Notas con armonía N° 264

Festivalito Ruitoqueño de música colombiana Patrimonio Cultural de Santander - Patrimonio Cultural de Floridablanca

Vigías del Patrimonio Orgullo de Santander para Colombia

Carrera 19 Nº 31-65 Piso 2 Telefax (7) 6331497 6335944 Centro Cultural del Oriente Colombiano Bucaramanga, Santander, Celular 3175102019 [email protected] www.elfestivalito.com

Notas con armonía N° 264 Boletín con información cultural y de interés general - Bucaramanga, Santander, Colombia.

1 de julio de 2011

Emoción-Arte Maestro Rito H.P.

¡Muchas gracias!

Con el riesgo de que se nos queden por fuera personas o instituciones que nos permitieron el privilegio

de realizar el XXI Festivalito Ruitoqueño, nos faltan palabras de agradecimientos para:

Doña Leonor Álvarez de Acevedo, inigualable anfitriona, público, intérpretes, cantautores,

homenajeados, benefactores privados y estatales, grupo de apoyo, medios de comunicación, socios de

la Fundación Armonía, proveedores, visitantes de Barranquilla, Neiva, Pamplona, Cúcuta, Medellín,

Fusagasugá, Cali, Buga, Pasto, Puerto Escondido, Pasto, Manizales, Barrancabermeja, San Gil, Vélez y

Bogotá, entre otros.

Visitantes de otros países, amigos de Venezuela, México y España.

¡Nos vemos en el XXII Festivalito!

13 al 20 de mayo de 2012

Comité Organizador Carlos Gabriel Acevedo Álvarez Bernardo Enrique Mesa Gómez

Roberto Villamizar Mutis Puno Ardila Amaya

Fernando Remolina Chaparro Luis Carlos Villamizar Mutis




Centro de Documentación Musical de Ginebra Oficina de Comunicaciones

“TRÍO DE IDA Y VUELTA”

Gran Premio Mono Núñez Instrumental 2011 Bandola Diego Estrada

Mejor intérprete de compositor homenajeado El triunfo del trío ―De Ida y Vuelta‖, marca un hito de altura para la Escuela de Música de Ginebra de la Fundación Canto por la Vida. Es el momento de recoger las cosechas de los procesos pedagógicos acunados desde una propuesta local, en la cual, las proyecciones estéticas de las músicas urbanas andinas colombianas se juntan con un propósito social. De Ida y Vuelta, presenta una propuesta conservadora en su esencia discursiva, nutrida del recorrido de los grandes maestros del siglo XX de las músicas andinas, tanto compositores como instrumentistas, en la búsqueda de una sonoridad que amalgama una sumatoria de técnica instrumental depurada y fina musicalidad interpretativa. Diego Germán Gómez, cornista egresado de la Universidad del Valle, es primer corno de la Banda de la Fuerza Aérea. El acopio técnico en el instrumento unido a una gran sensibilidad y musicalidad, lo colocan como uno de los bandolistas más sobresalientes de su generación, lo que sin duda le hizo merecedor de la ‗Bandola Diego Estrada‘ en esta versión del Mono Núñez. Su interpretación está poblada de un amplio repertorio de articulaciones, manejo agógico y efectos colorísticos, que nos remiten al gran maestro bugueño, canal de una expresividad individual de gran calibre, dejándose escuchar además, en la todavía novedosa ejecución de la bandola bajo que, de manera acertada se introduce en algunas versiones del trío de Ida y Vuelta. Julián Solano, es egresado de la Licenciatura en Música de la Universidad del Valle. Destacado como tiplista solista y reconocido acompañante en importantes escenarios del país, ha asumido la interpretación de las músicas andinas y otros géneros de manera rigurosa, haciéndose cargo de repertorios de gran exigencia técnica y musical, caso del Desconcierto para tiple y orquesta de Mauricio Lozano. Se desempeña actualmente como maestro de la Escuela de Música de Ginebra, a cargo de algunos de sus ensambles instrumentales y en las cátedras de cuerdas, flautas dulces y asistente del programa de banda. Samuel Ibarra es egresado de la Universidad Javeriana como Maestro en música con énfasis en Composición y Producción. Posee un gran palmarés como solista de flauta dulce y guitarrista, compositor, productor y director de agrupaciones artísticas, habiendo ganado los concursos de obra inédita en los más importantes festivales de músicas andinas del país. Samuel ha revertido en la música andina colombiana su impecable técnica como flautista dulce, continuación de la escuela instaurada por la familia Dolmetsch en Inglaterra desde finales del siglo XIX, introduciéndola en formatos clásicos como el del trío de Ida y Vuelta. El trabajo del trío, sacando provecho de las características individuales de estos tres músicos, redunda en un concepto minucioso artesanal de orquestación y combinación de elementos tímbricos y, en la exploración permanente de articulaciones, dinámicas y agógica, dando como resultado la ingeniosa filigrana sonora que se escucha, tanto en las versiones propias como las que toman en sus manos para interpretar. Esta agrupación, es la summa de talentos y experiencias de estos tres espíritus que desde niños en Canto por la Vida, han bebido de fuentes comunes de universos conceptuales alrededor de las músicas andinas, colombianas y académicas en general y más allá de esta experiencia musical, han hecho parte de un ambiente filial que los ha hermanado y mantenido en contacto cercano una gran parte de su vida.

¡El Festivalito los felicita y les desea que continúen cosechando éxitos!




Tristeza en nuestra familia musical Registramos con tristeza el fallecimiento de Andelfo Quintero Fuentes, esposo de Hortensia Badilllo y padre de Carlos Andrés,

Manuel Eduardo y Angie Quintero Badillo. Andelfo participó en varias ediciones del Festivalito y fue el acompañante en los inicios de la carrera de Carlos Andrés, hasta que lo reemplazó Manuel Eduardo, su segundo hijo. Acompañamos a su esposa y a su hijos en esta dolorosa circunstancia

La feria de arte más importante del mundo Por: Elespectador.com Art Basel abre al público su puertas hoy y demuestra que el arte no sufre la crisis.

La feria de arte moderno y contemporáneo Art Basel abre hoy al público, un día después de que miles de invitados seleccionados invadieran los inmensos recintos que albergan las distintas secciones de este evento que demuestra, una vez más, que el arte no sufre la crisis. Creada en 1969, la feria se afianzó como la primera de su categoría en la década de los noventa frente a eventos similares de alcance internacional como Art Colonia (Alemania), la Fiac de París, Arco de Madrid o Frieze de Londres. La creación hace once años de Art Unlimited, la propuesta consagrada a obras monumentales, y su posterior extensión hacia el mercado norteamericano, con Art Basel Miami Beach, reforzaron su posición en el competitivo negocio del arte. Asimismo, la reciente adquisición de la principal feria de arte de Hong Kong ha confirmado a la feria de arte suiza como la más importante en su género. No es de extrañar, por tanto, que más de un millar de galerías hayan intentado participar en esta edición de Art Basel. De ellas, 300 procedentes de 35 países fueran elegidas en un riguroso proceso de selección. Exponer en Art Basel supone una oportunidad inigualable para las galerías en términos de volumen de negocio, pues en una semana de exposición pueden realizar ventas por un valor equivalente al de varios meses normales. La oferta de los marchantes de arte es abundante (2.500 obras expuestas) en esta feria, en la que el país con más galerías es Estados Unidos (73), seguido de Alemania (50) y el país anfitrión (32). Una de las primeras impresiones que surge del recorrido por los interminables y laberínticos pasajes del recinto ferial es que la pintura sigue siendo la expresión suprema y preferida del

arte, a pesar del espacio que han ganado las propuestas basadas en la fotografía, las instalaciones de los más variados materiales y las imágenes de video o cinematográficas. Según los especialistas, este año hay más pinturas que en cualquier otro de las últimas dos décadas e incluso las galerías dedicadas a trabajos de fotografías se han animado a exhibir al menos un cuadro. Lo clásico consolida así su posición y se muestra a los visitantes de Art Basel en todo su esplendor, a través de estupendos Magritte, de fantásticos Léger, y de excelentes Mirós y Picassos. Motivo de contemplación son también pinturas de Chagall y Francis Bacon, bodegones de Giorgi Morandi, cuadros y esculturas de Marino Marini, dibujos y esculturas de Giacometti y varias obras de algunos de los más destacados representantes del arte alemán de los últimos años, como el recientemente fallecido Sigmar Polke, George Baselitz y el cotizadísimo Gerhard Richter. En el paseo también puede uno toparse con el ―art brut‖ del francés Jean Dubuffet, con numerosos cuadros negros de Pierre Sou langes y bonitos cuadros del vanguardista uruguayo Joaquín Torres García, fallecido en 1949. En el otro extremo de la propuesta artística, Art Unlimited presenta 62 trabajos monumentales esparcidos en 17.000 metros cuadrados, además de una decena de obras que forman parte de la sección ―Art Parcours‖ y que están expuestos al exterior, en diez distintos lugares del barrio de Basilea que acoge la feria.




Ensamble Cónclave

El Ensamble Cónclave se inicia en el año 2004, con el propósito de interpretar con un formato claramente definido (flauta, clarinete, tiple y guitarra) la música propia de la región andina colombiana de mitad de siglo XX, en donde la creatividad académica de cada uno de sus integrantes emerge en cada una de sus interpretaciones dando la posibilidad al público de evocar agrupaciones que se convirtieron en un ícono de las músicas tradicionales colombianas. Es por eso que el Ensamble Cónclave ―cautiva al público‖ tocando las raíces propias de la tradición sin hacer a un lado la innovación propia que conllevan las nuevas generaciones. Sus integrantes provienen de diferentes lugares de Colombia y dentro de su trayectoria artística han sido merecedores de importantes distinciones que los hacen figurar como destacados exponentes en cada uno de sus instrumentos en Colombia. El año 2008 marca un momento clave para el grupo con la inclusión del

percusionista Gabriel León y el bajista Ricardo Zapata, quienes con su llegada refuerzan la sonoridad, la estructura armónica, el manejo de tendencias populares urbanas y de expresiones musicales de origen llanero, por lo cual el Ensamble, se hace merecedor de importantes elogios por parte de la crítica en el ámbito musical colombiano Ensamble Cónclave ha sido invitado en diferentes ocasiones a importantes festivales como el Festival de la Plaza en Ginebra- Valle del Cauca dentro del festival de música andina colombiana ―Mono Núñez‖, el Festivalito Ruitoqueño en Floridablanca-Santander, el Festival Hato Viejo en Bello-Antioquia, el Primer Festival de Música del Macizo Colombiano, realizado en la Mesa de Elías – Huila y el Festival Nacional del Pasillo en Aguadas –Caldas. Dentro de los reconocimientos otorgados al Ensamble Cónclave se destacan el ser ganador en las convocatorias de música colombiana de la Secretaria Distrital de Cultura y Turismo 2007,2008,2010, el premio a mejor obra inédita 2008 con la interpretación del pasillo Celitos del compositor Germán Darío Pérez, en el XXXIV Festival Mono Núñez, segundo puesto y nominado al premio Gran Pipintá de Oro en el festival nacional del pasillo en Aguadas-Caldas, finalista en la Bienal de Música Andina Colombiana organizada por CAFAM en el 2010. INTEGRANTES Felipe García Flauta Francisco Rivera Clarinete Mauricio Rodríguez Tiple Omar Beltrán Guitarra Ricardo Zapata Bajo Gabriel León Percusión




La agrupación de mayor trayectoria musical de la Argentina llega a Bucaramanga

Concierto Internacional junto con la agrupación local Septófono OPUS CUATRO de Buenos Aires, Argentina, ostenta hasta el momento el título de la agrupación de mayor trayectoria ininterrumpida de su país. Cercanos a cumplir 43 años de vida artística musical, han realizado más de 7300 conciertos y han visitado cerca de 450 ciudades de América, Europa y Asia. En esta ocasión visitarán por primera vez Bucaramanga para realizar un concierto internacional junto con la agrupación vocal-instrumental: SEPTÓFONO, el miércoles 6 de julio de 2011. OPUS CUATRO es un cuarteto vocal masculino que inició labores musicales el 10 de julio de 1968 y desde que empezaron no han parado de recibir aplausos y reconocimientos. Su aporte ha sido llevar a los grandes escenarios del mundo la música argentina y latinoamericana en un formato inusual de canto a cappella (sin instrumentos musicales). Hasta la fecha cuentan con más de 7.300 presentaciones en cerca de 450 ciudades y pueblos del mundo. Han recibido el Premio ―Carlos Gardel a la Música 2002‖. Desde 2008 han sido declarados como Personalidades destacadas de la cultura de la ciudad de Buenos Aires y, como muy pocos artistas de su país, han recibido el premio ―Atahualpa 2010‖ a la trayectoria. La iniciativa surge a principios de 2008 cuando la agrupación bumanguesa SEPTÓFONO, viaja a Argentina en representación de Colombia, al festival internacional de música latinoamericana de ―Cosquín‖ y al ―festival internacional de colectividades de Altagracia‖, Córdoba. Allí el grupo SEPTÓFONO alternó escenario, no sólo con OPUS CUATRO, sino con artistas de la talla de Mercedes Sosa, León Gieco, Victor Heredia, Pedro Aznar y otras figuras de la música latinoamericana. Desde entonces los lazos entre las agrupaciones ha crecido a tal punto de concretar la visita de OPUS CUATRO a la tierra natal de sus amigos colombianos para cantar juntos y evidenciar la relación existente entre los rítmos y aires folclóricos de la gran cordillera de los Andes que une a ambas naciones, y al mismo tiempo rendir tributo a la canción latinoamericana. Como acto especial la corporación Mochila Cantora hará un homenaje y entrega de reconocimiento, tanto al cuarteto invitado, como a los cuartetos vocales de armonía cerrada que han representado a la región santandereana en certámenes de musica folclórica a nivel nacional. OPUS CUATRO & SEPTÓFONO EN CONCIERTO HOMENAJE A LOS CUARTETOS LUGAR CONCHA ACÚSTICA – PARQUE CULTURAL DEL ORIENTE FECHA MIERCOLES 6 JULIO HORA 7:00PM Bono Cultural $15.000.oo

Estamos de acorde

Quince años sin Ella Por: Juan Carlos Piedrahíta B. – elespectador.com

Antes y también después de cualquier categoría musical estuvo Ella Fitzgerald. El primero que lo dijo fue el pianista y compositor Duke Ellington, pero sin duda muchos lo habían pensado desde que la vieron debutar en los escenarios artísticos antes de llegar a la mayoría de edad. Comenzó tímida, como buena adolescente, sin tener plena conciencia de lo que tenía entre pecho y espalda. En ese entonces cantaba, lo hacía correctamente respetando algunos de los cánones del jazz y manteniéndose en segundo plano, pues el director de la orquesta era Chick Webb, quien, más o menos, le estaba haciendo el favor a la joven de dejarla participar en la formación. La vida tomó su curso normal y la ubicó en el lugar que merecía. En 1939 murió Webb y ella, ahora no sólo de nombre sino de manera oficial, fue la estrella. Sentirse la dueña, la responsable de los contenidos sonoros de una orquesta reconocida en los Estados Unidos, le dio el impulso que necesitaba para reinar y fue en ese momento cuando dejó atrás las interpretaciones correctas y la mesura del swing y la balada para adentrarse en los recovecos exigentes del scat, ese viejo amigo de la improvisación que ratifica que la voz humana es el instrumento más completo de todos. Ella Fitzgerald and Her Famous Orchestra durante la década de los cuarenta dejó de ser necesaria para producir música. Ese nombre era demasiado largo y no hacía honor a la verdad, porque ya se sabía que la orquesta era ella, sin apellidos ni aditamentos. Ese estilo mucho más descomplicado la puso en el mismo peldaño de figuras como Louis Armstrong, Count Basie y el propio Duke Ellington, con quienes realizó jornadas musicales memorables que quedaron registradas para la posteridad. Esa imagen de Ella Fitzgerald plena, diva del jazz, maestra del scat o primera dama de la canción (como se le conoció oficialmente), resulta contrastante con los últimos momentos de su vida después de padecer una diabetes y perder sus piernas. Hoy hace quince años murió esta figura del género que amenazó con llegar a ser la número uno y lo cumplió. Lo hizo aventurándose y estando delante y detrás de cualquier categoría musical.




