Revista Conocimiento 15

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Autores invitados: Ricardo Escobedo, Rubén González Garza, Jorge Villegas, Saskia Juárez, Enrique Florescano, Adán Lozano, Fray Julián Pablo

a seis personajes nuestros en la Ciencia y Técnica del Arte

Director Luis Eugenio Todd

Por Juan Roberto Zavala

JEANNETTE L. CLARIONDUna de las más destacadas poetas mexicanas, quien ha hecho de la reflexión y de su amor por la vida un ejercicio poético integral, Jeannette L. Clariond es también traductora de obra poética del inglés e italiano al español, y se ha dedicado por varios años a estudiar el pensamiento y la religión en el México antiguo, tema que ha abordado dentro y fuera del país.

Es licenciada en Filosofía por la UR, y tiene dos maestrías, una en Metodología de la Ciencia y otra en Letras Españolas, ambos grados académicos de la UANL. Ha publicado siete obras, de las que sólo

mencionamos Desierta memoria, cuya primera edición es de Juan Pablo Editores y Ediciones Sin Nombre, y la segunda de Ed. Plaza & Janés, y Todo antes de la noche, de Ed. Pre-textos. Actualmente trabaja al lado de Harold Bloom en una antología de poesía norteamericana contemporánea.

JORGE ELIZONDODedicado a ser lo que es: escultor, y por tanto a investigar y utilizar, por el solo placer de manipularlo, el espacio no utilitario, Jorge Elizondo aspira a lograr -lo que para nosotros ya ha conseguido- las tres cosas más importantes e inspiradoras de su vida: conservar el espíritu de niño que existe en todo ser humano; utilizar al mismo tiempo, en su trabajo de escultor, el corazón, las manos y el cerebro, y ser lo que es; es decir, no pretender ser algo que no es.

Es ingeniero químico por la UANL. Cursó estudios de dibujo, diseño y composición en el Instituto

Allende, en San Miguel de Allende, Guanajuato, y de escultura en la Escuela Masona, en Barcelona España. Ha participando en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Estados Unidos, Italia, España, Alemania y en nuestro país.

Artista excepcional, con reconocimiento nacional e internacional como uno de los directores de orquesta con mayor prestigio en México y Latinoamérica, Félix Carrasco Córdova ha demostrado, a lo largo de su vida, no sólo una espléndida técnica de dirección, sino también un profundo conocimiento musical y la excepcional habilidad para, dirigiendo con alegría y pasión, cautivar tanto a los músicos de la orquesta, como a la audiencia.

Cursó estudios profesionales de piano, oboe y dirección de orquesta en el Conservatorio Nacional de México. En Austria se graduó en 1982 como director de orquesta en la Escuela Superior de Música de Viena. Ha recibido numerosos premios, de los que sólo mencionamos la medalla Mozart de Oro, capítulo excelencia, que otorga la Fundación Cultural Domecq.

RUBÉN GONZÁLEZ GARZADedicado desde 1949 a la actuación, dirección y a la dramaturgia, pues inició como traspunte, utilero y después como actor con la destacada directora teatral Elisa María Ortiz de González Garza, Rubén González Garza es también, actualmente, catedrático en la UANL y en el ITESM.

Aunque es técnico mecánico electricista por el ITESM e hizo estudios, sin concluirlos, de Letras y Psicología en la Universidad Labastida, la mayor parte de sus estudios son de dirección

escénica, actuación y dramaturgia, los que realizó en diversas ciudades del país, habiendo sido alumno de personalidades como Sergio Magaña, Emilio Carballido, Luisa Josefina Hernández y Sanchís Sinisterre, y en dirección, de Salvador Novo, L. Margules y Seki Sano, entre otros.

Entusiasta difusor y promotor en Nuevo León del conocimiento y aprecio por la cerámica artística, Ricardo Escobedo es uno de los más reconocidos ceramistas mexicanos quien, como parte de nuestra esencia cultural, está en constante proceso de aprendizaje y de investigación sobre las posibilidades expresivas y estéticas de la arcilla.

Aunque tiene una maestría en Lingüística Española, de la Normal Superior del Estado, se ha dedicado de lleno a la cerámica, la que estudió en España, Estados Unidos y Canadá. En

1978 fundó, con el maestro Rafael Gabilondo, el Taller de Cerámica Tres Piedras y ha organizado Encuentros Nacionales de Ceramistas. Cuenta con ocho exposiciones individuales y ha presentado trabajos en 71 exposiciones colectivas. En su carrera como ceramista ha recibido seis premios, un premio especial de acabados y dos menciones de honor.

ADÁN HÉCTOR LOZANO ARRAMBIDECon una inclinación natural por admirar las cosas bellas, facilidad para el dibujo y el deseo de comunicarse con los demás, Adán Héctor Lozano Arrambide eligió una profesión eminentemente humanista al servicio del hombre: la arquitectura, y con ella se ha dedicado al diseño arquitectónico residencial con un enfoque muy contemporáneo y una visión de obra total que abarca desde el diseño de jardines, diseño de interiores y la totalidad de los complementos de la obra.

Egresó y es catedrático de la Escuela de Arquitectura del ITESM. Además, es miembro de número y posteriormente emérito de la Academia Nacional de Arquitectura, capítulo Monterrey; presidente del Consejo Consultivo Ciudadano de Desarrollo Urbano del municipio de Garza García y miembro del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. Ha recibido numerosos premios por sus aportaciones a la arquitectura.

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5.

FÉLIX CARRASCO CÓRDOVA

RICARDO ESCOBEDO

La Ciencia y el Arte,Valores supremosde la civilización

Ciencia y Tecnología, aliados de la creación artística Jorge García MurilloPágina 3

Una oportunidadpara la MúsicaFélix CarrascoPágina 5

Belleza y reflexiónFray Julián PabloPágina 12

La poesía tiene su cienciaJeannette ClariondPágina 14

Arte y Ciencia, expresiones paralelasMartha ChapaPágina 18

El origen del hombre en la Capilla SixtinaFrancisco Armengol, EL Vaticano Página 32

Invita Octavio Paredes a la Cruzada del saberPor Miguel Reyes RazoPremio Nacionalde PeriodismoPágina 43

Juan Antonio González Aréchiga, ingeniero del Humanismo

Galería de rectores en la UANLPágina 24

Reloj concebido por Leonardo Da Vinci

CONSEJO EDITORIALIngeniero Juan Antonio González AréchigaPresidenteLicenciado Omar Cervantes RodríguezDirector de Comunicación Social del Gobierno del EstadoIngeniero Xavier Lozano MartínezM.C. Silvia Patricia Mora CastroDoctor Mario César Salinas CarmonaDoctora Diana Reséndez PérezDoctor Alan Castillo RodríguezIngeniero Jorge Mercado Salas

DIRECTORIO Ingeniero Antonio Zárate NegrónDirector del Programa Ciudad Internacionaldel ConocimientoDoctor Luis Eugenio ToddDirector General

Félix Ramos GamiñoDirector EditorialMaestro Rodrigo SotoSecretario EditorialProfesor Ismael Vidales DelgadoEducaciónLicenciado Juan Roberto ZavalaCiencia en FamiliaDoctor Jorge N. Valero GilCiencias Económicas y SocialesDoctor Juan Lauro AguirreCiencias Básicas y del AmbienteIngeniero Gabriel ToddDesarrollo Urbano y Social Doctor David Gómez AlmaguerCiencias Médicas Contador Público José Cárdenas CavazosCiencias Políticas y/o de Administración Pública

Doctora Liliana Patricia Cerda PérezCiencias de la ComunicaciónDoctor Lothar KrauseCiencia en Nuevo LeónLicenciados Jorge Pedraza yClaudia OrdazLa Ciencia es CulturaDoctor Óscar Salas FraireEducación Física y DeporteDoctor Mario César SalinasLas Universidades y la CienciaVíctor Eduardo Armendáriz Ruiz DiseñadorLicenciado Eduardo Medina GonzálezAdministraciónProfesor Jesús Macías TreviñoCirculación

La revista CONOCIMIENTO es editada por el Consejo de Ciencia y Tecnología del Estado de Nuevo León, y abre sus páginas a las instituciones de educación superior para la publicación de artículos y noticias de carácter científico. Teléfonos en la Redacción: 83 46 74 99 y 83 46 73 51 [email protected] Registro solicitado previamente con el nombre de CONOCIMIENTO. Las opiniones expresadas en los artículos son responsabilidad exclusiva de sus autores.

Carlos Joloy

Para atender los compromisos adquiridos en el proyecto de la Ciudad Internacional del Conocimiento, el Gobierno del Estado arrancó la construcción del primer Parque de Investigación e Innovación Tecnológica.

El predio en que se ubicará tiene 70 hectáreas de extensión, y se localiza a un costado de la autopista al aeropuerto, en el municipio de Apodaca. La inversión inicial para el proyecto es de 150 millones

de pesos; se estima que en todo el proyecto se invertirán alrededor de mil millones de pesos. En principio se desarrollaran 22 súper lotes, que serán ocupados por los primeros centros de investigación, lo que representa una ocupación de 30 hectáreas; el resto quedará de reserva.

Arranca el Primer Parque de...

Investigación e Innovación Tecnológica

INICIO FORMAL DE LOS TRABAJOSEl arranque formal de las obras inició el pasado 31 de agosto. El gobernador, José Natividad González Parás, acompañado de servidores públicos, dio el banderazo de inicio de la construcción en las instalaciones del Teatro de la Ciudad, mientras que al mismo tiempo, vía enlace interactivo, Abel Guerra, secretario de Obras Públicas, y José Antonio González, alcalde de Apodaca, llevaron a cabo la misma acción desde el lugar de la obra.

El parque será el primero en su tipo en América Latina, y ya cuenta con el apoyo de instituciones que lo integrarán, como las principales universidades del estado y el CONACyT. Una vez que la construcción esté lista, cada parte interesada en participar hará sus propias aportaciones en cuanto a personal e infraestructura común para mantener en funcionamiento sus centros de investigación.

González Parás explicó que con esta acción se detonará el desarrollo tecnológico en la región, no sólo gracias a la cooperación de las instituciones de educación superior, ya que también se espera atraer empresas que participen en este movimiento.

DESARROLLO TECNOLÓGICO“Yo creo –dijo el gobernador- que ahí van a instalarse muy pronto un número importante de empresas que tengan proyectos de desarrollo tecnológico. Lo que estamos haciendo en esta primera etapa, es con universidades públicas, con centros nacionales de investigación, con el CONACyT y con el Instituto del Agua, pero ya están en la lista de solicitantes un número importante de empresas que quieren irse a ubicar a ese lugar”.

El mandatario estatal agregó que además de la promoción del parque, hay en puerta otros importantes proyectos a corto plazo como el que está en desarrollo con el CINVESTAV, que consiste en un “mega” programa nacional para traer a más de 100 investigadores de alto nivel con un número igual de proyectos. Concluyó que esta colaboración podría extenderse hasta 400 doctores e investigadores prestigiados que trabajarían en Monterrey.

Luego del inicio de las obras del parque, los trabajos de infraestructura tardarán alrededor de siete meses, y se espera que los primeros centros estén trabajando en el año 2007 en áreas como nanotecnología, mecatrónica y biotecnología, entre otras.

El gobernador de Nuevo León, Natividad González Parás, da

el banderazo de arranque a las obras del primer Parque

de Investigación e Innovación Tecnológica.

En atención a los múltiples comentarios que hemos recibido sobre el artículo del empresario Carlos Chavarría, del Grupo Camionero Transregio, publicado en la edición número 14 de Conocimiento, en el que, en uso de su libre opinión, señala que no está justificado el uso del Metro, por las características de densidades habitacionales y de empleo en nuestra ciudad, queremos señalar lo siguiente:

Nuestra revista consultó con algunos urbanistas, y considera prudente, dentro del marco plural, democrático y de participación ciudadana que caracteriza a este gobierno, hacer la siguiente reflexión, a consideración de nuestros lectores:

1. La ciudad es un ente vivo, elástico y en constante evolución. Se edifica, se modifica, se remodela y se reconstruye para adaptarse a la nueva realidad o a una nueva visión. Es un acierto, por lo tanto, prever hoy el Monterrey Internacional del mañana, que demandará de manera natural una mayor densificación vertical y el uso de sistemas de transporte eficientes.

2. La construcción del Metro tenderá de manera natural a empujar una mayor integración del sistema de transporte para llegar, como sucede en las ciudades mas avanzadas del mundo, a tener una red coordinada y eficiente en el uso del espacio vial.

3. Extender las opciones de un sistema de transporte eficiente, amplía la cultura hacia su uso y responde a la exigencia ciudadana para contar con un transporte de calidad en todo su trayecto, no sólo en el Metro.

4. La derrama económica producto de esta inversión generará empleos en nuestra entidad.

5. La presencia de un sistema de transporte masivo justifica el cambio de densidades previstas en los planes y provoca una mayor promoción para proyectos urbanos modernos que respondan a esta nueva visión vertical. Segmentos de la población que todavía se oponen por motivos particulares a una mayor densificación comprenden que, contando con la infraestructura que soporte los cambios, la ciudad no puede ni debe ser frenada en su evolución.

Aclaración: sobre comentarios expresados en el artículo del transportista Carlos Chavarría






Carlos Joloy























CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 200548

diversos sectores productivos (agricultura, ganadería, industria, comercio), y a los gremios de profesionistas (educadores, médicos, ingenieros, arquitectos). Este programa exhaustivo e incluyente culminó con la inauguración de un elenco de nuevas instituciones educativas y culturales: Universidad Nacional, Escuela de Estudios Superiores, Congreso Internacional de Americanistas, Museo Nacional de Arqueología, Historia y Etnología, Museo Tecnológico Industrial… De esta manera la celebración del primer centenario de la Independencia se transformó en una exaltación de las obras realizadas por el gobierno de Porfirio Díaz.

Los festejos del Centenario, además de su proyección internacional ante el cuerpo diplomático y los invitados especiales, y de su relación íntima con los miembros del gobierno, el capital y la Iglesia, tuvieron una repercusión profunda en los sectores medios y populares. Junto a los desfiles, verbenas, bailes, corridas de toros y estallidos pirotécnicos, la Comisión del Centenario promovió una propaganda iconográfica dedicada a estos sectores, que se tradujo en una colección de estampas que festejaban a los héroes de la patria o celebraban la Declaración de Independencia firmada el 28 de septiembre de 1821. Durante los 30 días que duraron estas fiestas proliferaron las medallas conmemorativas con distintas imágenes patrióticas. La fiesta del Centenario impulsó diversos ejercicios de recuperación de la memoria popular,como lo testimonia la publicación en 1910 del Romancero de la guerra de Independencia, que reunió los cantos dedicados a esta gesta a lo largo de los cien años transcurridos. Asimismo, la abundante colección de estampas, banderas, platos pintados, anillos de puros, tarjetas postales, juegos infantiles y artefactos con imágenes de los héroes de la independencia, los episodios formadores de la nación y los emblemas de la patria, brindan una idea del alcance popular que tuvo esta celebración y del manejo que de ella hizo el presidente Porfirio Díaz.

CIENCIA DE LA

A sí, con la inauguración de estas dos obras grandiosas se completó el eje patriótico que Vicente Riva Palacio había imaginado veinte años atrás. El Paseo de la Reforma, con sus monumentos a Cuauhtémoc, Cristóbal

Colón, la estatua ecuestre de Carlos IV, la Columna de la Independencia y el mausoleo de Benito Juárez, era una síntesis de los episodios edificadores de la nación, un libro abierto que se leía paseando y un homenaje teatralizado a los héroes de la patria. En las fiestas, inauguraciones y discursos que describe la Crónica oficial, las palabras canónicas fueron Independencia, Paz y Progreso, voces similares a los lemas que identificaban el gobierno de Porfirio Díaz. De esta manera la conmemoración del Centenario de la Independencia se transformó en un gran teatro político escenificado con solemnidad y derroche de recursos en la capital del país, y focalizado en la persona de Porfirio Díaz. En cada una de esas ceremonias emergía, en la escena final, la figura imponente del presidente de la república, cuya imagen recorría luego las capitales y ciudades del interior del país, proyectada por los medios de comunicación.

HOMENAJE TEATRALIZADO A LOS HÉROES

Castillo de Chapultepec.

DESCARTESPienso, luego existo

1596 a 1650

La ciencia y el arte son los valores fundamentales de la civilización contem-poránea; así se titula esta edición.

Esta expresión se justifica porque el proceso de los cambios social e histórico reales del mundo se basa en drásticos movimientos artísticos o inventos trascendentes del encuentro del hombre con la naturaleza, a través de la investigación científica; el cambio histórico permanente no depende de la política, pues ésta sólo lo administra.

Múltiples ejemplos de lo aquí descrito pueden constatarse en el análisis de la historia de la civilización moderna, incluyendo la concepción estética de los griegos, el respeto a los valores del quehacer artístico por un pueblo guerrero como los romanos, el tremendo auge de la cultura durante el Renacimiento y los inventos como los de Newton, Galileo, Copérnico y Fulton, que precedieron a la Revolución Industrial.

Ni qué insistir en el hecho real de que el crecimiento demográfico no es producto de los avances políticos o administrativos, sino de un invento genial de Alejandro Fleming quien, al descubrir la penicilina, hizo que disminuyera la mortalidad.

Esta introducción consolida un concepto frecuentemente olvidado, que es aquél de que la ciencia es cultura y genera identidad nacional; lo anterior, para fortalecer la idea que generalmente se confunde al identificar la cultura sólo con la expresión estética, y olvidarse de que la transformación del mundo se

hace a través de la ciencia, y el cambio del cosmos interno espiritual se genera a través del arte y las religiones, ambos detonantes de la fuerza cultural de cualquier región, país o continente.

La ciencia, según nuestra tesis, es la base del conocimiento, y por supuesto la tecnología es la hermana menor de este proceso, consolidándose en la productividad una resultante pragmática de la misma; todo en el marco de una sociedad actual cuyos valores se basan en el monetarismo ilustrado, el libre comercio y en una globalización que debe ser estrategia y no considerarse como un fin humanista.

Esto debe tomarse en cuenta en el análisis del impresionante avance científico y tecnológico de la época, y del progreso derivado del mismo. Sin embargo, no debemos olvidar que el hombre, en su lucha por la tecnología, la productividad y la competitividad, olvida frecuentemente el marco ético de comportamiento y el fenómeno social

que debe acompañar siempre a una visión humanista trascendente.

Si no se considera lo anterior, se produce una sociedad en la que la juventud aprovecha los beneficios de la informática, la comunicación y los avances tecnológicos, en un tropel inconsciente, encontrándose al final de esa carrera con la decepción, la consiguiente ansiedad y la depresión, producto de la pérdida del objetivo fundamental del quehacer humano integral que es el de la integración axiológica de los valores reales del juicio moral.

En esta edición se trata de demostrar la tesis básica de que las artes y la ciencia son hermanas de un mismo Olimpo y deben reinar generosas en el concierto armónico del amor entre seres humanos y de la visión siempre expectante de un más allá que hace de la vida una fase del existir, y no solamente un siniestro final predecible.

Saber leer y saber contar es saber comprender y así poder aprender; de allí parte el conocer de la ciencia y la sensibilidad del arte.

LA CIENCIA ES CULTURAHacia una ciencia y tecnología con marco ético de comportamiento

discursos y homenajes a los héroes de la patria, a los fundadores de la república y a los defensores de la nación.

ICONOGRAFÍA OFICIALAl lado de la dilatada iconografía oficial, Carlos Monsiváis me dio a conocer su magnífica colección de imágenes populares que dan cuenta de la profundidad que alcanzó esta celebración en el imaginario colectivo. Así, una serie de estampas populares y platos pintados presentan la imagen de Porfirio Díaz como general victorioso, icono nacional rodeado de monumentos y personajes representativos, o presidente de la república. Otras imágenes lo muestran acompañado por los principales miembros de su gabinete. Una colección de estampas de manufactura popular, las más numerosas durante las fiestas del Centenario, presentan el retrato del presidente Díaz acompañado de las efigies de Hidalgo, Juárez o de ambos, equiparándolo con los fundadores de la nación independiente.

La clave que explica el esplendor de los festejos del Centenario es el tamaño y la fuerza alcanzados por el Estado porfiriano. En contraste con el perfil disminuido de las fiestas que celebraron la Independencia en 1821 o en la época de Juárez, en 1910 son las instituciones del Estado (los ministerios o secretarías, el ejército, los gobiernos estatales y municipales, y el aparato administrativo), los ejecutores del vasto programa de celebraciones. Un análisis somero de la Crónica oficial de las fiestas del Centenario muestra que en estas instituciones descansó la organización del extenso programa de festejos, la coordinación de los múltiples sectores, burocracias y grupos participantes, y la calculada efectividad de su realización. La eficiencia que habían alcanzado las dependencias del Estado, así como su alto grado de centralización, se entrelazaron para que al lado de las fiestas, desfiles y saraos, tuviera lugar el denso calendario de inauguración de obras públicas.

EL ARTE DE LA MANIPULACIÓNCon perfecto dominio del arte de la manipulación, Porfirio Díaz hizo coincidir el programa de festejos con la apertura de las obras realizadas por su gobierno, y con una serie de exposiciones que reunieron a los

CIENCIA DE LA

Angel de la Independencia.

47CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 2005

CIENCIA DEL ARTE

La Ciencia y la Tecnología, aliados de la creación artística .............................3

Una oportunidad para la música...........................5

La escultura: algunos conceptos básicos ............7

La cerámica: historia de una relación con la ciencia ...............................9

Belleza y reflexión .................................................12

La Ciencia y el Arte, iguales objetivos, diversos métodos de exploración ......................13

La poesía tiene su ciencia ....................................14

Arte y Ciencia, expresiones paralelas ...............18

Los laberintos de Borges ....................................21

Melodrama del arte lírico ....................................22

CIENCIA UNIVERSITARIA

Instalan Galería de Rectores en CU ...................24

CIENCIA DEL ARTE

Ciencia y Arte, binomio inseparable .................26

El arte de decir y de escuchar .............................28

El poder en las artes .............................................30

El origen del hombre en la Capilla Sixtina .......32

Arte, el más vasto de todos los lenguajes .......34

La inteligencia artificial, impuesta por la evolución cibernética ..............36

El teatro, terapia del alma ...................................38

Nuevas formas de expresión ..............................39

Arte y ciencia, importante herramienta para crear mejores seres humanos ...................40

Enrique FlorescanoHistoriador mexicano, cursó la maestría en Historia Universal en El Colegio de México y obtuvo el grado de doctor en Historia, de la Universidad de París. Ha publicado numerosos ensayos en revistas científicas del área de Ciencias Sociales en México y en el extranjero. Ha sido galardonado por la trascendencia de su obra con premios como Fray Bernardino de Sahagún y el Premio Nacional de Ciencias Sociales, entro otros. En 1996 obtuvo el premio Nacional de Ciencias y Artes, en el área de Historia, Ciencias Sociales y Filosofía, que otorga el gobierno de la república.

Francisco ArmengolEs licenciado en Filosofía y en Teología egresado del Ateneo Pontificio Regina Apostolorum, en Roma; también tiene un diplomado en Humanidades Clásicas, que cursó en el Centro de Humanidades Clásicas, en Salamanca, España. Actualmente estudia Teología Bíblica en la Universidad Gregoriana de Roma, en El Vaticano. Al mismo tiempo, ejerce su sacerdocio.

Julián Pablo FernándezOriginario de la ciudad de México, ha estudiado diversas disciplinas, como Filosofía, Teología y Arquitectura. Perteneciente a la orden de los predicadores dominicos, actualmente trabaja en el Convento de Santo Domingo en la ciudad de México.

Martha ChapaNació en Monterrey, Nuevo León. Egresó de la Escuela de Pintura y Escultura “La Esmeralda”. Su trabajo artístico comenzó durante el inicio de la década de los 60’s acompañada de la manzana, figura que se considera como el tema central de su pintura. Ha participado en más de 500 exposiciones alrededor del mundo; sin embargo, también destaca por su trabajo como autora, ya que ha publicado 22 libros con temas gastronómicos.

Jorge García MurilloEs licenciado en Psicología por la Universidad Labastida, y tiene una maestría en Psicología Clínica por la Universidad de Lovaina, en Bélgica, institución en la que también realizó estudios doctorales. Actualmente trabaja como consultor del Gobierno del Estado y es miembro del Comité Organizador del Foro Universal de las Culturas Monterrey 2007. Destaca su dedicación a la promoción cultural de la ciudad desde hace 30 años.

Ismael Vidales DelgadoNació en la ciudad de Pinos, Zacatecas. Es egresado de la Escuela Normal Superior, con especialidad en Actividades Tecnológicas y Psicología y Orientación Vocacional, e hizo su maestría en Pedagogía en la Escuela de Graduados; actualmente es director del Centro de Altos Estudios e Investigación Pedagógica de Nuevo León.

CONOCIMIENTO

Invita Octavio Paredes a la Cruzada del saber ..........................................43

CIENCIA DE LA HISTORIA

Centenario de la Independencia y exaltación de Porfirio Díaz ...............................45

El maestro Félix Carrasco dirige la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León.

Instalan Galería de Rectores en

Ciudad Universitaria

página 24 y 25

Nuestros Autores invitados:

Los Laberintos

de Borgespág. 21


la nación, pues fue concebido como una galería donde se escenificaba la construcción de la república. Contenía un catálogo de sus fisonomías hasta entonces reconocidas: la carta política, etnográfica, eclesiástica, orográfica, hidrográfica, marítima, agrícola y minera, cada una ilustrada con sus rasgos físicos e históricos sobresalientes. Por primera vez presentaba una carta arqueológica, acompañada de los monumentos notables que albergaba el Museo Nacional. Incluía también una carta política del reino de la Nueva España, escoltada por una galería de los virreyes. Así, el territorio, los distintos pasados y la variada situación actual aparecían integrados en un solo libro, que desde entonces adquirió la fama de compendio de la mexicanidad, una suerte de relicario laico de lo mexicano. De este modo, mediante el uso alternativo de la pintura, el periodismo gráfico, los monumentos públicos, el museo, el mapa, el calendario cívico y el libro, los gobiernos de fines de siglo imprimieron en la población la imagen de un México sustentado en un pasado antiguo y glorioso, próspero en el presente y proyectado hacia el futuro, como lo expresa con gran fuerza una alegoría de Casimiro Castro del México independiente.

APOTEOSIS DEL PATRIOTISMOLa celebración del Centenario de la Independencia en septiembre de 1910 vino a ser la coronación del imaginario nacionalista forjado por los políticos e intelectuales del porfiriato. Esta apoteosis del patriotismo fue cuidadosamente planeada, de tal manera que una porción sustantiva del excedente económico generado en ese tiempo se aplicó a los costosos monumentos y obras públicas que entonces se inauguraron, así como a las incontables recepciones, fiestas, ceremonias, conferencias, congresos, desfiles, paseos, exposiciones y ornatos que hicieron de esa conmemoración la más lucida en la historia de los fastos nacionales. El Centenario de la Independencia se celebró en todo el territorio, pero los festejos significativos tuvieron lugar en la capital de la república, como lo muestra la Crónica oficial de esa efemérides.

Los festejos del Centenario comenzaron el 14 de septiembre de 1910 con una

Gran Procesión Cívica formada por todos los sectores de la sociedad y un homenaje luctuoso a los restos de los héroes de la independencia en la catedral. Al día siguiente, 15 de septiembre, tuvo lugar el tradicional desfile, que en esta ocasión ofreció una representación de los momentos fundadores de la nación: la Conquista, el Virreinato y la Independencia. Cada una de esas épocas fue representada por cuadros escenográficos en los que participaron cientos de personas que revivieron en forma teatralizada sus momentos significativos: el encuentro entre Cortés y Moctezuma, el Paseo del Pendón (la ceremonia con la que las autoridades coloniales celebraban el aniversario de la Conquista de México) y la entrada triunfal del Ejército Trigarante en la capital el 21 de septiembre de 1821. La Crónica oficial decía que este espectáculo fue aplaudido por más de 50 mil espectadores. Mauricio Tenorio interpreta este Desfile histórico como un artilugio diseñado para grabar en la memoria de los sectores populares los episodios consagrados por la historia oficial. En la noche tuvo lugar la ceremonia del Grito, enmarcada por la novedad espectacular de la iluminación eléctrica. La Crónica oficial narra que la iluminación de las casas, plazas, calles y edificios públicos formaba “un verdadero manto de luz” que envolvía la ciudad, un tema que suscitó los adjetivos más elogiosos para encomiar ese alarde del progreso. El día siguiente se inauguró la columna de la

Independencia, el monumento que por su grandiosidad y simbolismo se convirtió en el emblema de la nación moderna. En su base, esculpidas en mármol de Carrara, destacaban las figuras de Miguel Hidalgo, José María Morelos, Vicente Guerrero, Francisco Javier Mina y Nicolás Bravo, y su fuste esbelto estaba rematado por la victoria alada, el símbolo de la patria liberada. El 18 del mismo mes se inauguró el monumento a Benito Juárez, diseñado en estilo neoclásico y realizado en mármol y bronce, como la columna de la Independencia. Mediante este monumento solemne, Porfirio Díaz, enemigo político de Juárez, reconoció la deuda que la república tenía con el impulsor de las Leyes de Reforma que establecieron las bases del Estado liberal y con el defensor de la integridad de la nación frente a las agresiones imperialistas.

