Universidad de los Andes

Facultad de Humanidades y Educación.

Escuela de Educación.

Cátedra: Arte y Expresión

Educación Básica Integral

Textos creativos

Y

Artes escénicas

Profesora:

Osorio, Betty

Bachiller:

Alizo, Maryuri CI: 19.422.403

Alzuru, Danny. C.I.: 12.778.427

Bastidas Zoraida. C.I: 18.485.615

Buritica Maritza. C.I: 20.434.523

Dávila, Yetsy L. C.I: 20.200.328

Dávila, Kellynsky. C.I: 20.434.734

Quintero, María. C.I: 19.847.224

Semestre A-12

Mérida, Junio de 2012

Introducción.

En la primera etapa de la Escuela Básica, los niños y niñas, a través del

área de la Educación Estética deben involucrarse con herramientas que

posibilitan, el proceso de enseñanza-aprendizaje, el desarrollo de sus

capacidades de observación, comunicación, concentración y creatividad

con el objetivo de que descubra, la belleza del lenguaje artístico en

cualquiera de sus manifestaciones como lo es el teatro, el circo, la

pantomima, entre otras.

Así mismos los textos creativos forman parte de la literatura infantil

donde involucra al niño como el principal lector de estas producciones

escritas. Por su parte, las artes escénicas son una gran herramienta

para desarrollar situaciones de aprendizaje en el aula, a su vez es

importante y trascendental conocer sobre los textos creativos ya que

son el punto de partida para la creación de actividades innovadoras pero

sobre todo que estas den un resultado trascendental en el desarrollo

integral de los niños y niñas. Por tal razón, se pretende despertar en el

niño un gran interés por lo que hace, por lo que puede conocer y así

poder lograr que cada día se sienta más motivado. (Aporte de Zoraida

Bastidas)

El arte es de vital importancia en la educación ya que es generador del

desarrollo de la expresión creativa natural que todo ser trae consigo, y

estimula tanto las cualidades como los valores sociales, morales y la

autoestima. Además, tiene la finalidad de introducir al educador y al

educando en la ardua y fascinante tarea de la creatividad, la sensibilidad,

la apreciación artística y la expresión, factores que contribuyen al

espíritu creativo y social de todo individuo. (aporte colectivo de Rayvy

Delfin)

Textos Creativos

El tema de la construcción de textos creativos busca trabajar a través

de formas creativas como el teatro, la danza, el arte en vivo, poesía,

novelas, auto / biografía y el rendimiento de escritura, y marcadores

para considerar los territorios interdisciplinarios entre la creatividad y

la búsqueda de conocimiento. Tienen como compromisos fomentar la

cultura y la generación de conocimiento, con este compromiso de

fomentar una cultura de la investigación interdisciplinaria, viene el

reconocimiento de que es en las conversaciones entre las prácticas

creativas como la escritura, la coreografía, la elaboración, composición y

dramaturgia que se pueden desarrollar nuevos conocimientos. La

escritura creativa es la escritura que expresa el pensamiento del

escritor y los sentimientos de una manera imaginativa, de única

frecuencia, y poético.

Los textos creativos expresan ideas y pensamientos de una manera

imaginativa. El escritor llega a expresar sentimientos y emociones en

lugar de presentar los hechos. La mejor manera de definir la escritura

creativa es dar una lista de cosas que son y otra de las que no se

consideran textos creativos. Las cosas que son serían: novelas, poemas,

epopeyas, historias cortas, guiones, canciones, guiones de televisión, etc.

Las cosas que no son textos creativos son, entre otros, la escritura

académica, los libros de texto, el periodismo y la escritura técnica.

Los jugos creativos fluyen cuando se participa en la escritura creativa.

No sólo puede ser una salida creativa, sino que también los textos

creativos pueden ser terapéuticos. Muchos psicólogos recomiendan la

escritura creativa para expresar sus sentimientos y tal vez examinarlos.

En la escritura creativa, se puede utilizar la imaginación y fingir todo lo

que quieras y ayudar al lector a hacer lo mismo. (Aporte de Kellynsky

Dávila)

el proposito esecencial del texto creativo es deleitar y entretener al

lector, el autor dará modelo sus emociones, placeres y percepciones

personales a través de un texto. Los textos recreativos tienen

funciones que predominan en: la función expresiva y la poética

La función expresiva también llamada emocional o emotiva, tiene como

objetivo el que el emisor, muestre al receptor sus sentires, opiniones,

puntos de vista, pretensiones y deseos ( Aporte colectivo de Omarly

Quintero)

particulares; se puede destacar que en esta función predomina la

subjetividad y las emociones personales de cada autor, este a su vez

hace uso de exclamaciones para resaltar su estado de animo así como la

aplicación de la primera persona en singular, todo esto para que los

sentimientos del emisor sean identificables.

Los textos creativos fueron creados para divertir al lector pero sobre

todo llamar su atención e incentivar la lectura educativa en ellos, se les

denomina asi debido a que detrás de estos escritos se encuentra un

profundo y arduo trabajo del autor para buscar las formas y temas que

puedan ser de interés al público y de igual forma darle creatividad para

aportar ese toque único y original.

Este tipo de textos pueden ser de gran aporte en un aula escolar debido

a su riqueza en palabras y contenidos atractivos interezantes de gran

contribución para su formacion integral. El docente puede aplicar este

tipo de texto no solo para incentivar la lectura en el estudiante si no

para que de igual forma trabajen diversos contenidos de manera integral

y conozcan de tal manera estos que comiencen a producirlos desde

temprana edad.

La escritura mas que un gran medio de comunicación es una expresión

artisca a través de la cual expresamos cosas que oralmente no

podriamos, y de igual manera puede ser usada con infinidades de fines

como los fines educativos, recreativos, informativos, publicitarios entre

otros. (Aporte de Maritza Buritica)

Los textos creativos tienen la capacidad de abrirte puertas hacia

mundos desconocidos, viajar a traves de diversas epocas, conocer

lugares jamas visitados, explorar culturas ajenas, conocer historias y al

mismo tiempo vivirlas, contar cuentos, narrar obras en pocas palabras los

textos creativos son tan extensos, complejos e interezantes que cubre

hasta lo inimaginable y esta dirigido a todas las edades, no es solo para la

infancia.

La escritura creativa envuelve la literatura y sus géneros, pero los

géneros que más la utilizan son la novela, el cuento, la poesía, así como la

escritura del drama y guion para el teatro, el cine o la televisión.

Poesía: Este género trata de recitar pasión, amor, desamor a través de

la lírica expresando desde sentimientos como filosofías y sociedades.

Cuento: el cuento se asemeja a la narrativa de una historia, dirigida no

solo para el público infantil si no que de igual forma para el público

adulto.

Teatro: actividad o espectáculo dramatizado en vivo frente a un público

de diversas edades de acuerdo a su contenido.

Dentro de la educación podemos encontrar teatro infantil, Es una

herramienta para conectar al niño con el mundo de las artes, la reflexión,

las emociones, la sensibilidad estética. El teatro acerca la literatura a los

niños, de una manera amena y divertida, donde ellos pueden interactuar.

(Aporte colectivo de Sindy Rivas)

Hay dos modalidades de teatro para niños: por interiorización y por

apropiación.

-Teatro para niños por interiorización: se trata de obras creadas

especialmente para el niño, teniendo en cuenta las condiciones de la

cultura infantil, operando el niño como espectador implícito.

-Teatro para niños por apropiación: son las obras creadas sin tener en

cuenta al público infantil, pero que son adoptadas por los niños, por un

fenómeno de recepción, como el caso de ―Los viajes de Gulliver‖ de

Jonathan Swift, o ―Don Quijote de la Mancha‖ de Miguel de Cervantes

Saavedra. (Aporte Colectivo de Yulibet Ramírez)

Novela: es una obra narrativa y descriptiva donde se pueden reflejar

varias acciones en infinitos escenarios, escritas de acuerdo al público al

que va dirigido.

Guión: Se nombra así a los escritos donde se muestran, con todos los

detalles necesarios del contenido de una obra de teatro de un programa

de radio o un audiovisual.

¿Qué es un texto? Lozano señala: ―Una primera aproximación al

concepto de texto nos es proporcionada en un sentido amplísimo por

Lotman y la llamada Escuela de Tartú (y la semiótica soviética en general,

herederos de M. Bajtín), quienes lo considera como un ‗conjunto

coherente‖. Un texto es la forma más compleja de ir desarrollando ideas,

como un objeto de carácter comunicativo y estructurado.

Por otro lado de una manera más compleja y certera se define el

texto como: ―El texto es una unidad lingüística comunicativa que

concreta una actividad verbal con carácter social en que la intención del

hablante produce un cierre semántico-comunicativo, de modo que el

texto es autónomo‖.

Existen diferentes tipos de textos como: los textos orales y

escritos, literarios y publicitarios, textos que están hechos de imágenes,

textos musicales y de gestos corporales, textos dichos con colores,

textos cinematográficos, televisivos y radiofónicos, incluso, textos

textuales.

¿Qué es la creatividad? La creatividad es un proceso, mediante el cual

florecen miles de idea, se conjugan y da como resultado algo idóneo de lo

que se planteo en un principio. Por otro lado Agirre Alfonso ―la

creatividad es la capacidad de ver nuevas posibilidades y hacer algo al

respecto. Cuando una persona va más allá del análisis de un problema e

intenta poner en práctica una solución se produce un cambio. Esto se

llama creatividad: ver un problema, tener una idea, hacer algo sobre ella,

tener resultados positivos‖

La creatividad la poseen todos los seres humanos, es cuestión de

crear e inventar y dejarse llevar por lo emotivo y no por lo racional para

tener un resultado eficaz, muchos expertos en esta área han mencionado

que muchas de sus ideas nacen cuando no se es consciente de ello, de

repente nace la inspiración de crear

Por otro lado se tiene, ¿Qué son los textos creativos? Es la fusión de

un texto con un toque creativo e innovador, con el único fin de captar la

atención del texto, valiéndose de recursos como imágenes, estilos de

escribir e incluso el contenido del texto. Los textos creativos dejan un

aprendizaje el cual se aplica con posteridad.