Wálter 'Índigo' Hernández es una de las voces

'El folclor está mutando': Systema Solar Por: Elespectador.com El grupo, inspirado en la cultura picotera del Caribe, representa los nuevos sonidos colombianos que están atravesando el mundo.

Foto: Luis Ángel - El Espectador Wálter Hernández es comunicador social e investigador de la música ancestral afrocolombiana. ¿Cómo surgió Systema Solar? Nace en 2006 entre Cartagena y Bogotá, durante la posproducción del documental Frekuensia kolombiana, que dirigió Vanessa Gocksch, y que permitió que todos nos encontráramos. Ahí tomamos la decisión de hacer algo juntos y gracias a una invitación a participar en el concierto de lanzamiento de la Bienal de Arte de Medellín, surgió Systema. ¿Cómo fue el „big bang‟ que ocasionó el nacimiento del grupo? Un cadencioso estallido de diversidad sonora que se nos impregnó para siempre. ¿Qué planetas lo conforman? John Primera: El diablito del flow costeño; Índigo: La voz del despegue; Pellegrino: El arquitecto sonoro; Daniboom: El rey del techno cumbiambero; Pata de perro: La video-jockey infalible de la peli colombiana; Andrés: El tornado del ritmo caribeño, y DJ Corpas: Gigante del scratch afrocolombianizado. ¿Por qué nombrar la gira nacional “Órbita Berbenáutika”? Porque es la ruta del despliegue y conexión de todos los espíritus festivos por las ciudades y corregimientos de Colombia. ¿Qué músicos han influenciado a Systema Solar? El maestro Pedro ―Ramayá‖ Beltrán de La Cumbia Moderna de Soledad, La Constelación de Los Corraleros de Majagual, George Clinton de Funkadelic, los integrantes del colectivo Spiral Tribe... ¿A qué suena Systema Solar? A una suculenta sambumbia multiviaje del Caribe colombiano, con la que nadie puede quedarse quieto. Sentir, danzar, cantar, vibrar la vida. ¿Por qué le dicen en el grupo “La voz del despegue”? Mi misión es aportarle a la conexión de las voces ancestrales. ¿Y por qué Índigo? De la planta que lleva este nombre, empapada de sentimiento, teñido de blues Caribe y enraizado africanamente. ¿Qué significa ser un grupo músico -visual? Tenemos mezclas de video en vivo, junto a los colores y el diseño de los vestuarios e imágenes pintadas por artistas de la cultura picotera y del hip hop. ¿Qué países han recorrido? Estados Unidos, Inglaterra, Eslovenia, Bélgica, Italia, Alemania, Francia, Argentina, Dinamarca y Suecia. ¿En cuál se han sentido mejor recibidos? En todos hemos conectado muy bien con la gente y queremos resaltar el recibimiento en Argentina este año, en el que sentimos una energía de hermandad muy especial. ¿El folclor colombiano está siendo objeto de mutaciones? Preferiría decir ‗sujeto de mutaciones‘ o cambios inherentes a todas las tradiciones en las que la emergencia de lo nuevo oxigena y hace posible la permanencia. Colombia es potente en diversidad musical y en este momento hay más posibilidades para la circulación de las propuestas, mayores accesos a opciones de grabación y fortalecimiento de procesos de formación que traerán más sorpresas agradables. ¿Cómo es eso de „confundir el Amazonas con aguapanela‟? Es una frase que hace parte de nuestra canción Malpalpitando, en donde el mensaje es que somos agua. Sin ella nada y con ella todo. ¿Qué le gusta de estudiar la música afrocolombiana? De esa manera puedo saber qué hago aquí. ¿Qué canción postularía como himno de Colombia? Systema Solar podría ayudar a hacerla. Tendría que ser al estilo remix, para evidenciar la diversidad y antes que cualquier cosa que la gente la disfrute bailando. ¿Cómo define el folclor? Toda manifestación hecha con amor, expresada por la especie humana. ¿Qué grupo tiene futuro? Todos aquellos que tengan claro que nada caerá del cielo. ¿Un artista que le parezca que ha sacado el pecho por Colombia? El maestro Pedro ―Ramayá‖ Beltrán. ¿De qué habla cuando menciona la arqueología sonora? De conjugar un verbo antiquísimo y reciente: samplear. Y en Colombia ¿quién es „el Patrón‟?

La televisión.




Regresaron de Ginebra Otro gran premio ganó el conjunto Nocturnal, a pesar de estar ausente don Aponte Carvajal. En todas partes trasciende Nocturnal Santandereano, como fuera el gran anhelo del tiple piedecuestano. Sin embargo algunos dicen que esta nueva estudiantina, crece y crece por la magia que le imprime Remolina. En todas las competencias siempre le apuntan al blanco, la clave está en las bandolas de Carlos y Eduardo Franco. Opiniones divididas cuando de soplar se trata, dicen que es Santiago Emilio que emociones arrebata. El grupo tiene energía entusiasmo y señorío, que es el fruto del vibrato que le da José darío. Yo se cuál es el secreto me lo dijo Martín Parra, es la gran concentración de Javier en la guitarra. Discrepo de estos conceptos y mi experiencia así opina, lo que al público fascina es la musical belleza que tiene Amalia Cristina. Una petición les dejo muy cordial y muy sincero, que uniformen el conjunto y todos usen sombrero. Muchas felicitaciones nocturnos santandereanos. el folclor de nuestra patria siempre vibrará en sus manos. Comunero agradecido (Juvenal Fonseca)

Muchas gracias Con toda sinceridad de parte de NOCTURNAL

muchas gracias, de verdad apreciamos su amistad don Fonseca Juvenal Con aprecio, Rapontiple (Rafael Antonio Aponte Carvajal)




Publicarán la primera novela de Conan Doyle, perdida durante 130 años EFE - Revista Arcadia

El escritor Arthur Conan Doyle, creador de Sherlock Holmes. La Biblioteca Británica publicará el próximo noviembre la primera novela del autor inglés Arthur Conan Doyle, "The narrative of John Smith" ("La narrativa de John Smith"), que había permanecido oculta para el gran público durante los casi 130 años desde que fue escrita. Doyle, creador del famoso detective Sherlock Holmes, elaboró el manuscrito con tan solo 23 años, pero, debido a los avatares del destino, éste nunca llegó a publicarse. Según ha informado el periódico The Guardian, el escritor envió la novela, escrita entre 1883 y 1884, a un editor británico, pero el documento se perdió en el correo, por lo que Doyle decidió reescribirlo de memoria. Los seis capítulos que logró rehacer, y que hasta ahora estaban primero en manos de sus herederos y después en los archivos de la Biblioteca Británica, son los que ahora serán publicados, para disfrute de todos los admiradores de Conan Doyle. "The Narrative of John Smith" cuenta la historia de un cincuentón aquejado de gota y confinado a su habitación que se dedica a opinar sobre cualquiera tema -religión, literatura, guerra...- para todo aquél que quiera escucharle. A lo largo del libro, escrito poco antes de la que hasta ahora se creía que era la primera novela de Doyle, "Estudio en Escarlata", recibe la visita de varias personas, desde generales jubilados a curas. En el ama de llaves de Smith, la señora Rundle, "se puede ver a un prototipo de la parlanchina señora Hudson, la casera de Sherlock Holmes", según explicó al "Guardian" Rachel Foss, de la Biblioteca Británica. Foss, encargada de manuscritos literarios modernos en esa institución, explica que la publicación de la novela inédita, de unas 150 páginas, arroja luz sobre la evolución literaria de Doyle, que empezó trabajando de médico, y de algún modo explica cómo llegó hasta su personaje más conocido, Sherlock Holmes. Según la experta, "The narrative of John Smith" se pierde a veces "en términos de trama y personajes", pero lo interesante es que "da algunas pistas sobre las futuras historias de Sherlock Holmes". "Nos revela de forma fascinante los primeros pasos en el desarrollo de Conan Doyle como escritor, su periodo de aprendizaje -añadió-. Representa su primer intento de hacer la transición de autor de historias cortas a novelista".

Libros viejos para que haya nuevos lectores Mónica Quintero Restrepo – elcolombiano.com

Manuel Saldarriaga | Mercedes, Jorge y William dirigen la fundación. Las donaciones se pueden llevar a la funeraria o se recogen a domicilio. Informes: 444 72 62. Para un libro, la compañía del polvo puede ser como la de las manzanas podridas, del dicho aquel. Los libros viejos, ya en los estantes sin que nadie los mire o guardados en cajas, en el último rincón de la casa, es como si estuvieran muertos.Por eso la idea de la Fundación Betancur: recogerlos para que personas que no tienen acceso a ellos puedan abrirlos de nuevo y que "sigan sirviendo como un importante elemento cultural", dice William Betancur, director de la fundación.Dentro de los programas que tiene, el Plan Biblioteca Tulio Betancur Guzmán, que lleva el nombre de su papá, el fundador de la funeraria con el mismo apellido, es uno de sus más importantes.La intención es invitar a que las personas busquen en sus casas esos libros que ya no usan, que pueden ser de estudio o literatura, y se los donen, de tal manera que puedan encontrarles un nuevo dueño. Los llevan a escuelas apartadas, instituciones educativas y juntas de acción comunal.Lo que quieren es acercar los textos para que personas de bajos recursos, que incluso a veces no pueden ir a una biblioteca, a la escuela o al internet, puedan acercarse al conocimiento. Es más, señala Mercedes Betancur, no es lo mismo el libro que la web, uno con éste "establece una relación afectiva". Y ellos quieren que otros lo vivan. Al alcance de todos Lo que hacen cuando un nuevo texto les llega es clasificarlo y determinar si, por ejemplo, es apto para enviarlo a unos niños que están en quinto grado o para jóvenes de catorce años."Revisamos bien, que esté en buen estado, y la temática, para elegirlo según para donde vaya el libro", explica Jorge Betancur, quien también hace parte de la fundación.Y clasifican para que en determinado momento sepan, a través de un número que le ponen al libro, quién hizo la donación y para dónde se fue. Cuestiones de orden, para que el programa funcione bien.Hasta el momento han entregado unos cien mil libros, sin contar los primeros, según cuenta Mercedes, que no se organizaban al principio. Lo que pasa es que la idea de los libros se les creció y ya lo que buscan no es donar uno o dos libros, sino muchos.La propuesta es sin ánimo de lucro. Basta que alguien diga que quiere hacer una donación y se las lleve o que los llamen, que ellos van por ella. "No todo es dinero en la vida. Nosotros nos morimos y nada nos llevamos. Únicamente nos queda lo que hagamos por el otro", reflexiona William.En las cajas, ya están listos unos diez mil textos que "están buscando dueño", como les gusta llamarlo a los hermanos. Pronto serán de alguien, que les quitará el polvo y volverá a reírse, a ser feliz con lo que está escrito, desde hace tanto tiempo, en todas sus páginas.

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BOLETÍN DE PRENSA

20° FESTIVAL NACIONAL DEL PASILLO COLOMBIANO

El municipio de Aguadas, comienza a vestirse de gala para la celebración del XX Festival Nacional del Pasillo Colombiano, que se hará del 12 al 14 de agosto, con una programación que estará a la altura de los mejores festivales del país. El Comité Organizador, dará a conocer en próximos días la programación que incluirá una lista de invitados especiales que han sido protagonistas del certamen que para esta ocasión tendrá como escenario el nuevo Teatro Bicentenario, recientemente construido y con capacidad para 500 personas. El Alcalde de Aguadas Jorge Iván Salazar Cardona, manifestó que el Festival está en su mejor momento, razón por la cual, los aguadeños, como ha sido costumbre brindarán toda su atención a los caldenses y visitantes durante este gran evento símbolo de la cultura musical de Colombia. Oficina de Prensa Festival Nacional del Pasillo Colombiano

Un concejo para los artistas

Puno Ardila Amaya – Vanguardia Liberal Hace unos días, un medio de comunicación nacional hizo un sondeo de opinión porque en Bucaramanga un artista está coqueteándole al cuento de ser candidato al concejo. Es curioso, sí, que un músico de la talla de John Jairo Claro, después de haber conquistado durante su vida los primeros lugares en cuanto concurso y festival hay en este país, esté pensando en meterse en un berenjenal de esos; incluso, es curioso que otro artista, Pacho Centeno, tenga ese mismo proyecto, a pesar de haberle jalado ya a la política, mucho después de haberse forjado como punto de referencia de la cuentería en esta zona de Colombia. Pero el sondeo se refiere a dos puntos específicos: que si un artista tiene la capacidad para cumplir un papel interesante allí, y que si realmente podrá cumplirlo, ya dentro del ayuntamiento. Por qué sí: Porque cómo es posible que quien tenga un título universitario no tenga capacidad para presentar proyectos para un municipio como el nuestro, o cuando menos tenga ventajas sobre el historial de ediles que han pasado por los municipios de Santander, que ni título de bachiller se han preocupado por conseguir, así sea comprado (pero, eso sí, se hacen llamar ―doctor‖). O cómo es posible que un tipo que ha recorrido Suramérica entera a pata, o que ha compartido desde la base el trasegar del arte y la cultura, y su experiencia desde el escenario en diversos lugares del mundo, no tenga capacidad para proponer alternativas de desarrollo cultural para Bucaramanga. Claro que puede; por supuesto que tiene la capacidad. Sin duda, un artista como cualquiera de los dos tiene muchas ventajas (todas) para proponer y para discutir sobre el tema; cosa que no me atrevería a afirmar si se trata de otros asuntos –qué se yo–, como la movilidad y esas cosas, porque no les conozco el pulso, pero en lo que tiene que ver con educación cívica, especialmente con cultura (lo que llaman dizque ―cultura ciudadana‖) –la única manera de resolver el problema de una ciudad como la nuestra–, ellos sí saben lo que debe hacerse. Es más, si el concejo de Bucaramanga hubiera tenido, por ejemplo, a Mario Hernández Prada, la cosa sería distinta. Incluso, si en adelante los electores tuvieran conciencia de que estos espacios deben estar ocupados por intelectuales con sensibilidad, por gente que tenga la capacidad de pensar y no de conseguir votos, por gente que lea y piense, que escriba y produzca, el concejo de Bucaramanga, precisamente, estaría lleno de artistas.




Falleció Marco Rayo, reconocido compositor de cumbias y bambucos Por: Elespectador.com

A los 93 años falleció el autor de „Cartagena de Indias‟ y „A mi Colombia‟. Rayo falleció el domingo 12 de junio en la capital del país a sus 93 años. Rayo, nacido en Cartago en 1.938, era un reconocido músico, que conformó grupos como Canvall y Los Vlamers. También es recordado por la Orquesta Órbita 99 y la agrupación Los Violines Selectos de Marco Rayo. Dentro de las principales composiciones de Rayo están ‗Cartagena de Indias‘ y ‗A mi Colombia‘.

