Tema 12. Arte Barroco. Arquitectura y escultura

EL ARTE

BARROCO EN

ITALIAARQUITECTURA Y

ESCULTURA

INTRODUCCIÓN: TÉRMINO

BARROCO

Manifestaciones artísticas de Europa e

Iberoamérica durante el siglo XVII y primera

mitad del XVIII, donde se funde con el

Rococó.

El término se relaciona con lo extravagante.

En primer momento se tomó con sentido

peyorativo, en el siglo XIX, empezó a ser

empleado para designar un estilo concreto.

INTRODUCCIÓN: CONTEXTO HISTÓRICO

Dos acontecimientos importantes: Contrarreforma Barroca:

Arte medio propagandístico de la Iglesia Católica Iglesia Católica: cliente y mecenas del Arte Recomendaciones iconográfico-formales del Concilio fueron:

claridad, sencillez y comprensibilidad de los temas.

Tratamiento realista

Estímulo a la piedad,

El Afianzamiento de las Monarquías Absolutas

Arte = propagandístico para las Monarquías absolutas, símbolo de ostentación y lujo.

Es la época de Kepler, Galileo, Copérnico… científicos y astrónomos que llegaron a la conclusión de que la Tierra no es el centro del Universo el hombre ya no es el centro del Universo fugacidad de la vida y lo efímero

Esta idea explica las distorsiones en Arquitectura, los engaños visuales (trampantojo), los lumínicos y los materiales (falsas bóvedas).

Arquitectura:

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Unión de todas las Artes: Arquitectura, escultura y pintura, y también urbanismo..

Ruptura con el equilibrio clásico.

MATERIALES: buscando el contraste cromático: mármoles, bronce, piedras de diferentes colores…

ELEMENTOS CONSTRUCTIVOS remiten a lo clásico pero con un lenguaje muy distinto

CURVAS; AVANCES Y RETROCESOS en el paramento del muro

Movimiento.

Efecto de claroscuro, la superficie del edificio cambie según la luz del día.

Tensiones entre los distintos elementos del edificio

ELEMENTOS DECORATIVOS

La arquitectura adquiere gran variedad de puntos de vista, se valora la profundidad y destaca el valor concedido a las vistas en escorzo o en diagonal.

El Urbanismo Amplios espacios: perspectivas, líneas

oblicuas, plazas

Importancia de la relación del edificio con su

entorno,

ROMA: Papa Sixto V (1585-1590).

símbolo de la cristiandad, capital de la Iglesia

plan urbanístico unificador durante 1585-1590.

Plaza del Popolo de Carlo Rainaldi

Plaza Navona

San Pedro del Vaticano

Plaza de España

Piazza dei popolo

Plaza Navona

Plaza de España (iglesia de la Santísima Trinidad)

El Palacio como símbolo de poder

BARROCO FRANCÉS Sobriedad, armonía y claridad van a ser las claves al servicio del poder establecido político majestuosidad y su clara vocación de ostentación. ciudades, palacios o jardines al servicio de la gloria del rey Palacio de Versalles

modelo muy difundido por Europa.

Reinados de Luis XIII y su hijo, Luis XIV

Pensado como una gran "escenografía" en la cual presentar al monarca y su corte en todo su esplendor,.

Todo está perfectamente medido y controlado los jardines las decoraciones interiores el terreno el exterior

obra de LE VAU, LE BRUN y LE NÔTRE.

Palacio de Versalles

ARQUITECTURA BARROCA EN ITALIA

empleo masivo de la columna

mármol, bronce, mosaicos…

juegos de luz.

plantas muy variadas:

una sola nave con capillas laterales y ábside derivado de “IlGesú” de Vignola

cruz latina o basilical, centralizada, de cruz griega, oval, circular…

cúpula

arquitectos destacados:

Carlo Maderno

Gian Lorenzo Bernini

Francesco Borromini

TURÍN: Guarino Guarini

VENECIA:

Baldassare Longhena

CARLO MADERNO (1556 – 1629)

Fachada de San Pedro del Vaticano pontificado de Pablo V Antepuso un cuerpo de tres naves, a modo de vestíbulo

o antesala al plan central, y cerrando el conjunto con una fachada horizontal.

fachada rematada con torres campanario en las esquinas (que no llegaron a realizarse) y que en cierto modo enmarcarían la cúpula.

Utilizó el orden gigante para no provocar una ruptura con el exterior, así como la alternancia de frontones curvos y triangulares también utilizados por Miguel Angel.