La escritura es una de las tantas grafías de expresión artística que

se tiene. Tiene fines específicos, científicos, metódicos, entre otros. Sin

embargo los textos creativos sobresalen por respaldar un arte, su ideal

es comunicar y transmitir lo que el artista o escritor deseó en el

momento de creación con un fin significativo, sólo se deja llevar por lo

que se está sintiendo en ese momento, crea una especie de catarsis que

da la posibilidad de ser creativos escribiendo.

Ha intentado definir de manera práctica el concepto de creatividad.

Después de analizar multitud de definiciones, extrajo dos

características clave que son comunes a todas ellas: ―lo nuevo‖ y ―lo

valioso‖, en un contexto social o cultura determinadas. Csikszentmihalyi

(1998:41) está de acuerdo en estas dos atribuciones: ―Por creatividad

entendemos una idea o acción que es nueva y valiosa [...] [que se produce]

en la interacción entre los pensamientos de una persona y un contexto

sociocultural‖( aporte colectivo de Andrea Hernandez)

Sin embargo existen textos anti-creativos que conducen al

aburrimiento, en la escuela por lo general se hace referencia el lema ―lo

más importante es aprender a leer y a escribir‖ memorizar y leer textos

que no nos llenen y que mucho menos que se puedan comprender, escribir

algo original es algo malo porque no se siguió el manual pautado como lo

es: el sujeto suele ir primero y que por lo general, el predicado le sigue,

sin errores ortográfico y conjugar los verbos con exactitud, claro que se

debe de aprender estas reglas básicas pero también se debe enseñar con

libertad, con un ensayo-error, dejar ser y actuar.

Por medio de la investigación se tienen estos magníficos pasos para

desarrollar la creatividad en los textos, aportándonos capacidades,

habilidades y conocimientos.

―• Empiecen por algo sencillito, nada ostentoso y mucho menos de gran

extensión. Un tema poco profundo (la profundidad se la van a dar

ustedes con sus palabras), como por ejemplo, ―globos de colores‖.

• No piensen en cuánto debe durar este momento de creatividad, no hay

un tiempo establecido para este proceso si comprenden que este es una

construcción humana; la duración del momento de creación puede ser

construida a antojo del creativo.

• Relájense, respiren hondo y visualicen muchos globos de colores

juntos.

• Comiencen a notar que esos globos imaginarios producen distintas

sensaciones. ¡Cuidado! No las etiqueten, sólo dejen que las sensaciones se

encarguen de empezar a lanzar palabras a sus manos y que el lápiz se

vaya plasmando esas palabras en la hoja.‖

Por otro lado el nacimiento de la creatividad se debe a La inteligencia

creativa, que es la capacidad para ir más allá de lo dado y engendrar

ideas nuevas e interesantes (Aporte colectivo de Rosangela Moncada)

¿Cómo se pueden implementar los textos creativos en el aula?

Hay que tener en cuenta las condiciones, el tema y el nivel académico de

los niños y niñas. Unas de las actividades que se puede realizar usando los

textos de un modo creativo son:

-Grabar lecturas y narraciones: se usa para grabar diversas lecturas

como cuentos, fabulas, retahílas, poemas entre otras y también para

grabar narraciones de otras historias anecdóticas, posteriormente se les

entrega y sobre este texto grabado trabajaran. Usando este recurso se

pueden crear medio de comunicación dentro de la comunidad, como la

radio.

-Guiones: con una revisión de diferentes historias, cuentos y novelas, se

pueden crear guiones con aportes propios y algunas con versiones

modificadas que luego se pondrán en práctica con las artes escénicas.

-Creaciones de libros: Los niños y niñas al dejar florecer su imaginación

e ingenio pueden llegar a ser los autores e ilustradores de sus propios

libros, con materiales que estén a su alcance y reciclables como: lápiz,

hojas de papel, cartulinas, pegas, y creyones, sacabocados y cinta de

colores. (Aporte de Yetsy Dávila)

Características de los textos creativos.

Antes de comenzar a referir sobre las características hay que tener en

cuenta ciertas particularidades de los textos como son: la continuidad y

rapidez de su acción, la sencillez de su representación, La repetición de

los hechos y la secuencia ( Aporte colectivo de Jonathan Rendón)

Hechos imaginarios: aunque puede basarse en hechos reales o ser una

ficción de un marcado realismo, un cuento debe extender la realidad y

volver lo real en imaginario.

Argumento Sencillo: muestra una estructura de contenidos y hechos

entrelazados en un formato de: introducción – nudo – desenlace.

Argumento lineal: Los hechos y sucesos se dan por lo general forma

secuencial.

Reducidos personajes: un cuento para mantener su forma lineal y

brevedad requiere de pocos personajes

Personaje principal: aunque puede haber otros personajes, la historia

hablará de uno o dos en particular, que es a quien le ocurren los hechos.

Narración Breve: por y para cumplir con

todas las demás características, el cuento

debe ser breve. Extraído Junio 14, 2012,

de la World Wide Web:

http://conocimientoysistemas.wordpress.c

om/2010/02/11/textos-creativos-y-el-

uso-de-las-tic-en-el-aula-%E2%80%93-experiencia-en-proceso-de-

consolidacion-%E2%80%93-primera-parte/

Unos de los textos creativos que se puede incluir dentro del ámbito

infantil es el cuento. Los cuentos son ideales para mejorar la educación

de los niños y la vida familiar. Ya sea en familia o en el aula; como audio o

como lectura; con dibujos o con texto, padres y maestros podrán divertir

y educar en valores a niños y niñas de cualquier edad. (Aporte colectivo

de Zimahira Mora)

El texto creativo debe de tener ciertas particularidades como lo es

un vocabulario que se pueda comprender dependiendo del nivel

académico, intelectual y madurez, además de un conjunto de imágenes

que capten el interés del lector(a) (Aporte colectivo de Adriana

Palomares)

Elementos de los textos creativos:

Personajes:

Los personajes son vitales en todo texto narrativo. A través de ellos

pueden relatarse los hechos que ocurren en un cuento, una novela, o

cualquier otro texto similar.

El personaje está estrechamente ligado a los hechos y otros elementos

que conforman la historia, como también a los otros personajes que lo

rodean.

Podemos clasificar a los personajes en:

1. Principales: a través de ellos se desarrolla la acción principal.

2. Secundarios: participan solo indirectamente de la acción principal.

Dentro de los personajes principales de un cuento o narración podemos

identificar: protagonistas y antagonistas. Estos no siempre tienen que

ser seres humanos. También pueden ser seres fantásticos o fuerzas de

la naturaleza.

Según su grado de participación en la historia, los personajes se

clasifican en principales, secundarios e incidentales. A continuación,

analizaremos cada uno de ellos.

Principales

Son aquellos que concentran la mayor atención, porque participan

directamente en los acontecimientos que se narran. Es decir, la narración

se trata de lo que les ocurre a ellos o de lo que ellos mismos realizan.

Si este tipo de personajes no estuviera, la historia desaparecería; no le

sucedería nada a nadie. Entre los personajes principales suele haber uno

que es el central, el más importante de todos: es el protagonista.

Secundarios

Son quienes no están involucrados directamente en la historia que se

cuenta, sino que tienen una participación menor. No es que no tengan

importancia; también intervienen en los hechos, pero no tanto ni tan

seguido como los personajes principales.

A pesar de esto, no podemos decir que no sean relevantes en la

narración, puesto que aunque su participación no es fundamental, siempre

hay una razón para que ellos estén ahí.

En este sentido, podemos afirmar que la obra narrativa es como un

rompecabezas en que cada pieza encaja perfectamente con las demás. Es

así como si faltara una pieza muy pequeña, el rompecabezas no estaría

completo, y no podríamos armar la historia.

Incidentales

También se les llama personajes episódicos. Son aquellos que aparecen en

la historia solo en una oportunidad, para algo específico. Esto puede ser

entregar un dato, hacer una pregunta, o simplemente observar una

situación.

Ahora bien, hay ocasiones en que los personajes incidentales juegan un

papel clave para el desarrollo de la narración. Por ejemplo, imaginemos lo

que sucedería si un día cualquiera, cuando vamos caminando por la calle,

pasa un desconocido y nos pone en las manos un maletín repleto de

dinero. ¿No cambiaría la historia de nuestras vidas?

La presencia fugaz de una sola persona puede -a veces- producir estos

cambios. De todos modos, esto sucede en raras ocasiones; hay muchas

narraciones que ni siquiera poseen personajes incidentales. Extraído en

Junio 04, 2012 de la World Wide Web:

http://www.salonhogar.net/Sagrado_contenido/Los_personajes.htm

(Aporte de Kellynsky Dávila)

Artes Escénicas

Dentro de las artes escénicas se encuentra mayormente la música y

la danza las cuales conformas las expresiones artísticas más antiguas,

sin embargo más adelante surge el

teatro como una extensión de

la danza. Inicialmente se dio en

África donde surge por la necesidad

de expresar cultos y ofrendas a sus

creencias y religiones. Los romanos

comienzan a incluir más adelante en sus representaciones artísticas

accesorios las máscaras y de esta manera se comienza a crear el

vestuario o los recursos necesarios para las expresiones artísticas, las

cuales se fueron expandiendo por todo el mundo.

Las artes escénicas están destinadas a la práctica y el estudio de todas

las obras de teatro, dramatizaciones y cualquier expresión artística

como la danza, música, teatro musical, recitales entre otros; los cuales

son realizados en un espacio escénico o una sala de espectáculo, sin

embargo también puede ser realizado en cualquier espacio.

En este espacio artístico intervienen los actores que son los intérpretes

o medios para llegar al espectador, la historia que es la trama y el público

para quién se realiza la obra.

Se debe tener mucho cuidado con la decoración o tramoya, la iluminación

y la acústica o sonido, de tal forma que entre ellos exista armonía. El

ensamblaje de estos elementos con la obra debe ser perfecto, la

escenografía o el decorado tiene que ser como la prolongación del

personaje. (Aportes de Maritza Buritica)

El arte: ―El arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las

creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión

sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos

plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas,

emociones, percepciones y sensaciones.‖ (Aportes de Yetsy Dávila)

El arte se ve plasmado en el mundo que el hombre ha

creado como en las majestuosas edificaciones

arquitectónicas, el arte se expresa libremente desde

su propia perspectiva pero también incluye la forma de

crear pinturas, esculturas, música, danza, fotografía,

teatro, cine, géneros literario y cualquier manifestación del mundo del

espectáculo. El arte es tan antiguo como el hombre mismo.

