Caro Diario 4

8
4 Martes 19 de noviembre de 2013 Año 1 I Número 4 El Festival trabaja a tiempo completo, porque mirar hacia atrás a veces regala un presente para el futuro. Y así las lujosas retrospectivas de este año reúnen a cineastas que fueron maestros para muchas generaciones, auténticos genios del cine. Copias restauradas para que las películas del pasado sigan marcando los destinos de espectadores y realizadores, en esa comunión que siempre celebra esta fiesta marplatense. Hitchcock, Rossellini, Jancsó, Bardem... RETRO AL DESTINO

description

Diario del Festival - Edición del Martes 19 de Noviembre

Transcript of Caro Diario 4

Page 1: Caro Diario 4

Nº 4

Martes 19 de noviembre de 2013 Año 1 I Número 4

El Festival trabaja a tiempo completo, porque mirar hacia atrás a veces regala un presente para el futuro. Y así las lujosas retrospectivas de este año reúnen a cineastas que fueron maestros para muchas generaciones, auténticos genios del cine. Copias restauradas para que las películas del pasado sigan marcando los destinos de espectadores y realizadores, en esa comunión que siempre celebra esta fiesta marplatense.

Hitchcock, Rossellini, Jancsó, Bardem...

retro al destino

Page 2: Caro Diario 4

2

Bajar del auto, hablar con gente que no quie-re hablar (o no puede, o tiene miedo, o no le importa), subir de nuevo al auto y vuelta a em-pezar. Esa es la dramática gimnasia que em-prende la maestra jardinera Farhoudi, pocas horas antes de la última audiencia en el juicio

del padre de una niña a quien lo une una re-lación mucho más que laboral, y que lleva un año preso por la muerte –según ella y según todas las evidencias, por accidente– de su jefe. En la complicada misión de convencer a los testigos para que declaren en contra de sus empleadores y así evitar una injusta condena a muerte, Farhoudi hallará su mejor aliado en el bonachón remisero Kiani, encargado de llevar-la contrarreloj a lo largo y a lo ancho de Tehe-rán. Entre la película de juicio, la road movie y el relato moral, siempre en tenso movimiento, el primer largometraje de Shahabi es un ale-gato tan poderoso como desolador (aunque con la luz de esperanza que representan sus dos notables protagonistas) sobre el estado de descomposición ética de una nación y los da-ños irreparables que provoca el silencio.

Un viaje por las fronteras es un viaje al filo, al lugar de cruces cortantes, de grietas, de poro-sidad y de mestizaje. Todo eso está en la ruta trazada por esta película, que sigue los pasos de tres adolescentes guatemaltecos barrioba-jeros que improvisan una road movie lumpen buscando su norte. Otro adolescente indíge-na, que no habla español, se les sumará en el camino para proyectar esta crónica de fuga hacia otros horizontes. Épica de los migran-tes con un registro de realidad que aplasta en cada encuadre, sin otra estilización más que la que empuja a mirar más allá de las fron-teras, sin forzar la miseria ni perder de vista la complejidad de cada rincón del paisaje hu-mano y geográfico, La jaula de oro ganó me-recidamente el premio al elenco en el último Festival de Cannes. Hay que destacar la per-

formance de Karen Martínez en su personaje de Sara/Osvaldo, una interpretación que cru-za otra frontera, la genérica, de una manera bellamente desestabilizadora.

Hay ocasiones en que ni el documental se le ani-ma a ciertas heridas de la historia reciente, casi por esa ley tácita que dice que para ficcionalizar hay que esperar un tiempo prudente. Y ahí, en las rendijas de ese prejuicio, ingresa con fuerza Novoa, que no sólo elige hacer de su ópera pri-ma un thiller político –es decir, cine de género “a la Hollywood” pero insuflado de aires lati-noamericanos–, sino que se mete de lleno con