La difusión de la imagen de Porfirio Díaz en los festejos del Centenario es una obra maestra de propaganda política, que merece un estudio específico como representación teatralizada del poder presidencial. Aquí sólo me referiré a las imágenes en las que Díaz aparece como encarnación de la patria, la república o la nación. La Crónica oficial del Centenario y el Album gráfico de la República Mexicana, de E. Barros (1910), contienen la mejor colección de fotografías en las que el presidente encabeza las ceremonias, inauguraciones, desfiles,

Asimismo, no fue un azar que el pintor más famoso de esta época, José María Velasco, dedicara su talento a registrar y exaltar los escenarios naturales con la intención de vincularlos a temas históricos. Como ha hecho notar Jorge Cañizares-Esguerra,

los pintores del paisaje mexicano rara vez se interesaron en los escenarios selváticos o naturales por sí mismos, y cuando fueron atraídos por ambientes de ese talante casi siempre los relacionaron con el medio urbano o los acontecimientos históricos ahí ocurridos. Por ejemplo, el famoso libro impreso por Decaen e ilustrado por Casimiro Castro, México y sus alrededores (1864), está dominado por vistas y paisajes cuyo centro es la capital del país. Y asimismo, en los espectaculares paisajes del Valle de México que debemos a la mano de José María Velasco, advertimos que éste, al igual que “Riva Palacio y Altamirano, se valió de la naturaleza para construir una imagen mestiza de la nación”. Sus pinturas del Valle de México desde el cerro de Atzacoalco (1873) y del Valle de México desde el cerro de Santa Isabel (1877), son un intento de trasladar la historia al paisaje, o de hacer del paisaje un testimonio histórico. En el primero vemos cómo la tierra indígena se transforma, con el lago y los volcanes como testigos, en la ciudad moderna. Y en el segundo advertimos, en el primer plano del paisaje grandioso que se pierde en los volcanes y las montañas lejanas, el nopal y el águila real, los emblemas indígenas que simbolizaban la fundación de México-Tenochtitlán, la nación originaria.

IMAGEN MESTIZA DE LA NACIÓN

DJorge García MurilloDesde Imothep hasta Apeles, pasando por Fidias y los grandes estetas y pensadores de la antigüedad, el binomio ciencia/arte ha sido objeto y sujeto de estudio, que podríamos sintetizar en la llamada proporción áurea o proporción divina (Canon). Otros prefieren a Fibonacci y su famoso número que, una vez aplicado, arrojará armonía y placer visual.

Sin embargo, no será sino hasta el siglo XX cuando el binomio cobrará unidad y, a partir de los esfuerzos de Seruat y su puntillismo - que buscaba que el color no se formara en la tela sino en el ojo del espectador- se intensificará la relación para desembocar, ya con la computadora, en obras de arte en cuya esencia la unidad ha sido lograda. Pensemos en Nam June Paik y su supercarretera de imágenes a la manera de Capilla Sixtina, que presentara en la Bienal de Venecia, o bien en el trabajo de los llamados conceptualistas, quienes pareciera que corrigen al Cratilo de Platón y penetran en las riquezas del lenguaje.

NUEVOS PROCESOS EN LA CREACIÓN ARTÍSTICA

Hoy en día, los procesos de digitalización, holografismos, softwares sofisticados, tecnología de fibra óptica, plasmas y transmisión de información por agua, son empleados por numerosos artistas en la creación de sus obras.

Mariko Mori (artista plástica japonesa)*, en su reciente instalación de la actual Bienal de Venecia, muestra una especie de cápsula espacial en donde los espectadores se introducen y se recuestan y se les aplican electrodos

Sus frutos: obras que producen placer estético y cuentan con fuertes dosisde verdad


CIENCIA DEL ARTE

La Ciencia

y la Tecnología, aliados de la creación artística

Mariko Mori

que registran las variaciones de sus ondas cerebrales, las cuales se proyectan en variadas formas y colores en el techo del recinto que está totalmente sellado, sin ningún tipo de contaminación auditiva. Las formas y colores resultantes se imprimen, y se entrega al salir, el arte producido por el individuo y por el grupo.

DALÍ Y SUS DIMENSION ES IMPOSIBLES

Es impensable en nuestra contem-poraneidad la escisión entre ciencia y arte; la ciencia, con sus nuevos paradigmas, se funde en el trabajo de ciertos artistas, atentos a los avances científicos y viceversa; pensemos en Dalí y sus dimensiones imposibles, siempre ocultas en sus ironías y juegos visuales, en ocasiones anticipando la cuarta dimensión; hace menos de un año (en el 2004) se celebró un encuentro de matemáticos en España para elucidar algunos de los muchos “enigmas” matemáticos que encierran la obra del de Cadaqués.

INSPIRACIÓN Y CONOCIMIENTO

En Japón, un físico investigador del comportamiento de los neutrinos, los quarks y los pentaquarks, asegura extraer no sólo inspiración sino conocimiento de las obras de artistas clásicos y contemporáneos. De manera que estamos frente a una realidad a la que John Cage, en el terreno de la música, se adelantase por décadas, sin olvidar a

Mariko Mori

45CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 2005CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 20054

CIENCIA DEL ARTE

Enrique Florescano / Historiador

La compulsión de crearle una identidad histórica y cultural a la nación independiente fue una ambición compartida por los gobiernos

conservadores y liberales. Pero sólo bajo el largo gobierno de Porfirio Díaz hubo la paz y la disponibilidad económica para imprimirle a la recuperación del pasado un nuevo aliento. Como se ha visto antes, desde el primer gobierno de Díaz se manifiesta un interés decidido por apoyar el estudio del pasado remoto y se asiste a una revaloración de las culturas indígenas. Entre 1890 y 1910, las imágenes que provienen de este pasado se convierten en icono nacionalista y en emblema del Estado porfiriano. Bajo la dirección del historiador Francisco del Paso y Troncoso, y con el apoyo de Justo Sierra en el ministerio de Educación, el antiguo Museo mexicano vino a ser un edificio privilegiado en el escenario cultural de la capital y un centro de acumulación de conocimientos y formación de nuevos especialistas (historia, lingüística, etnografía, arqueología). En 1895 fue la sede del Congreso Internacional de Americanistas y en 1911 la residencia de una innovadora Escuela Internacional de Arqueología y Etnografía Americanas.

DESENVOLVIMIENTO HISTÓRICO DEL PAÍS

Durante las fiestas que celebraron el Centenario de la Independencia este museo fue uno de los lugares más concurridos. Entonces se transformó su contenido y se inauguraron nuevas salas, dedicadas a la historia antigua, el virreinato y la era republicana. Por primera vez los distintos espacios del museo mostraron el desenvolvimiento histórico del país, siguiendo la secuencia cronológica establecida por

México a través de los siglos. Pero la pieza fuerte era la Sala de Monolitos, el área más espaciosa, donde se habían reunido las obras monumentales de la Piedra del Sol, la Coatlicue, la llamada piedra de Tizoc, un Chac Mol, la cabeza colosal de Coyolxauhqui, una serpiente emplumada y otras esculturas de grandes dimensiones. Así, por obra de un cuidadoso despliegue museográfico, los monumentos de la antigüedad, sobre todo los de estirpe azteca, pasaron a ocupar el lugar de símbolos de la identidad mexicana. La relación entre ese pasado remoto y la actualidad porfiriana la selló el traslado a una de sus salas de la pila donde se había bautizado a Hidalgo, el fundador de la nación moderna.

En esta nueva concepción del museo la recuperación del pasado se convirtió en un instrumento poderoso de identidad nacional, y el museo en un santuario de la historia patria. A su vez, la historia patria vino a ser el eje de un programa escolar que transmitió la idea de una memoria nacional asentada en un

pasado compartido por los diversos componentes de la población. Como se ha visto antes, esta propuesta se presentó por primera vez en México a través de los siglos. Más tarde, esa idea de la historia se plasmó con mayor fuerza en México: su evolución social, la obra colectiva que dirigió Justo Sierra con el propósito de presentar el pasado como un proceso evolutivo continuo y como un recuento optimista de los adelantos materiales logrados en la era de la paz y el progreso.

Así, a lo largo de un proceso complejo y mediante una imbricación entre la pintura, la litografía, el grabado, el libro de viajes, la narración histórica, el mapa, el museo y los medios de difusión modernos, se creó una nueva imagen del país. En las cartas geográficas el territorio apareció claramente demarcado, con la particularidad de que sus diversas regiones tenían una identidad y un pasado propios, pues una serie de estampas mostraba su rostro cambiante a través del tiempo, sus paisajes y personajes icónicos, anudados en el hilo de la historia nacional. No es un azar que inmediatamente después de la guerra de 1847 y de la invasión francesa, surgiera una reconstrucción del pasado que “imaginó” a un país variado y sin embargo único en Los mexicanos pintados por sí mismos (1855), México y sus alrededores (1855-1856), Las glorias nacionales (1867-1868), México y sus costumbres (1872), Hombres ilustres mexicanos (1873-1875), hasta culminar con la suma de todas esas recuperaciones, el Atlas pintoresco e histórico de los Estados Unidos Mexicanos (1885), de Antonio García Cubas.

LA HISTORIA EN PINTURASEl Atlas de García Cubas incorporó en sus páginas estos variados intentos de representar en pinturas la historia de

CIENCIA DE LA

de la Independencia y exaltación de Porfirio DíazCentenario

Don Miguel Hidalgoy Costilla.

Análisis científico de la Historia

Alban Berg, cuyo concierto en homenaje a su maestro (Stockhausen) encierra una buena cantidad de conocimientos científicos que le permitieron crear, hacia 1924, este gran concierto (concierto de cámara) en el que, por cierto, una de sus muchas claves es que el compañero-discípulo de Arnold Stockhausen se llamó Anton Webern. Si juntamos las letras a de cada uno de ellos nos dará la secuencia aaa, que en la escritura musical europea y anglosajona corresponde a la nota musical la del sistema de anotación

nuestro, y que Alban Berg empleó como secuencia de inicio y de variaciones en el desarrollo de la composición; Pierre Boulez tiene lustros estudiando y descifrando el concierto. Un par de libros de este gran director y compositor francés dan cuenta de sus hallazgos.

EDIFICIOS INTELIGENTESEn este mundo globalizado, ahora los arquitectos, diseñadores y artistas, unidos a expertos en computación, física y matemáticas, diseñan, juntos, casas-habitación de las llamadas inteligentes, edificios inteligentes y soluciones urbanas en donde la inteligencia es un parámetro dominante.

Así podríamos enumerar una extensa serie de ejemplos en donde ciencia y arte unen fuerzas y producen obras que además del placer estético cuentan con fuertes dosis de verdad. Bienvenido este tipo de arte.

* Mariko Mori, Wave UFO, 1999-2002 (detalle y vista general). Interacción de una idea genial, domo de la visión, proyector, sistema computacional, fibra de vidrio, Technogel®, acrílico, fibra de carbón, aluminio, magnesio.

La ciencia, con sus nuevos paradigmas, se funde en el trabajo de ciertos artistas, atentos a los avances científicos y viceversa.

Desde la antigüedad, el binomio ciencia/arte ha sido objeto y sujeto de estudio,

Arquitectos, diseñadores y artistas, unidos a expertos en computación, física y matemáticas, diseñan, juntos, casas-habitación de las llamadas inteligentes.

Ciencia y arte unen fuerzas y producen obras que además del placer estético cuentan con fuertes dosis

de verdad.






Mariko Mori


CIENCIA DEL ARTE











CIENCIA DE LA













de verdad.

Félix Carrasco / Director de la Orquesta Sinfónica UANL

La música es una. Aunque diversa, con públicos distintos y dividida en géneros, pero aquí y allá es una y nada más. Por su origen y características puede dividirse en dos grandes rubros: música de diversión y música de concierto. Aunque toda la música debe servir para divertirse -además

de educar- a la llamada ‘música de diversión’ también le podemos llamar popular, música para relajarse y pasarla bien. El otro rostro de la música, al que me he dedicado profesionalmente durante los últimos veinticinco años, también se le llama música culta, erudita y hasta elitista, aunque no estoy de acuerdo con este último adjetivo.

Afirmo que la música es una porque, así como los compositores populares se han nutrido de los clásicos, pasa lo mismo de clásicos a populares. Aunque existe un divorcio claramente marcado entre populares y clásicos, ambos bandos deberían tranquilizarse primero y, acto seguido, considerar el producto final de sus oponentes. Éste es un llamado a no discriminar ni una cosa, ni la otra.

INFLUENCIA MUTUA ENTRE MÚSICA POPULAR Y MÚSICA CULTA

La música de diversión ha utilizado, muchas veces sin saberlo, cantidad de elementos creados por los compositores cultos durante los últimos doscientos años. De óperas como Payasos, de la que hace días fui director concertador en el Teatro de la Ciudad, surgen fabulosos fenómenos del entretenimiento popular, como el cine, el teatro musical y hasta las telenovelas. De igual forma, la influencia de lo popular en los clásicos también es vital. Cientos de compositores académicos se han nutrido con la música del pueblo. Sobra mencionar cuántos creadores han llevado las melodías populares de plazas públicas, bailes y cantinas hasta los grandes escenarios de conciertos, logrando con esta dinámica las más altas expresiones artísticas.

Acepto que durante mucho tiempo yo mismo discriminé la música para diversión, centrándome únicamente en la música académica, sobre todo durante el periodo de mi formación musical primaria. Luego de largas temporadas en Europa, mis retornos a México tenían un mejor sabor cuando -sin planearlo- volvía a enfrentarme con géneros ligeros como el danzón, el bolero y el jazz.

Félix Carrasco ha dirigido con gran éxito más de 70

orquestas en diferentes partes del mundo.


ES TIEMPO DE RENDIR CUENTAS“Los investigadores debemos reconocer que, así o asá, esta sociedad mexicana nos ha nutrido y permitido nuestro desarrollo. Es tiempo de rendir cuentas. Todos –de una u otra manera- hemos contado con el apoyo de nuestra comunidad. Desde que nos formamos en escuelas públicas –como yo- y obtenemos becas –como yo- y conseguimos ir al extranjero en pos de posgrados –como yo- hasta ir a hacer residencias y diplomados –como yo. Y hasta pertenecer al Sistema Nacional de Investigadores. Como yo.

“¡Esa es nuestra enorme deuda histórica con la Nación!-, dedujo Octavio Paredes. ¡Los hombres de Ciencia tenemos una responsabilidad social!Casi condenó Octavio Paredes a los distantes o indiferentes:“¡Paguemos la deuda que tenemos con esta sociedad que nos formó. Quien no lo haga pasará por traidor!

“Mire a esta sociedad mexicana tan pobre –invitó-. A su lado, los del saber somos auténticos privilegiados. Ahí están ¡50 millones de miserables! Estancados en la miseria, digo. Y de su escasez nos educaron. ¿Se da cuenta? Estamos obligados a jalar con ellos. A poner tesón y cuidado en lo que hacemos. Y hacerlo bien.”

Octavio Paredes nació hace 55 años en Mocorito, Sinaloa. De abuelos y padre agricultor. “Entre caballos nací. Tuve un padre a cuya palabra u orden uno era. Viví la tierra de los “gomeros”. Los de la amapola. Los narcos de hoy. En justicia digo: “En Mocorito nació el narco. Los chinos que llegaron en peregrinación sabían la tecnología. Niño, joven yo lo vi. Lo viví. Para que tenga una idea de cómo era mi tiempo, le diré que a mi pueblo no llegó el ferrocarril. ¡Zumbaban como enjambre mayor las avionetas! Ni pavimento había en Mocorito.”

LOS FUTBOLISTAS MEXICANOS DAN PENA

Cita en el aeropuerto. En “Wings”. Agua mineral. Café. Refresco. Y un bono de 10 pesos para que niños pobres coman. Octavio Paredes no quita los ojos del reloj. Y el celular.

“¿Sabe que Walter Ibarra ya está con los Yanquis de Nueva York? ¡Qué buenos son los beisbolistas mexicanos! Los futbolistas, en cambio son bastante malos. Pues así pasa con nuestros científicos.

Tan buenos como los beisbolistas que juegan en el mejor beis del mundo.

“Los jóvenes mexicanos –los que tienen la oportunidad- tienen un gran amor por el saber. Ahí están las Olimpiadas del Conocimiento. Nuestra academia capta talentos. En Geografía, por ejemplo atrajimos a unos 140 mil en todo el territorio nacional. En la de Biología, anduvimos en 5 y hasta 7 mil. Matemáticas sedujo a casi 200 mil. “Funcionamos a base de “redes”. Y de buscadores de talentos. Los seleccionados enfrentan obstáculos. Los filtros discriminan. Surgen los buenazos.

renombre, ayudan a los profesores. A educadores de enseñanza primaria. De quinto año. Y de secundaria. De segundo año. Entrenan. Pulen a esos profesores en la transmisión del saber científico. Cosa de despertar interés en el hecho educativo. Dotar de modernos, buenos instrumentos a los maestros. Material didáctico. Pues funcionó el plan. Se midió. Se evaluó a los maestros que estrenaban saber y método. ¿Cómo aplica el profesor lo aprendido en nuestro diplomado? ¿Qué acontece con los que no fueron objeto de esa enseñanza?

“La diferencia es enorme –relató entusiasmado el aplicadísimo Octavio Paredes-. Nuestro plan piloto funciona a grados de excelencia. Los de la SEP nos echan porras. No hay dinero. “En cortísimo plazo se puede cambiar la calidad de la educación en México- aseguró jubiloso, mas de inmediato se transformó: ¡Pero ahí está el sente. - ¿El Sente?- El Sindicato Nacional de Trabajadores de la Educación. No tiene calidad. No es nuestra chamba cambiar al sindicato. Reyes Tamez bien lo sabe. “El mismo Reyes Tamez aplaude, aprueba nuestra obra. Pero no tenemos apoyo para hacer el Programa Nacional Ciencia en tu Escuela. Nosotros hacemos lo nuestro. Cooperamos y bien. Esperamos un cambio de actitud en la cruzada por mudar –metamorfosear- la calidad de la educación de México.

“No nos quedamos en las meras palabras. Los que amamos el saber vamos de aquí para allá. Con Enrique Jackson –mi paisano- y sus senadores. Con Beatriz Paredes -¡qué inteligente es Beatriz! – y con los del PAN. Y con los del “perredé. Vamos para convencer al país de la urgencia del cambio de actitud hacia el saber. No inventamos nada. Copiamos y adaptamos un modelo francés. Lo mismo hizo China. También India. Y no hablemos de lo hecho en España.

“Dos décadas –menos de una generación de individuos- hacen el cambio. ¡Y qué cambio! China formó a millones de profesores. Acá, apenas... mil quinientos. De país de labradores, China se prepara para conquistar la Luna. La Educación, la Ciencia y la Tecnología sirven para la riqueza y el bienestar”.

“Fueron a Taiwán. Y a Beijing. Los entrenamos para que no se achicopalen. Esos atletas intelectuales no fallan. ¡Siempre traen medallas! Y los de las escuelas públicas –las del gobierno- forman con mucho, a los mejores. Son mejores que los de escuelas de ricos. “Envié a cuatro a competir en Química en Taiwán. Los cuatro se trajeron medalla de bronce. ¡De cuatro, cuatro!

¡AY...EL SINDICATO DE MAESTROS...AY!“Por eso le digo que este país tiene recursos humanos para ir con éxito a la conquista del conocimiento. “...Pese a que nos llegan con una formación académica muy deficiente... ¡Ah, si estuvieran en buenas manos desde el inicio de su estudio! –dijo casi desesperanzado Octavio Paredes-. Sepa que la Academia Mexicana de Ciencias generó hace tres años un “Programa Piloto” en el Distrito Federal y ocho estados. “La Ciencia en tu Escuela”. Estudiosos reconocidos, de

Entrevista

Síntesis de la entrevista con permiso del autor

Una oportunidad

para la música

43CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 200566 CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 2005

CIENCIA DEL ARTE

“CONCIERTOS EN MANGAS DE CAMISA”

Precisamente por el impacto que posee la música popular, surgió, hace unos seis años, la serie de “Conciertos en mangas de camisa” que este mes de septiembre presenta música de pelí-culas, mexicana, infantil y tangos. Aunque no es el medio original ofrecer esta música con la Orquesta Sinfónica, la intención es presentar un producto finamente ejecutado.

Actualmente, mi desacuerdo con la música popular no es precisamente por sus contenidos, sino por su manejo. No entiendo cómo las cadenas comerciales de radio y televisión ostentan el poder absoluto para decidir lo que debe sonar. Batallo para comprender esa vieja fábrica donde se cocinan estrellas preparadas para brillar un día y nada más.

EL BOLERO, GÉNERO POPULAR CON PÁRÁMETROS CLÁSICOS

No debe existir dificultad en aceptar que John Williams, compositor de la música de La Guerra de las Galaxias, se dejó influenciar por Strauss y Holst para musicalizar esa gran fábula de ciencia ficción. Por su parte, el bolero es un género de esencia netamente popular aunque con parámetros clásicos.

Sugiero al público especializado en música clásica aprender a reconocer el gran valor que posee la música popular y de diversión. Pero, si me permiten, también sugiero al público de géneros populares no protestar cuando empiezan a escuchar música de violines. La mayoría de la sociedad trata con reserva a la música clásica. Se le clasifica como aburrida y excesivamente formal.

Esas señales son motivo de prejuicios y mala información que -quizá- pueden disiparse poco a poco asistiendo a las salas de conciertos. Desde cualquier perspectiva, discriminar algo que se desconoce es un error. En cualquier tiempo, bueno o malo, la música siempre debe tener una oportunidad en nuestras vidas.


Escena de la representación en Monterrey de la obra Payasos.

Poner el ejemplo. Vida y obra delante de todos. Basta de añoranza y nostalgia. Ya no más el arrogante y concluyente: ”En mi tiempo todo fue mejor. Lo de hoy, ¡uf! No sirve para nada”.

Actuemos al revés. Adiós al “Yo me partí la cara en el 68”.

Octavio Paredes rechazó que exista una “conjura” contra el desarrollo de la Educación, la Ciencia y la Tecnología en México. “Diría –eligió entre socarrón y cauteloso- que los líderes del país no entienden a cabalidad la importancia que el saber y su aplicación tienen

como elementos de generación de riqueza y bienestar de la población nacional”. Diría, con el asa de la valija en la mano y rumbo a un avión: “El gran obstáculo para la educación nacional es el “sente”. Sí: El Sindicato Nacional de Trabajadores de la Educación.

Emocionado, reveló:“China, en dos décadas pasó de ser un país de campesinos a la conquista de la Luna. No es metáfora. Ni poesía. En menos de una generación, China usó Educación, Ciencia y Tecnología para dar desarrollo y bienestar a su pueblo”.Sarcástico, el sabio Paredes advirtió:

“Y conste que no intentamos dar con el hilo negro”Y de inmediato precisó:“Si los líderes de la política o de la economía de México se equivocan ¡qué pena! Ni modo. Mas sus errores no nos eximen a nosotros –los científicos- de nuestra responsabilidad. Los estudiosos tenemos una deuda histórica con la sociedad mexicana. Debemos saldarla.

¡YA BASTA DE LLANTOS Y LAMENTOS!

Octavio Paredes, quien hace unas semanas recibió de la Universidad canadiense de Manitoba los grados de Doctor Honoris Causa y Doctor en Science, concluye que la Universidad Nacional Autónoma de México realiza el 50 por ciento de la investigación científica que se desarrolla en el país. El Politécnico Nacional contribuye con el 20. Los Centros Conacyt, las universidades y los institutos tecnológico estatales aportan el 29. Son los centros estatales públicos los que dan casi el 99 por ciento de ese conocimiento.

“¿Y la universidad privada, doctor Paredes?

“Apenas el 1 por ciento –dijo entre desalentado y resignado-. Son muy pocas las universidades privadas que forman o fomentan grupos científicos. Tardíamente, pero ya reaccionan. ¿Cuáles? La Ibero. La Universidad de las Américas. Y el Tec de Monterrey.

Octavio Paredes: “nací en Mocorito, Sinaloa. Mi padre era primo de Juan de Dios Bátiz, fundador del Politécnico Nacional”. Truena contra los suyos: “Es hora de que los investigadores dejen de lado quejas y llantos. Tenemos la obligación de ir hacia la sociedad y explicarle nuestros propósitos y fines. ¡Basta de permanecer medio arrinconados en nuestros laboratorios! Es tiempo de dar cuenta a la sociedad de nuestro quehacer. De transmitirle, de decirle qué hacemos. Y para qué sirve nuestro trabajo.

La Ciencia mexicana vista desde la Academia

Invita Octavio Paredes a la Cruzada del saber

Entrevista

Por Miguel Reyes Razo / Premio Nacional de Periodismo

El presidente de la Academia Mexicana de Ciencias, Octavio Paredes –“qué fascinación, qué reto formar jóvenes para la Ciencia”- rehusó sumarse

a colegas que lamentan y sufren la cerrazón de líderes nacionales que “no acaban de entender la importancia de la Educación, la Ciencia y la Tecnología, para el desarrollo y bienestar del país”, y los arengó a ir “en busca de los jóvenes y de la sociedad toda para movilizarla hacia una enorme cruzada del saber:” Hay que poner en marcha a la sociedad para que sepa e identifique la importancia de la Ciencia y del saber de calidad “.

Octavio Paredes advirtió:

“Si no lo hacemos, cometeremos un suicidio masivo voluntario. Atended: –urgió-. La nación mexicana va por una ruta que desemboca en mayor

Si no lo hacemos, advierte, cometeremos suicidio masivo voluntario

dependencia tecnológica. Observad: México finca su riqueza en los dólares que envían los trabajadores mexicanos y en los que recibe de la venta de un petróleo que día a día se extingue. “Cuesta trabajo admitirlo: Vamos –si es posible- hacia un subdesarrollo mayor al que conocemos”.

Se le amargó el instante en que refle-xionó y compartió:“Los que en el 68 tomamos la calle y gritamos ¡Revolución!, ¿dónde estamos? Veo que muchos avanzaron. Se transformaron en diputados, senadores...Quizá alguno llegó a gobernador. Luego, la quietud. De ellos, ¿eh?

HAY QUE SER REVOLUCIONARIOS Y AUDACES

“Hoy –dijo exaltado- tenemos que ser tan revolucionarios y audaces como lo fuimos en 68. ¡Ea, a la acción! A transformar la Educación. A suscitar inquietud en las mentes juveniles. E infantiles. Toca a nosotros los que cultivamos el saber, ir por delante.


CIENCIA DEL ARTE























Entrevista











Contenido ritual de comunicación y trascendencia

La Escultura, algunos conceptos básicos

¿


CIENCIA DEL ARTE CIENCIA DEL ARTE

Carlos Joloy

Las obras artísticas en cerámica más destacadas y representativas que fueron creadas por autores nuevoleoneses se reúnen en la exposición “Nuestra Cerámica”, que presenta el Museo Metropolitano

de Monterrey en el marco de la celebración de su décimo aniversario.

La exposición, que será inaugurada el próximo 21 de septiembre, presenta más de 70 obras de 31 creadores, además de incluir una memoralia a Rafael Gabilondo, reconocido por haber fundado el taller de cerámica “Tres Piedras” que ahora dirige Ricardo Escobedo. Éste fue el encargado de seleccionar las obras para la muestra, con la colaboración de Eliseo Garza.

DESTACADOS PARTICIPANTESDe entre los artistas participantes en la muestra destacan las obras de Jorge Luis Montemayor, Cristina Brittingham, Beatrice von Lösecke, Román Garza, entre otros. Además, se exhibe el trabajo de quienes son considerados los pioneros de la cerámica entre nosotros: Guadalupe Guadiana, Jorge Wilmott, Antonio Pruneda. Con esta combinación, la exposición presentará un recorrido a través de la evolución del arte en cerámica, ya que incluye desde las obras de los pioneros hasta el trabajo de las nuevas generaciones.La exposición permanecerá en los corredores de la planta alta del museo hasta finales del mes de octubre. La entrada es libre.

En el Museo Metropolitano de Monterrey

Exponen “Nuestra Cerámica”, con obras de 31 artistasInauguran la muestra el día 21de septiembre

Antecedentes de la Cerámica en Nuevo León

En el Estado de Nuevo León, la tradición en el arte de la cerámica es escasa; sin embargo, en los años 50’s y 60’s se trabajaba en el modelado de barro en el

Taller de Artes Plásticas de la Universidad de Nuevo León cuyos estudiantes y maestros realizaban exposiciones de su trabajo. En esos eventos, destacó la participación de Guadalupe Guadiana.

En los 70’s, Rafael Gabilondo fundó el Taller “Tres Piedras” junto con Ricardo Escobedo. Y a partir de 1990 se reunieron de manera profesional los ceramistas independientes, en atención a la convocatoria del Primer Concurso Estatal de Cerámica del Gobierno del Estado, a través de la Casa de las Artesanías. Así se formó la División de Cerámica Artística de la Sociedad Mexicana de la Cerámica, que dio fuerza al desarrollo de esta disciplina.