Música en escenas líricas Por: Juan Carlos Piedrahíta B. – elespectador.com Bajo la batuta del polaco Zbigniew Zajac se presenta esta pieza del compositor Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893), que refleja un momento crítico de su vida y que no ha tenido mayor divulgación en el ámbito de Occidente.

Foto: Felipe Castaño El montaje de la ópera 'Eugene Onegin' requiere de la participación de más de 130 músicos en escena. Cuatro décadas de vigencia tiene el montaje de la ópera Eugene Onegin la cabeza del maestro Zbigniew Zajac. Durante sus años de estudiante se encontró con el texto original de Alexander Pushkin y se sorprendió con el hecho de que el poeta se representara a él mismo en la escena del duelo en el que muere a manos de un hombre que, de manera insistente, cortejaba a su esposa. Las emociones no pararon para Zajac cuando accedió a la partitura de la pieza realizada por el ruso Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893) y se dio cuenta de que, incluso, las entonaciones musicales estaban explícitas allí. Y como si esto fuera poco, encontró el libreto del montaje original y supo que Modest Tchaikovsky, hermano del compositor, había tenido que descifrar buena parte de la vida de su familiar para plasmar aquellos instantes de inestabilidad en una puesta en escena contundente. Con ese material en sus manos, Zajac se planteó la posibilidad de liderar un proceso en el que se mostraran los detalles de esta historia que pocos se habían atrevido a llevar a las tablas. ―El tema de la ópera Eugene Onegin está basado en la novela Universo, de Pushkin, un libro muy importante en los países socialistas porque a nosotros, yo soy de Polonia, nos obligaban a aprender idiomas de nuestros vecinos. Por eso yo sé ruso y alemán. Yo tuve el privilegio de leerla en su versión original y en Colombia encontré eco para montarla después de 40 años de estar persiguiéndola‖, comenta Zbigniew Zajac. Este montaje es el resultado del trabajo de varios años en diferentes ámbitos y latitudes porque mientras Zajac investigaba, partitura en mano, la vida de Tchaikovski, la profesora Elsa Gutiérrez y sus estudiantes involucraban en un trabajo de grado algunos de sus roles principales. Durante el proceso de preparación tuvo un papel fundamental el barítono Aldúbar Salazar, a quien no le significó mayor esfuerzo representar a Eugene Onegin, pues conocía las características de la composición. Zajac y Gutiérrez unieron sus conocimientos al respecto y contaron con el respaldo de la Dirección Nacional de Divulgación Cultural que, en asocio con el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional, cumplió con la misión de realizar por primera vez en Colombia una versión completa y escenificada, con arreglos musicales propios y en su idioma original. ―Lo fascinantes de la ópera, que el mismo Tchaikovsky se atrevía a llamar escenas líricas, es que aquí está toda la dinámica del tema porque es muy íntima y el compositor trata de involucrarse en cada pasaje y en cada personaje‖, dice Zbigniew Zajac, quien no encontró en esta partitura ni una sola palabra que tuviera mal puesto el acento musical. A cada sílaba le correspondía una nota y así lo dejó explícito el compositor ruso. Por eso, la labor del director fue detectar las intenciones del creador de la pieza y transmitir ese conocimiento a los cantantes y a la orquesta. El director polaco ya había estado al frente de montajes como Las bodas de Fígaro y La flauta mágica de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), así como La bohemia de Giácomo Puccini (1858-1924), pero esta es la primera vez que se enfrenta con una obra que incluye a más de 130 músicos en escena, así que valió la pena la espera. Por algo Zbigniew Zajac tuvo en mente la ópera Eugene Onegin durante cuatro décadas.

http://www.elespectador.com/entretenimiento/arteygente/articulo-276953-fallecio-marco-rayo-reconocido-compositor-de-cumbias-y-






“Cartas a Laura”, de Neruda

Por: Ricardo Bada En 1978 se publicó en Madrid, por Ediciones Cultura Hispánica, del Centro Iberoamericano de Cooperación, un libro singular y precioso que se titula Cartas a Laura. El autor de esas cartas fue un poeta a mi juicio sobrevalorado, pero de quien acepto que se lo considere grande porque evidentemente su influencia sí lo ha sido. Estoy hablando de un chileno llamado Neftalí Ricardo Reyes Basoalto, bastante más famoso por su seudónimo: Pablo Neruda. Pues bien: ese libro, Cartas a Laura, me hizo cierta vez reflexionar sobre el hecho de que determinadas conductas humanas, a primera vista, suelen calificarse como estúpidas y hasta propias de analfabetos e ignorantes, cuando en realidad son todo lo contrario y demuestran una profunda dignidad personal y un impresionante respeto al prójimo. Les cuento : Yo tenía en la Radio Deutsche Welle un compañero de trabajo, chileno, más viejo que yo, y que también cumplía años el 10 de junio, como yo. No era nuestra relación algo que pudiera considerarse amistad, pero sí un buen trato personal, que además nos llevaba a hacernos regalos en nuestro común aniversario. En 1979 tenía él un cumpleaños de los que llamamos redondos, los terminados en cero, debió ser cuando alcanzó la cumbre de los cincuenta años al mismo tiempo que yo terminaba de subir la cuesta de los treinta. De modo y manera que aquella vez los regalos debían ser especiales. Algo distinto a lo habitual. No me pregunten cómo, pero conseguí para él un ejemplar de Cartas a Laura, que era y es un libro prácticamente inasequible porque se trata de una edición creo que no venal, y que el Centro Iberoamericano de Cooperación reservaba para compromisos de verdadera importancia. Para los VIPs… y conste que yo no soy para nada un VIP, o bien sí, pero sólo en el sentido de ser a Very Impertinent Person, y si ya disponía de un ejemplar de mi propiedad es porque me lo había regalado alguien que sabía de mi amor por la literatura epistolar. Y volviendo al cuento : Cartas a Laura era un libro ya de por sí magnífico porque en él se publicaban por primera vez los textos de 28 cartas y 17 tarjetas postales que Neruda envió a su hermana Laura, en Chile, desde los distintos consulados donde se desempeñó en Asia: Rangún, Colombo, Batavia (hoy Yakarta), además de Shanghai, Buenos Aires, París e incluso desde alta mar, a bordo del vapor holandés Pieter Corneliszoon Hooft, en el que regresaba a Chile con su primera esposa, la neerlandesa Maruca. Pero la excepcionalidad de la publicación consistía en que además del texto de las cartas y postales, al final del libro, en una cartera especialmente diseñada para ello, se incluían los facsímiles de 23 de esos documentos, fiel y primorosamente reproducidos en todos sus detalles, incluso el tipo de papel. Un auténtico lujo, una joya como objeto era y es este libro. Y como tal se lo regalé a mi compañero de trabajo chileno, Alfredo, en el día de su quincuagésimo cumpleaños, el 10 de junio de 1979. Por supuesto que lo estuvo hojeando y me lo agradeció muchísimo: era y es un nerudiano fervoroso. Así es que ya pueden entender ustedes muy bien la morrocotuda sorpresa que me llevé al día siguiente, al verlo aparecer de nuevo en mi despacho, con un fajo de papeles en la mano y una sonrisa socarrona, diciendo al mismo tiempo que me extendía aquél fajo de papeles con intención de devolvérmelo: ―Hay que ver lo despistado que eres, Ricardo; en ese libro que me regalaste ayer, seguramente traspapeladas, tenías un montón de cartas personales tuyas‖. Eso me dijo mientras me quería devolver los facsímiles de las cartas de su amado Neruda. Todos, todos los amigos a quienes he contado esta anécdota, todos, han reaccionado diciendo algo así como que mi compañero era un idiota además de un analfabeto. Yo, por el contrario, sostengo que es una de las pocas personas que conozco de la que sé decir, con toda seguridad, que respeta uno de los secretos que debieran ser más inviolables: el secreto postal. ¿O es que ustedes creen que si él hubiese leído, aunque sólo fuese uno de los facsímiles, me los hubiera devuelto? Y aquí regresamos a lo que dije antes de que ese libro, Cartas a Laura, me hizo reflexionar en que determinadas conductas humanas, que a primera vista suelen calificarse como estúpidas y hasta propias de analfabetos e ignorantes, en realidad son todo lo contrario y demuestran una profunda dignidad personal y un impresionante respeto al prójimo. Gracias, Alfredo, por esa lección.

Ya se encuentra a la venta los CDS del 36 festival Mono Núñez Selección vocal (2 cds) $ 35.000 Selección Instrumental (2cds) $ 35.000 Homenaje Jeronimo Velasco (1cd ) $ 20.000 Homenaje Rodrigo García (1 cd ) $ 20.000

Cualquier información con mucho gusto le atenderemos.

Claudia M. Conde C.

Secretaria - Funmúsica Tel. (2) 558 0286 Cel. 315 4952697

Cali - Valle

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Honores a Chucho Por: Óscar Acevedo – eltiempo.com

El medio musical colombiano sigue anclado en el modelo de mercadeo que jubila al que se queda calvo, porque ya no vende. Hay que aprender a desafiar la ley de la grave-edad, como lo hacen en Cuba. Se espera con expectativa la presentación del septuagenario pianista Chucho Valdés y sus Afrocuban Messengers, el próximo martes 14 de junio en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán. Dentro de los galardones que ha obtenido en su carrera, incluyendo varios premios Grammy en la hoy descontinuada categoría de Jazz Latino, el último lo recibió junto con su papá el pasado mes de mayo en la ceremonia de graduación del Berklee College of Music. Se trata del doctorado Honoris Causa que esta institución les otorgó a padre e hijo por sus aportes a la música, un reconocimiento muy significativo para el mundo hispano. El hecho de que un conservatorio americano reconozca el trabajo de los artistas cubanos habla bien de los cambios que se han dado recientemente en Estados Unidos. Pasando a la realidad colombiana, les pido a los lectores que hagan el ejercicio de buscar intérpretes de esa edad que estén activos en nuestro medio. Salvo cantaoras como Petrona y Totó, o inimitables como Jorge Veloza, pocos nacionales mayores de sesenta -fuera del folclor- aparecen en las carteleras de conciertos. La longevidad de los músicos cubanos no es solo un tema de salud pública, tiene mucho que ver con la valoración que la isla le da al trabajo artístico de sus representantes culturales. La propuesta de Chucho tiene un reconocimiento internacional indiscutible por la integración de la tradición musical afrocubana con el jazz, entendiendo a este último género como el camino más expedito que las músicas regionales han encontrado para superar sus fronteras y hablarle al mundo. Aquí se han hecho intentos en esa dirección, pero no con los mismos resultados. Los neofolcloristas locales están engolosinados con el sonido rumbero y electrónico, que seguro les abrirá las puertas de las discotecas internacionales y festivales de trance, pero difícilmente entrarán al circuito de salas de concierto, donde sí diferencian el arte musical del sonsonete parrandero. Mientras nuestra tradición no se articule de forma ingeniosa y respetuosa con lenguajes que el mundo comprenda, seguiremos viendo cómo ese mundo aclama a nuestros vecinos por poner su música al alcance de todos. El medio musical colombiano sigue anclado en el modelo de mercadeo que jubila al que se va quedando calvo, porque ya no vende, privando de oportunidades a muchos creadores e intérpretes que llegan con gasolina de sobra a sus años plateados. Hay que aprender a desafiar la ley de la grave-edad, como lo hacen en Cuba. [email protected]

Encuentran partitura escrita por Mozart Una primera edición musical del compositor austriaco fue hallada en una tienda de ropa en Londres

Foto: Archivo Particular Una primera edición de una partitura que Wolfgang Amadeus Mozart escribió con 8 años durante una estancia en Londres fue descubierta por una voluntaria de la ONG Oxfam en una tienda de ropa y objetos de segunda mano en la localidad de Reading (sur de Inglatera). La voluntaria, Elestr Kee, música ella misma, vio rápidamente el nombre del compositor de Salzburgo al pie de la partitura, que alguien había donado a esa ONG dedicada a la lucha contra la pobreza. Llevaba una dedicatoria en francés a la reina Carlota, esposa de Jorge III de Inglaterra, que reinó entre 1738 y 1820, y en ella se mencionaba el contenido: "Seis sonatas para clavicordio". Sotheby's confirmó que la partitura descubierta era una primera edición de una composición que creó Mozart en la capital británica en enero de 1765. "Es una edición muy temprana de Mozart", confirmó Simon Maguire, especialista de manuscritos musicales de Sotheby's, que la subastará junto a otros objetos musicales próximamente. Según Maguire, "es una de las primeras cosas que escribió Mozart cuando recorría Inglaterra como parte de su gira de niño prodigio". El experto de la casa de subastas dijo que sólo conoce otra copia similar a la ahora descubierta y agregó que existen algunas variantes, por lo que son una decena las actualmente conocidas. Maguire explicó que la partitura no está perfecta, sino que le falta una parte de una de las hojas, lo que reduce su valor a unos 3.360 euros, sobre todo al no tratarse de un manuscrito autógrafo del compositor. La familia Mozart llegó a Londres el 23 de abril de 1764 y abandonó la capital el 24 de julio del año siguiente. En Londres hizo amistad con Johann Christian, hijo del gran Johann Sebastian Bach, con el cual dio conciertos para piano a cuatro manos. Durante su estancia en esa capital, Mozart compuso también dos sinfonías para su estreno en Londres y tocó además en dos ocasiones en presencia de Jorge III y la reina Carlota. Vive.inmusica

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Ha muerto María del Carmen Villamizar Nuestra querida pintora y amiga, nacida en Arboledas, Norte de Santander ha partido de este mundo con rumbo a otra dimensión en la que seguramente su felicidad será infinita pues podrá gozar de la presencia de DIOS NUESTRO CREADOR.