el atentado a la AMIA de 1994, atreviéndose a construir un entramado que enlaza hechos his-tóricos con ficción pura y frenética. La encomia-ble tarea que Esclavo de Dios se propone es dar voz a las dos partes involucradas, islámicos e is-raelíes, pero sobre todo borrar los límites entre “buenos” y “malos”, otorgando a cada personaje sus momentos de humanidad. Tangencialmen-te, nos encontramos con una Buenos Aires atípica, despojada de toda veta nostálgica o paisajística, escenario hermético de una guerra secreta. Con delicadeza y tacto, pero sin jamás renunciar a los códigos genéricos, Novoa hurga en las zonas oscuras, propone una lectura posi-ble sobre lo que realmente ocurrió detrás de la tragedia y abre un surco nuevo, tan desmedido en sus pretensiones como loable en su apuesta.

“La naturaleza fue y es protagonista, tanto du-rante el rodaje como en la ficción”, asegura la dupla de directores Bottaro y Junco al hablar de su ópera prima sobre un hombre deses-perado en una búsqueda de la cura para su enfermedad. Y no hace falta ver más que unos minutos de La laguna para comprobar el protagonismo de la naturaleza cordobesa, que en vez de ocupar el típico lugar de telón de fondo, aquí funciona como una entidad viva central en el relato, afectando el devenir de sus personajes. De las planicies a la cima de las sierras, atravesando ríos bajo la inmen-sidad del cielo abierto, La laguna es un gran viaje a caballo en el que el acierto de sus di-rectores radica en dejar de lado todo interés superficial por la resolución de la historia y,

en cambio, concentrarse de lleno en un pere-grinaje capaz de transformar todo un univer-so mediante la fuerza de la naturaleza.

Bright Day Irán, 86’D: Hossein Shahabi

La jaula de oro México / España, 102’D: Diego Quemada-Diez

Esclavo de Dios Venezuela, 90’D: Joel Novoa

La laguna Argentina, 77’D: Gastón Bottaro y Luciano Juncos

HOY, 9.00, Auditorium | HOY, 16.30, AuditoriumMI 20, 13.00, Cinema 2

HOY, 12.00, Auditorium | HOY, 19.00, AuditoriumMI 20, 12.00, Ambassador 1

HOY, 10.00, Cinema 2 | HOY, 20.30, Cinema 2MI 20, 23.00, Cinema 2

HOY, 14.00, Auditorium | HOY, 22.00, AuditoriumJU 21, 16.30, Auditorium

Competencia Internacional

Competencia Internacional Competencia Latinoamericana

Page 3: Caro Diario 4

3

Las virtudes de un cine metonímico es que rápidamente entendemos que el micromun-do que retrata es reflejo en miniatura de algo más, de todas las aristas del mundo. Y así, con sólo cuatro personajes –uno de los cuales es un enigmático gato– y un reino de ausencias que va creciendo a lo largo de la película, He-rrera Córdoba construye un espacio de puro presente donde el pasado no cesa de colarse: en frases a medio decir, en recuerdos narrados nostálgicamente por los protagonistas, en la bella distancia de las flores, el tintineo rítmico de la lluvia cordobesa, el dulce agobio del vera-no entre ventiladores. Las verdades están allí, pero filtradas por la representación, orquesta-da por la diva teatral que arrastra consigo a su atormentada anfitriona y a su jardinero fiel. Se respira un aire de intimidad constante, donde el afuera sólo existe en la memoria comparti-

da, que sirve para que los personajes entren en relación, se acerquen humanamente. La mirada hacia ellos es candorosa; el director les perdona sus fallas, los quiere por ellas, nos invita a contagiarnos. Y todo fluye como una siesta estival, entre el sonido de una abeja, una chicharra o un grillo.

A partir de una política de reparación histó-rica, la última década reescribió el pasado, el presente y el futuro argentino en clave de derechos humanos, saldando una deuda con las víctimas de la represión cívico-militar que

no había sido tenida realmente en cuenta por ningún otro gobierno en los treinta años de democracia. Por eso son importantes docu-mentales como éste que, con mirada abarca-tiva, se propone una reconstrucción con diver-sos testimonios de la reapertura de los juicios por lesa humanidad entre 2009 y 2011, para exponer la dimensión de este momento signi-ficativo para una nación que finalmente puede reflexionar y actuar poniendo en sincronía la memoria, la verdad y la justicia. Y si los juicios en que focaliza Imprescriptible tienen que ver con el accionar del centro de detención de la Escuela de Mecánica de la Armada (ESMA), un espacio que hoy fue enteramente recuperado para la memoria, es porque Ester sabe que hay cuestiones que, para que formen parte de la historia, hay que mirarlas desde el máximo punto de lucidez del presente.

