Hacia la PAU y más alláEl Barroco

La Escultura

Higinio Rodríguez Lorenzo

Características del barroco• Si tenemos que fijar unas fechas para este estilo

artístico europeo con origen en Roma pero manifestaciones particulares en todos los países y en la América colonial, sería entre 1600 y 1750.

• El Manierismo lo prefigura; el Rococó es su final. Podemos tratar estos dos estilos como algo diferente del barroco, pero también se pueden ver como su inicio y su final en un continuum evolutivo.

• Además de estilo artístico que traspasa todas las artes, es un movimiento cultural amplio y un verdadero estilo de vida.

Características del barroco• Coincide en el tiempo y se relaciona estrechamente con

– el reforzamiento del papado de Roma en la Contrarreforma frente a la Reforma que, triunfante en los países del norte y centro de Europa, asumirá también la característica grandilocuencia del barroco;

– el afianzamiento de los estados modernos como Monarquías absolutas;

– una nobleza cortesana y una burguesía ricas y que pugnan por la supremacía social.

El poder rápidamente advirtió que el arte es un magnífico propagador de ideología: el arte es propaganda y está al servicio del poder. Nada ni nadie fuera de su control.

Características del barrocoGirardon: Luis XIV como Apolo. Hacia 1666

Características del barroco

Características del barroco• Coincide en el tiempo y se relaciona estrechamente

con– una mentalidad en crisis por los choques religioso

(protestantes y católicos) y el que se da entre la religión y el pensamiento científico-racional que ahora obtiene los primeros logros.

Descartes y Galileo enfrentan el pensamiento tradicional “supersticioso” aunque son católicos y no renuncian a la religión, pero encuentran nuevos “anclajes” para la “Verdad” que debe acomodarse a la “razón” y no prioritariamente a la “revelación”…

Características del barroco… y la gran masa, la gente, menos dada a la

especulación necesita tener otras seguridades: – la vida eterna, por lo que el arte y el pensamiento

religioso-supersticioso también se desarrollan enormemente: liturgia ampulosa, imágenes que transmiten con realismo el dolor y el sufrimiento … en el mundo católico;

– o ver al monarca como el protector de vidas y haciendas y todopoderoso árbitro frente a la nobleza. Así, admira y goza de la vista el lujo y derroche de sus reyes aunque eso le supone sacrificios grandes: la compensación en la fiesta y en el disfrute de la “justicia” pública con castigos brutales.

Características del barroco• Se termina con la “serenidad”, “armonía”,

“simetría”… que el Renacimiento había impuesto • La obra de arte se inserta en un “escenario” (la

escultura) o directamente lo crea (arquitectura y pintura) buscando “efectismo” y grandilocuencia... que llega al máximo en la pintura con el ilusionismo de espacios sin fin.

• La obra de arte busca “llegar” por los sentidos al sentimiento antes que al intelecto, de ahí que se exagere el “realismo” con un naturalismo excesivo y del exceso para provocar “emoción”.

Características del barroco

Características del barroco

Características del barroco• El naturalismo: las figuras se representan con su

personalidad individual propia. Los artistas buscan reflejar los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, que se llevan a los rostros de los personajes.

• El movimiento, la energía y la tensión traspasan toda la obra de arte. De ahí que lo curvo gane la partida a la recta.

• Los contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos en todas las obras.

Características del barroco

Características del barroco

La esculturabarroca

Gian Lorenzo Bernini 1598-1680

• Arquitecto y urbanista, escultor y pintor, dibujante … y escenógrafo: es la encarnación del barroco romano.

• Hijo de un escultor de talento, Pietro Bernini, llega de niño a Roma y toma contacto con la escultura “helenística” de las colecciones particulares.

• Lo grecorromano, Miguel Ángel, y los pintores “barrocos” G. Reni y Caravaggio son sus maestros.

• Los trabajos que realizó durante su vida son cuantiosos. Entre ellos se incluyen fuentes públicas, decoración de iglesias y obras arquitectónicas.

Gian Lorenzo Bernini 1598-1680

• Del manierismo de su padre evoluciona rápidamente a la “expresividad” barroca.

• Su obra resulta novedosa por la relación que establece de las esculturas con el espacio circundante, ya que están concebidas para ser observadas desde un punto determinado, no para ser rodeadas y vistas desde cualquier ángulo… como en el Renacimiento .

• Su experiencia como urbanista y arquitecto la traslada a los conjuntos escultóricos, tanto los que realiza para local cerrado como las fuentes y monumentos públicos.

Gian Lorenzo Bernini 1598-1680

• Del manierismo de su padre evoluciona rápidamente a la “expresividad” barroca.

