Al frente de la recuperación de películas argentinas de la colección Turner, Fernando Martín Peña regresa al Festival para presentar copias de estreno del cine para el que se inventó la pantalla grande. Además, rescata géneros perdidos con la Filmoteca en Vivo, entre muchas otras proezas que realiza, cual Sherlock Jr., desde una cabina de proyección.

Fernando Martín Peña

Rescates de película

Nº 8

Sábado 23 de noviembre de 2013 Año 1 I Número 8

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Autores

La violencia en la sociedad china es claramente el núcleo de A Touch of Sin. ¿Hay razones específicas para que sea así?Cuando recorro la enorme cantidad de informa-ción posteada en Weibo (el equivalente chino de Twitter), me pongo incómodo al ver reportes de incidentes violentos; quiero decir, incidentes en los que la violencia podría haberse evitado. La impresionante velocidad con la que China se ha transformado benefició a algunas regiones a expensas de otras, y la brecha entre ricos y po-bres se está ensanchando constantemente. La gente se deprime cuando ve casos de privilegios establecidos e injusticia social. Dejando de lado a Weibo, a nuestra sociedad le faltan canales de comunicación; cuando no se tiene el hábito de comunicarse, la violencia se convierte en la forma más rápida y eficiente que tienen los débiles para mantener su dignidad. Enterarme de estos inci-dentes violentos me hizo pensar que necesitaba encarar el problema en una película. Quizás esa sea la única manera que exista para reducir el ni-vel de violencia en nuestras vidas. Por eso empecé a concebir una película que comprometiera múltiples retratos de violencia, en vez de contar una sola historia con un único protagonista. Elegí cuatro noticias impactantes para presentar una imagen de la China con-temporánea a través de mi mirada, y utilicé las herramientas de la ficción para dramatizarlas.

¿Cuánto hay de inventado en las historias de la película? ¿Investigaste sobre estos incidentes e intentaste mantenerte cerca de las noticias?Antes de escribir el guion visité los lugares don-de habían sucedido los hechos. Quería ver las locaciones reales y recabar más información. También hice algunas entrevistas. Esto fue lo que me hizo arrancar con el proyecto, pero no le huí a usar elementos de ficción. Creo que la ficción es necesaria para revelar los factores so-ciales por detrás de estos incidentes, así como las motivaciones profundas de los personajes. De modo que no dudé en usar elementos fic-cionales, tanto durante el proceso de escritura como durante la filmación. Los incidentes parecían muy dramáticos por sí

mismos, llenos de conflictos y contradicciones. La literatura china me ofreció una forma de adaptarlos para mis objetivos. La tradición de la novela histórica es tomar un hecho básico y construir personajes y situaciones a su alrede-dor. Mientras trabajaba en el guion, también vi muchas óperas tradicionales chinas. Hubo una en particular que inspiró algunos de los mé-todos narrativos de mi película: la ópera peki-nesa Wild Boar Forest, que fue filmada por Chen Huaikai y Cui Wei en 1962.

Las cuatro historias de la película suceden en distintas partes de China, y muestran gran variedad de dialectos regionales. Algunos de los personajes aparecen buscando trabajo lejos de sus pueblos natales. ¿Te resulta significativa esa dispersión geográfica?Sí, las historias tienen lugar en partes muy di-ferentes del país. La historia inicial de Dahai sucede en Shanxi, donde nací yo, una vasta y fría provincia agrícola del norte de China. La segunda sucede en Chongqing, una ciudad del sudoeste sobre el río Yangtze, cerca de las Tres Gargantas. La tercera tiene lugar en Hubei, en la China central. Y la última en Dongguan, un pueblo en la provincia de Guangdong, la zona de “libre empresa” subtropical en la costa sur. La forma en que estas cuatro historias abarcan

tanto del país me recuerda tangencialmente a la pintura de paisajes tradicional china. Los pintores clásicos siempre intentaban mostrar el panorama de todo el país. Comparto ese im-pulso estético, y me gustaría que la película fue-ra como un fluido tour visual a través de China. Hoy en día, la sociedad china atraviesa una eta-pa de migraciones internas. La gente se muda de sus lugares de origen en busca de trabajo o de una vida mejor. Muchos jóvenes del interior ahora trabajan en las fábricas “internacionales” de Dongguan. El flujo de personas ha generado nuevas conexiones sociales. Yo espero que mi película muestre cómo gente muy diferente en-tre sí tiene conexiones ocultas.

A Touch of Sin captura sentimientos de descontento individual, que toman diferentes formas. ¿Qué tan extendidos te parece que están esos sentimientos en 2013?La insatisfacción con respecto a las propias cir-cunstancias es un fenómeno común. Es uno de los factores que empuja el progreso humano. China se mantuvo aislada de gran parte del res-to del mundo durante muchos años, y durante ese período prevaleció el colectivismo. Como resultado, mucha gente perdió la conciencia de sí misma. Los últimos treinta años de reformas han despertado una nueva autoconciencia. Al mismo tiempo, las últimas tres décadas tam-bién han sido testigos de una acumulación de problemas sociales nuevos, entre ellos la des-igualdad y la corrupción, que han creado, junto a la creciente conciencia de la libertad personal, un nuevo clima que hace que los chinos espere-mos cada vez más de los cambios que suceden en el país.

¿Hasta qué punto la película se relaciona con el wuxia, el tradicional género de artes marciales chino?Me gusta pensar en A Touch of Sin como un wuxia sobre la China contemporánea. El géne-ro es muy popular entre el público de mi país. Y muchos wuxia tienen un impulso político. Hay un tema básico que se repite una y otra vez: la lucha del individuo contra la opresión en un contexto social difícil.

La mayoría de mis películas hacen foco en la vida cotidiana en China. Desde Still Life, sin em-bargo, he comprendido que algunas personas eligen métodos extremadamente violentos para cambiar su situación. Eso me hace pensar que la revuelta violenta no sólo es una cuestión política, sino también un problema de la natura-leza humana que vale la pena examinar.