La fachada se erige a partir de pilastras de orden gigante y semicolumnas corintias que abarcan los dos pisos que la conforman; sigue un entablamento y un ático coronado con una balaustrada.

CARLO MADERNO (1556 – 1629) Fachada de San Pedro

del Vaticano

GIAN LORENZO BERNINI (1598 – 1680) gozó del favor y la protección de numerosos papas, para

los que realizó abundantes encargos: papa Urbano VIII

Inocencio X

Alejandro VII.

OBRA dos fases: 1 – Inicial: más apegado a la tradición: Fachada e la Iglesia de

santa Bibiana

2 – Su época de esplendor comienza cuando le encargan en 1624 la realización del Baldaquino de San Pedro, obra a medio camino entre la escultura y la arquitectura, en la que destaca en empleo de la columna salomónica.

ESTILO: mármoles y materiales nobles

Estilo grandilocuente y creando fantásticas escenografías.

majestuosidad, intemporalidad y efectos ópticos.

Utiliza la columnata, llenas de movimiento. Suele utilizar la planta central no la basilical, como ocurre en San Andrés del Quirinal, jugando con la curva y la contracurva.

Plaza de San Pedro del Vaticano

Organizada en torno a una explanada elíptica rodeada por una amplia columnata sobre la que se asientan las figuras de 140 santos.

1656- 1657.

En la plaza se encuentran dos fuentes en el centro de cada semicírculo, y en el centro de la plaza, un monumental obelisco traído desde Egipto. En 1586 el Papa Sixto V decidió colocarlo frente a la Basílica de San Pedro en memoria del martirio de San Pedro.

Los dos brazos de columnas (284 de 16 metros cada una) parten de los laterales de la fachada, simbolizando el abrazo de acogida de la Iglesia al visitante y parece invitan a entrar.

Proyecto para San Pedro

Plaza de San Pedro del Vaticano

San Andrés del Quirinal

Roma. Sede del noviciado de la Compañía de Jesús.

pequeñas dimensiones

1658 y 1670

encargo del cardenal Pamphilli, familiar de Inocencio X.

una de las obras maestras de la arquitectura de Bernini.

PLANTA: forma oval de eje transversal, con el altar y la entrada opuestos en el eje menor,

pórtico curvo a la entrada columnado está decorado por la corona de su patrón CamilloPamphilli.

Escultura en el interior de San Andrés en vuelo, lo que genera una significativa ruptura entre la zona del altar mayor y la del espacio oval.

San Andrés del

Quirinal

FRANCESCO BORROMINI (1599 – 1667)

La vida de Borromini se encuentra marcada por el constante conflicto con Bernini.

Era de carácter huraño y solitario, contando con escasos amigos, como el marqués de Castel Rodrigo, el cardenal Spada.

Estilo: Dinamismo

la curva y la contracurva

tratamiento plástico de las superficies

Ritmo

Extravagante

Es el paradigma de lo anteclásico.

San Carlos de las Cuatro Fuentes (claustro: 1635-37 e

iglesia: 1638-41

Se trata de su primer encargo independiente.

La fachada se terminaría más tarde

La fachada se compone por tres calles con una convexidad central flanqueada por dos cóncavas y con columnas adosadas al muro.

En el piso inferior se encuentra la estatua de San Carlos Borromeoflanqueado por otras dos estatuas, encontrándose estas subordinadas a la arquitectura y claramente confinadas en el espacio reservado a ellas.

En esta fachada se hace uso de los órdenes gigantes.

Borromini pretendía originalmente rematar el conjunto con un frontón, pero queda finalmente con un remate más simple.

es un edificio es pequeño

La forma oval de la nave se articula en torno a un ritmo de convexidades y concavidades, muestra del dinamismo barroco.

Los elementos ondulados de la fachada (1662-1667), unidos por una cornisa serpenteante y esculpidos con nichos, todo ello con gran dinamismo y acentuando las líneas verticales.

San Carlos de las Cuatro Fuentes (claustro: 1635-37 e

iglesia: 1638-41

San Ivo a la Sapienza El pequeño claustro es un perfecto ejemplo de la extrema libertad

de Borromini en el tratamiento de la arquitectura, aplicando los elementos del lenguaje tradicional según una sintaxis que renueva la concepción del espacio, considerado como continuidad ininterrumpida y dinámica, que puede modelarse.

CAPILLA: 1642 y 1660 planta centralizada generada a partir la intersección de dos

triángulos equiláteros que crean un hexágono. A este hexágono se le añaden una serie de círculos que generan

una alternancia de espacios cóncavos y convexos.

