Tema 1a -Concepto en La Identidad en La Performance Arte Vivo

Clase

Paco Lara-Barranco ([email protected]) Parte II

Nº de créditos europeos (ECTS): 6Carácter: Obligatorio

Año Académico 2012-2013

El concepto de identidad en la performanceo el arte vivo

Master

ARTE: IDEA Y PRODUCCIÓNUniversidad de SevillaFacultad de Bellas Artes

Curso

•Las preguntas que cada uno se hace son determinantes para provocar (-se) …

… con el fin de descubrir hacia dónde queremos dirigirnos en el día a día,..

- … como estudiantes de arte que persiguen encontrar “una voz propia”

- … como personas, que se relacionan con el entorno de un “modo crítico”.

Introducción

• Mi biografía NO es importante para los estudiantes de este curso, SÍ lo es para mí.

Introducción

• Se trata de construir una biografía propia: se necesita para ello, ser pro-activo en/con el diario.

• ¿Qué hace el estudiante para ser, pro-activo en/con su diario?

• El descubrimiento en la Ciencia (a través de la innovación) y la creación en el Arte (a través de la experimentación) están más unidos de lo que parece.

• El científico y catedrático de la Universidad de Sevilla, José López Barneo habla de la importancia que tiene VIABILIZAR la práctica científica:

– No se puede llegar a tener un gran laboratorio si no se empieza por

las pequeñas cosas. • Un artículo te lleva a otro, y después a un proyecto, y después a otro que te

permite financiar una posterior investigación de más envergadura.

– También, subraya que la gran ciencia parte de “ideas bonitas”. • Diseñar bien tu línea de investigación.• Buscar “algo” que da sentido a tu existencia.• Perseguir “algo” que tenga repercusión en beneficio de la sociedad.

Introducción

• Viabilizar el trabajo supone:– Cambiar de procedimiento, si es necesario (pintura, fotografía, bolígrafo…)– Adaptarse siempre a las nuevas circunstancias (personales, de mercado)– Buscar, con creatividad, la forma para seguir desarrollando “lo de uno”.

• VIABILIZAR SUPONE que nuestras ideas/proyectos, no dependan de: – La técnica, – Los recursos económicos.

Introducción

• El artista en cierto modo puede “viabilizar” su trabajo cuando empieza con el desarrollo de una obra (o proyecto) que “no necesita de un gran aparataje técnico”: LA IMPORTANCIA DE NO DEPENDER DE LO EXTERNO.

– Si la cosa funciona –en alusión a una película de Woody Allen (de 2009)-, se puede ir haciendo un hueco en el contexto cultural que le rodea… o no… esto último es lo menos importante.

• Pero, ¿qué hacemos cuando… nuestra obra no está siendo COMPRENDIDA / ACEPTADA del modo como habíamos pensado?

Introducción

Introducción

¿Qué preguntas podría hacer-me para averiguar cómo me relaciono con el arte contemporáneo?

– ¿Por qué me parece de poco interés el arte contemporáneo?

– Cuando valoro una obra es porque tiene… tal o cual circunstancia.

– ¿Por qué no considero que algo “invisible” puede ser una propuesta artística?

– ¿Qué es para mí una obra de arte?... ¿cuándo deja de serlo?

• ENVIAR las reflexiones a las preguntas anteriores ANTES DEL PRÓXIMO DÍA DE CLASE A: [email protected]

Según Richard Wollheim (filósofo, crítico de arte)

La tradición NOS dice: Obra de arte = trabajo + decisión

Miguel Ángel, Piedad, 1498 a 1499Mármol, 174 x 195 cm

RESPONSABILIDAD DEL ESPECTADOR: Conviene conocer los CAMBIOS de la historia, en materia de producción artística

Marcel Duchamp, Urinario, 1913

UN CAMBIO RADICAL DE PARADIGMA a la hora de producir el objeto de arte: Ready-made (carece de “trabajo”) = el valor de la obra recae en la idea

La renuncia estético-emocional hacia el objeto: Arte Conceptual

• Una obra “SIN CUERPO” físico, que se aleja de lo que usualmente es aceptado como “objeto de arte”.