El arte también se ve representado en la escritura, el niño (a) antes

de aprender a escribir aprenden que los garabatos tienen un significado

que otras personas entienden. Para ayudar a tu niño a aprender esto

proporciónale una variedad de materiales para dibujar y garabatear,

también se expresan por medio de su propio arte ya sea el de la pintura o

dibujos. (Aporte colectivo de Yohana Quintero)

Las artes escénicas, es la creación de un arte conjugado en una

estructuración escénica como parte de la obra. Por su naturaleza las

artes escénicas son efímeras, es decir que no duran en el transcurrir del

tiempo, su tiempo de duración ejecución es poco, lo que dura una función.

Durante la realización del acto escénico se destacan elemento como:

música, la danza, representaciones teatrales y poéticas entre otras.

(Aporte de Maryuri Alizo)

Dentro de las representaciones escénicas se encuentran ―la música y la

danza como las más antiguas así lo muestran las pinturas rupestres.

Luego nace el teatro como una extensión

de la danza. Al parecer es en África

donde nace como representación de sus actividades cotidianas y

religiosas, luego en Egipto se hacen representaciones de dramáticas de

la vida de Osiris y los griegos son los primeros en crear sitios especiales

para tales representaciones. Los romanos expanden por todo el mundo

conocido ese gusto por las representaciones sean reales o ficticias,

usando máscaras o no. En oriente hay muchas formas de teatro, danza y

demás artes con estructuras más o menos parecidas a las de occidente.

En América podemos decir que las grandes civilizaciones explotaron

todas las artes escénicas. En la actualidad existe un amplio grupo de

artes escénicas que luchan por surgir, por ejemplo se dice que la

cinematografía es una forma de hacer perdurar el teatro pero tomando

en cuenta las técnicas de animación como parte de las artes

cinematográficas esta afirmación cae por su propio peso. Animada o no

es un arte escénico pues cuenta con todos los recursos pertinentes, en

mi humilde opinión, además requiere de un marco como es el mismo cine o

televisor donde representarse y tal representación es tan efímera como

cualquier otra obra.‖

La forma de representar las artes escénicas es por medio de las

obras de teatro, la representación se produce en un espacio llamado

escenario en el cual se despliega la acción de la escena, valiéndose de la

intervención de los personajes que son pieza esencial para el proceso de

la historia.

Presentaciones escénicas, son las formas de representar por medio

de un contexto real o ficticio el arte escénico, por medio de la ejecución

y la acción de títeres, mímicas y dramaturgos, La unión de música, baile y

teatro permite comunicar y representar formas populares y cotidianas.

Para que una representación resulte lo más real posible, los personajes

deben poseer una gran sensibilidad en adaptarse y encarnar en el

personaje como si realmente fuera él. Esto se obtiene al manejar un

conjunto de recursos expresivos que dan forma a las artes escénicas,

ellos son: el gesto corporal, la voz, el espacio y el tiempo escénico.

(Aporte de Yetsy Dávila)

El gesto corporal

Se refiere al conjunto de movimientos que debe realizar el actor con

mucha naturalidad, para que la acción sea lo más real posible en el

momento de ejecutarla. El gesto corporal es el conjunto de movimientos

del cuerpo, los gestos expresivos de cara y manos. La gesticulación,

también forma parte del gesto corporal como complemento del habla en

la transmisión de un mensaje. Muchas personas acompañan sus

explicaciones con gestos de brazos y manos. En el lado izquierdo se

puede ver una persona haciendo diversas expresiones faciales.

El gesto corporal no sólo depende de las expresiones faciales, aunque

éstas juegan un papel muy importante, también el movimiento del cuerpo

expresa sentimientos. Por ejemplo, una persona que se ríe sólo con la

cara y no el cuerpo, transmite sólo el sentimiento de alergría mas no de

felicidad. Existen gestos corporales que sin necesidad de ir acompañados

de palabras dicen mucho, como mostrarle a alguien el puño, esto denota

rabia y agresividad. La forma de caminar es muy importante, cada

persona tiene una manera de caminar, y ésta a veces depende del tipo de

trabajo que realiza, el tamaño del cuerpo, su peso, sexo o edad.

En el baile la expresión corporal juega un papel muy importante. El

movimiento de caderas, pies, manos, brazos y piernas deben estar en

ritmo con la música y expresar lo que la letra y música están

transmitiendo. La sincronización entre bailarines es también importante

para dar al espectador un sentimiento de balance y armonía. (Aporte de

Zoraida Bastidas)

La voz

Uno de los recursos más importantes es la voz. Ésta debe estar en

relación con lo que se dice, con el sentimiento, cómo se dice y a quién va

dirigido el diálogo. El actor no puede hablar siempre con el mismo tono y

ritmo, ya que esto cansaría al público. Se debe modular y adecuar la voz

al lugar, espacio o personaje, aumentando o disminuyendo el volumen. La

articulación de las palabras es un factor importante para evitar que los

espectadores pierdan el contenido de los diálogos, la conversación entre

los personajes, o monólogos, donde el personaje piensa en voz alta. Es

importante utilizar la voz adecuada para cada personaje y para cada

situación.

El mismo personaje determina como debe ser la voz, su edad, nivel

educativo, cultura, trabajo, sexo o hasta país de origen. Lee el texto que

se encuentra a la derecha como si fueras uno personajes. Inténtalo

siendo un campesino, un abuelo, una mamá, un policía, o cualquier

personaje que se te ocurra. Si hay posibilidad de grabar la voz, hazlo,

seguramente te sorprenderás con los resultados.Dentro de las artes

escénicas se encuentra el tiempo escénico, el cual cubre la totalidad de

la otra el tiempo en el que dura el espectáculo, y sus subdivisiones es

decir el tiempo de duración entre una escena y otra.

El tiempo se distribuye en actos cuadros y escenas debe estar bien

graduada a fin de crear un ambiente de interés constante y logrando

monotonía, control de la obras y adaptándola de manera que no sea

molesto para el público. (Aporte de Danny Alzuru)

El espacio

Éste se refiere al lugar de la presentación, está compuesto por el

escenario donde se realiza la acción y la sala o auditorio. La

ornamentación o decorado, la iluminación y la acústica o sonido, deben

ser elegidos con mucho cuidado, de tal manera que entre ellos haya

perfecta armonía. El ensamblaje de estos elementos con la obra debe ser

perfecto, la escenografía o el decorado tiene que ser como la

prolongación del personaje. (Aporte de María Quintero)

El tiempo escénico

Es el contenido de la obra, se distribuye en actos y estos en cuadros y

escenas. El acto es cada una de las grandes partes en que se divide una

obra teatral. El cuadro está formado por la sucesión de los hechos

realizados sin cambiar decorado; y la escena, es la parte del acto en que

actúa uno o varios personajes hasta que llega otro u otros al lugar de la

acción. La distribución del tiempo en actos cuadros y escenas debe estar

bien graduada a fin de crear un ambiente de interés constante y evitar la

monotonía. El baile y la danza también forman parte de las artes

escénicas, en ellas también se ponen de manifiesto los elementos

expresivos que se señalaron arriba y el correspondiente vestuario. El

vestuario debe estar de acuerdo con el tipo de baile y personaje (si así lo

requiere) según la acción que se desarrolla. (Aporte de Maryuri Alizo)

Existen diversas manifestaciones de las artes escénicas, entre estas

tenemos:

Arte teatral: consiste en la representación de una historia a través de

una dramatización, utilizando un dialogo narrativo y adaptando las

tonalidades de la voz de acuerdo a la situación dramatizada. Entre los

elementos básicos del arte teatral se destacan: el texto, la dirección, la

actuación, el aparato escenográfico, entre otros, toda obra teatral es

inventada y dirigida por un director, el cual vela con todos los encargados

de convertir el texto en un espectáculo interesante para el espectador.

Él comunicará al equipo artístico la parte decorativa de la obra ayudaran

a crear el entorno en el que se desarrollará la narración, fachadas que

resultarán significativas para conseguir el ambiente que se requiere en la

obra.

En conjugación el baile y la danza también forman parte de las artes

escénicas, en ellas también se ponen de manifiesto los elementos

expresivos que se señalaron arriba y el correspondiente vestuario. El

vestuario debe estar de acuerdo con el tipo de baile y personaje (si así lo

requiere) según la acción que se desarrolla. (Aporte colectivo de Yenddy

Sosa)

Danza: Esta expresión del arte escénico se define por la dicción a través

de movimientos corporales rítmicos que siguen un patrón o un estilo,

generalmente acordes a la música y que sirve como forma de

comunicación o expresión.

La danza puede incluir un medio de comunicación a través de

movimientos, como en el ballet y la danza folklórica, o pueden utilizarse

gestos simbólicos o mimo, como en las numerosas formas del baile.

Personas de diversas culturas bailan de forma distinta por razones

variadas y los diferentes tipos de danzas revelan mucho sobre su forma

de vivir.

Música: La música se encarga de constituir perceptivo y evidentemente

una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios

fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo.

El arte musical se originó desde el levantamiento de la civilización,

cuando el hombre primitivo comienza a utilizar la danza en sus

representaciones y las ceremonias religiosas, para rogar a los dioses que

resulten ventajosos los cultivos. A medida que va transcurriendo el

tiempo y cuentan con más experiencia van elaborando las técnicas un

poco más complejas de los sonidos con los que realizaran o acompañar los

rituales.

La música, como toda manifestación artística, es un medio de expresión

cultural. El fin de este arte proporcionarle una experiencia bellamente

elaborada a través de sonidos al oyente, donde se pueden expresar

sentimientos, situaciones, pensamientos o ideas. La música es un estímulo

para el ser humano causando así infinitos sentimientos emociones y

sensaciones.

Circo: El circo es un espectáculo artístico, integrado por actuaciones

acróbatas, payasos, magos, malabarista y trapecista, animales

amaestrados y otras formas maravillosas de la habilidad y fuerza

humana. Se presenta en el interior de una gran carpa que cuenta con

pistas y pasillos de asientos para el

público.

Su objetivo no sólo es entretener a un

público de seres humanos sino al mismo

tiempo sorprenderlos y dejarles un mensaje mucho más profundo.