El título en inglés recuerda al de la película de King Hu A Touch of Zen...Amo las películas de King Hu. El título en inglés es, sí, un homenaje directo a su A Touch of Zen. En mi film, la historia de Zheng Xiaoyu (interpre-tada por Zhao Tao) y hasta la ropa que usa ese personaje remiten directamente a Hsu Feng en A Touch of Zen. La ópera que se representa en la escena final se llama Yu Tang Chun. Se trata de una mujer joven que es acusada de asesinato, pero al final logra recuperar su libertad. Es una ópera muy popular en China, y King Hu dirigió una versión de ella para su segundo largometra-je. Yo la empleé porque me agrada la sensación que transmite acerca de que las mismas cosas pueden suceder una y otra vez en diferentes épocas y diferentes condiciones sociales.Veo muchos paralelismos entre las presiones de la supervivencia en la China contemporánea y las situaciones que hemos atravesado como país en siglos anteriores. Me resulta natural asociar esa percepción con obras de la literatura y el cine que han abordado los mismos temas en el pasado. La diferencia es que yo trabajo en la era de internet, cuando hay personas que tienen aviones priva-dos, cuando la red de trenes de alta velocidad crece por todas partes, cuando la gente se rela-ciona más con los otros a través de Weibo que en la vida real. Por eso quise que las cuatro historias de la película se interconectaran. Quiero enten-der cómo estamos evolucionando, ver cómo las personas “reestructuran” sus vidas en esta épo-ca, y captar cómo nos vinculamos con los demás en este mundo que estamos construyendo.

la violencia está en nosotros

A Touch of SinHOY, 21.30, Cinema 1

Dos de los grandes Autores (así con mayúsculas, como la sección que aloja a sus últimas películas) del Festival entre-vistados por otros dos gigantes en lo suyo: Jia Zhangke, director de A Touch of Sin, por Tony Rayns, el mayor especialista

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Autores

¿Por qué el título La Jalousie (Los celos)?El título estaba en el manuscrito que tuve junto a mi cama a lo largo de los seis meses que llevó escribir el guion. Me iba a dormir cada noche y me despertaba cada día con él. Así que deci-dí dejarlo tal como estaba. En algún momento pensé llamar a la película Discordia, pero pronto me deshice de esa palabra, o más bien la pala-bra se deshizo de mí. Los celos son peores que la discordia, y a la vez se trata de algo que todo el mundo ha sentido y algo por lo que todo el mundo alguna vez se ha culpado... Intentamos mostrar otra cara de eso. Los celos son un enig-ma con el que todos hemos tenido que lidiar.

También están los títulos de los dos capítulos: "Me quedé con los ángeles" y "Chispas en un barril de polvo".Eso lo hago a menudo; ponerle títulos a los ca-pítulos me resulta útil cuando estoy filmando. Después me pregunto si debo conservarlos, pero siempre acabo dejándolos, incluso si pa-rece un recurso poco cinematográfico. Es una forma de conservar el momento de nacimiento de una película que me es cercana.

"Me quedo con los ángeles" es un poco misterioso...Viene de un profesor del Liceo Montaigne, que fue muy importante para mí y que aparece re-presentado en la película por un señor mayor, a quien Louis visita al final, quien le dice que en-tiende a los personajes de ficción más que a los reales. Yo solía visitar a mi maestro de francés, y recuerdo que la última vez que nos vimos le pregunté: “¿Sigue sin creer en Dios?”. Él me res-pondió: “No, pero me quedo con los ángeles”. Me quedó grabado; fue poco antes de que él murie-ra. En la película se refiere, obviamente, a que-darse con los hijos, al hecho de que la separación entre el hombre y la mujer no involucra a la hija.

El guion fue escrito por Caroline Deruas, Arlette Langmann, Marc Cholodenko y vos. ¿No es mucho cuatro guionistas?Sí, es la primera vez que lo logro y me parece interesante. Dos hombres y dos mujeres... es-cribimos la primera versión en tres meses, muy

rápido. Después fue una cuestión de agregar pequeños detalles.

Arlette Langmann en el guion, Yann Dedet en el montaje, Willy Kurant en la fotografía... Todo sugiere una referencia a Maurice Pialat.Exactamente. Nunca tuve problemas en re-mitirme a los maestros, del mismo modo que los pintores que estudiaban en museos. No es una cuestión de imitación, sino de estar mejor equipado, apoyándose en lo que los grandes artistas han descubierto antes que uno. Soy discípulo de Bresson, de Godard y de Truffaut.

¿Qué participación tuvo Louis en el guion? Interpreta el papel, es la cuarta película que hacen juntos, es tu hijo... Es difícil pensar que no tuvo influencia sobre el personaje, además de compartir el nombre con él.Él no se mete directamente, pero nosotros, los guionistas, sabíamos que el papel lo iba a ha-cer él. El rol fue escrito considerando los lazos personales que él tiene con determinadas si-tuaciones, y claramente el Louis de la película se parece al Louis de la vida real. Tuve la suerte de poder estudiarlo como actor durante largos períodos de tiempo, del mismo modo en que lo hice con mi padre cuando era más joven. Ade-más, Louis es muy bueno para las improvisa-ciones. Sé que, con el marco de referencias que le damos, él sabrá inventar; que agregará cosas que salen de él mismo.

Eso implica que le das a las actores margen para aportar cosas.

Sí. Cuando Louis dice que ciertas escenas no deberían ser rígidas, tiene razón. Esa apertura permite que lo que está escrito y lo que está improvisado alcance una cierta unidad, una verdad. Para mí, hacer la película implica ase-gurarse de que esto ocurra. Cuando hago una película, no estoy tratando de terminar algo que empecé en algún proyecto anterior. Sólo existe la práctica: tanto en la escritura como en el rodaje hay algo que se va conformando, algo que aparece en el acto de hacer. Como dice la canción del final: dejá eso que te atormenta acá.

Cuando hablás de improvisación, de la aparición de la película sobre la marcha, ¿querés decir que filmás sin saber lo que va a pasar?No, para nada. Trabajamos mucho en cada es-cena. Primero en los ensayos, luego en el set, después definiendo las posiciones de cámara o colocando las luces. En esa instancia aún no filmamos nada: sólo cuando todos están en po-sición digo "acción". En principio, hacemos una sola toma. Y a menos que haya un incidente se-rio, no hacemos segundas tomas.

¿Por qué filmaste en Scope? ¿Es mejor para tu forma de trabajar?Es el único lujo relacionado con la imagen al que tengo acceso. Usé Scope anamórfico de 35mm. Da resultados hermosos, particularmente –y paradójicamente– en espacios reducidos. Este sistema de rodaje permite que la cámara captu-re cosas que están en los bordes extremos del cuadro, lo cual da un rango que otros métodos

no ofrecen. Pero para eso uno necesita un ca-marógrafo excepcional, como Jean-Paul Meuris-se, que puede hacer cámara en mano en Scope con precisión perfecta.