• Insiste en el valor de la inmaterialidad con una propuesta estrictamente conceptual.

• Se cree en la idea como motor del proceso creativo.

Arte Conceptual: ¿una cuestión de fe? ¿En qué cree el artista conceptual?

• ¿Qué ocurre cuando un artista piensa del siguiente modo?:

“El mundo está lleno de objetos,

más o menos Interesantes; no

desearía añadir ninguno más.”

(Douglas Huebler)

Douglas Huebler, Sin título, 1969

ESTA SUPERFICIE CONSTITUYE UN DIBUJO QUE SERÁ COMPLETADO DESPUÉS DE QUE EL RECEPTOR HAYA:

MIRADO A LA MISMA

RESPIRADO HACIA LA MISMA

LEIDO ESTAS PALABRAS

OLVIDADO ESTAS PALABRAS.

“Es mucho más importante,

saber transformarte que la innovación”

Ferrán Adriá, cocinero

Spencer Tunick, Mexico City 3 (Zócalo, MUCA/Universidad Nacional Autónoma de

México), 2007

Tracey Emin, My Bed (mi cama) , 1999Cama deshecha con las sábanas sucias,

bragas ensangrentadas, colillas y preservativos

- Social

- Colaborativo

- El cuerpo en relación con su entorno natural y con “otros cuerpos”

- Individual

- Íntimo

PRESENCIAS DEL CUERPO

¿QUÉ ES UN OBJETO DE ARTE PARA MÍ?

- ¿Lo que está bien hecho?

Preguntas marco

Francisco de Zurbarán, Agnus DeiÓleo sobre tela, 38 x 62 cmMuseo del Prado, Madrid

Lo que el artista hace obedece al modo de responder a la pregunta arriba enunciada, además de los condicionantes de la época: económicos, políticos, sociales, culturales… personales.



Preguntas marco

- ¿Lo que transgrede a lo establecido?

Jeff Koons, Puppy, 1992-95

Instalación Museo Guggenheim, Bilbao



Preguntas marco


- ¿Lo que se relaciona con el “buen gusto”?

Johannes Vermeer, La lechera, 1658-1660

Rijksmuseum, Amsterdam



Preguntas marco


- ¿Lo que se relaciona con el “mal gusto”?

Jeff Koons, Michael Jackson and Bubbles, 1988

Porcelana y mezcla de cerámica

106,6 x 179,7 x 81,2 cm




Preguntas marco



- ¿Lo que se asocia con el “gusto indiferente”?

Marcel Duchamp, Rueda de bicicleta, 1913

(Réplica de 1964)

- ¿Lo que se relaciona con el “mal gusto”?


Preguntas marco

- ¿Dónde se sitúa “mi gusto”?

- ¿El arte contemporáneo es “sólo cuestión de gusto”?

- ¿Mi gusto permite COMPRENDER LO QUE OTROS HACEN?

- ¿Hay que dejar que sólo nuestro gusto decida acerca de esta cuestión?

Marcel Duchamp: ready-made un HITO siglo XX

• “Si el Sr. Mutt construyó o no con sus propias manos la Fuente no tiene ninguna importancia. Él la ELIGIÓ. Tomó un objeto de la vida diaria, lo reubicó de manera que se perdiera su sentido práctico, le dio un nuevo título y punto de vista y creó un

nuevo significado para ese objeto”. ( M.D.)

• “La elección de los readymades está siempre basada en la indiferencia visual y, al mismo tiempo, en la ausencia total de buen o mal gusto” –MD

• http://www.youtube.com/watch?v=JIr-4oZTHD0

• Hay tres tipos de “gusto” en relación a los objetos de arte: “Gusto malo, bueno, e indiferente” (Marcel Duchamp).• http://www.youtube.com/watch?v=ZUYovIM8WQc&feature=PlayList&p=0D15258C09515EE4&playnext=1&index=3

Si la importancia está en el SIGNIFICADO del objeto de arte que realizamos…

… ¿quién pone las limitaciones, la línea roja, a la forma y al concepto (idea-significado) de los objetos que realizo?