CARMENCITA como cariñosamente le decimos y le seguiremos diciendo hasta cuando nos llegue el momento de encontrarnos en la eternidad, nos ha dejado un legado importante: su trabajo estético, visual, su pintura. Con ingenuidad supo plasmar diferentes acontecimientos de la vida nacional, de la historia y de sus creencias religiosas. Entremezcló las anécdotas con la jocosidad, utilizando un color limpio y brillante, el cual regaló en abundancia sin dejar nada al azar. Su simpatía, que era desbordante, se reflejaba inmediatamente en sus trabajos de caballete, cautivando al desprevenido espectador que mostraba al instante su deseo de conocer su autor. Alcanzó reconocimiento entre sus colegas y tuvo logros importantes en los lugares que tuvieron la oportunidad de admirar sus cuadros. Su exposición "CREEMOS" en la sala MARIO HERNÁNDEZ PRADA despertó inquietud por el tema y el lugar donde se mostró. El SALON BAT le rindió homenaje a su trabajo al igual que el concurso FRIDA KHALO de la CASA MEXICANA en Bucaramanga. Vamos a extrañarte CARMENCITA, pero desde ya te pedimos que nos sigas brindando tu amistad, solidaridad y benevolencia y sobre todo, tu alegría. CARLOS PRADA HERNANDEZ

Héroe por un día Por: Juan esteban Constaín – eltiempo.com

No todo era éxito en la vida de Gwyn Thomas, a pesar de que muchas de sus obras para la BBC le habían dado una gran celebridad. Se llamaba Gwyn Thomas y era un poeta maldito, o aun peor: quería ser un poeta maldito. Pero no escribía poesía sino novelas y obras de teatro; de allí su maldición. Nació un año antes que Dylan Thomas, en el mismo país de la Gran Bretaña -Gales-, y siempre soñó con su gloria. Era igual de borracho, tenía casi su mismo nombre. ¿Por qué no pensar también en una vida de héroe? De hecho a Dylan Thomas lo citaba siempre, sobre todo una de sus mejores máximas morales: "Llamamos alcohólico a alguien que toma tanto como nosotros y que no nos cae bien". Y cuando le preguntaban que por qué seguía viviendo en el mismo sitio, en el mismo pueblo, en la misma casa, respondía: "No vivo allí, sólo me escondo". Una casa en un sitio llamado Cymmer, en un pueblo galés llamado Porth. Con una sombra negra que soplaba sobre el valle una mina de carbón. Allí nació en 1913 el bueno de Gwyn Thomas, hijo precisamente de un minero que antes había tenido ("y con la misma mujer") otros 11 niños. Su mamá murió cuando él tenía 6 años y fue su hermana quien lo educó como a su propio hijo. Pero era tan pobre y tan joven que a veces tenía que mandarlo al comedor de beneficencia con una nota y una lonchera: "por favor, dadme a mí y proveed para unos cuantos de los míos". En el colegio era mordaz y brillante, es decir lo suficientemente bueno como para ganarse una beca en Oxford. Allí estudió lenguas modernas y luego se dedicó a enseñar por toda la Gran Bretaña. Primero como profesor para adultos y luego como maestro de gramática. Quiso ir a la guerra, pero no pasó el examen. Había fumado demasiado. Pero en realidad quería ser escritor, y mientras dejaba que sus alumnos jugaran por el salón con los poemas de Garcilaso (lo cuenta uno de ellos en sus memorias; le decían en burla "el asesino Thomas") se sentaba y escribía sin parar bocetos de lo que luego ser ían sus novelas y sus relatos. Unas novelas -unas historias- maravillosas, en las que los personajes, recreados con humor y compasión, son de alguna manera la réplica variada de su propio autor. Sujetos marginales y desastrados, que con mil páginas menos también viven su Odisea en un solo día; y también son héroes, por sobrevivr, por juntar las monedas de rigor para un vaso más de cerveza o una caricia más de alguna amante de turno. De la obra magistral de Thomas (una épica del humor con pocos rivales en el siglo XX), quizás no haya mejor muestra que Los filósofos oscuros, un libro de tres novelas breves en que la mejor es sin duda la que le da el título al conjunto: la historia de unos filósofos que se sientan en un café italiano a intrigar contra el mundo, a inventarse truculentas perversiones, como en una mafia pobre, para no volver a sus casas. Pero no todo era éxito en la vida de Gwyn Thomas, a pesar de que muchas de sus obras para la BBC le habían dado una gran celebridad; por lo menos le habían dado la posibilidad de dejar su trabajo de profesor y dedicarse a beber y a escribir sin hacer más, cultivando plácidamente su diabetes. Su gran sueño en la vida, que era remplazar a Sean Connery como James Bond, nunca se cumplió. Hay una carta suya a los productores de la película, que por sí sola lo haría un clásico. "Queridos señores Saltzman y Broccoli -les dice-: tengo entendido que están ustedes buscando a un nuevo James Bond, y que para ello piensan en un hombre joven. Grave error. Yo tengo 66 años y estoy en mi punto para ocupar ese lugar. Soy un amante todavía efectivo y tengo una encantadora voz de tenor, por si piensan que en la próxima película Bond deba cantar, que ya es hora de que empiece a hacerlo...". [email protected]





II CONCURSO Y FESTIVAL DE GUITARRA CLASICA “EL NOGAL”. HOMENAJE AL MAESTRO CLEMENTE DIAZ. UNIVERSIDAD PEDAGÓGICA NACIONAL 17 al 22 de Octubre de 2011 CONCURSO PRIMERA FASE (Eliminatoria) 1. Edwin´s guitar (Choro) Obra Obligatoria Clemente Díaz 2. 10 minutos a libre elección del concursante. SEGUNDA FASE (Semifinal) 1. Una obra a escoger por el concursante de las siguientes composiciones del maestro Clemente Díaz del libro “Clemente Díaz, Música para Guitarra” del Investigador Jorge González, Editorial Universidad de Caldas,:

Homenaje a un artista Fantasía en forma de Pasillo Fantasía Criolla No. 2 Preludio y fantasía sobre una canción popular Paisaje Criollo Polca Brillante No. 2 Rumor del llano Siete impresiones sobre un tema de Rodrigo Riera Capricho Concertante Alborada Azul.

2. Cuatro piezas breves Frank Martín. (Universal Edition) 3. 12 minutos a libre elección del Concursante. TERCERA FASE (Final). 1. Concierto para Guitarra y Orquesta de Plectro ―Acerca de la Felicidad‖ Javier Riba. (Ediciones Musicales Contrastes Rioja – España). Los finalistas serán acompañados por la Orquesta Colombiana de Plectros dirigida por el maestro Fabián Forero Valderrama. 2. Una obra a libre elección del concursante que tenga una duración máxima de 6 minutos. 3. Los finalistas deben interpretar una de las obras compuestas por el maestro Clemente Díaz seleccionadas en la primera o segunda fase. CONDICIONES DE INSCRIPCIÓN AL CONCURSO. 1. Guitarristas Colombianos o extranjeros radicados en Colombia cuya edad no supere los 30 años de edad a la fecha de la final del concurso (22 de Octubre de 2011). 2. Enviar la siguiente información como pre-inscripción antes del 1 de Julio de 2011 a los correos: [email protected] o [email protected]:

Nombre Completo. Fotocopia del documento de identidad. Currículo artístico no mayor a 10 líneas en formato Word. Fotografía Artística. Programa a interpretar en las tres fases.

3. Las Partituras obligadas del concurso se encuentran a disposición de los interesados en la Biblioteca de la Facultad de Música de la Universidad Pedagógica Nacional en Bogotá. (Calle 78 No. 9 - 92). Los guitarristas radicados fuera de Bogotá a lo largo del territorio nacional por favor escribir a los correos electrónicos mencionados en el punto 2 para indicarles como adquirir las partituras. 4. Todos los concursantes deben enviar 5 copias legibles de las partituras de todas las obras (obligadas y libres) en un sobre cerrado a nombre de II Concurso de Guitarra Clásica "El Nogal", Universidad Pedagógica Nacional, a la dirección especificada en el punto 3 antes del viernes 7 de octubre a las 5pm, indicando el nombre del Concursante en el sobre. 5. Las obras deben ser interpretadas de memoria. 6. La inscripción al concurso no tiene ningún costo. PREMIACIÓN - 1er Lugar. $1.000.000 de Pesos Colombianos, diploma y Concierto compartido en la edición 2012 del Concurso. - 2do Lugar. $750.000 Pesos Colombianos, diploma y Concierto compartido en la edición 2012 del Concurso. - 3er Lugar. $500.000 Pesos Colombianos, diploma y Concierto compartido en la edición 2012 del Concurso. Premio Especial "Clemente Díaz " a la mejor interpretación de la Obra del Maestro Homenajeado: Una guitarra del Luthier Mtro. Diego Valencia, cedida por el mismo Luthier. No se declarará ningún premio desierto. Cualquier aclaración, dirigirse al director artístico y organizador del Concurso y Festival a los correos electrónicos del Mtro. Edwin Guevara Gutiérrez del punto 2 de las condiciones de inscripción o al teléfono celular 3132375529. ORGANIZA: UNIVERSIDAD PEDAGÓGICA NACIONAL. FACULTAD DE BELLAS ARTES. DEPARTAMENTO DE MÚSICA. Mtro. Carlos Dueñas. Decano Facultad de Bellas Artes. Mtro. Omar Beltrán Ruiz. Director Departamento de Música. Mtro. Edwin Guevara Gutiérrez. Coordinador Área de Guitarra e Instrumentos de Cuerda Pulsada. Director Artístico del Concurso y Festival de Guitarra UPN. Mtro. Jaime Arias Obregón. Profesor de Guitarra UPN. Mtra. María Cristina Ortiz. Profesora de Guitarra UPN. Mtro. Jorge Vargas. Profesor de Guitarra UPN.




PREMIO NACIONAL DE POESÍAPORFIRIO BARBA JACOB CIUDAD DE ENVIGADO

Apartes del ACTA DEL JURADO V Edición 2011 En OTRAPARTE, el día 30 de mayo de 2011, se reúnen los poetas MARIA CECILIA MUÑOZ, CLAUDIA TRUJILLO y EDGAR TREJOS, jurados de la V edición del Premio Nacional de Poesía Barba Jacob Ciudad de Envigado, con el fin de deliberar sobre la evaluación de las obras poéticas envidas al concurso para el dictamen requerido por el certamen literario. Realizada las consideraciones de rigor en torno a la escritura poética y tenidas en cuenta premisas puntuales –unidad semántica y conceptual, proyección significativa, ritmo poético, logros formales, riqueza expresiva de los versos, propuesta innovadora, trascendencia y universalidad, concreción de lo poético en los poemas- en el total de 103 obras presentadas, culmina centrada la deliberación apreciativa en los siguientes poemarios para los cuales el jurado determina el siguiente veredicto: Obra ganadora, el poemario “El tiempo Líquido de las Mariposas” firmada por el poeta Alirio Quimbayo Durán, de Ibagué. Y una mención: 1 mención especial: para el poemario “Lecciones de Monsier Prevert”, firmado por el poeta Julio César Correa Díaz, de Manizales. POEMAS DE “El TIEMPO LÍQUIDO DE LAS MARIPOSAS” -Alirio Quimbayo Durán NACIMIENTO No alargues la mano contra tu gusano prójimo; déjalo tejer su sueño en las hojas del roble. Quizás tú habites su capullo y él esté velando tu nacimiento, tu confundida especie de la nada, tu premura por ser luz y alas. UNA SOGA NOS TRAE AL MUNDO Una soga nos trae al mundo atados para siempre a nuestro destino. Llegamos como lluvia a desempacar maletas de llanto; descendemos de la oscuridad a la inmensidad de otra noche y a veces nos perdemos en la claridad del día. Somos ancla de una nave extraña, quizás piedra vencida en el camino o recuerdo anudado al cuello de otro desterrado en el patíbulo. Una soga nos trae al mundo. DONDE ANIDAN LOS CREPÚSCULOS De repente, los crepúsculos abandonan el tejido de viento y plumas, de trinos y lluvia; donde manos invisibles hicieron con arcilla los ojos de las montañas. Vuelan tras el rastro de Ícaro como perros de caza; olfatean los arreboles, muerden los relámpagos hasta que el mar se llena de vacilaciones cuando la noche enciende pequeñas fogatas. LAS GRAFÍAS SAGRADAS DE LOS FELINOS En un segundo el aire se hizo pluma y canto, fatiga y destino junto a las espadas del día que cuenta sus girasoles. En la pupila acecha el asombro de la grafía de los felinos; sus trazos nuevos en el cuello de las cebras y en el rugido del mar contra las rocas escriben los tigres en la arena sus palabras cuando la sangre sobre la nieve brota como los ojos de la muerte anunciada.




El Colón, en aprietos

La restauración del Teatro Colón ha generado controversia entre los especialistas. ¿Qué va a ser del escenario más tradicional del país? Por Emilio Sanmiguel. La historia comienza en 2006, cuando Elvira Cuervo de Jaramilllo estaba al frente del Ministerio de Cultura. Ese año se presentó una propuesta de restauración ante el evidente deterioro del escenario del Colón. "Presentaba graves daños en la cubierta y problemas de manejo por la antigüedad y obsolescencia de sus equipos -recuerda Cuervo-. El proyecto tenía un valor de diez mil millones de pesos. La propuesta fue estudiada y aprobada por el Consejo de Monumentos. Para dirigir la obra, me puse en contacto con el arquitecto colombiano Carlos Proenza, experto en el tema y director técnico del Teatro Châtelet de París, quien aceptó mi propuesta. Después, me retiré del Ministerio y todo se modificó". El tema se retomó en 2008. Para abril de ese año, en SEMANA yo denunciaba que estaba en ciernes un caso más de ineficiencia, incompetencia e improvisación estatal. Fue entonces cuando, contra la lógica, pues no había diseño del escenario, se comenzó con la remodelación y restauración de la sala. Y es que el Ministerio, en cabeza de Paula Marcela Moreno, contaba con 9.613 millones de pesos, pero carecía de un experto en restauración de teatros. Tampoco existían planos del conjunto de predios que posee en la manzana del teatro. Al frente del proyecto -que, según se anunció, estaría terminando para el Bicentenario de la Independencia, en 2010- estaba la entonces directora de Artes del Ministerio, Clarisa Ruiz. En el proceso, Ruiz fue reemplazada por el entrante director de Patrimonio del Ministerio, el arquitecto Juan Luis Isaza, quien, para imprimir un mínimo de rigor profesional, buscó el concurso de los especialistas vinculados en ese momento a la construcción del Teatro Santo Domingo. Llegó el Bicentenario y la prometida reinauguración no ocurrió, pues tras dos años no se concluía la restauración, tampoco los planos del proyecto general y menos aún los del escenario. Entonces, el Ministerio retiró los focos de atención del Colón, lo que fue tarea fácil por el protagonismo que en la vida cultural de Bogotá tomaron el Teatro de Bellas Artes de Cafam y, sobre todo, el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. Al posesionarse como ministra de Cultura del presidente Santos, en agosto de 2010, Mariana Garcés Córdoba, consciente de lo que representa el teatro y su importancia como bien cultural, tomó cartas en el asunto y resolvió someterlo a un escrutinio técnico. Buscó la asesoría de Walter Kottke ING. GMBH, de Alemania, cuya trayectoria incluye las óperas de Berlín y Leipzig, el Burgtheater de Viena y el Teatro Nacional de Múnich, que realizó en marzo pasado una visita de tres días a Bogotá y entregó un breve documento de evaluación y recomendaciones técnicas en el que manifiesta que, en su criterio, encuentra los trabajos planeados y realizados básicamente bien y recomienda demoler las arcadas de ladrillo del escenario, que tradicionalmente han impedido cualquier intento de modernización. Hasta aquí todo es color de rosa, salvo el tradicional retraso de las obras estatales, que, a ojo de buen cubero, van a mitad de camino: faltan el escenario y el plan general, que incluiría un parqueadero. Pero pronto empezaron los rumores sobre asuntos cuando menos polémicos: la elevación de la luneta, la aparición de un atrio sobre la fachada, la 'desaparición' de la antigua silletería y el retiro del gigantesco candelabro de cristal, que era el ornamento más preciado de la sala. Sonaba inverosímil. "Cuando alguien me mostró una vieja foto y me dijo que era conveniente quitar la lámpara colgante para 'volver al original', no pensé que estaba hablando en serio", recuerda el arquitecto Germán Téllez, voz muy respetada en temas de patrimonio. Así, la luneta se elevó y se le dio forma cóncava para optimizar la visual, modificación que no todos creen que fuera necesaria; con fines acústicos, se retiraron las telas que tapizaban el interior de los palcos ("un damasco barato", según el director de Patrimonio) y las cortinas de estos; se hizo un nuevo foso de orquesta en madera a la vista y estilo contemporáneo y el colorido se modificó por 'el original', acciones que pueden ser contradictorias pues si de regresar al original se trataba, ¿para qué modificar la luneta, el foso, las proporciones del hall de acceso y el atrio? Como señala el también autorizado restaurador Álvaro Barrera, quien trabajó en la etapa final de la anterior restauración, "¿la yesería, estucos y elementos que tratan de evocar una época pasada no son una contradicción frente a los cambios anteriores?". Sin embargo, dichos cambios no han desatado tanta reacción como el retiro de la araña central para reemplazarla por la humilde lámpara original en yeso: el verdadero florero de Llorente. Esta se instaló en 1948 por orden de Laureano Gómez, entonces presidente de la República, para ennoblecer el Colón. "La lámpara original iluminaba mal; entonces, se cambió por una araña digna del teatro. Retirarla es un acto de irracionalidad, de extraña maldad, una agresión pública y una manifestación ostentosa de profunda incultura. Indica que tenemos en las oficinas culturales una gente de muy alto riesgo", dijo a SEMANA Enrique Gómez Hurtado, hijo del expresidente. El director de Patrimonio argumenta que se reinstaló la original para proteger la pintura del cielo raso de la sala -que, según un asesor del Ministerio, es "la mejor manifestación de pintura mural (sic) del siglo XIX"- del calor de sus luces (las luminarias de baja temperatura ya existen) y, sobre todo, "porque obstaculizaba la visual de la galería en un 50 por ciento". Un argumento que no termina de convencer. Para Rey, "la línea del horizonte de la galería no está frente al espectador donde está la lámpara, sino en la parte baja del escenario: en nueve años como directora nunca recibí una queja". Álvaro Barrera acotó cómo en la anterior restauración se "respetó la integralidad del monumento y se actualizaron aspectos técnicos de acuerdo con los avances del momento, pero conservando los elementos formales, parte de su historia". Elvira Cuervo de Jaramillo, por su parte, lamenta el retiro de la que ella denomina "la lámpara de Laureano". Germán Téllez complementa: "Al Colón lo han arreglado ya cuatro veces en el siglo XX y una en el XXI. Era de ver que en una de esas la lámpara central iba a ser la víctima de los restauradores". Paradójicamente, las opiniones consultadas contradicen la bandera fundamental de Patrimonio del Ministerio: la originalidad no necesariamente es un atributo. La solución a la controversia suscitada podría ser sencilla: reinstalar cortinas, restaurar y adecuar la magnífica silletería y colgar la araña. El problema es que ya puede ser tarde. El Ministerio, en cumplimiento a una norma, se desprendió de esos bienes con una agilidad que contrasta con el paquidérmico avance de las obras: las sillas fueron repartidas entre las distintas entidades que las solicitaron, y la araña del Colón terminó sus días colgada en la Alcaldía de Arauca. La polémica apenas comienza.