Hay algunas decisiones de planos muy poderosas, sobre todo porque no son requeridas por la narración. En particular, primeros planos que a menudo se ven cuando lo que debía decirse ya ha sido dicho. Eso viene del cine mudo. Yo he hecho películas mudas, las amo, aunque ahora sepa que nunca más tendré la posibilidad de hacer una. Para ciertos primeros planos uso lentes especiales, diseñadas para filmar bien de cerca, lo cual le da a los rostros una expresividad increíble.

¿Tuviste dificultades dirigiendo a Olga Milshtein, la niña que hace de la hija de Louis?No, es la hija de un conocido que trabaja en la película. Me di cuenta de que ella era muy gra-ciosa, que tenía mucha presencia. Estaba pre-ocupado porque nunca antes había dirigido a niños. Ocurrió que Jacques Doillon, que es mu-cho mejor que yo con los niños, había filmado con Olga antes. Así que le enseñó cómo estar frente a una cámara y yo saqué provecho de eso. Al final, tuvimos casi la misma relación que con los demás actores, a la mayoría de los cua-les les había enseñado yo en el Conservatorio.

Jean-Louis Aubert hizo la música de La Jalousie. Hay una cierta continuidad en la música de tus películas.Sí, prefiero música escrita por músicos de rock, como la que hizo John Cale para otras películas mías. Hay probablemente una cosa generacio-nal con este tipo de música, desde Les Enfants désaccordés, de 1964, y Marie pour mémoire, de 1967. Todo se relaciona con encuentros que he tenido: uno hace películas con lo que va encon-trando en el camino.

Familia rodante

La JalousieHOY, 19.30, Ambassador 1

en cine oriental del planeta; Philippe Garrel, de La Jalousie, por el ex director de Cahiers du Cinéma Jean-Michel Frodon. Lujitos que nos damos en Caro Diario, como para que nos tengan un toque de celos.

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Ustedes vienen del teatro y ésta es su ópera prima, ¿cómo fue el paso al cine?Desde que hacemos teatro, el foco estuvo puesto en el cine desde el punto de vista de la narrativa, pero también de la actuación. Siempre las obras estuvieron pensadas en espacios chicos, con actores que actuaban de un modo cinematográfico, y con los especta-

dores a dos o tres metros de ellos. Siempre en el teatro hemos investigado un poco sobre cosas más abstractas, pero fueron aparecien-do las narrativas clásicas, basándonos mucho en las elipsis, con juegos de iluminación, por-que en algún punto queríamos hacer pelícu-las más que hacer teatro. Una vez Federico León fue a ver una obra nuestra y nos comen-

tó que el cine podía ser un posible paso si-guiente para nosotros. Por eso Los dueños ha sido un paso muy bueno, no nos ha costado. El manejo del equipo técnico fue similar al del teatro: una concepción participativa, concien-tizando que eran piezas fundamentales, que tenían un poder de decisión al mismo nivel que el director. A los actores les pedimos que también se piensen directores. Por esa razón había muchas sillas más detrás del monitor, para que cada participante del rodaje opine, para que transmitan su opinión y así poder sacar lo mejor de la película. Si a alguien del equipo no le gustaba cómo se veía su trabajo, se volvía a hacer la toma.

¿Cuál te parece que puede ser el rasgo que denote el carácter tucumano de la película?Nosotros consideramos como el mayor ras-go tucumano, sobre todo, al de las dos clases sociales mezcladas, donde conviven. Y si hay límites no son claros, porque no son tan dife-rentes en algún punto. Otro rasgo es esa suer-te de promiscuidad. Tucumán es una ciudad chica y es muy difícil no cruzarte siempre con la misma gente. Por eso el ambiente asfixiante que tiene la película, buscábamos que fuera sólo una locación y que no hubiera posibilidad de escape. Además está el modo de hablar,

ese nuevo castellano que venimos a presentar con la películas. Queríamos que sea una for-ma muy real de cómo se habla en Tucumán. Ese modo de hablar llama la atención, porque al principio no se entiende. Nos parece muy encantador de nuestra provincia y hace que el estilo de actuación tenga algo genuino.

¿Y cómo fue la incorporación de Rosario Bléfari?Nosotros a Rosario la conocimos porque fue a tocar a Tucumán y ahí nos hicimos amigos, ya la conocíamos como actriz de Silvia Prieto. Ella nos pareció encantadora, pero sobre todo hu-milde como para querer trabajar con dos chicos que venían del teatro. El personaje de ella lo fui-mos modificando mucho en el guion desde que ella entró, porque originalmente era tucumana, pero no estaba bueno que ella hable como tucu-mana. Eso hizo que se potenciara la historia por la llegada de otro, de un extranjero. Y también por esa música que genera la película por la re-lación entre la tonada porteña y la tucumana.

de tucumán a cannesPanorama Argentino

Los dueñosHOY, 17.00, Cinema 1

Qual piuma al ventoErica Rivas y Nicolás Dolensky

Caminando por los pasillos del Festival, nos cruzamos con la protagonista y el director del cortometraje La donna, y no pudimos evitar hacerles algunas preguntas sobre cómo fue trabajar juntos, su película y los planes para el futuro.

En nuestro primer número, entrevistamos a todos los directores de la sección Panorama Argentino, pero quedó en el tintero uno de los directores de Los dueños, Ezequiel Radusky, quien estaba en Hollywood de viaje con su película, y comenzó su carrera ascendente con un reconocimiento en el último Festival de Cannes. Hoy tienen la última oportunidad de ver en Mar del Plata una de las películas argentinas favoritas de los festivales de cine este año.

Erica, ¿la elección de trabajar en un corto apunta a apoyar a un joven talento como Nicolás?Siempre me interesó apoyar a directores, so-bre todo si son tan jóvenes. Pero cuando leí el guion me di cuenta de que quería participar, me pareció muy talentoso. La vida de las cosas tiene una forma y hay que respetarla; si esa for-ma es un corto, para mí está bien. No necesito

ni que sean largos ni que yo sea la protagonis-ta; me han ofrecido cortos muy bien escritos, pero que no tenían que ver con lo que yo que-ría decir en ese momento. No estaría acá si él no me interesara como director. Compartimos lo que queremos contar.

Nicolás, ¿escribís con actores en mente?Yo escribí el corto pensando en ella; tenemos

un amigo en común pero no pensaba que fue-ra posible tenerla. Siempre pensé que si hay alguna actriz argentina que puede interpretar a la perfección eso que tienen las divas del Ho-llywood clásico, es ella.

¿Cómo fue la dinámica de guion a rodaje?ND: El guión se respetó al pie de la letra. No nos conocíamos, al principio estaban los nervios de Erica, de Nico (Mateo) y de Claudio (Tolcachir), que se la jugaron al trabajar conmigo...

ER: No, no teníamos miedo de eso. ¡Es un amor! (risas).