Preguntas marco

2.2. ¿Lo externo? (galería, crítica, medios materiales y económicos… EL GUSTO DEL OTRO).

2.3. ¿Pueden ser “mis objetos” de otra manera? (depende de los dos puntos anteriores).

2.1. ¿Yo? (mi forma de pensar…. ¿MI GUSTO?).

¿Sobre qué quiero basar MI INVESTITACIÓN?...

… si pretendo encontrar MI VOZ (la voz es el estilo, el rasgo que define mi línea de ver-pensar la realidad que me rodea)

- Primero: habrá que definir el objetivo de lo que se pretende.

- Segundo: habrá que planificar cómo llegar al objetivo de forma clara.

Preguntas marco

Preguntas marco

Por el paralelismo encontrado con una reciente emisión televisiva (programa REDES), a los dos puntos indicados se le añade un tercero (el de la fase crítica):

Disponible en: http://www.rtve.es/alacarta/videos/redes/redes--mirada-elsa-creatividad/1643868/

En este video se destacan 3 fases para desarrollar la creatividad:

- Fase de los sueños: permite plantear sin limitaciones lo que quiero hacer.

-Fase realista: se plantea cómo vamos a conseguir los objetivos dichos anteriormente.

-Fase crítica: aquí se realiza una auto-crítica a lo planteado y se determina si los objetivos son realistas (realizables y posibles). Esta fase permite poner “los pies en el suelo” y nos hacer ver con más realidad si lo planteado puede o no ser posible.

Otros piensan que:• “No hay nada que hacer, sencillamente hay que buscar dentro de uno y

dejar que la ‘cosa’ fluya y salga”. (Juan Carlos Lázaro).

• “No se preocupe de la técnica. Busque siempre lo que vea que equivale a lo que siente. La técnica nace de esto”. (Giorgio Morandi)

Preguntas marco

¿Sobre qué quiero basar MI INVESTITACIÓN?...

… si pretendo encontrar MI VOZ…

Fotogramas de la performance: Cutáneo.Duración 14 minutos.

Fotografía digital, látex y porta-diapositivas. Medidas variables, 1999.

Javier Velasco

• Javier Velasco: entiende el cuerpo como un instrumento para la auto-exploración.

• El cuerpo como cápsula de tiempo que deja la huella de lo que ha vivido.

• Cada fragmento habla de lo que le (nos) representa, es una parte de su identidad, de su historia.

• La sentencia de Douglas Huebler: “El mundo está lleno de objetos, más o menos interesantes: no desearía añadir ninguno más”, NOS LLEVA A AFIRMAR QUE conviene p-o-n-e-r-s-e en “la

piel” del otro, si queremos entender por qué hace lo que hace.

CUTÁNEOPerformance 1.999

50%. Foto-performance. Cuerpo, látex. 9 imágenes de las 25 fotografías que componen la pieza, 1999.

Javier Velasco

50%,1999Látex, percha metalizada e hilo de nylón

48 x 50 cm

Javier Velasco

Lo que más cuesta al espectador del arte contemporáneo es ACEPTAR QUE EL OTRO “ES DIFERENTE A MÍ”

Pablo Picasso: collage un HITO siglo XX

• Lo que nos ha llegado de Picasso, además de su descomunal producción de objetos (pinturas, esculturas, cerámica, fotografías, dibujos, procesos de trabajo…), ha sido el rasgo que ha definido su su carácter, su naturaleza humana.

• Podríamos definir su personalidad como la de un “inconformista endémico”

• “Inconformista” porque NO ACEPTA lo establecido en referencia a cómo abordar la pintura (léase la práctica artística).

• “Endémico” porque es portador, de un germen interno, que le empuja hacia la continua búsqueda de lo nuevo.