El asesino sí importa Por Luis Fernando Afanador – semana.com

La obra ganadora del Premio de Novela Rómulo Gallegos 2011: una vanguardista novela policial. Ricardo Piglia Tal vez desde Amor perdurable, de Ian McEwan, no tenía esa sensación de fluidez que sentí al empezar a leer Blanco nocturno, de Ricardo Piglia. La lectura avanzaba sin esfuerzo, veloz, como si estuviera caminando por la banda transportadora de un gran aeropuerto. Bueno, así debe ser, se trata de una novela policíaca, es cierto, pero no son muchas las que comienzan de esta manera afortunada: "Tony Durán era un aventurero y un jugador profesional y vio la oportunidad de ganar la apuesta máxima cuando tropezó con las hermanas Belladona. Fue un 'ménage à trois' que escandalizó al pueblo". Un trío amoroso; unas muchachas bellas y malvadas; un pueblo de la pampa; una familia rica y decadente; dinero ilegal; abogado corrupto y crimen anunciado desde las primeras páginas: Tony Durán, por supuesto, el envidiado forastero. No son únicamente esos ingredientes taquilleros: hay un tono irresistible, un narrador mimetizado con la mirada del pueblo -morbosa, voyerista- que recuerda a Una rosa para Emily, de William Faulkner. Y, como si fuera poco, hay también un personaje entrañable, el comisario Croce, quien actúa más por intuición que por deducción. El relato, como los buenos platos, se cocina a fuego lento. Y nos permite seguir pistas falsas, barajar hipótesis, sorprendernos. Tony Durán, al parecer, sí murió por un crimen pasional, pero no el que esperábamos ni a manos de ninguna de las gemelas Belladona -Ada y Sofía-, según se infería del turbulento comienzo. Para retorcer la trama -o para mejorarla-, ha aparecido un sirviente japonés, homosexual, con serios testimonios que lo involucran. Durán, el seductor, habría sido utilizado para llevar ilícitamente, de Estados Unidos a la Argentina, una gruesa suma de dinero. Luca Belladona -lunático, inventor y hermano medio de las gemelas-, necesitaba salvar de los acreedores bancarios una fábrica de prototipos de automóviles, herencia del abuelo, fundador del pueblo. Hasta aquí, el vanguardista y erudito profesor de Literatura de Princeton parecía ofrecernos otra novela tradicional (la primera había sido Plata quemada). Craso error: "Vos lees demasiadas novelas policiales, pibe, si supieras cómo son verdaderamente las cosas… No es cierto que se pueda restablecer el orden, no es cierto que el crimen siempre se resuelve". Ha habido un punto de quiebre. Pasamos de la novela policial a la novela posmoderna -o "ficción paranoica"-, del narrador al teórico, de la diversión a la especulación. Llegó Renzi y mandó a parar. En efecto, Emilio Renzi, el álter ego de Piglia en varias de sus obras, desplaza a Croce en su papel de investigador de un simple crimen y reorienta la narración hacia un terreno filosófico, de género híbrido. Ya los hechos no importan, importan las versiones de los hechos. "¿Qué es la verdad? ¿De qué hablas? Esa pregunta sostiene, implícita, el triste relativismo de una cultura que desconoce la presencia de lo que es cierto". La fábrica deja de producir prototipos de automóviles para convertir en objetos los sueños nocturnos de acuerdo con las categorías de Jung: "Tenía a veces la sensación en sus sueños de que cierta fuerza suprapersonal interfería activamente en forma creativa y llevaba la dirección de un designio secreto y por eso había logrado en los últimos meses construir los objetos de su pensamiento como realidades y no solo como conceptos". Luca Belladona no es más un lunático, es "alguien que había tenido el coraje de estar a la altura de sus sueños". En uno de sus ensayos, Piglia decía que un cuento tiene dos historias: una aparente y otra secreta que le da profundidad. Pues bien, eso es justamente lo que ocurre aquí. La pregunta no es si la segunda historia aquí narrada vale la pena -para mí la vale: él es un lúcido teórico con un gran bagaje literario-, sino, más bien: ¿cuánto le cabe de experimentación a un relato policial? La respuesta ya la dio Borges, el maestro de Piglia, en La muerte y la brújula, un equilibrado relato policíaco y cabalístico. Descubrir al asesino sí importa.

Nuevo socio

Vigías del Patrimonio Compartimos nuestra alegría por la vinculación de un nuevo socio, Felipe Machado Galvis, de Bucaramanga, quien entra a formar

parte de un generoso y especial grupo de amigos que apoyan nuestra gestión. ¡Bienvenido y muchas gracias!




El gigante que se renueva Por: Manuel Dueñas Peluffo – elespectador.com El Circuito de Jazz Colombia 2011, integrado por Ajazzgo de Cali, Barranquijazz, el Festival de Medellín y el Festival del Teatro Libre, comienza actividades con el concierto de este cubano que presenta su nuevo disco, „Chucho‟s Step‟.

Foto: EFE El pianista cubano Chucho Valdés obtuvo un Premio Grammy con ‗Chucho‘s Step‘, su más reciente trabajo musical. Los arreglos eran otros. También la convicción. Aquella versión de Embraceable you, la pieza clásica de George Gershwin, mostraba detalles inéditos, a los que nadie estaba demasiado acostumbrado. La obra de Chucho Valdés, usualmente amplia y altisonante, se volcaba (al menos en esa pieza, al menos en esos silencios) a la intimidad. Acordes hondos, frases delicadas. Bolero. Lirismo. Valdés grabó aquella lectura en Briyumba Palo Congo, un disco que continuaría una trilogía inconsciente, no demasiado deliberada. Aunque Bele Bele en La Habana y New Conceptions (los otros dos discos que conformarían esa trilogía apenas probable, apenas causal) difieren en concepto y estética, algunos principios parecían regirlo todo: la idea de mantener el cuarteto como formato, como punto de partida; la exploración del cancionero popular (y habría que pensar en la singular forma de leer Los Caminos, de Pablo Milanés); la necesidad de asumir el jazz a partir de otros supuestos, de otras postales, de otros caminos no transitados. Tras revolucionarlo todo con Irakere (la banda de los unísonos imposibles, absolutos, infinitos), Valdés buscaba un espacio más personal (y acaso también más privado) con el piano. El cuarteto fue ese lugar, tal vez un poderoso caldo de cultivo. Las ideas que acumuló y desarrolló en esos discos tienen sentido en Chucho‘s Step, el trabajo que el cubano publicó el año pasado y le valió el Grammy como mejor disco de jazz latino. Ya la revista Jazzis había hablado de Irakere como una larga respuesta afrocubana a los Jazz Messengers, la legendaria formación que comandaron el baterista Art Blakey y el pianista Horace Silver, y que funcionó como epítome de un estilo (el hard-bop). Sin embargo, puede que la réplica más nítida, más contundente, sea esta: un cuarteto ampliado con los colores de dos vientos. El propio Valdés ha aceptado que esta formación, que se presentará mañana en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, es una forma de devolver el mensaje que alguna vez le dieron los Messengers: el despliegue de un par de solistas sobre una base rítmica. Y, en todo caso, una forma de saludar la historia, el legado. El cubano sabe también que a lo largo de los años ha creado una escuela, tal como lo hicieron Blakey y Silver. (En ese sentido, es agradable comprobar la presencia del percusionista Yaroldy Abreu y del contrabajista Lázaro Alarcón en el disco, dos músicos que lo han acompañado durante la última década). Valdés se tomó su tiempo antes de grabar (no volvía al estudio con un formato así desde 2002). Chucho‘s Step lo refrenda: por momentos, el disco no se parece a nada de lo anterior. No es que, como suele suceder, el trabajo suene a cosas que el cubano ya ha dicho antes y mejor. Por el contrario, la música es fresca, novedosa, intrigante. En rigor, puede que ése sea el mayor mérito: que el pianista todavía pueda reinventarse, moverse por zonas que no había explorado tan bien antes. Aunque hay referencias claras al pasado (el uso de los tambores batá recuerda muy bien a Jazz Batá, el trío de batás, contrabajo y piano que Valdés tuvo en los 70), una pieza como Yansá nos devuelve muy bien al presente: la riqueza de los patrones rítmicos, la voz maciza y colorida del percusionista Dreiser Durruthy Bambolé cantando en yoruba. Y entonces Chucho Valdés parece lograr lo más difícil: dar la impresión de que todavía tiene nuevas (y mejores) cosas por decir.

Frases sobre música "Ir sin amor por la vida es como ir al combate sin música, como emprender un viaje sin un libro, como ir por el mar sin estrella que nos oriente."

Stendhal (1783-1842), escritor francés. "La arquitectura es una música congelada." Arthur Schopenhauer (1788-1860), filósofo alemán. "La música es una cosa amplia, sin límites, sin fronteras, sin banderas." León Gieco (nacido en 1951), músico, compositor e intérprete argentino. "La música ha sido inventada para confirmar la soledad humana." Lawrence Durrell (1912-1990), escritor británico. "La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo desconocido."

Leonard Bernstein (1918-1990), compositor estadounidense.




Novela inacabada de José Saramago se publicará en 2012 Por: Ana Mendoza / Efe/elespectador.com 'Alabardas, alabardas, espingardas, espingardas' trata sobre la industria del armamento y el tráfico de armas.

Saramago y su esposa Pilar del Río Foto: Agencia EFE El escritor portugués y Premio Nobel de Literatura José Saramago, junto a su esposa, Pilar del Río, en su casa de Lanzarote. El próximo 18 de junio se cumple un año de la muerte de José Saramago y, en estos meses, su viuda, Pilar del Río, ―cómplice‖ del gran novelista, no ha dejado de trabajar por ―el compromiso cívico‖ que ambos compartían. Sus libros le sirven de consuelo, pero ya no están sus denuncias ni sus críticas al poder. ―Echo mucho de menos, como tantos lectores, la palabra de Saramago. Ya no está esa última instancia que era él para tanta gente en la tierra‖, afirmó Pilar del Río, al mismo tiempo que anunció que en 2012 se publicará la novela que el escritor dejó inacabada y en la que trabajaba cuando le sobrevino la muerte. En su casa de Madrid, Del Río comentó que ―serán los editores‖ del premio nobel portugués los que decidirán los detalles del lanzamiento de esa novela, que saldrá en todo el mundo a la vez. Tras publicar ―Caín‖, el escritor empezó una nueva novela sobre la industria del armamento y el tráfico de armas, que había titulado ―Alabardas, alabardas, espingardas, espingardas‖, un verso del gran poeta y dramaturgo luso Gil Vicente. Habrá que esperar a 2012 para que los lectores conozcan cuántos capítulos dejó escritos Saramago, y será Alfaguara el sello que los difunda en los países de habla hispana. Esta semana, Pilar del Río, que hace veinticinco años que comenzó su relación con Saramago, participará en varios actos para recordar la figura del escritor en el primer aniversario de su muerte. El acto central tendrá lugar el sábado, 18 de junio, en Lisboa, donde se depositarán las cenizas del escritor frente al río Tajo y delante de la sede de la Fundación José Saramago, que preside su viuda. Las cenizas, dijo del Río, se enterrarán ―bajo las raíces de un olivo que se ha traído desde Azinhaga, la aldea natal de José‖. Habrá también ―una piedra grande de mármol con la inscripción 'No subió a las estrellas porque pertenecía a la tierra'‖, una frase perteneciente a la novela ―Memorial del convento‖. Este martes en la noche, en la Casa de América de Madrid, habrá una lectura dramatizada titulada ―Voces de mujer en la obra de Saramago‖. Participarán la propia Del Río y las actrices españolas Aitana Sánchez Gijón, Pilar Bardem y Pastora Vega, junto a la bailaora María Pagés. Como presidenta de la Fundación y, ―sobre todo, como cómplice de Saramago y militante en el mismo cuerpo de ideas‖, la viuda del escritor ha procurado ―mantener y respetar‖ la posición que él defendía como ciudadano y como intelectual. ―No podemos pasar la responsabilidad a otros. No van a ser las cúpulas de poderosos las que nos van a solucionar la vida y a resolver los problemas‖, aseguró Del Río, que tuvo que contener la emoción en varios momentos de la entrevista. ―Somos los ciudadanos los que debemos tener coraje, salir a la calle, gritar, desmantelar, construir. Ese era el proyecto de Saramago, pero también es el mío‖, afirmó. Pilar del Río se reúne este martes con una representación del movimiento 15-M para ―mostrarles el consuelo‖ que pueden encontrar en los libros de Saramago, que son también ―una forma de estar en la vida‖. La voz de Saramago parece escucharse en la casa que el novelista y su mujer tenían en Lanzarote, que se abrió al público hace tres meses y que con el tiempo se convertirá ―en una visita obligada para lectores de todo el mundo‖, señaló Del Río. Entre esas paredes ―se percibe la vida de Saramago, se ven sus libros y dónde escribió las últimas novelas. La gente sale llorando de emoción‖, aseguró.