ND: En ese ensayo me di cuenta de cómo ellos se iban transformando en esos personajes que yo tenía en mi cabeza. Fue loco ver todo lo que yo me había imaginado, tal cual, encarnado en ellos. El ensayo hizo que las cosas salieran como salieron. En ese juego, los personajes in-tentan descubrir qué personaje histórico son, y mi idea era que el espectador intente descifrar a la vez qué personajes representan y quiénes son ellos, que la relación entre ellos y sus per-sonalidades se vayan descubriendo de a po-quito. Y, a su vez, que los personajes se vayan entiendo a ellos mismos.

¿Con qué característica del personaje te identificaste inmediatamente, Erica?Lo que más me interesó fue el momento en

que ella se quiebra. Cuando ella entra en una sinrazón, aunque eso está desde el principio, ella está en la cuerda floja, pendiente de lo que los demás quisieran hacer de ella. Lo que hace a una diva, un poco alucinante pero a la vez frá-gil. Me gustaba la oscuridad que planteaba ese brillo. Eso me pareció enorme del guion: que alguien pudiera captar eso de una mujer, cómo dice las cosas, cuándo las dice.

El cortometraje tiene una cualidad atemporal. ¿En qué época transcurre, Nicolás?El planteo estético siempre fue ése, la gente de arte y vestuario me querían matar. Me pregun-taban “¿qué es atemporal?”. Yo les mostraba películas de diferentes épocas, pero con una estética muy similar. Todo podría estar pasan-do hoy en una clase muy alta, o hace veinte o treinta años. Creo además que el 35mm ayudó mucho a lograr eso.

Ahora se viene el largo. ¿Sigue en la línea del corto?Vamos a desarrollar el proyecto con Eri y con Claudio, entre los tres. Tenemos ya la idea, pero ahora tenemos que juntarnos e investigar bien qué queremos contar, cómo y por qué me-dio de producción vamos a optar.

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¿Cómo fue el proceso de trabajo con las películas de la colección Turner para crear la sección Cine Argentino Siempre del Festival?La donación se produjo hace un año. Y la jefa de la Cinemateca del INCAA empezó a revisar el material y ver qué convenía hacer una vez que estuviese chequeado todo el material. Había de todo. Había visto esa colección cuando estaba vivo Alberto González, que era el hombre que fundó Imagen Satelital, y que se había dedicado toda la vida a la compraventa de películas y a la distribución. Había empezado en el estudio Lumiton, José Martínez Suárez se acuerda de él. González murió en el 2001, la empresa fue vendida varias veces, y el material con el tiem-po se fue deteriorando, porque lo que hicieron ellos fue hacer copias digitales para emitir en el canal y comercializar, pero del fílmico no se ocuparon mucho. O sea, no pusieron la misma inversión en el fílmico que en las copias digita-les. Y entonces el fílmico estaba muy deterio-rado. Lo que hicimos fue establecer un orden de prioridad, y el armado del ciclo tuvo que ver más con eso que con una estética. De estas die-ciocho películas recuperamos primero las que estaban avinagrándose, con problemas de des-composición de nitrato –porque había negati-vos en nitrato–, o aquellas en que el negativo estaba incompleto y le faltaba completar. Ese fue el orden de prioridad.

¿Hay alguna de las películas de la colección que fuera la única copia existente?Hay una que se llama Gente bien. Para mí es una de las mejores películas de Manuel Romero, que la hizo para la empresa EFA, y hay una sola copia en la colección Turner y ninguna otra. Una copia única de una pelícu-

la que además es genial. Lo mejor era hacer un internegativo de una ampliación a 35mm, de ahí generar una nueva matriz, y después una copia a 35mm. En todos los casos se tra-tó de trabajar de esa manera: dejar una ma-triz nueva para luego producir la copia, como para que haya un backup.

Se terminó de hacer el inventario.El inventario sí, y ahora nosotros tenemos que seguir trabajando con lo que viene después de lo que estaba más urgido. Hace falta más inversión en este tema. Es lo que hablamos siempre: hay que hacer la cinemateca nacio-nal que no está.

O sea que puede haber en el Festival el año viene una nueva sección con más material de Turner.Sí, podría haber. Va a depender de que el Ins-tituto le ponga la misma garra que este año, porque todo el proceso tiene un costo muy alto, es todo un proceso fotoquímico. De todas maneras, lo digital también tiene un costo muy alto y ni siquiera se puede hacer en el país. Se puede hacer digitalización para salir en DVD o Blu-ray, pero no para hacer la restauración digital y para ampliar a fílmico, que es lo que corresponde.

¿El proceso se hizo en Cinecolor?Sí, porque casi todo fue hacer duplicado de po-sitivo, duplicado de negativo o ampliación de 16mm, y en Cinecolor están muy duchos en ha-cer eso. Está Rubén Sampeiro que maneja muy bien la máquina de trucas; esa es una expertise que es una pena que se pierda. Por un lado ga-rantiza que la copia en fílmico la guardes para

siempre, pero como el fílmico se termina, estas personas se van a quedar sin trabajo.

¿Y hay algunas películas del ciclo que recomendás especialmente porque ganan más al verlas en pantalla grande?El último payador y Safo, por ejemplo, ganan mucho con el formato grande. Historia del 900, la ópera prima de Hugo del Carril, se ve bárbaro. Una cosa que nos sorprendió bas-tante fue que cuando proyectamos El her-moso Brummel, que es una comedia diverti-da con Fidel Pintos, la gente se rió desde el primer fotograma hasta el último. Pensé que no sabía si era para tanto, pero sí que estaba buenísimo que eso pase, porque son los pre-juicios de crítico que tiene uno.

Y también estás en el Festival presentando Filmoteca en Vivo, ¿cuál fue el criterio de selección de las películas este año?El criterio es el mismo que usamos siempre con Manes. Agustín Masaedo le puso un tí-tulo muy lindo el año pasado a la sección de Filmoteca en Vivo, cuando hizo la nota para el diario, y era: “El cine que no existe más”. Y es así, son películas de un género que no existe más en el cine contemporáneo, inde-pendientemente del hecho de que estén en 35mm ya las vuelve dinosaurios. El policial negro de Adiós muñeca ya no se hace más, Los Angeles al desnudo tiene como veinte años. O películas de artes marciales como las que se daban en los cines de barrio en los setenta, como La ira del espadachín manco, no existen más. Y así con las otras. Homoide, ciencia fic-ción soviética, tampoco existe más, porque ya no hay más Europa del Este, y tal vez esté

mal informado, pero no sé de adaptaciones de Stanislaw Lem posteriores a la caída del Muro, y es un autor fundamental en la histo-ria de la ciencia ficción de todos los tiempos.