“Mutaciones III”, Myriam Barajas

De izquierda a derecha: “Caligrafía I de serie de vasos documentos” de

Ricardo Escobedo; “Pinnaculum” de Mauricio Cortés y Renacimiento III de

Patricia Correa

Jorge Elizondo / Escultor¿Qué es la escultura? ¿Podemos definirla? Tan complejo es el concepto de la escultura que su definición tiene diversas acepciones. El diccionario menciona que se trata del arte de esculpir, de cincelar piedra, madera, etc. para generar la obra del escultor.

Las enciclopedias especializadas la definen de diferentes maneras: como una acción que tiene por objeto crear formas y armonizar volúmenes en el espacio; como el arte y técnica que utiliza piedra, barro, metal, madera y otros materiales apropiados para darles forma tridimensional exenta o en relieve; como el arte de crear formas figurativas o abstractas, tanto exentas como en relieve. Por mi parte, agregaría una más:

El manejo del espacio no funcional, léase espacio positivo, negativo, sonoro, lumínico etc. y “no funcional” como el espacio no manipulado por una necesidad práctica. Con esto queremos decir que, a pesar de que no es necesario hacer escultura, ésta tiene alrededor de veinticinco mil años de estarse realizando por nuestra especie en todo el mundo, en todas las culturas.

MULTIPLICIDAD DE FORMASEl estudio histórico de la escultura nos lleva a obras prehistóricas como “la Venus de Willendorf”, fechada hacia el 30,000-25,000 a. C., que constituye uno de los primeros ejemplos escultóricos del mundo.

Posteriormente, transita por muy diversos períodos, generando una multiplicidad de formas, pasando de lo simbólico a lo representativo, de lo religioso a lo pagano, de lo figurativo a lo abstracto, de lo objetivo a lo conceptual, y podríamos seguir relacionando opuestos y adyacentes.

La escultura se realiza por una necesidad emocional, conceptual o formal, y en la mayoría de los casos por una mezcla de éstas. Quiero decir, nace como una necesidad de comunicar lo “no decible”, lo cual se conceptualiza, se estructura, se ordena, para posteriormente realizarse en un objeto tridimensional, que no siempre habla de lo consciente, sino casi siempre de lo inconsciente, ya sea de la persona, del grupo o de la cultura que la produce.

Si abordamos la escultura desde una perspectiva espacial (formal) podemos clasificarla en: (a) bajo relieve, que se caracteriza por ser una representación escultórica con soporte posterior, con compresión armónica y ordenada de una de las dimensiones, generalmente el espesor de los objetos; (b) alto relieve, que es una representación escultórica también con soporte posterior, pero con los objetos realizados con su volumetría real; y (c) en redondo, donde la representación escultórica es autónoma, sin soporte, sin compresión y puede ser observada desde todas direcciones. Asimismo, podemos abordar la escultura desde una perspectiva temporal, para definirla como: (a) estática, sin movimiento y (b) dinámica, (o cinética) con movimiento. Podríamos seguir clasificando la escultura por otras de sus características como su formato, por la intervención de otros medios como el sonido, la luz, los olores, etc.

SUS CATEGORÍASPara una mejor comprensión inicial de la escultura, es conveniente conocer más sobre los métodos de elaboración de ésta, los cuales podemos resumir en las tres siguientes categorías: Los académicos, los híbridos y algunos nuevos métodos.

Como métodos de elaboración académicos encontramos tres: (a) el modelado, el cual consiste en el manejo de materiales amorfos, blandos y flexibles para la elaboración de un objeto artístico tridimensional. Los materiales comúnmente usados son el barro, el yeso, la cera, la plastilina. El principio fundamental de este método es que el escultor puede agregar y quitar materia “amorfa” a su obra; (b) la construcción, donde las obras escultóricas se realizan uniendo (ensamblando) materiales que ya tienen una forma predeterminada (cilindros, prismas, láminas, etc.). Los materiales más usados son el acero, el acero inoxidable y la madera, los cuales son recortados o troceados en piezas para formar la obra.

El principio fundamental de este método es que el escultor puede agregar y quitar materia “con una forma predeterminada” a su obra. Por último tenemos (c) el tallado, que es el método considerado cómo el paradigma de la técnica escultórica; en él, el artista da forma a su obra cortando y extrayendo el material “que sobra” del bloque madre. Los materiales más usados son los pétreos (mármol, granito, alabastro, areniscas etc.), la madera, el hueso, etc. Por lo general estos materiales son duros y compactos, y la obra realizada está determinada en parte por la naturaleza y las características de éstos. El

principio fundamental de este método es que el escultor sólo puede quitar materia de su obra.

De los métodos híbridos podemos destacar los siguientes: (a) moldes y colados, que podemos entender como la continuación de una obra escultórica ya realizada por uno de los métodos académicos (modelo), de la cual se obtiene, a través de uno o varios moldeos y colados, un producto final más resistente y duradero (bronce, aluminio, aceros, resinas, concretos etc.); (b) la mezcla de técnicas es el recurso más utilizado hoy en día, con el cual el escultor obtiene un gran abanico de posibilidades para la producción de su obra. En éste se potencian las virtudes de los métodos anteriores y en muchas ocasiones se abren nuevas rutas.

NUEVOS MÉTODOSEn las propuestas escultóricas de arte contemporáneo, se han desarrollado nuevos métodos como consecuencia del uso de elementos no comunes (algunos utilizados en épocas remotas) como materiales de desecho (orgánico e inorgánico), pelo, sangre, el mismo cuerpo del autor (tatuajes, deformaciones, cirugías, etc.), luz, sonido, olores y otras más.

He comentado estos conceptos básicos de la escultura con la intención de generar un interés inicial en un área donde queda mucho por explorar y descubrir; y pienso que, al final, la escultura tiene un contenido ritual,

de comunicación y de trascendencia por parte de quien la realiza: el escultor.


“Aquí el que quiera ser pintor, no esté pensando nada más en cómo va a sacar dinero de esos cuadros; tiene que pensarlo, haciéndose un análisis a si mismo. Eso es lo más importante, y ya después las cosas irán produciéndose en ellos confiados. En fin, para el hombre han pasado muchos siglos y seguimos siendo tan buenos como antes”.

En el caso especifico de la situación en Monterrey, Cantú recomendó poner especial atención al trabajo que en la ciudad se desarrolla y hacer más exposiciones para su gente y no pensar en los gustos de personas en otros lugares.

MUSEO PARA EL TRABAJO DE ARTISTAS LOCALESRecomendó ubicar a los artistas locales y dedicarles un museo para reflejar su trabajo. Además, destacó la importancia de inculcar el arte en los estudiantes de primaria y secundaria para de esta forma desarrollar y explotar la actividad artística en la ciudad, tal y como se ha hecho en otras importantes áreas a través del tiempo, como en el caso de la industria y el comercio.

“En Monterrey, lo que tenemos que ver, especialmente los que tienen más poder para apoyar el arte, es que vean lo regiomontano, lo que se hace como nuestro, y que no estén

re para manifestarse ante la vida


Obra realizada por Gerardo Cantú

Pintura de la colección personal del autor.

pensando tanto en lo que les gustaría en Nueva York o en Paris, sino darle más importancia a lo que somos y a lo que vivimos. No podemos estar pensando en hacer exposiciones más que para nosotros mismos, un pueblo toma más fuerza cuando se descubren sus creadores”

Gerardo Cantú insistió en la importancia de incluir el arte en la vida de la sociedad e inculcarlo en las personas desde temprana edad, y citó como ejemplo la situación que se da en países europeos, donde se va “entrenando” a las personas para que sean capaces de realizar su labor creativa. Concluyó que el arte y la ciencia, dentro de la educación formal, pueden convertirse en una importante herramienta para crear mejores seres humanos, aptos para reflejar las manifestaciones de su vida, mediante el ambiente artístico.





















Ricardo Escobedo/ Ceramista

Desde que enunciamos la conceptualización del vocablo cerámica, como “un feldespato alumínico hidratado”, nos encontramos

frente a una serie de términos que inmediatamente nos remiten a la química, la mineralogía o a la geología. La palabra cerámica proviene del vocablo griego “keramiké”, que quiere decir arcilla; desde el barro hasta la porcelana. Pero también le damos la connotación del “arte de fabricar objetos con arcilla, la cual, seca, se somete a fuego”, obteniendo productos de todas clases y calidades. De forma similar se llama de esta manera al producto acabado. Asimismo, designa a la ciencia y la técnica que se ha desarrollado a lo largo de la historia de la humanidad, alrededor del manejo de la arcilla para la obtención de nuevos productos. Cada grupo humano, cada cultura o civilización, todas y cada una de las épocas de nuestra historia, han contri-buido a acrecentar el conocimiento y el perfeccionamiento de la cerámica. Con un pequeño margen de error, me atrevería a afirmar que la cerámica es el arte que más depende y gira en torno al conocimiento de la química, física, matemáticas, geología, historia, arqueología, arquitectura, ingeniería y las técnicas que de ellas se derivan; dando por sentado su relación con todas las disciplinas de las artes plásticas, las artes decorativas y el diseño industrial, y últimamente con la aeronáutica.

Historia de una relación con la ciencia y la tecnología

PERÍODO PRE-CERÁMICOEn la historia podemos hablar de un periodo pre-cerámico y de uno cerámico propiamente dicho. Durante el periodo pre-cerámico, los grupos nómadas del neolítico utilizaron las arcillas para cubrirse el cuerpo y protegerse de las picaduras de los insectos; como apuntalamientos de chozas provisionales, (precursores del adobe y el ladrillo); para recubrir el interior de las cestas y transportar el fuego; para confeccionar figurillas de hombres, mujeres y animales como marcas de identificación tribal (inicio de la magia y la religión).

En ninguno de estos casos, la arcilla ha sido endurecida por el fuego (8000 a.C.). Sólo con el descubrimiento de que el calor cambia la arcilla en un material inalterable por el agua, podemos decir que comienza la historia de la cerámica. Los pueblos nómadas tuvieron poco tiempo y pocos usos para la frágil cerámica, y por ello fue en el comienzo de la vida sedentaria (7000 a.C.) del neolítico superior, cuando arranca la construcción de las famosas figuras de las diosas madres (la escultura), y posteriormente, vasijas (la cerámica funcional, hasta nuestros días). Los excedentes de estos productos eran intercambiados con otros pueblos. Era un intercambio de productos no agrícolas, con lo que estamos hablando del inicio del comercio de manufacturas.

EFECTOS DEL FUEGO SOBRE LA ARCILLA

¿Cómo se descubrió que la arcilla modelada y seca sometida a una temperatura del rojo, (600° C.) se volvía

dura y no desintegrable por el agua? Lo más probable es que esta idea madurara en un periodo considerable. La teoría más válida es la de los hogares. El fuego era una parte valiosa y vital para estas pequeñas comunidades; estamos hablando de entre 15 ó 20 casas. El fuego era cuidadosamente vigilado y mantenido; se hacían agujeros en el suelo y éstos pudieron haber sido recubiertos con arcilla. El fuego mantenido en tales hogares transformaría la arcilla en cerámica, y cuando el fuego se retiraba finalmente de ellos, habrían dejado un recipiente rudimentario. Innumerables sitios arqueológicos constatan esta teoría.

Además, los hornos primitivos fueron hornos de pozo; algunos pueblos en la actualidad todavía usan este método para quemar su cerámica. Junto a la agricultura y los textiles, tenemos el desarrollo de una de las principales tecnologías especializadas y de una forma de proto-industria. El mantenimiento y cuidado del fuego en los hornos, el estudio de los “rojos” del mismo para determinar la temperatura

La Cerámica:

Ricardo Escobedo muestra una de sus más recientes obras.

Carlos Joloy

Desde el principio, el ser humano ha necesitado del arte como parte importante de su desarrollo, atendiendo la necesidad de manifestarse ante la vida. La pintura es una de esas herramientas para la expresión; sin

embargo, en la actualidad esta disciplina artística atraviesa por una difícil etapa, debido a la pérdida de muchos valores que durante mucho tiempo la caracterizaron para la creación artística. Así lo consideró el reconocido pintor regiomontano Gerardo Cantú. Explicó que, desde la introducción del abstraccionismo y otros conceptos de modernidad, la pintura ha abandonado

Sostiene el artista regio Gerardo Cantú

Arte y ciencia,importante herramienta para crear mejores seres humanos

La pintura, instrumento del homb

CIENCIA DEL ARTE

El pintor Gerardo Cantú.

características e incluso ha sufrido de cambios de término.

CAMBIOS EN LA PINTURA“Después de tantos cambios que se han experimentado, la pintura ha tomado características, como pudiéramos decir, en determinado momento tendiente a desaparecer; se ha cambiado de llamarle pintura a artes visuales, artistas plásticos, y después ya no se pinta, ni se dibuja, ni se hacen composiciones; ahora se hacen instalaciones, a veces de lo más raro; por ejemplo, en un espacio muy grande se ponen objetos pequeños”.

Ante esta situación, Gerardo Cantú dijo que en el arte todo es posible; sin embargo, se deben fijar los límites de cuándo una obra deja de ser una expresión artística, o bien cuándo deja de ser pintura. Mencionó que

espera que este período sea pasajero, y que se vuelva a pintar retomando sus principios, ya que –dijo- esta disciplina no se limita a una realización de tipo plástico, sino que va más allá.

BÚSQUEDA DE SÍ MISMOA manera de consejo, el pintor recomendó a las nuevas generaciones de artistas darle la importancia debida a la pintura, ya que no se trata de un medio para hacer retratos o paisajes convencionales y decorativos; consideró que el artista debe realizarse primero un estudio y emprender una búsqueda de si mismo para dar el enfoque adecuado a sus obras.

Saskia Juárez

En la actualidad cada vez se hace más presente, la ciencia y la tecnología en las artes plásticas. Los artistas pueden experimentar

y aplicar nuevas formas de expresión que ya no se concretan al uso tradicional del oficio de pintor, dibujante, grabador o fotógrafo.

Los programas computarizados, las teorías del color, la fotografía proyectada en tela e imágenes digitalizadas y muchas más, de acuerdo a la influencia de los avances tecnológicos para buscar nuevos lenguajes bidimensionales, van sustituyendo al lenguaje tradicional (acuarelas, telas, óleos, brochas, etc.)

Nuevas formas de expresión en las artes plásticas

NUEVAS EXPRESIONES ARTÍSTICASSe ha ampliado la proyección del arte en cuanto a espacios se refiere; desde luego que continúan las galerías y museos, pero hay otros lugares como los panorámicos, museos virtuales, donde el espectador ni siquiera tiene que asistir para presenciar la obra, lo que hace muchas veces de estas nuevas expresiones y medios un arte efímero que pone en cuestionamiento el futuro general de esta forma de expresión.

¿Hasta qué punto se va a perder el placer del pintor al hacer un cuadro, preparando su base, trazando su dibujo a mano alzada (porque aún tiene esa destreza), mezclando sus colores, afinando su composición y dándole todos los elementos a su pintura para hacer un buen cuadro? ¿Hasta dónde llegará la permanencia de las obras en el

transcurso del tiempo sin tener que estar en un disco o memoria, y hacia dónde va la pintura sin ser una expresión en vías de extinción en la que los galeristas y críticos de arte no acepten las obras si no sorprenden primero a un espectador al que le gustan las innovaciones?

El arte, la ciencia y la tecnología no son ajenos unos a otros; existe una íntima relación indiscutible desde su historia; es parte de la evolución; pero, si no se le da lugar, un equilibrio a cada elemento, nos alejaremos del oficio que históricamente nos ha pertenecido.

VOLVER AL OFICIONo nos pongamos radicales al entender la ciencia y tecnología como herramientas para expresarnos; también si nos limitamos a lo tradicional y nos cerramos,

no seremos partícipes de nuevas probabilidades. Si hace falta volver al oficio, es porque habrá una exigencia del espectador que se ha cansado de todo lo nuevo para retomar otros caminos.

Nuestra tradición educativa aún mantiene una posición de curiosidad y de investigación del fenómeno del arte y la tecnología en un tiempo en el que hablar de descubrimientos e innovaciones son sucesos diarios.

Necesitamos el arte, debemos aceptar la responsabilidad de ser testigos y testimoniales de nuestro tiempo, sin tener amnesia a lo que hay detrás de lo nuevo y respetarlo, pues lo que somos no existiría sin lo que fuimos.

Hay que ver el presente, pero sin olvidar el pasado

Paisaje de Saskia Juárez


de cocción y el presenciar el cambio (físico-químico) de la arcilla en otro material completamente diferente, el estudiar las ligas (fundentes de sodio) para producir una cerámica más vitrificada; la recolección de arcillas colorantes, básicamente negras rojas y blancas; el localizar yacimientos de estos materiales; en fin, distinguir entre toda la tierra “la tierra” y entre todas las piedras “la piedra”, nos lleva a una especialización que posteriormente nos darán la geología y la mineralogía.

CERÁMICA, PORTADORA Y SUSTENTO DE LA ESCRITURA

Hacia el año 5000 a. C., la cerámica entra en la historia como la portadora, el medio y el sustento de la escritura. Relacionada con la agricultura, -el grano se guardaba en grandes jarrones-, ahora conserva en signos inscritos, registros de las cuentas de los bienes y propiedades, cantidades de grano y ganado, la compra y la venta; la escritura, el número, la aritmética, la contabilidad y el comercio. Todo ello en tablillas y sellos de cerámica. La epopeya, la leyenda, la religión; los escribas, las escuelas y las primeras habitaciones en las que se guardaban estos registros; los archivos y las bibliotecas (4000 a.C.). En todos estos casos, la arcilla, la cerámica estuvo presente.

El torno se inventó y fue adoptado para su uso por los alfareros alrededor del año 3000 a. C. Al principio se utilizó la rueda de piedra o madera pivotando en el suelo; esto permitía hacer las vasijas más rápidamente. La rueda se hacía girar empujándola o pateándola y su impulso era suficiente para posibilitar la construcción de vasijas. Esta técnica, completamente nueva, acelera y estandariza la producción de vasijas y exige un replanteamiento en la formulación de las arcillas. A medida que se desarrolló esta tecnología, el torno se hizo más complicado. Se perfeccionó el pivote y finalmente se acopló un árbol a la cabeza de rueda y se añadió un volante en la base, con lo que se obtenía una acción más rápida y uniforme. Este torno se utiliza aún en el Medio Oriente. Con el torno se inician y luego reafirman las técnicas de la mecánica y la dinámica, así como la traslación de fuerza a través de los engranes y el cabezal del árbol, que posteriormente se aplicarían en otros artefactos.

10

Saskia Juárez




















10 CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 200538 11CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 2005

CREACIÓN DEL VIDRIOUtilizando los hornos de cerámica, alrededor del año 2000 a.C., se hizo un verdadero vidrio, fundiendo arena, cuar-zo y fundentes alcalinos (sosa). Aunque no fue soplado o modelado cuando estaba líquido, en caliente, sino tallado y pulido en frío cuando estaba sólido, fue un descubrimiento importante. Hacia 1800 a. C., ya se producía vidrio que podía ser trabajado cuando aún estaba caliente y fluido; también se descubrió que podía ser coloreado con óxidos metálicos: azul de cobalto, verde turquesa de cobre, blanco de estaño. Pero el contenido de sosa hacía que los índices de contracción del vidrio al enfriarse fueran muy altos, y los cuerpos cerámicos no lo podían retener en su superficie al enfriarse.

Una tablilla de barro encontrada en un alfar en una ciudad al norte de Irak es el vestigio más antiguo (17000 a.C.) que testimonia la introducción del uso del plomo (minio) en la fabricación de un esmalte o vidriado para uso cerámico (la receta inscrita es en términos actuales: vidrio 243, plomo 40.1, cobre 58.1, salitre 3.1 y cal 5). El plomo disminuía considerablemente la contracción del vidrio y además de adherirse perfectamente al cuerpo cerámico le infería lisura y un brillo extraordinario, y del verde turquesa alcalino se tornaba en un verde esmeralda brillante. Esta tablilla nos habla de una investigación sistemática y de un registro detallado de los efectos que cada elemento introducido en una receta producía sobre el cuerpo cerámico.

El vidrio se enfriaba violentamente al vaciarlo en un recipiente con agua. Ya enfriado se trituraba finamente y se mezclaba con los otros elementos, se le agregaba agua, un poco de arcilla plástica y miel (para estabilizar la emulsión); por último se aplicaba sobre la vasija para ser sometida de nuevo al fuego, obteniendo una vasija finamente acabada. El conocimiento sistemático de las reacciones y los cambios de estado de los materiales sometidos al fuego, así como su proceso de enfriamiento, la observación del calor y sus formas de medición, la tecnología empleada para el mejoramiento de los hornos de tiro directo; todo ello nos está hablando de una física y una química empíricas que serán el sustento de nuevos des-

cubrimientos. Sobre estas bases, con el paso del tiempo, el constante cambio del poder hegemónico y por consiguiente, la variante cultural dominante; la cerámica se hace variada y diversa, evoluciona en algunos pueblos, se estanca en otros.

Los griegos aportan la reducción en las quemas, los romanos la terrasigillata, los árabes la mayólica, los chinos la porcelana y los alemanes los vidriados a la sal y el stoneware. Y así infinitamente cada región aporta lo suyo. El siglo XVIII, el siglo de la razón, ordenará todos estos conocimientos. Tal vez el último eslabón empirista en la investigación de la cerámica fue el redescubrimiento de la porcelana por un alquimista alemán (Johann Friederich Böttger). La guerra no declarada por la porcelana, llevaría al establecimiento de fábricas y escuelas financiadas por los reyes europeos, que luego serían sustituidos en el XIX por adinerados empresarios burgueses. Con el movimiento cultural “Arts and crafts” se reinventa el concepto de cerámica

artística y por otro lado rescata del olvido a los artesanos ceramistas, que habían sido engullidos por la revolución industrial. Se crea también el concepto de neo-artesano, que a fines del sigo XX será sustituido por el diseñador industrial. A partir de los años 50’s el arte en cerámica tiene un auge inusitado, no solamente en la escultura, sino también se revalora la pieza única de la cerámica funcional y decorativa. Las universidades incluyen la licenciatura, maestría y doctorado en química cerámica.

CERÁMICA Y CULTURASLa arqueología data las culturas por sus cerámicas. El campo industrial de la cerámica ha realizado grandes aportes en la tecnología de punta de los hornos, el diseño de arcillas de alta especialidad; como ejemplo en la ortodoncia, las prótesis y partes de automotores. Los ingenieros aéreo-espaciales colocan planchas de alúmina de alta densidad en las naves para protegerlos del calor en su salida y entrada a la atmósfera terrestre. A este punto llegamos, que vuelve a ser punto de partida, para nuevos pequeños pasos que nos traigan grandes adelantos. No queda más que preguntarnos: ¿Qué pudo haber soñado el hombre del neolítico, que descubrió la transformación de arcilla en cerámica a través del fuego? Por último, sí llegado el momento de partida lo incineran ¿sabía que con sus cenizas se puede fabricar un esmalte o vidriado para un juego de té?

Las casas de las primeras aldeas se construyeron con bardas de jaras adosadas por ambos lados de arcilla

húmeda que ya secas eran encaladas y decoradas. Posteriormente se utilizaron adobes de arcilla mezclada con paja y hierbas secas o con estiércol del ganado; se prensaban y dejaban secarse al sol para luego construir con ellos las habitaciones. Con el advenimiento de la cerámica aparecen el ladrillo (1400 A. C.), la baldosa y el azulejo, que se

destinaron a los edificios públicos y religiosos; y con la aplicación del esmalte o vidriado sobre ellos, aparece la decoración policroma y el recubrimiento de paredes, tanto interiores como exteriores. El vidriado confería mayor durabilidad y belleza al producto cerámico. Los tres tipos de construcción perviven juntos, pero determinando clases sociales. Con ello la cerámica entra en la ingeniería y la arquitectura, así como en las artes decorativas.

CASAS DE ARCILLA

Obras realizadas por el maestroRicardo Escobedo.

CIENCIA DEL ARTE

Rubén González Garza

El anterior aforismo, escrito por Bertold Brecht, nos lleva a considerar al teatro como el arte más cercano para conocer el

alma del ser humano.

Las emociones que se experimentan en la vida y las que se obtienen en el teatro son en esencia las mismas; los medios usados para obtenerlas y la forma de expresarlas, así como los efectos que tienen sobre el actor y el público son totalmente diferentes.

Así como decimos que hay una naturalidad de la vida que es la conducta del cotidiano vivir, hay una naturalidad teatral más exaltada, usada por el actor en ese momento único que dura una representación teatral. Así pues, hay una realidad vida y una realidad teatral. Con frecuencia confundimos los términos realidad y realismo. La vida es lo real, el realismo es una ilusión de vida, un artificio.

El Teatro,

“Cada arte contribuye al arte más

grande: el arte de vivir”.

LA VIDA ES UN DRAMAEl teatro es una necesidad del hombre para representar las cosas de la vida, y la vida es un drama; es decir, tiene movimiento, pero no siempre podemos desempeñar correctamente nuestro papel.

El drama es un hecho humano y no hay drama si no hay conflicto, que es el que provoca el movimiento interior y la acción externa; ahora bien, ¿a que vamos al teatro? Acaso simplemente para entretenernos, lo cual es muy lícito, o para ver reflejados los propios problemas; o, como dice Ortega y Gasset, vamos al teatro a que nos hagan: reír, llorar, pensar, etc... y cuando salimos de una muy buena representación teatral, no salimos igual que cuando entramos. Ha sucedido algo mágico: ¡un milagro, una catarsis! Hemos visto seres humanos que luchan, se desesperan, lloran, ríen, se gritan, se aman, y nos hemos identificado con ellos; hemos tenido una empatía, hemos comparado

nuestra propia existencia con lo que en el foro se ha mostrado, y salimos del teatro mejorados. No somos tan malos como el villano y quizá no tan valientes como el héroe; pero, en fin, algo ha ocurrido. Alguna fibra emocional o estética se ha movido en nuestro interior.

Podemos concluir esta breve reflexión sobre el teatro, afirmando que si el primer vestigio del teatro nació cuando el hombre primitivo intentó expresar su pensamiento mágico, tratando de comprender el mundo que lo rodeaba, sus ceremonias contenían ya esa extraordinaria lucha hombre-naturaleza. Algo debió tener de ritual.

Posteriormente, los griegos, inventores de la tragedia, sitúan su ceremonial ante el Ara, ante el altar.

BÚSQUEDA DE EXPERIENCIASEl teatro actual, a partir de grandes actores como Stanislavsky, quien con su método vivencial, sin mencionar jamás a Freud, exige la búsqueda de las experiencias vividas en la infancia; además, autores como Strirnbrg, Ibsen, O’Neill, Tennesse Williams, Arthur Miller, Eduard Albee y otros, con sus obras alientan el nacimiento del psicodrama y la terapia de grupo, que en la dramaturgia no están destinados a desembocar en una curación, pero sí a comprender los movimientos internos de los personajes de sus obras, al exigir a los actores interiorizar los conflictos surgidos en el diario existir.

El teatro vivirá mientras el hombre exista; evolucionará en cuanto a su forma; echará mano de medios nuevos, pero los principios fundamentales permanecerán inalterables, mientras el ser humano siga luchando por la verdad, el amor, la justicia y el deseo de vivir.

terapia del alma

CIENCIA DEL ARTE

Fray Julián Pablo/ Prior Conventual de la Orden de Predicadores (Dominicos)

La belleza es la última palabra a la que puede llegar el intelecto reflexivo, ya que es la aureola de resplandor imborrable que rodea a la estrella de

la verdad y del bien, y su indisociable unión; la belleza desinteresada, sin la cual no sabía entenderse a sí mismo el mundo antiguo, pero que se ha despedido sigilosamente y de puntillas del mundo moderno de los intereses, abandonándolo a su avidez y a su tristeza; la belleza, que tampoco es ya apreciada ni protegida por la religión y que, sin embargo, cual máscara desprendida de su rostro, deja al descubierto rasgos que amenazan volverse ininteligibles para los hombres.

VALOR Y FUERZA DE LA BELLEZALa belleza, en la que no nos atrevemos a seguir creyendo, y a la que hemos convertido en una apariencia para poder librarnos de ella sin remordimientos; la belleza, que, (como hoy aparece bien claro) reclama para sí al menos tanto valor y fuerza de decisión como la verdad y el bien, y que no se deja separar ni alejar de sus dos hermanas, sin arrastrarlas consigo en una misteriosa venganza.

De aquel cuyo semblante se crispa ante la sola mención de su nombre (pues para él la belleza sólo es chuchería exótica del pasado burgués) podemos asegurar que –abierta o tácitamente- ya no es capaz de rezar y, pronto, ni siquiera será capaz de amar.

