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Escultura

La Victoria de Samotracia, perteneciente a la escultura de la Antigua Grecia. 

Se llama escultura al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otrosmateriales. Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creandovolúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla ycincel, junto con las de fundición y moldeado. Dentro de la escultura, el uso dediferentes combinaciones de materiales y medios ha originado un nuevo repertorioartístico, que comprende procesos como el constructivismo y el assemblage. En unsentido genérico, se entiende por escultura la obra artística plástica realizada por elescultor.

Giorgio Vasari (1511-1573), empieza  Le vite de' più eccellenti pittori, scultori earchitettori con un prólogo técnico que habla de arquitectura, escultura y pintura, unasdisciplinas agrupadas bajo la denominación de «artes del diseño». La obra es un tratadoinformativo y valioso sobre las técnicas artísticas empleadas en la época. En referencia ala escultura comienza así:

... el escultor saca todo lo superfluo y reduce el material a la forma que existe dentro dela mente del artista.

Desde tiempos remotos el hombre ha tenido la necesidad de esculpir. Al principio lohizo con los materiales más simples y que tenía más a mano:  piedra, arcilla y madera. Después empleó hierro, bronce, plomo, cera, yeso, plastilina, resina de poliéster y

plásticos con refuerzo de fibra de vidrio, hormigón, la cinética y la reflexión de la luz, entre otros. La escultura tuvo en su principio una única función, su uso inmediato;posteriormente se añadió una función ritual, mágica, funeraria y religiosa. Esta

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funcionalidad fue cambiando con la evolución histórica, adquiriendo una principalmenteestética o simplemente ornamental y llegó a ser un elemento duradero o efímero.1 

Contenido

  1 Historia de la escultura o  1.1 Escultura de Europa 

  1.1.1 Prehistoria   1.1.2 Antigüedad   1.1.3 Edad Media   1.1.4 Edad Moderna   1.1.5 Edad Contemporánea 

o  1.2 Escultura de África o  1.3 Escultura de América o  1.4 Escultura de Asia 

  1.4.1 Mesopotamia   1.4.2 Índia   1.4.3 China   1.4.4 Japón 

o  1.5 Escultura de Oceanía y Chilena   2 Función de la escultura   3 Tipos de escultura   4 Canon de proporciones   5 Materiales 

o  5.1 Arcilla o  5.2 Piedra o  5.3 Estuco o  5.4 Metal o  5.5 Madera o  5.6 Marfil o  5.7 Hormigón 

  6 Técnicas   7 Esculturas de la antigüedad famosas y desaparecidas   8 Véase también   9 Referencias   10 Bibliografía   11 Enlaces externos 

[editar] Historia de la escultura

[editar] Escultura de Europa

[editar] Prehistoria

 Artículo principal:  Arte prehistorico 

Las primeras manifestaciones escultóricas se remontan al Paleolítico inferior, cuando elhombre cortaba el sílex percutiendo contra otra piedra. Posteriormente utilizó el

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grabado, el relieve en piedra y en huesos de animales. Hace unos 27.000 y 32.000 añosaparecen representadas unas exuberantes figuras humanas femeninas de piedra, en unaexaltación artística de la fertilidad;2 son las «venus paleolíticas», como la Venus deWillendorf  y la Venus de Lespugue.2 Durante el período magdaleniense se utilizaronbastones y propulsores con motivos ornamentales. En el Paleolítico superior, los

ejemplos más abundantes son tallas u objetos grabados que evolucionaron desde unafase más primitiva, con decoraciones más esquemáticas, hasta llegar a la representaciónde figuras animalísticas que se adaptaban a la estructura de el hueso.1 La arcilla tambiénfue un material habitual. Las primeras piezas escultóricas que se conocen proceden deEgipto, China, India y el Cercano Oriente, lugares donde hacia el 4000 a. C. ya existíanhornos para fabricar objetos de alfarería.3 

Uno de los avances más importantes en la historia de la escultura fue el poder trabajar elmetal — primero el bronce y luego el hierro — , que sirvió para fabricar herramientas máseficientes y, además, obtener un nuevo material para realizar obras escultóricas. Elproceso de construcción de la obra primero en arcilla y luego vaciarla en bronce ya se

conocía en las antiguas civilizaciones griegas y por los romanos, y es el sistema queactualmente, en el siglo XXI, todavía se utiliza.4 A partir del siglo V a. C., en el últimoperiodo del Edad del Hierro, los celtas desarrollaron la cultura de La Tène, propagándose por toda Europa; representó una evolución del arte de la cultura deHallstatt. En la decoración de todos sus objetos, espadas, escudos, broches y diademas,se pueden observar motivos de animales, plantas y figuras humanas. A partir del sigloIII a. C. se acuñaron las primeras monedas siguiendo los modelos helénicos, así comoobras figurativas como el Dios de Bouray, realizado en chapa de cobre repujada.5 

 Venus de Willendorf  tallada en piedra caliza. 

 Bisonte. Talla de asta de reno en el extremo de un propulsor de dardos.

 Bastón perforado, donde se ha grabado un ciervo (Magdaleniense Superior, 

Cueva del Castillo de Puente Viesgo).

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 Pequeña escultura en bronce representando un buey de la cultura de Hallstatt 

datado entre el siglo VII i VI a. C.

[editar] Antigüedad

 Artículos principales: Escultura ibera , Escultura de la Antigua Grecia , Esculturahelenística , Escultura etrusca  y Escultura de la Antigua Roma 

Del arte púnico y grecopúnic se conservan muchas estatuas, en general femeninas, ybustos de barro cocido, junto con una diversidad de amuletos de marfil y de metal quese descubrieron en las necrópolis de Ibiza y Formentera. Se calcula que las más antiguasson obras del siglo VIII a. C. y su fabricación tuvo continuidad hasta muy avanzada ladominación romana. En cuanto a la escultura ibera las obras encontradas son de piedra ybronce y provienen de tres grandes áreas del sur, centro y el levante de la PenínsulaIbérica, destacando el excelente busto de piedra de la Dama de Elche, de inspiracióngriega.6 

La estatuaria arcaica fue principalmente religiosa. Los templos se decoraban conimágenes de los dioses, de sus hazañas y batallas, y las figuras eran poco realistas. Las

korai y los kouroi no son retratos de personas concretas, a los rostros se les ponía unasonrisa ficticia, un gesto facial conocido en el mundo del arte como «sonrisa arcaica».De este periodo cabe citar la Cabeza de Dipilón, fragmento de una estatua colosal demármol del siglo VI a. C. y el  Jinete Rampin (c. 560 a. C.) obra posterior que presentaun tratamiento más cercano al naturalismo.7 La escultura griega alcanzó un elevadogrado de perfección, calidad que venía impulsada por la búsqueda de una mejorexpresión de la belleza de la figura humana; llegaron a establecer un canon con unasproporciones consideradas «perfectas». Desgraciadamente, el  Auriga de Delfos, lapareja de los  Bronces de Riace  junto con la del  Dios del cabo Artemisio forman parte delas pocas esculturas griegas en bronce que se conservan completas.8 Uno de los artistasmás significativo del período clásico fue Praxíteles, autor del magnífico  Hermes con

 Dioniso niño . Durante el período helénico se observa que en la creación de esculturas,hay una clara intención de intensificar el movimiento y acentuar las emociones como sepuede observar en el conjunto escultórico de  Laocoonte y sus hijos.9 

La escultura etrusca (siglo IX a. C.-siglo I a. C.) derivaba del arte griego, pero tambiénrealizaron obras con unas características propias.10 La estatuaria vinculada a loscontextos fúnebres es, la producción etrusca más abundante y el material de elección,por regla general, era la terracota, como el célebre Sarcófago de los esposos.11 Posteriormente, la escultura romana recibió la influencia de la etrusca y de la griega, ylos artistas romanos llegaron a realizar numerosas copias de obras griegas. Cabe

destacar las esculturas conmemorativas, como las de la Columna de Trajano (114),donde se narran varias batallas en una espiral continua que ocupa toda la superficie de lacolumna, o la Estatua ecuestre de Marco Aurelio.12 Pero uno de los tipos de escultura

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que más desarrollaron fueron los retratos, obras realistas con un marcado carácterpsicológico que se realizaron en todo el Imperio Romano.13 

 Dama de Elche (Museo Arqueológico Nacional de España) 

  Laocoonte y sus hijos del período helenístico (Pius-Clementino de los Museos

Vaticanos).

[editar] Edad Media

 Artículos principales: Escultura románica  y Escultura gótica 

Las obras escultóricas más destacadas del Imperio Bizantino son los trabajosornamentales de los capitels; hay buenos ejemplos en San Vital de Rávena. Eranhabituales los relieves en marfil aplicados en cofres, dípticos o la célebre Cátedra delobispo Maximiliano, una obra tallada hacia el año 550.14 Es característico de la arteotoniano las pequeñas esculturas en marfil y bronce a las que se añadían incrustacionesde piedras preciosas. También de bronce son las puertas de la iglesia de San Miguel deHildesheim, una obra emparentada con el arte bizantino y el arte carolingio. Cabedestacar las imágenes de madera recubiertas de oro que se utilizaban como relicario. Entre estas, destaca el Crucifijo de Gero (siglo X), en madera policromada, que seencuentra en la catedral de Colonia.15 

La escultura románica (siglo XI-siglo XIII) estaba al servicio de la arquitectura y seencuentran muchos ejemplos en torno a las grandes rutas de peregrinaje, como la delCamino de Santiago.16 Los escultores trataron diversas partes de las iglesias —  tímpanos, portadas y capitels con historias sobre temas bíblicos — , con un granrealismo. El  Maiestas Domini y el  Juicio Final fueron los temas iconográficos másrepresentados.17 El material más empleado fue la madera, que era usada para laelaboración de imágenes de devoción como las «Vírgenes con Niño», muyrepresentadas por toda Cataluña y por el sur de Francia. Pero, la imagen más importantedel románico, fue el Cristo en Majestad , destacan el Volto Santo de Lucca, en laCatedral de Milán, y también el Cristo de Mijaran y la  Majestad de Batlló en el Museo

Nacional de Arte de Cataluña.18 

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La puerta de la Catedral de Chartres (1145) es uno de los primeros ejemplos deescultura gótica, y en ella, entre otros personajes, están representados animalesfabulosos que dan forma a las gárgolas. En Alemania, tanto en el exterior como elinterior de la Catedral de Bamberg (siglo XIII) se encuentran unas esculturas muysignificativas, un buen ejemplo es la la Estatua ecuestre del Caballero de Bamberg.

Una innovación son las esculturas sobre temas dramáticos, con escenas de la Pasión deCristo y la Piedad . Al final del período gótico, en Alemania se realizaron unosmagníficos retablos, ejecutados por artistas como Tilman Riemenschneider y Veit Stoss. En el reino de Castilla trabajaron los escultores Gil de Siloé y Alejo de Vahía.19 Encuanto al reino de Aragón, Aloi de Montbrai realizó el Retablo de los Sastres de laCatedral de Tarragona y Pere Moragues esculpió el sepulcro de Fernández de Luna,pieza que se encuentra en la Catedral de San Salvador de Zaragoza. También cabedestacar el relieve de San Jorge del Palacio de la Generalidad de Cataluña ejecutado porPere Joan.19 Claus Sluter, artista flamenco, realizó la portada de la cartuja de Champmol(Dijon) y un pedestal del pozo del claustro conocido como el Pozo de Moisés. En Italia, en Pisa y Siena, los escultores Nicola Pisano y su hijo Giovanni Pisano dejaron obras de

gran calidad, donde ya anuncian el paso hacia una nuevo tipo de escultura.20 19 

 Díptico de marfil bizantino c. 506 a. C. en el Museo del Louvre. 

 Imagen de la  Majestad de Batlló. 

 Detalle de la puerta real de la Catedral de Chartres. 

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  Retablo de los Sastres de Aloi de Montbrai (1368) (Catedral de Tarragona).

[editar] Edad Moderna

 Artículos principales: Escultura del Renacimiento , Escultura del Barroco  y Esculturaneoclásica 

Los historiadores de arte consideran que la escultura renacentista se inició con el

concurso para realizar las puertas del baptisterio (1401) de la ciudad de Florencia, al quese presentaron Filippo Brunelleschi y Lorenzo Ghiberti.21 La nueva forma artística delrenacimiento se inspiraba en la escultura de la antigüedad clásica, buscando una totalexaltación de la belleza. La matemática se convirtió en su principal ayuda, con laaplicación en todas las artes de determinados principios y leyes como, por ejemplo, laperspectiva. Surgieron grandes mecenas, como los Médici de Florencia, los papas deRoma, además de cardenales, príncipes y también los gremios.22 En esta época laescultura prácticamente quedó desligada de la arquitectura y los personajesrepresentados mostraban expresiones llenas de dramatismo, se puede observar enesculturas de Miguel Ángel como, por ejemplo, el  David . Durante las diferentes etapasdel quattrocento y del cinquecento en Italia se realizaron las mejores obras del

renacimiento gracias a la actividad de grandes escultores como Donatello, Jacopo dellaQuercia, Luca della Robbia, Andrea del Verrocchio y Miguel Ángel, el gran artistarepresentativo.23 En el resto de Europa fue incorporandose el nuevo estilo un poco mástarde y por influencia directa de Italia y sus escultores. Muchos de ellos viajaron a otrospaíses: Andrea Sansovino lo hizo a Portugal y Pietro Torrigiano a Inglaterra, este artistafue más tarde a España, donde también trabajaron Domenico Fancelli y JacopoFlorentino  junto con los escultores de origen francés, Felipe Bigarny y Juan de Juni. Cabe destacar los trabajos de Bartolomé Ordóñez en Barcelona, en el trascoro de lacatedral de la ciudad, y de Alonso Berruguete en Castilla. En los Países Bajos, ConradMeit fue un especialista de retratos y Jacques du Broeuq realizó numerosas obras y fueel maestro de Giambologna que desarrollaría su obra en Italia. En Francia se realizaron

esculturas con gran influencia italiana, así, a Pierre Puget era considerado como el«Bernini francés».24 Uno de los temas más habituales fueron los monumentossepulcrales, donde la figura del yacente era tratada con un gran realismo; por ejemplo, el

 Memorial de René Chalon de Ligier Richier.25 

Giambologna es el que presenta en su escultura, como El rapto de las sabinas , el estilodel manierismo. A finales del cinquecento, los escultores trataron las figuras alargandosus proporciones y mostrando unos posados artificiales y opuestos — mujer y hombre,vejez y juventud, belleza y fealdad — , y con la sinuosidad de unas formas en(serpentinata), una especie de movimiento de rotación de las figuras y los grupos

escultóricos.

26

 El Concilio de Trento (1545 - 1563) marcó una nueva orientación en lasimágenes religiosas; Gian Lorenzo Bernini  — autor de David ,  Apolo y Dafne y Éxtasisde Santa Teresa — , fue el escultor que más influyó en el escultura barroca, donde se

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buscabann efectos emotivos y dramáticos.27 En Francia destaca la obra de SimonGuillain y de Jacques Sarazin haciendo retratos de la nobleza, la tumba del cardenalRichelieu realizada por François Girardon y las esculturas del jardín del Palacio deVersalles de Pierre Puget.28 En este periodo, la producción de escultura religiosa enEspaña es sorprendente, con esculturas para interiores de iglesia, fachadas, devociones

particulares, y para las procesiones de Semana Santa; surgieron dos grandes escuelas: lacastellana y la andaluza. Entre los escultores se pueden destacar a Gregorio Fernández, Juan Martínez Montañés, Francisco Salzillo, Pedro de Mena y Alonso Cano.29 

A mediados del siglo XVIII, las orientaciones de Winckelmann «de alimentar el buengusto en las fuentes directas y tomar ejemplo de las obras de los griegos», hizo quemuchos artistas se dedicaran a copiar en lugar de imitar; llegaba el neoclasicismo. Laobra de Jean-Antoine Houdon, originalmente barroca, adoptó un carácter sereno y unverismo sin detalles anecdóticos, en un proceso para conseguir la belleza ideal de laantigüedad clásica; retrató muchos personajes del momento, como Napoleón, Jean de laFontaine, Voltaire, George Washington. Pero el escultor más conocido e innovador fue

el italiano Antonio Canova, un autor muy versátil, a caballo entre el barroco, el rococó yel neoclasicismo. Por su parte, la producción de Bertel Thorvaldsen siguió la línea másortodoxa del neoclasicismo, con una expresión más fría y estática.30 En Cataluña, sedestacó Damià Campeny, que viajó a Italia i recibió la influencia de Canova, igual queel andaluz José Álvarez Cubero.31 

 Relieve de Esaú y Jacob en la Puerta del Paraiso por Lorenzo Ghiberti. 