También presentaste Lita Stantic - El cine es automóvil y poema, que escribiste en colaboración con Máximo Eseverri.Es un libro sobre Lita Stantic, haciendo foco en Un muro de silencio, que es su única película como directora. Creo que la premisa del libro, que es lo que me parece que empujó a Máximo a interesarse en el tema, es que ella es la per-sonalidad activa del cine que más puntos une, porque a través de Lita está el cineclubismo de los sesenta, el cine publicitario, el cortometra-je, los trabajos nunca reconocidos como son la jefatura de producción, el cine de la dictadura, el cine militante, la posdictadura, el Oscar y el nuevo cine argentino ahora. En el libro inclui-mos además una nota que le valió la sensación de terror y temor durante toda la dictadura, porque escribió una especie de making of de Los Velázquez (el film que hizo junto a su pareja de entonces, el cineasta detenido-desapareci-do Pablo Szir, y que se perdió con él), donde contaba cómo se había hecho la película, y se publicó en un libro de 1973.

Esta noche será la última proyección de Filmo-teca en Vivo en este Festival (a no desesperar, que siempre vuelve), pero no pensamos insis-tirles para que vayan. De eso se encarga sola la versión completa de la reseña que FMP escribió para el catálogo:Mucho cinéfilo snob se orina de emoción con sólo escuchar hablar de los últimos “films-en-sayo” del francés Alain Cavalier, diarios íntimos realizados con camaritas digitales. Pero pocos han visto el resto de su filmografía, que comien-za a fines de los años cincuenta e incluye obras maestras como Thérèse (1986), que narra la cor-ta vida de Teresa de Lisieux (1873-1897), desde su ingreso al convento de las carmelitas hasta

su temprana muerte a causa de la tuberculosis. Para Teresa, el camino a la santidad estaba en los pequeños actos hechos con amor, y este con-cepto es el que Cavalier ilustra en una serie de viñetas relacionadas con situaciones cotidianas, filmadas con sencillez y despojo. Teresita fue ca-nonizada en 1925 y proclamada Doctora de la Iglesia en 1997. Cavalier ganó por esta película el Premio del Jurado en Cannes y seis premios César. Se podría decir que a los dos les fue bien.

el celuloide es un arma cargada de futuroHistoriador del cine, programador, ex director artístico del Festival, coleccionista y co-conductor del imprescindible programa de la TV Pública Filmoteca, Temas de Cine junto a Fabio Manes, Fer-nando Martín Peña es responsable directo de una vasta porción de la programación de este año, desde las restauraciones de la obra de Jorge Cedrón y la colección Turner –estas últimas compila-das en la sección Cine Argentino Siempre–, las ocho películas del ciclo Filmoteca en Vivo, hasta la presentación de su libro Lita Stantic - El cine es automóvil y poema, coescrito con Máximo Eseverri. Caro Diario tuvo el honor de entrevistar al hombre orquesta del cine nacional antes de las muchas (¡y últimas!) proyecciones de películas argentinas restauradas.

ThérèseHOY, 0.30, Paseo 3

CiNE ARGENTiNO SiEMPRE: ¡TODAS LAS FuNCiONES quE quEDAN!

La muchachada de a bordoHOY, 12.30, Paseo 3Muchachos de la ciudadHOY, 14.30, Paseo 3

La cumparsitaHOY, 18.30, Paseo 3El hermoso BrummelHOY, 20.30, Paseo 3La cabalgata del circoHOY, 22.30, Paseo 3

No abras nunca esa puertaDO 24, 12.30, Paseo 3La pródigaDO 24, 14.30, Paseo 3Safo, historia de una pasiónDO 24, 16.30, Paseo 3

Sección desaparecidosDO 24, 18.30, Paseo 3El último payadorDO 24, 20.30, Paseo 3Tango barDO 24, 22.30, Paseo 3

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Más allá del olvido 2011-2013, el grito es el mismo

El pasado miércoles, con la presencia del pre-sidente del Festival, José Martínez Suárez, y el productor Fernando Spiner, se presentaron ante una variada concurrencia los dos tomos del libro Más allá del olvido, conversaciones in-éditas con grandes del cine nacional.El panel estuvo integrado por los autores, Gui-llermo Russo y Andrés Insaurralde, María del Carmen Vieites en representación del Museo del Cine y Graciela Garzelli por la Fundación Al-dea de las Luces.Los autores ilustraron la charla con ricas anéc-dotas de la época –fines de los setenta–, en las que lograron entrevistar a más de cien perso-

nalidades fundantes del cine argentino, cuan-do ambos trabajaban en el Museo del Cine; casi todas ellas, claro, volcadas en la obra. Vieites se refirió al propósito del Museo al decidir apoyar el proyecto, por la contribución al acervo de un material de más de treinta años que aún per-manecía desconocido, y Garzelli valoró el pro-yecto que produjo la Fundación que preside, como testimonio oral de las voces registradas y como testimonio actual de los entrevistadores Russo e Insaurralde. Un material de deleite y conocimiento de la época del cine de los años veinte, treinta, cuarenta y cincuenta. El presidente del Festival, José Martínez Suárez, se sumó al panel para felicitar y dar la bienve-nida a la obra presentada. Animó a que no se pierda el entusiasmo por generar textos sobre el cine argentino.Antes del cierre, todos dialogaron con el pú-blico asistente y se rifaron algunos ejempla-res del libro. Cabe destacar que la obra no está a la venta: se trata de una edición limi-tada para donar a instituciones vinculadas al quehacer audiovisual, como instrumento de estudio y consulta.Para más información: www.aldeadelasluces.com.arfacebook.com/FundacionAldeadelasLuces

sábado de super alteraciónLa cereza del postre para un día que regala tantísimo que ver para todos aquellos interesados en el dulce y relajado arte de la alteración cinematográfica: a continuación traducimos un texto de Amy Taubin publicado en la revista Film Comment sobre la última película del lituano Jonas Mekas –programada dentro de Estados Alterados–, figura patrona de ésta y todas las secciones dedicadas al cine experimental alrededor del planeta Tierra. No sería muy descabellado afirmar que muchos de los responsables de las películas más radicales del Festival son, de alguna manera, descendientes y herederos de todo aquello por lo que Mekas luchó y ayudó a crear para que otro tipo de cine fuera posible y, sobre todo, visible. Y como si todo esto fuera poco, vale recordar que el lituano visitó el Festival allá por 1962 para presentar su primera película, Guns of the Trees, para el desconcierto y revuelo de gran parte de sus espectadores. El hecho de que, más de medio siglo después, el nombre de Jonas Mekas sea sinónimo de un espíritu cinematográfico incuestionable habla de su aporte a la historia del cine. Pero bueno, no nos vayamos por las ramas... ¡Feliz sábado alterado!