EL SIGLO XIX Y LA BELLEZAEl siglo XIX se aferró todavía con un entusiasmo apasionado al ropaje de bellezas huidizas, a las boyas flotantes del mundo antiguo que se hundía (“Helena abraza a Fausto, lo corpóreo desaparece, el vestido y el velo se le quedan entre las manos… Los vestidos de Helena se disuelven en nubes, envuelven a Fausto, lo elevan hacia las alturas y se disipan con él”, Fausto II, acto 3º); el mundo iluminado por Dios se reduce a sueño y apariencia, romanticismo, y pronto será sólo música; pero, cuando la nube se desvanece, queda una imagen insoportable de la angustia, la materia desnuda; y, dado que todo se ha desvanecido y, sin embargo, se siente la necesidad de abrazar algo, el hombre de nuestro siglo corre obligado hacia ese himeneo inalcanzable que, a la postre, le hace detestar toda forma de amor.

Ahora bien, aquello que revela al hombre su impotencia, aquello que le es imposible someter, le resulta insufrible; por eso no tiene otra alternativa que negarlo o rodearlo de un silencio de muerte.

Belleza y reflexión


Me interesa el impulso de la cabeza y la mano, cosa que con el ordenador se pierde”, expresó Pinós.

“PACTAR” CON LA NATURALEZADurante la conferencia, la ganadora del Premio Nacional de Arquitectura en España, dijo que el arquitecto debe “pactar” más con la naturaleza, entendiéndose esto como el acto de entrar en armonía y sincronía con ella.

“Pocas veces se trata de pactar, pues otros mutilan o no armonizan en nada con el entorno. Se debe pactar en el sentido de establecer un diálogo que llegue a entendimientos”,

En general, la mayoría sabe qué programas se adecuan a sus trabajos particulares, y muy pocos están dispuestos a cambiar; sin embargo, todavía hoy, no todos sienten previamente la necesidad de utilizar estos nuevos instrumentos para obtener sobre sus diseños un control absoluto que no se puede, en verdad, alcanzar simplemente a mano, con un lápiz y un papel.

EL CASO DE BERNARD TSCHUMIEs famosa, de todas maneras, la historia de un extraordinario arquitecto japonés, Bernard Tschumi, relacionada con el proyecto que lo lanzó a la fama: El concurso para el parque parisino de la Villette, una gigantesca exposición permanente de ciencia y técnica donde se realizan constantemente experiencias de alto vuelo tecnológico para públicos sin preparación científica.

Todas las facetas de su diseño se basaron principalmente en múltiples descomposiciones de la figura cúbica: mientras hacían sus dibujos a mano, Tschumi y sus ayudantes empezaron a comprender que el proceso tenía una lógica interna que lo hacía especialmente adecuado para la utilización de las computadoras. Siguieron, por supuesto, haciendo los dibujos a mano, pero con un aspecto deliberadamente parecido a las imágenes que elaboraban las máquinas. Les quedaron tan extraordinariamente bien que, cuando se hicieron públicos, empezaron a recibir llamados telefónicos de todo el mundo para saber qué programas infográficos habían utilizado. En realidad, las computadoras sólo entraron en los estudios de Tschumi cuatro años después de ganar

el concurso de la Villette. La conclusión de Tschumi fue terminante: “siempre –confesó-, en alguna parte del proceso, hay un instante en que la computadora nos supera; “ve” más y actúa con mayor rapidez que la mano y la cabeza, permite explorar ciertas ideas que jamás uno se había imaginado. Con los ordenadores, sin duda, es posible “ver” más cosas que con la mano.

REALIDAD VIRTUAL Y EXPERIENCIA PERSONAL

A pesar de que la realidad virtual alcanzó un nivel de desarrollo con un grado de apreciación visual absolutamente preciso, no ha logrado sustituir la experiencia personal del trabajo en obra donde hasta lo fortuito y accidental opera como una herramienta más de los profesionales.

Lo irremplazable, por ahora, es el talento, sobre todo en esta época en que los robots, las máquinas inteligentes, pretenden dominar ese lugar de las creaciones culturales, antes sólidamente ocupadas por los seres humanos.

La inteligencia artificial no ha logrado todavía que las computadoras puedan diseñar por sí solas las obras que requieren los hombres para sentirse vivos; hombres preocupados por encontrar soluciones más eficaces y más acordes a la realidad que estamos viviendo. Preocupaciones más amplias, relacionadas con temas como el entorno, el problema social, el uso razonable de la energía, y la conciencia ecológica, todo en un desarrollo sostenible.

En esta ciudad, modelo industrial y tecnológico, autosuficiente en el ramo de la construcción, la Arquitectura está esperando dar su mejor respuesta. Los arquitectos, ingenieros, urbanistas y autoridades, estamos aprendiendo muy lentamente a nivelar el equilibrio entre las necesidades actuales y las responsabilidades futuras. No estamos suficientemente preparados para abandonar nuestros hábitos derrochables.
























CIENCIA DEL ARTE


Adán Lozano / Arquitecto

La Arquitectura moderna nace de los cambios técnicos, sociales y culturales que se derivan de la Revolución Industrial de mediados del siglo

XVIII. Aparecen nuevos materiales, nuevos procedimientos para usarlos y se desarrollan nuevas técnicas constructivas. Hoy, con el gran avance de la tecnología, se ha logrado alcanzar metas impensables en tan sólo unos cuantos años. La nueva herramienta es el diseño por computadora, la inteligencia artificial impuesta por la evolución y el desarrollo de la tecnología informática.

Su aplicación más realista continúa siendo en estos momentos la de auxiliar a los profesionales durante el proceso de diseño, resolver los más complejos cálculos y facilitar la construcción virtual de los espacios sobre la marcha.

POSIBILIDADES ILIMITADASEsta innovación tecnológica se está aplicando en casi todas las modalidades profesionales de diseño: vivienda, urbanismo, equipamientos, planos y detalles de ejecución, construcción industrial, diseño de interiores, pabellones de exposiciones, proyectos de estudiantes, imagen fija y video, complementando el trabajo de otros sistemas infográficos, particularmente los destinados a vender diseño, ya que las posibilidades del mercado son ilimitadas.

La mayoría de los arquitectos e ingenieros en todo el mundo han incorporado las computadoras en su trabajo, como una herramienta muy efectiva, gracias a la evolución y el desarrollo de la tecnología informática que cuenta con muchos y muy variados programas, sobre todo los más

recientes sistemas Cad. En ese sentido, es conveniente aprovechar el potencial que ofrecen las computadoras, pero al mismo tiempo también conocer sus limitaciones.

La arquitecta catalana Carme Pinós en su conferencia “Límites” presentada en la “Cátedra Luis Barragán”, del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, mencionó que nos falta una visión humanística más comprometida.

DEPENDENCIA DE LOS SISTEMAS COMPUTARIZADOS

“Ante esto, trato de dar respuesta con mi arquitectura, entendiendo las tendencias

y revisando nuestra contemporaneidad, aunque siento que ahora se parte mucho de lo imaginario y, por ende, se atiende poco las necesidades del contexto y de la persona”. Parte de esa deshumanización –dijo- es que hay una muy marcada dependencia de los sistemas computarizados, los cuales roban experimentación al arquitecto.

Me enfada cuando se quiere experimentar con el ordenador (computadora), pues se deja la riqueza de la investigación a lápiz por el juego fácil. Respeto la manera de trabajar de cada quien, aunque es increíble que se deje la sensualidad que brindan los trazos y el golpe a mano.

El diseño por computadora

La inteligencia artificial impuesta por la cibernética

36 CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 2005

Jorge Villegas

El Hombre tiene las mismas preocupaciones a lo largo de los milenios: quiere saber de dónde viene, por qué está aquí y qué le

espera el día que cese su vida terrena.

Esas preguntas críticas e intemporales llenan la agenda de la Ciencia, del Arte y de la Teología. Por tener objetivos idénticos, parece absurdo colocarlas en las Antípodas y considerarlas contradictorias.

Tienen el mismo campo de investigación, las mismas preguntas a responder. En todo caso difieren sus epistemologías. Esto es, la forma y el método para indagar la Verdad.

METODOLOGÍA DIFERENTELa Ciencia se vale de la observación y la experimentación. El Arte se asoma al universo con imaginación e intuición. La Teología se aparta de intuiciones, imaginaciones, observación y experimentación, para reclamar como método de indagación la fe; esto es, la presunción fundada en dogmas y viejas escrituras que aspira a una comprobación en un futuro incierto.

Diseño de Leonardo da Vinci.

Da Vinci: con intuición de artista, con imaginación creativa, orientó su talento a la aplicación científica de conocimientos creados o derivados por su mente.

La Ciencia y el Arte Iguales objetivos, diversos métodos de exploración

Los territorios de las tres disciplinas reseñadas no son excluyentes per se. Ha habido intentos frecuentes de cruzar linderos y confundir en la misma agenda sus objetivos y métodos.

Ejemplo resplandeciente entre Arte y Ciencia es, por supuesto, Leonardo

LEGADO DE DA VINCIYa es legendario su legado de ideas y prototipos de lo que siglos más tarde serían inventos y artefactos tecnológicos complejos.Científicos que doblan como creyentes, igual han intentado conciliar las agendas de la Teología y de la Ciencia:

han desarrollado investigaciones, por ejemplo, para demostrar científicamente las historias bíblicas. “Y la Biblia tenía razón”, proclaman.

ALIANZAS CON EL ARTELa Ciencia, a su vez, acepta alianzas con el Arte para sintetizar pinturas y conservadores que preserven los murales, los óleos y las esculturas para los siglos.Han sido científicos, por ejemplo, los que han rescatado para la visión contemporánea, las pirámides precolombinas.

Los frescos de la Capilla Sixtina recuperaron su viveza de color y proporciones gracias a la aportación científica que logró borrar los rastros de humo y cera de la cristiandad.

En el mundo perfecto del Futuro, ya hallaremos la forma de integrar las tres maestras: Ciencia, Arte y Teología.

Pero primero tendremos que zanjar diferencias y animadversiones entre el dogma y las investigaciones audaces de la Ciencia.

35CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 2005CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 2005 14

JPor Claudia Ordaz

Jeannette L. Clariond es originaria de Chihuahua pero regiomontana por adopción. De sus ojos se asoma la sabiduría de unas palabras que sólo pueden brotar del corazón. Sería casi imposible escapar de su destino que la hace ser una gran poeta, porque precisamente es por medio de la palabra que evoca los recuerdos de su natal Chihuahua, su infancia, y a los suyos, los dichos de su abuela que la empujarían a escribir “Desierta memoria”. No puede escapar porque es tan grande la fuerza de su sangre libanesa, raza en la que palabra y religión nacen de la misma fuente, raíz que la ha llevado a convertirse en una de las poetas más destacadas del Norte del país. Actualmente Jeannette está concluyendo la revisión de A una hora incierta, del poeta turinés, Primo Levi.

He aquí una charla que CONOCIMIENTO tuvo con la poeta.

CO- ¿Cómo puede la poesía guardar relación con la ciencia?JLC- Los científicos son los mejores literatos. Precisamente ahora que trabajé la traducción de Primo Levi descubrí su amor por la naturaleza. Era alpinista; gran parte de sus poemas los escribió leyendo Scientific American. En ellos, hormigas, bueyes, elefantes, colinas… son elementos de los que se vale para metaforizar su dolor, la violencia, digamos que vive el buey, en su castración. Su visión del mundo era amplia, trascendida. Y era meticuloso en su ver: era químico. Otro gran poeta, Gottfried Benn, aunque estudió teología, luego optó por la medicina. Al terminar la I Guerra Mundial se hizo especialista en enfermedades de la piel

y de transmisión sexual. De ahí nacen libros importantes como El lazareto (1912), Carne (1917), y otros. Su poesía es valiosa, como en Levi, porque vieron al hombre desde su fragmentación.

EN EL LENGUAJE HAY CIENCIACO- ¿Cómo se da la matemática, por ejemplo?JLC- Un buen lector de poesía sabe escuchar música. Si esto no es número, entonces no se puede sustentar el hecho de que en el lenguaje hay ciencia. Hay ciencia en el uso adecuado de una esdrújula, en la exactitud de la versificación; qué sería la poesía sin los sonetos de Góngora, sin la admirable producción de sor Juana Inés de la Cruz en la que abundan sonetos, endechas, glosas, quintillas, décimas, redondillas, ovillejos amorosos, religiosos, filosóficos y satíricos. ¿Qué más ciencia? Ella es la primera mujer impulsora de la ciencia en la Nueva España, con su pensamiento y con su escritura. Y hablo de pensamiento y su relación con la lengua, lo divino y el número. Basta pensar en La Divina Comedia, un tratado del alma, de la soledad, de la fe, del amor, pero sobre todo, un elogio al número. El 3, además de número es geometría, es Dios, es símbolo, es un universo cantado. Desde el comienzo de los comienzos, la palabra es canto. Recordemos a Jeremías, Ezequiel, Isaías, evoquemos a Pitágoras, volvamos a los hexámetros de Empédocles, nada hay sino número.

PENSAMIENTO, ESCRITURA Y RELIGIÓN

CO- ¿Y cómo se une la poesía al pensamiento? JLC- No hay poesía sin pensamiento. Tales, padre de la filosofía, parte de la geometría; de ahí, pensamiento, escritura y religión se irán entrelazando. Hay mucho de sagrado en la palabra de los grandes poetas. A pesar de ser una derivación del romanticismo --la poesía como dictado de los dioses-- podemos percatarnos de que si un poeta alude a un triángulo, puede ser pubis o Santísima Trinidad, o las dos cosas, si damos fe de que el pubis es origen. Wallace Stevens, quizá una de las voces más influyentes en la poesía del siglo pasado, ha sido capaz de unir lo anterior de manera admirable en su poema esencial: “Las auroras de otoño”: Desprenderse de una idea... una cabaña,Desierta, en la playa. Es blanca,Según la costumbre o conforme con

Un tema ancestral o a consecuenciaDe un tránsito infinito. Las flores contra la pared, Blancas, medio secas, nos hacen

Evocar, buscando advertir, una blancuraDistinta, un algo más, el año pasadoO el anterior, no el blanco de una tarde,

Ya fresco o marchito, nube de invierno o cieloInvernal, que de horizonte a horizonte agoniza.

“Todo artista lleva la poesía y la matemática dentro”: Jeannette L. Clariond

La Poesíatiene su Ciencia

adiestramientos automáticos y rutinas de ínfimo valor.

Todos leímos alguna vez acerca de la importancia que los griegos –cuna de la cultura universal- daban al arte. Sin embargo, debemos decirlo, el arte en las escuelas actuales ocupa un lugar periférico en los diseños curriculares.

VISIÓN PRAGMÁTICA DE LA EDUCACIÓN

Mucho de esto se debe a la visión modernista de la educación, visión preñada de pragmatismo, utilitarismo, eficientismo y más. A tal grado ha llegado el desprecio por el arte, que el artista es casi sinónimo de “muerto de hambre” que trabaja por “amor al arte” o sea gratis.

Esta visión de la Educación Artística escolar tiene relación directa con la idea de que el único conocimiento válido

es el que hace competitivo al alumno, líder empresarial, productor de tuercas de calidad. Esta visión relega a la nada cualquier otro tipo de conocimiento que no esté ligado al dinero y a la creación de satisfactores inmediatos; olvida por completo el alimento del espíritu y la producción trascendente; eso no sirve, no tiene mercado.

REFORMA DE 1993En nuestro país, a partir de la reforma de 1993, encontramos la Educación planteada como aquélla que debe brindar a los alumnos la posibilidad de conocer los códigos de las distintas disciplinas que la integran: Música, Expresión Corporal, Plástica y Teatro. Valdría retomar la idea de Herbert Read, que propone no hacer de todos los individuos artistas, sino acercarles los lenguajes de las disciplinas artísticas que les permitan nuevos y distintos modos de comunicación y expresión,

desarrollando las competencias individuales interrelacionadas con lo social, a través de la sensibilización, la experimentación, la imaginación, y la creatividad.

Esto equivale a no empeñarnos mucho en pretender formar artistas profesionales, sino un pueblo que practique y disfrute actividades artísticas, hechos creativos; o sea, reivindicar los lenguajes artísticos como formas estéticas de comunicación entre los hombres.

La actividad creadora aparece entonces como una forma de relación especial, ya sea entre los niños y el adulto o de los niños entre sí, con un claro valor educativo. Al respecto señala Vigotsky “Llamamos actividad creadora a toda realización humana de algo nuevo, ya se trate de reflejos de algún objeto del mundo exterior, ya de determinadas construcciones del cerebro o del sentimiento que viven y se manifiestan sólo en el propio ser humano.”

Todos los seres humanos poseemos capacidad para la creación.

PATRIMONIO DE LA HUMANIDADRead, Herbet insiste en su libro Arte y Educación (1991), que el arte debe ser la base de toda forma de educación enaltecedora. ¿Será tan difícil trabajar en pro de que el arte vuelva a tomar asiento en las escuelas?

El arte no es sólo técnica; es historia, es lenguaje de una época y cultura. El arte no es patrimonio sólo de un hombre, es patrimonio de la humanidad.

Es la mejormanera de impulsar la formación de la personalidadinfantil

porque regrese a las Nuevo León y del país

todos los lenguajes

CIENCIA DEL ARTE


JPor Claudia Ordaz




























todos los lenguajes

CIENCIA DEL ARTE

CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 200534 15CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 2005

Estos versos te están hablando de la caverna platónica y a la vez son imágenes de la más alta poesía. El poeta es en esencia religioso, escribe desde sus ruinas. Marguerite Yourcenar relacionó siempre poesía y arqueología. Yo lo veo de igual manera: un intento de recuperación de tus partes fragmentadas. El poeta libra una batalla, es la lucha que lo redime porque está reestructurando-se por el lenguaje, un acomodo interno de su ser-para-la-lengua. Lo religioso surge cuando te haces uno; de eso trata la poesía. Uno es el río, uno es la divinidad, uno es el número fundante de la numeración, hasta que, claro, los mayas nos dieron el “0” pero, para ellos, no era número, sino, religiosidad: perfección del círculo. ¿Alguna relación con Platón?

PÍNDARO Y SAFOCO- ¿Si la poesía se relaciona con lo religioso y con el pensamiento, qué me dices sobre la forma en que obedece a una estética?JLC- Al hablar sobre estética pienso en Píndaro, un lírico mayor. Sus himnos eran cantados con acompañamiento musical por coros de jóvenes para los dioses. De la obra de Píndaro, como de Safo, sólo hay fragmentos de himnos, ditirambos, odas, y cantos fúnebres. Sus más de cuarenta epinicios apenas se encuentran hoy día. Ambos fueron grandes. Un solo verso de Safo te dice el universo: “Yazgo sola. Luego de mi muerte nada quedará, no habrá memoria mía.” Si ésta es más profunda en su carga, aquél es más complejo en su estructura, además del profundo sentido religioso, rasgo notable de la lírica coral griega.

CO- Claro es la unicidad, por un lado y la métrica y la rima por el otro. JLC- Lo uno, la geometría, la música, todo es armonía. Paul Válery es el poeta quien mejor representa el conflicto entre poesía y ciencia, y su contraparte armónica. Analizó el método de los grandes genios. Por eso encontró en la arquitectura la relación con la música, la de ésta con la poesía. Estudió y escribió La introducción al método de Leonardo da Vinci. Coetáneo y seguidor de Stéphane Mallarmé, sus primeros poemas están influidos por el simbolismo. Pero también supo ahondar en la esencia. Quizá su grandeza estribe en su saber integrar sus conocimientos, algo que también

supo hacer Octavio Paz. Aunque obra de ficción, en El señor Teste, Válery saca a flote el nudo de nuestros conflictos en voz de su protagonista, un hombre de mente prodigiosa en su más alta forma de libertad. Este poeta ha sido quizá el más perfecto de los perfeccionistas y gran estudioso de las matemáticas. Y su poesía, con huesos y todo, es una alta expresión de su técnica musical. Cuando veo un bello edificio contra el horizonte escucho un cementerio marino.

MÚSICA, MATEMÁTICAS Y POESÍACO- ¿Y la música está relacionada con las matemáticas y la poesía tiene musicalidad, ahí es donde la poesía está relacionada con la ciencia?JLC- Ahí es. Si alguien me pregunta qué tiene de ciencia la poesía entonces yo le pediría que intentara escribir un soneto. O, leer con detenimiento La Divina Comedia, o a Lope de Vega, a Shakespeare, a Browning. Entonces, quizá, empezaríamos a aceptar que en todo gran arte prevalece el número.

CO- Mucho se ha dicho que de todos los géneros literarios, ya sea cuento, ensayo, teatro, novela, la poesía es el más difícil ya sea para escribirse o para ser leída,

el escritor de novela por ejemplo, tiene la oportunidad de parar y de escribir hasta donde lo llevan los personajes, el lenguaje es un poco más cotidiano, la poesía exige un poquito más al lector para ponerse en los zapatos del poeta, y para un poeta resulta difícil decir tanto en tan pocas palabras.JLC- Claro, es la síntesis.

CO- ¿No has intentado incursionar en otros géneros?JLC- Sí, no he podido. “Todo antes de la noche” fue un intento de cuento. Nace cuando viene María Luisa Puga a la Universidad para impartir un taller literario. La había invitado el Maestro Carlos Arredondo. Mi madre había fallecido hacía apenas cinco o seis

Ismael Vidales Delgado

Por ahí me encontré una bella forma de definir el arte y su trascendencia. Me gustó como inicio de esta colaboración: “El arte y el hombre son indisociables.

No hay arte sin hombre, pero quizá tampoco hombre sin arte. Por él, el mundo se hace más inteligible y accesible, más familiar. Es el medio de un perpetuo intercambio con lo que nos rodea, una especie de respiración del alma… El hombre aislado o la civilización que no accede al arte están amenazados por una secreta asfixia espiritual, por una turbación moral”. (René Huyghe, poeta inglés).

El arte es una actividad omnipresente en la vida cotidiana de los seres humanos. Es un diferencial evidente entre los humanos y los otros seres vivos, porque el ser humano es el único capaz de producirlo y disfrutarlo.

DISTINTAS FUNCIONES DEL ARTELa actividad artística tiene distintas funciones sociales, históricas, personales y sociales. Tal vez la más importante sea la de lograr comunión entre los humanos y armonía en la personalidad individual; dar placer, reflejar la realidad, los conflictos personales y sociales; desarrollar la creatividad, y, lo más grande, ser la base de todo descubrimiento científico.

El arte es un lenguaje plasmado en todas sus manifestaciones y formas. El hombre tiene integrado este maravilloso tipo de lenguaje por el cual satisface sus necesidades estéticas de conocimiento, manifiesta su ideología, sus goces y sufrimientos, su visión de la realidad, el pasado y la visión de futuro de la sociedad.

El arte es también un medio de aprovisionamiento de conocimientos, un conjunto de lenguajes simbólicos (corporales, sonoros, visuales, dramáticos, literarios), y es aquí, por lo tanto, donde entran en juego los procesos de enseñanza-aprendizaje escolares, donde clamamos porque el arte vuelva a las aulas de Nuevo León y de las escuelas del país también.

L. Vygotsky le atribuye un lugar especial al lenguaje, que es el que permite al individuo actuar sobre la realidad a través de los otros y lo pone en contacto con el pensamiento de los demás, con la cultura, que influyen recíprocamente sobre él, y el arte es el más vasto de todos los lenguajes.

ZONA DE DESARROLLO POTENCIALAquí es importante diferenciar las posibilidades de aprendizaje que el niño es capaz de construir en solitario y las que podría desarrollar entre amigos (Vigotsky le llama zona de desarrollo potencial). El arte es, como se advierte, la mejor posibilidad de impulsar la formación integral de la personalidad infantil.

En la escuela, la educación artística prácticamente no existe. Aunque jamás ha desaparecido de la agenda programática, suele confundírsele con

El arte, el más vasto de

Clamor aulas de

espíritu, sino que es el órgano del cual el espíritu se vale para su actividad. El espíritu… ¿surge de Adán? No; es Dios quien, con su mano poderosa, insufla el alma humana en el cuerpo del hombre. Conviene aclarar aquí también que esto es arte, no ciencia. Es decir, no es que Dios insufle el alma en un cuerpo preexistente. Así lo ha pintado Miguel Ángel, pero sabemos que en el hombre cuerpo y alma son inseparables y que Dios insufla el alma en el mismo instante en que comienza a haber cuerpo; es decir, desde la fecundación. Ambos empíezan a existir contemporáneamente.

LA TEORÍA DE LA EVOLUCIÓNEl Papa Pío XII, en su encíclica Humani Generis, afirma que la Iglesia no prohíbe que se trate el tema de la evolución,

pero sí defiende que las almas han sido creadas directamente por Dios. Juan Pablo II, el 22 de octubre de 1996, se dirigió a los miembros de la Academia de las Ciencias para recordarles la posición de Pío XII, y fue más allá, diciendo que la teoría de la evolución –con base en los datos aportados por diversas disciplinas– era más que una hipótesis. Aclaraba, sin embargo, que tal teoría tiene que ser verificada y corroborada con datos científicos y entendida de modo que no excluya la causalidad divina.

Decía además que las teorías que consideran el alma como un mero epifenómeno de la materia son contrarias a la verdad sobre el hombre, pues el paso de lo material a lo espiritual no es objeto de observación, por lo que se hace necesaria la ayuda de la filosofía y de la teología.Puede que nuestro

cuerpo tenga antepasados comunes con el mono, aunque no pocos científicos reconocen que, desde un punto de vista físico, el cuerpo del mono es mucho más desarrollado (o especializado) que el del hombre, el cual ha luchado desde siempre para no especializarse; de ahí que se haya mantenido erecto. Ahora bien, lo que debe estar claro es que el alma humana no proviene de la materia, sino que proviene de Dios.

Si tienen la oportunidad de cruzar la puerta de ingreso a la Capilla Sixtina, pregúntense sobre el origen de ustedes mismos y busquen la respuesta en la bóveda. Hay muchas otras preguntas y respuestas en las paredes de esa maravillosa capilla, pero tendremos que dejarlas para otra ocasión.

apilla Sixtina


semanas. Me fui a un salón anexo a donde se impartía el taller, traté de escribir. Esa noche soñé a una niña tirada por una carroza; ella intentaba en vano detenerse y detenerla, la carroza la jalaba. Sentía mucha angustia. Por la mañana escribí: “Se rompe en tu regazo la nervadura del sueño”, hubiera querido decirlo todo y sacarme el dolor de encima. Pero no pude. Tuve que esperar seis años más. Hay quienes dicen que la poesía es difícil; también la narrativa lo es pues hay que permanecer en lo cotidiano y hablar de las cosas que precisamente por parecernos cotidianas no alcanzamos a ver. Es oro hablar en palabras cotidianas tus experiencias más nobles. La gente se identifica más con la novela porque siente que es su vida; la poesía lo es también, sólo que dicho en una línea. Charles Wright acierta: “Una línea de poesía es una línea de sangre”.

NO ES FÁCIL LEER POESÍACO- Precisamente por eso yo la veo muy difícil y yo siento que tanto para leerla como para escribirla resulta compleja.JLC- Mira Enrique Serna publicó hace dos años un artículo en Letras Libres en donde dice que la gente no lee poesía porque le cuesta trabajo; que se tardan el mismo tiempo en leer una hoja de poesía que 250 páginas de narrativa. George Steiner dice que hemos estado buscando siempre el origen: las religiones buscan el origen, el paraíso perdido, así como los mitos buscan el origen, Tales de Mileto buscó el origen, Pitágoras buscó el origen. Pero Steiner dice “No hay que ir al origen sino al origen del habla”. Y el origen del habla es lo que da nombre, lo que instaura nuestra patria. Tú tienes que ir al origen de tu habla que se relaciona con algo que dice Harold Bloom: ir a lo mejor y más antiguo de nosotros. Hay que preguntarse: cómo puedo rescatar mi mejor parte, cuál es mi parte más antigua. Me llevó años descifrar la sabiduría de Bloom. ¿En dónde encontrarnos? En los textos más antiguos. Job, por ejemplo: Si callo mi dolor no cesa, y si hablo no se aparta de mí. De ahí, de los salmos, de Isaías, nace uno de los más bellos poemas de Elizabeth Bishop: “Todo es plata, / abajo, el mar iridiscente quiere que yo caiga / duro como el diamante,/ quiere a todos destruirnos”. Y no sólo está Isaías, está también San Agustín, San Ambrosio, y todo el calendario. Se requiere buscar

entre los huesos para hallar algo de luz. Cuando George Steiner y Harold Bloom hablan sobre el origen se refieren al origen del ser, y la poesía te empujará siempre hacia el abismo. Y ay, ya nadie quiere saber qué es, ni él ni el abismo.