Jorge Luis Borges en 25 frases Semana.com

El martes 14 de junio se conmemoró el 25º aniversario de la muerte del escritor argentino Jorge Luis Borges (Buenos Aires, 1899 - Ginebra, 1986), uno de los más célebres autores de la literatura del siglo XX. Amante de la filosofía, la teología, la matemática o la mitología, de su pluma salió una ingente producción literaria compuesta por cuentos, poemas y ensayos. BBC Mundo le presenta una selección de algunas de las frases más célebres que se le atribuyen al autor de obras capitales como Ficciones (1944), El Aleph (1949) o El Informe de Brodie (1970). "Uno llega a ser grande por lo que lee y no por lo que escribe" "Hay que tener cuidado al elegir a los enemigos porque uno termina pareciéndose a ellos" "He cometido el peor pecado que un hombre puede cometer. No he sido feliz" "Uno está enamorado cuando se da cuenta de que otra persona es única" "Siempre he sentido que hay algo en Buenos Aires que me gusta. Me gusta tanto que no me gusta que le guste a otras personas. Es un amor así, celoso" "Que cada hombre construya su propia catedral. ¿Para qué vivir de obras de arte ajenas y antiguas?" "Quienes dicen que el arte no debe propagar doctrinas suelen referirse a doctrinas contrarias a las suyas" "El infierno y el paraíso me parecen desproporcionados. Los actos de los hombres no merecen tanto" "Hay comunistas que sostienen que ser anticomunista es ser fascista. Esto es tan incomprensible como decir que no ser católico es ser mormón" "La belleza es ese misterio hermoso que no descifran ni la psicología ni la retórica" "La Universidad debiera insistirnos en lo antiguo y en lo ajeno. Si insiste en lo propio y lo contemporáneo, la Universidad es inútil, porque está ampliando una función que ya cumple la prensa" "Yo no hablo de venganzas ni perdones, el olvido es la única venganza y el único perdón" "¿De qué otra forma se puede amenazar que no sea de muerte? Lo interesante, lo original, sería que alguien lo amenace a uno con la inmortalidad" "Yo siempre seré el futuro Nobel. Debe ser una tradición escandinava " "Somos nuestra memoria, somos ese quimérico museo de formas inconstantes, ese montón de espejos rotos" "Me gustaría ser valiente. Mi dentista asegura que no lo soy" "Para el argentino, la amistad es una pasión y la policía una mafia" "Todas las palabras fueron alguna vez un neologismo" "La felicidad no necesita ser transmutada en belleza, pero la desventura sí" "Yo creo que habría que inventar un juego en el que nadie ganara" "Si de algo soy rico es de perplejidades y no de certezas" "Que otros se jacten de las páginas que han escrito; a mí me enorgullecen las que he leído" "Todas las teorías son legítimas y ninguna tiene importancia. Lo que importa es lo que se hace con ellas " "Sólo aquello que se ha ido es lo que nos pertenece" "Creo que con el tiempo mereceremos no tener gobiernos"




Zaha Hadid, la arquitecta de lo imposible Cromos.com.co Museos, teatros y oficinas llevan su sello en el mundo y hasta podría dejar su huella en Colombia, en un centro de convenciones de Bogotá.

Nació y se crió en Bagdad, Irak, pero estudió en Londres. Su estilo y prestigio son tales que es una de las mujeres más influyentes del mundo, no

Sus críticos le dicen diva y ella les responde: ―¿Me llamarían diva si fuera un hombre?‖. Una respuesta que la arquitecta Zaha Hadid les da a quienes la ven solo como la mujer de temperamento fuerte en un mundo que ha estado dominado por hombres y en el que ella se ha abierto camino con un trabajo que podría resumirse en una palabra: audaz. Ella no es una mujer ni una arquitecta tradicional. Nació en Bagdad pero fue criada en una sociedad liberal en el tiempo en que Irak era más parecido a Occidente. Hija de un político fundador del Partido Nacional Democrático Iraquí, fue criada entre Suiza e Irak por monjas francesas y al mismo tiempo en un ambiente intelectual. Esta mezcla particular le dio a Zaha razones para ser arquitecta, profesión que en el Medio Oriente no tenía espacio para las mujeres. Quizás por eso estudió primero matemáticas en la Universidad Americana de Beirut y luego se fue, en 1972, a la Architectural Association School de Londres, un espacio donde la libertad imaginativa era la base. Zaha encajó perfectamente y allí empezó a forjar un estilo bajo la tutoría de Rem Koolhaas, hoy uno de los arquitectos más influyentes del mundo, quien la definió entonces como ―un planeta en su propia órbita inimitable‖. El planeta Hadid no se detuvo y empezó a dejar huella con propuestas de edificios que parecían inconstruibles. Su estilo se enmarcó dentro de la arquitectura neo-modernista, con diseños que parecían desafiar la geometría. Por algo ha dicho: ―Si hay 360 grados, no hay razón para restringirme a uno solo‖. De hecho, esta es una de las pocas frases que se conocen de esta mujer cuya personalidad tiene algo de misteriosa y, sobre todo, de percepciones disímiles. Los adjetivos son variados: cálida, amable, rebelde, atrevida, difícil, estricta, y otros que la han llevado a ser ―la más odiada arquitecta de Inglaterra‖. También, claro, hay adulaciones que se resumen en un apelativo que la define a la perfección: ―militante vanguardista‖. Pero críticas y elogios no la afectan. Ella mantiene un temperamento enérgico que no disimula ni siquiera con sus c lientes. ―Zaha simplemente no se comporta como otras personas esperan‖, han dicho algunos para justificar su carácter. El mismo que oculta su vida privada de tal manera que apenas se sabe que es una mujer soltera y sin hijos que vive solo por la arquitectura. ―Si no te mata entonces no eres bueno. Tienes que meterte de tiempo completo, no puedes afrontarla yendo y viniendo‖, ha dicho sobre su pasión por el oficio. Por eso para hablar de Zaha Hadid hay que hacerlo a través de su obra, un trabajo monumental que según ella salió de la influencia de arquitectos como Erich Mendelsohn, Mies van der Rohe y Le Corbusier. De ahí surgieron ideas fascinantes que en un comienzo parecían más decepciones que realidad. Le ocurrió en 1982, cuando les ganó a 600 colegas para construir The Peak, un spa de lujo en Hong Kong que nunca se hizo. Lo mismo sucedió con un edificio de oficinas en la famosa calle Kurfürstendamm de Berlín, un centro cultural en Düsseldorf y la Ópera de Cardiff, en Gales, que al final se construyó con otros diseños más conservadores. De ahí que Hadid fuera conocida como ―arquitecta de papel‖. De alguna manera era cierto, pues ella no usa computadores para diseñar sino dibujos que a veces se convierten en pinturas. En 1989 demostró que sus formas podían ser realidad con la estación de bomberos de Vitra, en Weil am Rhein (Alemania). Después hizo en Berlín un edificio de apartamentos y el Mind zone, el espacio de exhibición del Millennium Dome de Londres. Trabajos con los que mostró su interés de crear una arquitectura de espacios interconectados y de aspecto escultural. Pero solo en el año 2000 consolidó su reputación y calló a quienes decían que sus edificios no se podían construir. Ese año comenzó el Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, el primer museo estadounidense hecho por una mujer. Hadid creó un edificio compuesto por cubos superpuestos que contradecían la noción de museo, con escaleras en zigzag y galerías alargadas. Inaugurado en 2003, el museo fue descrito por The New York Times como ―el edificio más importante construido en Estados Unidos después de la Guerra fría‖. Para los expertos, el estilo de Zaha Hadid rompe lo formal y redefine las viejas reglas del manejo del espacio. ―Es una arquitecta que crea formas angulares y entrelazadas que parecen balancearse, con espacios abiertos que establecen muchas posibilidades y dan la sensación de movimiento. A primera vista hay una perspectiva, pero en realidad son varias; y no hay una sola forma geométrica sino fragmentos de muchas‖. Por eso ha sido llamada ―deconstructivista‖. Y aunque ella no se afilia a movimientos ni se compromete con ideas o corrientes, entró al selecto círculo de arquitectos cobijados por el mismo término desde que el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizara una exposición en 1988 con sus trabajos, junto con los de nombres tan importantes como el de Frank Gehry, Daniel Libeskind, Rem Koolhaas, Peter Eisenman, Bernard Tschumi y del estudio austríaco Coop Himmelb(l)au. Todos responsables de nuevos iconos de la arquitectura mundial. En 2004 ganó el premio Pritzker, considerado el Nobel de la Arquitectura. Era la primera mujer en obtener esta distinción. ―Comencé creando edificios que brillarían como joyas solitarias. Ahora quiero formar una nueva clase de paisaje que crezca junto con las ciudades contemporáneas y la vida de sus habitantes‖. Sus próximos proyectos están en Abu Dabi, Estados Unidos y Rusia. Sin ir más lejos, el próximo año dejará su sello en el Centro Acuático de los Juegos Olímpicos de Londres. Incluso en Colombia podría haber un edificio suyo si la propuesta de Zaha Hadid Architects y Juan Manuel Peláez Freidel, de Medellín, es elegida para diseñar el Centro Internacional de Convenciones de Bogotá. Zaha Hadid sigue en su órbita y no se detendrá. Sus edificios dan testimonio de su imaginación, y de cierta excentricidad, aunque se resista a aceptar que sea locura. Tal vez todo se resuma en una de su teorías: ―Yo t

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Oriol Caro: Un tiple que evoca imágenes: (+ 57) 315 391 6090

Luego de componer la música para la premiada película colombiana “Los colores de la montaña”, el tiplista Oriol Caro presenta un nuevo disco, donde se expanden las posibilidades expresivas de este instrumento tan colombiano.

Oriol Caro acaba de lanzar Tiple colombiano solista, un disco que escapa de lo convencional en las grabaciones de música andina colombiana. En primer lugar, son pocos los momentos en que el tiple tiene un papel protagónico. En segundo lugar, casi no hay grabaciones de tiple que exploren géneros más allá del bambuco. Tiple colombiano solista presenta varios bambucos, un torbellino y una guabina, pero también explora los lenguajes de la balada rock, el samba brasileño, el tango argentino y el blues norteamericano. Además hay una pequeña pieza llamada ―El jardín‖, más etérea, que recuerda sus inspiraciones para la banda sonora de la película Los colores de la montaña. “Son obras compuestas para el tiple y desde el tiple”, dice Oriol Caro. Ex-integrante del Trío Colombita, Oriol Caro es hoy uno de los intérpretes del tiple más destacados en Colombia. Sus videos suman más de 20 mil visitas en Youtube y su nombre aparece en Wikipedia como uno de los continuadores del legado del maestro Gonzalo Hernández, ―precursor de la modalidad solista del tiple autónomo‖. CONTACTO: [email protected] celular 315 3916090

Miguel Mateos: 30 años de éxitos y como si el tiempo no pasara

Foto: Archivo Particular El arista, considerado 'El jefe del rock en español', hablo desde su país en exclusiva con EL TIEMPO acerca de su último trabajo titulado 'Primera fila', un emotivo concierto con sus éxitos y canciones inéditas. Desde aquella visita del Grupo Queen a Buenos Aires (Argentina), en 1981, cuando Miguel Mateos inició su carrera apareciendo como telonero con su banda 'Zas', el considerado por la crítica como 'El Jefe del Rock en español' no ha parado de cosechar éxitos. En 2011, y con tantos logros, pareciera que se avecina su retiro, pero reaparece como si el tiempo no hubiera pasado. En alta definición, con un sonido perfecto que haría retumbar cualquier sistema audio, Mateos les regala a sus seguidores de antaño y a una nueva generación de ellos 'Primera Fila', su nuevo trabajo musical que además es el primero que se edita en Blueray en toda América Latina. Y lo hace con la misma energía de siempre, con una recopilación de sus éxitos que el mismo cataloga como antológica porque le permite presentar el repertorio de sus inicios en épocas difíciles en el que criticaba a los gobiernos y la que vino después que lo puso en la palestra internacional y lo convirtió en el icono que es hoy.





Periodismo de largo aliento

La vida bien contada Por: Isabella Portilla – elespectador.com Sensibilidad. Nostalgia. Heroísmo. „Cromos‟ ha contado la historia de Colombia durante 95 años. Para su aniversario celebra con un reconocimiento a lo más inquietante y bello del país.

Foto: Archivo

La primera portada de 'Cromos', en 1916. Cromos y su historia Nació culta, elegante, glamurosa. Parecía europea. Sus padres, Miguel Santiago Valencia y Abelardo Arboleda la concibieron como un semanario de actualidad colombiana dedicado al vivir nacional y extranjero. Querían que fuera cautivadora, coqueta, provocativa. Y lo consiguieron. Lo supieron desde el día de su nacimiento, el 15 de enero de 1916, cuando a las 4 de la tarde les informaron que los 2.500 ejemplares impresos en Bogotá ya se habían agotado. Entonces el público tuvo en sus manos una miscelánea hecha revista. Dieciocho páginas, dieciséis grabados, cuatro crónicas, un cuento y un verso. Una mezcla de heterogéneos temas unidos por un mismo interés: atraer la atención del lector, seducirlo, amenizarle su lectura al tiempo que lo informaba acerca del movimiento político, científico, artístico y social del país. Lo más notable e interesante del acontecer mundial también tenía espacio en sus páginas, sus reporteros contaban con un periscopio de alcance amplio y lejano, por lo que no importaba qué tan profundo estuviera el submarino en el que navegaran. Por eso, con el carácter ameno y cuidadoso y sin ser acartonada ni ligera, registró hechos como la elección presidencial de John F. Kennedy, en 1960, y la boda de Lady Di y el príncipe Carlos, en 1981. En sus primeros años la revista tenía una oficina destinada exclusivamente al envío de fotografías de los personajes más relevantes del mundo de las artes, las ciencias y las letras, así que celebridades como Coco Chanel, Charles Chaplin y Julio Cortázar formaban parte de la actualidad ilustrada. En las portadas se engalanaban las pinturas de artistas colombianos y europeos, que fueron realizadas inicialmente por Coriolano Leudo, El Piropo. Numerosas fotografías e ilustraciones de los más importantes artistas colombianos reposaban, emotivas, edición tras edición. Ómar Rayo, Eduardo Ramírez Villamizar, Édgar Negret, Marta Traba: lo más destacado de la plástica y la pintura en Colombia era protagonista en Cromos. La revista tuvo el placer de albergar plumas potentes. Gabriel García Márquez fue su corresponsal en distintos países europeos, desde donde escribió historias conmovedoras y sensibles que perduraron en las mentes de los lectores. Una de sus más recordadas crónicas fue la publicada entre julio y octubre de 1959 en la que Gabo relata sus 90 días en la Cortina de Hierro. Gonzalo Arango, el fundador del nadaísmo, ―el profeta‖, desarrolló gran parte de su rol periodístico en Cromos. Reportajes, crónicas y su incisiva columna ―Última página‖ formaron parte de un repertorio extenso que los lectores supieron agradecer. ―Ximénez‖, el gran cronista judicial del primer medio siglo XX, compuso una serie de relatos en los que mezclaba realidad y ficción que fueron publicados en seis entregas por Cromos: ―El misterioso caso de Herman Winter‖, considerada por Juan José Hoyos como la primera novela policiaca colombiana. Juan Gossaín, Margarita Vidal y Juan Gustavo Cobo Borda, entre otras exquisitas plumas colombianas, también sublimaron tinta y alma para el semanario. La bienal de aniversario Para conmemorar estos 95 años, el equipo de la revista quiso organizar una bienal de la mano de unos curadores de lujo. Por eso invitaron al fotógrafo Carlos Duque para que escogiera, a través de un concepto sensible y crítico, las 95 fotografías más impactantes que la revista ha publicado en toda su historia. Las mejores postales. A Héctor Abad Faciolince le pidieron que extrajera los trece relatos más representativos de todos estos años, que enmarcan las diferentes etapas de Cromos. Los textos memorables van desde ―A punta de trompo‖, hasta un relato pormenorizado de cómo Luz Marina Zuluaga se convirtió en Miss Universo en 1959 contado por ella misma a la mañana siguiente de su coronación. Alberto Casas Santamaría fue el encargado de elegir los 95 personajes Cromos, cuyo carácter está guiado por el liderazgo y el nivel de relevancia que han tenido para el país. Édgar Rentería, Luis Carlos Galán, Doris Salcedo y Lucho Herrera son tan sólo cuatro muestras. Y como esta es una revista de monos, como lo sugirió desde su fundación el médico Martín Camacho, al ver la revista tan llena de ilustraciones y dibujos a color, la cuota de la caricatura va por cuenta de Diego Herrera, Yayo, el responsable de divertir a los lectores de esta edición de lujo con dibujos de Pepón, Barti y Antonio Caballero. Vanguardista y refinada, Cromos fue pionera y visionaria de la importancia de la moda en el diario vivir, por eso también podrá verse un especial de moda, porque como en antaño, citando a sus fundadores, ―Cromos es una lectura obligada para las damas‖. Los lectores tendrán entonces en esta edición un recorrido desde la sección Elegancias, en donde se mostraban las últimas tendencias de las pasarelas europeas de los 20, 30, y 40, que llegaban a través de los corresponsales parisinos a la imprenta de la revista, hasta las últimas tendencias de creaciones y diseñadores que han influenciado la moda colombiana en los años recientes. Y para rematar, apelando a la emoción, un listado de reconocidos periodistas contará por medio de sus vivencias lo que para ellos ha significado la revista que ha retratado, con emoción y compromiso, la historia de Colombia.