Finalizada unos meses antes del cumpleaños número noventa de Jonas Mekas, Outtakes from the Life of a Happy Man es la última en-trega de la serie –que ya lleva casi dos doce-nas de títulos– de “diarios cinematográficos” que Mekas ha estado filmando desde finales de los sesenta y, al mismo tiempo, un nue-vo comienzo. En otras palabras, más de lo mismo pero radicalmente diferente. Luego de haberla visto cuatro veces, también pien-so que es la película más esencial de Mekas; aunque, si reviese las antiguas obras maes-tras de inventiva y perseverancia que Mekas hizo en los sesenta –Walden (1969) o Lost Lost Lost (1976)– podría llegar a modificar esta úl-tima declaración. ¿Cómo se hace para elegir una entre las grandes obras de un maestro… y para qué molestarse en hacerlo?

Haciendo honor a su título, Outtakes… está compuesta literalmente por materiales des-cartados de películas previas que Mekas de-clara sin sentido, en el nuevo contexto que crea para estos fragmentos de belleza so-breexpuestos y fuera de foco. La mayoría de las imágenes se centran en la vida familiar, dentro del loft donde Mekas y su mujer Hollis Melton criaron dos hijos, tuvieron fiestas, cui-daron plantas y gatos, y donde Mekas editó sus películas a la medianoche en un cuartito oscuro ideal para ver su metraje soleado a través de la pantalla diminuta de su moviola. Esta nueva película está encuadrada y pun-tuada por imágenes digitales de Mekas traba-jando en una brillante mesa de rebobinado roja, con el foco filoso del video contrastando con el film en 16mm recuperado del suelo del cuarto de montaje. Gloria al 16mm, signifi-cante de un mundo desaparecido.Hay también imágenes de familiares, amigos, animales, pájaros, flores, árboles, pasto del querido Central Park de Mekas (su Walden), en la playa, y en lugares bucólicos alrededor del globo. ¿Les suena familiar? Lo es y no lo es. Outtakes… es al mismo tiempo ligera y más intensa que los grandes films que lo pre-ceden. Aquellos eran poemas épicos con Me-kas en el papel de Ulises, registrando el viaje que lo llevó lejos de su tierra. Outtakes… es un poema lírico, cercano en espíritu y forma a la propia poesía escrita de Mekas. La película es una oda a las criaturas y a los objetos en

movimiento. El vuelo de una gaviota que atra-viesa el mar de derecha a izquierda es todo lo exultante que jamás podrá ser una imagen impresa en celuloide.En el preciso momento en que comienzo a pensar una justificación por la cual ésta pe-lícula es única entre las de Mekas, él mismo ofrece una explicación mediante la voz en off. Como todos sus films, éste posee una banda sonora compuesta de sus balbuceos grabados en casete mientras edita, sonidos concretos y música (las improvisaciones im-presionistas en piano de Auguste Varkalis son el contrapunto perfecto para las imágenes). Esta película, explica Mekas, no trata sobre sus recuerdos. Los recuerdos ya no están. Las imágenes son lo único que existe. Sólo ellas son “reales”. Es como si el peso del pasado y de la signifi-cación tuviese que haber sido levantado para que esta película emergiese. Las imágenes no son sustitutas para los paraísos perdidos de la infancia de Mekas en Lituania. No importa nada excepto su movimiento, el movimiento de la cámara que las captura, y el movimien-to de nuestros ojos que se unen al baile. Y así y todo, tal como explica Mekas hacia el final, todo comienza en el pasado lejano. Recuerda cómo a los cinco años se sentaba en la cama de su padre a la noche para contarle “en deta-lle” todo lo que había hecho, oído y visto du-rante el día. Era, recuerda, como si estuviese cantando el día; así de intenso es su recuerdo

de las experiencias y palabras que usaba para describirlas. Outtakes from the Life of a Happy Man es precisamente una de esas canciones: una de regreso al hogar y un salto al futuro.

Bloody BeansHOY, 12.30, Ambassador 3Cortos - Estados AlteradosHOY, 12.45, Paseo 4Outtakes from the Life of a Happy ManHOY, 17.30, Ambassador 3Pays barbareHOY, 20.00, Ambassador 3A Masque of Madness (Notes on Film 06-B, Monologue 02)HOY, 20.15, Paseo 4Shirley - Visions of RealityHOY, 0.30, Ambassador 3Une histoire seuleDO 24, 12.00, Paseo 1A Spell to Ward Off the DarknessDO 24, 12.30, Ambassador 3Cortos - Portugal Alterado 1DO 24, 12.45, Paseo 4

Estados Alterados

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En el marco del Festival, se llevó a cabo la charla “Educación pública y educación audio-visual”, organizada por el CEGEADIS, centro de graduados y ex alumnos de la carrera de Imagen y Sonido de la FADU-UBA. La charla fue moderada por Joaquín Daglio (CEGEADIS) y la Lic. Mónica Acosta (docente FADU y coor-dinadora ASAECA).Participaron del panel diversas autoridades de importantes e históricos centros acadé-micos de realización cinematográfica del país, entre ellos, la Lic. Natacha Mell, coor-dinadora académica del IDAC (Avellaneda), la Lic. y Mg. Ana Mohaded, directora de la Carrera de Cine y TV de la Facultad de Artes de la UNC (Córdoba), el Lic. Esteban Ferrari, coordinador de la Carrera de Medios Audio-visuales de la UNLP (La Plata) y el director de la carrera de Imagen y Sonido Dr. Mar-celo Altmark. Los disertantes debatieron en un marco en el que se planteó la disyuntiva entre educación masiva de calidad, inclusión y mérito académico. Expusieron acerca del

perfil de los alumnos, historia de las unida-des académicas, la formación de los profeso-res, los desafíos de la educación pública y la necesidad de la relación entre la enseñanza, el contexto político en el que se piensan con-tenidos y estrategias, y el territorio, a través de la extensión universitaria y de los progra-mas de investigación.