LA CIENCIA SE AUXILIA DE LA POESÍACO- ¿ Es cómo un espejo?JLC- Es un espejo, los antiguos mexicanos lo sabían muy bien, por eso Quetzalcóatl tuvo que ser acompañado por Xólotl, su nahual, y Dante por Virgilio, y por eso la ciencia actual se auxilia de la poesía, la otra voz, como un modo de descenso a los infiernos. La poesía tiene que ver con el inconsciente. Es un desplazamiento en metáforas y símbolos de lo que cada quien es. El psicoanálisis, es una forma de cantar el dolor, Alda Merini lo sabrá bien, como Primo Levi, José María Panero, Válery, Ajmátova, y tantos otros poetas grandes. De dónde habrá tomado Freud el complejo de Electra, Edipo, Otelo…

CO- ¿No únicamente hay poesía en la literatura? JLC- No claro que no. Mira por ejemplo la pintura. La grandeza de la visión de Remedios Varo reside en la influencia de su padre, un ingeniero hidráulico. De él aprende la disciplina y el rigor del dibujo, además, claro, sus nexos con la música, y su grandísima inteligencia. En su plástica hay armonía, hay una subtrama que se trasluce en matemática. Otro ejemplo es el escultor Jorge Elizondo. Si observas sus estelas, aun las creadas hace más de diez años, son coordenadas geométricas trazadas para configurar el devenir de los astros, tal como lo percibieron los prehispánicos, los planos, las distancias, todo matemática pura, observación, sensibilidad. Paul Válery tiene un libro muy importante sobre arquitectura, Eupalino o el arquitecto donde habla de la arquitectura como la forma artística más afín a la música. Jacques Lacan por otra parte desarrolla un postulado a partir del discurso capitalista a partir de una ecuación. Platón, Murena, Borges, entre otros, escucharon la música de las esferas. Ergo, en el universo hay música, por lo tanto, número. Ese es el concepto del universo de Pitágoras. También en la escritura hay hallazgos cuasi-científicos. Una palabra, un adjetivo de Ramón López Velarde, es casi una palanca, si no de Arquímedes, si la que te permite dar al lector nuevos mundos, y nuevas formas de interpretar el agobio en el que vive.

PAISAJE ES DESTINOCO- ¿Cuál es la gran metáfora de tu poesía?JLC- El médano, yo soy de Chihuahua. Heráclito dijo “Carácter es destino”, Santiago Ramírez “Infancia es destino”, Martín del Campo “Paisaje es destino”. El paisaje nos determina. El desierto es una gran metáfora, si lo puedes habitar y transitar. Otra metáfora que me socorre es el mar. Porque el mar me da miedo. ¿Y quién no tiene miedo al origen? Y es precisamente al miedo a donde voy, si me siento acompañada. Busco la cercanía del pez, sus grandes ojos subterráneos, quiero descender a lo hondo. Sé que únicamente desde lo hondo se puede crear. Todo poema es una revivencia, una reverbalización, una remembranza, un alba lloviendo en la memoria, un viaje a lo oscuro para “buscar oro en el Rhin, aunque en el Rhin --decía Marina Ivánovna Tsvietáieva-- no haya oro”.

CO- Sabines decía que en Chiapas al levantar una piedra saltaba un poeta. ¿Si crees en esto que el ambiente influye en la creación de obras?JLC- Puede ser que Sabines tenga razón. Quizá haya tierras más nobles para la creación. Pero también la no tierra (poesía del exilio), la soledad, la conciencia de la miseria humana. Cuando pienso en soledad evoco la figura de dos Anas. Una es Anne Carson, la otra Anne Michels. La primera tiene poemas tristes pero fuertes por su ironía. En la segunda, hay la sensación de una poeta que se siente amada. Y sí, es la mujer de John Berger, un hombre con gran capacidad de entrever el mundo. Ambas son grandes, cada una con su propio dolor o modo de mirar la tierra.

CO- ¿Cuáles son tu poetas favoritos?JLC- Mis poetas favoritos son tres: George Trakl, Vladimir Holan y Gottfried Benn, y de los latinoamericanos Gonzalo Rojas. Los tres primeros por su dolor, éste, por su capacidad lúdica y por su modo de acercarse a la divinidad, sobre todo en uno de los poemas que considero perdurables: “¿Qué se ama cuando se ama?”.

CO- ¿Qué poetas recomiendas para los lectores que se inician en la aventura de la poesía? JLC- Wislawa Szymborska.







apilla Sixtina











El origen del hombre

ciencia, pues ambas proceden de Dios. Simplemente ambas deben mantener su campo propio.

Sobre la aparición del universo y la creación del hombre, la fe nos enseña que todo ello proviene de Dios, de sus designios de amor. La ciencia cabal reconoce que en el origen y desarrollo del universo existen tres saltos cualitativos que son inexplicables, que van más allá de la ciencia. El primer salto cualitativo es entre el no ser y el ser. El segundo es el salto de la no vida a la vida y el tercero es el paso de la vida animal a la vida racional. En filosofía existe un principio básico, que es la proporción entre la causa y el efecto: ningún efecto puede ser superior a su causa, a no ser que intervenga algún elemento superior a dicha causa que “rompa” el principio. En esos tres saltos se ha roto el principio, por lo que tiene que haber una causa superior.

EL EXPERIMENTO DE PASTEURAntes se creía que la vida había surgido por casualidad de la materia inerte, al juntarse determinados factores físico-químicos. Sin embargo, Pasteur comprobó en 1965, con su famoso experimento de los tres pedazos de carne metidos en sendos potes de vidrio, que todo lo viviente surge de algo vivo. Ciertamente, puede ser que en algunos mares de la primitiva Tierra se sintetizaran los productos de la química orgánica necesarios para la vida, pero el cómo se produjo esta síntesis es un misterio. No es una receta de pastel americano de “mézclese y póngase al horno 20 minutos”. No basta juntar todos los ingredientes necesarios para la vida para que ésta surja. Hay un paso que escapa totalmente a cualquier análisis.

En cuanto al origen del hombre; es decir, del ser inteligente, hay quienes afirman que nosotros provenimos del mono, el cual evolucionó gradualmente hasta que, por razones no conocidas, de repente comenzó a pensar, a interiorizarse; es decir, a mostrar actividad intelectiva.El hombre es más que animal, es un animal racional; es decir, dotado de espíritu, el cual se manifiesta en las facultades de la inteligencia y de la voluntad. Por tanto, entre un animal y un hombre existe un abismo, un salto cualitativo inexplicable. ¿Puede la materia, por sí sola, hacer emerger el

espíritu? No, por lo que mencionamos del principio de proporcionalidad entre la causa y el efecto. El espíritu es simple, no se transforma, no viene por evolución; es un salto ontológico.

LA OBRA DE MIGUEL ÁNGELVolvamos al fresco de Miguel Ángel. El manto que rodea a Dios tiene forma de cerebro. Esto quiere decir que la imagen y semejanza de Dios en el hombre se refleja en el espíritu (en la inteligencia y en la voluntad), que utiliza al cerebro como órgano material para su actividad. El pensamiento, los afectos, el amor y los valores espirituales son mucho más que puro movimiento de neuronas. El cerebro no es causa del espíritu, sino que es el órgano del cual el espíritu se vale para su actividad. El

En la C

Francisco Armengol, L.C. El Vaticano/ Exclusivo para CONOCIMIENTO

“¿Por qué existe algo y no la nada? ¿De dónde viene el hombre?”. Si uno se hace estas interrogantes al atravesar la pequeñísima puerta que a diario cruzan millares de turistas para entrar en la Capilla Sixtina, en el Vaticano, probablemente encontrará respuesta al contemplar los maravillosos frescos de la bóveda, pintados por Miguel Ángel entre 1508 y 1512. Por indicación del Papa Julio II, y un poco a regañadientes (Miguel Ángel no se consideraba a sí mismo un pintor), el artista plasmó en la bóveda la historia de la creación en cinco escenas y la vida de Noé en tres. También pintó a los profetas, las sibilas y otros episodios bíblicos.

La escena más importante es la que ocupa el centro: la creación de Adán. Esta pintura ha sido determinante en la formación del arte tal y como hoy lo entendemos, y es considerada la alegoría más sugerente y poética del origen del humano, como ser que participa en la divinidad. Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra, todos los animales y seres vivos, decide crear un ser a su imagen y semejanza. El Padre llega a la tierra en una nube, rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su mismo poder irresistible. En tierra, la figura de Adán ya está modelada, esperando ser insuflada de vida. Adán está totalmente pegado a la tierra, como surgiendo de ella: su mano se levanta débilmente, sin fuerza propia, sin objetivo. Y en ese punto el dedo de Dios concentra toda la fuerza terrible de la creación para transmitirla a su creatura y convertirla en lo que es. El detalle aislado de las dos manos resume en sí mismo el misterio de la creación, de la vida humana. Es una interpretación conmovedora de Miguel Ángel, que ha hecho de esta imagen un auténtico patrimonio de la Humanidad.

HIMNO AL PODER CREADOR DE DIOSLa narración de la creación en el Génesis, lo sabemos, no es una explicación científica sobre el inicio del universo y el origen del hombre. Es un himno, una poesía al poder creador de Dios. No trata de resolver la cuestión de cómo surgió el universo y la vida, sino el por qué. La Biblia, como verdad revelada, no puede estar en contradicción con la verdadera

Rodrigo Soto

En cierta ocasión, el filósofo racionalista alemán Gottfried Wilhelm Leibniz (1646–1716), afirmó: “La música es un

ejercicio aritmético en donde los músicos, a veces sin darse cuenta, trabajan manipulando números”.

Bajo la aseveración anterior, es asombroso que este tipo de expresión artística, que data desde aproximadamente 35,000, cuando el hombre ya fabricaba los primeros instrumentos de música (percusión primordialmente), tenga una vinculación directa con el mundo abstracto y preciso de las matemáticas.

Siguiendo el contexto de los hechos, en su momento el gran filósofo y matemático griego, Pitágoras, estableció una razón de tipo armónica matemática en los movimientos rítmicos de las composiciones musicales. Es decir, trató de explicar la simetría que existía en la música para dotarla de un carácter único de expresión de onda de sonido para adentrarse en nuestros sentidos y ser apreciada con alegría por nuestro cerebro a través del oído. Es decir, este célebre personaje habló de que duraciones proporcionales en los tonos producían frecuencias proporcionales, al igual de la construcción de un octavo, cuartos y quintos perfectos, hablando en términos de música.

BACH Y EL AJEDREZSin embargo, el juego matemático musical vino a ser explorado recientemente por grandes compositores, como es el caso de Johann Sebastian Bach (1685–1750). De acuerdo con el doctor Douglas R. Hofstadter, experto en inteligencia artificial y computación, las fugas de la música de Bach equivalen matemáticamente a un ejemplo cotidiano de jugar con los ojos cerrados de 6 hasta 60 partidas de ajedrez y ganarlas todas, por increíble que parezca.Todavía en este tipo de comparaciones, podemos mencionar lo descrito por el doctor Mario Livio, en su libro Golden Ratio, en cuanto al compositor y matemático Joseph Schillinger (1895–1943), quien en su intento por demostrar la relación matemática que tiene la música, copió un patrón de la bolsa de valores de Estados Unidos, y cuando lo

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tradujo a intervalos musicales, demostró que se podía obtener una composición similar a la de Bach.

En la actualidad, la relación música–matemática ha sido abordada desde el punto de vista de la geometría fractal, término acuñado por Mandelbrot, que se refiere a estructuras de detalle

geométrica, similar a lo que sucede con el trabajo de la naturaleza cuando diseña una flor, una concha de caracol o nuestro propio cuerpo. Este mismo diseño es el que continúa en nuestro universo, en la armonía de los sistemas que va desde un átomo hasta la espiral que forma nuestra Vía Láctea, donde el lenguaje de Dios puede estar basado en las matemáticas y su forma de escribir

El axioma elegante:

infinito, como es el caso del diseño de los copos de nieve que caen cuando desciende la temperatura. Al no poder explicar ciertos aspectos con la geometría tradicional, se recurre a este tipo de método utilizando la ciencia, la tecnología y el arte computarizado.

MÚSICA Y CRISTALES DE AGUAPara entender este concepto, es necesario comentar en relación con la formación de cristales de agua en forma armónica; cuando éstos son expuestos a piezas musicales clásicas que presentan armonía, ésta se transmite hacia las estructuras de agua que se forman. En palabras simples, estamos hablando de que las partículas de agua, al ser sometidas a la armonía de la música clásica, se integran en una formación

La relación música y matemáticas.

poesía es precisamente la música. De esta manera, si algún día pensamos en comunicarnos con especies de otro planeta, una forma inteligente de establecer contacto sería enviar una pieza musical de algún gran compositor como Beethoven, Mozart, Tchaikovski, Haydn o Wagner, pues demostraría nuestra capacidad abstracta de expresar la perfección en tonos de un axioma elegante

para un mínimo receptor de 3,500 células (oído), comparado con los 100 millones de fotorreceptores en el ojo, y a pesar de ello, el poder de la música nos puede hacer reír, gritar e incluso llorar. Para comprender mejor esto, es necesario recurrir a la explicación que da Gary Oldman en su película de Beethoven, My Inmortal Beloved, donde comenta: “El poder de la música transporta al receptor al estado mental del compositor, sin tener capacidad alguna de decisión; es como el hipnotismo”. De ahí que el doctor alemán y experto en la ciencia musical, Eckart O. Altenmüller, se refiera a la música como la causa de los “orgasmos de la piel”.



Martha Chapa

Desde los inicios de la civilización, el arte y la ciencia se entrelazaban y han caminado juntos. No deberíamos entrar al dilema, que en todo

caso sería un silogismo, si fue primero el arte y la ciencia y cuál ha influido sobre el otro.

De entrada, habría que partir de que ambos tienen en común sustentarse en la apropiación y enriquecimiento de sus propias técnicas.

PROCESO EXPERIMENTAL DE ENSAYO Y ERROR

Tan sólo pensar que si nos refiriéramos a los inicios de la pintura, los primeros pigmentos procedieron de un hallazgo propio de una investigación y, desde luego, de un proceso experimental de ensayo y error, bien se trate de una extracción del color a partir del mundo mineral, animal o vegetal. Es decir, lo mismo de una flor que de la tierra misma o de una especie de la fauna como podría ser la grana cochinilla.

También la ciencia y el arte se hermanan en el momento en que sistematizan los conocimientos; como, por ejemplo, ocurre en la teoría del color, que se apega a criterios científicos verdaderamente comprobados. ¿Qué acaso no la suma de colores es el blanco o la ausencia del color da negro? O, en otro caso, cuando se adicionan dos colores como el amarillo y el azul, se tiene por resultante el verde.

Además, es evidente que tanto el arte como la ciencia comparten el factor de

Arte y Ciela inventiva, pues aunque muchos creen que la ciencia no es creativa, al igual que el arte es sólo y exclusivamente inspiración, están equivocados. Como decía Edison: “El genio equivale a 99 por ciento de transpiración y 1 por ciento de inspiración”. Y así, al igual en la música, donde la ciencia avanza y nos deslumbra con el espectro tonal. Ahí está, no vayamos muy lejos, en México, el descubrimiento del sonido 13, que a momentos no nos permite distinguir hasta dónde el Maestro Sandi es un científico o un músico.

GENIALIDAD, CONOCIMIENTO Y TÉCNICAS

En fin, que en todas las artes, genialidad, conocimiento y técnicas, culminan uniéndose para producir auténticas obras de arte. En la escultura lo hizo Miguel Ángel con la disección del cuerpo humano y un gran rigor, que hoy llamaríamos ciencia médica, y luego con su talento lo aplicó estéticamente a la perfección, al grado de que cuando terminó el Moisés, tiró martillo y cincel y exclamó: “Habla”; o, nuevamente en el ejemplo de las artes plásticas, imaginar esas técnicas pictóricas que revolucionaron escuelas y corrientes que hasta el momento existían cuando se descubrió el manejo de la luz y el claro oscuro, como en los geniales maestros holandeses. A propósito, vale detenernos en el tema para hacer una reflexión más amplia.

Con la creación de la luz se inician, en el relato bíblico, el mundo y las diversas formas de vida. La luz primigenia se difunde y llena el universo de colores, olores, y pienso que también de sabores. Las primeras concepciones acerca de

las leyes generales de la luz provienen de fuentes mediterráneas, griegas y árabes. Pitágoras (580-500 a.C.) amalgamaba conceptos sobre la visión y la luz; describió este fenómeno a través de la actuación de los rayos como tentáculos, los cuales viajaban en línea recta del ojo al objeto, y sostuvo que la sensación de imagen se obtenía cuando esos destellos tocaban al objeto. De esta manera, el sentido de la percepción se explicaba en los términos del tacto. Fue necesario esperar varios cientos de años para entender que los rayos luminosos viajan a la inversa.

MISTERIOS DE LA LUZ, ASUNTO DE LOS DIOSES

Pero sigamos con la historia. Aristófanes, en su obra Las nubes, escrita en el año 423 antes de nuestra era, menciona la posibilidad de concentrar la luz mediante el uso de lentes apropiados, con el objeto de destruir testimonios indeseables. Así, vemos el intento del hombre por controlar fenómenos de la naturaleza. Era tanto el temor que se le tenía a la luz, que Platón, en uno de sus diálogos, el Timeo, expone que ahondar en los misterios de la luz es asunto de los dioses; en tanto, Arquímedes de Siracusa meditaba acerca del uso de espejos cóncavos para incendiar naves romanas.

Euclides, matemático griego, mencionó que el ángulo de la luz reflejada en un espejo era igual al ángulo de incidencia de la luz que proviene del objeto emisor en dirección del espejo. Los ángulos de incidencia y refracción fueron medidos por el astrónomo Ptolomeo de Alejandría, en el siglo II. Poco a poco la concepción pitagórica fue abandonada y el concepto

expresiones para

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N O T A S B R E V E S

El diccionario define Arte como la virtud, el poder, la eficacia y la habilidad para hacer bien una cosa; entonces, podríamos considerar a la Naturaleza como la mayor artista, ya que cumple

con las características anteriores. La Naturaleza es capaz de proporcionarnos “obras de arte” naturales y lo único que tenemos que hacer es apreciarlas.

Un pintor, por ejemplo, utiliza unas cuantas pinturas de diversos colores para realizar su obra de arte, pero la Naturaleza utiliza millones de colores distintos, para plasmar sus grandes creaciones artísticas naturales; además, la Naturaleza nos dio a los seres humanos la capacidad de percibir poco más de siete millones de colores distintos.Un escultor, por ejemplo, es capaz de crear obras artísticas tridimensionales, pero la Naturaleza no sólo es capaz de hacer lo mismo, sino que además es capaz de crear esculturas vivientes; es decir, los seres vivos.

En el mundo de lo pequeño podemos apreciar grandes obras de arte de la Naturaleza; por ejemplo, en la sencillez de un átomo de hidrógeno, formado por un protón y un electrón, o en la complejidad de un átomo de uranio, formado por 92 protones, 92 electrones y 146 neutrones.

Podemos apreciar la belleza de una pequeña gota de agua (H

2O), que adopta una forma casi esférica; y si miráramos en su interior, podríamos percibir los poco más de cinco mil trillones (5X1021) de átomos que la conforman, en un orden perfecto; o, ¿qué tal apreciar un cristal de sal (NaCl) que adopta una forma casi cúbica? Si miráramos en su interior, podríamos percibir los poco más de dos trillones (2X1018) de átomos que lo conforman, en un orden perfecto.

La Naturaleza nos brinda la capacidad, que deberíamos considerar como un don, de apreciar la grandeza de sus creaciones artísticas; por ejemplo, el arco iris con siete colores, que se forma por la dispersión de la luz blanca, a través de las gotas de agua en la atmósfera, brindándonos así la Naturaleza un espectáculo natural impresionante.

Quienes han visto el Cerro de la Silla seguramente se han maravillado de sus 1,575 metros de altura; pero se maravillarían aún más si vieran el monte Everest, que, con sus 8,848 metros es el punto más alto del mundo; o tal vez nos hemos maravillado con La Cola de Caballo, que es una caída de agua de 25 metros. Más nos maravillaríamos con El salto del Ángel, que son las cataratas más altas del mundo, con 979 metros”. “La Naturaleza también es capaz de crear obras de arte vivientes; por ejemplo, las células, que, aun siendo muy pequeñas, poseen una compleja pero maravillosa belleza; otro ejemplo seria una cadena de ADN (Ácido Desoxirribonucleico) humano, que, aun teniendo un pequeñísimo volumen, está formada por miles de genes y tiene una longitud de casi dos metros.

Milton Maciel Mata Guerrero


Martha Chapa








Arte y Ciela inventiva, pues aunque muchos creen que la ciencia no es creativa, al igual que el arte es sólo y exclusivamente inspiración, están equivocados. Como decía Edison: “El genio equivale a 99 por ciento de transpiración y 1 por ciento de inspiración”. Y así, al igual en la música, donde la ciencia avanza y nos deslumbra con el espectro tonal. Ahí está, no vayamos muy lejos, en México, el descubrimiento del sonido 13, que a momentos no nos permite distinguir hasta dónde el Maestro Sandi es un científico o un músico.


En fin, que en todas las artes, genialidad, conocimiento y técnicas, culminan uniéndose para producir auténticas obras de arte. En la escultura lo hizo Miguel Ángel con la disección del cuerpo humano y un gran rigor, que hoy llamaríamos ciencia médica, y luego con su talento lo aplicó estéticamente a la perfección, al grado de que cuando terminó el Moisés, tiró martillo y cincel y exclamó: “Habla”; o, nuevamente en el ejemplo de las artes plásticas, imaginar esas técnicas pictóricas que revolucionaron escuelas y corrientes que hasta el momento existían cuando se descubrió el manejo de la luz y el claro oscuro, como en los geniales maestros holandeses. A propósito, vale detenernos en el tema para hacer una reflexión más amplia.






expresiones para

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de que la visión iba del objeto hacia el ojo fue finalmente aceptado alrededor del año 100 de nuestra era, bajo la influencia del matemático y físico árabe Alhazen.

NUEVA CONCEPCIÓN DEL MUNDOLos artistas no podían quedarse atrás en aspectos tan trascendentes como la interpretación de la luz, y fue así como Leonardo da Vinci, el genio del Renacimiento, en su Tratado de las luces y las sombras, y en el Tratado de la pintura, aplica la idea de que la luz se propaga en línea recta. A partir de entonces, nace una nueva concepción del mundo.

Todo está interrelacionado: arte y ciencia, magia y religión; colores y sabores, armónicamente entretejidos por los movimientos artísticos mundiales, en una suerte de mágico telar. En verdad, somos una red de señales. Pobre del que pretenda aislar una parte del conocimiento del resto del saber; se quedará sin comprender el significado del ser humano y de sus actos.

En un contexto general, es posible afirmar que el arte se elabora mediante procedimientos y técnicas que expresan ideas, valores, pensamientos y sentimientos. Estos preceptos se cumplen en la cocina, ya que en ésta intervienen ingredientes importantes como la imaginación visual y el gusto, cultivado por el refinamiento y la experiencia. Además, están presentes otros factores importantes, como la combinación armónica de olores, sabores y — ¿por qué no?— también de colores, amén de otros elementos.

LA IMPROVISACIÓN NO EXISTE EN EL ARTE

Así, es posible referir la yuxtaposición, la conjunción entre dos expresiones artísticas y científicas. La improvisación no existe en ninguna tarea; no veo por qué se piense que en el arte sí la hay. Desde la experiencia, puedo asegurarles que se requiere de la inspiración, no menos que de conocimientos profundos —técnica y disciplina que definen al artista.

Por otra parte, una de las grandes polémicas en este enfoque científico y artístico es el manejo de sistemas de información,

la informática y las computadoras muy avanzadas que se dice suplantan ya la creatividad humana; es decir, que conllevan inteligencia.

Al respecto, si bien es cierto que ya hay máquinas que pintan y componen una melodía o escriben un poema, en verdad es que lo hacen en forma predeterminada por la mano del hombre que las programa... o la mujer, diríamos las feministas. Pero además, nada hasta ahora se ha reconocido, ya no digamos como una obra de arte, sino aun menos como obras terminadas con aceptable calidad. Y ahí sí, soy una humanista radical, porque ni el talento creativo

ncia:lelas

y menos el genio pueden sustituirse, incluso así sea un genio el que programe una máquina.

Siempre será necesaria esa alquimia humana que se va gestando, decantando a través de sentimientos, emociones e ideas, dentro de un clima de libertad y autonomía.

Pero tampoco se trata de negar y menos combatir a la ciencia y a la tecnología, que de suyo son inherentes al arte, por lo que debemos aprenderlas, aprovecharlas y plasmarlas en las expresiones más elevadas del arte humano.

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Gabriel Todd

Las grandes obras del arte, la música y la arquitectura son representaciones permanentes del efecto de patrones atractores

de conciencia altos. Vemos un reflejo del compromiso de los artistas con la perfección y la gracia y, como consecuencia, con el ennoblecimiento de la humanidad. Las bellas artes resultan de los esfuerzos espirituales más altos del hombre en el dominio secular. Son expresiones del espíritu, tangibles en su forma y accesibles a todos, que no sólo ponen de manifiesto la esencia ordenada de la experiencia humana, sino además del mundo en que vivimos, a lo que también se llama belleza. El artista encuentra el orden en el caos aparente. Pero el legado del arte es también interno. Al contemplar la belleza realizada, se implanta en

El poder en las Artes(Del libro Poder vs Fuerza, del doctor David Hawkins, en el cual se propone una escala de medición de la conciencia humana).

El arte y el amor son los mayores

regalos del hombre a sí mismo; y no puede haber arte sin amor: David Hawkins.

CIENCIA DEL ARTE

nosotros la sensibilidad a la belleza, que nos permite descubrir y crear nuestras propias albricias estéticas en la confusión aparentemente desordenada de la existencia.

EL ARTE, HACEDOR DEL ALMAEl arte es siempre el hacedor del alma, el artesano del contacto con el ser humano, el cual puede ser corpóreo, o de la mente y el espíritu. Así, encontramos que el arte generado por computadoras, por ejemplo, y aun las mejores fotografías, nunca pueden calar, en la escala de conciencia, tan alto como las pinturas originales. Un experimento kinesiológico interesante es probar la fortaleza o resistencia (muscular del brazo, por ejemplo) de una persona que observa una obra de arte original; luego, comparar esa resistencia al observar una reproducción mecánica de esa pintura. Cuando una persona observa algo que ha sido hecho a mano con fervor, se fortalece su energía; pero, cuando mira una reproducción, inconscientemente se debilita. Los artistas fervorosos ponen amor en sus trabajos y hay un gran poder tanto en el contacto humano como en la creatividad. La kinesiología ofrece un detector seguro contra falsificaciones.

MÚSICA, LA MÁS SUTIL DE LAS ARTESPor otra parte, la música es la más sutil de las artes, ya que es la menos concreta. Sin

embargo, al desviarse del racionamiento del hemisferio izquierdo del cerebro para atraer directamente nuestro sentido de patrones subconscientes del hemisferio derecho, es al mismo tiempo la más visceral y emocional. Es la música la que trae a los ojos lágrimas con mayor facilidad. Si usted desea comprender la diferencia entre caos y significado para definir arte, simplemente contemple la diferencia entre ruido y música. La música clásica demuestra por lo general patrones de poder inherentemente altos en las mediciones. Pero de todas las artes, la arquitectura es la más tangible e influyente pues vivimos cotidianamente en ella. Las catedrales evocan admiración especial y calibran alto entre las formas arquitectónicas, ya que inspiran, unifican, enseñan, simbolizan y sirven a lo que es más noble en el hombre. Pero la función y la belleza se unen de forma impresionante, por ejemplo, en las grandes estaciones del Metro de Rusia y en el diseño y trazado de muchos rascacielos en Canadá. Sin embargo, las culturas más antiguas son las que parecen haber comprendido mejor el sentido práctico de la belleza, pues aquello que se diseña sin belleza se deteriora rápidamente. Un barrio antiestético tiende a convertirse en un círculo retroactivo de desgracia o violencia.

LA ESENCIA DE LA BELLEZA, INMUTABLE

En fin, la belleza se ha expresado a sí misma a través del tiempo y las culturas de formas muy variadas, y podemos decir que está en los ojos del espectador. Sin embargo, debemos notar que solamente es el VEHÍCULO de la belleza el que cambia; la ESENCIA de la belleza no cambia, solamente la forma en que es percibida. Es interesante notar que las personas de conciencia avanzada son capaces de ver la belleza EN TODAS SUS FORMAS. Para ellos, no solamente todas las formas de vida son sagradas, sino que todas las formas son bellas.

F.C. Cowpen

Obra de Martha Chapa.


Claudia Ordaz

Me encuentro en una especie de laberinto, no puedo de salir de él. Y al escribir esto, ya no soy una sino soy dos: la que escribe y la

que deambula desesperada dentro de un universo que se asemeja cada vez más a un caleidoscopio. Me siento Alicia en el País de las Maravillas, y no puedo negar que las letras de Jorge Luis Borges están influenciadas precisamente por Lewis Carrol- el autor de esta obra que dista mucho de ser para lectores infantiles. Estoy en un país maravilloso, donde las fronteras entre el sueño y la realidad se desvanecen; donde yo soy otros y otros son yo; donde se padece lo que no ha sido, y el presente apenas se evoca; donde la ficción es un artificio, y la ausencia de certezas es un estado cotidiano. Borges construye su literatura alrededor de sus sueños, pesadillas y viajes a la historia de sus antepasados. Se le escuchaba con frecuencia decir: “siempre estoy jugando con el tiempo, pero siempre en el sentido ansioso de la palabra”.