 Detalle del rostro del  David  de Miguel Ángel. 

  Apolo y Dafne por Bernini. 

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 Psique reanimada por el beso del amor  por Antonio Canova. 

[editar] Edad Contemporánea

 Artículo principal: Edad contemporánea 

A partir del siglo XIX los medios de comunicación tuvieron un papel cada vez másimportante en la difusión del arte en todo el mundo. Los estilos se desarrollaban cada

vez con más rapidez, ya fuera conviviendo, yuxtaponiendose o enfrentándose entreellos. La palabra vanguardia artística se comenzó a emplear a finales del siglo XIX, yasí se identificaba a los artistas que promovían actividades que se consideraba querevolucionaban el arte, con la intención de transformarlo. Se caracterizaban por lalibertad de expresión y las primeras tendencias vanguardistas fueron el cubismo y elfuturismo. La escultura podía dejar de imitar la realidad y valorar el vacío, los juegos deluz o el volumen en negativo, o podía añadir movimiento con acciones mecánicas o conagentes atmosféricos. Cabe destacar también el uso de nuevos materiales como el acero,el hierro, el hormigón y los plásticos.32 

Durante el romanticismo el artista aspiraba a la representación del entorno completo del

hombre en «la obra de arte total» que había imaginado el pintor alemán Philipp OttoRunge. Théophile Gautier había declarado que «de todas las artes, la que menos sepresta a la expresión romántica es, sin dudar, la escultura ...». Es en  Francia dondesurgieron algunas obras románticas, como La marcha de los voluntarios de 1792 (o La

 Marsellesa) de François Rude, ubicada en el Arco de Triunfo de París, y el artistaAntoine Louis Barye con obras sobre animales.33 Del impresionismo cabe destacar lasesculturas de bailarinas de Degas, en el que refleja el instante gestual, o las obras deAuguste Renoir que reprodujo en relieves sus propias pinturas. Pero quien realmente fueun innovador fue Auguste Rodin el cual, como los impresionistas, despreciaba laapariencia externa del acabado.34 35 El modernismo surgió entre el siglo XIX y el sigloXX. El estilo adoptó diferentes nombres según los países: Art nouveau en Francia, Modern Style en Inglaterra, Sezession en Austria y Jugendstil en Alemania. EnCataluña, el (modernismo catalán) tuvo un gran auge, aunque fue en la arquitecturadonde más sobresalió, constituyó un movimiento que englobó todas las artes y serealizaron esculturas tanto en monumentos públicos y funerarios como aplicadas a laarquitectura, destacando, entre otros los artistas: Agapit, Venanci Vallmitjana, MarianoBenlliure, Miquel Blay, José Limón, Eusebi Arnau y Josep Clarà.36 El italiano MedardoRosso logró extraordinarios efectos originales con sus figuras en yeso recubiertas decera. Aristide Maillol, incluido en los escultores del simbolismo, realizó unas obras dedesnudo femenino inscritas dentro de unos volúmenes geométricos con una granvitalidad, este tipo de escultura se denomina mediterránea. En esta misma línea

mediterránea entra también Manolo Hugué aunque con unos inicios más o menoscubistas.37 

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Picasso exploró la escultura cubista, descomponiendo el volumen en planosgeométricos, en algunas obras empleó elementos como cuerda, alambre o madera sincortar. Aleksandr Ródchenko  — escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso — ,Jacques Lipchitz y Constantin Brancusi, innovaron buscando el vacío, consiguieron lasimplificación para llegar a formas perfectas a través de los materiales empleados.38 

Umberto Boccioni, supo trasladar a la escultura temas del futurismo, como eldinamismo y la introducción de toda clase de materiales; sometido al arte figurativo,Formas únicas de continuidad en el espacio (1913) fue una de las obras clave de estemovimiento.39 Marcel Duchamp, uno de los primeros escultores del dadaísmo, hacia el1913 realizó esculturas a partir de objetos vulgares, lo que se llamó el arte encontrado oready-made, la primera obra fue una rueda de bicicleta sobre un taburete.40 Elconstructivismo fue un movimiento aparecido en Rusia después de la Revolución deOctubre de 1917; artistas como Vladimir Tatlin, los hermanos Naum Gabo y AntoinePevsner influyeron considerablemente en el arte contemporáneo.41 El neoplasticismo( De Stijl), en la misma época (1917), buscaba la renovación estética y la configuraciónde un nuevo orden armónico de valor universal, con una estructuración a base de la

armonía de líneas y masas rectangulares de diversas proporciones, destacando la obra deGeorges Vantongerloo.42 Algunos pintores surrealistas, realizaron esculturasrelacionadas con sus ideas pictóricas; cabe citar a Max Ernst (Espárragos lunares,1935) y Joan Miró, quien empleó cuerda y trozos de metal combinados.43 

Entre las dos guerras mundiales se produjo en Italia un movimiento escultórico fiel a latradición de la figuración italiana, liderado por Arturo Martini. En este periodo tambiéndestacan Julio González y Pau Gargallo, con unas primeras obras de carácter modernista pero a partir de 1927 realizaron ensayos con trabajos en hierro; Julio González innovócon la soldadura autógena, un estilo experimental más en el abstracto.44 En esta épocaHenry Moore contribuyó a desarrollar el arte de vanguardia, a pesar de que su obra nopertenece a ningún movimiento determinado; creó imágenes figurativas y estudió elvolumen en el espacio.45 Como Moore, el suizo Alberto Giacometti estuvo relacionadocon el surrealismo, pero a partir de 1947, se decantó por la corriente figurativa con unasestructuras en donde dominan las figuras muy alargadas. Se pueden citar otrosescultores abstractos, como Barbara Hepworth, Alexander Calder, Alberto SánchezPérez, Pablo Serrano Aguilar, Jorge Oteiza y Eduardo Chillida.46 A partir de la décadade 1970, aparecen nuevos movimientos artísticos, como el minimalista, el arteconceptual, el denominado land art, el arte povera, el hiperrealismo, el performance o lapostmodernidad, con artistas como David Smith, Roy Lichtenstein, Donald Judd, CarlAndre, Dan Flavin, Sol LeWitt, Richard Serra, Dennis Oppenheim, Christo y Jeanne-

Claude y Antonio López García , entre otros.47

 

  La Marsellesa, de François Rude 

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  Danae, de Auguste Rodin 

 Sepultura (1920) en la catedral de Barcelona, de Josep Llimona 

 Columna del Infinito, de Constantin Brancusi 

 Fuente, de Marcel Duchamp 

 Capricornio, de Max Ernst 

  Reclining figure, de Henry Moore 

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[editar] Escultura de África

En el Antiguo Egipto utilizaron materiales más duraderos, como la piedra. Llegaron a

realizar esculturas altamente perfeccionadas, que permanecieron inalterables durantemuchos siglos.48 En ellas, representaban divinidades, faraones y otros personajesimportantes, aunque también realizaron, pequeñas piezas de figuras en las que quedabanreflejados los trabajos domésticos. Muchas de estas obras se han encontrado en lascámaras sepulcrales.

 El escriba sentado piedra policromada, de la dinastía V, de Saqqara (Museo del

Louvre) 

La escultura africana ha sido esencialmente de carácter religioso, del tipo animismo ypor tanto su veneración ha sido en la creencia de espíritus de la naturaleza y veneracióna sus muertos, la muerte no supone su fin sino que vive en el reino de los espíritus. Estacreencia en la presencia de los espíritus hace que se realicen rituales, donde las obras dearte hacen de médium. Estas obras en general son máscaras, esculturas exentas

antropomórficas u otros objetos de culto. Los objetos de madera se realizaban a partir deun tronco o rama de árbol con la técnica de la talla directa, es decir, de una piezacilíndrica que con herramientas primitivas iban rebajando y tallando. También hanutilizado la arcilla en Nigeria la cultura nok, cerca de 500 a. C., la piedra o el marfil. Encasi todo el continente se hacen máscaras, los «baga» que ocupan la parte de Guinea usan una máscara con cabeza de cocodrilo y largos cuernos rayados. Hay máscarasrecubiertas de una costra formada por sangre seca, tierra y zumo de semillas trituradas,máscaras con una gran nariz que se alarga hasta formar un pico; hay con adornos deconchas y cristales. En Ife y Benin, los yoruba trabajaron la terracota y el bronce parasus reyes desde el siglo XIII, en placas con relieves o en cabezas de tamaño natural. EnCosta de Marfil los baulé además de esculturas exentas y máscaras, tallaban los dinteles de las puertas de sus casas con motivos geométricos.49 

 Máscara de madera con adornos de conchas y cristal.

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 Máscara de Costa de Marfil. 

 Máscara con cabeza de cocodrilo.

 Cabeza de rey realitzada por los yoruba. 

[editar] Escultura de América

La escultura exenta y los relieves constituyeron una importante manifestación artísticade los pueblos americanos. Sobresalieron entre otras civilizaciones la de los olmecas, mayas y toltecas en México y los incas en Perú. Existen dentro de su diversidad unosrasgos comunes en la escultura de estos pueblos, su asociación a la arquitectura en elque las esculturas y los relieves adornan paredes y pilastras, y en su carácter religiosocon escenas de dioses, demonios, ritos sagrados o guerreros. En la escultura olmecaresalta el intento de reproducir el rostro humano con gran realismo, en las enormescabezas de La Venta se aprecian rasgos particulares como la nariz amplia, los ojosoblicuos y la boca con grandes labios. Estas cabezas están todas realizadas en bloquesmonolíticos y alcanzan más de tres metros de altura. En Tollan-Xicocotitlan seencuentran los gigantescos guerreros de unos cinco metros de altura sobre una baserectangular, con vestiduras de guerra y cascos sobre las cabezas. Los mayas realizaronfiguras en  jade y mayoritariamente la escultura se encontraba adosada en los templos dePalenque, Tikal y Chichén Itzá, de donde procede una de las más famosas esculturas elChac Mool. Este tipo de escultura se ha encontrado en varios templos de influencia

tolteca.50

 La primera civilización del Perú, según los datos arqueológicos revisados porradiocarbono, se remonta hacia 1250 a. C. y es la llamada Chavin de Huántar, donde se

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ha encontrado lo que tuvo que ser el más grande templo de esta civilización. El exteriordel edificio está adornado con esculturas, la mayoría en bajorrelieve, habiéndoseencontrado también estelas con grabados de serpientes y cocodrilos. Otra cultura nacióen el período entre los años 900 y 1430, el pueblo inca en el sur de Perú, el cual hacia el1200, fue adquiriendo gran poder hasta la llegada de los españoles en 1532. Hay poca

escultura monumental, pero fueron grandes trabajadores con dominio de la metalurgia principalmente en oro, donde incrustaban piedras preciosas.51 

 

Cabeza colosal de la civilización olmeca. 

 Guerreros toltecas representados por las famosas estatuas de los atlantes de

Tollan-Xicocotitlan. 

 Una de las esculturas de Chac-mool que se han encontrado en Chichén Itzá 

 Única cabeza de Chavín de Huántar que sigue en su lugar original.

[editar] Escultura de Asia

[editar] Mesopotamia

En Mesopotamia, debido a la escasez de canteras, la escultura se realizófundamentalmente con arcilla, en las excavaciones de Ur (4000 a. C.) han encontrado

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numerosas pequeñas estatuas de este material. Los sumerios desarrollaron y difundierona otras civilizaciones el uso del ladrillo, en el que se esculpía un relieve y luego seesmaltaba. Algunos ejemplos bien representativos son los que adornan los palacios,también las superficies sepulcrales persas del palacio de Persépolis y el Friso de losarqueros, una obra en ladrillo esmaltado que se encuentra en el Palacio Real de Susa 

(404 - 359 a. C.).52

 

 Esfinge de Darío I el Grande, en el Palacio Real de Susa, realizada en ladrillo

policromado.

[editar] Índia

La historia de la escultura india se inició hacia el 2500 a. C. en una zona a lo largo de1500 kilómetros sobre las cuencas de los ríos Ravi y Sutlej, donde estaba establecida lacultura del valle del Indo. Sus principales poblaciones fueron Harappa y Mohenjo-Daro, donde en excavaciones arqueológicas del siglo XIX, se encontraron gran variedad deesculturas de terracota representando figuras humanas con símbolos relacionados con lafertilidad, así como una pequeña Bailarina en bronce y un Busto de un rey-sacerdote enesteatita.53 Hacia el 1500 a. C. la cultura del Indo se extinguió y durante un largo tiempo

se entró en un período sin manifestaciones artísticas conocidas, hasta el siglo III a. C., cuando se formó el imperio Maurya y durante el cual se colocaron unas grandescolumnas, algunas todavíain situ, de manera escultórica remataban en un capitel quesostenía una escultura de tema animal, la más famosa es el Capitel los leones enSarnath. De esta misma época hay esculturas con representaciones de divinidadesmasculinas y femeninas, entre las que destaca la Yak ṣ ī  del museo de Patna, que presentauna gran exuberancia de los pechos, amplias caderas y estrecha cintura, unos rasgos quese repiten en la demostración del ideal de la belleza femenina en la cultura india.54 

 Śivá Nataraja, Tamil Nadu, dinastía Chola 

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 Estatuilla de  yak ṣ ī  al Museo de Patna 

  Descenso del Ganges en Mahabalipuram 

 Relieve erótico del Kama Sutra en Khajuraho 

Durante el imperio Kushan hubo un gran desarrollo cultural y se sumaron lastradiciones del budismo y el hinduismo en la región de Gandhara, cuyo arte sedenomina «grecobúdico» por la influencia de la Grecia clásica en las imágenes de Budarealizadas en este periodo.55 

En el imperio Gupta se convirtió en un «arte clásico» donde se consiguieron líneaspuras y formas de armonioso equilibrio, se representaron las divinidades Brahma, Vishnú y Shiva. En la escultura del sur de la India, se encuentran en  Mahabalipuram, unos templos excavados en la roca decorados con relieves magníficos, entre ellos el

 Descenso del Ganges de la época de la dinastía de los Pallava. Desde el siglo VIII elerotismo es tema principal de las escenas de muchos templos, donde se representa

ilustraciones del Kama Sutra. A pesar de la conquista musulmana, en la parte sur delpaís continuó la tradición de su escultura que se fue transformando poco a poco en unafase clara de barroquismo vigente hasta el siglo XVIII.56 

[editar] China

 Detalle de algunos guerreros de terracota de la dinastía Qin. 

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 Buda en las Grutas de Yungang en Datong. 

 Escultura de la dinastía Tang de Bodhisattva. 

 Antiguo león guardián de piedra en el museo de Shanghái. 