• Quizás por lo anterior llegó a pintar con sólo 26 años, cuerpos desnudos deformados, de mujeres con “mala reputación”, acompañadas de un bodegón en la base de la composición: Les demoiselles d’Avignon.

Pablo Picasso

• Pablo Picasso: ¿inconformista endémico? = la búsqueda de la innovación forma parte de su personalidad.

• Inventor del Cubismo: influencia de la escultura africana y de su gran precursor, Paul Cèzanne.

• El cubismo “piensa” la pintura, la aborda desde el punto de vista intelectual (también intuitivo).

Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907Óleo sobre tela, 243,9 x 233,7 cmMuseo de Arte Moderno, Nueva York

Pablo Picasso: collage un HITO siglo XX

• El COLLAGE* introduce FRAGMENTOS DE LA VIDA REAL en el espacio ficticio del cuadro.

• NO SE IMITA LA REALIDAD.

• No obliga al artista a que demuestre sus habilidades técnicas EN TÉRMINOS DE REPRODUCIR LO QUE VEO (no es necesario emular la realidad cuando ya está puesta sobre el cuadro).

• Por todo lo anterior, el collage termina siendo “más real” que la imagen fotográfica de un objeto.

* El collage “consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar.

(Disponible en http://es.wikipedia.org/wiki/Collage)

Still Life with bowl and Fruit, invierno, 1912grafito, cera negra, acuarela, pintura al óleo,

pigmento negro aglutinado con medio sobre periódico(Le Journal, 6 y 9 de diciembre de 1912),

papel azul y blanco sobre cartón64 x 49,5 cm

Pablo Picasso

=

Expresionismo Abstracto

• Que la pintura fuera CARACTERÍSTICAMENTE PERSONAL.• Corriente Subjetivo-Caligráfica.• PRESENCIA del “yo”: autor no distanciado del proceso.• Pintura de acción (Action Paintig).• Chorreo (Dripping).• Pintura NO relacional (All-over).• http://www.youtube.com/watch?v=tQfXC6qV4CY&feature=related

Los años 50

• Un deseo por la experimentación Robert Smith: Free-for-all (“Libre-para-todo”).

• Diversos “niveles” de distanciamiento estético-emocional, frente a lo producido.

Expresionismo Abstracto: la pasión un HITO siglo XX

“El pop art desea, sin ilusión alguna, hacer que las cosas hablen por sí mismas”

Andy Warhol

Arte Pop

• LO QUE VES ES LO QUE VES.• Afirmación que insiste en crear un distanciamiento entre

el productor y la obra: la máquina genera la imagen.

• La actividad artística ha de fusionarse con la realidad.

Andy Warhol, Gran lata de sopa Campbell, 1962 Polímero sintético y lápiz sobre lienzo183 x 137 cm

Arte Pop: la realidad en el cuadro un Hito s. XX

Robert Morris, Card File, 1962 Concebida el 11 de julio de 1962, finalizada el 31 de diciembre de 1962 a las 17:10, tras la decisión del artista, plasmada en la ficha “Decisións”.Tarjetas con información archivadas (para ser contempladas y leídas)119 x 26,7 x 5,10 cm

Máxima renuncia estético-emocional hacia el objeto

• La IDEA.

• RECHAZO DE LA CONSTRUCCIÓN DEL OBJETO ÚNICO.

• El uso exclusivo de leguaje.• La pérdida de la visualidad.• La extensión en el tiempo.

“La noción de que el trabajo es un proceso irreversible que da comoresultado a un objeto‑icono estático ha dejado de tener relevancia”

Robert Morris

Arte Conceptual: “sólo la idea” un Hito s. XX

Christine Kozlov, Eating Piece (Trabajo figurativo n. 1), 196912 páginas mecanografiadas. 27,9 x 21,6 cm (cada una)

• Lo cotidiano como argumento.

Arte Conceptual

LA IMPORTANCIA DE LOS ANTECEDENTES

• Fruto del contexto anterior se desarrollan happenings, actions, fluxus events y body art en las décadas de los 50, 60 y 70.