• Su obra resulta novedosa por la relación que establece de las esculturas con el espacio circundante, ya que están concebidas para ser observadas desde un punto determinado, no para ser rodeadas y vistas desde cualquier ángulo… como en el Renacimiento .

• Su experiencia como urbanista y arquitecto la traslada a los conjuntos escultóricos, tanto los que realiza para local cerrado como las fuentes y monumentos públicos.

Apolo y Dafne 1622-1625

• Obra a tamaño natural, en mármol. El esquema compositivo es el que había seguido Juan de Bolonia (Giambologna) en El rapto de la Sabina hacia 1582 y el propio Bernini un año antes con El rapto de Proserpina.

• La obra recoge el momento en que Dafne se transforma en laurel, pero girando alrededor de la escultura vemos “momentos” de esa transformación. Desde la vista “habitual” lo que vemos es un momento “puntual”, una instantánea de movimiento congelado, pero la posición inestable de las figuras refleja la tensión y el movimiento.

• La contraposición de los elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la escultura helenística de la que bebe Bernini .

Apolo y Dafne 1622-1625

Rapto de la Sabina Giambologna

Rapto de Proserpina,Bernini 1622

Apolo y Dafne 1622-1625

• Bernini se inspiró en el Apolo Belvedere de Leocares. • La composición se realiza en plano-relieve,

encontrándose llena de dinamismo y difuminación. El grito de horror de Dafne y el rostro perplejo de Apolo nos muestran un contraste de actitudes y aspectos que reflejan el interés por la representación de las emociones y los afectos.

• En esta obra hay una lectura de carácter moral, como premio a la virtud y a la virginidad, aunque se utilice un tema “pagano”. Está en línea, pues, con lo que predica la Cotrarreforma vaticana.

David 1623-1624

• Es una escultura a tamaño natural, en mármol. Es un encargo del cardenal Scipione Borghese, sobrino del papa Paulo V recién fallecido.

• El tema es ya “clásico”: Donatello, Verrochio, Miguel Ángel… lo habían tratado en los 200 años anteriores y con genialidad.

• Así, pues, para Bernini, a sus 25 años acepta todo un reto… para superar a su admirado maestro lejano Miguel Ángel.

David 1623-1624

David 1623-1624

• Elige el momento en que va lanzar la piedra, no como los anteriores: vencedor (Donatello, Verrochio), o en el momento previo, desafiante (Miguel Ángel)

• De esa forma acepta “lo barroco”: el movimiento y la composición “dramática” y desequilibrada junto a la expresividad del rostro que refleja tensión y fiereza ante el enemigo.

• El antecedente más lejano pero del que no hay aquí ni recuerdo, es el discóbolo de Mirón: aquí el movimiento se percibe de pleno.

El éxtasis de Santa Teresa 1647-1652• El tema es religioso, pero más allá del motivo

concreto, podemos ver “la transformación de lo femenino por la acción masculina”. Así, 25 años después de su Apolo y Dafne, repite motivo.

• La composición es mucho más compleja:– El centro de gravedad se desplaza: la santa se halla

ligeramente reclinada hacia atrás y el ángel gira hacia la parte anterior del escenario

– El juego dramático entre la mirada y la expresión profundiza la penetración psicológica hasta alcanzar un retrato escultórico de grupo que rivaliza con las composiciones pictóricas coetáneas y que será modelo para el futuro.

– Y toda la capilla donde se ubica la escultura gira en torno a la obra.

El éxtasis de Santa Teresa 1647-1652• Es una escena pictórica enmarcada por la arquitectura que nos

incluye como participantes en una celebración religiosa que quizás no sea tanto representada como revelada.

• Arquitectura, pintura, escultura … a lo que hay que añadir el recurso de la iluminación natural para crear esta alucinante revelación. Es un espectáculo que sorprende al espectador.– si miramos hacia arriba podemos ver la gloria divina; parece como

si el cielo penetrara en la iglesia, ya que Bernini hizo construir unas nubes de estuco que cubren parte de la arquitectura y ornamentación de la bóveda, y sobre este estuco realista aparece el Señor de los Angeles, el portador de la llama divina: el querubín que atraviesa el corazón de santa Teresa parece, pues, haber descendido del grupo pictórico.

– Santa Teresa está literalmente arrebatada, en éxtasis místico; aparece sobre una nube de algodón hecha, sin embargo, con mármol

Éxtasis de Santa Teresa. 1647-52350 cm. Mármol y bronce dorado. Santa Maria della Vittoria, capilla Cornaro. Roma

El éxtasis de Santa Teresa 1647-1652

• Bernini reprodujo el texto de Santa Teresa (Libro de la Vida. 29, 13) en el que relata cómo se vio arrebatada al éxtasis místico.