Durante la dinastía Tang (618-907) los chinos fabricaron gran cantidad de terracotas realizadas a presión por medio de moldes. Y también en China se encontraron los sietemil guerreros en tamaño natural de la dinastía Qin, que aunque las caras son todasdiferentes, y por tanto modeladas a mano, para los cuerpos parece que se utilizó unmolde; datan aproximadamente del año 200 a. C..57 Cuando el budismo se introdujo enChina, hubo la necesidad de hacer unas representaciones escultóricas. La más antiguaque se conoce es una de bronce dorado fechada en el año 338 y se cree que fue unaréplica de una de Gandhara. Se fueron construyendo santuarios con estatuas colosalesde Buda en las Grutas de Yungang en la ciudad de Datong. En la última etapa de la

dinastía Tang las obras de figuritas de cerámica con variados temas, hacen tener unanueva visión en la escultura diferente y distante de la budista. A partir de aquí, laescultura entra en una clara decadencia, aunque en la dinastía Ming, en sus obrasarquitectónicas se instalan imágenes de grandes dimensiones como «guardianes» de laspuertas de los grandes palacios o complejos funerarios, sigue siendo en las pequeñasesculturas de  jade o cerámica donde pueden encontrarse las mejores representaciones.En el siglo XX y por transformaciones ideológicas de sus dirigentes, la esculturamonumental se volvió a realizar con marcado estilo realista para exaltar las hazañas dela Revolución.58 

[editar] Japón

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 Imagen de Maitreya en bronce.

 Gran Buda del período Nara en Tōdai-ji. 

 Detalle de una imagen de Buda en Osaka. 

 Máscara del Teatro no  japonès.

Del  período Jōmon, cerca del siglo VII a. C., junto con la cerámica se han encontradopequeñas estatuas religiosas o funerarias con decoración geométrica y posteriormentehacia finales del siglo III en unas tumbas del período Yayoi unos ídolos de terracota enforma de animal llamados haniwa. Fue en el periodo Asuka y con la llegada delbudismo que la escultura alcanzó una gran importancia, fue cuando el escultorKuratsukuri Tori, de ascendencia china, entró al servicio del emperador. Otrosescultores aportaron influencias coreanas y todos trabajaron con el bronce, madera yterracota en imágenes de Buda, que en Japón adquiere nombres propios como el deMaitreya. En el período Nara cambió poco la escultura, la madera se trató con laca yyeso policromado. En el siglo XI, durante el período Kamakura, el escultor Jochi 

consiguió un gran renombre y tuvo numerosos discípulos, que formaron talleres donderealizaban divinidades con aspecto terrible, con el fin de asustar a las fuerzas maléficas.

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La escultura tuvo una aplicación cada vez menor debido al auge que adquirió poraquellos tiempos la pintura. En el período Azuchi-Momoyama, se realizaron algunasesculturas de monjes zen y máscaras para actores del Teatro no.59 

[editar] Escultura de Oceanía y Chilena

Moai en Rano Raraku. 

El arte de los nativos australianos está restringido a sus tradiciones y los materiales quedisponen, como la madera, corteza de árbol y punta de sílex. Los escudos los decorancon líneas geométricas, realizan las «churingas» constituidas por piedras planas decarácter totémico donde graban motivos con relación a sus antepasados.

La creación de obras por parte de los melanesios tiene una gran variedad de estilos yformas. Nueva Guinea se destaca por los diseños de sus objetos, hay algunos de caráctersagrado que sólo pueden ser vistos por los «iniciados», existen unas casas para usoexclusivo de los hombres donde todos los troncos que forman los pilares que sostienenel techo están tallados representando seres totémicos, en estas casas se guardan las tallas

que representan a sus antepasados, máscaras y asientos completamente grabados condecoraciones de figuras humanas o animales.60 

En las Nuevas Hébridas la escultura está relacionada con las ceremonias religiosas, lasestatuas representan figuras de sus muertos y las máscaras son utilizadas paraceremonias funerarias. En Nueva Irlanda existe una gran abundancia de objetos,también de madera tallada donde se insertan conchas, cortezas de otros árboles ypiedras, que están relacionados con actos rituales. En las islas Salomón, aunque realizanmáscaras, lo más destacado son las figuras humanas o de animales. En las islasMarquesas, se llegó a un gran virtuosismo en la construcción de canoas donde la proa yla popa estaban adornadas con profusión de tallas, en estas islas antiguamente se

esculpían imágenes con piedra volcánica en las islas Cook las imágenes veneradas

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mostraban unos rostros con grandes ojos y boca y el resto del cuerpo de una proporciónmuy pequeña.61 

Los maoríes de Nueva Zelanda, construyeron casas con un gran frontón completamentedecorado con figuras antropomorfas de expresión amenazadora, así como colgantes de

nefrita tallada (hei tiki). En la isla de Pascua se encuentran las moai, enormes figurasantropomorfas de 4 a 5 metros de altura, realizadas en toba volcánica procedente delvolcán Rano Raraku, donde se encuentran algunas figuras en diferentes etapas deconstrucción, por lo que se cree que se trabajaban in situ, desde allí y se supone quearrastradas utilizando cuerdas, se distribuyeron por los diversos puntos de la isla.62 

[editar] Función de la escultura

A la izquierda Augusto de Prima Porta y a la derecha Augusto de via Labicana con lasfunciones respectivas de máximo poder militar y máximo poder religioso.

Los pueblos de la prehistoria hiceron las primeras esculturas en arcilla representandofiguras humanas o de animales, las secaban al sol y se utilizaban, probablemente, confinalidades religiosas o mágicas.3 A veces eran simples amuletos o figuras votivas, quehan sido encontradas en algunas civilizaciones y culturas, en las sepulturas o en temploscomo exvotos.63 Entre los medios para rendir culto a las personas que ya se habían idode este mundo, cabe destacar los cráneos humanos encontrados en Jericó (7000 a. C.),convertidos en soporte para la reproducción, en yeso, del difunto como una mascarilla,añadiéndoles conchas que representaban los ojos.64 Los egipcios, creían que para que elfaraón viviera después de su muerte, necesitaba una imagen con su representación parafavorecer la pervivéncia del alma.65 De la misma manera, se utilizaban símbolos con unfuerte sentido en la estructura y la claridad del mensaje que se quería transmitir: la

armonía y el orden debían mantenerse, ya que cualquier desviación repercutía en la otravida, la jerarquía social se representaba, entre otras formas, con los diferentes tamaños

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para diversos personajes, así el faraón siempre era la mayor figura, tanto en lasesculturas individuales que llegaban a ser monumental, como por ejemplo, en lasllamadas triadas de Micerino. Las representaciones romanas del emperador Augusto, más que retratos personales, tenían la función de presentarlo al pueblo con el símbolo deimagen de poder supremo, como la conocida escultura de  Augusto de Prima Porta, 

donde ejerce la función de máximo poder militar y en otro retrato del mismo emperador,en  Augusto de via Labicana, se le viste con una toga que le cubre la cabeza, de acuerdocon el Pontifex Maximus.66 

A la izquierda Pórtico de Santa María de Ripoll con la función de representar la Biblia y a la derecha Buda sentado (Gandhara) con la función de representatr la imagen deldios del budismo. 

Posteriormente durante la Edad Media, en la época del arte románico, la esculturarománica tuvo una estrecha relación con la arquitectura y cumplió, además de la funciónestética, una función didáctica o pedagógica, para explicar al pueblo determinadospasajes o conceptos. Así, era frecuente referirse a los relieves de los tímpanos de laspórticos como «catecismos pétreos» o «biblias en piedra», ejecutados para ilustrar yexplicar historias a la población analfabeta. Un ejemplo es el Pórtico de Santa María deRipoll.67 En esta función religiosa la creación de imágenes ha trascendido en laapariencia que se ha de dar a la escultura con la creencia de confundir la imagen con lapropia del dios representado, así ha sucedido desde la imagen de Buda hasta la deCristo.66 

La función ornamental puede estar ligada a alguna de las otras funciones, aunque aveces puede ser el objetivo principal, como ocurre con la decoración vegetal o lageométrica. En los estilos anicónicos, como el islámico o el hebreo, cumple un papelfundamental. La función práctica es cuando su utlidad es par algún uso especial, así seve en los altares portátiles y desde muy antiguo, en los dípticos de relieves de marfil, que se vaciaban ligeramente en su parte interior, para poder poner una capa de ceradonde se grababan mensajes y se cerraba una hoja sobre la otra, para enviarlo a sudestinatario. Como la cera era fácil de borrar y volver a escribir, el mismo díptico seutilizaba para la contestación.68 

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Otra función de la escultura es el coleccionismo, que empezó a ser importante a partirdel renacimiento, cuando los nobles adquirían obras de escultura para el adorno de suspalacios o jardines. Más adelante, a partir del siglo XVIII, los monarcas, los hombres denegocio, burgueses y coleccionistas lo emplearon como medio de inversión económica, satisfacción propia y forma de prestigio.69 

[editar] Tipos de escultura

Estatua bulto redondo:  Apolo del Belvedere en los Museos Vaticanos. 

Bajorrelieve: en el templo de Kom Ombo en Egipto. 

Busto:Voltaire por Jean-Antoine Houdon. 

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 Torso: de Auguste Rodin. 

Escultura cinética: Mòbil en Stuttgart de Alexander Calder. 

La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y la escultura ornamental,según represente la forma humana y exprese las concepciones suprasensibles delhombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres de la naturaleza,animales o vegetales. La primera lleva con propiedad el nombre de escultura y tiene unideal propio, desempeñando la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a laprimera y a la arquitectura. 

  Las estatuas son las esculturas aisladas que representan una entidad específicatridimensional. Según su presentación hay diversas formas de llamarlas: bultoredondo; sedente o sentada; yacente estirada generalmente representando lafigura de un difunto; orante o arrodillada; oferente u ofreciendo presentes y

ecuestre o a caballo.  Los relieves son las esculturas talladas a partir de un fondo o unidas a él. Los

tipos de relieve se dividen en la forma en la que se reduce la profundidad de lasfiguras u ornamentación representadas: bajorrelieve cuando se talla recortando laimagen en el fondo del material que le sirve de soporte y altorrelieve en la quelas formas escultóricas resaltan y salen del plano donde se tallan.

  Busto, son esculturas de la cabeza y la parte superior del tórax que normalmenterepresenta retratos.

  Torso, que representa el tronco humano sin cabeza, ni brazos ni piernas.  Criselefantina es el término dado a un tipo de imagen de culto que tuvo un gran

prestigio en la Antigua Grecia. Las estatuas criselefantinas se construían sobre

una armadura de madera que quedaba totalmente cubierta, por bloques talladosde marfil, representando la carne, láminas de oro para representar las vestiduras,

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la armadura, el pelo y otros detalles. En algunos casos se usaba cristal, piedraspreciosas y semi-preciosas para detalles como los ojos, las joyas y las armas. Seconocen ejemplos del II milenio a. C. de esculturas hechas con marfil y oro.70 

  La escultura arquitectónica es un término que se refiere a la utilización de laescultura por arquitectos y/o escultores en el diseño y la construcción de un

edificio, un puente, un mausoleo o cualquier otro monumento. La escultura estáen general relacionada con la estructura de la construcción. También se llama«escultura embutida» a cualquier estatua colocada en una obra arquitectónica.71 

  La escultura cinética implica aspectos de la física de movimiento, como lasfuentes o móviles. 

[editar] Canon de proporciones

Dibujo para el tratado de Alberto Durero. 

Canon de Leonardo da Vinci. 

El canon es el conjunto de proporciones ideales de la figura humana y sus reglas decomposición, muy utilizadas por los antiguos artistas egipcios y griegos. Representa enescultura y en pintura lo que el módulo en arquitectura.

Los egipcios tenían una norma para la representación del cuerpo humano en los relieves,llamada el canon de perfil. El modelo era la figura derecha y los módulos guardan

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relación con la mano y el brazo, el puño cerrado, la anchura de la mano y el codo (longitud del codo al extremo del pulso). El cuerpo en pie medía 18 puños, o 4 codos o24 anchuras de mano. De la frente al cuello dos puños; del cuello a las rodillas 10; delas rodillas a la planta de los pies 6, igual que la anchura de los hombros. En el Periodotardío de Egipto la figura llegó a medir unos 21 puños de altura.72 

Los artistas griegos del siglo de oro (siglo V a. C.) tuvieron ya su canon atribuidoprincipalmente al escultor Policleto y aunque desde entonces ha ido experimentandovariaciones en manos de los antiguos y modernos artistas, como Alberto Durero que ensus últimos años de vida se dedicó a recopilar estudios teóricos que había hecho sobre elcanon humano en el Tratado de las proporciones del cuerpo, que se editó de manerapóstuma en 1528,73 y Leon Battista Alberti que se mostró constantemente interesado porla búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo delos artistas; en sus obras nombra algunos cánones, por ejemplo, en De statua, expone lasproporciones del cuerpo humano.74 

Finalmente quedó bien establecido por el pintor Leonardo da Vinci, a finales del sigloXV, adoptándolo la mayoría de los pintores y escultores. La medida fundamental delcanon florentino, tomada del hombre bien constituido, está en la cabeza. Ésta seconsidera, en altura, como la octava parte de todo el cuerpo, siendo la cara la décimaparte del mismo y de altura igual a la longitud de la mano. Estando el hombre en pie yextendiendo los brazos, determina un cuadrado perfecto con las líneas que bajan aplomo y pasan por los extremos de las manos y las que horizontalmente se tienden sobrela cabeza y debajo de los pies. Las diagonales de este cuadrado se cortan en la últimavértebra lumbar y fijan en el centro de toda la figura. Trazando una horizontal por dichopunto central se divide el hombre en dos partes iguales y cada una de éstas en otras dos,por líneas paralelas que atraviesen por la mitad del pecho y por las rodillas. La cabezase divide a su vez en cuatro partes iguales, siendo una de ellas altura de la nariz.75 

[editar] Materiales

Los materiales empleados en escultura determinan un resultado del aspecto y textura dela obra con el que adquiere también diversas características. Con el uso de una piedrablanda es más difícil un resultado minucioso, por su desmoronamiento, con un materialmás duro como el granito, se requiere un mayor esfuerzo físico. Los detalles de formasdelicadas y con calados se consiguen mejor con el uso de la madera, como lo demuestra,por ejemplo, los retablos góticos. El trabajo en arcilla permite diversos acabados desde

el más fino y pulido a dejarlo con las señales propias de los dedos del artista.Finalmente es el escultor y su propósito el que consigue sacar del material la forma y latextura deseada.

[editar] Arcilla

 Artículo principal:  Arcilla 

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 Retrato de Niccolò da Uzzano en terracota policromada por Donatello 

Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre, por ser fácil de modelary no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar simplemente las manos.Con el barro se pueden sacar moldes para después trabajar con otros materiales o hacerreproduciones. Si es empleado como material definitivo debe cocerse; en este casorecibe el nombre de terracota. Para la preparación del barro, los procesos deindustrialización han modificado y aligerado el trabajo manual de prensado ydesmenuzamiento de la arcilla. Se encuentran ya en el mercado bloques preparados parael uso de los escultores.63 

Los tipos de arcilla más comunes son:76

 

  Arcilla natural: extraida donde se ha formado. Se utiliza sin ningún añadido.  Arcilla roja: normalemnte contiene hierro y es bastante suave, muy adecuada

para el modelado en el torno y el efectuado con los dedos.  Arcilla de bola: se utiliza para dar plasticidad al unirse a otro tipo de arcilla, es

de color muy oscuro cerca del negro y se contrae bastante durante su cocción.  Arcilla bentonita: es blanca y muy fina con origen de cenizas volcánicas. Se

utiliza para dar plasticidad a otras arcillas.  Arcilla refractaria: tiene una fuerte resistencia al calor, hay bastantes variantes y

acostumbran a ser ásperas y granulosas.  Arcilla de gres: tiene un color gris, es de grano fino y soporta altas temperaturas

para su cocción.