Hoy en día el circo se caracteriza por una mezcla de prácticas escénicas,

entre los que hay que señalar la música, el teatro, la pantomima, la

acrobacia, el malabarismo, la gimnasia, a los que habría que añadir los

espectáculos de magia. (Aporte de Maritza Buritica)

Historia de las Artes Escénicas en Venezuela.

Las Artes Escénicas en Venezuela tienen su origen desde hace varios

siglos atrás, remontándose a los siglos XIX y XX. Aún entre las guerras

independentistas, las artes escénicas florecieron, estando entre los

géneros más importantes el sainete, el drama, la comedia, la

tragicomedia y la zarzuela.

En 1784 se inaugura el primer Coliseo de que dispone la ciudad de

Caracas, construido por orden del brigadier Manuel González Torres de

Navarra, gobernador y capitán general. Este primer Coliseo estuvo

ubicado entre las esquinas del Conde y Carmelitas y tenía una capacidad

para 1.500 espectadores. En sus instalaciones actuó la primera actriz

venezolana de que se tiene conocimiento: Ana María Pinelo, nativa de La

Guaira. Posteriormente, a raíz de la Conspiración de Gual y España (1797)

las autoridades españolas, comenzaron a seguir de cerca todas las

representaciones dramáticas, con el objeto de evitar cualquier brote

revolucionario.

El Coliseo de Caracas fue destruido por el terremoto de marzo de 1812,

quedando suspendidas totalmente las actividades teatrales durante la

Guerra de Independencia. Las representaciones dramáticas fueron en

cierta medida sustituidas por actos cívicos y las entradas triunfales en

las ciudades.

Después de la batalla de Carabobo (24.06.1821) y la consiguiente

liberación de la capital, el empresario Ambrosio Cardozo mandó a

edificar en 1822 un segundo teatro en terrenos de su propiedad

ubicados entre las esquinas del Chorro y Las Sanabrias (hoy llamada

Coliseo), el cual se convirtió inmediatamente en el principal centro de

diversiones de la capital. Entre las primeras obras que se presentaron en

este escenario se encuentra el sainete criollo El café en Venezuela de

Isaac Álvarez Deleón.

Años más tarde, a partir de 1835 y hasta finales del siglo XIX

florecieron más de 40 pequeños teatros ocasionales y permanentes en

Caracas, a la vez que se registró la llegada de compañías europeas

atraídas por la afición teatral de los caraqueños. Uno de estos grupos

actorales fue el del catalán José Robreño, quien en 1837 ofreció al

público piezas ajenas como La misantropía y Ángelo, tirano de Padua.

El 23 de octubre de 1854 se inaugura en la capital de la República, el

teatro Caracas, lo cual constituyó en un gran acontecimiento para la

época. Para esta ocasión fue presentada la opera Ernani, de Giuseppi

Verdi. En las décadas siguientes lo visitaron numerosas compañías, entre

ellas la de la actriz Adela Robreño, llamada "la perla del teatro de las

Antillas", en tiempos del mariscal Juan Crisóstomo Falcón, a mediados de

1860. También en el teatro Caracas fue estrenada en 1873 la primera

ópera nacional llevada a escena, Virginia.

Entre 1870 y 1888, período en el que dominó el escenario político

Antonio Guzmán Blanco, se llevaron a cabo numerosas representaciones

teatrales: comedias, zarzuelas, operas, sainetes. Asimismo, la

inauguración en este lapso del teatro Guzmán Blanco (o Municipal), en

enero de 1881, con El Trovador, de Verdi, le da un nuevo impulso a la

afición a las representaciones dramáticas.

Además de Caracas, en la segunda mitad del siglo XIX se construyeron

edificaciones en otras ciudades. En Maracaibo, el teatro abre sus

puertas en 1883; el de Puerto Cabello se inaugura en 1886 y el de

Valencia lo tendrá en 1894. En el teatro Guzmán Blanco (Municipal) de

Caracas, invitada especialmente por el presidente Joaquín Crespo, dará

varios conciertos en 1885 y 1886 la pianista venezolana Teresa Carreño.

A fines del siglo XIX, pese a las dificultades económicas y políticas

experimentadas por Venezuela, se siguieron presentando obras teatrales

de autores nacionales o activos en nuestro país tales como Casto Ramón

López, Vicente Micolao Sierra, Felipe Esteves, Octavio Hernández,

Eduardo Gallegos Celis. Entre todos estos destaca José María Manrique

que da a temas como Un problema social (1880) y El divorcio (1885). En

definitiva, el sainete característico del teatro criollo del siglo XIX

continuará en el siglo XX, pero influenciado por otras tendencias

artísticas. Extraído en Junio, 10, del 2012 de la World Wide Web:

http://lasartesenlarepublica.blogspot.com/2008/11/rtes-escenicas.html

(Aporte de Kellynsky Dávila)

Géneros importantes de las Artes Escénicas.

Sainete

El sainete generalmente está caracterizado por su ligereza expresiva,

sus ambientes populares y su realismo. Lo componen dos elementos

principales su valor documental y su españolismo. Es documental pues

refleja una determinada época de la historia española y de una sociedad

concreta. Posee españolismo por su fervor patriótico. Además, está

caracterizado por su

simplicidad, en otras palabras:

carece de artificios en los

medios escénicos que utiliza.

Entre sus principales

elementos integradores están

los tipos, el ambiente y el diálogo chispeante. Todos ellos elementos que

responden a factores psicológicos, sociales y teatrales en sentido

estricto.

Así, Carrera, L y Vasquez, M dicen:

El sainete es una breve pieza jocosa que con frecuencia pinta

costumbres y satiriza vicios y errores. De carácter popular, solía

representarse al final de las funciones teatrales. En el siglo XVII,

sainete era un nombre genérico y vago que algunas veces se aplicaba al

entremés, más comúnmente al baile y a los finales de fiesta. Hacia 1606

se añade, al significado anterior, un aspecto lúdico que va estrechamente

vinculado con los bailes. Por el año 1616 es utilizado como intermedio,

como un estimulante para el gusto del público que pedía, en las comedias,

el tono musical. Sainete era, pues, toda pieza intermedia de cualquier

género que fuese estrechamente relacionada con bailes y cantos. En las

comedias españolas se introducía el sainete entre la segunda y tercera

jornada y en el siglo XVIII, Ramón de la Cruz, creador del sainete

moderno en España, agrega cuadros breves, pero de singular poder y

eficacia realista. Se trata de retratar la vida tal cual es, la cotidianidad,

se reproduce el habla familiar sin artificios ni exageraciones, mientras

se detiene en lo más típico.

El sainete tiene su antecedente en los cuadros costumbristas de finales

del siglo XIX. Como se ha manejado entre los estudiosos de la literatura

venezolana, el costumbrismo nace como un medio de crítica. Sus pinturas

de la tipología política y los exámenes descarnados de la realidad social y

cultural del país dan una tonalidad satírica, de protesta humorística a las

mejores obras del costumbrismo nacional. Para Díaz Seijas (1966) el

costumbrismo fue una necesidad imperativa para los escritores del

pasado siglo, llamados en alguna forma a dejar el testimonio verídico de

sus observaciones palpitantes, íntimas. (p.191). Nicanor Bolet Peraza,

Francisco de Sales Pérez, Miguel Mármol son costumbristas que

sirvieron de modelo a los saineteros para crear sus piezas teatrales. La

mayoría de los sainetes se han perdido. Para Barrios (1997), de sus

autores más prolíferos Ruíz Chapellín y Rafael Otazo, no se conserva casi

nada. Tal hecho no debe alarmarnos, ello no es parte de la casualidad ni

consecuencia exclusiva de nuestra consabida desidia respecto a la

cultura nacional (...) el sainetero no escribió para la posteridad; el

sainetero escribió para su momento y circunstancia. El sainete se

concibió esfímero, transitorio. (pp 66-67). Muchas veces el sainetero

improvisa de acuerdo a la realidad, al referente y ello favorecía el amplio

uso de las morcillas; es decir, parlamentos y desempeños escénicos que

se le ocurren al actor en el mismo instante de la representación. Rafael

Guinand fue uno de los grandes saineteros de este estilo. Para los

saineteros, lo importante era la experiencia del sainete: lo que pasaba

entre el escenario y el auditorio. (Ibidem, 67)

Gracias al espectáculo del sainete, el espectador será capaz de nivelar,

desde su estratégica posición, la imposición autocrática y la nivelación

democrática. El sainete, como diversión genuina -con fuertes dosis de

ironía y de humor- escapa a los controles y pasa a ser una especie de

fuerza liberadora (para el espectador o el lector). Con el sainete se

invade progresivamente el centro sin permiso, pero lenta y agónicamente.

La presencia del sainete implicó el cruce de los linderos entre lo culto y

lo popular. Lo que vende el sainete es, tímidamente para el momento, la

retorización de la coloquialidad, la ausencia de ansias trascendentales y

el intento de presentación más que de explicación al mundo de

situaciones muy específicas. Por ello, la presentación de lo popular como

espacio periférico, en términos estéticos (acaso éticos también) es la

respuesta a la insurgencia central desde lo periférico y es la

manifestación de lo marginal en el centro. Extraído en Junio 10, 2012 de

la World Wide Web: http://liduvinacarrera.blogspot.com/2010/04/el-

sainete-en-venezuela-y-sus.html

Drama.

La palabra drama significa etimológicamente acción representada, por lo

tanto debemos entender por drama cualquier representación de una

historia. En este sentido, el término drama, así como su forma

adjetivada, lo dramático, designa: En general, a lo escénico. De manera

particular, a las formas escénicas

estructuradas alrededor de la

acción verbal hablada,

reconocidas bajo el término

teatro. Por extensión, de manera

muy específica, a los textos

literarios teatrales (Hamlet, La

vida es sueño, Edipo Rey, o

cualquier otro) Y dado que las artes escénicas se fundamentan en la

creación de personajes tratando de resolver conflictos, la palabra

designa por extensión hacia lo cotidiano, cualquier conflicto decisivo. La

característica principal del drama (literario o teatral) es que no existe

un mediador entre la historia y el público, es decir, todo sucede ante

nosotros.

El arte dramático tiene sus orígenes en Grecia, cuando, Thespis inició sus

giras teatrales y convirtió las dionisíacas rurales en ciudadanas. Se le

denomina arte dramático al don o cualidad que posee una persona para

que la movilización de sus sentimientos sea creíble a partir de una clara

evidencia de su desdoblamiento o transporte místico, es decir, que la

materialización de ese don se convierta en una verdadera obra de arte

que cause impacto en el nivel emotivo del espectador, porque no habrá

nunca hecho escénico si llegase a faltar cualquiera de estos tres

elementos básicos: la idea/texto, el público y el actor.