PERCEPCIÓN DEL TIEMPO EL ESPACIOEn sus escritos nos muestra su interés por lo teológico, pues creía en la teología como literatura fantástica; incluso, Luis Haars decía que Borges era una especie de sacerdote sin iglesia. También sus textos nos revelan su extraña percepción del tiempo y del espacio; ese tiempo que para él es discontinuo, que comprende una sucesión discreta e infinita de instantes individuales. Nos permite ver sus obsesiones acerca del olvido y la memoria, la dualidad del individuo y el sueño. Son sus textos juegos maliciosos donde nos va llevando de la mano para luego soltarnos a una realidad aparente y hacernos dudar si lo que hasta ahora nos ha guiado está realmente fundamentado o es sólo una realidad relativa que nos obliga a hacer un alto en el camino y mirarnos internamente y así tener una visión más clara de nuestro exterior.

Haars decía que gran parte de la fuerza sugestiva de un texto borgiano está en la felicidad con que encadena alusiones bibliográficas, insinuando un significado que nunca se revela plenamente: “la solución del misterio siempre es inferior al misterio –decía-, principio que ha servido de base a uno

escuchado a su mujer. Y el de Elena, es que nunca ha protestado. En este caso la comunicación está totalmente rota. No existe.

INCONTINENCIA VERBALMarcos y Talía están casados hace 20 años. Ella habla todo el tiempo y él nunca abre la boca; sin embargo, y por extraño que parezca, siempre escucha a su mujer con gran generosidad. Sus amigos ya están acostumbrados a los silencios de él, y a la incontinencia verbal de Talía. Cuando van a reuniones sociales, Talía no deja de hablar y de hablar y de hablar; no obstante, muchos de sus amigos ya se saben sus anécdotas de memoria. En cambio, Marcos no conversa con los demás invitados. A pesar de su mutismo, muchos se dirigen a él, porque sabe escuchar. Está tan acostumbrado a solamente escuchar a su esposa, que ya ha aprendido a no involucrarse con los demás.

Aunque no siempre sea así, sus largos silencios denotan una aparente indiferencia. Cuando juntos regresan a su casa, la que sigue hablando en el coche es Talía, no puede parar de hablar. Esta compulsión no hace más que bloquear la verdadera comunicación. Tal vez si Talía dejara de hablar tanto, su marido se expresaría más. Pongámonos también en el caso, que quizá, si ella se volviera igual de silenciosa que él, su matrimonio correría el riesgo de desequilibrarse. No preguntamos qué hay detrás de esos monólogos por parte de Talía. ¿Será porque gusta de escucharse así misma? ¿Será porque en el fondo se aburre con él? O, ¿será que encontró en él un auditorio incondicional y sinceramente amoroso?

AUSENCIA DE COMUNICACIÓNNo hay nada más triste que descubrir una pareja en un restaurante que no se dirige la palabra ni cuando llega la hora del postre. Veamos a una típica pareja sumida en un pozo de silencio y soledad. José Luis, de 65 años, está pensionado, lo cual lo obliga a quedarse en casa las 24 horas del día, cosa que en los 35 años de casado nunca hizo; hay que decir que su vida la tenía fuera de su hogar. Jimena tampoco tiene costumbre de tener a su marido en su casa. Hace muchos años era como un huésped al que le daba sus

tres alimentos diarios y punto. Nunca tuvieron intereses en común, más que los cinco hijos que ella educó. Cuando sus amigos no están disponibles para ir a un restaurante, invita a su esposa. He aquí la escena.

El mesero les deja el menú. Ambos lo revisan, en silencio. José Luis pide una arrachera bien cocida y a Jimena se le antojan unos taquitos de pollo, bien doraditos. Toman el aperitivo en silencio. El tiempo se les hace interminable. Miran a su derredor, y ven cómo los demás parroquianos platican y ríen. Jimena sólo piensa que mañana tiene que pasar a la tintorería por el traje de

esperar junto con su marido, el cambio. Ambos se incorporan y salen del restaurante, con un aire de absoluto tedio. Un tedio que ya llevan pegado bajo la piel, como si se tratara de una humedad irreparable.

LOS QUE NO SABEN ESCUCHARAhora observemos a las personas que están eternamente en competencia entre sí, que hablan al mismo tiempo y que naturalmente, son incapaces de escuchar al otro. Por lo general, esta categoría interrumpe constantemente la conversación, para superar la información que cada uno da. Ejemplo:

-Fíjate que tengo un jet-lag tremendo, porque acabo de llegar de París. -Jet-lag el que yo tuve la semana pasada. Ese sí que era para llorar. Imagínate, desde Australia. -Y eso que yo voy en business…-N’hombre, mira, yo siempre voy en primera, y…-Yo viajé en el avión particular de ya sabes quién y es peor, porque nadie duerme, porque está uno en la chorcha y…-No, cállate, yo hice un viaje con el gober de Tabasco y ni cuenta me di de cuántas horas volamos…-Lo bueno es que en París, me hospedé en el Plaza Athenée… -Antes siempre íbamos allí, pero ya no nos gusta, porque ha bajado mucho…-Bueno, es que a mí me invitaron…-Oye, hablando de invitaciones, ¿vas a ir a la boda de la niña Aspe?-N’hombre, soy testigo…-Es una lata ser testigo… cuando fui testigo de la niña Lelo de Larrea… se quedaron con mi Mont Blanc…-Yo por eso tengo como seis en casa, y la verdad, es que sí pienso regalarles la pluma a los novios…-Bueno, ya me voy, porque voy a comer en el Club de Industriales con Creel y unos amigos…-¿A ti también te invitaron? Pues allí nos vemos… O si quieres, ven conmigo y que tu chofer se lleve tu coche…-No, mejor, le decimos a uno de mis guaruras que se lleven tu carro… Tenía razón don Manuel Antonio Carreño en su Manual: Es una vulgaridad hablar nada más de sí, sin saber conversar, ni escuchar…

José Luis. Él saca su celular y le llama a su mamá. Con ella platica de sus hijos y de sus sobrinos. Ella no dice nada, ni siquiera escucha la conversación de su marido. No le interesa. José Luis cuelga el teléfono, sin comentarle ni una sola palabra de lo que habló con su madre. Él ve constantemente el reloj. Y ella ve sus uñas. Hace años que no se hace manicure. Él pide el postre, (dos flanes). Acabando el postre, todavía para encerrarse más en su mutismo, el marido saca un puro, lo prende y empieza a fumarlo. Mientras tanto, ella busca algo en su bolsa. Finalmente encuentra su kleenex todo hecho bolita y se limpia la nariz. Enseguida saca su polvera y se pinta la boca, con un bilé rosa clarito. ¿Gustan un café? Les pregunta el mesero. Él dice que no. Y a ella, le da igual. Aunque pensándolo bien, se le antojaba un café express cortado. Prefiere no decir nada y


Estreno mundial en español de Canciones para un nuevo mundo

Carlos Joloy

Con la intención de colocar el teatro musical en el gusto del público regiomontano, se presentó en la ciudad la obra

“Canciones para un nuevo mundo”, lo que marca su estreno mundial en español.

La pieza, compuesta por Jason Robert Brown, fue adaptada, dirigida y producida por Jaime Lozano, quien cuenta con una amplia experiencia en la dirección de musicales, entre los que destacan Jesucristo Superestrella, Los Fantásticos y Evita, entre otros. Además, ha escrito tres musicales: José, Crónica de un padre, El Golem y Tlatelolco.

En escena participaron los actores y cantantes Priscila Reyes, Juan Sánchez, Faride Talamás y Alberto Castañón, mientras que la música estuvo a cargo de Damián Cantú (bajo eléctrico), José Luis González (batería y percusiones) y Mauricio Garza Salazar (piano).

PROYECCIÓN DE VALORESLa revista musical presenta, mediante

sus canciones, la importancia de aceptar y afrontar un nuevo mundo, además de proyectar importantes valores como la fe, paz y esperanza, mediante la evolución de cada uno de los personajes.

En cuanto a la música, destaca la fusión de géneros que Robert Brown empleó y que van desde el pop-rock, gospel y blues, hasta el jazz y la música clásica, todo acompañado de conmovedoras letras. La obra ha tenido más de 100 representaciones alrededor del mundo, a partir de su fecha de presentación en 1995 en el WPA Theatre en Off-Broadway, en la ciudad de Nueva York.

El espectáculo se presentó con muy buena aceptación por parte del público, en el Museo Metropolitano de Monterrey, los días 26, 27 y 28 de agosto, y se realizó gracias al apoyo y coordinación entre esta institución y la Facultad de Música de la Universidad Autónoma de Nuevo León.

A pesar de su constante trabajo en la vida musical y teatral, Lozano actualmente se encuentra estudiando la licenciatura en Música, en la Facultad de Música de la Universidad Autónoma de Nuevo León.

Jaime Lozano adapta, produce y dirige la obra

CONOCIMIENTO, SEPTIEMBRE 16, 200528 21

En “Las ruinas circulares”, uno de sus más célebres cuentos, escribe: “.quería soñar un hombre, quería soñarlo con integridad minuciosa e imponerlo a la realidad”. Y por último, su gran metáfora, la dualidad hombre y Dios, que traspasa el sueño-realidad, verdad–mentira y que da pie a la creación de su vasta herencia literaria. Citaba a menudo a Chesterton, diciendo que resultaba natural que lo real fuera más extraño que lo imaginado, pues lo imaginado procede de los hombres, mientras que lo real procede de la imaginación de Dios. Es así como la dualidad representa en cierto modo el caos, la ambigüedad. Con el “Poema de los dones”, Borges nos revela una doble identidad: “¿Cuál de los dos escribe este poema de un yo plural y de un solo nombre? ¿Qué importa la palabra que me nombra si es indiviso y uno el anatema?”

de los métodos más eficaces de nuestra literatura”. Borges rompió el canon y a la vez se convirtió en canónico. La publicación y la lectura de su obra en prácticamente todas las universidades del mundo hace que su palabra se reinvente y redescubra infinitamente como sus laberintos. Vida y obra, tan pública y a la vez tan privada, que sólo podemos más que asombrarnos y releer en un afán por comprender su mundo. Mundo que pareciera tener varios niveles de significación, que sólo podemos disfrutar si nos permitimos jugar con nuestra propia imaginación, si tenemos arraigada la afición por la aventura literaria.

¿CÓMO LEER A UN AUTOR TAN LABERÍNTICO?

Es precisamente por medio de descifrar sus laberintos que él mismo construye con palabras alrededor de sus textos, ya sea por medio de símbolos (los más recurrentes: el laberinto, el espejo, el siete, el fuego, la enciclopedia, la noche y el ajedrez), las formas (círculos y espirales principalmente) y las letras, que por separado no tienen sentido, pero guardan una conexión directa entre sí, como la presencia del universo que es el sueño o el libro de Dios, como la eliminación de toda identidad individual. Borges señalaba que el “yo” es nuestro mayor pecado; creía que los seres humanos somos distintos unos de otros por algo que desconocemos; citaba con frecuencia a Hume, que decía: “Cuando me busco, nunca estoy en casa”. También decía Borges: “Yo creo que todos los individuos son distintos y además tienen el derecho y la obligación de serlo. Yo mismo vivo solo con el otro Borges, al que no creo conocer del todo.” Otras constantes son la superposición del espacio y el tiempo humano y divino, que se mezclan y se funden para confundir al lector; otras son la ley de la causalidad, la relatividad, el desorden dentro del orden, y la ficción que invade la realidad.

El tiempo es la sustancia de que estoy hecho, el tiempo es un río que me arrebata pero yo soy el río, es un tigre que me destroza, pero yo soy el tigre, es un fuego que me consume, pero yo soy el fuego. El mundo desgraciadamente es real, yo desgraciadamente soy Borges

BorgesLos laberintos de

Borges nace el 24 de agosto de 1899.

Guadalupe Loaeza

Dice Manuel Antonio Carreño, autor del imprescindible Manual de Urbanidad y buenas Maneras, mejor cono-cido, como el Manual de

Carreño, que es una vulgaridad hablar en sociedad detenidamente de nuestra familia, de nuestra persona, de nuestras enfermedades, de nuestros conflictos, de nuestros negocios y materias puramente personales. Tiene razón el autor. No hay nada más chocante y desagradable para el interlocutor o los interlocutores que tener que escuchar a una persona que padece de yoyismo. Yo…, me…, mi…, conmigo…, dicen a la menor provocación, como si se tratara del centro del mundo. ¿Quién dijo que el yo es odioso? Por lo general, estas personas sufren de un narcisismo enfermo, el cual en el fondo nada más refleja una baja en su autoestima. Las 24 horas del día necesitan reafirmar sus inseguridades. Escuchemos un breve diálogo entre el egocéntrico y su interlocutor.

“DIÁLOGO” DEL NARCISISTA-Hola, ¿cómo estás?, pregunta el narcisista y antes que su interlocutor tenga tiempo de contestar, se responde a sí mismo: “Pues yo, ¡a todo dar! Me siento en una forma perfecta desde que estoy haciendo gimnasia con mis aparatos que mandé traer por Internet desde Nueva York. ¿Y tú, cómo estás? Yo te veo un poco pasado de peso. Haz como yo, ya me quité las harinas, las papas y ya no bebo ni una gota de alcohol. Veme cómo estoy. Hazme caso. En el trabajo me dicen, “oiga, licenciado, ¿cómo le hace para verse cada vez más joven?”. Y yo les digo: “en primer lugar, disci-pli-na y en segundo, creer en sí mismo”. Por ejemplo, cuando me veo en el espejo, me digo: “eres lo máximo, vales mil, no

larte cambies”. Oye, ¿y tu familia cómo está? A la mía la tengo muy contenta, muy consentida. Me adoran.

-Todos en casa estamos bien gracias a Dios, -dice el interlocutor, sin poder terminar su frase-, ya que su amigo, lo interrumpe de inmediato sin haberlo escuchado siquiera.

N: Oye, mano, ¿dónde crees que nos vamos de vacaciones? A mi París, el mío, que no es el de todos los nacos que viajan a la ciudad Luz y ni saben dónde están. Ya hice mi reservación en mi hotelito de siempre, donde me tratan como rey. Claro, con las propinas que les dejo… Con esto de que siempre me va tan bien… Bueno, ¿y tú, qué onda? ¿Me hiciste caso de lo que te aconsejé?

V: Pues fíjate que por esto te pedí que nos viéra….N: Pero antes déjame contarte a quién conocí…, etc. etc.

“YOYISMO” ABURRIDO E INSOPORTABLE

Tener un amigo así, o ser un amigo así… resulta imposible establecer una amistad duradera y sólida. ¿Cómo sugerirles a estos ombliguistas que cambien de actitud sin ofenderlos? ¿Cómo decirles que su yoyismo resulta cada vez más aburrido e insoportable? Tal vez escribiéndoles una carta sincera y muy afectuosa, en los siguientes términos: Querido X: Nos conocemos hace mucho tiempo. Tengo por ti un enorme afecto y amistad. Como sabes, con la edad se nos acentúan nuestros defectos. Yo, por ejemplo, me he vuelto cada vez más reservado, al grado que me estoy aislando. En cambio, tú, querido amigo, te sucede exactamente lo contrario. A mí no me gusta hablar de mí; en cambio, me temo que tú no tienes

otro interés ni tema de conversación que no sea tu persona. Te lo digo porque ya me lo han comentado muchas veces. Acuérdate que el verdadero secreto de la conversación es escuchar. Al hacerlo, uno aprende mucho del otro y también de sí mismo. Hay que darse tiempo para escuchar a los otros. Te mando un abrazo muy fuerte. Tu amigo, el callado.

¿HEMOS PERDIDO EL DON DE ESCUCHAR?

¿Cómo podemos aprender a escuchar al otro? ¿Por qué se nos dificulta tanto desarrollar esa facultad? ¿Será que ya hemos perdido el don de escuchar? En este mundo de tantas presiones, de ruido, de prisas, de información, todos queremos dar nuestra opinión. Queremos hablar, hablar y hablar. Bla, bla, bla, pero ciertamente no estamos dispuestos a escuchar. Como me dijo, hace poco, mi amiga Sofía, “hoy por hoy, lo más fácil es hacer el amor, lo difícil es que alguien te escuche”. No hay diálogo, si no sabe uno escuchar. Veamos tres ejemplos de parejas cuya desgracia consiste en que hace mucho están sumidos en una incomunicación de la cual ni se han dado cuenta.

PAREJAS SIN COMUNICACIÓNLuis y Elena están casados desde hace 15 años. Elena sabe lo que su marido piensa, opina, desea; lo que le gusta y lo que le disgusta; quién le cae bien y quién lo contrario. Sin embargo, Luis, ignora totalmente lo que ella, sabe de él.

L: ¿Quieres ir al cine? Vamos a ver la película japonesa, que me dijeron que estaba buenísima. Paso por ti a las ocho. Deja la cena preparada. E: Es que… no me siento… bien…L: La película te va a distraer. Paso por ti en 15 minutos. Te ruego que estés en la puerta… y te advierto que no quiero esperarte mucho tiempo en el coche…

Elena, como siempre, acepta todo. Su marido nunca se ha dado cuenta que su mujer odia el cine oriental. Nunca se ha dado cuenta que no le gusta dejar a las niñas solas en la casa. Nunca se ha dado cuenta que odia salir por las noches porque está demasiado cansada. Y nunca se ha dado cuenta lo que le desagrada servirle su cena aunque sean las doce de la noche. El problema de Luis es que nunca en la vida ha

de decir y de escucharE

CIENCIA DEL ARTE









Guadalupe Loaeza

















CIENCIA DEL ARTE

y legar una obra que sólo los grandes pueden heredar: la inmortalidad.

Esto fue posible porque desde la antigüedad, todos los centros de información y formación intelectual asociaban ciencia y arte. Hoy, hemos aprendido que el objetivo central de la ciencia, antes que la tecnología, es el conocimiento, y que aspectos preponderantes del conocimiento nos llevan a la creación de nuevas tecnologías, de las cuales también se nutre el arte contemporáneo.

DESARROLLO HUMANÍSTICOLa sociedad contemporánea asume así su compromiso para impulsar la inteligencia humana y, con el fomento a la creatividad y la multidisciplina educativa, evitar la extinción del desarrollo humanístico frente al auge, modas y voces que pretenden hacer de la tecnología un nuevo dios.

Es cierto que la tecnología es producto de la inteligencia del hombre, y es, desde el principio, una representación de su gran salto histórico respecto de las otras especies del planeta. Sin la tecnología, el mundo actual no operaría; empero, sin la existencia de la ciencia y las artes, la tecnología como tal nunca habría existido.

Si la ciencia y el arte no predominan ¿qué mundo nos regiría, aunque estuviéramos equipados tecnológica-mente perfectos?

Los literatos, los poetas, los pintores, los músicos o los escultores no fueron nunca gente sólo pagada por los grandes o pequeños reyes, duques o marqueses. Eran, y son ahora, en la nueva época republicana y casi

demócrata, inteligencias preclaras de su tiempo, con una sensibilidad exquisita para interpretar a los hombres y mujeres de su momento histórico, y con una formación científica, de conocimientos tan sólidos, como para permitirse crear y legar una obra que sólo los grandes pueden heredar: la inmortalidad.

Los artistas, inteligencias de exquisita sensibilidad


Salvatore Sabella Bracale

En el medievo, el acompañamiento esplend era parte de las comedias de misterios y milagros. El renacimiento esplend florentino

comienza con los compositores del siglo XIII. En Florencia, un grupo de nobles, en su mayoría músicos, conjuntaron música, poesía, plástica, mímica y canto. Así crearon un melodrama; es decir, teatro con música. Los músicos Peri, Caccini y Rinuccini, compusieron y presentaron, en el Palacio “Pitti”, de Florencia, la ópera Eurídice, cuyo principio fundamental consistía en que la música, el desarrollo dramático y la interpretación eran de la misma importancia.

A principios del siglo XVIII, surgieron en Nápoles Giovanni Battista Pergolesi, Nicola Jommelli, Baltazare Galuppi y Giovanni Battista Bononcini, el exponente más distinguido de la ópera seria de esa época. Los precursores del nuevo desarrollo del melodrama italiano fueron Luigi Cherubini y Gáspare Spontini. Cherubini llegó a ser director del Conservatorio de Música de París, ciudad donde reposan sus restos mortales.

COMPOSITORESEn el siglo XVIII, surgieron en Nápoles

Melodrama, Ciencia del Arte Líricodestacados compositores, como Gioacchino Rossini, Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti. Sin embargo, el más grande de todos ellos fue Giuseppe Verdi, el compositor italiano de mayor jerarquía de todos los tiempos. Sus óperas cubrieron todos los géneros. En 1836 se casó con Margarita Barezzi, hija de su benefactor. De este matrimonio nacieron dos hijos, pero en cuatro años perdió a toda su familia, debido a una epidemia de la época. Verdi entró en una gran depresión, que le impidió seguir componiendo; pero un editor de la Casa Ricordi insistió para que siguiera adelante; le entregó un libreto y lo convenció de volver a la composición. Gracias a Ricordi, Verdi realizó su primera ópera majestuosa: Nabucco,estrenada en la Scala de Milán en 1842. Tuvo tanto éxito, que el público reclamó al maestro 40 veces.

Sólo en la primera temporada se representó 65 veces. Este triunfo coincidió con las revueltas Italianas para su unificación en contra de los austríacos que ocupaban suelo itálico. El famoso coro de los esclavos de la ópera Nabuccodonosor sirvió como himno a los patriotas insurgentes. En todos los muros de Italia aparecían las iniciales de

V. V.E.R.D.I. (cuyo significado era Viva Vittorio Emanuele Rey de Italia).

AUTORES FAMOSOSEl movimiento del Verismo italiano inició a fines del siglo XIX, y algunos de los compositores más famosos son: Pietro Mascagni, Francesco Cilea, Ruggiero Leoncavallo, Umberto Giordano, Franco Alfano y Giacomo Puccini.

Mascagni nació en Livorno en 1863 y murió en Roma en 1945. Su primera ópera fue Guglielmo Ratcliff. Viajó por Italia como director de orquesta de ópera y operetas, hasta que presentó en el concurso de la casa musical Sonzoño, en mayo de 1890, su obra maestra Cavallería Rusticana, que ganó el primer lugar.

Leoncavallo nació en Nápoles en 1858. Fue el más verista del melodrama, aunque también era criticado. Algunos de sus contemporáneos decían que carecía de fuerza creadora adecuada para la perfección operística. Empero, logró la romanza más famosa de todos los tiempos: La Mattinata. También escribió su ópera maestra: I pagliacci, (los payasos) estrenada en Milán en mayo de 1892.

Teatro San Carlo de Nápoles Italia.

Patricia Liliana Cerda PérezTodo arte tiene su ciencia y, toda ciencia tiene su arte. Este hermoso binomio que, desde la antigüedad hasta nuestros días, se combina en la educación formal de nuestras sociedades, nos permite entender por ejemplo que en la música, aun aquélla que parece celestial, mucho aporta la matemática; que en los cuadros de Miguel Ángel, se tienen lecciones completas de teología y que, en las pirámides aztecas o mayas, la arquitectura, la astronomía y el álgebra están presentes.

DIVERSOS TIPOS DE INTELIGENCIADesde el surgimiento de la ciencia, el arte y sus multivariadas técnicas han estado presentes. La inteligencia humana posee ritmos y habilidades que difícilmente pueden ser medidos hasta ahora con los instrumentos tradicionales. Su carácter dinámico e integral no puede evaluarse siempre bajo la óptica de exámenes escritos o problemas de razonamiento lineal, porque en un mismo individuo -según describen los científicos ahora-, existen distintos tipos de inteligencia. Se habla por ejemplo, de una “inteligencia musical”. Se afirma que los niños que

escuchan música desarrollan y nutren su intelecto, y esta teoría la estudian ahora especialistas en medicina, en ciencias cognitivas, en neurociencia y en neuropsicología.

Desde los griegos, pasando por los mayas o las culturas orientales, la creación artística ha ido siempre asociada a la sensibilidad para las emociones fuertes. Componer sonatas de compleja estructura matemática, esculpir a los hombres más eminentes de una época o crear ciudades urbanísticamente bien planeadas, con pirámides o edificios hermosos, tiene mucho de ciencia exacta

pero también grandes dosis de emoción inconmensurable.

INTELIGENCIAS PRECLARASLos literatos, los poetas, los pintores, los músicos o los escultores no fueron nunca gente sólo pagada por los grandes o pequeños reyes, duques o marqueses. Eran, y son ahora, en la nueva época republicana y casi demócrata, inteligencias preclaras de su tiempo, con una sensibilidad exquisita para interpretar a los hombres y mujeres de su momento histórico, y con una formación científica, de conocimientos tan sólidos, como para permitirse crear

La ciencia y las artes, binomio inseparable

Matemáticas, arquitectura, astronomía, etcétera, contribuyen a la creación artística


Umberto Giordano nació en Foggia, cerca de Nápoles, en 1867, y murió en Milán, en 1948. Su primera ópera: Marina, presentada en el teatro San Carlo, no tuvo éxito: Un segundo intento: Malavita corrió con la misma suerte, pero el destino le deparaba un gran futuro con su obra maestra: Andrea Chenier, sobre un tema de la Revolución Francesa, acogida con gran simpatía por el pueblo francés, en su segunda presentación. El estreno se efectuó en la Scala de Milán, en 1896, con un clamoroso triunfo.

Francesco Cilea nació en Palmi, Calabria, en 1866. Ahí falleció en 1950. Estudió en uno de los conservatorios de Nápoles, donde llegó a director, y también en las academias musicales de Palermo y Florencia. Su ópera maestra: Adriana Lecouwreur, estrenada en la Scala de Milán en 1902, lo consagró entre los inmortales del arte lírico.

GIACOMO PUCCINIPor último me referiré a uno de los compositores m á s ido la t rados de todos los públicos del mundo entero, amantes de la

ópera estilo realista. Giacomo Puccini nacido en la ciudad de Lucca, provincia Toscana en 1858, hijo de músico,

realizó sus estudios en el conservatorio de Milán, alumno de Bazzini y Ponchielli. Aparece en el horizonte musical Italiano en una época muy difícil: Verdi todavía rige con mano firme su propio imperio dictatorial, Ponchielli, Boito y Cataláni eran los preferidos de los públicos, que además también se interesaban en las óperas Wagnerianas que estaban de moda, como: “Lohengrin”, “Tannhauser”, “Tristán e Isolda” “Parsifal” y otras. Tales efectos parecían amenazadores irresistibles. Puccini emprende una lucha titánica para poder aparecer en el escenario musical.

Puccini pasaba por una difícil situacion económica que lo tenía desmoralizado, pero al poco tiempo el destino le hacía justicia. Puccini logró convencer a la casa Ricordi que le autorizara la composición musical de un argumento por él realizado, gracias a su insistencia la ópera fue aprobada. Llegó a ser su primer gran triunfo: “Manon Lescaut”. Fue e.strenada en el teatro real de Turín el 1 de febrero de 1893 obteniendo un éxito muy sonado en su tiempo, debido a que en su intento había desafiado en una competencia a Massenet, que había compuesto una ópera también llamada “Manon”; desde entonces nació musicalmente el genio del Verismo italiano por excelencia.

Puccini, con su genialidad, supo dar al mundo entero una imagen real del realismo italiano, ya que a cada país le

compuso una ópera, según sus usos y costumbres: a Francia no sólo le dedicó la “Manon L e s c a u t ” , sino también “La Boheme”, estrenada en Turín en el mismo teatro real el 1º. de febrero de 1896, Llevó al público al delirio por su triunfo apoteósico; por lo tanto, los bonos de Puccini subían vertiginosamente y esto que todavía faltaban por venir más operas apasionantes y majestuosas. A la ciudad de Roma le dedicó y estrenó en el teatro Costanzi, el 14 de enero de 1900, la grandiosa ópera “Tosca”; para el Japón, presentó en la Scala de Milán, el 17 de febrero de 1904, “Madama Butterfly”; a California dedicó “La Fanciulla del West”, que estrenó en New York en el teatro Metropolitan el 10 de diciembre de 1910; a Viena le compuso “La Rondine”, que presentó por primera vez en Montecarlo, en el año 1917; en el teatro Metropolitan también, un 14 de diciembre de 1918 estrena “El Tríptico”, apelativo éste de la composición de tres óperas de un solo acto y que fueron además presentadas al mismo tiempo: “Gianni Schicchi”, “Suor Angelica” y el “Tabarro”.

Los más grandes cantantes de ópera

La lista es muy larga y sería imposible mencionar a todos los compositores de ópera del mundo que contribuyeron a perdurar el nuevo arte lírico en todo el orbe en tan breve tiempo. No quisiéramos dar por terminada esta exposición, sin mencionar y hacerles justicia, a algunos de los más grandes cantantes de todos los tiempos que contribuyeron a inmortalizar la ópera, como fueron: Enrico Caruso, Giovanni Martinelli, Aureliano Pertile, Ezio Pinza, Rosa Ponselle, Lucrecia Bori, Beniamino Gigli, Titta Ruffo,Giovanni Zenatello, Renato Zanelli, María Jeritza, Tito Schipa, Amelita Galli Curci, Emma Calvé, Antonio Cortis, Salvatore Baccaloni, Leonardo Warren, Robert Merrill, Ettore Bastianini, Johan Sutherland, Luigi Alva, Anna Moffo, Mario Filippeschi, Italo Tayo, Giuseppe Taddei, Carlo Bergonzi, Nicola Rossi Lemeni, Gianni Raimondi, Giuditta Pasta, John Vickers, Lilly Pons, Roberta Peters, Zinka Milanov, Mariano Stabile, Francesco Albanese, Nicolai Gedda, Alfredo Kraus, Francesco Tamango, Cesare Valletti, Antonieta, Stella. Geraldine Farrar, Fedeor Chaliapin, Gabriella Besanzoni, Adelina Patti, Miguel Fleta, Lauri Volpi, Feruccio Tagliavini, María Caniglia, Tito Gobbi, Mario del Monaco, Renata Tebaldi, Franco Corelli, Giuletta Simionato, Mirella Freni, Giuseppe Di Stefano, Victoria de los Angeles, Jussi Bjoerling, Jan Peerce, Leontine Price, Monserrat Caballe, Renata Scotto, Angela Peralta, Fanny Anitúa, Oralia Domínguez,José Mojica, Ramón Vargas, y la gran diva de todos los tiempos María Callas, así como los tres últimos grandes tenores de esta era moderna: José Carreras, Plácido Domingo y Luciano Pavarotti.