• Acontecimientos que transcurren en el momento en que son contemplados.

• Se aborda el hecho artístico desde la libertad total en cuanto a medios: cuerpo, música, espacio, interrelación con otros medios (teatro), danza, lenguaje,…

• Se reivindica la transgresión de cualquier aspecto tradicional ligado a las artes plásticas.

• Una vez realizada la performance, ésta SE PUEDE DIFUNDIR mediante el video, la fotografía, el texto impreso...

• 18 happenings in 6 parts (TODO QUEDA DETERMINADO CON ANTERIORIDAD)

• El público recibe un programa y 3 hojas grapadas con instrucciones para su participación; la performance se divide en 6 partes con 3 happenings cada una.

• El comienzo y el final estaba marcado por una campana.

• La galería estaba dividida en 3 habitaciones donde el público iría pasando cuando las instrucciones del programa lo requiriera… “las acciones no significarán cosa alguna”… aunque cada secuencia fue “detenidamente ensayada durante dos semanas”.

• Se determinó que no hubiera aplausos después de cada parte, aunque se podría aplaudir, a decisión del público, cuando finalizara la performance.

• La performance crea un ambiente interactivo “artista-espectador”.

• La performance pretende “aumentar” la responsabilidad del espectador: “usted se convertirá en una parte de los happenings; usted los experimentará simultáneamente” –escribió Kaprow en las hojas grapadas que recibIó el público asistente.

Allan Kaprow, precursor de la preformance

Allan Kaprow, 18 happenings in 6 parts, otoño, 1959Reuben Gallery, Nueva York

Allan Kaprow

• “La primera pregunta que me hago cuando alguna cosa parece que no es bella es por qué pienso que no es bella.” --John Cage.

• “Ciertamente no tengo sentimientos por la armonía, y Schoenberg [su profesor de música] pensó que esto haría imposible que yo escribiera música. Él dijo: ‘Te darás contra una pared y no podrás atravesarla’. Entonces le dije: ‘Golpearé mi cabeza contra la pared.’” --John Cage

• Las acciones de Cage conducen a la plena libertad para la creación y escapan a toda tentativa de definición o categorización.

John Cage

“Si algo es aburrido después de dos minutos, inténtalo durante cuatro. Si sigue siendo aburrido, inténtalo durante ocho. Después dieciséis. Después treinta y dos. En algún momento uno descubre que eso no es

aburrido.” --John Cage

• John Cage usaba el término "música no-intencional" para algunas de sus obras.

• 4'33" (1952), es un ejemplo: el intérprete no ejecutará sonido alguno con el instrumento del piano durante los 4 minutos y 33 segundos que dura la obra (interpreta el pianista David Tudor).

• http://www.youtube.com/watch?v=HypmW4Yd7SY

• http://www.youtube.com/watch?v=SSulycqZH-U

John Cage

• Todas sus acciones PROTESTAN contra lo que limita al espíritu del artista.

• En las acciones de Klein NADA QUEDA OCULTO, las modelos se convirtieron en pinceles… “La obra se acaba a sí misma allí delante de mí con la completa colaboración de la modelo. Y yo podía saludar su entrada en el mundo tangile de una manera digna, con traje de etiqueta.” –Yves Klein

• Con un traje de etiqueta llegó a presentar la obra Antropometrías del período azul, en la casa de Robert Godet en París –en la primavera de 1958-, y el 9 de marzo de 1960 en la Galerie Internationale d’Art Contemporain, París.

Yves Klein

• http://www.youtube.com/watch?v=1mJCVM3d7jw

Yves Klein

Antropometría, 1960Pigmento azul y resina sintética sobre papel montado en lienzo

• Las acciones buscan “la afirmación del cuerpo mismo como un material de arte válido.”

• Experimentación constante: con pigmentos y materiales (pintura fosforescente, clorato cobáltico para que los colores cambiaran continuamente), esculturas de algodón blanco, fibra de vidrio, piel de conejo… con el aire exhalado del propio artista… fotocopias de su huella dactilar, e incluso con su firma designó a varias personas "obras de arte andantes“.