tercer encuentro de comunicación audiovisual

Amado Boudou reafirmó el derecho a “no estar sometidos a voces únicas”.En la segunda jornada del tercer ECA, realiza-da en el día de ayer, el vicepresidente Amado Boudou participó de la mesa de conformación del Consejo Audiovisual de la Unasur.Boudou destacó la importancia de todos los actores sociales que participan de este En-cuentro, señalando que "somos iguales en nuestra diversidad pero no a partir de voces únicas impuestas", y celebró la amplia convo-catoria del ECA, al que definió como un espa-cio desde el cual se pueden pensar y promo-ver las transformaciones.La mesa de presentación estuvo además compuesta por Gustavo Pulti, intendente de General Pueyrredón; Liliana Mazure, presi-denta del INCAA; Ariel Direse, coordinador del Programa de Digitalización de Salas Cine-

matográficas del INCAA; y Corina Lehmann, de la Cancillería argentina.El vicepresidente resaltó la importancia de la primera reunión de miembros de países de la Unión Suramericana de Naciones para crear el Consejo Audiovisual de la Unasur."Tenemos que revalorizar todos los espacios de reflexión que son previos a las transforma-ciones, por eso celebro la conformación del Consejo de Comunicación Audiovisual de la Unasur", enfatizó Boudou. Asimismo, destacó la valentía de la presidenta Cristina Fernández de Kirchner en llevar adelante aquello que tar-dó tantos años en lograr su plena vigencia, refi-riéndose a la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual.En su bienvenida a los presentes, que nueva-mente colmaron la sala del Teatro Provincial de Mar del Plata, el intendente Gustavo Pulti dijo que “construir sentido común no puede ser pa-trimonio de uno sino de todos”, y celebró que puedan tener “voz en esta construcción de sen-tido que es la comunicación masiva, los distintos rasgos de identidad que nos constituyen”.Por su lado, la presidenta del INCAA recordó que el primer Festival de Cine de Mar del Plata lo hizo Juan Domingo Perón, a quien puede verse en una foto mirando una película 3D con ante-ojos, y que ahora se pudo recuperar esa pelícu-la argentina, Buenos Aires en relieve, y vérsela restaurada como parte de la programación de

esta edición del Festival. “La Argentina ingresó a la era industrial con el peronismo, y cincuenta años después nosotros encontramos ese ma-terial; hoy, que la Argentina está entrando a la era digital también de la mano de un gobierno peronista”, dijo la presidenta del INCAA. Tam-bién enfatizó que “las tecnologías deben estar al servicio de los ciudadanos y no del mercado”.

"Hay que celebrar espacios como éste, donde no aceptamos que nadie nos quiera poner cepo al cerebro, porque hay que seguir y animarse a seguir pensando un país para los 40 millones de argentinos", expresó Boudou, quien agregó: "este tipo de espacios nos da la posibilidad de pensar hacia adelante, así que los convoco a animarse, a construir y a hacer”.

programa país - Gerencia de acción Federal INcaa

En el marco de Programa País, se llevó a cabo la presentación del Foro Cinematográfico y Audiovisual de Mar del Plata (FoCA), con la in-tención de mostrarlo como un espacio abierto de reflexión y acción para el fomento de la ac-

tividad. Se disertó sobre el rol estratégico de la industria audiovisual para la economía local y sobre la importancia del Parque Informático y de Industrias Creativas de General Pueyrredón.La presentación estuvo a cargo de Nora Araujo, coordinadora de Programa País de la Geren-cia de Acción Federal, y disertaron Pablo Poli, presidente de Mar del Plata Cine Ong; Valeria Mendez, vicepresidenta de EMTUR; Alex Los-sada Segura, presidente de CAPICA; Eduardo Palena, de Mar del Plata Convention & Visitors Bureau; Blas Taladrid, de UCIP; Alejandro Ortiz, presidente de ATICMA; y Ana Slavin, directora de Desarrollo Cultural de la Municipalidad de General Pueyrredón.El encuentro se llevó a cabo en el Punto de En-cuentro con buena concurrencia de público, que participó con propuestas y fue censado para continuar participando el Foro.

El pasado lunes, en la Sala Nachman del Teatro Auditorium, el Instituto Nacional de Cine y Ar-tes Audiovisuales (INCAA) a través de su Geren-cia de Acción Federal entregó los premios de la sexta edición del Concurso Federal de Proyec-tos de Largometraje Raymundo Gleyzer. Con un público distendido y con enorme alegría, los ganadores recibieron su reconocimiento al es-fuerzo y la creatividad por sus films.

El objetivo de los galardones es el de desarrollar las capacidades profesionales de directores, pro-ductores y guionistas independientes, así como fomentar la producción cinematográfica a través de la realización de clínicas de capacitación en los rubros de dirección, producción y guion, im-pulsando de esta manera el surgimiento de nue-vos profesionales en todo el territorio nacional.La ceremonia estuvo a cargo de Juan Pablo Miller, Celina Murga, Leonel D’Agostino y Pa-blo Meza, y contó con la presencia de Celina Defranco, coordinadora del Concurso Federal de Proyectos de Largometraje Raymundo Gle-yzer y Félix Fiore, gerente de Acción Federal.

Educación pública y educación audiovisual

agenda eca - día 310.00 Sala RamblaPanel "Producción nacional: evolución, logros y perspectivas", con Roberta Sánchez, Martín Igarzabal y Damián Kirzner

10.00 Salón Rambla FederalPanel “Alianzas y desafíos en la construcción de la sostenibilidad para las PyMEs audiovisuales”, con Paola Suárez, Lara Decuzzi, Paula Kushnir, Pablo Santángelo y Claudio Grandinetti

14.00 Teatro del Hotel ProvincialMesa “Conquistas y desafíos hacia la construcción de la soberanía de las industrias

audiovisuales”, con Gabriel Mariotto, representantes de Unidos y Organizados, Juan Manuel Berlanga, Enrique Masllorens y Daniel Larrache

16.00 Teatro del Hotel ProvincialMesa “Medios audiovisuales y producción de contenidos frente a las autopistas convergentes”, con Fernando Ybarra, Damián Loretti, Tristán Bauer y Ariel Direse

18.00 Teatro del Hotel ProvincialCierre, con Lino Barañao, Alicia Kirchner, Tristán Bauer, Liliana Mazure y Lucrecia Cardoso