CIENCIA DE LA COMUNICACIÓN

María Callas





















María Callas


El rector de la Universidad Autónoma de Nuevo León, ingeniero José Antonio González Treviño, al establecer la Galería de Rectores, reconoce por primera vez la participación histórica en el quehacer de la universidad, de los representantes de la institución que han ocupado el honroso y generoso cargo de rector de la Máxima

Casa de Estudios de Nuevo León.

El conocimiento y la ciencia local y la expresión del arte nuestro, tienen sus orígenes en la universidad desde el siglo XIX. Sin embargo, la nueva universidad que cumple 72 años es “el faro luminoso que alumbra la cultura del noreste de México”, como atinadamente lo expresó Alfonso Reyes.

Reconocer a las autoridades previas es un acto de justicia histórica. Enhorabuena.

Homenaje de la UANL a quienes han impulsado su desarrollo


Dr. Pedro de Alba(1933)

Lic. Héctor González(1933-1934)

Dr. Ángel MartínezVillarreal (1934-1935)

Prof. Gregorio Morales Sánchez (1935-1936)

Dr. Enrique C. Livas Villarreal (1943-1948)

Prof. Antonio Moreno Rodríguez (1948)

Lic. Octavio Treviño (1948-1949)

Lic. Raúl Rangel Frías(1949-1955)

Ing. Roberto Treviño González (1955-1958)

Lic. Roque González Salazar (1958)

Arq. Joaquín A. Mora (1958-1961)

Lic. José Alvarado Santos(1961-1963)

Lic. Alfonso Rangel Guerra (1963-1964)

Lic. Eduardo L. Suárez(1964-1965)

Lic. Eduardo A. Elizondo(1965-1967)

Ing. Nicolás Treviño Navarro (1967)

Dr. Héctor Fernández González (1967-1969)

Lic. Enrique Martínez Torres (1969)

Dr. Oliverio Tijerina Torres (1969-1971)

Lic. Manir González Martos (1971)

Dr. Arnulfo Treviño Garza(1971)

Ing. Héctor Ulises Leal Flores (1971-1972)

Dr. Lorenzo de Anda y de Anda (1972-1973)

Lic. Genaro Salinas Quiroga (1973)

Dr. Luis Eugenio Todd Pérez (1973-1979)

Dr. Amador Flores Aréchiga (1979)

Dr. Alfredo Piñeyro López(1979-1985)

Ing. Gregorio Farías Longoria (1985-1991)

Lic Manuel Silos Martínez(1991-1996)

Doctor Reyes S. Tamez Guerra (1996-2000)

Dr. Luis J. Galán Wong(2000-2003)





























































María Callas






























Guadalupe Loaeza

















CIENCIA DEL ARTE


Claudia Ordaz

















Carlos Joloy












Claudia Ordaz

















Carlos Joloy





















ncia:lelas




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Gabriel Todd






CIENCIA DEL ARTE







F.C. Cowpen












ncia:lelas




19

Gabriel Todd






CIENCIA DEL ARTE







F.C. Cowpen



Martha Chapa








Arte y Ciela inventiva, pues aunque muchos creen que la ciencia no es creativa, al igual que el arte es sólo y exclusivamente inspiración, están equivocados. Como decía Edison: “El genio equivale a 99 por ciento de transpiración y 1 por ciento de inspiración”. Y así, al igual en la música, donde la ciencia avanza y nos deslumbra con el espectro tonal. Ahí está, no vayamos muy lejos, en México, el descubrimiento del sonido 13, que a momentos no nos permite distinguir hasta dónde el Maestro Julián Carrillo es un científico o un músico.


En fin, que en todas las artes, genialidad, conocimiento y técnicas, culminan uniéndose para producir auténticas obras de arte. En la escultura lo hizo Miguel Ángel al adentrarse en el conocimiento del cuerpo humano con gran rigor, propio de la ciencia médica, y luego con su talento lo aplicó estéticamente a la perfección, al grado de que cuando terminó el Moisés, tiró martillo y cincel y exclamó: “Habla”; o, nuevamente en el ejemplo de las artes plásticas, imaginar esas técnicas pictóricas que revolucionaron escuelas y corrientes que hasta el momento existían cuando se descubrió el manejo de la luz y el claro oscuro, como en los geniales maestros holandeses. A propósito, vale detenernos en el tema para hacer una reflexión más amplia.






expresiones para

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En la C





Rodrigo Soto






CUENCIA DEL ARTE


CIENCIA DEL ARTE




El axioma elegante:














En la C





Rodrigo Soto






CUENCIA DEL ARTE


CIENCIA DEL ARTE




El axioma elegante:













apilla Sixtina












Estos versos te están hablando de la caverna platónica y a la vez son imágenes de la más alta poesía. El poeta es en esencia religioso, escribe desde sus ruinas. Marguerite Yourcenar relacionó siempre poesía y arqueología. Yo lo veo de igual manera: un intento de recuperación de tus partes fragmentadas. El poeta libra una batalla, es la lucha que lo redime porque está reestructurando-se por el lenguaje, un acomodo interno de su ser-para-la-lengua. Lo religioso surge cuando te haces uno; de eso trata la poesía. Uno es el río, uno es la divinidad, uno es el número fundante de la numeración, hasta que, claro, los mayas nos dieron el “0” pero, para ellos, no era número, sino, religiosidad: perfección del círculo. ¿Alguna relación con Platón?

PÍNDARO Y SAFOCO- ¿Si la poesía se relaciona con lo religioso y con el pensamiento, qué me dices sobre la forma en que obedece a una estética?JLC- Al hablar sobre estética pienso en Píndaro, un lírico mayor. Sus himnos eran cantados con acompañamiento musical por coros de jóvenes para los dioses. De la obra de Píndaro, como de Safo, sólo hay fragmentos de himnos, ditirambos, odas, y cantos fúnebres. Sus más de cuarenta epinicios apenas se encuentran hoy día. Ambos fueron grandes. Un solo verso de Safo te dice el universo: “Yazgo sola. Luego de mi muerte nada quedará, no habrá memoria mía.” Si ésta es más profunda en su carga, aquél es más complejo en su estructura, además del profundo sentido religioso, rasgo notable de la lírica coral griega.

CO- Claro es la unicidad, por un lado y la métrica y la rima por el otro. JLC- Lo uno, la geometría, la música, todo es armonía. Paul Válery es el poeta quien mejor representa el conflicto entre poesía y ciencia, y su contraparte armónica. Analizó el método de los grandes genios. Por eso encontró en la arquitectura la relación con la música, la de ésta con la poesía. Estudió y escribió La introducción al método de Leonardo da Vinci. Coetáneo y seguidor de Stéphane Mallarmé, sus primeros poemas están influidos por el simbolismo. Pero también supo ahondar en la esencia. Quizá su grandeza estribe en su saber integrar sus conocimientos, algo que también

supo hacer Octavio Paz. Aunque obra de ficción, en El señor Teste, Válery saca a flote el nudo de nuestros conflictos en voz de su protagonista, un hombre de mente prodigiosa en su más alta forma de libertad. Este poeta ha sido quizá el más perfecto de los perfeccionistas y gran estudioso de las matemáticas. Y su poesía, con huesos y todo, es una alta expresión de su técnica musical. Cuando veo un bello edificio contra el horizonte escucho un cementerio marino.

MÚSICA, MATEMÁTICAS Y POESÍACO- ¿Y la música está relacionada con las matemáticas y la poesía tiene musicalidad, ahí es donde la poesía está relacionada con la ciencia?JLC- Ahí es. Si alguien me pregunta qué tiene de ciencia la poesía entonces yo le pediría que intentara escribir un soneto. O, leer con detenimiento La Divina Comedia, o a Lope de Vega, a Shakespeare, a Browning. Entonces, quizá, empezaríamos a aceptar que en todo gran arte prevalece el número.

CO- Mucho se ha dicho que de todos los géneros literarios, ya sea cuento, ensayo, teatro, novela, la poesía es el más difícil ya sea para escribirse o para ser leída,

el escritor de novela por ejemplo, tiene la oportunidad de parar y de escribir hasta donde lo llevan los personajes, el lenguaje es un poco más cotidiano, la poesía exige un poquito más al lector para ponerse en los zapatos del poeta, y para un poeta resulta difícil decir tanto en tan pocas palabras.JLC- Claro, es la síntesis.

CO- ¿No has intentado incursionar en otros géneros?JLC- Sí, no he podido. “Todo antes de la noche” fue un intento de cuento. Nace cuando viene María Luisa Puga a la Universidad para impartir un taller literario. La había invitado el Maestro Carlos Arredondo. Mi madre había fallecido hacía apenas cinco o seis

Ismael Vidales Delgado

Por ahí me encontré una bella forma de definir el arte y su trascendencia. Me gustó como inicio de esta colaboración: “El arte y el hombre son indisociables.

No hay arte sin hombre, pero quizá tampoco hombre sin arte. Por él, el mundo se hace más inteligible y accesible, más familiar. Es el medio de un perpetuo intercambio con lo que nos rodea, una especie de respiración del alma… El hombre aislado o la civilización que no accede al arte están amenazados por una secreta asfixia espiritual, por una turbación moral”. (René Huyghe, poeta inglés).

El arte es una actividad omnipresente en la vida cotidiana de los seres humanos. Es un diferencial evidente entre los humanos y los otros seres vivos, porque el ser humano es el único capaz de producirlo y disfrutarlo.

DISTINTAS FUNCIONES DEL ARTELa actividad artística tiene distintas funciones sociales, históricas, personales y sociales. Tal vez la más importante sea la de lograr comunión entre los humanos y armonía en la personalidad individual; dar placer, reflejar la realidad, los conflictos personales y sociales; desarrollar la creatividad, y, lo más grande, ser la base de todo descubrimiento científico.

El arte es un lenguaje plasmado en todas sus manifestaciones y formas. El hombre tiene integrado este maravilloso tipo de lenguaje por el cual satisface sus necesidades estéticas de conocimiento, manifiesta su ideología, sus goces y sufrimientos, su visión de la realidad, el pasado y la visión de futuro de la sociedad.

El arte es también un medio de aprovisionamiento de conocimientos, un conjunto de lenguajes simbólicos (corporales, sonoros, visuales, dramáticos, literarios), y es aquí, por lo tanto, donde entran en juego los procesos de enseñanza-aprendizaje escolares, donde clamamos porque el arte vuelva a las aulas de Nuevo León y de las escuelas del país también.

L. Vygotsky le atribuye un lugar especial al lenguaje, que es el que permite al individuo actuar sobre la realidad a través de los otros y lo pone en contacto con el pensamiento de los demás, con la cultura, que influyen recíprocamente sobre él, y el arte es el más vasto de todos los lenguajes.

ZONA DE DESARROLLO POTENCIALAquí es importante diferenciar las posibilidades de aprendizaje que el niño es capaz de construir en solitario y las que podría desarrollar entre amigos (Vigotsky le llama zona de desarrollo potencial). El arte es, como se advierte, la mejor posibilidad de impulsar la formación integral de la personalidad infantil.

En la escuela, la educación artística prácticamente no existe. Aunque jamás ha desaparecido de la agenda programática, suele confundírsele con

El arte, el más vasto de

Clamor aulas de


JPor Claudia Ordaz




























todos los lenguajes

CIENCIA DEL ARTE


JPor Claudia Ordaz




























todos los lenguajes

CIENCIA DEL ARTE

CIENCIA DEL ARTE

















Jorge Villegas




























CASAS DE ARCILLA


CIENCIA DEL ARTE






El Teatro,










terapia del alma

CIENCIA DEL ARTE












CASAS DE ARCILLA


CIENCIA DEL ARTE






El Teatro,










terapia del alma

CIENCIA DEL ARTE

Saskia Juárez




















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Ricardo Escobedo/ Ceramista

Desde que enunciamos la conceptualización del vocablo cerámica, como “un feldespato alumínico hidratado”, nos encontramos

frente a una serie de términos que inmediatamente nos remiten a la química, la mineralogía o a la geología. La palabra cerámica proviene del vocablo griego “keramiké”, que quiere decir arcilla; desde el barro hasta la porcelana. Pero también le damos la connotación del “arte de fabricar objetos con arcilla, la cual, seca, se somete a fuego”, obteniendo productos de todas clases y calidades. De forma similar se llama de esta manera al producto acabado. Asimismo, designa a la ciencia y la técnica que se ha desarrollado a lo largo de la historia de la humanidad, alrededor del manejo de la arcilla para la obtención de nuevos productos. Cada grupo humano, cada cultura o civilización, todas y cada una de las épocas de nuestra historia, han contri-buido a acrecentar el conocimiento y el perfeccionamiento de la cerámica. Con un pequeño margen de error, me atrevería a afirmar que la cerámica es el arte que más depende y gira en torno al conocimiento de la química, física, matemáticas, geología, historia, arqueología, arquitectura, ingeniería y las técnicas que de ellas se derivan; dando por sentado su relación con todas las disciplinas de las artes plásticas, las artes decorativas y el diseño industrial, y últimamente con la aeronáutica.

Historia de una relación con la ciencia y la tecnología

PERÍODO PRE-CERÁMICOEn la historia podemos hablar de un periodo pre-cerámico y de uno cerámico propiamente dicho. Durante el periodo pre-cerámico, los grupos nómadas del neolítico utilizaron las arcillas para cubrirse el cuerpo y protegerse de las picaduras de los insectos; como apuntalamientos de chozas provisionales, (precursores del adobe y el ladrillo); para recubrir el interior de las cestas y transportar el fuego; para confeccionar figurillas de hombres, mujeres y animales como marcas de identificación tribal (inicio de la magia y la religión).

En ninguno de estos casos, la arcilla ha sido endurecida por el fuego (8000 a.C.). Sólo con el descubrimiento de que el calor cambia la arcilla en un material inalterable por el agua, podemos decir que comienza la historia de la cerámica. Los pueblos nómadas tuvieron poco tiempo y pocos usos para la frágil cerámica, y por ello fue en el comienzo de la vida sedentaria (7000 a.C.) del neolítico superior, cuando arranca la construcción de las famosas figuras de las diosas madres (la escultura), y posteriormente, vasijas (la cerámica funcional, hasta nuestros días). Los excedentes de estos productos eran intercambiados con otros pueblos. Era un intercambio de productos no agrícolas, con lo que estamos hablando del inicio del comercio de manufacturas.

EFECTOS DEL FUEGO SOBRE LA ARCILLA

¿Cómo se descubrió que la arcilla modelada y seca sometida a una temperatura del rojo, (600° C.) se volvía

dura y no desintegrable por el agua? Lo más probable es que esta idea madurara en un periodo considerable. La teoría más válida es la de los hogares. El fuego era una parte valiosa y vital para estas pequeñas comunidades; estamos hablando de entre 15 ó 20 casas. El fuego era cuidadosamente vigilado y mantenido; se hacían agujeros en el suelo y éstos pudieron haber sido recubiertos con arcilla. El fuego mantenido en tales hogares transformaría la arcilla en cerámica, y cuando el fuego se retiraba finalmente de ellos, habrían dejado un recipiente rudimentario. Innumerables sitios arqueológicos constatan esta teoría.

Además, los hornos primitivos fueron hornos de pozo; algunos pueblos en la actualidad todavía usan este método para quemar su cerámica. Junto a la agricultura y los textiles, tenemos el desarrollo de una de las principales tecnologías especializadas y de una forma de proto-industria. El mantenimiento y cuidado del fuego en los hornos, el estudio de los “rojos” del mismo para determinar la temperatura

La Cerámica:

Ricardo Escobedo muestra una de sus más recientes obras.

Carlos Joloy

Desde el principio, el ser humano ha necesitado del arte como parte importante de su desarrollo, atendiendo la necesidad de manifestarse ante la vida. La pintura es una de esas herramientas para la expresión; sin

embargo, en la actualidad esta disciplina artística atraviesa por una difícil etapa, debido a la pérdida de muchos valores que durante mucho tiempo la caracterizaron para la creación artística. Así lo consideró el reconocido pintor regiomontano Gerardo Cantú. Explicó que, desde la introducción del abstraccionismo y otros conceptos de modernidad, la pintura ha abandonado

Sostiene el artista regio Gerardo Cantú

Arte y ciencia,importante herramienta para crear mejores seres humanos

La pintura, instrumento del homb

CIENCIA DEL ARTE

El pintor Gerardo Cantú.

características e incluso ha sufrido de cambios de término.

CAMBIOS EN LA PINTURA“Después de tantos cambios que se han experimentado, la pintura ha tomado características, como pudiéramos decir, en determinado momento tendiente a desaparecer; se ha cambiado de llamarle pintura a artes visuales, artistas plásticos, y después ya no se pinta, ni se dibuja, ni se hacen composiciones; ahora se hacen instalaciones, a veces de lo más raro; por ejemplo, en un espacio muy grande se ponen objetos pequeños”.

Ante esta situación, Gerardo Cantú dijo que en el arte todo es posible; sin embargo, se deben fijar los límites de cuándo una obra deja de ser una expresión artística, o bien cuándo deja de ser pintura. Mencionó que

espera que este período sea pasajero, y que se vuelva a pintar retomando sus principios, ya que –dijo- esta disciplina no se limita a una realización de tipo plástico, sino que va más allá.

BÚSQUEDA DE SÍ MISMOA manera de consejo, el pintor recomendó a las nuevas generaciones de artistas darle la importancia debida a la pintura, ya que no se trata de un medio para hacer retratos o paisajes convencionales y decorativos; consideró que el artista debe realizarse primero un estudio y emprender una búsqueda de si mismo para dar el enfoque adecuado a sus obras.




















Contenido ritual de comunicación y trascendencia

La Escultura, algunos conceptos básicos

¿



Carlos Joloy

Las obras artísticas en cerámica más destacadas y representativas que fueron creadas por autores nuevoleoneses se reúnen en la exposición “Nuestra Cerámica”, que presenta el Museo Metropolitano

de Monterrey en el marco de la celebración de su décimo aniversario.

La exposición, que será inaugurada el próximo 21 de septiembre, presenta más de 70 obras de 31 creadores, además de incluir una memoralia a Rafael Gabilondo, reconocido por haber fundado el taller de cerámica “Tres Piedras” que ahora dirige Ricardo Escobedo. Éste fue el encargado de seleccionar las obras para la muestra, con la colaboración de Eliseo Garza.

DESTACADOS PARTICIPANTESDe entre los artistas participantes en la muestra destacan las obras de Jorge Luis Montemayor, Cristina Brittingham, Beatrice von Lösecke, Román Garza, entre otros. Además, se exhibe el trabajo de quienes son considerados los pioneros de la cerámica entre nosotros: Guadalupe Guadiana, Jorge Wilmott, Antonio Pruneda. Con esta combinación, la exposición presentará un recorrido a través de la evolución del arte en cerámica, ya que incluye desde las obras de los pioneros hasta el trabajo de las nuevas generaciones.La exposición permanecerá en los corredores de la planta alta del museo hasta finales del mes de octubre. La entrada es libre.


Exponen “Nuestra Cerámica”, con obras de 31 artistasInauguran la muestra el día 21de septiembre

Antecedentes de la Cerámica en Nuevo León

En el Estado de Nuevo León, la tradición en el arte de la cerámica es escasa; sin embargo, en los años 50’s y 60’s se trabajaba en el modelado de barro en el

Taller de Artes Plásticas de la Universidad de Nuevo León cuyos estudiantes y maestros realizaban exposiciones de su trabajo. En esos eventos, destacó la participación de Guadalupe Guadiana.

En los 70’s, Rafael Gabilondo fundó el Taller “Tres Piedras” junto con Ricardo Escobedo. Y a partir de 1990 se reunieron de manera profesional los ceramistas independientes, en atención a la convocatoria del Primer Concurso Estatal de Cerámica del Gobierno del Estado, a través de la Casa de las Artesanías. Así se formó la División de Cerámica Artística de la Sociedad Mexicana de la Cerámica, que dio fuerza al desarrollo de esta disciplina.

“Mutaciones III”, Myriam Barajas

De izquierda a derecha: “Caligrafía I de serie de vasos documentos” de

Ricardo Escobedo; “Pinnaculum” de Mauricio Cortés y Renacimiento III de

Patricia Correa

Jorge Elizondo / Escultor¿Qué es la escultura? ¿Podemos definirla? Tan complejo es el concepto de la escultura que su definición tiene diversas acepciones. El diccionario menciona que se trata del arte de esculpir, de cincelar piedra, madera, etc. para generar la obra del escultor.

Las enciclopedias especializadas la definen de diferentes maneras: como una acción que tiene por objeto crear formas y armonizar volúmenes en el espacio; como el arte y técnica que utiliza piedra, barro, metal, madera y otros materiales apropiados para darles forma tridimensional exenta o en relieve; como el arte de crear formas figurativas o abstractas, tanto exentas como en relieve. Por mi parte, agregaría una más:

El manejo del espacio no funcional, léase espacio positivo, negativo, sonoro, lumínico etc. y “no funcional” como el espacio no manipulado por una necesidad práctica. Con esto queremos decir que, a pesar de que no es necesario hacer escultura, ésta tiene alrededor de veinticinco mil años de estarse realizando por nuestra especie en todo el mundo, en todas las culturas.

MULTIPLICIDAD DE FORMASEl estudio histórico de la escultura nos lleva a obras prehistóricas como “la Venus de Willendorf”, fechada hacia el 30,000-25,000 a. C., que constituye uno de los primeros ejemplos escultóricos del mundo.

Posteriormente, transita por muy diversos períodos, generando una multiplicidad de formas, pasando de lo simbólico a lo representativo, de lo religioso a lo pagano, de lo figurativo a lo abstracto, de lo objetivo a lo conceptual, y podríamos seguir relacionando opuestos y adyacentes.

La escultura se realiza por una necesidad emocional, conceptual o formal, y en la mayoría de los casos por una mezcla de éstas. Quiero decir, nace como una necesidad de comunicar lo “no decible”, lo cual se conceptualiza, se estructura, se ordena, para posteriormente realizarse en un objeto tridimensional, que no siempre habla de lo consciente, sino casi siempre de lo inconsciente, ya sea de la persona, del grupo o de la cultura que la produce.

Si abordamos la escultura desde una perspectiva espacial (formal) podemos clasificarla en: (a) bajo relieve, que se caracteriza por ser una representación escultórica con soporte posterior, con compresión armónica y ordenada de una de las dimensiones, generalmente el espesor de los objetos; (b) alto relieve, que es una representación escultórica también con soporte posterior, pero con los objetos realizados con su volumetría real; y (c) en redondo, donde la representación escultórica es autónoma, sin soporte, sin compresión y puede ser observada desde todas direcciones. Asimismo, podemos abordar la escultura desde una perspectiva temporal, para definirla como: (a) estática, sin movimiento y (b) dinámica, (o cinética) con movimiento. Podríamos seguir clasificando la escultura por otras de sus características como su formato, por la intervención de otros medios como el sonido, la luz, los olores, etc.


CIENCIA DEL ARTE























Entrevista











Félix Carrasco / Director de la Orquesta Sinfónica UANL

La música es una. Aunque diversa, con públicos distintos y dividida en géneros, pero aquí y allá es una y nada más. Por su origen y características puede dividirse en dos grandes rubros: música de diversión y música de concierto. Aunque toda la música debe servir para divertirse -además

de educar- a la llamada ‘música de diversión’ también le podemos llamar popular, música para relajarse y pasarla bien. El otro rostro de la música, al que me he dedicado profesionalmente durante los últimos veinticinco años, también se le llama música culta, erudita y hasta elitista, aunque no estoy de acuerdo con este último adjetivo.

Afirmo que la música es una porque, así como los compositores populares se han nutrido de los clásicos, pasa lo mismo de clásicos a populares. Aunque existe un divorcio claramente marcado entre populares y clásicos, ambos bandos deberían tranquilizarse primero y, acto seguido, considerar el producto final de sus oponentes. Éste es un llamado a no discriminar ni una cosa, ni la otra.

INFLUENCIA MUTUA ENTRE MÚSICA POPULAR Y MÚSICA CULTA

La música de diversión ha utilizado, muchas veces sin saberlo, cantidad de elementos creados por los compositores cultos durante los últimos doscientos años. De óperas como Payasos, de la que hace días fui director concertador en el Teatro de la Ciudad, surgen fabulosos fenómenos del entretenimiento popular, como el cine, el teatro musical y hasta las telenovelas. De igual forma, la influencia de lo popular en los clásicos también es vital. Cientos de compositores académicos se han nutrido con la música del pueblo. Sobra mencionar cuántos creadores han llevado las melodías populares de plazas públicas, bailes y cantinas hasta los grandes escenarios de conciertos, logrando con esta dinámica las más altas expresiones artísticas.

Acepto que durante mucho tiempo yo mismo discriminé la música para diversión, centrándome únicamente en la música académica, sobre todo durante el periodo de mi formación musical primaria. Luego de largas temporadas en Europa, mis retornos a México tenían un mejor sabor cuando -sin planearlo- volvía a enfrentarme con géneros ligeros como el danzón, el bolero y el jazz.

Félix Carrasco ha dirigido con gran éxito más de 70

orquestas en diferentes partes del mundo.


ES TIEMPO DE RENDIR CUENTAS“Los investigadores debemos reconocer que, así o asá, esta sociedad mexicana nos ha nutrido y permitido nuestro desarrollo. Es tiempo de rendir cuentas. Todos –de una u otra manera- hemos contado con el apoyo de nuestra comunidad. Desde que nos formamos en escuelas públicas –como yo- y obtenemos becas –como yo- y conseguimos ir al extranjero en pos de posgrados –como yo- hasta ir a hacer residencias y diplomados –como yo. Y hasta pertenecer al Sistema Nacional de Investigadores. Como yo.

“¡Esa es nuestra enorme deuda histórica con la Nación!-, dedujo Octavio Paredes. ¡Los hombres de Ciencia tenemos una responsabilidad social!Casi condenó Octavio Paredes a los distantes o indiferentes:“¡Paguemos la deuda que tenemos con esta sociedad que nos formó. Quien no lo haga pasará por traidor!

“Mire a esta sociedad mexicana tan pobre –invitó-. A su lado, los del saber somos auténticos privilegiados. Ahí están ¡50 millones de miserables! Estancados en la miseria, digo. Y de su escasez nos educaron. ¿Se da cuenta? Estamos obligados a jalar con ellos. A poner tesón y cuidado en lo que hacemos. Y hacerlo bien.”

Octavio Paredes nació hace 55 años en Mocorito, Sinaloa. De abuelos y padre agricultor. “Entre caballos nací. Tuve un padre a cuya palabra u orden uno era. Viví la tierra de los “gomeros”. Los de la amapola. Los narcos de hoy. En justicia digo: “En Mocorito nació el narco. Los chinos que llegaron en peregrinación sabían la tecnología. Niño, joven yo lo vi. Lo viví. Para que tenga una idea de cómo era mi tiempo, le diré que a mi pueblo no llegó el ferrocarril. ¡Zumbaban como enjambre mayor las avionetas! Ni pavimento había en Mocorito.”

LOS FUTBOLISTAS MEXICANOS DAN PENA

Cita en el aeropuerto. En “Wings”. Agua mineral. Café. Refresco. Y un bono de 10 pesos para que niños pobres coman. Octavio Paredes no quita los ojos del reloj. Y el celular.

“¿Sabe que Walter Ibarra ya está con los Yanquis de Nueva York? ¡Qué buenos son los beisbolistas mexicanos! Los futbolistas, en cambio son bastante malos. Pues así pasa con nuestros científicos.

Tan buenos como los beisbolistas que juegan en el mejor beis del mundo.

“Los jóvenes mexicanos –los que tienen la oportunidad- tienen un gran amor por el saber. Ahí están las Olimpiadas del Conocimiento. Nuestra academia capta talentos. En Geografía, por ejemplo atrajimos a unos 140 mil en todo el territorio nacional. En la de Biología, anduvimos en 5 y hasta 7 mil. Matemáticas sedujo a casi 200 mil. “Funcionamos a base de “redes”. Y de buscadores de talentos. Los seleccionados enfrentan obstáculos. Los filtros discriminan. Surgen los buenazos.

renombre, ayudan a los profesores. A educadores de enseñanza primaria. De quinto año. Y de secundaria. De segundo año. Entrenan. Pulen a esos profesores en la transmisión del saber científico. Cosa de despertar interés en el hecho educativo. Dotar de modernos, buenos instrumentos a los maestros. Material didáctico. Pues funcionó el plan. Se midió. Se evaluó a los maestros que estrenaban saber y método. ¿Cómo aplica el profesor lo aprendido en nuestro diplomado? ¿Qué acontece con los que no fueron objeto de esa enseñanza?