Piero Manzoni

• En mayo de 1961 Manzoni puso sus excrementos en 90 latas y las etiquetó como "Mierda de Artista" (en varios idiomas). Vendió cada lata “al peso” teniendo en cuenta la cotización de oro del día. “Algunas de ellas han explotado por la expansión de los gases”.

Piero Manzoni

• En 1961, firmó el cuerpo desnudo de gente para que fueran exhibidas como obras de arte (estas acciones se autentificaron con la expedición de “certificados de autenticidad”).

• Un reconocimiento más general al público y a

cualquier objeto lo consigue con su “base mágica”, Socle du monde (Base of the World)

• Puesta del revés “soporta” sobre su superficie superior el mundo entero: cualquier cosa es re-considerada un objeto de arte.

Piero Manzoni

Socle du monde (Base of the World), 1961hierro, bronze, 82 x 100 x 100 cm

Herning Kunstmuseum, Dinamarca

Joseph Beuys

• Para Beuys “el arte es político” porque fundamentalmente es una lucha contra la alienación, la opresión y el aburguesamiento.

• Su trabajo persigue la máxima de ARTE = VIDA… Todo el mundo puede llegar a “ser artista” si se tiene conciencia de ello.

• Simbolismo de los materiales:

• Fieltro = calor, cura, protección, supervivencia

• Cera = cambio, transformación (sólido-líquido)

• Cobre = transmisión de energía, de conocimiento…

Joseph Beuys

I like America and America Likes Me, 1975Galería René Block, Nueva York

• Con la acción I like America and America Likes Me, Beuys convive durante tres días con un coyote en la galería. El coyote es considerado, por los indios nativos de Norte América, un animal “cargado” de gran significado espiritual.

• La acción critica la pérdida de los vínculos de la sociedad americana con sus verdaderos ancestros.

• La acción busca el modo de “reparar” esa falta: mediante la reconciliación.

• Ella es su obra.

• Género e identidad son el centro de su actividad.

• Critica los valores morales que reprimen al ser humano.

• Experimenta con todo tipo de recursos: sangre, vómito y después lo bebe,… (acciones de Autoportrait’s).

• “Si abro mi cuerpo para que podáis mirar vuestra sangre, es por amor a vosotros: el otro” –Gina Pane.

• Busca conocerse y COMUNICARSE sin los corsés morales y sociales que nos modelan “sin permiso”.

Gina Pane

Ana Mendieta

• Sus obras son un proceso de auto-conocimiento: de búsqueda de sí misma.

• Su cuerpo como marco-laboratorio sobre el que crear o alterar su identidad.

• Con Facial Hair Transplant, se convertía en una “mujer monstruosa”: cuya belleza no se corresponde con lo esperado por los cánones establecidos.

• La acción muestra una simbiosis de lo masculino con lo femenino.

• La trasferencia de pelo le otorgaba poder, por mostrarse y ser percibida de otro modo.

Facial Hair Transplant, 1972

• Las intervenciones “Tierra-esculturas del cuerpo” (Earth-Body sculptures), realizarlas “in situ”,

reclaman, de forma constante, los problemas del desarraigo: a la edad de los 13 años –junto con su hermana-, salen de Cuba en dirección a Miami como consecuencia del régimen cubano.

• Los conceptos de CUERPO y TIERRA son empleados como símbolos en reiterada

referencia a su herencia, al origen de su identidad.

Silueta Works in Mexico, 1973-78Fotografía, 50,8 x 33,2 cm

Ana Mendieta

• Traspasar ciertas “líneas rojas” personales • que con otros medios serían muy difícil de superar (cada uno tiene y se

marca sus propias líneas rojas).

• Liberar al arte del mercado• la no dependencia de las estructuras comerciales facilita la innovación de

formas y contenidos expresivos con la presencia DIRECTA del artista.