Antes de Thespis, en Grecia, se celebraron actividades teatralizadas en

honor al dios Dionisios, conocido también como Baco y Bromio. Dionisios o

Dionisos, es el hijo de la infidelidad, porque Zeus copuló con Semele, una

mortal, a escondidas de Era, su esposa y hermana, de allí surge este ser

que más tarde se convertiría en motivo de adoración debido a que él

representa las festividades, al vino, a la fertilidad, a la atracción

masculina, a las cosechas, a las estaciones, al erotismo, a la embriaguez,

a la belleza masculina, en fin a todo aquello que es cíclico y que nace, se

reproduce y muere. El culto a Dionisos consistía en una ceremonia

cantada que rememoraba el nacimiento del dios, su vida y su muerte. Se

solía celebrar una bacanal en donde tenía lugar el komos, es decir las

nupcias, y de donde se desprende el origen de la comedia teatral, y

posteriormente, al finalizar el ritual, se hacía el sacrificio holocáustico

de un macho cabrío para representar la muerte del dios, allí, claro está,

surge para los entendidos, la tragedia teatral. Estos coros dionisíacos

eran llamados ditirambos y se hacían acompañar de una damas llamadas

bacantes, quienes eran las que ejecutaban la ceremonia danzando y

cantando.

Puede decirse que el arte dramático es una empresa de la modernidad,

con sus antecedentes en el teatro griego y romano que fue organizado

por los primeros con intenciones cívico/político/didácticas y por los

segundos, con propósitos cívicos/políticos. El teatro romano de la

antigüedad fue, evidentemente, la degradación del griego, porque se

dedicaron, luego de fallidos intentos de ejecutar un teatro cultural, a

mostrar escenas sangrientas para el gusto de un pueblo masoquista, por

eso se dice que la sociedad actual heredó de Roma, el gusto por el dolor

ajeno, por las distracciones vanas y por los excesos, y del pueblo griego

el amor por arte, las obras de arte, la belleza y la sabiduría. Pero,

realmente, el arte dramático, comenzó a difundirse como una empresa al

alcance de las masas durante el Renacimiento. Unos de los personajes de

la dramaturgia que más se destaca por su aportes al teatro organizado

es Sir William Shakespeare, quien, luego de haber ganado la confianza en

la Reina Isabel I, obtuvo permisos para vender las entredas a sus

representaciones y, de esta manera, logró construir el Teatro The Globe,

hoy día, un icono de la cultura teatral y patrimonio histórico de la

humanidad. Extraído en Mayo 28, 2012, de la World Wide Web:

http://www.latinpedia.net/Artes/arte-dramatico/El-arte-dramatico-

ad868.htm

Comedia

La Comedia del arte (Commedia dell‘Arte) surge aproximadamente en el

siglo XV (en el renacimiento), aunque es en los siglos XVI, XVII y XVIII

cuando tiene su máximo desarrollo. Se caracterizaba por tener obras que

disponían de tres actos. La obra estaba representada por actores que

interpretaban un papel definido, pero la actuación se iba improvisando

conforme se desarrollaba el espectáculo. Los personajes masculinos

solían llevan medias máscaras

que cubren sus ojos y nariz

solamente, permitiendo hablar

a los personajes. Los

personajes femeninos (salvo

Colombina) no usan máscaras,

tampoco los actores que representan los enamorados, ni a Pedrolino

(Pierrot).

Tiene sus orígenes en una sociedad italiana mayormente rural donde los

campesinos organizaban grandes reuniones, lugares en los que algunos

autores del nuevo humanismo (renacimiento) exponían sus relatos y

obras. Basándose en dialectos de las distintas regiones de Italia crearon

una serie de personajes que se identificaban con los campesinos. La

máscara y gran parte de atuendos procedían de las fiestas de Carnaval y

se apoyaba más en los movimientos, la burla y la improvisación.

Se distinguen tres grupos de personajes: en primer lugar los criados,

llamados Gli zanni (los siervos). Su origen común es: un campesino pobre

que llega a la ciudad y trata de sobrevivir con su ingenio para evitar el

hambre. Por ello, decide siempre estar con el amo que en ese momento

más le aporte solución a su problema (comer). Le siguen los amos,

conocidos también como Gli Vecchi (los viejos, ya que siempre son

hombres mayores) que son el elemento de poder a criticar en esa la

época. Existe un personaje para cada ámbito: el militar, el comerciante o

el catedrático. Finalmente Gli innamorati (los enamorados), estos

personajes que suelen ir sin máscara, por el hecho que hay que mostrar

dignamente sus sentimientos, por más superficiales que sean. Extraído

Junio16, 2012, de la World Wide Web:

http://arescronida.wordpress.com/2009/01/04/comedia-del-arte-1-

introduccion/

La comedia es una rama del género dramático que principalmente se

caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a

las dificultades de la vida cotidiana y por eso ellos enfrentan las

dificultades haciendo reír a las personas o a su "público", movidos por

sus propios defectos hacia desenlaces felices donde se hace escarnio de

la debilidad humana. La comedia se origina en el mundo griego, pero se va

desarrollando a lo largo de medievo y la Edad Moderna, hasta llegar a

nuestros días.

Como los demás géneros dramáticos, la comedia está determinada por la

realización de comedia comediar acción dramática del personaje de

protagonista; de ahí que no sea extraño encontrar personajes con una

rola trágica en comedias, siempre y cuando estos sean, por decirlo de

algún modo, personajes secundarios.

Como características, el personaje protagonista suele ser común y

corriente y representar un arquetipo, es decir mentiroso, charlatán,

fanfarrón, pícaro, enamorado, etcétera; es también crédulo e

inconsciente y, a diferencia de la tragedia, donde el personaje

protagonista tiene un profundo sentido ético, en la comedia el personaje

protagónico considera su moral como una cualidad no muy importante, lo

que le permite ser muy vital, aunque esto es más bien un obstáculo para

el personaje.

Por ello, su conflicto dramático suele ser, las más de las veces, con la

sociedad, además de consigo mismo, por lo que lucha por superar los

obstáculos que le impiden realizarse consigo mismo o con esa misma

sociedad.

La comedia es, junto con la tragicomedia, una de las formas clásicas del

drama griego, y uno de los tres géneros dramáticos llamados realistas.

Tema: Si bien en la comedia los temas recurrentes son el engaño, el robo,

la burla y la estafa, los temas suelen ser problemas de personas comunes

que tienen defectos, debilidades y vicios.

Conflicto: Comúnmente es generado por un vicio de carácter del

protagonista. Este vicio de carácter es contrario al bienestar social de la

comunidad en la que vive el protagonista. El bienestar social es relativo a

la época y al lugar. El vicio de carácter del personaje protagónico lo lleva

a ser un transgresor de esa sociedad, pues rebasa los límites de lo

"conveniente" y por ello debe ser castigado; esto significa que el

personaje vicioso es castigado socialmente, o sea, es puesto en ridículo.

Protagonista: Es básicamente un personaje de baja calidad moral que

encarna algún vicio o defecto de los seres humanos —la avaricia, la

irreverencia o rebeldía, etc.— pero sumamente complejo. En el caso de

Tartufo, lo que Molière critica

es la hipocresía que se

representa en este personaje,

prototipo del mojigato que

finge vivir valores que en

verdad no tiene y que sólo

persigue su bienestar a costa del daño que produce a los demás. En pocas

palabras, un personaje vicioso que es ridiculizado.

Desenlace: Es feliz para alguna de las fuerzas que se oponen al

protagonista o para todas, menos para aquel que encarna el defecto que

debe ser castigado, es decir, puesto en ridículo. Extraído Junio 17,

2012, de la World Wide Web: http://es.wikipedia.org/wiki/Comedia

Tragicomedia:

Es una obra dramática en la que se mezclan los elementos trágicos y

cómicos: También se le conoce como pieza, porque se parece a dicho

concepto; generalmente en estos están sintetizados las características

de una clase social, por lo que también se le denomina género psicológico.

Uno de los géneros literarios es el género dramático, es decir, el

conjunto de las obras formadas por un texto escrito en prosa o verso, en

forma de diálogo, y que tiene como objetivo el ser representado en algún

tipo de escenario.

A su vez, el género dramático se divide en subgéneros, y uno de ellos es

la Pieza.

Una pieza es una obra literaria del tipo realista, en donde la situación y

los personajes están claramente presentados. Si bien en lo que se relata

y expone hay cambios inesperados, ellos son lógicos y explicables, y el

suspenso va en continuo aumento, llegando por momentos a clímax con

intensas emociones. La resolución o conclusión de la obra es consecuencia

de los actos y de las situaciones planteadas con bastante claridad y sin

ambigüedades, y como ya se dijo, los actos de los personajes son

verosímiles.

En la Grecia clásica, el drama satírico o la tragicomedia suele tratar un

tema legendario, aunque con efectos cómicos protagonizados,

fundamentalmente, por el coro. Los dioses no intervienen en la muerte de

los hombres y puede haber más de una acción al mismo tiempo.

La tragicomedia, como género dramático surge en la transición al

Renacimiento, y se presenta ya muy claramente en Shakespeare (en

Inglaterra) y en una gran cantidad de obras del Siglo de Oro Español.

La tragicomedia estrictamente no tiene que ver con una combinación de

lo trágico y lo cómico. Se le nombró así desde la Celestina, ante la

imposibilidad de ubicar a este tipo de obras dentro de los dos grandes

géneros conocidos (tragedia y comedia), y no porque fuera una

mescolanza de ambos.

La tragicomedia principalmente va a mostrar la trayectoria del héroe

tragicómico, que tiene un objetivo que perseguir (el amor, la justicia, la

ambición, un trono, etc) y de cómo éste lo consigue o no pasando por una

serie de obstáculos para llegar a su fin. Si los obstáculos se presentan

como positivos, es decir que parece que lo acercan cada vez más a su

objetivo, más que obstáculos son como pruebas superadas, el final será

negativo; si los obstáculos son negativos, parece que le impiden llegar a

su objetivo, y por lo general el final será positivo y alcanzará su objetivo.