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Conciencia ambiental en los más pequeños Por: Redacción Cultura – elespectador.com Con su cuento El Coclí, un niño de Zarzal, Valle, fue el feliz ganador del concurso infantil de cuento “Alrededor del Mundo”. Con su cuento El Coclí, Jaime Alberto Mena Sepúlveda, de Zarzal, Valle del Cauca, fue el feliz ganador del concurso ―Alrededor del Mundo‖. El certamen - promovido por la multinacional Proactiva Medio Ambiente- busca sensibilizar a niños de toda Latinoamérica, entre los 8 y 11 años, en temas ambientales. Este año en Colombia participaron niños de San Andrés, Valle del Cauca, Cúcuta, Tunja y Bucaramanga. El tema: la biodiversidad en mi entorno. El segundo y el tercer lugar fueron para Jhohan Stiven Sinisterra Sanchez y Brayan Enrique Pacheco Parra, respectivamente. El Coclí, ilustrado por las manos del niño de 10 años, hace alusión al ave que sobrevolaba el Valle del Cauca, antes de que este se convirtiera en un manto de caña de azúcar. La vegetación arrasada por los cultivos, albergaba a cientos de coclíes que se alimentaban de insectos y lombrices. En el relato, la voz del pequeño Jaime Alberto se levanta para denunciar que en el pasado, en estación del tren de Zarzal, las aves se vendían como carne de gallina, y que actualmente bandadas de coclíes se encuentran en cautiverio en la hacienda del concejal Abadía, en Vallejuelo. ―Mi lema es: No más zarzaleños como coclí, sino zarzaleños cuidan coclíes. Porque zarzaleño que se respe quiere y protege al coclí‖, proclama el niño. Como premio, Jaime y otros niños ganadores viajaron a Brasil. São Paulo y Foz do Iguaçu fueron los destinos que durante cinco días tuvieron la oportunidad de recorrer y explorar. Todos los años, Proactiva patrocina viajes a distintas ciudades del mundo con el fin de difundir su campaña educativa y celebrar el compromiso de todos con el medio ambiente. PRIMER LUGAR El Coclí El coclí es un ave típica de mi municipio Zarzal, es considerada un emblema o mascoa municipal el cual por ser tan sabrosa se han visto en extinción porque se vendía por gallina en la estación de mi pueblo. El coclí es un ave de tamaño mediano de color negro con beige de plumaje grueso es hermosa y la escogí porque durante muchas de´cadas fue orgullo de mi municipio pero personas irresponsables ayudaron a extinguirla y no a protegerla. Ahora he identificado con ayuda de mi familia varias bandadas de cocíues en cautiverio en la hacienda del concejal Abadía en Vallejuelo los cuales se están repoduciendo en las altas palmas del palmiche, también hemos visto varias crías en inmediaciones de cumba y paila arriba. Es posible protegerla creando concienca en la comunidad acerca de nuesta ave emblema, informando a hacendados sobre la importancia del coclí, colocar en la vía limones – Vallejuela mini pankartas en lámina alusivas al coclí, prohibiendo su caza y comercialización y el cauchereo de estas aves, invitando a los hacendados a dejarlos apocentar en grandes árboles ya que están reproduciendo nuevamente. Estos coclíes ayudan al ecosistema como consumidores de artrópodos, (mariposas, escorpiones etc), semillas contribuyendo así a la ecología de mi Zarzal y al orgullo como mascota municipal. Mi lema será ―NO MAS ZARZALEÑOS COME COCLÍ, SINO ZARZALEÑOS CUIDAN COCLIES‖. Porque zarzaleño que se respete quiere y protee al coclí. Estoy seguro que dentro de muy poco estas crías abundarán en nuestros campos sinq ue corran nuevamente peligro como he logrado que las iguanas del parque Santander de Zarzal bajen a almorzar a diario les llevo (frutas) sin que los niños las maltraten como hacían meses atrás. Jaime Alberto Mena Sepúlveda – Zarzal, Valle del Cauca. (10 años). SEGUNDO LUGAR Las mariposas Las mariposas pueden enfrentar un extinción dramática por culpa del aumento de temperatura debido al calentamiento global. Las mariposas migran al note norte cuando la temperatura aumento esto hacen buscando climas frescos pero la destrucción de su hábitat debido a la desforestación podrían detener la migración, y por ende atarlos a un clima que no les es favorable. El problema para las mariposas es que los pasos que tiene que dar para poder migrar pueden ser muy grandes. Tal vez algunas mariposas lleguen al norte como a veces algunas logran cruzar el atlántico pero no serán suficientes para reproducirse y tener una descendencia tan numerosa que les permita prosperar como especie. Pero si su hábitat se sigue degradando tendrán menos posibilidades todavía, apenas unos pocos grados de temperatura podrían matar a las mariposas que no pueden emigrar. Las mariposas son hermosos insectos que embellecían nuestra naturaleza, yo las he dibujado porque quiero rescatar su especie hay muchas clases de mariposas que ya se están extinguiendo. Yo quiero conocer mas sobre las mariposas pues me parecen maravillosamente hermosas con sus diversos colores, yo quiero seguir soñando. Yo pienso que si hubiera mas flores en los campos las mariposas vendrían nuevamente a adornar nuestro paisaje nuevamente. En la cuidad ya es muy poco lo que se ven por la contaminación se están muriendo aunque hay agua, plantas y flores ya no es igual por que con los venenos que se utilizan para fumigar los cultivos las estamos matando y así a su vez las estamos extinguiendo. También quiero rescatarlas por que mis padres me han contado que cuando ellos eran niños las mariposas abundaban y ellos podían jugar con ellas, cuentan que se veían por los campos florecidos, volando en gran cantidad y quiero saber que se siente verlas volar por los campos o en los jardines donde hallan muchas flores si esto sucediera seria el niño mas feliz del mundo. Me gustan mucho sus colores pues al verlas volar se imagina uno cual gratos deben ser sus aromas, es asombroso saber que de un gusanito muy pequeño salga una mariposa tan hermosa es ver ese cambio de su metamorfosis.




CUMPLE SIGLO FELIZ No conozco aún a ninguna Norte santandereana o N. santandereano que retozando o trabajando en su pueblo o en cualquiera de las capitales del departamento o el país en general, escuche sin emocionarse y casi sin ponerse firme el himno cultural del Norte, y evidentemente, se sabe que fuera del país, por muy machitas o machitos, a Coicos, Cucuteños, Ocañeros y demás, les brota emocionada esa gotica salada que habla, mejilla abajo, de la profunda identidad y sensibilidad de nosotros los rio Pamplonitenses. Si, Doña Elisa Ramírez Matamoros, esa distinguida y hermosa dama Cucuteña, se hubiera dedicado, dentro de las lides femeninas tan válidas y creativas, a proveer un poco más de sufrimientos amorosos a Don José Elías Mauricio Soto Uribe, y a hacer para Él, aún más difícil el camino de acceso a su corazón, seguramente hoy estaríamos celebrando el cumpleaños de muchos más éxitos musicales. En 1894, en el tradicional parque Santander de La Perla del Norte, se sucedió el estreno del bambuco dedicado a la novia del compositor, interpretado por la banda PROGRESO, fundada por los Maestros Marcos Soto Uribe, y su hermano José Elías Mauricio. Cuentan los historiadores1 que esa noche el ―gentío‖ desbordado en presencia y emoción, al escuchar la majestuosa partitura que contenía la súplica amorosa que el poeta del pentagrama hacía a su elegida, manifestó efusivamente como una premonición que ese excepcional bambuco nacido en Cúcuta, sería por especial, bello y popular, número obligado de serenatas, actos, toques, retretas y ―todo lo relacionado con el mundo musical‖, pues lograba recoger ese espíritu Norte Santandereano sencillo pero profundo, evocador y romántico, y, lleno naturalmente de significancia regional pues qué otro símbolo como nuestro río Pamplonita puede, aún en nuestros días, ser tan típico y tan propio. La historia de esta composición es especial en cuanto que pasó por dos etapas que la modificaron sustancialmente, una, la primera, que tuvo que cambiar de nombre, a pedido de la recipiendaria inspiradora, la señora Elisa, quien seguramente previendo el éxito de la composición le pido a su amado cambiar el nombre del bambuco que inicialmente se denominó SEÑORA COLOMBIA, por LAS BRISAS DEL PAMPLONITA, y la otra modificación, la aparición de la letra, que el ancestral Irlandés, de origen Venezolano y cucuteño de nacimiento, el pluricultural poeta, militar y combatiente de Palonegro,2 Maestro ROBERTO POLICARPO DE JESUS IRWIN VALE, preso también de las cuitas de amor de una Pamplonesa, Doña Alcira Hernández, llevó donde su compañero de bohemia y tertulia, para entregar en texto su inspiración, que gracias a la habilidad del poeta, encajó perfecto en el panorama musical de las brisas, que hasta hoy, comparte 117 años de éxito El patrimonio en artes, en amigos y en paz, es todo cuanto en realidad tenemos los seres humanos, y es y debe ser para construcción de una mejor sociedad, por encima de todo, el sueño a materializar en el ejercicio de nuestra educación y formación de juventudes. El ejemplo es colosal, ciento diecisiete años sonando en el oído musical del mundo hacen a los Maestros Soto Uribe, e Irwing Vale, testimonio vivo de lo que quiero decir. Esta es la excepcional Banda Progreso, que estrenara para la gloria de Colombia, las Brisas del Pamplonita.3

Elías M. Soto, primer cornetín; Pedro Moros, segundo cornetín; Marcos Girón y Paulino Ramírez, bombardas; Víctor Merchán, trombón cantante; Julio Fontiveros, primer clarinete; Valentín Lindarte, segundo clarinete; Hernán Cortés, trombón bajo; Saturnino Cortés, primer flautín; Marcos Romero y Alberto Rojas, bajos; Pedro Tobías Vega, clarinete requinto; Simón Parada (El Chato), bombo y Jesús Ramírez, platillos. 1. Rafael Darío Santa Fe. Investigador del Folclor Norte Santandereano 2. Eliseo Moreno Contreras. Músico y Docente. 3. Foto Diario La Opinión, Cúcuta, 19 de Junio de 2011. Carlos Luis Ibáñez Torres Garabatos sobre educación




Golpeada y hundida, la ortografía mutó a la horror-grafía Por: Diego A. Santos – Editor Jefe eltiempo.com En algún lugar de La Mancha, se respetaba y promovía la buena ortografía. Los dictados eran frecuentes. Los profesores bajaban las calificaciones en los exámenes donde hubiera palabras mal escritas. Del colegio, los alumnos se graduaban con una ortografía más que decente y aquellos que se aventuraban a las carreras de letras, presumían del buen uso del idioma. Para trabajar en un diario, la ortografía del periodista debía ser impecable. Pero eso era ayer. Hoy es vergonzoso. Mañana será 'dzastroso'*. Los resultados de las pruebas de ortografía de los universitarios que quieren hacer sus prácticas en algún medio de comunicación son desoladores. Sobre un máximo puntaje de 50, el promedio de las notas ronda entre los 20 y 23 puntos. Por debajo de 20 es común y ver un 26 o 27 es motivo para celebrar. Y así estamos. Entre idiosincracia o idiosincrasia, la mayoría se identifica con la primera. Ante la opción de avalanzó o abalanzó, se abalanzan sobre la escrita con v. A escoger entre decisión o desisión, se deciden por la segunda. Un "a ver" o "haber" genera tanta confusión como el rojo y el verde a un daltónico. Y no faltan los que no se dan cuenta de uno de los horrores más grandes que contiene una prueba con fallos que deben ser corregidos. Después de la pregunta cómo estás, la respuesta dice "hay voy". Muchos la dejan así. Deberían tacharla y poner "ahí voy". Los defensores del español se han convertido en hidalgos quijotes. Ver a los correctores de estilo o editores luchando contra la mala ortografía es como contemplar, con una mezcla de nostalgia y ternura, al célebre héroe de Cervantes galopar contra los molinos de viento. Ya todos sabemos cómo acabó eso. El acelerado desmoronamiento de la buena ortografía es culpa de todos, pero los colegios son los que cargan con la mayor responsabilidad. ¿Con qué rigurosidad enseñan los profesores? ¿Por qué se gradúan los estudiantes que atropellan permanentemente el idioma? ¿Por qué las carreras de comunicación social aceptan a alumnos que no saben escribir bien? ¿Y por qué los medios abren sus puertas a practicantes con ortografía mediocre? Puede que la ortografía, el escribir bien, sea secundario para un matemático, un físico, un banquero o tantos otros profesionales que no requieren del idioma para destacarse. Para ganar plata no importa si el vicepresidente de un banco escribe transacción o transaxión, pero seguro le exigen tener un conocimiento sólido de economía y de mercados. Con los periodistas y escritores, defensores del idioma, debería pasar lo mismo, tendríamos que exigirles un impecable español escrito. Reconforta ver que aún llegan centenares de reclamos por palabras mal escritas. Ello quiere decir que sigue existiendo un mercado que valora y defiende el idioma. De hecho, en Twitter, @tefa_ (#aprendiendoconlatefa) es una permanente correctora de los atropellos que se ven por esa red social. Sin embargo, como les ocurre a tantos otros que luchan por la ortografía, su tono de corrección es a veces tan soberbio, que pareciera que su ejercicio, más que educar, busca una sádica satisfacción de humillar al infractor idiomático. También hay en esa red social unos hashtags (palabras clave) que debaten sobre el idioma, como #AmableRecorderis y #EspañolGourmet. No deben ser los únicos. Pero seamos realistas, cada vez son menos los interesados en este debate. Si ya ni importa que ministros, presidentes del Senado o inclusive ex presidentes maltraten el idioma, qué les vamos a exigir a los futuros comunicadores sociales. *Por si la ironía no era clara, la forma correcta es desastroso. Nota del autor: Este artículo fue sometido a una estricta revisión por parte de los correctores de estilo de EL TIEMPO. Los errores que me detectaron, corregidos ya en el texto, fueron los siguientes: -'Quijote', en el sentido en que se usa en el escrito, es un sustantivo común y debe escribirse en minúsculas. - Es redundante decir "galopar sobre su caballo". - "Gradúan" es con tilde en la 'u', por aquello del hiato. - "... tantas otras profesiones...". Mejor sería decir "tantos otros profesionales" para preservar la unidad de conceptos, impuesta por la sucesión previa. - En las siguientes frases, hay un error común de concordancia, que es el de usar en singular el pronombre 'le' cuando el complemento con el cual se coordina está en plural: "Sin embargo, como le ocurre a tantos otros que luchan por la buena ortografía...". Según la regla de concordancia, debió haberse escrito "... como LES ocurre A TANTOS OTROS...". Lo mismo vale para "... qué le vamos a exigir a los futuros comunicadores". Es "... qué LES vamos a exigir a LOS FUTUROS COMUNICADORES...".