Dispuesto a recorrer poéticamente siete pa-sos de iniciación a la cultura del norte argen-tino, registrando la tradición oral quechua alrededor de la idea de espiritualidad y tras-

cendencia, Marcos Pastor sigue la creencia popular en la Salamanca, lugar abstracto sa-grado en donde todo viajero podría intercam-biar su alma con el diablo, a cambio de un don artístico, mágico o curativo. 7 Salamancas es, por lo tanto e ineludiblemente, una road mo-vie transcendental basada en las experiencias personales de su protagonista, Manuel Eche-garay, mientras sigue las pistas de las leyen-das de un continente ignoradas por la historia del pensamiento occidental. Sin rumbo fijo y sin demasiadas ataduras narrativas, la pelí-cula de Pastor logra, en su búsqueda sabida de antemano como inconclusa, componer un paisaje inestable y paralelo de todo el territo-rio nacional.

Sebastián y Malena se conocen de casualidad, una noche de verano, en la mesa de un local de comidas rápidas. Él salió de su casa para hacer algunas compras; ella intenta, más bien poco, estudiar para el examen del colegio que debe rendir a la mañana siguiente. Ninguno de los dos sabe todavía que no volverán a sus

casas hasta el otro día. Dos o tres encuentros azarosos –eso que los angloparlantes llaman serendipity– después, decidirán sin decirlo en voz alta que están destinados a pasar la noche juntos, recorriendo una Buenos Aires nocturna y barrial poco transitada por el cine nacional, a pie o en colectivo, conversando o en silencio, leyendo mensajes de texto o ignorando llama-das, rotando por bares o fiestas. La ópera pri-ma de Santiago Guidi no necesita mucho más que esa deriva sin rumbo y esos diálogos sin centro –o sí: apuestas, pactos, alguna travesu-ra; escarceos amorosos, en fin, que pueden o no llevar a alguna parte– para erigirse como uno de los más sugestivos retratos generacio-nales del joven(císimo) cine argentino.

El grillo Argentina, 82’D: Matías Herrera Córdoba

Imprescriptible Argentina, 103’D: Alejandro Ester

7 Salamancas Argentina, 66’D: Marcos Pastor

El aire Argentina, 67’D: Santiago Guidi

HOY, 15.30, Cinema 2 | HOY, 18.00, Cinema 2JU 21, 23.00, Cinema 2

HOY, 10.00, Colón | HOY, 22.30, ColónVI 22, 12.30, Colón

HOY, 15.00, Colón | HOY, 19.30, ColónJU 21, 12.30, Colón

HOY, 12.30, Colón | HOY, 17.00, ColónJU 21, 19.30, Colón

Competencia Argentina

Competencia Latinoamericana Competencia Argentina

Page 4: Caro Diario 4

4

Fueron tiempos difíciles para una industria ci-nematográfica que se comenzaba a pintar de dorado. Y todo comenzó por un fraude perpe-trado por el entonces líder de la Sección de Téc-nicos y Manuales del Sindicato de Trabajadores de la Industria Cinematográfica (STIC) –supedi-tado a la CTM–, Enrique Solís, quien compró un edificio con dinero sindical y lo puso a su nom-bre. Eso originó que Gabriel Figueroa, disidente de esa sección sindical, fuera nombrado interi-no. Desde ahí denunció el fraude consumado