Su creador fue Lope de Vega cuando rompe las estructuras del teatro

aristotélico. Lope se niega a obedecer las unidades, y entonces crea la

tragicomedia. En Francia, el término fue introducido por el dramaturgo

Robert Garnier (1545-1590).En el inicio del siglo XVII, este tipo de

teatro estaba de moda, más el estilo aún no estaba claramente definido.

Poco a poco, los autores fueron sometiendo sus obras a las reglas del

teatro clásico.Y entre los clásicos franceses del siglo XVII (Molière,

Pierre Corneille, Jean Racine), el término en cuestión designaba una

historia trágica con desenlace feliz.

El género no siempre agradó al público. "El Cid" de Corneille, por ejemplo,

tuvo que ser reescrito para transformarlo en una tragedia, después que

la primera versión recibió numerosas críticas desfavorables. No

obstante, este caso fue algo peculiar, pues pudo haber estado

contaminado por el cabale promovido por el cardenal Richelieu. Un caso

que también corresponde citar, es el de Victor Hugo, que con su drama

romántico intentó imponer una escritura que se situaba entre lo sublime

y lo grotesco, pero que no tuvo mucho éxito. Solamente en el siglo XX,

con el Teatro del absurdo, el público comenzaría a aceptar que las risas

no necesariamente excluyen la profundidad dramática. Extraído Junio

17, 2012, de la World Wide Web:

http://es.wikipedia.org/wiki/Tragicomedia

Zarzuela

La zarzuela en nuestro país se

originó, probablemente, del teatro

cantado que llegó por influencia de España: sainetes, comedias,

tonadillas, entre otros géneros del mismo estilo (primera mitad del s.

XIX). YA para el año 1864 encontramos los primeros registros de

compañías de zarzuela en Venezuela. En 1865 se forma la Sociedad de

Coristas de Caracas con la finalidad de proteger a los cantantes de las

compañías de zarzuela y de ópera.

Durante el régimen de Guzmán Blanco, mermó mucho la actividad de la

zarzuela. En el afán de convertir a Caracas en la "petit paris", el

gobierno le daba mayor apoyo a la ópera que a la zarzuela, por

considerarla de rango superior.

El panorama cambia en los últimos 15 años de este siglo. La vida de la

zarzuela se hace intensa y los espectáculos eran diarios en dos o tres

teatros a la vez. Las compañías viajaban al interior del país porque no

había teatros en Caracas. Se mantiene así hasta la muerte de Gómez

alrededor de 1920. Con la llegada de la radio, televisión, cine, etc.,

lamentablemente se ha venido perdiendo el interés por la zarzuela.

Compositores venezolanos que escribieron zarzuela: J.A. Montero,

Federico Villena, Manuel Fernández, Rogerio Caraballo, Pedro Elías

Gutiérrez y Sebastián Díaz Peña. Extraído Junio 18, 2012, de la World

Wide Web:

http://www.musicaenclave.com/forum/showthread.php?p=619

La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico

surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos,

coros...) y partes habladas. Su nombre procede del Palacio de la

Zarzuela, nombre del pabellón de caza cercano a Madrid donde se

hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género.

La zarzuela se cultivó con muchos aciertos al trasladarse a Cuba, donde

destacaron los compositores Gonzalo Roig y Ernesto Lecuona, y Rodrigo

Prats, Eliseo Grenet y a Venezuela, con José Ángel Montero y Pedro

Elías Gutiérrez.

En Filipinas, la popularidad de las zarzuelas cedió a la indigenización de

este género. Durante la colonización norteamericana, las sarswelas (la

forma indígena) fueron una forma mayor de mostrar resistencia a

fuerzas extranjeras. Honorata 'Atang' de la Rama fue conocida como la

Reina de la Sarswela Filipina. Esta forma de la Arte se llama también

zarzuelta en varios lugares del país.

La zarzuela es la forma española de la Opereta, representación teatral

que, a diferencia de la ópera, no es totalmente musical sino que alterna

partes habladas y partes musicales.

Los siglos XIX y XX fueron épocas de gran producción de zarzuelas en la

América Latina, en especial en Venezuela, Cuba, México y Argentina, de

donde salieron grandes obras que todavía son presentadas

internacionalmente como El cumpleaños de Leonor, de Montero que era la

historia de una mujer mayor que al descubrir la traición de su marido

buscaba una vida mejor en la gran ciudad; Maria La O de Ernesto Lecuona

y La Media Naranja del íbero-argentino Antonio Reynoso.

A partir de 1950 la zarzuela pudo sobrevivir gracias a la discografía, un

campo que se mantuvo en auge desde entonces. Se produjeron una serie

de grabaciones de gran éxito, la mayoría de ellas dirigidas por el músico

español Ataúlfo Argenta. Las mejores voces del momento aparecieron en

estos discos, cantantes mundialmente famosos que profesionalmente se

dedicaban a la ópera y a los recitales. Voces como las de Teresa

Berganza, Ana María Iriarte, Carlos Munguía, etc., participaron en las

grabaciones. Se añadieron los coros del Orfeón Donostiarra y Coro de

Cantores de Madrid contribuyendo a darles una gran calidad.

Tras la muerte de Ataulfo Argenta se incorporaron los directores

Indalecio Cisneros, García Asensio, y otros. Incluso hubo grabaciones

que fueron dirigidas por el propio autor de la obra, como fue el caso de

Pablo Sorozábal y Federico Moreno Torroba. En esta etapa participaron

en las grabaciones nuevas y grandes voces consagradas: Monserrat

Caballé, Alfredo Kraus, Plácido Domingo, Juan Pons, etc. Extraído Junio

19, 2012, de la World Wide Web: http://es.wikipedia.org/wiki/Zarzuela

(Aporte de Kellynsky Dávila)

Elementos de las Artes Escénicas.

Las artes escénicas constituyen manifestaciones socioculturales y

artísticas que se caracterizan tanto por los procesos comunicativos

singulares que le son propios, como por el hecho de que se materializan

en la escena a través de la síntesis e integración de otras expresiones

artísticas, desde las literarias hasta las plásticas. (Aporte colectivo de

Yasmín Ramírez)

a) Espacio teatral.

El espacio teatral puede ser: la escena, la sala, un edificio designado para

la representación o cualquier espacio adecuado u ocupado para tal fin

(calle, fábrica, etc.) Las principales relaciones entre escena y sala han

determinado cuatro tipos fundamentales de espacio teatral aunque de

estas se han derivado muchas variantes de acuerdo con los puntos de

vista que del teatro se han tenido durante la historia.

b) Espacio escenográfico: el espacio teatral determina el escenográfico.

Las propuestas escénicas son concebidas para ser presentadas en

lugares con características concretas, construidos tomando en cuenta los

medios técnicos y las convenciones aceptadas de acuerdo con la época.

Algunos géneros escénicos se han diferenciado de otros de acuerdo con

el uso que se hace de este espacio y sus recursos. Así, por ejemplo, se

puede ver una obra de teatro clásico en la que los espacios son telones

pintados que reproducen espacios reales, o teatro naturalista que

introduce elementos reales en la escena, o una producción más

contemporánea realizada en espacios múltiples. El espacio escénico es

una ficción creada por el texto, la dirección y la escenografía.

En ese sentido, puede ser un espacio mostrado, como en una puesta en

escena de Hamlet, en el que el escenario nos muestra el castillo del Rey

de Dinamarca, o un espacio aludido, como cuando solo con el sonido de

una campana se puede sustituir todo un cementerio. El espacio en las

artes escénicas es siempre un lugar que nos remite a algo más, tanto si el

espacio nos da una clara referencia –la reproducción de un bosque-, como

si éste nos evoca sensaciones sin referentes directos. Por ejemplo, en la

danza, en la que los lugares de la escena que se ocupan, la forma de

transitarlos y la distribución de los bailarines, condensan la realidad y

nos transmiten sensaciones, aunque no historias. En este caso, el espacio

tiende más a priorizar elementos plásticos y de movimiento. (Las artes

escénicas. Fundación Teatro Nacional Sucre, enero, 2008.) (Aporte de

Danny Alzuru)

El tiempo escénico

Es el contenido de la obra, se distribuye en actos y estos en cuadros y

escenas. El acto es cada una de las grandes partes en que se divide una

obra teatral. El cuadro está formado por la sucesión de los hechos

realizados sin cambiar decorado; y la escena, es la parte del acto en que

actúa uno o varios personajes hasta que llega otro u otros al lugar de la

acción. La distribución del

tiempo en actos cuadros y

escenas debe estar bien

graduada a fin de crear un

ambiente de interés constante

y evitar la monotonía.

El baile y la danza también forman parte de las artes escénicas, en ellas

también se ponen de manifiesto los elementos expresivos que se

señalaron arriba y el correspondiente vestuario. El vestuario debe estar

de acuerdo con el tipo de baile y personaje (si así lo requiere) según la

acción que se desarrolla.

Tiempo y espacio están íntimamente relacionados en varios planos. En las

artes escénicas todo sucede siempre en tiempo presente, incluso cuando

vemos el recuerdo de un personaje o cuando hay saltos temporales que

fraccionan el tiempo en una estructura de escenas no lineal, es decir,

escenas que no responden al principio de causa y efecto. Así como puede

haber espacios múltiples, puede haber también tiempos múltiples.

El tratamiento del espacio y el tiempo deben ser leídos tal como se lee

un libro. Dentro de las concepciones modernas estos dos elementos

constituyen una escritura, por lo tanto tienen una poética, una narrativa,

un relato, una dimensión plástica, y pueden ser manipulados, deformados,

limitados, exactamente igual que las palabras. (Aporte de Maryuri

Alizo)

La acción

Son los actos conscientes y voluntarios que llevan como objetivo la

modificación final de una situación. La acción es el eje con respecto al

cual giran y se encadenan las diferentes situaciones dramáticas y,

mediante ella, se organiza el argumento de una obra en un espacio y un

tiempo. Hay artes en las que la

acción constituye una escritura

basada en la construcción de

puntos de tensión en el espacio.

La acción puede ser una palabra

dicha o cantada, un cuerpo en desequilibrio en el espacio (una bailarina

clásica en puntas de pie), una multitud que corre, un discurso, una

decisión producto de un diálogo, un gesto, un movimiento lleno de

virtuosismo, etc. El desequilibrio de un conflicto es lo que obliga a los

personajes a actuar para resolver la contradicción, pero su acción (y su

reacción) ocasionará otros conflictos y contradicciones, o la necesidad

de un movimiento, una palabra, un sentimiento, es decir, una acción.