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Sábado 23

11.00 I Cinema 1At BerkeleyFrederick Wiseman244’ / AUT

12.00 I Ambassador 1Little FeetAlexandre Rockwell62’ / INT

12.00 I Paseo 1Amancio WilliamsGerardo Panero77’ / PAN

12.30 I Ambassador 3Bloody BeansNarimane Mari77’ / ALT

12.30 I ColónI Am MadBaltazar Tokman72’ / ARG

12.30 I Paseo 3La muchachada de a bordoManuel Romero78’ / CAS

12.45 I Ambassador 4ExiliosDiego Meza66’ / ESP

12.45 I Paseo 4Cortos - Estados AlteradosVarios directores67’ / ALT

13.00 I Ambassador 2Hierba originaria - Cultura ancestralEdgar Humberto González27’

YasuniNicolás Entel31’ / NAT

13.00 I Cinema 2The Eternal Return of Antonis ParaskevasElina Psykou88’ / INT

14.30 I Ambassador 1La Bataille de SolférinoJustine Triet94’ / INT

14.30 I Ambassador 3Cortos - Competencia LatinoamericanaVarios directores141’ / COL

14.30 I Paseo 1Ajawaska, fragmentos de un viaje a las alturasVioleta Soto Valdés80’ / NAT

14.30 I Paseo 3Muchachos de la ciudadJosé Agustín Ferreyra60’ / CAS

14.45 I Ambassador 2HumanoAlan Stivelman87’ / NAT

15.00 I ColónMujer conejoVerónica Chen85’ / ARG

15.15 I Ambassador 4Cortos - Competencia Argentina 2Varios directores88’ / COA

15.15 I Paseo 4Ocho pasos adelanteSelene Colombo73’ / ESP

15.30 I Cinema 2Burke & HareJohn Landis91’ / LAN

16.00 I Paseo 3Los inocentesJuan Antonio Bardem105’ / BAR

17.00 I Ambassador 1Amarga pesadillaJohn Boorman110’ / VHS

17.00 I Cinema 1Los dueñosAgustín Toscano, Ezequiel Radusky95’ / PAN

17.00 I ColónPolvaredaJuan Schmidt104’ / ARG

17.00 I Paseo 1El río que nos atraviesaManuela Blanco71’ / NAT

17.15 I Ambassador 2WowPedro Maccarone, Max Franco46’

Cortos - Las Venas Abiertas...Varios directores26’ / VEN

17.30 I Ambassador 3Outtakes from the Life of a Happy ManJonas Mekas68’ / ALT

17.45 I Ambassador 4Cortos - Competencia Argentina 1Varios directores89’ / COA

17.45 I Paseo 4TeenageMatt Wolf77’ / BMD

18.00 I Cinema 2Tres amigosJohn Landis104’ / LAN

18.15 I Paseo 2Alemania, año ceroRoberto Rossellini78’ / ROS

18.30 I Paseo 3La cumparsitaAntonio Momplet77’ / CAS

19.30 I Ambassador 1La JalousiePhilippe Garrel77’ / AUT

19.30 I Paseo 1Sonno profondoLuciano Onetti66’ / VEN

19.45 I Ambassador 2Entre las sombrasSamot Marquez80’ / VEN

19.45 I Cinema 1El vals de los inútilesEdison Cájas80’ / LAT

20.00 I Ambassador 3Pays barbareYervant Gianikian, Angela Ricci Lucchi65’ / ALT

20.15 I Paseo 2ElectraMiklós Jancsó70’ / JAN

20.15 I Paseo 4A Masque of Madness (Notes on Film 06-B, Monologue 02)Norbert Pfaffenbichler80’ / ALT

20.30 I Cinema 2El verano de los peces voladoresMarcela Said87’ / LAT

20.30 I Paseo 3El hermoso BrummelJulio Saraceni92’ / CAS

21.30 I Cinema 1A Touch of SinJia Zhangke129’ / AUT

22.00 I Ambassador 1Everyone’s Going to DieJones85’ / BMD

22.00 I Paseo 1Simulacrum Praecipitii - A visão do abismoHumberto Bassanelli25’

Revelando Sebastião SalgadoBetse de Paula75’ / GRA

22.30 I Ambassador 3CoresFrancisco Garcia95’ / MUN

22.30 I Paseo 3La cabalgata del circoMario Soffici, Eduardo Boneo91’ / CAS

22.45 I Ambassador 4Palabras mágicas para romper un encantamientoMercedes Moncada82’ / PCL

22.45 I Paseo 4Muerte de un ciclistaJuan Antonio Bardem88’ / BAR

23.00 I Cinema 2Repare bemMaria de Medeiros95’ / AUT

0.15 I Cinema 1Joy de V.Nadia Szold83’

Los dinosaurios ya no viven aquíMiguel Ángel Pérez Blanco24’ / BMD

0.15 I Paseo 1El blues de los plomosPaulo Soria, Gabriel Patrono77’ / BSO

0.15 I Paseo 2El club del terrorRichard Wenk93’ / VHS

0.30 I Ambassador 1MoebiusKim Ki-duk91’ / AUT

0.30 I Ambassador 3Shirley - Visions of RealityGustav Deutsch92’ / ALT

0.30 I Paseo 3ThérèseAlain Cavalier94’ / FIL

0.45 I Ambassador 4SimoneJuan Zapata72’ / PCL

0.45 I Paseo 4Locura yanquiJohn Landis83’ / LAN

¡No te lo pierdas!Nos habremos quedado con las ganas de que nos visite John Boorman, pero al menos pudimos conversar con él en la videoconfe-rencia que el martes a la tarde unió a Mar del Plata con el condado de Wicklow, en ir-landa. Y, por si eso no fuera suficiente, tam-bién tenemos con nosotros a una de sus obras máximas, Amarga pesadilla (también conocida como La violencia está en nosotros; variaciones imaginativas sobre el austero Deliverance original). Eterna abonada a las listas de las mejores películas de la historia, la adaptación de la novela de James Dickey narra el perturbador descenso en canoa de cuatro empresarios (interpretados por

Burt Reynolds, Jon Voight, Ronny Cox y Ned Beatty) a los infiernos del sur profundo nor-teamericano, con escenas tan memorables como el impresionante duelo de banjos que anticipa la guerra sucia entre los hombres de ciudad y los hillbillies. Esta tarde se pasa por última vez en el marco de nuestra Ge-neración VHS (pero no “en” VHS, eh): si no la vieron en su primera proyección, no se la pueden perder.

Amarga pesadillaHOY, 17.00, Ambassador 1

Montse Callao Escalada Pablo MarínAgustín MasaedoGustavo SalaGuido SegalDiego Trerotola

DISEÑOCecilia LoidiGastón Olmos

FOTOSHoracio Volpato

COLABORAN HOYAgustín Mango

COORDINADORA DE FESTIVALES NACIONALES INCAAPaola Pelzmajer

PROGRAMA PAÍS - GERENCIA DE ACCIÓN FEDERALNora Araujo

Informe y foto "Educación pública..."Mónica AcostaCarolina Fernández

IDENTIDAD VISUALAdrián GoldfridAgustina Turchetto