por su antecesor y llevó a un enfrentamiento sangriento y voraz con el secretario general del STIC, Salvador Carrillo, y el eterno líder de la CTM, Fidel Velázquez, con la disidencia que encabezaron Gabriel Figueroa, Jorge Negrete y Mario Moreno “Cantinflas”.Era 1945. Figueroa, Cantinflas y Negrete de-nunciaban “el gangsterismo sindical” de Fidel Velázquez y sus huestes del STIC. Carrillo fue llamado “ladrón” por Figueroa, y éste le contes-tó con un puñetazo que detonó una manifes-tación masiva en las calles por la agresión que paralizó los cines del país. Cantinflas y Negrete la encabezaron y posteriormente se convocó a una asamblea a la cual acudieron ocho mil per-sonas, y ahí se determinó romper con la CTM y fundar un nuevo sindicato.Fue electo como primer secretario general del (no reconocido aún) Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC) Mario Moreno “Cantinflas”, quien aceptó, a pesar de la solicitud de sus detractores de que el Gobier-no embargara todos sus bienes.En la asamblea, Cantinflas decía a los asis-

tentes: “Si Mario Moreno Cantinflas pierde todos sus bienes en esta lucha en que trató de salvar a una gran industria y a miles de trabajadores que conmigo han convivido, es-toy dispuesto a perder toda mi fortuna, con la seguridad de que me queda algo más grande y más noble que los líderes del STIC y CTM no pueden mostrar: mi honradez”.La fama de Cantinflas pesaba. Y qué decir del prestigio de Gabriel Figueroa y la popularidad de Jorge Negrete, parte del liderazgo del nue-vo y no reconocido sindicato. La solidaridad de otros gremios con el STPC ayudó a lograr que se diera el registro al nuevo sindicato. Fue cuando el Sindicato Mexicano de Electricistas bajó el switch de la Ciudad de México por tres días, como medida de presión para que el Go-bierno reconociera al STPC. Finalmente se re-conoció al nuevo sindicato, pero la CTM no lo aceptó y comenzó una guerra contra el nuevo sindicato en los estudios. Hubo tensión y vio-lencia. Se paralizó la industria por el conflicto y se perdieron millones. La pelea era por destruir al recién nacido.

Tuvo que intervenir el presidente Manuel Ávila Camacho. Un laudo presidencial delimitó la ju-risdicción de ambos sindicatos: El STIC se que-daría a cargo de la distribución y la elaboración de noticiarios. El STPC trabajaría en la produc-ción de películas en los estudios cinematográ-ficos y en exteriores. La CTM tardó en acatar el fallo, hasta que, después de un encuentro intenso con el presidente, Fidel Velázquez salió con cara larga. El poderoso cacique de la CTM había sido derrotado.

El otro FigueroaEs sabido –y ahora todavía más, gracias al Festival y a este merecido Tributo– que el nombre Gabriel Figueroa es sinónimo de una maestría detrás de cámara capaz de retratar las nubes y paisajes naturales posiblemente como ninguna otra persona en toda la historia del cine. Sin embargo, Figueroa también jugó un papel decisivo en el cine mexicano, como líder de los sindicatos cinematográficos de su país, que hicieron frente a las administraciones fraudulentas y las presiones mafiosas de un entorno que respondía a intereses externos. En el texto que sigue, Luis Rubén Maldonado Alvídrez nos cuenta un poco acerca de este costado menos conocido del maestro de la luz.

Salón México

HOY, 17.15, Ambassador 2La perla

HOY, 16.15, Paseo 2Nazarín

HOY, 20.15, Paseo 2

la Hungría de Miklós Jancsó

Cineastas Contados

Referente indiscutido de los nuevos cines de los sesenta, Miklós Jancsó estuvo siempre ligado a la historia de los esfuerzos colec-tivos de su país contra la opresión, sin por eso descuidar las herramientas estéticas de su oficio, que en sus manos alcanzan mo-mentos de belleza y rigurosidad inigualables. A continuación, reproducimos un texto de Rodolfo Weisskirch, cedido por nuestros queridos amigos de la web del Festival.

“Uno de los principios básicos de esta profesión es tener la capacidad de olvidar”, admite un no-nagenario Miklós Jancsó en el documental Nega-tive History of Hungarian Cinema. “¿Debería pen-sar qué hubiese pasado si…? ¿De qué sirve eso?”.