(Aporte de María Quintero)

La estructura y sus componentes.

Las artes escénicas son una estructura que se forma de varias partes

funcionales que pueden cambiar de acuerdo con las características

particulares de cada una. Sin embargo, tiene en común elementos

fundamentales como el texto, los personajes, el conflicto, la situación,

como veremos a continuación:

a) Texto

Toda representación tiene un texto, sea éste el texto literario de un

autor al que la puesta en escena se refiere (teatro, ópera, drama), un

texto incidental que guía la elaboración de una composición escénica

(danza, teatro, teatro-danza, ópera), un texto hecho del accionar de los

elementos escénicos (performance, happening), etc. El texto es,

básicamente, el desarrollo de un plan establecido que guía la evolución de

una representación de un inicio a un final, dado que todo actor o

performer (bailarín, cómico, narrador, etc.) aparece en un espacio para

hacer algo. En algunas formas escénicas el texto es en realidad un

pretexto (pre-texto) que da como resultado un accionar.

b) Conflicto o tensión

La dinámica de las artes escénicas se basa en personajes que intentan

resolver conflictos que se dan ante ellos. El conflicto puede darse entre

dos personajes, dos o más visiones del mundo, o varias actitudes frente a

una misma situación. Lo que hace que un conflicto sea dramático (es decir

que esté en el territorio de las artes escénicas) es la existencia de un

obstáculo que hay que superar, de lo contrario estaremos frente al

territorio de lo puramente plástico, en el que importa la forma, el color,

la belleza de un accionar, pero no hay un desarrollo hacia un objetivo.

c) Personaje

La definición más común asocia al personaje con la interpretación. El

personaje se construye por una suplantación de identidad (el actor juega

a que es otra persona), esa noción se complementa con la del performer

(ejecutante), es decir, alguien

que no asume otra

personalidad, aunque sí

características distintas a su

ser cotidiano con las que

evoluciona frente a un público.Los dos criterios: personaje y performer,

han traspasado la línea particular que los vincula a un arte específico y

ahora podemos encontrar teatro no interpretativo, es decir, un tipo de

obra de teatro en donde no hay personajes sino personas (performers), o

danza con personajes, o personajes con música, etc.

d) Situación

La situación comprende las condiciones espacio-temporales en las que se

desarrolla el drama, así como también las condiciones que genera el juego

escénico durante una representación. Cada conflicto genera una nueva

situación y ésta se puede leer en la expresión corporal, la mímica y la

posición en el espacio de los actores y ejecutantes, la escenografía, la

naturaleza profunda de las relaciones sicológicas y sociales entre los

personajes y, en general, toda indicación determinante para la

comprensión de las motivaciones y acciones de los personajes.

e) Accesorios

Pueden definirse como objetos en los que el actor ejecuta acciones,

objetos a los que se dirigen gestos intencionales del actor. Su función

significativa primaria es representar ese objeto y, como tal, realiza

funciones prácticas y simbólicas. En su función segunda puede referirse

al personaje que lo utiliza, interpretado por el actor, y ser un signo del

personaje. Como objeto permite al actor realizar actividades que se

refieren al personaje, acciones que se realizan a menudo en interacción

con otros actores–personajes; se trata entonces de un signo de relación.

Tiene poder caracterizador, o sea, puede ser signo respecto al sujeto

que lo utiliza. Esta función significativa tiene especial valor en la

caracterización de personajes alegóricos. Pueden realizar esa función

debido a que aportan un significado simbólico que está en la base de un

código cultural determinado. La formación de un significado simbólico

mediante un objeto o accesorio tiene lugar cuando hay un código

específico teatral o cultural que todos conocen y comparten.

f) Decorado

Mientras el escenario

significa el lugar

donde el personaje se

encuentra, el

decorado actúa con el

significado del lugar

donde permanece más

o menos tiempo.

Todos los signos teatrales están siempre implicados en un código teatral

complejo, dentro de una determinada cultura; por tanto, cualquier

elemento de la vida social puede ser llevado al teatro con sus

significados prácticos y simbólicos; no ocurre así con los significados del

decorado, pues por razones obvias no se puede llevar al teatro un jardín,

un castillo o un bosque real. El teatro, por esta razón, desarrolla un

código específico para el decorado. Existen muchas posibilidades: lienzos

pintados, objetos alusivos al lugar, remitirse a un lugar con sólo una parte

de él, realizar estilizaciones o incluso reproducciones fieles. Estos signos

se interpretan como el lugar donde el personaje permanece: casa, calle,

taberna, habitación, catedral, etc. Pueden referirse tanto a exteriores

como interiores, a espacios naturales o artificiales, e incluso a espacios

ficticios (como el cielo o el infierno).

Los signos del decorado se interpretan también en relación a la época en

que la representación se sitúa. Así mismo actúa como signo del país en el

que se desarrolla la obra. Caracteriza de forma más cercana al lugar

referido y en este sentido, época y país, tiene relación con el vestuario.

El decorado puede como signo de una situación o de una acción, en tanto

que determina el lugar como un sitio concreto en una época determinada.

Puesto que remite a una función práctica que puede realizarse en él, pasa

de ser signo de un lugar a signo de las funciones que pueden realizarse en

ese lugar, tanto prácticas como simbólicas. Por tanto, representa no sólo

el lugar sino también las acciones y situaciones que podrían darse en él.

Las funciones prácticas del decorado son válidas en tanto el actor tiene

la posibilidad de realizar acciones con ellas: abrir puertas, subir

escaleras, etc. Sin embargo, el actor no realiza esas acciones con un

verdadero fin práctico, sino para mostrar que el personaje que

representa las realiza. Así, el decorado varía su significado en relación al

personaje.

Todo lo dicho es válido para decorados referidos a lugares determinados.

Si el decorado no representa un lugar ni lo sugiere, no se pueden

identificar los movimientos del actor en relación a funciones prácticas,

sino siempre en relación a funciones simbólicas. Con este procedimiento,

el decorado intensifica la función del espacio escénico. Es el caso de

obras que se representan sobre una cinta transportadora o en una

estructura metálica, por ejemplo.

En cualquier caso, el decorado puede definirse como el medio ambiente

del personaje y puede utilizarse también para caracterizarlo: situación

social, valores, ideas, etc., marcando en ocasiones las posibilidades de

interacción de personajes.

Según la cultura en que se produzca el hecho teatral, el decorado puede

también sugerir sentimientos y sensaciones, mediante las formas

(abiertas, cerradas, esféricas, macizas, etc.), las disposiciones

arquitectónicas y el color.

Mediante su significado simbólico puede actuar como signo de ideas: el

mundo concebido como una cárcel, la vida como laberinto o como campo

de batalla.

Su posición en un código teatral de una determinada cultura y la

selección de signos sólo pueden comprenderse e interpretarse por el

contexto completo de ese código teatral. Extraído Junio 20, 2012, de las

World Wide Webs: http://www.all-

artecuador.com/download/ftns/inserto_pedagogico1.pdf,

http://www.rena.edu.ve/SegundaEtapa/ESTETICA/artesmusicales.html,

http://arteescenicas.wordpress.com/2010/04/12/el-espacio-escenico/,

http://es.wikipedia.org/wiki/Artes_esc%C3%A9nicas (Aporte de

Kellynsky Dávila)

Medios audiovisuales

La Comunicación juega un papel de suma

importancia dentro del desarrollo de la

Sociedad en General, ya que la misma tiene que

ver con la forma como los individuos

interactúan y como influyen los unos sobre los

otros. La comunicación es el ―portador básico del proceso social‖. La palabra

Comunicación tiene su origen en la lengua latina, deviene del adjetivo ―Comunis‖

que significa Común. De ese vocablo latino se derivan también las palabras

comunal, comunidad, comunión, entre otras.

Del verbo latino ―comunicarse‖ — que puede entenderse como compartir o

tener comunicaciones con otros — se han derivado otras palabras como

comunicado, comunicante y especialmente comunicación. Una vez aclarado el

origen etimológico de la palabra Comunicación se puede decir que la misma:

Es la acción y el efecto de comunicar algo o de comunicarse.

La Comunicación puede definirse como un proceso mediante el cual un individuo

(emisor) le transmite a otro (receptor) determinada información, a través de la

palabra u otro medio (canal) con un propósito determinado. De este modo la

comunicación implica reciprocidad, en este sentido, es necesario visualizar el

proceso de la comunicación. (Aporte de Danny Alzuru)

La importancia del medio reside en que hace posible la transmisión o transporte de un

producto comunicacional o mensaje. En otras palabras, sin medios de comunicación no

existiría la posibilidad de enviar y recibir mensajes. Dicho mensaje debe ser claro y

comprensible para ambos comunicantes, pues de lo contrario no se establecería una

―comunicación eficaz‖. Se le ha dado diversos nombres a la manera de comunicarse en

masa, lo cual ha generado una discusión sobre la denominación más conveniente. Las

más frecuentes son la Comunicación Social (la más usada), Comunicación Colectiva y

Comunicación de Masas.

Factores del proceso comunicativo.

Para que la comunicación sea efectiva, es

necesario que todos los factores que

intervienen en el acto comunicativo

funcionen perfectamente. Estos son los

factores necesarios en el proceso de la

comunicación: Explora el diagrama.

Los Medios de Comunicación Social.

Uno de los elementos más representativos de la evolución tecnológica humana

se configura en los medios de comunicación, los mismos han logrado evolucionar

con el pasar del tiempo. De tal forma se puede visualizar el avance en estos

medios. Los medios de comunicación social se clasifican en:

Medios Impresos:

Son aquellos cuyo contenido está representado por la escritura.

Entre ellos encontramos la prensa, revistas, libros, etc.

Medios Sonoros:

Son aquellos que pueden ser percibidos a través del oído. Entre

ellos están la radio y el teléfono.

Medios Visuales:

Son aquellos cuya información es eminentemente icónica, es decir,

hacen uso de la imagen para la construcción del mensaje. La

publicidad es el área de la comunicación que mayor uso hace de

este tipo de medios, especialmente a través de vallas.

Medios audiovisuales:

Son aquellos cuyos mensajes se perciben simultáneamente con la

vista y el oído, como la televisión y el cine.