La cúpula es muy caprichosa, extravagante. continúa la forma de estrella del plano. Las líneas verticales de las pilastras se continúan en las molduras

doradas de la cúpula que repiten y acentúan la división tripartita en vanos de abajo.

Líneas verticales tienen una fuerza tremenda.

Al exterior la estructura abovedada, en la que destaca la linterna decorada con dobles columna, con formas curvas, y repitiendo una helicoidal que podría vincularse con las obras islámicas.

San Ivo a la Sapienza

Baladasare Longhena (1604 – 1682) Santa

Maria della Salute

Guarino Guarini (1624 – 1683)

Capilla del Santo Sudario de Turín

esculturaARTE BARROCO EN ITALIA

LA ESCULTURA BARROCA

Características Generales

Naturalismo: sentimientos, expresiones, actitudes.

Dinamismo: movimiento, estructuras diagonales y a líneas curvas sinuosas, composiciones de líneas abiertas, inestabilidad, se acentúan la línea helicoidal manierista.

Contrastes lumínicos: calidades de los objetos, diferentes técnicas: pulido, non-finito, trépano… claroscuros.

Materiales: preferentemente el bronce y el mármol.

Composiciones teatrales. Temas: religiosos, mitológicos y retratos.

Tipologías: fuentes, estatuas… en las que vemos la inclusión de elementos exóticos, ajenos al ideario clásico (obeliscos), retratos, grupos escultóricos, relieves, sepulcros…

G.L. Bernini 1598-1680 Máximo representante de la escultura barroca italiana.

Pronto empezó a trabajar para el cardenal Scipione Borghese, quien le convirtió en su protegido.

Para el cardenal Borghese va a realizar 4 grupos escultóricos:

Eneas y Anquises (1618-19) de claro estilo manierista por influencia de su padre

El rapto de Proserpina (1621-2)

David (1623)

Apolo y Dafne (1622-24)

ESTILO:

caracterización psicológica de los personajes

fuerza interior

delicadeza de los acabados.

acerca al espectador a la obra, haciendo a éste partícipe de la acción.

Las mejores muestras de su hacer son el Éxtasis de Santa Teresa y las tumbas de Urbano VIII y Alejandro VII en el Vaticano.

Destaca sin dudo el BALDAQUINO

También trabajó para Luis XIV, para quien realizó un excelente busto

Baldaquino y cátedra de San Pedro 1624-33

Realizado en bronce con una altura de 29 m.

En 1624, Bernini recibió el primer encargo oficial: el Baldaquino.

Encargo de Urbano VIII

Problema conla falta de material: solución expolió todo el bronce

del Panteón

Otro problema fue la ubicación de la estructura definitiva que

sustituiría a la provisional erigida sobre el altar mayor

espectacular obra: cuatro ángeles que sostenían un rígido

pabellón metálico

estructura dinámica: arquitectura, escultura y decoración.

Columnas: forma helicoidal como las del Templo de Salomón

gigantescas dimensiones

atrae hacia sí las miradas y las dirige después hacia el espacio

circundante,

Contraste entre el color oscuro y dorado del bronce y el blanco

de los pilares que sostienen la cúpula, con cuya rectitud

contienden los fustes contorneados de sus columnas.


El nexo de varias artes en una concepción unitaria, absolutamente innovadora, culmina en su coronamiento donde se funden formas arquitectónicas, fantásticas y naturales

Remate: cuatro volutas triples, trabadas a la curvatura del entablamento, que imprime mayor dinamismo.

estructura escenográfica. Iconografía: continuidad histórica de la Jerusalén bíblica

en la Roma papal, triunfante sobre la Reforma, una glorificación del nuevo Salomón: Urbano VIII.

Las abejas del escudo familiar de los Barberini campean en los lambrequines de la cubierta y el sol resplandeciente, otro símbolo familiar, brilla sobre los entablamentos de las columnas.

Celebración de los Barberini y glorificación de la Iglesia católica.

Baldaquino y cátedra de San Pedro 1624-33 Columnas: El baldaquino se sostiene por cuatro columnas salomónicas

ricamente decoradas con elementos de la naturaleza. Además, se ve decoración de racimos de uva y abejas, en alusión a la familia Barberini y su escudo. Este tipo de columnas no se usaban desde la Antigüedad y tienen un orden personalizado.

Bronce: Para hacer la gran obra utilizó el bronce del Panteón, lo que suscitó muchas críticas.