Contradictorias palabras de un artista con más de cincuenta años de trayectoria dedicadas al arte cinematográfico, que confluyen en esta edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.Jancsó empezó estudiando Derecho en Pecs, pero más tarde se mudaría a Budapest para estudiar dirección cinematográfica. Su comien-zo fue tardío, a fines de los años sesenta, junto a su habitual guionista, el reconocido escritor húngaro Gyula Hernádi.Durante esa década y la siguiente, ambos se encargaron de retratar momentos épicos de la historia de su país, pero evitando caer en el retrato bélico y heroico habitual. Al contrario, despojaron su narración de todo sentimiento

nacionalista, dotándolo de una frialdad y cru-deza poco vistas, en oposición al cine hollywoo-dense histórico y más cercanas a la épica de los films soviéticos.En Jancsó no hay protagonistas; hay personas luchando por fuertes ideales. Su cine es socia-lista porque el grupo es más importante que el individuo. “Cuando hay opresión, siempre hay quienes se rebelan, aunque sepan que les es-pera la muerte”, dijo una vez al respecto.Pero más allá de todo esto, Jancsó es antes que nada un estilista, un realizador que pone la es-tética al servicio de la imagen y que siempre ha experimentado con la duración de los planos y el montaje interior de cada escena. Por eso, en su cine se pueden ver grandes batallas o en-

frentamientos filmados sin cortes en grandes parajes, donde la cámara está en constante movimiento, así como sus personajes. Jancsó se rebela contra el montaje externo, pero tam-poco deja el encuadre fijo. Suceden múltiples acciones dentro de un solo plano, y así como el punto de fuga y la profundidad de campo se convierten en herramientas narrativas, la me-ticulosidad de la puesta en escena y las sutiles interpretaciones forman parte de una poética trágica, que permite la reflexión y el discurso abierto a múltiples lecturas de la historia.

Justo hoy que dedicamos buena parte de Caro Diario a nuestras ilustres retrospectivas, no se pasa ninguna de las seis películas del gran Juan Antonio Bardem presentes en esta edición. Para no extrañarlo tanto, pueden darse una vuelta por el Salón Dauphin del NH Gran Ho-tel Provincial y recorrer otro de los generosos regalos que la AECID (Agencia Española de Co-operación para el Desarrollo) y la Oficina Cultu-ral de la Embajada de España le hacen este año al Festival: la maravillosa exposición Cineastas Contados, del joven fotógrafo Óscar Fernández Orengo, y sus cincuenta retratos de cineastas españoles que configuran un recorrido visual a través de la historia del cine en español.

Se trata de fotografías en blanco y negro y for-mato panorámico que retratan a los persona-jes en sus entornos cotidianos, consiguiendo así una aproximación al ámbito más íntimo y personal de quienes habitualmente se sitúan detrás de la cámara. Una muestra fascinante de los protagonistas y actores de la evolución de la cinematografía española y latinoameri-cana, de la renovación de géneros y códigos estéticos, de la apertura del cine al contexto internacional y de su inclusión en la cultura ci-nematográfica europea; una visión de conjunto de varias generaciones de cineastas cuya pro-ducción constituye una de las mejores mues-tras de su (nuestra) cultura.

Electra

HOY, 18.15, Paseo 2

Cineastas Contados - Retratos de directores de cine español por Óscar Fernández Orengo