Medios multi-mediáticos:

Son aquellos medios en los que se encuentra una fusión de todos

los elementos de los medios anteriores, es decir, elementos

sonoros, visuales, escritos y audiovisuales, se configura con la

presencia de La Internet o superautopista de la información.

Dichos medios de comunicación ejercen una poderosa influencia en la sociedad;

son los llamados medios de difusión masiva. Los más importantes son, sin duda,

la prensa, la radio y la televisión. (Aporte de Zoraida Bastidas)

Voltaire decía que el periodismo o el medio escrito existía en China desde

tiempos inmemoriales. Sin embargo, se perfila su existencia, claramente, en el

imperio romano, al confeccionarse comentarios y actas en los que no sólo

aparecían Edictos sino también noticias de la sociedad, sucesos y rumores de la

urbe. En el Renacimiento aparecen avisos, gazetas, hojas y relaciones que

proliferaron con ocasión del movimiento mercantil en ciudades y puertos. En

1493 circularon en Europa varias ediciones de una hoja titulada Descubrimiento

del Nuevo Mundo por Colón. En toda esa época, las publicaciones eran

ocasionales, como la editada en México en 1514 en relación con el terremoto en

la ciudad de Guatemala.

En América los primeros periódicos aparecen en el siglo XVIII. El más antiguo

es La Gazeta de México y Noticias de Nueva España (1722), que incluían

noticias de diversas poblaciones de todas las regiones de México, de otras

ciudades de América y de Europa. En lo sucesivo comenzaron a aparecer

diversas gazetas en América: en Guatemala y Costa Rica en 1729; el Diario de

Lima en 1790; y muchos otros.

La radio.

A raíz de los descubrimientos de los físicos Maxwell y Hertz y los inventos de

Marconi, la radiodifusión comenzó a desarrollarse a principios del siglo, y llegó

a constituir un sistema universal de comunicación de noticias, en forma

inalámbrica. En un principio le sirve a la navegación y a la economía; de igual

forma, desempeñó un papel decisivo en la primera guerra mundial y en la

revolución rusa. En la actualidad, y por lo general en todos los países, su

función es la misma: información, instrucción, entretenimiento y prestar

servicio a la comunidad.

La televisión

El desarrollo de la televisión surge de la necesidad de un dispositivo que fuera

adecuado para explorar imágenes. Fue en el año 1884 por intermedio del

inventor alemán Paul Gottlieb Nipkow quién creó un aparato llamado Disco

Nipkow. Era un disco plano y circular que estaba perforado por una serie de

pequeños agujeros dispuestos en forma de espiral partiendo desde el centro.

Al hacer girar el disco delante del ojo, el agujero más alejado del centro

exploraba una franja en la parte más alta de la imagen y así sucesivamente

hasta explorar toda la imagen. La naturaleza mecánica del disco no lograba

emitir una buena definición en las imágenes, puesto que no funcionaba con

tamaños grandes y con altas velocidades.

Los dispositivos eficaces surgieron años después, en 1923 el físico

estadounidense Vladimir Kosma Zworykin inventó el Iconoscopio, un t ubo

electrónico y sensible, utilizado para transformar las variaciones de la

intensidad de la luz en variaciones de la carga o corriente eléctrica. Fue

utilizado durante mucho tiempo para televisar películas. Luego el ingeniero de

radio estadounidense Philo Taylor Farnsworth inventó el disector de imágenes.

En el año 1926 ingeniero escocés John Logie Baird ideó un sistema de

televisión que incorporaba los rayos infrarrojos para captar imágenes en la

oscuridad.

Después de finalizada la Primera Guerra Mundial los sistemas de televisión se

hicieron realidad. Las primeras transmisiones públicas fueron realizadas en

1927 por la BBC de Londres, y consecutivamente en 1930 por la NBC y CBS en

los Estados Unidos. Las emisiones televisivas con programación continua se

dieron en el año 1936 en Inglaterra, y en 1939 en Estados Unidos. (Aporte de

Zoraida Bastidas)

La televisión es de real importancia en el aula con los niños ya que este medio

debe ser utilizado para despertar el interés en la clase y no se les hace tan

molestada debido a que no esta la maestra parada frente a ellos dictando una

clase y los niños dedicados simplemente a copiar, sino que con este medio los

niños toman más interés y aprenden de una manera más rápida lo que la

maestra quiere enseñar. La televisión es un medio que debe saberse utilizar y

explicarle a los niños el porqué de lo que allí nos muestran debido a que muchas

veces los niños ven programas en los cuales no les están dando buenas

enseñanzas sino que son cosas malas y que el niño muchas veces hace por el

simple hecho de haberlas visto en la televisión. (Aporte colectivo de Liry

Ramírez)

Los Medios de Comunicación Social en Venezuela.

El surgimiento de los medios de comunicación en el país es relativamente

reciente. En la época colonial, los medios usados para comunicarse eran las

llamadas postas (mensajería de a pie o a caballo). La ―era moderna‖ de la

comunicación en Venezuela se inicia el 29 de mayo 1856 con la introducción del

telégrafo eléctrico, y cuya primera línea fue desarrollada entre Caracas y La

Guaira. Sin embargo, el primer medio de comunicación social que incursiona en

Venezuela es la prensa, con la aparición de la Gaceta de Caracas, el 24 de

octubre de 1808. Después del 19 de abril de 1810, cuando se escuchaban

indicios de la libertad, surge una serie de periódicos entre los que destacan El

Semanario de Caracas (1810-1811), El Patriota de Venezuela (1811-1812), El

Mercurio Venezolano (1811), El Publicista de Venezuela (1811). (Aporte de

Maryuri Alizo)

La radio o el medio radiofónico.

Surge en Venezuela en el año 1926, con la aparición de la primera emisora de

radio en Caracas, que se llamó Ayer, fundada y dirigida por el Coronel Arturo

Santana. Fue cerrada por el gobierno 1928 a causa de sucesos políticos

protagonizados por estudiantes de la Universidad Central de Venezuela en

contra del dictador Juan Vicente Gómez. Posteriormente se fundó la

Broadcasting Caracas, cuya primera transmisión se dio a control remoto, desde

la plaza Henry Clay el 9 de diciembre de 1930, y fue fundada por el Almacén

Americano. Después de la muerte de Gómez, surgen nuevas emisoras en todo el

país. En 1940 se graduaron los primeros locutores profesionales. Actualmente

funcionan alrededor de 175 emisoras comerciales de radiodifusión, más cientos

de emisoras comunitarias en todo el país. (Aporte de María Q uintero)

Conclusión

El arte es de vital importancia en la educación, es generador del

desarrollo de la expresión creativa natural de todo ser humano. Además,

conduce al educador y al educando en la ardua tarea de la creatividad, la

sensibilidad, la apreciación artística y la expresión contribuyendo al

espíritu creativo y social de todo individuo.

Algunos artistas han sido especialistas: personas con talento que por

medio del estudio, la experiencia o por intuición genial se han convertido

en expertos de las formas, de los colores y las líneas. A veces pretenden

reflejar fielmente el mundo visible o crear imágenes del mejor modo.

De una forma u otra el arte ha reflejado siempre las preocupaciones

íntimas del hombre, ha sido el exponente tanto de los interrogantes

acerca de la propia existencia como de las convulsiones sociales.

Comprender la función del arte y su historia es por tanto, plantearse de

nuevo los problemas esenciales de nuestra cultura. De esta manera, los

docentes deben asumir retos en busca de formas nuevas de enseñanza y

aprendizaje y con el fin de desarrollarlas en su labor docente logrando

en los alumnos aprendizajes significativos. Una de las maneras de

lograrlo es mediante las formaciones estéticas en las que se destaca en

esta investigación la formación constructiva donde el niño aprende

haciendo.

La educación artística constituye experiencias constructivistas que

buscan favorecer la integración de contenidos dándole una concepción

más integradora a nuestras experiencias de aprendizaje, asumiendo el

bloque de contenidos correspondiente a la educación estética, dentro del

C.B.N, como eje fundamental de la acción docente. Tambien es

importante tener presente el avance y el uso de las tecnologías, que nos

proporcionaran gran ayuda al momento de estar en el aula de clase, y con

esto emplear los audiovisuales en el proceso de enseñanza -aprendizaje

como estrategia didáctica. La escuela es preparación para la vida es la

vida misma, por ende, debe presentar la dosis de esfuerzo que la vida

real requiere. (Aporte de Zoraida Bastidas)

Referencias

Fecha: 26-06-2012

Hora: 4pm

http://www.rena.edu.ve/SegundaEtapa/ESTETICA/artesescenicas.html

Fecha: 26-06-2012

Hora: 4:30pm

http://suite101.net/article/escritura-creativa-texto-experimental-a213

Fecha: 26-06-2012

Hora: 6pm

http://www.misrespuestas.com/que-son-las-artes-escenicas.html

Fecha: 27-06-2012

Hora: 2:40pm

http://www.ecured.cu/index.php/Artes_esc%C3%A9nicas

Taibo, C. (1992). Áreas, Consultor Didáctico: Arte y Filosofía.

Barcelona: Nauta.

Las Artes escénicas

en:http://www.ilustrados.com/tema/2374/teatro-dramatico.html

Textos creativos

:http://www.ecured.cu/index.php/Instalaci%C3%B3n_art%C3%ADstica

http://suite101.net/article/escritura-creativa-texto-

experimental-a213

Definición de arte

Fecha: 26/06/12

Hora: 11 pm

http://definicion.de/arte/

Definición de textos

Fecha: 26/06/12

Hora: 9 pm

http://www.contenidoweb.info/textos/que-es-un-texto.htm

Definición de creatividad

Fecha: 26/06/12

Hora: 11 pm

http://petra.upeu.edu.pe/creatividad/creatividad.htm

Textos creativos

Fecha: 27/06/12

Hora: 8 pm

http://conocimientoysistemas.wordpress.com/2010/02/11/textos-creativos-y-el-uso-

de-las-tic-en-el-aula-%E2%80%93-experiencia-en-proceso-de-consolidacion-

%E2%80%93-primera-parte/

Referencias bibliográficas

Mantovani, A. (1993). Dramatización y Educación Primaria.

Madrid: Editorial Luis Vives.

Sefchovich, G. (1996). Expresión corporal y creatividad.

México: Editorial Trillas.