Sol: Sobre los entablamentos podemos ver decoración de soles, otro símbolo de la familia Barberini.

Palio: Con esta estructura, Bernini imitaba los palios de las procesiones, sobre todo la de la canonización de Santa Isabel de Portugal.

Tumba: Este gran baldaquino de bronce sustituyó a uno antiguo que se había erigido encima de la tumba de San Pedro. A su vez, este baldaquino estaba justo debajo de la cúpula de Miguel Ángel. Por lo tanto, queda emplazado en el lugar más importante de la basílica y sirve de marco a la cátedra de San Pedro, que se encuentra justo detrás.

Paloma: Una paloma dorada simboliza el Espíritu Santo.

Remate: El remate es una serie de figuras alegóricas que están en las cuatro esquinas. Además, todo el baldaquino se remata con un globo terrestre y una cruz. Simbolizaría que Cristo está presente en todo el mundo por medio de la familia Barberini, ya que los elementos de su escudo están siempre presentes.

Cátedra: Al fondo vemos la cátedra de San Pedro, también realizada por Bernini.

LA CABRA AMALTEA (hacia 1611-1612)

Obra inicial.

Fue considerada hasta los años 30 como un original helenístico

clasicismo académico.

TEMA: mitológico. Amaltea era una ninfa cabra descendiente del Sol y que vivía en una cueva del monte Ida de Creta. Según otras teorías era la nodriza que alimentó a Zeus. Con la piel de la cabra Amaltea se hizo después Zeus, cuando ya la cabra había muerto, su égida (coraza).

maestría al tratar el mármol

habilidad al presentar la escultura como parte del espacio

relación de la obra con el entorno, idea muy barroca

LA CABRA AMALTEA (hacia 1611-1612)

ENEAS, ANQUISES Y ASCANIO 1618 y 1619

escultura de mármol de 220 cm de alto,

expuesta en la Galería Borghese, en Roma.

TEMA: Eneas huyendo de la ciudad de Troya

llevando a su anciano padre, Anquises sobre

sus hombros, y a su hijo Ascanio llevando el

sagrado fuego del hogar, mientras Anquises

sostiene a los dioses del hogar familiar, algo

que Bernini toma de lo descrito por Virgilio.

influencia de su padre, con sus

composiciones en forma de torre propias de

finales del siglo XVI.

ENEAS, ANQUISES Y

ASCANIO 1618 y 1619

El rapto de Proserpina 1621 y 1622.

Para Scipione Borghese

Conjunto escultórico realizado en mármol

TEMA: Proserpina (Perséfone en la mitología griega) siendo raptada por Plutón (Hades en la mitología griega), soberano de los infiernos, de ahí que el perro que aparece representado se identifique con el Can Cerbero. En él se representa un asunto procedente de las Metamorfosis de Ovidio.

contraposto retorcido, es una reminiscencia del Manierismo

Proserpina: retorcida de dolor en un gesto de angustia.

Es notable la representación de los detalles: Proserpina empuja la cabeza de Plutón estirando su piel, y los dedos de este aprietan la carne de Proserpina tratando de inmovilizarla.

Este grupo en mármol de un tamaño ligeramente mayor que el natural.

carácter violento y dinámico

confrontación del vicio y la virtud. Así se expresan los diferentes comportamientos psicológicos de los personajes, representando los afecti, los estados anímicos.

El rapto de Proserpina 1621 y 1622.

APOLO Y DAFNE 1622 y 1625

escultura a tamaño real de mármol

TEMA: mito de Dafne, nombre que en griego significa laurel. El dios Apolo, afectado por una de las flechas de Eros, la amaba, pero ella no le correspondía y le esquivaba. En una ocasión Apolo la persiguió, y ella huyó hacia las montañas para evitarlo; entonces ella se encomendó al dios del río Peneo, que la transformó en un laurel. De sus pies iban saliendo raíces y sus extremidades se convertían en frondosas ramas del árbol que desde ese momento fue el consagrado al dios Apolo y pasó a representarlo. La transformación la relata Ovidio en sus Metamorfosis. Este mito ilustra el origen de uno de los símbolos típicos del dios, la corona de laurel.

transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios.

la obra nos pide que interactuemos con ella: vista desde la espalda de Apolo, la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el árbol en que se transforma, de modo que girando alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo de la metamorfosis de la ninfa.

en el periodo helenístico existía esta percepción de Apolo como un muchacho andrógino, joven y delgado,.