• Así el “efectismo”, “dramatismo”, espiritualidad … están perfectamente reflejadas.

• Interpretaciones diversas llevan a incidir en el asunto de “lo femenino transformado por lo masculino” para darle un significado más irreverente y explícito: una representación del orgasmo, dado que tanto en lo que escribe la monja como en lo representado se aprecia “dolor y placer”, emoción sensual…

Entre otras referencias en el WEB: http://www.herenciacristiana.com/heroinas/avilaheroina.html http://analizarte.es/2006/09/13/los-orgasmos-de-santa-teresa/ http://multimedios.org/docs/d001244/p000030.htm .

La imaginería barroca española• Es el gran momento de la escultura española al

tiempo de lo mejor en Arquitectura, Pintura y Literatura: el siglo de oro.

• Y encontraremos dos escuelas en el XVII que florecen durante dos generaciones (desde finales del XVI a la segunda mitad del XVII) y otra que arranca a finales del XVII y se desarrolla en el XVIII: – Escuela castellana (Valladolid y )– Escuela andaluza (Sevilla y Granada)– Escuela murciana (siglo XVIII).

La imaginería barroca española• Escuela castellana:

– Realismo y gusto por lo macabro: dolor, patetismo..– Gregorio Fernández

• Escuela andaluza.– Realismo pero con serenidad y “sin sangre”– Sevilla: Martínez Montañés y Juan de Mesa …– Granada: Alonso Cano y Pedro de Mena …

• Escuela murciana: – Los belenes, de tradición napolitana.– Francisco Salzillo …

La imaginería barroca española

Características de la escultura barroca española:• Predominio de los temas religiosos. Es algo que ya se asentó en

el siglo XVI, especialmente en la segunda mitad, con Felipe II. • Realismo, incluso para realzarlo se recurre a postizos como el

empleo de pelo real, ojos y lágrimas de cristal, etc. Se llegaron a crear imágenes de vestir, en las que se realizaban con minuciosidad cabeza, manos y pies para vestirlas con ropa real.

• Empleo de la madera policromada como material preferido. • El cliente más importante es la Iglesia y en segundo lugar la

Corte. En menor medida la nobleza para adornar sus capillas. • Las obras decoran retablos, sillerías de coro y los famosos

pasos de Semana Santa. • Decae la escultura funeraria y monumental (ésta sólo en la Corte)

La imaginería barroca españolaCaracterísticas de la escuela castellana:• centrada en Valladolid y Madrid. • Ofrece un realismo exagerado: el dolor y la

crueldad con abundancia de sangre; • cierto dinamismo en la composición, con

cuerpos retorcidos y en posturas violentas; • la caricaturización de los personajes malvados; • un fuerte modelado;• y unos rostros de gran expresividad.

Gregorio Fernández 1576-1636Gallego de nacimiento …• Llega a Valladolid cuando la corte está allí (entre 1601

y 1605) afincándose allí y donde pondrá taller y realizará obra para todo el norte de Castilla y Madrid.

• Asume y profundiza la tradición de A. Berruguete y Juan de Juni, escultores renacentistas que ya empezaron a trabajar la “expresividad” patética;

• Partiendo del manierismo, alcanzó un estilo sólido de madurez buscando efectos de iluminación y sobre todo de naturalidad y expresividad especialmente a partir de 1616: el naturalismo pictórico de Caravaggio.

Gregorio Fernández 1576-1636• Es muy minucioso en el tratamiento anatómico,

matizando la dureza de los huesos, la tensión de los músculos, la blandura de la carne o la suavidad de la piel. Con igual minuciosidad dispone cabellos y barbas, en mechones y rizos apuntados, que parecen húmedos;

• Frente a la gran plasticidad de los cuerpos, los ropajes parecen pesados y acartonados, formando pliegues rígidos y angulosos que producen fuertes contrastes de luces y sombras.

• Utiliza “postizos” para resaltar el realismo.• Aunque sus representaciones son “serenas” el

dramatismo se alcanza en los rostros y las manos.

Gregorio Fernández 1576-1636• Realiza, exclusivamente escultura para retablos e imágenes

procesionales, ("Pasos", algunos de los cuales aún forman parte de los desfiles de Semana Santa de Valladolid).

• Crea tipos iconográficos pues su forma de representar determinados temas alcanzó gran éxito, repitiendo él mismo ciertos modelos y originando series: Inmaculada, Cristo Yacente, Santa Teresa, San Ignacio de Loyola, San Pedro … que sus discípulos repetirán a lo largo del siglo y hasta el XVIII.