[editar] Piedra

 Artículo principal: Piedra 

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 Moisés de mármol por Miguel Ángel. 

Escultura de esteatita en el templo de Belur. 

Mocárabe de estuco en la Alhambra de Granada. 

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Este material es usado desde muy antiguo por encontrarse abundantemente en lanaturaleza. Para trabajar la piedra se necesitan herramientas especiales. La piedra fueempleada en las Venus paleolíticas, en estatuas griegas y las posteriores copias romanes,las obras de grandes escultores de la renacimiento como Michelangelo, Donatello oBernini y es utilizada desde hace mucho tiempo en monumentos públicos,

prácticamente en todos los países.77

 

Las piedras más comunes en la escultura son:

  Piedra caliza: roca sedimentaria blanda y fácil de trabajar; se emplea en laboresminuciosas. Su conservación depende mucho de la calidad de las canteras. Se hautilizado mucho en escultura monumental, como la Gran Esfinge. La piedracaliza fue una de las más empleadas en Egipto, la mayor parte del valle del Nilo está excavada en en esta clase de piedra y con la cantera de Tura es con la que serealizó las estructuras de la necrópolis de Giza y la mayor parte de las esculturasencontradas en ella.78 

  Mármol: piedra caliza metamórfica, de grano fino y compacto. Su tratamiento dela superficie puede ser muy variado, obteniendo distintas texturas, como tersura,morbidez, aspereza, etc. Por ser un material bastante perdurable fue uno de lospreferidos por los grandes artistas de la Antigüedad y el renacimiento. Elmármol blanco se impuso desde la época clásica, ya que con un buen pulidopuede alcanzar un aspecto translúcido y con una gran brillantez y por ser unapiedra que no presenta grandes fisuras, por lo que el escultor puede esculpir conplena libertad, ya que los golpes en una piedra que no sea compacta puede llegara producir una fractura en la piedra y obligar a cambiar el bloque de mármol.79 

  Arenisca: roca sedimentaria muy fácil de trabajar en cantera, con humedadnatural; se emplea en labores minuciosas. Tiene la particularidad de hacerse másdura y frágil con el paso del tiempo. Se ha utilizado mucho en escultura decapiteles románicos. Es muy porosa y normalmente no se puede pulir.Actualmente no se suele emplear esta piedra en escultura.80 

  Alabastro: es un mineral de yeso (aljez), de color amarillento, parecido almármol a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero muy fácil de trabajar.Ligeramente translúcido.81 

  Granito y diorita: son rocas ígneas mucho más duras que el mármol y estánformadas por enfriamiento de materiales volcánicos fundidos. Su calidad esexcelente una vez trabajado y pulido y se encuentra en gran cantidad de colores.Ha sido muy usada desde la escultura egipcia hasta nuestros días.82 

 Esteatita: es una roca metamórfica formada por talco en gran proporción. Dehecho es un esquisto de talco. Es muy blanda y fácil de tallar.83 84 Admite unbuen pulido. Expuesta al exterior se endurece con el tiempo. Al tacto se asemejaal  jabón (de ahí el nombre en inglés "soap stone ". Los inuit acostumbraban ahacer tallas tradicionales empleando esteatita. Las capas exteriores del CristoRedentor de Río de Janeiro son de esteatita. En la Índia hay algunos templos conesculturas de esteatita (por ejemplo en Belur).

  Cuarzo: se trata de un mineral de gran dureza, difícil de trabajar. A pesar de locual hay ejemplos de esculturas muy elaboradas, talladas en cuarzo.85 

  Jade: con este nombre se denominan dos piedras la  jadeíta y la nefrita ambasmuy parecidas aunque con el aspecto más «orgánico» la nefrita y más vidrioso la

 jadeíta. Tienen un colorido que va desde el verde casi blanco hasta el verde muyoscuro casi negro. Son minerales muy duros y por eso es muy dificultosa su

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talla, para su pulido se utiliza actualmente el carborundo y el corindón con arenaen mezcla acuosa. Aunque los jades trabajados están datados desde hace más decinco mil años, en la China, Mesoamérica y Australia, ha sido en China donde seha desarrollado más.86 Los maorís de Nueva Zelanda realizan unas figurasllamadas Hei tiki con nefrita.87 

[editar] Estuco

 Artículo principal: Estuco 

Es una pasta conseguida a base de cal, polvo de mármol, arena y cola de caseína. Seempleó ya en la antigüedad en Grecia y Roma para hacer moldes. El  arte islámico loempleó tallándolo como adornos mocárabess que se pueden ver en la Alhambra deGranada. En el renacimiento volvió a resurgir su aplicación para vaciados de yeso delnatural, es decir, sobre diversas partes del cuerpo humano y para hacer mascarillas delos difuntos, que después, sus familiares las guardaban como recuerdo. Pero quizá fueen el barroco donde más se utilizó, como motivo decorativo en los techos de palacios.En siglo XX escultores como George Segal o Claes Oldenburg han realizado obrasfigurativas en yeso.88 89 

[editar] Metal

Topos V obra en hierro de Eduardo Chillida. 

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Detalle de la puerta del Museo Diocesano de Barcelona en acero corten de Plandiura. 

Las planchas de cobre, bronce, oro y plata se pueden utilizar en la técnica deelaboración directa, que se trabaja con martillo, buriles o punzones. Con piezaspequeñas o de bajorrelieves se usa el repujado. Para la realización de una esculturaexenta y en mayor tamaño se utiliza un cuerpo duro normalmente de madera que secubre con betún para la mejor adhesión de las chapas que se fijan con clavos o concosturas por medio de hilos metálicos, hay que ir golpeando el metal y para seguir eltrabajo, hay que calentar las láminas conseguido así elasticidad al metal. Después deesta primera parte, la obra se retoca con los buriles y los punzones. Antiguamente estasesculturas se realizaban mucho para su uso como relicarios, dejando el interior vacíopara la custodia de reliquias.90 

  Oro.Junto con el cobre fue uno de los primeros metales utilizados por el hombre,por su belleza y porque se puede trabajar fácilmente. Se han encontradoyacimientos arqueológicos en Ur, Troya y Micenas que demuestran que ya seusaba en el neolítico.91 Los escitas trabajaron en una amplia variedad demateriales pero donde se distinguieron más fue con el oro, en piezas deinfluencia griega y con utilidad decorativa para adorno de sus caballos, vainas dearmas y objetos de joyería. Estas pequeñas esculturas, fueron realizadas con gran

precisión y muy detalladas.

92

   Bronce. El bronce, normalmente una aleación de cobre y estaño, es el másutilizado para la fundición de modelos de escultura. Los bronces «pobres», esdecir, los que contienen un alto porcentaje de cobre, pueden ser trabajados enláminas y esculpidos en frío con el uso de cinceles, sin embargo, las coladasaparecen bastante defectuosas. En cambio, las aleaciones con mayor contenidode estaño o de zinc, cuando se funden tienen un grado más importante de fluidezy son mucho más utilizadas en la reproducción del molde; adhieren mejor a lascaras internas y su reproducción permite alcanzar los mínimos detalles.Normalmente, para la finalización de las esculturas en bronce, se aplica una capade pátina que unifica el color.93 

  Hierro. Es uno de los metales que se utiliza para hacer esculturas y que se trabajapor medio de diferentes técnicas.

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  Acero corten. Este tipo de acero está fabricado con una composición químicaque hace posible que su oxidación quede más protegida ante la corrosión atmosférica, por ello, muchos artistas lo utilizan como uno de los materiales másadecuado para exponer su obra a la intemperie. También se valora sucaracterístico color rojizo anaranjado, que es el resultado de un alto contenido en

cobre, cromo y níquel. Entre los numerosos escultores que lo han utilizado seencuentran Eduardo Chillida, Richard Serra, Jorge Oteiza, Pablo Picasso o JosepPlandiura. 

[editar] Madera

Sheik-el-Beled, escultura de madera (Museo Egipcio de El Cairo). Artículo principal:  Madera 

Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y buenosresultados. Hay muchos tipos de madera y en función de su cualidad puede dejarse laescultura en su color natural o por el contrario teñir con anilinas al agua o alcohol,policromarse o protegerla con goma laca. Las maderas llamadas nobles suelen dejarseen su color natural, protegidas con una cera neutra. Son el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras.94 

La madera se corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación deinvierno cuando la savia está en las raíces y de esta manera se consigue que esté bienseca y sin dar lugar a descomposición de la materia. Los árboles presentan unos troncoscon diámetros más o menos limitados y eso obliga, a preparar piezas diferentes segúnlas necesidades de la obra. Habitualmente la madera se adquiere en tablones, quepreviamente al encolado han de cortarse según la dimensión de la pieza a realizar; paraconseguir un bloque ancho de un mismo tablón han de colocarse los diferentes trozosuno encima del otro en el mismo sentido que el tablón original. A menudo, lasesculturas de madera se aligeran haciendo un hueco su interior.95 

La escultura en madera policromada ha ocupado un lugar importante dentro de laimaginería religiosa. Una vez tallada la pieza, se cubría con una capa de yeso, o bien

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con una tela fina sobre la que se ponía yeso como preparación y se pintaba con coloresal temple o al óleo, a veces dorándolas con hojas de pan de oro.96 

[editar] Marfil

Crucifijo de don Fernando y doña Sancha, una pieza de marfil.  Artículo principal:  Marfil  Artículo principal: Eboraria 

El marfil se obtiene de los colmillos de varios animales, particularmente de loselefantes. Se ha trabajado en todos los países, principalmente de África, Japón, China, India, el área mediterránea y la Europa continental. El uso ornamental del tallado ya seproducía en el Antiguo Egipto y Mesopotamia. Es fácil de cortar y si se quieren obtener

superficies planas se cortan los colmillos longitudinalmente y se sumergen en unamezcla de aceite de almendras con vinagre, al absorber este líquido se ablanda y puedemodelarse ligeramente.97 

Tuvo un gran desarrollo en la época románica en zonas de influencia carolingia. Lostrabajos en marfil se aplicaban en objetos litúrgicos, en cubiertas de libros o placas paralos frontales de los altares. Los olifantes eran instrumentos de viento tallados con unasdelicadas miniaturas y elaborados con colmillos de elefante, que formaban parte de losutensilios de caza de los caballeros durante la Edad Media. Se cree que el crucifijo dedon Fernando y doña Sancha, fechado hacia el año 1063, fue el primero realizado en

Hispania que contiene la representación de la imagen de Cristo.

98

 Son famosas las tallasde marfil realizadas en Malinas, Rubens llegó a diseñar esculturas que fueron talladas eneste material por Lucas Faydherbe (Malinas, 1617-1697), que trabajó durante tres añosen el taller del pintor.99 

[editar] Hormigón

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 Monumento a Narciso Monturiol en hormigón i cobre, de Subirachs.  Artículo principal:  Hormigón 

El uso del hormigón en la escultura es relativamente nuevo y ha adquirido más

importancia a medida que ha aumentado su uso en las fachadas arquitectónicas de losedificios. Sobre el hormigón se pueden conseguir texturas diferentes con el uso decinceles o limas. Es un material económico y permite su exposición al aire libre. HenryMoore lo empleó en varias obras.100 Se utiliza haciendo un vaciado sólido dentro de unmolde de yeso empapado en agua, para evitar que al poner la mezcla de hormigón,chupe el agua que esta mezcla lleva. Es conveniente que la masa del hormigón sea lomás compacta posible para que mantenga su densidad homogénea y para evitar burbujasde aire al final. Se pueden utilizar moldes realizados con cajones de madera previamenteuntados con grasas o aceites.101 

Para la realización de un vaciado, el molde de yeso debe aislarse con capas de gomalaca. El hormigón debe ponerse en capas y con trozos de fibra de vidrio adaptándolo a laforma final de la escultura, y hay que dar dos o tres capas intercaladas.102 

También el hormigón puede ser modelado sobre una carcasa realizada normalmente convaras de acero dulce y una red metálica. Esta armadura se cubre con una mezcla espesade hormigón, reforzándola con fibra de vidrio. Cuando esta capa está casi seca semodela sobre suyo, con otra masa más espesa de hormigón, hasta la finalización de laobra.103 

[editar] Técnicas

Los escultores suelen preparar su obra construyendo un pequeño modelo de la figura, dearcilla o yeso.77 Este modelo equivale al esbozo del pintor o plano del arquitecto. Elprocedimiento fundamental y el más clásico es el esculpido, sirviéndose de escoplo, buril o cincel según las necesidades, incluso los procedimientos de fundir y moldearrequieren retoques de cincel en los detalles. Además, se usan otras acciones como elmodelado o vaciado, el cincelado, el repujado, el embutido, el grabado y el estampado otroquelado. Es interesante darse cuenta de lo poco que han cambiado con el paso deltiempo las técnicas del modelado y la talla, en comparación con los cambios que se hanproducido en otras técnicas de bellas artes. Sólo en el siglo XX se empezaron aintroducir nuevos métodos de trabajo.104 

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Máquina de sacar puntos, útil para la piedra y para la madera.

Gubias para la talla de la madera.

Amasado de la arcilla.

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Bronce líquido volcado dentro de moldes.

  Esculpir, consiste en sacar partículas al bloque ya desbastado hasta obtener lafigura deseada. Antiguamente la talla se efectuaba con instrumentos de hierro,que por su blandura se deterioraban pronto. En algunas esculturas aún se observa

la señal de punzones y cinceles. Actualmente, además de las herramientastradicionales, se utiliza el disco de diamante para la piedra y los discos de widia para la madera.105 Para reproducir, la misma medida, las formas del modelosobre materiales como la piedra o madera se utiliza el método de sacar puntoscon la ayuda del puntómetro o «máquina de sacar puntos». Es un artefacto conuna combinación de varillas metálicas articuladas terminada en una aguja desección triangular afilada en punta, con el que se miden los puntos determinadosen un modelo y se traspasa esta medida al material donde se hace la esculturadefinitiva. La aguja se desplaza por una guía para buscar la profundidad delpunto y se fija con un tornillo.106 

  Modelar. Es dar la forma deseada a una pasta, añadiendo o sacando porciones

de la masa.o  Arcilla. Normalmente para el trabajo de las esculturas en arcilla, muchas

culturas utilizaron las mismas técnicas que para la alfarería, con rollos,placas o tubos de arcilla. También se ha utilizado la presión; la arcillahúmeda se comprime en moldes de barro previamente cocidos. Estatécnica fue empleada por los griegos ya en siglo III a. C., como seobserva en unas figuras conocidas con el nombre de Tanagra.57 Laarcilla, una vez modelada y antes de su cocción en el horno, debemantenerse en contacto con el aire o en un ambiente seco, para sudesecación para que adquiera consistencia y evitar deformaciones.107 

o  Cera. La cera se modela como material auxiliar para la realización debocetos, estos sirven al escultor ya sea como guía para visualizar su obrafinal en otro material, o como matriz para el vaciado posterior en bronce.Más recientemente se ha utilizado para la creación de personajes que seexponen en numerosos museos de cera. A nivel decorativo se hacendiversos objetos como imitaciones de frutas en cera. Como en elmodelado con arcilla las manos del artista son la primera herramienta atener en cuenta, pero puede ayudarse con espátulas, rascadores y limas.La sustancia puede ser cera virgen de abeja o cera industrial que se puedeencontrar en el mercado con varias durezas. Para construir la base paramontar la cera es necesaria una armadura que puede ser desde un simple

alambre de cobre, para piezas pequeñas, hasta otras más complicadascuando la obra es de mayor envergadura.108 o  Plastilina. Se modela con las manos o pequeñas espátulas, prácticamente

igual que la cera, y sirve como boceto para la obra escultórica. Laplastilina encuentra también un lugar destacado en animación. Nick Park es un promotor de su uso, que ganó dos premios Óscar con loscortometrajes de Wallace y Gromit  (1992-1995).