“La diferencia es enorme –relató entusiasmado el aplicadísimo Octavio Paredes-. Nuestro plan piloto funciona a grados de excelencia. Los de la SEP nos echan porras. No hay dinero. “En cortísimo plazo se puede cambiar la calidad de la educación en México- aseguró jubiloso, mas de inmediato se transformó: ¡Pero ahí está el sente. - ¿El Sente?- El Sindicato Nacional de Trabajadores de la Educación. No tiene calidad. No es nuestra chamba cambiar al sindicato. Reyes Tamez bien lo sabe. “El mismo Reyes Tamez aplaude, aprueba nuestra obra. Pero no tenemos apoyo para hacer el Programa Nacional Ciencia en tu Escuela. Nosotros hacemos lo nuestro. Cooperamos y bien. Esperamos un cambio de actitud en la cruzada por mudar –metamorfosear- la calidad de la educación de México.

“No nos quedamos en las meras palabras. Los que amamos el saber vamos de aquí para allá. Con Enrique Jackson –mi paisano- y sus senadores. Con Beatriz Paredes -¡qué inteligente es Beatriz! – y con los del PAN. Y con los del “perredé. Vamos para convencer al país de la urgencia del cambio de actitud hacia el saber. No inventamos nada. Copiamos y adaptamos un modelo francés. Lo mismo hizo China. También India. Y no hablemos de lo hecho en España.

“Dos décadas –menos de una generación de individuos- hacen el cambio. ¡Y qué cambio! China formó a millones de profesores. Acá, apenas... mil quinientos. De país de labradores, China se prepara para conquistar la Luna. La Educación, la Ciencia y la Tecnología sirven para la riqueza y el bienestar”.

“Fueron a Taiwán. Y a Beijing. Los entrenamos para que no se achicopalen. Esos atletas intelectuales no fallan. ¡Siempre traen medallas! Y los de las escuelas públicas –las del gobierno- forman con mucho, a los mejores. Son mejores que los de escuelas de ricos. “Envié a cuatro a competir en Química en Taiwán. Los cuatro se trajeron medalla de bronce. ¡De cuatro, cuatro!

¡AY...EL SINDICATO DE MAESTROS...AY!“Por eso le digo que este país tiene recursos humanos para ir con éxito a la conquista del conocimiento. “...Pese a que nos llegan con una formación académica muy deficiente... ¡Ah, si estuvieran en buenas manos desde el inicio de su estudio! –dijo casi desesperanzado Octavio Paredes-. Sepa que la Academia Mexicana de Ciencias generó hace tres años un “Programa Piloto” en el Distrito Federal y ocho estados. “La Ciencia en tu Escuela”. Estudiosos reconocidos, de

Entrevista

Síntesis de la entrevista con permiso del autor

Una oportunidad

para la música






Mariko Mori


CIENCIA DEL ARTE











CIENCIA DE LA













de verdad.


la nación, pues fue concebido como una galería donde se escenificaba la construcción de la república. Contenía un catálogo de sus fisonomías hasta entonces reconocidas: la carta política, etnográfica, eclesiástica, orográfica, hidrográfica, marítima, agrícola y minera, cada una ilustrada con sus rasgos físicos e históricos sobresalientes. Por primera vez presentaba una carta arqueológica, acompañada de los monumentos notables que albergaba el Museo Nacional. Incluía también una carta política del reino de la Nueva España, escoltada por una galería de los virreyes. Así, el territorio, los distintos pasados y la variada situación actual aparecían integrados en un solo libro, que desde entonces adquirió la fama de compendio de la mexicanidad, una suerte de relicario laico de lo mexicano. De este modo, mediante el uso alternativo de la pintura, el periodismo gráfico, los monumentos públicos, el museo, el mapa, el calendario cívico y el libro, los gobiernos de fines de siglo imprimieron en la población la imagen de un México sustentado en un pasado antiguo y glorioso, próspero en el presente y proyectado hacia el futuro, como lo expresa con gran fuerza una alegoría de Casimiro Castro del México independiente.

APOTEOSIS DEL PATRIOTISMOLa celebración del Centenario de la Independencia en septiembre de 1910 vino a ser la coronación del imaginario nacionalista forjado por los políticos e intelectuales del porfiriato. Esta apoteosis del patriotismo fue cuidadosamente planeada, de tal manera que una porción sustantiva del excedente económico generado en ese tiempo se aplicó a los costosos monumentos y obras públicas que entonces se inauguraron, así como a las incontables recepciones, fiestas, ceremonias, conferencias, congresos, desfiles, paseos, exposiciones y ornatos que hicieron de esa conmemoración la más lucida en la historia de los fastos nacionales. El Centenario de la Independencia se celebró en todo el territorio, pero los festejos significativos tuvieron lugar en la capital de la república, como lo muestra la Crónica oficial de esa efemérides.

Los festejos del Centenario comenzaron el 14 de septiembre de 1910 con una

Gran Procesión Cívica formada por todos los sectores de la sociedad y un homenaje luctuoso a los restos de los héroes de la independencia en la catedral. Al día siguiente, 15 de septiembre, tuvo lugar el tradicional desfile, que en esta ocasión ofreció una representación de los momentos fundadores de la nación: la Conquista, el Virreinato y la Independencia. Cada una de esas épocas fue representada por cuadros escenográficos en los que participaron cientos de personas que revivieron en forma teatralizada sus momentos significativos: el encuentro entre Cortés y Moctezuma, el Paseo del Pendón (la ceremonia con la que las autoridades coloniales celebraban el aniversario de la Conquista de México) y la entrada triunfal del Ejército Trigarante en la capital el 21 de septiembre de 1821. La Crónica oficial decía que este espectáculo fue aplaudido por más de 50 mil espectadores. Mauricio Tenorio interpreta este Desfile histórico como un artilugio diseñado para grabar en la memoria de los sectores populares los episodios consagrados por la historia oficial. En la noche tuvo lugar la ceremonia del Grito, enmarcada por la novedad espectacular de la iluminación eléctrica. La Crónica oficial narra que la iluminación de las casas, plazas, calles y edificios públicos formaba “un verdadero manto de luz” que envolvía la ciudad, un tema que suscitó los adjetivos más elogiosos para encomiar ese alarde del progreso. El día siguiente se inauguró la columna de la

Independencia, el monumento que por su grandiosidad y simbolismo se convirtió en el emblema de la nación moderna. En su base, esculpidas en mármol de Carrara, destacaban las figuras de Miguel Hidalgo, José María Morelos, Vicente Guerrero, Francisco Javier Mina y Nicolás Bravo, y su fuste esbelto estaba rematado por la victoria alada, el símbolo de la patria liberada. El 18 del mismo mes se inauguró el monumento a Benito Juárez, diseñado en estilo neoclásico y realizado en mármol y bronce, como la columna de la Independencia. Mediante este monumento solemne, Porfirio Díaz, enemigo político de Juárez, reconoció la deuda que la república tenía con el impulsor de las Leyes de Reforma que establecieron las bases del Estado liberal y con el defensor de la integridad de la nación frente a las agresiones imperialistas.

La difusión de la imagen de Porfirio Díaz en los festejos del Centenario es una obra maestra de propaganda política, que merece un estudio específico como representación teatralizada del poder presidencial. Aquí sólo me referiré a las imágenes en las que Díaz aparece como encarnación de la patria, la república o la nación. La Crónica oficial del Centenario y el Album gráfico de la República Mexicana, de E. Barros (1910), contienen la mejor colección de fotografías en las que el presidente encabeza las ceremonias, inauguraciones, desfiles,

Asimismo, no fue un azar que el pintor más famoso de esta época, José María Velasco, dedicara su talento a registrar y exaltar los escenarios naturales con la intención de vincularlos a temas históricos. Como ha hecho notar Jorge Cañizares-Esguerra,

los pintores del paisaje mexicano rara vez se interesaron en los escenarios selváticos o naturales por sí mismos, y cuando fueron atraídos por ambientes de ese talante casi siempre los relacionaron con el medio urbano o los acontecimientos históricos ahí ocurridos. Por ejemplo, el famoso libro impreso por Decaen e ilustrado por Casimiro Castro, México y sus alrededores (1864), está dominado por vistas y paisajes cuyo centro es la capital del país. Y asimismo, en los espectaculares paisajes del Valle de México que debemos a la mano de José María Velasco, advertimos que éste, al igual que “Riva Palacio y Altamirano, se valió de la naturaleza para construir una imagen mestiza de la nación”. Sus pinturas del Valle de México desde el cerro de Atzacoalco (1873) y del Valle de México desde el cerro de Santa Isabel (1877), son un intento de trasladar la historia al paisaje, o de hacer del paisaje un testimonio histórico. En el primero vemos cómo la tierra indígena se transforma, con el lago y los volcanes como testigos, en la ciudad moderna. Y en el segundo advertimos, en el primer plano del paisaje grandioso que se pierde en los volcanes y las montañas lejanas, el nopal y el águila real, los emblemas indígenas que simbolizaban la fundación de México-Tenochtitlán, la nación originaria.

IMAGEN MESTIZA DE LA NACIÓN

DJorge García MurilloDesde Imothep hasta Apeles, pasando por Fidias y los grandes estetas y pensadores de la antigüedad, el binomio ciencia/arte ha sido objeto y sujeto de estudio, que podríamos sintetizar en la llamada proporción áurea o proporción divina (Canon). Otros prefieren a Fibonacci y su famoso número que, una vez aplicado, arrojará armonía y placer visual.

Sin embargo, no será sino hasta el siglo XX cuando el binomio cobrará unidad y, a partir de los esfuerzos de Seruat y su puntillismo - que buscaba que el color no se formara en la tela sino en el ojo del espectador- se intensificará la relación para desembocar, ya con la computadora, en obras de arte en cuya esencia la unidad ha sido lograda. Pensemos en Nam June Paik y su supercarretera de imágenes a la manera de Capilla Sixtina, que presentara en la Bienal de Venecia, o bien en el trabajo de los llamados conceptualistas, quienes pareciera que corrigen al Cratilo de Platón y penetran en las riquezas del lenguaje.

NUEVOS PROCESOS EN LA CREACIÓN ARTÍSTICA

Hoy en día, los procesos de digitalización, holografismos, softwares sofisticados, tecnología de fibra óptica, plasmas y transmisión de información por agua, son empleados por numerosos artistas en la creación de sus obras.

Mariko Mori (artista plástica japonesa)*, en su reciente instalación de la actual Bienal de Venecia, muestra una especie de cápsula espacial en donde los espectadores se introducen y se recuestan y se les aplican electrodos

Sus frutos: obras que producen placer estético y cuentan con fuertes dosisde verdad


CIENCIA DEL ARTE

La Ciencia

y la Tecnología, aliados de la creación artística

Mariko Mori

discursos y homenajes a los héroes de la patria, a los fundadores de la república y a los defensores de la nación.

ICONOGRAFÍA OFICIALAl lado de la dilatada iconografía oficial, Carlos Monsiváis me dio a conocer su magnífica colección de imágenes populares que dan cuenta de la profundidad que alcanzó esta celebración en el imaginario colectivo. Así, una serie de estampas populares y platos pintados presentan la imagen de Porfirio Díaz como general victorioso, icono nacional rodeado de monumentos y personajes representativos, o presidente de la república. Otras imágenes lo muestran acompañado por los principales miembros de su gabinete. Una colección de estampas de manufactura popular, las más numerosas durante las fiestas del Centenario, presentan el retrato del presidente Díaz acompañado de las efigies de Hidalgo, Juárez o de ambos, equiparándolo con los fundadores de la nación independiente.

La clave que explica el esplendor de los festejos del Centenario es el tamaño y la fuerza alcanzados por el Estado porfiriano. En contraste con el perfil disminuido de las fiestas que celebraron la Independencia en 1821 o en la época de Juárez, en 1910 son las instituciones del Estado (los ministerios o secretarías, el ejército, los gobiernos estatales y municipales, y el aparato administrativo), los ejecutores del vasto programa de celebraciones. Un análisis somero de la Crónica oficial de las fiestas del Centenario muestra que en estas instituciones descansó la organización del extenso programa de festejos, la coordinación de los múltiples sectores, burocracias y grupos participantes, y la calculada efectividad de su realización. La eficiencia que habían alcanzado las dependencias del Estado, así como su alto grado de centralización, se entrelazaron para que al lado de las fiestas, desfiles y saraos, tuviera lugar el denso calendario de inauguración de obras públicas.

EL ARTE DE LA MANIPULACIÓNCon perfecto dominio del arte de la manipulación, Porfirio Díaz hizo coincidir el programa de festejos con la apertura de las obras realizadas por su gobierno, y con una serie de exposiciones que reunieron a los

CIENCIA DE LA

Angel de la Independencia.


CIENCIA DEL ARTE

La Ciencia y la Tecnología, aliados de la creación artística .............................3

Una oportunidad para la música...........................5

La escultura: algunos conceptos básicos ............7

La cerámica: historia de una relación con la ciencia ...............................9

Belleza y reflexión .................................................12

La Ciencia y el Arte, iguales objetivos, diversos métodos de exploración ......................13

La poesía tiene su ciencia ....................................14

Arte y Ciencia, expresiones paralelas ...............18

Los laberintos de Borges ....................................21

Melodrama del arte lírico ....................................22


Instalan Galería de Rectores en CU ...................24

CIENCIA DEL ARTE

Ciencia y Arte, binomio inseparable .................26

El arte de decir y de escuchar .............................28

El poder en las artes .............................................30

El origen del hombre en la Capilla Sixtina .......32

Arte, el más vasto de todos los lenguajes .......34

La inteligencia artificial, impuesta por la evolución cibernética ..............36

El teatro, terapia del alma ...................................38

Nuevas formas de expresión ..............................39

Arte y ciencia, importante herramienta para crear mejores seres humanos ...................40

Enrique FlorescanoHistoriador mexicano, cursó la maestría en Historia Universal en El Colegio de México y obtuvo el grado de doctor en Historia, de la Universidad de París. Ha publicado numerosos ensayos en revistas científicas del área de Ciencias Sociales en México y en el extranjero. Ha sido galardonado por la trascendencia de su obra con premios como Fray Bernardino de Sahagún y el Premio Nacional de Ciencias Sociales, entro otros. En 1996 obtuvo el premio Nacional de Ciencias y Artes, en el área de Historia, Ciencias Sociales y Filosofía, que otorga el gobierno de la república.

Francisco ArmengolEs licenciado en Filosofía y en Teología egresado del Ateneo Pontificio Regina Apostolorum, en Roma; también tiene un diplomado en Humanidades Clásicas, que cursó en el Centro de Humanidades Clásicas, en Salamanca, España. Actualmente estudia Teología Bíblica en la Universidad Gregoriana de Roma, en El Vaticano. Al mismo tiempo, ejerce su sacerdocio.

Julián Pablo FernándezOriginario de la ciudad de México, ha estudiado diversas disciplinas, como Filosofía, Teología y Arquitectura. Perteneciente a la orden de los predicadores dominicos, actualmente trabaja en el Convento de Santo Domingo en la ciudad de México.

Martha ChapaNació en Monterrey, Nuevo León. Egresó de la Escuela de Pintura y Escultura “La Esmeralda”. Su trabajo artístico comenzó durante el inicio de la década de los 60’s acompañada de la manzana, figura que se considera como el tema central de su pintura. Ha participado en más de 500 exposiciones alrededor del mundo; sin embargo, también destaca por su trabajo como autora, ya que ha publicado 22 libros con temas gastronómicos.

Jorge García MurilloEs licenciado en Psicología por la Universidad Labastida, y tiene una maestría en Psicología Clínica por la Universidad de Lovaina, en Bélgica, institución en la que también realizó estudios doctorales. Actualmente trabaja como consultor del Gobierno del Estado y es miembro del Comité Organizador del Foro Universal de las Culturas Monterrey 2007. Destaca su dedicación a la promoción cultural de la ciudad desde hace 30 años.

Ismael Vidales DelgadoNació en la ciudad de Pinos, Zacatecas. Es egresado de la Escuela Normal Superior, con especialidad en Actividades Tecnológicas y Psicología y Orientación Vocacional, e hizo su maestría en Pedagogía en la Escuela de Graduados; actualmente es director del Centro de Altos Estudios e Investigación Pedagógica de Nuevo León.

CONOCIMIENTO

Invita Octavio Paredes a la Cruzada del saber ..........................................43

CIENCIA DE LA HISTORIA

Centenario de la Independencia y exaltación de Porfirio Díaz ...............................45



Ciudad Universitaria

página 24 y 25

Nuestros Autores invitados:

Los Laberintos

de Borgespág. 21


diversos sectores productivos (agricultura, ganadería, industria, comercio), y a los gremios de profesionistas (educadores, médicos, ingenieros, arquitectos). Este programa exhaustivo e incluyente culminó con la inauguración de un elenco de nuevas instituciones educativas y culturales: Universidad Nacional, Escuela de Estudios Superiores, Congreso Internacional de Americanistas, Museo Nacional de Arqueología, Historia y Etnología, Museo Tecnológico Industrial… De esta manera la celebración del primer centenario de la Independencia se transformó en una exaltación de las obras realizadas por el gobierno de Porfirio Díaz.

Los festejos del Centenario, además de su proyección internacional ante el cuerpo diplomático y los invitados especiales, y de su relación íntima con los miembros del gobierno, el capital y la Iglesia, tuvieron una repercusión profunda en los sectores medios y populares. Junto a los desfiles, verbenas, bailes, corridas de toros y estallidos pirotécnicos, la Comisión del Centenario promovió una propaganda iconográfica dedicada a estos sectores, que se tradujo en una colección de estampas que festejaban a los héroes de la patria o celebraban la Declaración de Independencia firmada el 28 de septiembre de 1821. Durante los 30 días que duraron estas fiestas proliferaron las medallas conmemorativas con distintas imágenes patrióticas. La fiesta del Centenario impulsó diversos ejercicios de recuperación de la memoria popular,como lo testimonia la publicación en 1910 del Romancero de la guerra de Independencia, que reunió los cantos dedicados a esta gesta a lo largo de los cien años transcurridos. Asimismo, la abundante colección de estampas, banderas, platos pintados, anillos de puros, tarjetas postales, juegos infantiles y artefactos con imágenes de los héroes de la independencia, los episodios formadores de la nación y los emblemas de la patria, brindan una idea del alcance popular que tuvo esta celebración y del manejo que de ella hizo el presidente Porfirio Díaz.

CIENCIA DE LA

A sí, con la inauguración de estas dos obras grandiosas se completó el eje patriótico que Vicente Riva Palacio había imaginado veinte años atrás. El Paseo de la Reforma, con sus monumentos a Cuauhtémoc, Cristóbal

Colón, la estatua ecuestre de Carlos IV, la Columna de la Independencia y el mausoleo de Benito Juárez, era una síntesis de los episodios edificadores de la nación, un libro abierto que se leía paseando y un homenaje teatralizado a los héroes de la patria. En las fiestas, inauguraciones y discursos que describe la Crónica oficial, las palabras canónicas fueron Independencia, Paz y Progreso, voces similares a los lemas que identificaban el gobierno de Porfirio Díaz. De esta manera la conmemoración del Centenario de la Independencia se transformó en un gran teatro político escenificado con solemnidad y derroche de recursos en la capital del país, y focalizado en la persona de Porfirio Díaz. En cada una de esas ceremonias emergía, en la escena final, la figura imponente del presidente de la república, cuya imagen recorría luego las capitales y ciudades del interior del país, proyectada por los medios de comunicación.

HOMENAJE TEATRALIZADO A LOS HÉROES

Castillo de Chapultepec.

DESCARTESPienso, luego existo

1596 a 1650

La ciencia y el arte son los valores fundamentales de la civilización contem-poránea; así se titula esta edición.

Esta expresión se justifica porque el proceso de los cambios social e histórico reales del mundo se basa en drásticos movimientos artísticos o inventos trascendentes del encuentro del hombre con la naturaleza, a través de la investigación científica; el cambio histórico permanente no depende de la política, pues ésta sólo lo administra.

Múltiples ejemplos de lo aquí descrito pueden constatarse en el análisis de la historia de la civilización moderna, incluyendo la concepción estética de los griegos, el respeto a los valores del quehacer artístico por un pueblo guerrero como los romanos, el tremendo auge de la cultura durante el Renacimiento y los inventos como los de Newton, Galileo, Copérnico y Fulton, que precedieron a la Revolución Industrial.

Ni qué insistir en el hecho real de que el crecimiento demográfico no es producto de los avances políticos o administrativos, sino de un invento genial de Alejandro Fleming quien, al descubrir la penicilina, hizo que disminuyera la mortalidad.

Esta introducción consolida un concepto frecuentemente olvidado, que es aquél de que la ciencia es cultura y genera identidad nacional; lo anterior, para fortalecer la idea que generalmente se confunde al identificar la cultura sólo con la expresión estética, y olvidarse de que la transformación del mundo se

hace a través de la ciencia, y el cambio del cosmos interno espiritual se genera a través del arte y las religiones, ambos detonantes de la fuerza cultural de cualquier región, país o continente.

La ciencia, según nuestra tesis, es la base del conocimiento, y por supuesto la tecnología es la hermana menor de este proceso, consolidándose en la productividad una resultante pragmática de la misma; todo en el marco de una sociedad actual cuyos valores se basan en el monetarismo ilustrado, el libre comercio y en una globalización que debe ser estrategia y no considerarse como un fin humanista.

Esto debe tomarse en cuenta en el análisis del impresionante avance científico y tecnológico de la época, y del progreso derivado del mismo. Sin embargo, no debemos olvidar que el hombre, en su lucha por la tecnología, la productividad y la competitividad, olvida frecuentemente el marco ético de comportamiento y el fenómeno social

que debe acompañar siempre a una visión humanista trascendente.

Si no se considera lo anterior, se produce una sociedad en la que la juventud aprovecha los beneficios de la informática, la comunicación y los avances tecnológicos, en un tropel inconsciente, encontrándose al final de esa carrera con la decepción, la consiguiente ansiedad y la depresión, producto de la pérdida del objetivo fundamental del quehacer humano integral que es el de la integración axiológica de los valores reales del juicio moral.

En esta edición se trata de demostrar la tesis básica de que las artes y la ciencia son hermanas de un mismo Olimpo y deben reinar generosas en el concierto armónico del amor entre seres humanos y de la visión siempre expectante de un más allá que hace de la vida una fase del existir, y no solamente un siniestro final predecible.

Saber leer y saber contar es saber comprender y así poder aprender; de allí parte el conocer de la ciencia y la sensibilidad del arte.

LA CIENCIA ES CULTURAHacia una ciencia y tecnología con marco ético de comportamiento






Carlos Joloy























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Autores invitados: Ricardo Escobedo, Rubén González Garza, Jorge Villegas, Saskia Juárez, Enrique Florescano, Adán Lozano, Fray Julián Pablo

a seis personajes nuestros en la Ciencia y Técnica del Arte

Director Luis Eugenio Todd

Por Juan Roberto Zavala

JEANNETTE L. CLARIONDUna de las más destacadas poetas mexicanas, quien ha hecho de la reflexión y de su amor por la vida un ejercicio poético integral, Jeannette L. Clariond es también traductora de obra poética del inglés e italiano al español, y se ha dedicado por varios años a estudiar el pensamiento y la religión en el México antiguo, tema que ha abordado dentro y fuera del país.

Es licenciada en Filosofía por la UR, y tiene dos maestrías, una en Metodología de la Ciencia y otra en Letras Españolas, ambos grados académicos de la UANL. Ha publicado siete obras, de las que sólo

mencionamos Desierta memoria, cuya primera edición es de Juan Pablo Editores y Ediciones Sin Nombre, y la segunda de Ed. Plaza & Janés, y Todo antes de la noche, de Ed. Pre-textos. Actualmente trabaja al lado de Harold Bloom en una antología de poesía norteamericana contemporánea.

JORGE ELIZONDODedicado a ser lo que es: escultor, y por tanto a investigar y utilizar, por el solo placer de manipularlo, el espacio no utilitario, Jorge Elizondo aspira a lograr -lo que para nosotros ya ha conseguido- las tres cosas más importantes e inspiradoras de su vida: conservar el espíritu de niño que existe en todo ser humano; utilizar al mismo tiempo, en su trabajo de escultor, el corazón, las manos y el cerebro, y ser lo que es; es decir, no pretender ser algo que no es.

Es ingeniero químico por la UANL. Cursó estudios de dibujo, diseño y composición en el Instituto

Allende, en San Miguel de Allende, Guanajuato, y de escultura en la Escuela Masona, en Barcelona España. Ha participando en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Estados Unidos, Italia, España, Alemania y en nuestro país.

Artista excepcional, con reconocimiento nacional e internacional como uno de los directores de orquesta con mayor prestigio en México y Latinoamérica, Félix Carrasco Córdova ha demostrado, a lo largo de su vida, no sólo una espléndida técnica de dirección, sino también un profundo conocimiento musical y la excepcional habilidad para, dirigiendo con alegría y pasión, cautivar tanto a los músicos de la orquesta, como a la audiencia.

Cursó estudios profesionales de piano, oboe y dirección de orquesta en el Conservatorio Nacional de México. En Austria se graduó en 1982 como director de orquesta en la Escuela Superior de Música de Viena. Ha recibido numerosos premios, de los que sólo mencionamos la medalla Mozart de Oro, capítulo excelencia, que otorga la Fundación Cultural Domecq.

RUBÉN GONZÁLEZ GARZADedicado desde 1949 a la actuación, dirección y a la dramaturgia, pues inició como traspunte, utilero y después como actor con la destacada directora teatral Elisa María Ortiz de González Garza, Rubén González Garza es también, actualmente, catedrático en la UANL y en el ITESM.

Aunque es técnico mecánico electricista por el ITESM e hizo estudios, sin concluirlos, de Letras y Psicología en la Universidad Labastida, la mayor parte de sus estudios son de dirección

escénica, actuación y dramaturgia, los que realizó en diversas ciudades del país, habiendo sido alumno de personalidades como Sergio Magaña, Emilio Carballido, Luisa Josefina Hernández y Sanchís Sinisterre, y en dirección, de Salvador Novo, L. Margules y Seki Sano, entre otros.

Entusiasta difusor y promotor en Nuevo León del conocimiento y aprecio por la cerámica artística, Ricardo Escobedo es uno de los más reconocidos ceramistas mexicanos quien, como parte de nuestra esencia cultural, está en constante proceso de aprendizaje y de investigación sobre las posibilidades expresivas y estéticas de la arcilla.

Aunque tiene una maestría en Lingüística Española, de la Normal Superior del Estado, se ha dedicado de lleno a la cerámica, la que estudió en España, Estados Unidos y Canadá. En

1978 fundó, con el maestro Rafael Gabilondo, el Taller de Cerámica Tres Piedras y ha organizado Encuentros Nacionales de Ceramistas. Cuenta con ocho exposiciones individuales y ha presentado trabajos en 71 exposiciones colectivas. En su carrera como ceramista ha recibido seis premios, un premio especial de acabados y dos menciones de honor.

ADÁN HÉCTOR LOZANO ARRAMBIDECon una inclinación natural por admirar las cosas bellas, facilidad para el dibujo y el deseo de comunicarse con los demás, Adán Héctor Lozano Arrambide eligió una profesión eminentemente humanista al servicio del hombre: la arquitectura, y con ella se ha dedicado al diseño arquitectónico residencial con un enfoque muy contemporáneo y una visión de obra total que abarca desde el diseño de jardines, diseño de interiores y la totalidad de los complementos de la obra.

Egresó y es catedrático de la Escuela de Arquitectura del ITESM. Además, es miembro de número y posteriormente emérito de la Academia Nacional de Arquitectura, capítulo Monterrey; presidente del Consejo Consultivo Ciudadano de Desarrollo Urbano del municipio de Garza García y miembro del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. Ha recibido numerosos premios por sus aportaciones a la arquitectura.

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e 2005.

FÉLIX CARRASCO CÓRDOVA

RICARDO ESCOBEDO

La Ciencia y el Arte,Valores supremosde la civilización

Ciencia y Tecnología, aliados de la creación artística Jorge García MurilloPágina 3

Una oportunidadpara la MúsicaFélix CarrascoPágina 5

Belleza y reflexiónFray Julián PabloPágina 12

La poesía tiene su cienciaJeannette ClariondPágina 14

Arte y Ciencia, expresiones paralelasMartha ChapaPágina 18

El origen del hombre en la Capilla SixtinaFrancisco Armengol, EL Vaticano Página 32

Invita Octavio Paredes a la Cruzada del saberPor Miguel Reyes RazoPremio Nacionalde PeriodismoPágina 43

Juan Antonio González Aréchiga, ingeniero del Humanismo

Galería de rectores en la UANLPágina 24

Reloj concebido por Leonardo Da Vinci

Revista Conocimiento 15

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