taller de: Herrera el Viejo
FRANCISCO PACHECO: este taller es importante porque era como una Academia con una grana actividad: se hacían tertulias artísticas, llegaban estampas y grabados de todo el mundo… Se caracteriza por la sobriedad y el clasicismo
VELÁZQUEZ. 1ª ETAPA:
SEVILLA
ESTILO:
Luz con matices claroscuristas
Naturalismo: calidad de los objetos
Paleta de ocres y terrosos
Influencia de Caravaggio y Ribera
Temas costumbristas o tratados como tales
aunque encierren contenidos mitológicos o
simbólicos
Pincelada firme, de contornos perfectos.
VELÁZQUEZ. 1ª ETAPA:
SEVILLA
OBRAS:
Vieja friendo huevos
El aguador de Sevilla
Cristo en casa de Marta y Maria
Inmaculada Concepción
Adoración de los Magos
Madre Jerónima de la Fuente
VELÁZQUEZ. Vieja friendo huevos
VELÁZQUEZ. El
aguador de
Sevilla
VELÁZQUEZ. Cristo en casa de Marta y María
VELÁZQUEZ.
Inmaculada Concepción
VELÁZQUEZ.
Adoración de los
Magos
VELÁZQUEZ. Madre
Jerónima de la Fuente
VELÁZQUEZ: 2ª etapa:
MADRID 1623-1629 ESTILO:
Pintor de cámara del rey Felipe IV
Influencia delos venecianos Tiziano y Veronés, a partir de las colecciones reales.
Influencia de Rubens
Color más claro, cromatismo más vivo y luminoso
Técnica más suelta y pincelada vaporosa, sobre todo en los fondos.
Introducción de las perspectiva aérea
Temas mitológicos y detalles de naturaleza muerta
VELÁZQUEZ: 2ª etapa:
MADRID 1623-1629
OBRAS:
Los Borrachos o El triunfo de Baco
Retratos de Felipe Iv y personajes de la
corte
VELÁZQUEZ: Los Borrachos o El triunfo de Baco
VELÁZQUEZ: Retrato del
Infante Don Carlos (1627)
1er Viaje a ITALIA 1629-1631
ESTILO
Conoce la obra de Rafael, Guercino, Miguel Ángel clasicismo
Abandono total del tenebrismo
Profundidad espacial
Estudio del desnudo, de la anatomía
Composiciones más complejas
Fluidez en la pintura
OBRAS: (1630 las dos)
La Fragua de Vulcano
La Túnica de José
VELÁZQUEZ: La fragua de Vulcano
VELÁZQUEZ: La túnica de José
3ª ETAPA: MADRID 1631-
1649
ESTILO
Se aclara la paleta
Gusto por el academicismo
Emplea ya los plateados (grises brillantes)
Perspectiva aérea
Importancia del retrato
Arrepentimientos y correcciones:
demuestran la constante reflexión sobre la
obra
3ª ETAPA: MADRID 1631-
1649 OBRAS
La rendición de Breda (las Lanzas)
Retrato del Príncipe Baltasar Carlos a caballo
Conde Duque de Olivares
Felipe IV de caza
Príncipe Baltasar Carlos de caza Retratos de bufones y personajes de Corte:
El niño de Vallecas Juan Calabazas Sebastián Mora Pablillos de Valladolid
Marte
Esopo
Cristo Crucificado
VELÁZQUEZ: La rendición de Breda (las Lanzas)
VELÁZQUEZ: Retrato del Príncipe Baltasar Carlos a caballo
VELÁZQUEZ: Conde
Duque de Olivares
VELÁZQUEZ: Felipe
IV de caza
VELÁZQUEZ: El niño
de Vallecas
VELÁZQUEZ:
Juan
Calabazas
VELÁZQUEZ
Sebastián Mora
VELÁZQUEZ: Pablillos de
Valladolid
VELÁZQUEZ:
Marte
VELÁZQUEZ:
Esopo
VELÁZQUEZ: Cristo
Crucificado
2º viaje a ITALIA: 1649- 1651
ESTILO:
Pincelada suelta
Impresión
Es un viaje oficial para adquirir obras de arte
OBRAS
Retrato de Inocencio X
Paisajes de la Villa Médici
Retrato de Juan Pareja
Venus del Espejo
VELÁZQUEZ:
Retrato de Inocencio X
VELÁZQUEZ:
Paisajes de la Villa Médici
VELÁZQUEZ:
Retrato de Juan Pareja
VELÁZQUEZ: Venus del Espejo
4ª ETAPA: 1651-1660
ESPLENDOR Y APOGEO
ESTILO:
Sensación de profundidad
Color supeditado a la luz
Pincelada suelta
Dominio de la composición
OBRAS:
Las Meninas
Las Hilanderas
Retratos de la infanta Margarita
VELÁZQUEZ: Las Meninas
VELÁZQUEZ: Las Hilanderas
Influencia de Velázquez
La pincelada influirá no solo en sus contemporáneos, también en maestros posteriores como Goya o los impresionistas.
Sus obras dejaron una marcada huella, hasta el punto de que pintores como Picasso le rinden con una serie de lienzos de Las Meninas (1957) reinterpretadas en estilo cubista, también Francis Bacon esta vez con una serie basada en el retrato del papa Inocencio X, Salvador Dalí hará lo propio al igual que Monet en sus vinculaciones a ciertas obras del maestro español.
Top Related