  Vaciar es obtener una forma en hueco o vacío para llenarla después con unmaterial fundido o una pasta cualquiera y lograr la positiva. Se pueden hacerpiezas de yeso, pero no son valoradas ya que el material es pobre y fácil de sufrirrupturas. Con la resina de vidrio y mezclas de polvo de mármol junto con

pigmentos se pueden conseguir copias con diversos colores y texturas.109

 

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  Cera perdida. El método de la cera perdida es el más extendido para losmetales como el bronce, el cual se cuela dentro del molde en forma líquida y así llega a todos los rincones. Cuando se solidifica se consigue una copiacompletamente fiel al modelo del molde. Históricamente se conoce el uso de lafundición a la cera perdida ya en estatuas de gran tamaño desde el siglo II en

Egipto y Mesopotamia y su uso sistemático desde el siglo V en Grecia. Desdeentonces la escultura en bronce se ha realizado con este método ya que permitela reutilización de los moldes y por tanto la reproducción en serie de laescultura.110 

  Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y tambiénformar bajo relieves con el cincel en una lámina metálica.111 

  Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de martillo sobre algúnmolde los relieves y los huecos necesarios para conseguir la forma que sepretende.112 

  Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de pasta uncuño o troquel con las figuras en hueco para que éstas resulten de relieve.

  Soldadura eléctrica: la soldadura eléctrica se utiliza fundiendo un electrodo dehierro en las superficies que se desean unir, por obra del paso de corrienteeléctrica. Se caracteriza por efectuar una unión sumamente sólida y rígida. Estopermite unir objetos de hierro diversos (chatarra, piezas preformadas mediante elrepujado o la forja, etc.).

  Soldadura autógena: este tipo de soldadura permite generar una escultura poraporte, técnica similar a la que se practica con arcilla. La fortaleza de lasoldadura es menor que aquella lograda por la soldadura eléctrica, pero tiene laventaja de permitir la creación de obras más plásticas

  Embutir es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de metal preciosopara que a fuerza de golpes tome su forma y después, al retirar la chapa y unirsus bordes, quede una estatua u objeto artístico hueco pero con aparienciamaciza. También se llama embutido e incrustado el resultado de introduciralgunas piezas en las abertura o surcos practicados en otras.71 

  Galvanoplastia. El descubrimiento de la galvanoplastia se produjo en la primeramitad del siglo XIX. Consiste en depositar por electrólisis cualquier tipo demetal sobre la superficie interior de un molde sacado en negativo de una piezaoriginal.113 Al principio se utilizaron moldes de metal como buen conductoreléctrico, más adelante se utilizaron moldes de plástico resistentes a la acciónquímica del baño electrolítico, consiguiendo que fueran conductores deelectricidad cubriéndolos con polvo de grafito o cualquier otro metal que el

punto de fusión fuera inferior al del metal que debía depositarse para conseguirla pieza final.114 Las reproducciones salen bastante baratas, pero al poder sermuy numerosas pierden un poco el valor de obra de arte, empleándose más paraobjetos industrializados.114 

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ArquitecturaPara otros usos de este término, véase  Arquitectura (desambiguación). 

El sueño del arquitecto, óleo sobre tela, 1840. Obra de Thomas Cole (Toledo Museumof Art en Toledo (Ohio, Estados Unidos).

Chilehaus de noche. Obra simbólica de la arquitectura expresionista. 

Templo de la Sagrada Familia en Barcelona, obra maestra de Gaudí . 

La arquitectura es el arte y técnica de proyectar y diseñar edificios y otras estructuras yespacios que forman el entorno humano. La palabra «arquitectura» proviene del griego αρχ (arch, cuyo significado es ‘jefe’, ‘quien tiene el mando’), y τεκτων (tekton, es decir,‘constructor’ o ‘carpintero’). Así, para los antiguos griegos el arquitecto es el jefe o el

director de la construcción y la arquitectura es la técnica o el arte de quien realiza el proyecto y dirige la construcción de los edificios y estructuras, ya que la palabra Τεχνη(techne) significa ‘saber hacer alguna cosa’. De ella proceden las palabras «técnica» y

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también «tectónico» (‘constructivo’). En su sentido más amplio, William Morris dio lasiguiente definición:

La arquitectura abarca la consideración de todo el ambiente físico que rodea la vida humana: no podemos sustraernos a ella mientras formemos parte de la civilización, 

porque la arquitectura es el conjunto de modificaciones y alteraciones introducidas en lasuperficie terrestre con objeto de satisfacer las necesidades humanas, exceptuando sóloel puro desierto. 

The Prospects of architecture in Civilization, conferencia pronunciada en la London Institution el 10 de marzo de 1881 y recopilada en el libro On Art and Socialism,

Londres, 1947. 

O, tomando en cuenta la opinión del arquitecto Bruno Zevi: 

La arquitectura no deriva de una suma de longitudes, anchuras y alturas de loselementos constructivos que envuelven el espacio, sino dimana propiamente del vacío,

del espacio envuelto, del espacio interior, en el cual los hombres viven y se mueven.Saber ver la arquitectura, Barcelona, 1948. 

En esencia lo que nos dice es que la arquitectura no se basa en la construcción en si,sino más bien en los vacíos y la adaptación de estos a través de la interpretación de ellosmismos al convivir con el ser humano.

Contenido

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  1 La práctica profesional de la arquitectura   2 Algunas definiciones de arquitectura   3 Reseña histórica   4 Arquitectura por periodos históricos (mundo occidental) 

o  4.1 Arquitectura prehistórica o  4.2 Edad Antigua o  4.3 Edad Media o  4.4 Edad Moderna o  4.5 Siglo XIX o  4.6 Siglo XX o  4.7 Siglo XXI 

  5 Otras tradiciones arquitectónicas   6 Galería de imágenes   7 Véase también   8 Referencias   9 Enlaces externos 

[editar] La práctica profesional de la arquitectura

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Plaza de San Pedro, en el Vaticano, vista desde la cúpula de la Basílica.El arquitecto debe ser el individuo que domine todos los conocimientos científicos yartísticos de su época.

 —  Leonardo da Vinci. 

Tradicionalmente, la arquitectura ha sido considerada una de las siete Bellas Artes. Determinados edificios u otras construcciones son obras de arte ya que pueden serconsiderados primariamente en función de su forma o estructura sensible o de suestética. Desde este punto de vista, aunque los medios de la arquitectura puedanconsistir en muros, columnas, forjados, techos y demás elementos constructivos, su fines crear espacios con sentido donde los seres humanos puedan desarrollar todo tipo deactividades. Es en este "tener sentido" en que puede distinguirse la arquitectura (comoarte) de la mera construcción. Así es como ésta es capaz de condicionar elcomportamiento del hombre en el espacio, tanto física como emocionalmente. Aunqueen la actualidad suele considerarse que la principal actividad de la arquitectura vadirigida al diseño de espacios para el refugio y la habitación (las viviendas), sólo a partirdel siglo XIX comenzaron los arquitectos a preocuparse por el problema delalojamiento, la habitabilidad y la higiene de las viviendas, y a ampliar su ámbito deactuación más allá de los monumentos y edificios representativos.

Puerta de Brandeburgo, muestra del Neoclasicismo. 

La evolución a la especialización y la separación de ámbitos laborales es similar a la deotras profesiones. En los siglos pasados los arquitectos no solo se ocupaban de diseñarlos edificios sino también de asuntos que hoy competen a otras profesiones diversas.

Diseñaban plazas, alamedas y parques, especialización que hoy se conoce comoexteriorismo o paisajismo. 

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La especialización de los arquitectos en la creación de objetos de uso en lasedificaciones, como los muebles, ha dado como resultado el nacimiento de la profesiónde diseño industrial. Hoy, los profesionales que proyectan y planifican el desarrollo delos sistemas urbanos son los urbanistas. Esta última profesión tiene estudios separadosen algunos países, mientras que en otros sus atribuciones son desarrolladas por

arquitectos e ingenieros civiles, de forma conjunta o independiente.

[editar] Algunas definiciones de arquitectura

Ópera de Sídney en Australia. 

Walt Disney Concert Hall en los Estados Unidos. 

Hemisfèric en Valencia,España. 

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"De un trazo nace la Arquitectura." Oscar Niemeyer - "El Pepinillo", Torre Swiss Re, por Norman Foster - Zona financiera de Londres. 

  Leon Battista Alberti ( De Re Aedificatoria, 1452?) "... el arquitecto(architectore) será aquel que con un método y un procedimiento determinados ydignos de admiración haya estudiado el modo de proyectar en teoría y tambiénde llevar a cabo en la práctica cualquier obra que, a partir del desplazamientode los pesos y la unión y el ensamble de los cuerpos, se adecue, de una formahermosísima, a las necesidades más propias de los seres humanos" (delProemio). "El arte de la construcción en su totalidad se compone del trazado ysu materialización (...) el trazado será una puesta por escrito determinada yuniforme, concebida en abstracto, realizada a base de líneas y ángulos y llevadaa término por una mente y una inteligencia culta" (del Lib. I, Cap. I).

  Carlo Lodoli ( A. Memmo: Elementi dell'Architettura Lodoliana, 1786) " Laarquitectura es una ciencia intelectual y práctica dirigida a establecer racionalmente el buen uso y las proporciones de los artefactos y a conocer conla experiencia la naturaleza de los materiales que los componen" (del Vol. I,Cap. VI).

  J. N. Louis Durand (Precis des leçons d'Architecture, 1801-1803) " Laarquitectura es el arte de componer y de realizar todos los edificios públicos y

 privados (...) conveniencia y economía son los medios que debe emplear naturalmente la arquitectura y las fuentes de las que debe extraer sus principios(...) para que un edificio sea conveniente es preciso que sea sólido, salubre ycómodo (...) un edificio será tanto menos costoso cuanto más simétrico, másregular y más simple sea" (de la Introducción al Vol. I).

  John Ruskin (The Seven Lamps of Architecture, 1849) " La arquitectura es elarte de levantar y de decorar los edificios construidos por el hombre, cualquieraque sea su destino, de modo que su aspecto contribuya a la salud, a la fuerza yal placer del espíritu" (del Cap. I).

  Eugène Viollet-le-Duc ( Dictionnaire raisonnée..., 1854-1868) " La arquitecturaes el arte de construir. Se compone de dos partes, la teoría y la práctica. La

teoría comprende: el arte propiamente dicho, las reglas sugeridas por el gusto,derivadas de la tradición, y la ciencia, que se funda sobre fórmulas constantes y

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absolutas. La práctica es la aplicación de la teoría a las necesidades; es la práctica la que pliega el arte y la ciencia a la naturaleza de los materiales, alclima, a las costumbres de una época, a las necesidades de un periodo" (de lavoz "Architecture").

  Adolf Loos (" Arquitectura", 1910) " La casa debe agradar a todos, a diferencia

de la obra de arte que no tiene por qué gustar a nadie. La obra de arte es unasunto privado del artista. La casa no lo es. La obra de arte se sitúa en elmundo sin que exista exigencia alguna que la obligase a nacer. La casa cubreuna exigencia. (...) La obra de arte es revolucionaria, la casa es conservadora.(...) ¿no será que la casa no tiene nada que ver con el arte y que la arquitecturano debiera contarse entre las artes? Así es. Sólo una parte, muy pequeña, de laarquitectura corresponde al dominio del arte: el monumento funerario y elconmemorativo. Todo lo demás, todo lo que tiene una finalidad hay queexcluirlo del imperio del arte".

  Le Corbusier (Vers une Architecture, 1923) " La arquitectura está más allá delos hechos utilitarios. La arquitectura es un hecho plástico. (...) La arquitectura

es el juego sabio, correcto, magnífico de los volúmenes bajo la luz. (...) Susignificado y su tarea no es sólo reflejar la construcción y absorber una función,si por función se entiende la de la utilidad pura y simple, la del confort y laelegancia práctica. La arquitectura es arte en su sentido más elevado, es ordenmatemático, es teoría pura, armonía completa gracias a la exacta proporción detodas las relaciones: ésta es la "función" de la arquitectura".

  Nikolaus Pevsner ( An outline of European Architecture, 1945) "Un cobertizo para bicicletas es un edificio; la catedral de Lincoln, una obra de arquitectura(...) el término arquitectura se aplica solo a los edificios proyectados en funciónde una apariencia estética".

  Louis Kahn (de una conferencia en el Politécnico de Milán, 1967) " Ante tododebo decir que la arquitectura no existe. Existe una obra de arquitectura. Y unaobra de arquitectura es una oferta a la arquitectura en la esperanza de que éstaobra pueda convertirse en parte del tesoro de la arquitectura. No todos losedificios son arquitectura (...) El programa que se recibe y la traducciónarquitectónica que se le da deben venir del espíritu del hombre y no de lasinstrucciones materiales".

  Gilles Ivain (Formulario para un nuevo urbanismo, 1958) " La arquitectura esla forma más sencilla de articular el tiempo y el espacio, de modular larealidad, de hacer soñar. No sólo es una articulación y una modulación

 plásticas, que son la expresión de una belleza pasajera, sino también una

modulación influencial, que se inscribe en la curva eterna de los deseoshumanos y de los progresos en la materialización de dichos deseos".  Eduardo Carretero (''Fragmentos de un credo apócrifo'', 2005) "(La

arquitectura) no es importante en sí misma. Importa por cuanto provoca, por cuanto influye en nuestras acciones, por cuanto invita al sueño lúcido y alencuentro con los aspectos olvidados de la existencia (...) (importa) comovehículo de conocimiento, como agente de liberación (...) una arquitectura no

 percibida es inexistente (...) anticipación y recuerdo son las facultades que laubican en el tiempo, ausencia y presencia las cualidades físicas que la sitúan enel espacio, (...) es el acto de proclamar la realidad posible. 

En general, todos los grandes Arquitectos del siglo XX, entre los que podemosmencionar a Mies van der Rohe, Le Corbusier, Frank Lloyd Wright, Louis Kahn o

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Alvar Aalto, han dado a su oficio una definición distinta, enfocando su finalidad demanera diferente. Muy interesante como compendio y reflexión sobre las diversasdefiniciones de arquitectura a lo largo de la historia es la obra del crítico italiano BrunoZevi "Architettura in Nuce".

[editar] Reseña histórica Artículo principal:  Historia de la Arquitectura 

Taj Mahal en India. 

Según el tópico popular, en el tratado más antiguo que se conserva sobre la materia,  De Architectura, de Vitruvio, Siglo I a. C., se dice que la arquitectura descansa en tresprincipios: la Belleza (Venustas), la Firmeza (Firmitas) y la Utilidad (Utilitas). Laarquitectura se puede definir, entonces, como un equilibrio entre estos tres elementos,sin sobrepasar ninguno a los otros. No tendría sentido tratar de entender un trabajo de la

arquitectura sin aceptar estos tres aspectos.

Sin embargo, basta con leer el tratado para percatarse de que Vitruvio exigía estascaracterísticas para algunos edificios públicos muy particulares. De hecho, cuandoVitruvio se atreve a intentar un análisis del arte sobre el que escribe, propone entenderla arquitectura como compuesta de cuatro elementos: orden arquitectónico (relación decada parte con su uso), disposición ("Las especies de disposición [...] son el trazado enplanta, en alzado y en perspectiva"), proporción ("Concordancia uniforme entre la obraentera y sus miembros") y distribución (en griego oikonomía, consiste "en el debido ymejor uso posible de los materiales y de los terrenos, y en procurar el menor coste de laobra conseguido de un modo racional y ponderado"). Sus dudas al respecto son bastante

intensas, pues cuatro páginas más adelante divide la arquitectura en tres partes:Construcción, Gnómica y Mecánica. Por interesante y sugerente que sea, no debeolvidarse que este tratado es el único tratado clásico que nos ha llegado, y laprobabilidad de que sea lo mejor de su época es pequeña.