• Permitir el uso de infinidad de medios• “las limitaciones me las pongo yo mismo”: música, sonido, luz,

escenografía específica: Ángela Lergo (Madre, Año 2003).

¿Qué ofrece REALMENTE el medio performático al artista?

Ángela Lergo

Madre, 200312 mujeres rezan el rosario, leche, lana de oveja, traje de novia, tijeras de esquilar, cabello humano, sangre de

la menstruación de la artista, pista musical, luz ambiental, Duración video 4 m 13 s

• Todo está previamente determinado: olor, movimiento, luz, música… pretende envolver al espectador en un ritual simbólico.

• Cada elemento tiene un contenido simbólico: • Círculo = perfección, lo delimitado queda como sagrado (círculo de mujeres, círculo de leche).• Leche = alimento, protección.• 12 = alude al cristianismo, los apóstoles• La mujer anciana = la sabiduría, la madre, la tierra.• En Madre, se repiten los ciclos: corte-crecimiento de pelo, corte-crecimiento de lana, ciclo menstrual… como idea de todo vuelve a la tierra.

• Espectadores anónimos se convierten en actores: la participación de 12 mujeres del pueblo, que tejen y rezan el rosario mientras transcurre la performance.

• La artista representa el papel de Diosa (en su aparición vestida de novia), es sumisa (cuando el hombre le corta el pelo), y se vuelve rebelde (cuando se desnuda).

• Las 12 mujeres de avanzada edad: progenitoras antaño, como soporte real de la vida en la tierra.

Ángela Lergo

Madre, 200312 mujeres rezan el rosario, leche, lana de oveja, traje de novia, tijeras de esquilar, cabello humano, sangre de

la menstruación de la artista, pista musical, luz ambiental, Duración video 4 m 13 s

• ¿Qué ofrece REALMENTE el medio performático al artista?

• Traspasar ciertas “líneas rojas” personales que con otros medios serían muy difícil de superar (cada uno tiene y se marca sus propias líneas rojas).

• Pretende liberar al arte del mercado: la no dependencia de las estructuras comerciales facilita la innovación de formas y contenidos expresivos con la presencia DIRECTA del artista.

• Permitir el uso de infinidad de medios: “las limitaciones me las pongo yo mismo”: música, sonido, luz, escenografía específica: Ángela Lergo (Madre, Año 2003).

• Dar el primer paso con respecto al espectador• El artista es quien irrumpe en la vida del receptor: “los que pasaban casualmente por allí” son involucrados en el desarrollo de la acción (María AA. y Pilar Albarracín –performances en la calle).

• Ampliar el campo de acción•Puede realizarse en el espacio convencional de la galería, donde todo está previamente determinado y fuera del mismo.

¿Qué ofrece REALMENTE el medio performático al artista?

• La acción se estructuraba en diferentes fases. Primera: la elaboración de la segunda piel (“conseguida con tres manos de látex amónico sobre mi cuerpo”); y segunda: la muda propiamente dicha.

• Un primer intento de ir soltando esta "piel" contrayendo y soltando músculos y tendones. No funcionó.

• Desprender la piel. Se hizo manualmente. Primero se desgarró con las manos trazando recorridos específicos para que la muda quedase de una sola pieza al desprenderse. A continuación, procedió a desprenderse, tirando de ella, necesitando cada vez más manos (más personas) para sostener el látex desplegado y separarlo de la piel. Por último, desprendida completamente, se extendió en el suelo para su secado.

Performance: Muda de artista, 16 de mayo, 2000Ubicación: Secadero de moldes de La Cartuja de Sevilla.

María Alvarado (María A.A.)

Pilar Albarracín

• Trabajar en la calle con los medios que sean.

• Investiga el comportamiento humano con:

• Pegada de carteles: “Soy Pilar Albarracín. Me he perdido. Si me encuentra llama al telf. 453 68 14. AYUDAME”.

• 8 Acciones en la calle en horas de máxima afluencia de público: “Cuerpo de mujer ensangrentado tendido en la acera” (1992). Esperaba la reacción de la gente frente al hecho. “Si la cosa fuera verdad la persona herida en el suelo se moriría… a la gente le da asco o no se quiere contagiar.”