Frases de la música "La música compone los ánimos descompuestos y alivia los trabajos que nacen del espíritu." Miguel de Cervantes (1547-1616), escritor español.

"La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso." Franz Liszt (1811-1886), pianista y compositor húngaro.

"La música es la aritmética de los sonidos, como la óptica es la geometría de la luz." Claude Debussy (1862-1918), compositor francés.




Queridos y dilectos amigos en el arte: Quiero participar la exposición que se desarrolla en el centro cultural CUSTODIO GARCIA ROVIRA en Bucaramanga, la cual es un homenaje y exaltación a la vida y obra. Un abrazo para todos. Carlos González

Murió a los 69 años




Un mítico saxofón Por: Isabella Portilla – elespectador.com Las secuelas de un derrame cerebral sufrido el sábado pasado acabaron con su vida. Se fue el alma de la E Street Band, el amigo de Bruce Springsteen, un hombre verdaderamente grande.

Foto: Agencia Efe

Fotografía de archivo del 30 de junio de 2009 del músico estadounidense Bruce Springsteen junto al saxofonista Clarence Clemons, quien murió a la edad de 69 años tras complicaciones originadas por un derrame cerebral. Tratamientos médicos, varias operaciones craneales y numerosos intentos por devolverle la estabilidad resultaron infructuosos. El lado izquierdo de su cuerpo quedó paralizado, así que sus fans y sus amigos de la E Street Band ya lo sabían. Era grande, sin duda. Lo apodaban ―Big man‖. Medía 1,95 metros y pesaba 122 kilogramos. Nació en Virginia, Estados Unidos. Allí creció oyendo las predicaciones de su padre, un ministro baptista, mientras instruía inconscientemente su oído en música secular. A la edad de nueve años recibió como regalo un objeto que cambiaría para siempre su existencia: un saxofón al que bautizó ―Jerome‖. Sus familiares hicieron todo lo que tuvieron a su alcance para que el niño se formara en música gospel, pero Clarence sentía más placer escuchando a Elvis Presley, King Curtis y a Otis Redding que interpretando himnos cristianos de swing africano y coros salvajes. Entonces, como los artistas que desean consagración, hizo de su arte su mejor compañía. Empezó a tocar en bandas de jazz mientras combinaba sus estudios escolares y se entretenía en su tiempo libre jugando fútbol americano. Clarence se destacó notablemente en el campo de juego, tanto que alcanzó una beca deportiva para estudiar en la Universidad de Maryland, en donde consiguió éxito y reconocimiento dentro del circuito universitario. Pudo haber sido Tom Brady o Lawrence Taylor, pudo alcanzar la gloria con una pelota elipsoide en la mano, pero a su carrera llegó un Time out que lo sacó del juego. Un accidente automovilístico hizo que nunca pudiera volver a jugar profesionalmente. Encuentro crucial Decidido a la música, Clemons conoció un día de 1972 a Bruce Springsteen: el rockero de letras poéticas que adoraba a su natal New Jersey. Entonces se percató de la calidad musical del gran saxofonista y lo invitó a unirse a la E Street Band. Springsteen encontró en el negro gigantesco y de aura misteriosa la ocasión para aderezar su rock, para ataviar de espiritualidad sus letras, para vitalizar la rabia de su voz. En ese momento Clemons entendió que el accidente automovilístico debió ocurrir para que fuera él el sello característico de la banda. Saxofón tenor, soprano, barítono. Instrumentos de percusión: todo lo manejaba con una maestría inigualable, por lo que se hizo forzosamente vital para su grupo. Greetings from Asbury Park, el primer álbum de la banda lanzado en 1973, nunca hubiera sido igual sin el espíritu y la anchura de garganta de Clemons. Sin él, el crítico Ken Emerson nunca habría escrito en la revista Rolling Stone que el debut de la E Street Band era como Subterranean Homesick Blues puesto a 78 revoluciones por minuto. Fue siempre el último músico de la banda en ser presentado a la hora de un concierto. El público lo reconocía y lo ovacionaba antes, durante y después del show. Sin dejar a un lado a sus amigos y al tiempo que seguía siendo parte clave de la E Street Band, en 1982 el músico decidió formar su propia banda: The Red Bank Rockers. No fue tanto su resplandor y sin embargo logró reconocimiento con el álbum Rescue, con el que se fundió entre el soul y el funk. Colaboró con Jackson Browne, Aretha Franklin, Carl Perkins y The Temple of Soul. Apareció en New York, New York, el musical de Martin Scorsese, prestó su voz para un episodio de Los Simpsons, y entre sus últimas apariciones se recuerda una en el video The Edge of Glory de Lady Gaga. Un derrame cerebral acabó con su vida dejando llanto y recuerdos gratos entre cientos de seguidores. Muchas celebridades lo recordaron como una persona y un artista espléndido. Ahora todos saben que la E Street Band no volverá a ser la misma porque le faltará su alma: un señor saxofón llamado Clarence Clemons.




La revista ya está en circulación

'Yo seré tu espejo' Por: Andrés Ramírez – elespectador.com

'Summus, lujo con inteligencia', revela en exclusiva las primeras imágenes que Ruven Afanador presentará el próximo 25 de agosto en la exposición en el Mambo.

Jeff Boyd, Washington D.C., 1989.

Han sido casi tres décadas de trabajo ininterrumpido para las más importantes revistas y casas editoriales del mundo. Por eso es tan difícil sintetizar la obra de Ruven Afanador en tan sólo 80 retratos. La exposición Yo seré tu espejo, que se presentará el 25 de agosto en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, es una retrospectiva de imágenes en blanco y negro en las que se ve el hilo conductor que entrelaza la obra del fotógrafo. Afanador reconoce que este fue un proceso más complejo de lo que imaginó. ―Fue como esculcar en un armario antiguo en el que iban apareciendo fotografías que no recordaba haber tomado, pero que no quería dejar por fuera‖. Además, asegura que esta ha sido una experiencia valiosa porque le permitió volver a aprender de sí mismo. ―Me hubiera podido inclinar por un ángulo de moda o de celebrities de Hollywood, pero a medida que avanzaba en la edición sentía que debía tomar una dirección más personal, escoger los retratos que han marcado algún punto importante en mi carrera y en mi vida. En este sentido, las imágenes que presento tienen más el espíritu de la revista The New Yorker‖. La selección final es una muestra heterogénea, con retratos de políticos como Bill y Hillary Clinton, modelos como Vanessa Paradis y estrellas de cine como Cate Blanchett y Marion Cotillard. Pero también aparecen personajes anónimos que se atravesaron de manera espontánea en la vida de Afanador. ―Aunque la edición de las fotos fue una tarea compleja, hay ciertas imágenes que desde el principio sabía que debían formar parte de la exposición. Una de ellas es el retrato que tomé del criador de tarántulas —la foto más antigua de la exhibición—. Otra es el retrato de Cate Blanchett que tomé para The New Yorker, pero que nunca se publicó‖. Otro factor que planteó un gran reto fue montar una retrospectiva dentro de un ambiente museográfico basado en imágenes producidas en un ámbito comercial como el de las revistas. Cada uno de los 80 retratos escogidos fueron tomados para medios impresos, con las limitaciones editoriales, comerciales y de tiempo que esto representó para él. El trabajo de Ruven Afanador posee una naturaleza lineal, es una obra inacabada que se complementa siempre con la siguiente fotografía. Contrario al trabajo de algunos de sus ídolos del siglo XX, como Irving Penn y August Sander, quienes incursionaron en la fotografía de manera intuitiva y durante su vida tuvieron varios puntos de rompimiento. ―Me siento muy cómodo con el estilo y la evolución de mi trabajo. Me parece muy bonito que una foto recuerde otra foto. No me gustan los rompimientos, porque es algo traumático. Prefiero que mi siguiente fotografía sea un reflejo y una continuación de la anterior, eso asegura una continuidad estética, algo esencial en mi obra‖. Ruven Afanador recuerda que el fotógrafo norteamericano Richard Avedon le dijo alguna vez: ―La fotografía es la realidad, pero no la verdad‖. Marilú Menéndez cree que en el caso de Afanador es todo lo contrario: ―No son la realidad, pero son la verdad. Sus fotografías llevan a seres célebres, bellos muchos, humanos todos, a un espacio que trasciende la obsesión contemporánea por la fama, un lugar íntimo y honesto de intensa complicidad con el fotógrafo…‖.




Desde la Aldea

El maravilloso y simple acto de leer Edna Juliana Rojas Hernández – eltiempo.com

Ayer conocí el mejor rincón de lectura que he visto, pero no pude disfrutarlo como quería, porque la estatura ya no me da. Recordé a Bastián, el niño de 'La historia interminable' que se robó un libro y quedó tan atrapado que terminó siendo el protagonista. Él encontró un pequeño rincón en donde se escondía para disfrutar de su 'robo'. O por lo menos, eso es lo que recuerdo de haber imaginado mientras lo leía.

Esa 'cueva de lectura' está en un club infantil para niños, en un salón dedicado exclusivamente a la lectura. Yo soy defensora de este hábito, porque desde que aprendí a leer no me he separado de los libros y sé de los maravillosos beneficios que trae perderse entre las letras. 'Angélica' y 'El diablo de la botella' fueron mis primeros libros. Me los regalaron mis abuelos y mis tíos. Mi abuela se llamaba Elisa, y mis amigos del colegio le decían "la abuela gomela", porque le encantaba leer, ir a cine, ir a conciertos y escuchar música. Hace dos años se fue y recuerdo como si fuera ayer lo feliz que se puso cuando le conté que me habían aceptado en la maestría de Escrituras Creativas en la Nacional. También, mis hermanos y yo recibimos de ellos una colección de Biblioteca Fantástica que aún existe -claro, un poco descuadernada-. Allí imaginé a 'Los músicos de Bremen', a 'Blanca Nieves' . Y fue entonces cuando me enamoré de una niña....'Alicia en el país de las maravillas', mi historia favorita. Me hubiera encantado ser yo quien la escribiera. Hoy conozco muchos apasionados por la lectura, pero, lastimosamente, son más los que no leen un solo libro al año..."no tengo tiempo", "no me gusta", "los libros son muy caros", "soy muy malo para leer". Los escucho, no sin cierta tristeza al pensar de la maravilla que se pierden. Imaginar personajes, ponerse en sus zapatos, pensar qué haría en su posición, reírse como loca y hasta llorar, porque así lo he hecho. Me maravillo con imágenes preciosas, con frases conmovedoras, con seres de carne y hueso (¿o de aire y sueños?) que se le metieron en la cabeza al escritor. Ojalá todos los papás vieran la importancia de la lectura en sus niños. Más allá de la imaginación, en los primeros años, estimula el desarrollo del lenguaje, amplía el vocabulario, los invita a compartir historias y textos con sus amigos. "La buena literatura hace de los lectores gentes insatisfechas e inconformes que no aceptan el mundo tal como es", dice el nobel peruano Marío Vargas Llosa. Es decir, que más allá de todos los beneficios que nombré, lo más importante es que la lectura abre la mente, genera perspectivas particulares sobre el mundo, les da a quienes la disfrutan con asiduidad, un carácter crítico. O no seamos tan elaborados. Leer es disfrutar de un rato propio, como el placer de levantarse los domingos en la mañana, cuando todos siguen dormidos, tomar el libro, seguir entre las cobijas y sumergirse en una historia que revive cada vez que la leo. Espero que uno de los más grandes regalos que pueda hacerles a mis hijos -cuando los tenga-sea el amor infinito y profundo por el maravilloso, y también simple, acto de leer.

Microcosmos colombiano Por: Óscar Acevedo – eltiempo.com

Con el sello del museo Smithsonian, Colombia presentará una síntesis de su faceta rural y campesina, faceta que es la base de lo que realmente somos en nuestras ciudades. Suena muy extraño que una feria no "venda" nada, porque las ferias, encuentros y festivales son justamente para eso, para promocionar, impulsar y comerciar con productos, ideas o servicios. Pues bien, el Folklife Festival que realiza el museo Smithsonian de Washington, donde Colombia es invitado central a partir del 30 de junio, ofrece sus tribunas a los países invitados para que estos expongan las manifestaciones más auténticas de su cultura popular. En la edición del 2010, México presentó a una tribu nativa cocinando y bailando para el público, mostrando así sus rasgos más auténticos a través de personajes totalmente desprovistos de afán comercial. Ese criterio en la selección de participantes convierte el festival en un museo vivo, donde la muestra museográfica incluye seres de carne y hueso realizando sus ceremonias y actividades cotidianas, factor que brinda una perspectiva muy exótica del mundo exterior al americano promedio. La delegación colombiana, escogida por el Ministerio de Cultura después de tres años de investigación, incluye representantes de los seis grandes ecosistemas de nuestra geografía, con oficios que abarcan el transporte, la orfebrería, la pesca y los tejidos, además de la culinaria y la música nativa. En este último renglón surge la inquietud de que los seleccionados no tengan una trayectoria que incluya discos publicados y giras de conciertos, pero ese es justamente su mayor atributo para quedar seleccionados, el no estar inscritos en la práctica musical como negocio, sino como medio de expresión de su personalidad y de su vigor como pueblo. No importa que grupos como La Contundencia, de la región del Pacífico, no sean técnicamente afinados para los oídos occidentales, si logran ilustrar la huella afro en nuestra costa pacífica. Tampoco es grave que en la selección musical de la región caribe se hayan privilegiado los aires de la depresión momposina por encima de géneros como el vallenato, que acusan un excesivo encasillamiento por cumplir con dictámenes comerciales. Con el sello del Smithsonian, un museo que se ha consolidado como guardián de las culturas que la civilización en su afán va olvidando y que desaparecen del planeta, Colombia presentará una síntesis de su faceta rural y campesina, faceta que es la base de lo que realmente somos en nuestras ciudades. Este microcosmos solo muestra una parte de la compleja realidad nacional, pero descubre rasgos asombrosos nuestros que el cliché noticioso nunca deja ver. [email protected]

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Notas con armonía N° 264

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