• Concedió gran importancia a la policromía, que él nunca realizó personalmente, pero recomendó la manera de proceder y se rodeó de artistas capacitados para llevarla a cabo.

Cristo yacenteConvento PP capuchinos deEl Pardo, Madrid.1614-1615

Cristo yacente 1615• Uno de sus cristos yacentes está en el convento

de los PP capuchinos de El Pardo, Madrid. • Es, probablemente, el más realista y

conmovedor de sus cristos yacentes, que cumple a la perfección su finalidad: conmover al fiel y estimular su religiosidad y sometimiento a las directrices de la Iglesia.

• El verismo con que está pintada la muerte reciente y las heridas que le condujeron a la muerte es excepcional.

Cristo yacente 1625-30• Uno de sus cristos yacentes está en el Museo Nacional

de Escultura, en Valladolid. • Presenta una cuidadísima talla, reflejando de modo

muy naturalista, un cuerpo exhausto por el sufrimiento y un rostro demacrado. Su policromía es muy sobria y cuenta con un buen número de postizos: dientes de marfil, heridas de corcho, ojos de cristal, uñas de asta. Fue tallado entre 1625-30 para la Casa Profesa de los Jesuitas, en Madrid.

• Otros, como el de la iglesia de San Miguel aún siguen saliendo en procesión en Semana Santa.

Gregorio Fernández. Cristo yacente. 1625-30. Museo Nacional de Escultura de Valladolid

Gregorio Fernández. Cristo yacente. Ca. 1610. Iglesia de San Miguel. Valladolid

Gregorio Fernández. Cristo yacente. Convento de Santa Clara. Burgos

Gregorio Fernández 1576-1636• Es conveniente conocer también otras

producciones de G. Fernández. • Siguiendo modelos anteriores también, como

en los cristos yacentes (de Juan de Juni, por ejemplo), realiza La Piedad, o su “Tengo sed”, crucificados o “Ecce Homo” para pasos procesionales.

• Y, también, Inmaculadas o su S. Sebastián para capillas.

Inmaculada Concepción ha. 1630

• Juan Martínez Montañés es el imaginero español que gozó de mayor fama y respeto popular entre sus contemporáneos

• De esa forma acepta “lo barroco”: el movimiento y la composición “dramática” y desequilibrada junto a la expresividad del rostro que refleja tensión y fiereza ante el enemigo.

• A la Purísima la concibe como una Virgen niña, que junta las manos en actitud de orar y descansa sobre una peana de querubines, en una composición trapezoidal.

• Su obra maestra es “La cieguita”, así llamada popularmente por tener la mirada baja y los ojos entornados

INMACULADA CONCEPCION llamada LA CIEGUITA 1629-1631-Talla policromada en cedro de La Habana; altura 164 cmObra de MARTINEZ MONTAÑES Catedral de Sevilla

Inmaculada Concepción ha. 1630

• Representa una virgen mística, con los ojos semicerrados reconcentrada en su espiritualidad, lo que realza la pureza que es la virtud que se quiere resaltar (inmaculada).

• El modelo creará escuela y será reproducido hasta el siglo XIX.

• Algunas reproducciones de ese modelo son obra de su propio taller.

Juan Martínez Montañés y taller, h. 1630.Escultura en madera policromada, 150 cm.Iglesia de la Anunciación, Sevilla.

Juan Martínez Montañés

• Es necesario conocer algunas otras obras de este autor tan destacado de la escuela andaluza

• Su retrato de Ignacio de Loyola o su crucificado.

• En ellos se puede apreciar tanto el realismo como la “serenidad” que lo distingue de su contemporáneo de la escuela castellana, Gregorio Fernández.

Es una idea y montaje de

Higinio Rodríguez Lorenzomayo de 2007

A partir de muy diversas fuentes: las imágenes se han tomado de la Internet ;Los textos, se señalan al final de esta presentación las

páginas o sitios WEB de los que han sido tomados, así como de diversos libros de texto de Historia del Arte de COU y de 2º de Bachillerato.

Fuentes:

http://esculturasantiguas.juegofanatico.cl/bernini.htmhttp://es.wikipedia.org/wiki/Apolo_y_Dafne_%28Bernini%29http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc70.htmlhttp://es.wikipedia.org/wiki/David_%28Bernini%29http://www.quintocentenario.us.es/historia/1505-2005/capitulo6/organizacionTrafico.jsphttp://museoescultura.mcu.es/coleccion/obras/fernan.htmlhttp://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/4763.htmhttp://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/4765.htmhttp://comenta-la-obra.blogspot.com/feeds/posts/default