La historia de las diversas versiones del tratado de Vitruvio resume bien el conflicto a lahora de definir la arquitectura. En 1674 Claude Perrault, médico fisiólogo especializadoen disección de cadáveres y buen dibujante, publica su traducción resumida del tratadode Vitruvio, que queda totalmente reorganizado. El resumen de Perrault es el medio porel que se conoció Vitruvio y que desde entonces influyó en los tratados y teorías de lossiglos siguientes. Y es en ese resumen en el que la tríada vitruviana va a ver la luz.

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La diferencia sustancial entre la versión de Perrault y las anteriores radica, según JoséLuis González Moreno-Navarro, en que Perrault tergiversa "el carácter sintético de laarquitectura en una visión estrictamente analítica y fragmentada en tres ramasautónomas [lo que] es una consecuencia de su estructura mental [...] formada a lolargo de una vida dedicada al análisis de los organismos vivos, que evidentemente en

ningún momento recomponía y volvía a dar vida". Por el contrario, según Vitruvio:

Rascacielos en Japón. La arquitectura es una ciencia que surge de muchas otras ciencias, y adornada con muyvariado aprendizaje; por la ayuda de que un juicio se forma de esos trabajos que son elresultado de otras artes. La práctica y la teoría son sus padres. La práctica es lacontemplación frecuente y continuada del modo de ejecutar algún trabajo dado, o de laoperación mera de las manos, para la conversión de la materia de la mejor forma y de lamanera más acabada. La teoría es el resultado de ese razonamiento que demuestra yexplica que el material forjado ha sido convertido para resultar como el fin propuesto.Porque el arquitecto meramente práctico no es capaz de asignar las razones suficientespara las formas que él adopta; y el arquitecto de teoría falla también, agarrando lasombra en vez de la substancia. El que es teórico así como también práctico, por lo tantoconstruyó doblemente; capaz no sólo de probar la conveniencia de su diseño, sinoigualmente de llevarlo en ejecución.

Estadio Nacional de Pekín "nido de pájaro" en China. 

En el ámbito académico el proceso producción arquitectónica, o de proyecto, involucrala sensibilidad como medio de recorte de las diferentes disciplinas asociadas, y aun porcuanto en épocas pasadas se escribieran extensos tratados, hoy en día lo legal y lotécnico dictan las normas, mas no los modos. Es entonces la arquitectura — desde locontemporáneo y apoyada en los nuevos recursos tecnológicos — un ejercicio en el queefectivamente se envuelven orden, síntesis, semiología, materia, pero aún másimportante que aquello, es un trabajo creativo, innovativo, inédito, siempre que seexcluya la arquitectura producida desde la industria inmobiliaria.

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 Angkor , Camboya. 

La importancia de la arquitectura en el siglo XX ha sido enorme, pues su ejercicio fueresponsable de no menos de la tercera parte de los materiales acarreados por lahumanidad en ese lapso.1 

Durante este periodo, no sólo se ha producido un gran aumento de población, con suscorrespondientes necesidades edificatorias (especialmente de viviendas), sino tambiénimportantes movimientos de poblaciones, desde las zonas rurales a las urbanas y,terminada la Guerra Fría, desde los países pobres a los países ricos. Los movimientosmigratorios han supuesto, no sólo un aumento de la demanda de nuevos edificios en laszonas urbanas, sino también el abandono del patrimonio construido que, en muchoscasos, se ha perdido definitivamente.

Este constante cambio en las necesidades y usos asociados a la edificación permiteexplicar otra de las características de la Arquitectura moderna. Este constante replanteode conceptos, que se remonta hasta la Ilustración, se han desarrollado distintos ynumerosos estilos arquitectónicos con el afán de dar una respuesta a esta interrogante;en el siglo XIX, se produce el abandono de la ortodoxia neoclásica en favor de uneclecticismo estilístico de carácter historicista, dando lugar al neogótico, neorrománico, neomudéjar... Sólo con la llegada del siglo XX surgen estilos realmente originales,como el Arts and Crafts, el Art Nouveau, el Modernismo, el Bauhaus, el EstiloInternacional, el Post-Modernismo, etc.

[editar] Arquitectura por periodos históricos (mundooccidental)

Templo de Luxor. 

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Partenon, Acrópolis de Atenas. 

Chichén-Itzá en México. 

Catedral de Notre Dame (París). 

[editar] Arquitectura prehistórica 

[editar] Edad Antigua 

  Arquitectura de Mesopotamia 

  Arquitectura caldea 

  Arquitectura asiria 

  Arquitectura medo-persa 

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  Arquitectura egipcia 

  Arquitectura mesoamericana 

  Arquitectura egea 

  Arquitectura griega clásica 

  Arquitectura etrusca 

  Arquitectura romana 

[editar] Edad Media 

  Arquitectura rusa 

  Arquitectura bizantina 

  Arquitectura visigoda 

  Arquitectura prerrománica (Prerrománico asturiano) 

  Arquitectura merovingia 

  Arquitectura arábiga 

  Arquitectura románica 

  Arte cisterciense 

  Arquitectura gótica 

[editar] Edad Moderna 

  Arquitectura renacentista   Arquitectura barroca   Arquitectura neoclásica   Arquitectura colonial española 

[editar] Siglo XIX 

  Arquitectura historicista 

  Arquitectura ecléctica 

  Arquitectura del Hierro 

[editar] Siglo XX 

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  Modernismo o Art Nouveau 

  Arquitectura moderna 

  Arquitectura orgánica 

  Arquitectura High Tech 

  Arquitectura postmoderna 

  Deconstructivismo 

  Arquitectura contemporánea 

  Arquitectura sustentable 

  Arquitectura ferroviaria 

[editar] Siglo XXI 

  Arquitectura biónica 

[editar] Otras tradiciones arquitectónicas

Catedral de San Basilio. 

Cualquier cultura o civilización humana tiene su propia tradición arquitectónica queimplica diferentes maneras de pensar, ordenar y crear estructuras o espacios físicosderivadas de las peculiaridades del ambiente físico en el que se desarrollaron (clima,materiales de construcción...) como del ambiente cultural (historia, religión, estructurasocial, tecnologías...).

  Arquitectura en la América precolombina

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o  Arquitectura andina o  Arquitectura en el Imperio Inca o  Arquitectura mesoamericana 

  Arquitectura china   Arquitectura india   Arquitectura islámica   Arquitectura japonesa   Arquitectura mogol   Arquitectura rusa   Arquitectura del Sudeste Asiático 

o  Arquitectura camboyana   Arquitectura vernácula 

[editar] Galería de imágenes

 Fallingwater  de Frank Lloyd Wright 

  La cúpula de Santa María del Fiore de Florencia. 

 Cúpula del Panteón de Agripa 

 Villa Capra, de Palladio. 

 Machu Picchu: yacimiento arqueológico inca en Perú. 

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 Chalet Solans Arquitectura ecléctica. 

 Wfm stata center MIT en los Estados Unidos 

 Arquitectura moderna mexicana. 

PinturaPara otros usos de este término, véase Pintura (desambiguación). 

 La creación de Adán , por Miguel Ángel. Detalle de uno de los frescos de la CapillaSixtina en El Vaticano. 

La pintura artística es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte seemplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composiciónpictórica, y el dibujo. La práctica de el arte de pintar, consiste en aplicar, en una

superficie determinada — una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un recortede tejido, etc. — una técnica determinada, para obtener una composición de formas, 

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colores, texturas, dibujo, etc. dando lugar a una obra de arte según unos principiosestéticos. 

El arquitecto y teórico del clasicismo André Félibien, en el siglo XVII, en un prólogo delas Conferencias de la Academia francesa hizo una  jerarquía de géneros de la pintura

clásica: «la historia, el retrato , el paisaje, los mares, las flores y los frutos».

La pintura es una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las seisBellas Artes. En la estética o teoría del arte modernas la pintura está considerada comouna categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobresuperficies. Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico omaterial, incluyendo los soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o lastécnicas digitales.

Contenido

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  1 Definición   2 Historia de la pintura   3 Géneros pictóricos 

o  3.1 Pintura histórica o  3.2 Retrato o  3.3 Pintura de género o  3.4 Paisaje o  3.5 Naturaleza muerta o  3.6 Desnudo 

  4 Técnicas o  4.1 Óleo o  4.2 Cera o  4.3 Acuarela o  4.4 Témpera o  4.5 Acrílico o  4.6 Pastel o  4.7 Temple o  4.8 Tinta o  4.9 Fresco o  4.10 Grisalla o  4.11 Puntillismo o  4.12 Dripping o  4.13 Graffiti o  4.14 Técnicas mixtas 

  5 Materiales o  5.1 Soportes 

  5.1.1 Tabla de madera   5.1.2 Lienzo   5.1.3 Cobre  

5.1.4 Vidrio   5.1.5 Papel 

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o  5.2 Pinceles o  5.3 Fondos o  5.4 Pigmentos 

  6 Véase también   7 Referencias   8 Bibliografía   9 Enlaces externos 

[editar] Definición

El arte de la pintura per Johannes Vermeer (1665) Kunsthistorisches Museum deViena. 

Una pintura es el soporte pintado, sea un muro, un cuadro, o una lámina. La palabrapintura se aplica también al color preparado para pintar, asociado o no a una técnica de

pintura, en este sentido es empleado en la clasificación de la pintura atendiendo a lastécnicas de pintar, por ejemplo: «pintura al fresco» o «pintura al óleo».

La clasificación de la pintura puede atender a criterios temáticos, como la «pinturahistórica" o la "pintura de género». O a criterios históricos basados en los periodos de laHistoria del Arte; como la « pintura prehistórica», la «pintura gótica» y en general decualquier período de la historia de la pintura. 

Las pinturas son obras de arte, atendiendo a su sentido estético Ernst Gombrich diceque:1 

No hay nada de malo en que nos deleitemos con la pintura de un  paisaje porque nosrecuerda nuestra casa o en un retrato porque nos recuerda un amigo, ya que como

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hombres que somos, cuando miramos una obra de arte estamos sometidos al recuerdo de una multitud de cosas que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos.

Gombrich, Historia del arte (2002)

Y parafraseando a Arnold Hauser: 

Las interpretamos (las pinturas) de acuerdo con nuestras propias finalidades yaspiraciones, les trasladamos un sentido, cuyo origen está en nuestras formas de vida yhábitos mentales.

Ernst Bloch en El espíritu de la utopía (1918), defiende el arte no figurativo,relacionándolo con una concepción utópica del hombre, como un destino no reveladopero presente de forma inconsciente en lo más profundo del ser humano.2 

Si la tarea de la pintura fuera ponernos ante los ojos del aire y la preciosa vastedad delespacio y de todo lo demás, más valdría ir a disfrutar directa y gratuitamente de todo

aquello.Ernst Bloch, El espíritu de la utopía (1918)

Erwin Panofsky y otros historiadores del arte, analizan el contenido de las pinturasmediante la iconografía (forma) y la iconología (su contenido), primero se trata decomprender lo que representa, luego su significado para el espectador y, a continuación,analizan su significado cultural, religioso y social más ampliamente.

[editar] Historia de la pintura

 Artículo principal:  Historia de la pintura 

Réplica de unas pinturas de la cueva de Chauvet del período Auriñaciense. 

La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea, eincluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, quecoincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural.

El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas, se concentra sobre todo, en ciertas

regiones pirenaicas pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en elarte levantino, en muestras inferiores se han encontrado en Portugal, Norte de África, 

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Italia y Europa oriental. Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran enla Cueva de Chauvet en Francia, fechada por algunos historiadores de unos 32.000 años,de los períodos entre el Auriñaciense y el Gravetiense, fueron realizadas con ocre dearcilla, rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso . También cabedestacar las cuevas de Lascaux y Altamira. Se encuentran dibujados rinocerontes,

leones, búfalos, mamuts, caballos o seres humanos a menudo en aptitud de caza.3

 

Las imágenes que se observan en las paredes de las tumbas egipcias de hace unos 5.000años son escenas de la vida cotidiana y mitológicas con los rasgos característicos deesquemas de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social. En laAntigua Roma era normal decorar los muros de las casas y palacios principales y entrelas mejores conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano. En la épocapaleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con larepresentación de Jesús como el «Buen Pastor», eran figuras estáticas con grandes ojosque parecían mirar al espectador, este estilo continuó en la escuela bizantina deConstantinopla. La pintura románica se desarrolla entre los siglos XII y XIII, siendo las

zonas más interesantes las del Sur de Francia y las de Cataluña, la mayoría de las veceseran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las iglesias conrepresentaciones del Pantocrátor, la Virgen María y la vida de santos. En pintura gótica además de los temas religiosos se representan temas laicos principalmente en Francia eItalia, donde destacó la figura el pintor Giotto.4 

 La Gioconda pintura del renacimiento por Leonardo da Vinci. 

En el renacimiento tuvo la pintura una gran influencia clásica, se desarrolló laperspectiva lineal y el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en lapintura, también en esta época apareció la técnica del óleo. Fue una época de grandespintores entre los que se destacaron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Sanzio yTiziano. En la obra de  La Gioconda descollan las nuevas técnicas empleadas por

Leonardo, el sfumato y el claroscuro. Miguel Ángel realizó una de las más grandesobras pictóricas los frescos de la Capilla Sixtina. Los artistas que más emplearon temas

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simbólicos fueron los del Norte de Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck y Hubert van Eyck. En Alemania sobresalió el pintor y humanista Durero.4 

 Hipnotizador (1912), de Bohumil Kubišta (Ostrava). Pintura del expresionismo conmezcla del cubismo.

La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso auténtico con el que quierecontrarrestar la amenaza del protestantismo, y para esta empresa las convencionesartificiales de los manieristas, que habían dominado el arte durante casi un siglo, ya noparecían adecuadas, las dos características más importantes del manierismo eran elrechazo de las normas y la libertad en la composición, en los colores y en las formas, lanovedad de los caravaggistas era un naturalismo radical que combinaba la observaciónfísica detallada con una aproximación, incluso teatral y dramática mediante el

claroscuro, el uso de luz y sombra. Caravaggio y Annibale Carracci son dos pintorescoetáneos, y considerados decisivos en la conformación pictórica del barroco. Lapintura barroca se caracteriza por el dinamismo de sus composiciones; se distinguieronentre otros Velázquez, Rubens y Rembrandt. En la primera mitad del siglo XVIII seimpuso el rococó, más alegre y festivo que el barroco. Tuvo especial importancia enFrancia y Alemania. 

El romanticismo de principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos ysentimientos intensos. En Francia el pintor más importante fue Delacroix; en el ReinoUnido, Constable y Turner; en los Estados Unidos, Thomas Cole; y en España, Francisco de Goya. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX, la

pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen realista; elimpresionismo, con Manet como precursor, es un estilo de pinceladas sueltas yyuxtaposición de colores que busca reconstruir un instante percibido, una impresión, sininteresarse por los detalles concretos.5 

El inicio del siglo XX se caracteriza por la diversidad de corrientes pictóricas: elFauvismo, que rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos; elExpresionismo, que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de larealidad; el Cubismo con Georges Braque y Picasso, con la descomposición de lasimágenes tridimensionales a puntos de vista bidimensionales; y la pintura abstracta, heredera del cubismo. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre losaños 1940-1950, el Pop art llegó un poco después, con un conocido exponente en AndyWarhol. El minimalismo se caracteriza por la búsqueda de la máxima expresión con los

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mínimos recursos estéticos. El siglo XXI demuestra una idea de pluralismo y las obrasse siguen realizando en una amplia variedad de estilos y gran estética.4 

[editar] Géneros pictóricos

 Artículo principal:  Jerarquía de géneros 

Entierro del conde de Orgaz (1586-1588), de El Greco.Se puede considerar dentro delgénero de pintura histórica: describe una leyenda local según la cual elconde fueenterrado por sant Esteban y san Agustín. En la parte inferior, se describe unenterramiento con la pompa del siglo XVI; en la parte superior, está representada la

Gloria y la llegada del alma del conde.