• Minuto 2:43: “A mí siempre me ha interesado mucho trabajar en la calle…”http://www.youtube.com/watch?v=JL54jCnYgsg&feature=player_embedded

“Si puedes disfrutar de muchas cosas por qué te vas a quedar con una,… esa es mi teoría.”Pilar Albarracín

Se busca. Missing, 1997Acción/Performance

Pilar Albarracín

“Hago lo que me apetece en cada momento porque creo que no hay que tener prejuicios en ese sentido: ES IMPORTANTE creer en lo que estás haciendo.”

Pilar Albarracín

Prohibido el Cante. Singing Prohibided, 2000Acción/ Performance

• Re-lectura de los tópicos vinculados a “lo español” a “lo andaluz, los estereotipos.

• Polifacética, versátil, explora, con su cuerpo, el comportamiento humano: quiénes somos y por qué somos/actuamos así (es fácil catalogar y al mismo tiempo equivocarse como consecuencia de poner calificativos en los demás sin conocer realmente a quien se le estigmatiza).

Miquel Barceló y Josef NadjPaso Doble, 2009

“Es una especie de rito pagano y todo rito es una forma de invocación” (Barceló).

Miquel Barceló y Josef Nadj

http://www.youtube.com/watch?v=KQaBTtGWgog

• Esta acción performática supone una construcción “en vivo” de una obra, que

reivindica la relación del hombre con la tierra en un estado puro, intuitivo, salvaje, directo apasionado.

• Sobre una pared y un suelo de arcilla fresca, los artistas aplican todo tipo de acciones: golpes con útiles de labranza, puñetazos, rodillazos, patadas,… literalmente se “funden” con el material.

Miquel Barceló y Josef Nadj

• Conclusión

• Las posibilidades de entender, para el espectador, la obra de arte actual (entiéndase “actual” referido a cualquier momento histórico visto en su presente), se reducen a un doble acercamiento:

Intelectual (Lo que puedes entender por tu nivel de conocimiento previo)

Versus

Emocional (Lo que te puede gustar por intuición sensitiva)

• ¿Pretendemos entender lo ocurrido y al mismo tiempo emocionarnos con ello?

• La identificación con una obra depende, en primer lugar, de NUESTRA RESPUESTA EMOCIONAL en relación a lo observado. Si a la respuesta emocional unimos un conocimiento racional que sitúa la obra en su contexto socio-cultural en el que fue producida se entenderá de un modo más global al artista, autor de la obra.

• Bibliografía sugerida

• BACHELARD, Gaston (1992): La poética del espacio, Buenos Aires, Fondo de Cultura Económica.• FERRER, Esther (1998): De la acción al objeto y viceversa. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, 1

octubre-22 noviembre, Sevilla. [Catálogo de exposición].• GOLDBERG, Roselle (2002): Performance Art, Barcelona, Ediciones Destino.• GARCÍA GARCÍA, Fernando (2001): “El cuerpo como material artístico”. En: Monografías de Arte 2000-2001.

Sevilla, Secretariado de Recursos Audiovisuales y Nuevas tecnologías de la Universidad de Sevilla.• LARRAÑAGA, Josu (2006): Instalaciones, San Sebastián, Editorial Nerea.• MADERUELO, Javier (1990): El espacio raptado. Interferencias entre arquitectura y escultura, Madrid,

Editorial Mondadori.• MARCHAN FIZ, Simón (1990): Del arte objetual al arte de concepto: (1960-1974). Epílogo sobre la

sensibilidad "postmoderna". Antología de escritos y manifiestos, Madrid, Editorial Akal.• VV.AA. (2007): Instalaciones y Nuevos Medios en la Col del IVAM. Espacio, tiempo, espectador, Valencia,

Generalitat valenciana.• ---- (2004): Recorridos. Esculturas e instalaciones, Mérida, Editora regional de Extremadura.

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