Salón Dauphin - NH Gran Hotel Provincial, hasta el domingo 24

Page 5: Caro Diario 4

5

suspenso, año ceroLa Ingrid Bergman de la tapa, actriz de Hitchcock y de Rossellini, además de ser esposa de este último, no es el único vínculo di-recto entre los cineastas. También Cahiers du Cinéma consideró a ambos directores como los máximos exponentes de la política de autores, por sostener miradas que desafiaron los estándares de su tiempo para gestar, cada uno a su modo, una épica perso-nal del cine que fue, y sigue siendo, la llave a la libertad para las nuevas olas renovadoras. Abajo transcribimos a dos cahieristas de luxe: la escritura libertaria de Jacques Rivette, dedicada a la modernidad de Rossellini, y lo que François Truffaut le extirpó a Hitchcock en la célebre entrevista convertida en el manual que todo cinéfilo debería conocer de memoria, como los hombres de Farenheit 451 que retienen en sus cerebros los libros completos.Los privilegiados espectadores del Festival viajarán al momento de estreno de las películas porque ambas retrospectivas se ex-hiben en copias restauradas, cero kilómetro. Por un lado, el Rossellini Project, que reúne a las más importantes instituciones de cine italiano con una distribuidora de cine arte, hizo posible volver a la vitalidad del cineasta romano; por el otro, el BFI National Archive restauró las películas mudas del maestro inglés del suspenso, verdaderos hitos tempranos de las posibilidades de la forma cinematográfica, que viajaron a Mar del Plata gracias al British Council, que además repartirá caretas de Hitchcock en las funciones para que todos seamos el director estrella.

Si considero que Rossellini es el más moderno de los cineastas, no es sin razón; pero tampoco lo es por una sola razón. Me parece imposible ver Viaje a Italia sin experimentar directamente la evidencia de que es un film que abre una bre-cha, y que cualquier clase de cine debe pasar por esta experiencia bajo pena de extinción... No se trata, ya se ve, sino de un sentimiento personal. Y quisiera salir del paso enseguida de un posible malentendido, pues hay otras obras, otros autores que no son sin duda menos im-portantes que éste, pero, cómo podría decirlo, menos ejemplares. Entiendo con esto que, una vez llegado a un punto determinado de su ca-rrera, la creación de Rossellini parece cerrarse sobre sí misma; lo que hace es válido por sí mismo y dentro de sus propias perspectivas. He ahí sin duda el fin del arte, que sólo debe rendir cuentas a sí mismo y, una vez superados

los titubeos y las exploraciones, desanima a los discípulos, aislando a los maestros: su compe-tencia muere con ellos, así como las leyes y los métodos que las constituían. Reconocerá us-ted aquí a Renoir, a Hawks, a Lang y, en cierto modo, a Hitchcock.Desde los primeros minutos de proyección de Viaje a Italia no cesó de conturbarme: ¡Matis-se! Cada imagen, cada movimiento confirmaba en mi interior el parentesco secreto entre ese pintor y el cineasta. Lo cual es más sencillo de enunciar que de demostrar. Sin embargo, quie-ro arriesgarme a hacerlo, pero temo mis princi-pales razones les parecerán a ustedes claramen-te frívolas, y las siguientes, oscuras o engañosas.Basta, en primer lugar, con una observación: durante toda la primera parte del film, se pue-de constatar esa inclinación por las grandes superficies blancas, realzadas por un trazo ní-tido, por un detalle casi decorativo. Si la casa es nueva y de aspecto muy moderno es, desde luego, porque Rossellini se interesa antes que nada por las cosas nuestras contemporáneas, por la forma más reciente de nuestro ambiente y de nuestras costumbres; también lo hace por simple delectación visual. Esto puede sorpren-der, proviniendo como proviene de un realis-ta (e incluso neorrealista). ¿Por qué, por todos los santos? Que yo sepa, Matisse también es realista: la organización de la materia ágil, la atracción que ejerce en él la página en blan-co, cargada con un solo signo, la playa virgen, abierta a la invención del trazo justo, todo ello me parece pertenecer a un realismo provisto de un mayor valor que los excesos, las gesticu-