Retrato de El doctor Paul Gachet  (1890) por Van Gogh. 

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Pintura de género: Boda campesina (1568) por Pieter Brueghel el Viejo. 

Paisaje tipo vedutismo de la Iglesia de Santa Lucía des del Gran Canal (siglo XVIII)por Francesco Guardi. 

Canasta de fruta (c. 1599) naturaleza muerta por Caravaggio. 

Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentaciónartística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, lasdimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte. Los autores como Platón (427-347 a. C.), Aristóteles (384-322 aC) y Horacio (65-8 aC) afirmaron que el arte es

siempre una mímesis y que su mérito está en el valor didáctico de lo que representa y subuena representación, sin establecer diferencias entre el retrato imaginado o real.Vitruvio en la segunda parte del siglo I, describió la decoración de comedores donde seveían imágenes con comida y de otras salas con paisajes o escenas mitológicas.6 

En el renacimiento, Leon Battista Alberti quiso elevar el grado de «artesano de lapintura» al de «artista liberal» afirmando: «El trabajo más importante del pintor es laistoria», con la palabra historia se refería a la pintura narrativa, con escenas religiosas oépicas « ... la que retrata los grandes hechos de los grandes hombres dignos derecordarse difiere de la que describe las costumbres de los ciudadanos particulares, de laque pinta la vida de los campesinos. La primera tiene carácter majestuoso, debereservarse para edificios públicos y residencias de los grandes, mientras que la otra seráadecuada para jardines ...»7 

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La aparición de la pintura al óleo en el siglo XVI y el coleccionismo, hizo que, aunqueno se perdiera la monumentalidad para murales narrativos, surgieran las pinturas máscomerciales y en otros formatos más manejables, así comenzaron a clasificarse losgéneros pictóricos y su especialización por parte de los artistas. En la Italia central secontinuó haciendo pintura histórica, los pintores de la parte norte de la península itálica

realizaban retratos y los de los Países Bajos realizaron la pintura de género a pequeñaescala presentando la vida campesina, el paisaje y la naturaleza muerta. En 1667, AndréFélibien historiógrafo, arquitecto y teórico del clasicismo francés, en un prólogo de lasConferencias de la Academia hace una  jerarquía de géneros de la pintura clásica: «lahistoria, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y los frutos».8 

[editar] Pintura histórica

La pintura histórica era considerada grande genre e incluía las pinturas con temasreligiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos, era prácticamente unainterpretación de la vida y mostraba un mensaje intelectual o moral. Sir JoshuaReynolds, en sus Discursos sobre arte expuestos en la Royal Academy of Arts entre1769 y 1790 comentaba: «El gran fin del arte es despertar la imaginación ... De acuerdoen correspondencia con la costumbre, yo llamo esta parte del arte Pintura Histórica,pero debería decirse Poética .(...) Debe algunas veces desviarse de lo vulgar y de laestricta verdad histórica a la búsqueda de grandeza para su obra ». Aunque NicolasPoussin fue el primer pintor que realizó este género en formato más reducido, estainnovación tuvo poco éxito, Diego Velázquez en 1656 realizó  Las Meninas con untamaño que demuestra simbólicamente que este retrato de la familia real entra dentrodel género de la pintura histórica, mucho más tarde Pablo Picasso en su obra Guernica de 1937, también emplea una gran dimensión para esta pintura histórica.9 

[editar] Retrato

Dentro de la  jerarquía de géneros, el retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia,por un lado, representa a una persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, alfin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona. Históricamente, se harepresentado los ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se difundió, entre la clasemedia, el encargo de retratos de sus familias. Aún hoy, persiste la pintura de retratocomo encargo de gobiernos, corporaciones, asociaciones o particulares. Cuando elartista se retrata a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrant exploró en este sentidocon sus más de sesenta autorretratos. El artista en general intenta un retrato

representativo, como afirmó Edward Burne-Jones: «La única expresión que se puedepermitir en la gran retratística es la expresión del carácter y la calidad moral, nadatemporal, efímero o accidental.»10 En la técnica del óleo fue Jan van Eyck uno de losprimeros que lo impuso en los retratos, su  Matrimonio Arnolfini fue un ejemplo deretrato de pareja en cuerpo completo. Durante el renacimiento, representaron el estatus yéxito personal del retratado, sobresalieron Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Durero.11 En España descollaron Zurbarán, Velázquez y Francisco de Goya. Los impresionistasfranceses también practicaron este género, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etc. En el siglo XX, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, MaxBeckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon o Andy Warhol.12 

[editar] Pintura de género

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La pintura de género o «escena de género» es el retrato de los hábitos de las personasprivadas en escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar«pintura costumbrista». Los primeros cuadros más populares se dieron en los PaísesBajos durante el siglo XVI y entre los artistas más destacados se encuentran PieterBrueghel el Viejo y Vermeer. No se sabe con seguridad si se trata de simple

representación de la realidad con un propósito de mera distracción, a veces cómico, obien se buscaba una finalidad moralizante a través de los ejemplos cercanos alespectador. No hay duda de que, en el cuadro de género del siglo XVIII, sí estabapresente la intención satírica o moralizante en obras como las de William Hogarth oJean-Baptiste Greuze. En España, Diego Velázquez lo cultivó con su Vieja friendohuevos o El aguador de Sevilla, Francisco de Goya reflejó, en varias obras de cartonespara tapices, las fiestas populares, Bartolomé Esteban Murillo hizo escenas de género demendigos y jóvenes picarescos. En Francia, Jean-Honoré Fragonard y Antoine Watteau hicieron un tipo de pinturas idealizadas de la vida diaria.13 

[editar] Paisaje

En China y Japón son los países donde, desde el siglo V, se encuentran pinturas con eltema del paisaje. En Europa, aunque aparecen elementos de paisaje como fondo deescenas narrativas, o tratados de botánica y farmacia, se inicia verdaderamente en elsiglo XVI, cuando con la aparición del coleccionismo se empezó a pedir temas decuadros campestres y a designar como especialistas a los pintores del norte de Europa.Así de una manera específica se impuso el tema del «paisaje holandés», que secaracteriza por su horizonte bajo y los cielos cargados de nubes y con motivos típicosholandeses como los molinos de viento, ganados y barcas de pesca. Los paisajesvenecianos de Giorgione y sus discípulos son con una apariencia lírica y un bello

tratamiento cromático, este tipo de pintura se desarrolló sobre todo a lo largo de todo elsiglo XVIII, en un estilo llamado vedutismo, que son vistas generalmente urbanas, enperspectiva, llegando a veces a un estilo cartográfico, donde se reproducen imágenespanorámicas de la ciudad, describiendo con minuciosidad los canales, monumentos ylugares más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la figura humana,generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente. Sus mayoresexponentes fueron Canaletto, Bernardo Bellotto, Luca Carlevarijs y Francesco Guardi. En la escuela de Barbizon fueron los primeros en pintar al aire libre y hacer un estudiosobre el paisaje a base de la luz y sus variantes que influyeron especialmente en lapintura impresionista.14 

[editar] Naturaleza muertaEs el género más representativo de la imitación de la naturaleza de objetos inanimados,en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios de cocina, demesa, libros, joyas etc. y se puede decir, que es el menos literario de todos los temas. Suorigen está en la antigüedad donde se utilizaba para la decoración de grandes salones,como los frescos romanos en Pompeya. Plinio el Viejo relata que los artistas griegos desiglos antes, eran muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta. Fue muy popular enel arte occidental desde el siglo XVI, un ejemplo es La carnicería de JoachimBeuckelaer. En el mismo siglo Annibale Carracci y Caravaggio representaronmagníficas naturalezas muertas. Durante el siglo XVII evolucionó en los Países Bajos

un tipo de bodegón, llamado «vanitas», donde se exponían instrumentos musicales,vidrio, plata y vajilla, así como joyas y símbolos como libros, cráneos o relojes de

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arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los placeres de los sentidos.La Academia francesa lo catalogó en el último lugar de la jerarquía pictórica. Con lallegada del impresionismo y junto con la técnica del color, la naturaleza muerta volvió aser un tema normal entre los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son delos más conocidos. Los artistas durante el cubismo pintaron también composiciones de

bodegones, entre ellos Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.15

 

[editar] Desnudo

El desnudo es un género artístico que consiste en la representación del cuerpo humano desnudo. Es considerado una de la clasificaciones académicas de las obras de arte. Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas interpretaciones ysignificados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, obien como representación de la belleza e ideal estético de perfección, como en laAntigua Grecia. El estudio y representación artística del cuerpo humano ha sido unaconstante en toda la historia del arte, desde la prehistoria (Venus de Willendorf ) hastanuestros días. Una de las culturas donde más proliferó la representación artística deldesnudo fue la Antigua Grecia, donde era concebido como un ideal de perfección ybelleza absoluta, concepto que ha perdurado en el arte clasicista llegando hasta nuestrosdías, y condicionando en buena medida la percepción de la sociedad occidental hacia eldesnudo y el arte en general. En la Edad Media su representación se circunscribió atemas religiosos, siempre basados en pasajes bíblicos que así lo justificasen. En elRenacimiento, la nueva cultura humanista, de signo más antropocéntrico, propició elretorno del desnudo al arte, generalmente basado en temas mitológicos o históricos,perdurando igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX, especialmente con elimpresionismo, cuando el desnudo empezó a perder su carácter iconográfico y a ser

representado simplemente por sus cualidades estéticas, el desnudo como imagen sensualy plenamente autorreferencial.16 

[editar] Técnicas

 Artículo principal: Técnicas de pintura 

Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos en el soporte a pintar. En general, y en las técnicas a continuación expuestas, si lospigmentos no son solubles al aglutinante permanecen dispersos en él.17 

[editar] Óleo

Paleta de pintor, pinceles y tubos de pintura al óleo.

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 El dos de mayo de Francisco de Goya. 

El vehículo empleado para fijar el pigmento son tipos de aceites y el disolvente es latrementina. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco,mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. Estos aceites se secan máslentamente que otros, no por evaporación sino por oxidación. Se forman capas depigmento que se incrustan en la base y que, si se controla cuidadosamente los tiempos

de secado, se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. Este proceso deoxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco, y el artistapuede variar las proporciones de aceite y disolventes, como la trementina, para que lasuperficie pintada muestre toda una gama de calidades, opaca o transparente, mate obrillante. Por esta y por otras razones, el aceite puede considerarse como el medio másflexible. Usado de una manera conveniente, la pintura al óleo cambia muy poco de colordurante el secado aunque, a largo plazo, tiende a amarillear ligeramente. Su capacidadde soportar capas sucesivas, permite al artista desarrollar un concepto pictórico poretapas - Degas llamaba este proceso bien amenée(bien llevado)- y la lentitud de secadole permite retirar pintura y repasar zonas enteras. Las fotografías con rayos X demuestran que incluso los grandes maestros introducían a menudo cambios durante el

proceso de realización de un cuadro.18

 

[editar] Cera

El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes. La encáustica, que deriva delgriego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se caracteriza por eluso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muycubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátulacaliente. La terminación es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una capa decera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como aglutinante sinocomo protección). Esta operación se llama «encaustización» y está perfectamente

descrita por Vitruvio (c. 70-25 aC), que dice así: «Hay que extender una capa de ceracaliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de lino biensecos.»19 

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Caja de acuarelas.El Temerario remolcado a dique seco, J.M.W. Turner, acuarela.

[editar] Acuarela

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Loscolores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a vecesdejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se componede pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea lapintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en lacomposición que se está realizando. Requiere del artista la seguridad en los trazos yespontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en el frescor y latransparencia de los colores. Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va encontra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y darsucesivas veladuras con lo que se consigue un claroscuro muy detallado pero carente dela translucidez de la acuarela clásica.20 

[editar] Témpera

La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene una «carga» de talco industrial o blanco de zinc. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera elcarácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela, permitiéndole aplicartonalidades claras sobre una oscura, procedimiento que en la acuarela «clásica» seconsidera incorrecto. Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos yhacer efectos de trazo seco o de empaste. Igual que la acuarela su aglutinante es la gomaarábiga, aunque muchas témperas modernas contienen plástico. Con esta técnica

François Boucher logró grandes obras maestras, los artistas del siglo XVIII emplearonla acuarela y el gouache juntos para dar distinción a una zona concreta de la pinturahecha con acuarela . Según el pintor Paul Signac: «... determinados rosas violáceos delos cielos de Turner, ciertos verdes de las acuarelas de Johan Jongkind no se habríanpodido conseguir sin un poco de gouache.»21 

[editar] Acrílico

La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentosestán contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente).Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Se destaca

especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente eltono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fuedesarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos. El pintor Jackson Pollock utilizó las pinturas acrílicas tal como salen de los tubos para conseguir texturas nuevas yespesas mientras que Morris Louis las diluía con gran cantidad de agua para pintargrandes telas que quedaban con un efecto de teñido más que de pintura.22 

[editar] Pastel

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 Caja de barritas de pastel.

El barreño, Degas, pintura al pastel.

La técnica de la pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colorescuyos pigmentos en polvo están mezclados con la suficiente goma o resina para quequeden aglutinados y formen una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva de lapasta que así se forma; es pasta modela en la forma de una barrita del gruesoaproximado de un dedo que se usa directamente (sin necesidad de pinceles ni espátulas,ni de disolvente alguno) sobre la superficie a trabajar, como soporte es común utilizarpapel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad,aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otrassuperficies como madera. Son colores fuertes y opacos, la mayor dificultad es laadhesión del pigmento a la superficie a pintar, por lo que se suele usar alfinalizar eldibujo fijadores atomazados (spray) especiales. El pastel generalmente se usa como el«crayon» o el lápiz, su recurso expresivo más afín es la línea con la cual se puedeformar tramas, también suele usarse el polvo, que tiende a soltar la barra del pastel, paraaplicar el color. Muchos artistas han empleado esta técnica desde el siglo XVI,Leonardo da Vinci, fue uno de los primeros en utilizarlo en Italia en el dibujo de Isabelde Este. Otros artistas son Hans Holbein el Joven, Correggio, Fragonard o Degas.23 

[editar] Temple

La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua, clara y yema dehuevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta lograruna mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta crear la emulsión omédium de la técnica al temple. La proporción es de un huevo entero, más una parteigual de aceite, más una, dos o tres partes de agua, dependiendo de la fluidez que sequiera alcanzar. También se puede agregar un poco de barniz «dammar» que reemplazala parte de aceite de linaza, con este procedimiento se logra mayor firmeza o agarre y unsecado más rápido, sin embargo el acabado es más impermeable a las nuevas veladuras.En lugar del agua se puede emplear leche desnatada, látex de higuera o cera siempre conagua. Vasari también empleó en su descripción la palabra temple para la composición

de aceite con barniz. Grandes obras maestras como por ejemplo El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli están realizadas con esta técnica.24 Según explica D.V. Thompson:

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Una pintura al huevo bien hecha está entre las formas de pintura más duraderas que hainventado el hombre. Bajo la suciedad y los barnices, muchas obras medievales altemple de huevo están tan frescas y brillantes como cuando se pintaron. Normalmentelas pinturas al temple han cambiado menos en quinientos años que cuadros al óleo entreinta.

D.V. Thompson, The Materials and Tecniques of Medieval Painting (1956) Nova York.

[editar] Tinta

Pincel, barra de tinta y tintero.

Tinta sobre papel, siglo XIV, Japón.