Aunque Apolo predicaba la virtud griega de la moderación y la sobriedad, esta estatua le muestra persiguiendo desesperadamente a su amor, en vano.

Esta escultura se inspiró en el Apolo Belvedere de Leocares

El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes

interés por la representación de las emociones y los afectos.

plasmación del instante y del movimiento en mármol.

APOLO Y DAFNE 1622 y 1625

DAVID 1623

David aparece aquí tensando la onda para atacar a Goliat.

La dinámica de la figura se enfatiza por medio de una composición piramidal con varios puntos de vista.

Aquí la tensión y el drama no quedan reducidas al propio grupo

destaca el gesto de rabia de la expresión de David.

DAVID 1623

EL EXTASIS DE SANTA TERESA

Momento en que Santa Teresa pierde su conciencia como consecuencia de éxtasis amoroso (ojos cerrados, boca entreabierta...) producido por la llama divina.

Ubicada en la capilla Cornaro dentro de la Iglesia de santa María de la Victoria de Roma, fue encargada por el cardenal Federico Cornaro.

Juego dramático entre la mirada y la expresión penetración psicológica

escena enmarcada por la arquitectura.

Pintura, la escultura y la arquitectura, a los que añadió el recurso de la iluminación naturall.

Arriba la gloria divina; parece como si el cielo penetrara en la iglesia, se construyeron unas nubes de estuco que cubren parte de la arquitectura y ornamentación de la bóveda, y sobre este estuco realista aparece el Señor de los Angeles, el portador de la llama divina: el querubín que atraviesa el corazón de santa Teresa parece, pues, haber descendido del grupo pictórico.

El grupo está realizado en mármol blanco (aunque el conjunto esté formado por una gran variedad de mármoles distintos, entre jaspes y mármoles de colores, alabastros y lapislázulis).


Los ropajes reflejan el movimiento emocional

La mano izquierda de Santa Teresa cuelga insensible, mientras que sus pies siguen suspendidos en el aire.

El ángel, medio desnudo, está cubierto con una vestimenta que se pega a su cuerpo con formas que, recordando la técnica clásica de los "paños mojados“

diagonal descendente que señala la entrada de la fuerza divina.

contrastes entre el ángel y la santa.

Composición: mediante dos diagonales, que forman un aspa, sensación de movimiento.

efecto de contrastes lumínicos (por ejemplo, gracias a los pliegues de las ropas de Santa Teresa).

SEPULCRO DE ALEJANDRO VII (1671-1678)

al final de su carrera

figuras y efectos de gran fuerza expresiva, condicionados por el espacio al que Bernini debía ajustar la obra.

Al fondo de la hornacina existía una pequeña puerta que daba paso a otras dependencias, y él la adelantó colocando así la plataforma necesaria para ubicar la figura orante del difunto, a la vez que servía para simular la cámara funeraria, puerta de la muerte, que un esqueleto (de bronce dorado) nos enseña al levantar el paño (de mármol de colores).

En los cuatro ángulos de esta composición coloca las imágenes de las 4 virtudes: Caridad y Verdad, delante en figura completa, y Prudencia y Justicia, detrás y a media figura.

SEPULCRO DE ALEJANDRO VII (1671-1678)

FUENTE DE LOS CUATRO RÍOS

Ideó una gran roca en travertino de la cual manan los cuatro ríos del mundo, personificados en cuatro gigantes de aspecto racial diferenciado, acompañados de animales y plantas que identifican a cada uno de los continentes

obelisco egipcio que coronó con la paloma de los Pamphili, que a sus vez puede interpretarse como el símbolo del Espíritu santo dominando sobre el orbe gracias a la acción de la Iglesia.

Este monumento supone la culminación de las fuentes urbanas e incorpora la novedad de incluir la naturaleza interpretada en todo su realismo y presencia impactante.

FUENTE DE LOS CUATRO RÍOS

Busto del Cardenal Borghese 1632

Busto de Constanza Buonarelli

Beata Ludovica Albertoni

Busto de Luis XIV

Martirio de San Lorenzo

INFLUENCIA DE BERNINI

fundamental,

Stefano Maderno: Santa Cecilia

Alessandro Algardi :

Atila expulsado por el papa León I el Magno

La degollación de san Pablo

François Duquesnoy: Santa Susana, San

Andrés

Stefano Maderno: Santa Cecilia

Alessandro Algardi :

Atila expulsado por el papa León I el Magno

La degollación de san Pablo

François Duquesnoy: Santa Susana, San Andrés

Tema 12. Arte Barroco. Arquitectura y escultura

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