laciones, el convencionalismo pseudorruso de Milagro en Milán. Todo ello, lejos de desviarse del propósito del cineasta, le proporciona un acento nuevo, actual, que repercute en nues-tra sensibilidad más reciente y más viva. Todo ello atañe a lo que hay en nosotros de hombres modernos, y ofrece un testimonio de la época tan preciso como el relato mismo; todo ello tra-ta ya del hombre íntegro de 1953 o de 1954: ése es ya el tema.Sobre la tela, una curva deliberada contornea el color más intenso sin fijarlo; una línea que-brada, sin embargo única, rodea la materia mi-lagrosamente viva, como captada intacta en su origen. En la pantalla, una larga parábola ágil y precisa guía y retiene cada secuencia, y des-pués vuelve a cerrarse a sí misma con exactitud. Pensemos en cualquier película de Rossellini: cada escena, cada episodio volverán a nues-tra memoria no como una sucesión de planos y de encuadres, como una serie más o menos armoniosa de imágenes más o menos resplan-decientes, sino como una larga frase melódica, un arabesco continuado, un solo trazo implaca-ble que seguramente conduce a los seres hacia lo que éstos aún ignoran y que encierra en su trayectoria un universo vibrante y definitivo; sea un fragmento de Paisà (1946), una de las floreci-llas de Francisco, juglar de Dios (1949), una esta-ción de Europa 51, o la totalidad de estos films, la sinfonía en tres movimientos de Alemania, año cero (1947), la obstinada línea ascendente de Il Miracolo (1948) o de Stromboli (las metá-foras musicales surgen con tanta espontanei-dad como las pictóricas), en todo momento la

mirada incansable de la cámara asume el papel de lápiz; ante nuestros ojos se desarrolla un dibujo temporal (y, para nuestra tranquilidad, sin ningún ralenti que pretenda instruirnos, descomponiéndolo todo expresamente para nosotros gracias a la inspiración del Maestro). Vivimos siguiendo su progreso hasta la escena final, hasta que se pierde en el tiempo igual que había surgido de la blancura de la tela. Pues existen películas que empiezan y que acaban, que tienen un principio y un final, que conducen un relato desde un primer término hasta que todo vuelve a estar en orden y en sosiego, has-ta que se producen muertes, una boda o surge una verdad; he aquí a Hawks, Hitchcock, Mur-nau, Ray, Griffith. Y existen películas en las que no hay nada de esto, y que regresan como los ríos a la mar; que, en definitiva, nos proponen mucho más que imágenes más banales: algu-nos ríos que corren, masas de gente, ejércitos, sombras que pasan, telones que caen hasta el infinito, una muchacha que baila hasta el fin de los tiempos. Aquí están Renoir y Rossellini. A nosotros nos corresponde prolongar en silen-cio este movimiento convertido en secreto, esa curva disimulada, escondida bajo tierra: con ella no hemos llegado a un fin.

☛ The Lodger fue el primer auténtico “Hitch-cock Picture”. Vi una obra de teatro titulada ¿Quién es?, basada en la novela de Mrs. Belloc Lowndes, The Lodger. La acción transcurría en una casa de habitaciones amuebladas y la propietaria de la casa se preguntaba si el nuevo inquilino era un asesino conocido por el nombre del Avenger, o no. Una especie de Jack el Destripador. Lo traté de manera muy simple, siempre desde el punto de vista de la mujer, la propietaria. A partir de una narración simple, estuve cons-tantemente animado por la voluntad de pre-sentar por primera vez mis ideas, de una for-ma puramente visual. Rodé quince minutos de un atardecer de invierno en Londres. Son las cinco y veinte y el primer plano del film es la cabeza de una chica rubia que grita. La foto-grafié así. Tomé una placa de cristal. Coloqué

la cabeza de la chica sobre el cristal, esparcí sus cabellos hasta que llenaran todo el cuadro y luego lo iluminé por debajo de manera que impresionara por el dorado del pelo. Después se corta y se pasa al anuncio luminoso de una revista musical: “Esta noche. Bucles de Oro”. Este anuncio se refleja en el agua. La chica ha muerto ahogada.Como en aquella época no teníamos sonido, hice instalar un suelo de cristal muy grueso a través del cual se veía moverse al inquilino. Naturalmente, algunos de estos efectos serían ahora totalmente superfinos y se sustituirían por efectos sonoros, ruidos de pasos, etc.El tema del hombre acusado injustamente produce mayor sensación de peligro a los es-pectadores, porque se colocan más fácilmen-te en la situación de este hombre, que en la de un culpable que trata de escapar. Siempre tomo en consideración al público.☛ Yo diría que después de The Lodger, The Ring fue el segundo film de Hitchcock. Había toda clase de innovaciones, y me acuerdo de que una escena de montaje muy elaborada fue aplaudida en el estreno de la película. Era la primera vez que esto me sucedía: había toda clase de cosas que ahora ya no se harían, por ejemplo, una fiestecita por la noche, después de un combate de boxeo. Se llenan las copas