La presentación de la tinta, también llamada tinta china, es generalmente líquida aunquetambién puede ser una barra muy sólida que se debe moler y diluir para su uso. Se usasobre papel y los colores de tinta más utilizados son el negro y el sepia, aunqueactualmente se usan muchos otros. La tinta se aplica de varias maneras, por ejemplo conpluma o plumín, que son más adecuados para dibujo o caligrafía y no para pinturas, lasdiferentes puntas de plumilla se utilizan cargadas de tinta para hacer líneas y con ellasdibujar o escribir. Otro recurso para aplicar la tinta es el pincel, que se utilizabásicamente como la acuarela y que se llama aguada, pero la técnica milenaria llamadacaligrafía o escritura japonesa también está hecha con tinta y pincel sobre papel. Otrasformas más utilitarias de usar la tinta es el tiralíneas (cargador de tinta) o rapidograph.

La tinta junto con el grafito son más bien técnicas de dibujo. 

[editar] Fresco

A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas formas depintura mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo que el latín esa los idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un cambio químico. Lospigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasareciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. Debidoal dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se transforma en carbonato de calcio, demanera que el pigmento cristaliza en el seno de la pared. Los procedentes para pintar al

fresco son sencillos pero laboriosos y consumen mucho tiempo. Esta técnica de pinturasuele ser estable y de larga duración, aunque se puede dañar por causas físicas, químicas

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o bacteriológicas, la más frecuente es la humedad que consigue la alteración de loscolores ante la disolución del carbonato de calcio y el desarrollo del moho.25 

[editar] Grisalla

Pigmento de óxido de hierro. 

 Martirio del Apóstol San Bartolomé de Josep Maria Sert. 

Es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma en claroscuro: «luz ysombra» como la llamó Vasari, el color está hecho de una mezcla de óxidos de hierro yde cobre y de un fundente, que produce la sensación de ser un relieve escultórico. En elsiglo XIV se utilizó para esbozos prepatorios de los escultores para conseguir el efectode relieve mediante diversas gradaciones de un solo color. Bajo el reinado de Carlos Vde Francia, el uso de la grisalla fue sobre todo en la miniatura, en los vitrales y en lapintura. Su utilización será una de las características de la pintura flamenca: en el dorsode los retablos se solía representar una Anunciación en grisalla (Políptico de Gante, JanVan Eyck, para la catedral de San Bavón en Gante). Josep Maria Sert enfatiza aún máspor su evolución cromática, que termina apoyándose en un predominio de lamonocromía dorada. Empleaba una gama cromática limitada: oros, ocres, tierrastostadas, con toques de carmín, utilizando como fondo una rica preparación en metal, plata y pan de oro.26 

[editar] Puntillismo

El puntillismo es la técnica que surgió en el neoimpresionismo por el estudio practicadoprincipalmente por el pintor Georges Seurat, que consiste en colocar puntos pequeñosesféricos de colores puros, en lugar de la técnica de pinceladas sobre el soporte parapintar. Al haber relaciones físicas entre los colores, la interacción entre los primarios ycomplementarios, consiguen con la posición de unos junto a otros la mezcla óptica, apartir de una cierta distancia del cuadro, que es capaz de producir el efecto de la uniónentre ellos.27 

[editar] Dripping

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El dripping es una pintura automática, que según los surrealistas se consigue con ellauna pintura casual, hecha con gotas y salpicaduras de pintura, es la técnica pictóricacaracterística de la «action painting» estadounidense (pintura de acción). La pintura serealiza por el artista caminando sobre la superficie a pintar con grandes brochas o con elmismo bote de pintura, dejando caer el goteo del color, normalmente esmalte, que es el

que forma las manchas sobre el soporte.

[editar] Graffiti

Pintura envasada en spray. 

Graffiti en una calle de Barcelona. 

Se realiza con una pintura envasada en aerosoles que se utiliza pulsando el botónsuperior por lo que sale en una aspersión muy fina y permite pintar grandes superficies,normalmente los muros de las calles, a la pintura conseguida de esta manera se ledenomina graffiti. A finales de los años 1970 se empezaron a ver muchas de estas obrasurbanas firmadas y cada vez más elaboradas, incluso se fabrican pintura en aerosolexclusivamente para estos artistas, a veces se utilizan plantillas para recortar lasuperficie que se quiere pintar, así como también hay otras plantillas para letras en elmercado, aunque lo más corriente es que los propios artistas se hagan las suyas.

[editar] Técnicas mixtas

A veces se emplean diversas técnicas en un mismo soporte. El collage por ejemplo, quees una técnica artística ( no pictórica por no ser pintada) se convierte en una técnicamixta cuando tiene alguna intervención con guache, óleo , tinta o cualquier otrapintura.28 

Finalmente, sería conveniente distinguir entre «procedimiento pictórico» y «técnicapictórica». Se entiende por procedimiento pictórico la unión de los elementos queconstituyen el aglutinante o adhesivo, y los pigmentos. La forma de aplicar esteprocedimiento pictórico se denomina técnica pictórica.29 

[editar] Materiales

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Pintura con cera o encàustica sobre tabla en Fayum. 

Existe información sobre los materiales empleados por los artistas en documentosescritos, notas dirigidas a otros artistas y otra fuente es el examen técnico y científico delas obras de arte. Estos exámenes sirven también para reforzar las pruebas

documentales. Como es natural los materiales empleados a partir del siglo XX sonmucho más numerosos y exhaustivos.30 

[editar] Soportes

El soporte cumple la función de ser el portador del fondo y de las capas de pintura. Lossoportes son muy variados, los más tradicionales son el papel, el cartón, la madera, ellienzo y los muros, a los que se puede añadir el metal, el vidrio, el plástico o el cuero entre otros. Todos necesitan de una imprimación especial según el procedimientopictórico que se quiera seguir.31 

[editar] Tabla de madera

 Artículo principal: tabla (pintura) 

La tabla de madera ha sido de los soportes más utilizados desde siempre, los artistasegipcios ya pintaban sobre la madera de los sarcófagos y especialmente en la EdadMedia, los retablos o los frontales de altar. Su imprimación es suficiente con una capade cola o en caso de tener que dorar con pan de oro, hay que hacer otra preparación decolas, yeso y arcilla previas, y también fue el principal soporte para la pintura decaballete europea hasta el siglo XV.32 La madera maciza empleada antiguamente se

había de cubrir con tiras de tela de lino encoladas para disimular las juntas, también aveces se cubría completamente con la tela, así se evitaban posibles grietas posteriores.Así lo explica Cennino en su obra Il Libro dell'Arte del año 1390.33 Se utilizan también

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el contrachapado y el conglomerado, tableros prefabricados que ofrecen la característicade tener las superficies lisas y sin uniones, se encuentra el llamado táblex que además deligero, tiene dos caras una lisa y otra rugosa, se suele utilizar por la parte rugosa ya quela lisa necesita una preparación para que la pintura se adhiera a ella correctamente.34 

[editar] Lienzo

 Artículo principal:  Lienzo 

Vista posterior de un bastidor en construcción, soporte de madera sobre el cual tensar ellienzo.

traducción del catalán al español Plinio el Viejo narró que el emperador Nerón encargóun retrato suyo sobre una tela de 36,5 metros de largo. Heraclio en su manuscrito  DeColoribus te Artibus Romanorum del siglo X, describía cómo se preparaba un lienzo delino para poder pintarlo y dorarlo, tensando la tela y preparándola con cola depergamino. La pintura sobre tela fue utilizada sobre todo en el norte de Europa ydespués en Italia por su gran ligereza, a partir del siglo XVIII se hizo corriente suutilización en bastidor fijo y desde el siglo XIX se comercializó en serie.32 

Los lienzos más usados son los provenientes de fibras vegetales como el cáñamo, ellino, el yute con tramado fino o el algodón, todos se presentan con grano fino o gruesosegún el resultado que quiera el artista de su trabajo, también hay soportes realizadoscon tejido de poliéster. Estos lienzos se pueden adquirir a metros y montarlos sobremarco el propio pintor o utilizar los que hay en el mercado de diferentes tipos yformatos. Existe una numeración internacional para las medidas de largo y ancho decada bastidor, además tres formatos diferentes para cada número que corresponde a:«figura», «paisaje» y «marina», el tamaño de un lado es siempre el mismo y el otro va

disminuyendo, por ejemplo el «40 figura» mide 100 x 81 cm, el «40 paisaje» mide 100x 73 cm y el «40 marina» mide 100 x 64 cm. Naturalmente no hay que seguir esta regla,cada autor puede realizar su obra libremente en la medida que más desee.35 La mayoríade lienzos del mercado están preparados con aceite de linaza y tapaporos y tambiénexisten preparaciones a base de emulsiones aptos para el óleo o el acrílico, así sesimplifica la preparación de imprimaciones para diferentes tipos de pintura y se obtienesiempre el mismo resultado.36 

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Vidrio pintado greco-romano del siglo II.

[editar] Cobre

No es un soporte muy común, pero fue usado principalmente durante el siglo XVI enláminas muy delgadas y por pintores del norte de Europa, como el artista alemán AdamElsheimer. El tamaño normalmente pequeño de estas planchas hace pensar que losartistas que las emplearon, las habían reciclado de antiguos grabados.32 

[editar] Vidrio

 Artículo principal: Vidrio 

Otro soporte para pintar es el vidrio, realizado en objetos ( jarras, vasos) con esmalte queuna vez decorados en frío, debe ser sometido, para su fijación al soporte, al calor delhorno con una temperatura inferior a la fusión del vidrio.37 Fue el soporte para vidrierasde catedrales desde el siglo XII, donde se colocaban cristales de colores y la pinturasobre el mismo vidrio por medio de la grisalla, así se conseguía por un lado, cambiar elcolor del cristal de fondo y por otro, hacer los trazos de las figuras representadas,especialmente los rostros.38 

[editar] Papel

 Artículo principal: Papel 

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Dibujo sobre papel de arroz chino (1729).

traducción del catalán al español Se han datado hallazgos de papel procedentes de China cerca del 200 a. C.. Se da como inventor del papel al chino Cai Lun (50 a. C.-121),eunuco imperial, que mejoró la fórmula del papel, convirtiéndolo en una alternativa alpapiro y al pergamino, los soportes tradicionales para la escritura, gracias al añadido dealmidón que protegía las fibras vegetales. El soporte del papel es utilizado en diversastécnicas pictóricas, las más corrientes son la acuarela, el gouache, el pastel y la tinta

china negra o en colores. Hay gran variedad de texturas, pesos y colores, y su eleccióndepende del estilo del artista. Existen tres tipos estándares:

  Papel prensado en caliente: tiene una superficie dura y lisa, muchos artistasconsideran una superficie demasiado resbaladiza para la acuarela.

  Papel prensado en frío: es texturado, semiáspero, adecuado para lavados ampliosy lisos.

  Papel áspero: con una superficie granulada, cuando se aplica un lavado seobtiene un efecto moteado por las cavidades del papel.

El peso del papel es la segunda consideración para su elección, ya que un papel máspesado tiene menos tendencia a ondularse. Para evitar que el papel se ondula haytensarlo. El gramaje apropiado para la acuarela es entre 120 g/m² subasta 850 g/m².

[editar] Pinceles

Los pinceles, son un instrumento clásico y efectivo que el pintor emplea en su trabajo.Los pinceles pueden variar en tamaño, anchura, y calidad. Los materiales de loscomponentes de los pinceles y brochas pueden ser orgánicos o sintéticos.

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Pinceles diversos.

El pincel consta de tres partes: el pelo, la férula o virola y el mango. Se distinguen porel pelo y su forma, los planos y los de «lengua de gato» suelen ser de pelo duro y losredondos de pelo fino. Los pinceles los escogen los artistas según el trabajo a realizar ysu forma de tratar la pintura. Para preparar grandes superficies utilizan las brochasgrandes, el interior de las cuales está vacío para recoger una mayor cantidad de pintura,otras brochas más pequeñas ya no tienen el vacío central. Las cerdas de los pinceles

suelen ser naturales provenientes de diferentes animales (caballo, marta, cerdo etc.) o decrines artificiales. Los pinceles, requieren ser tratadas con cuidado para así prolongar suvida útil; esto incluye su limpieza continua. Una forma eficaz de mantener las cerdas delos pinceles en buen estado, es quitar el excedente de pintura, limpiarlos con disolventey lavarlos con jabón, secar la humedad con una franela y guardarlos horizontalmente ocon las cerdas hacia arriba. Se utiliza también como medio para imprimir la pinturarodillos de diferentes tamaños y materiales, como los de lana, goma-espuma o fibras, esponjas naturales o artificiales y los cuchillos paleta y las espátulas metálicas de hojaflexible en formas diversas sirven para unir diferentes colores y también para pintar conellas.39 

[editar] Fondos

 Interior con una mujer bebiendo en compañía de dos hombres por Pieter de Hooch. Através de la transparencia de la falda de la mujer de la derecha y de la capa del hombre,a medida que pason los años se aprecia las baldosas pintadas anterioremente comofondo de la pintura.

En la diversidad de soportes, se acostumbra a modificar antes de comenzar la pintura enellos, con un tratamiento de imprimación el fondo, que alcanza una superficie pintada

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con el color y la textura deseada por el artista. Solían hacerse por medio orgánico comoel aceite o la cola, mezclado con el color blanco o coloreado, estos medios adhesivoshan sido las colas de animales y de pescado, los secantes y las emulsiones de huevo,aceite o resina , el color sólido solía ser la cal, la piedra pómez y la tierra ocre. Estodefinía también el efecto visual de la obra finalizada. Este color en el fondo del soporte,

consigue en un blanco reflejar la luz a través de las capas de pintura y si es un coloroscuro tiende a rebajar el tono de la pintura.40 

Según Vasari explica en su tratado Sobre la técnica en el prólogo técnico de  Las Vidas (1550), los fondos oleosos tienen la ventaja de conservar su flexibilidad en los lienzosde grandes dimensiones y que se puedan enrollar para trasladarlos, aunque necesitan deun tiempo mayor para su secado. Durante los siglos XVII y XVIII se utilizaron mucholos fondos pintados con tonos de tierra rojizas, lo que permitía dejar algunos espaciossin poner pintura y el cuadro ganaba en uniformidad tonal. Desde el siglo XIX losfondos comerciales han sido preparados industrialmente con blanco de plomo ysecante.41 

[editar] Pigmentos

Los pigmentos se dividen en inorgánicos como los derivados de minerales, las tierras,sales u óxidos con los que se consiguen los colores de tierras ocres y sienas, y losorgánicos derivados de vegetales o animales como los conseguidos por cocción desemillas o calcinación y los obtenidos por vía sintética como anilinas también decompuesto orgánico. Los orgánicos suelen ser menos estables que los inorgánicos. Elpigmento junto con el aglutinante forma la pintura. El aglutinante es el que permitealcanzar la fluidez en el pigmento y conseguir la adhesión de la pintura en la superficie,

puede ser acuoso o graso. El disolvente tiene la misión de diluir o disolver y su tipodepende de la clase del aglutinante empleado. Así el aguarrás diluye el aceite y disuelvela resina, y el agua disuelve la goma y una vez disuelta, también puede diluirla más.42 

Según el índice de opacidad de la pintura utilizada, a medida que pasan los años, puedecaptar mejor el fondo de una pintura y los «arrepentimientos» del artista durante suejecución. En pinturas realizadas anteriormente al siglo XVIII se pueden observar laspartículas del pigmento mediante un microscopio, cuanto más grueso era el grano delpigmento más baja calidad tenía la pintura. Durante el siglo XIX se sintetizaronmaterias colorantes que se usaban como pigmentos, el azul cobalto, el amarillo zinc y elóxido de cromo entre otros. El número de pigmentos ha ido creciendo hasta la

actualidad en que existe una gran variedad y todos de excelente calidad.43