de champán y se ve burbujear perfectamente el champán y las burbujas... Se hace un brindis a la protagonista y advertimos que ya no está allí porque ha desaparecido con otro hombre. Entonces el champán ya no burbujea.En aquella época, existía una gran agudeza para las pequeñas ideas visuales, a veces tan sutiles que la gente no las advertía.☛ El aspecto divertido de Blackmail es que, después de muchas dudas, los productores decidieron que fuese una película muda, salvo el último rollo, pues entonces se hacía publici-dad de algunas producciones anunciando: “film parcialmente sonoro”.Sí, lo intenté. Después que la chica ha matado al pintor que la llevó a su casa e intentó violarla, ella vuelve a la suya y hay una escena de de-sayuno con su familia en torno a la mesa. Una vecina que se encuentra allí, muy parlanchina, discute del asesinato que acaba de saberse y dice: “¡Qué terrible matar a un hombre por la espalda con un cuchillo. Si lo hubiese matado yo, le habría golpeado la cabeza con un ladrillo, pero no habría utilizado un cuchillo!”, y sigue el diálogo, la chica ni siquiera escucha ya y el so-nido se convierte en un puré sonoro, muy vago, confuso, en el que sólo se entiende claramente la palabra cuchillo, que vuelve a menudo: cu-chillo, cuchillo.

Y de pronto la chica oye claramente la voz de su padre: “Por favor, pásame el cuchillo del pan, Alice”, y Alice debe coger con su mano el cuchillo, semejante a aquel con el que acaba de cometer el asesinato, mientras que los otros si-guen hablando del crimen. Este fue mi primer experimento sonoro.Hice una cosa curiosa en una escena, un adiós al cine mudo. En las películas mudas, el malo gene-ralmente llevaba bigote. Yo mostré al pintor sin bigote, pero la sombra de una reja de hierro for-jado, colocada en el decorado de su estudio, le dibuja encima del labio superior un bigote más verdadero y más amenazador que el real.

StromboliHOY, 12.00, Ambassador 1AmoreHOY, 12.30, Ambassador 3

Funciones con música en vivo por Fernando Kabusacki y Matías Mango

The LodgerMI 20, 17.45, Paseo 4

The Ring JU 21, 17.45, Paseo 4

Blackmail VI 22, 17.45, Paseo 4

Page 6: Caro Diario 4

6

Con faldas y a lo locaDueña de un apetito voraz por las imágenes y un estilo único e inclasificable, la andaluza María Cañas revoluciona las pantallas del Festival. Como dirían sus coterráneos de La Costa Brava, déjense querer por una loca (lindísima) y asómense a la experiencia inolvidable de sus cortos y mediometrajes marcianos.

¿Cómo es tu método de trabajo, por dónde empieza?Yo tengo el archivo del caos, el mal de archivo, el Síndrome de Diógenes y del Ciber Quijote. Empiezo por una idea que me apasiona o un encargo, como en el caso de Sé villana, donde me pidieron que hiciera una película sobre Se-villa y la economía de los afectos. Lo primero que hago es documentar, una labor rayana en lo patológico. Soy bibliófaga, para esta película me tragué libros de historia de Sevilla, de poe-sía, Luis Cernuda, Machado, para ir sacando ideas. Y después me pongo a recopilar mate-rial, busqué todas las películas relacionadas y no sólo con Sevilla, porque a mí me interesa tanto lo local como lo transnacional, cómo al final todo es lo mismo. Con todo ese material que tengo hago estructuras narrativas poéti-cas, no son guiones al uso; son más surrea-listas, más abiertas, más polisémicas. Son pat-chworks, collages. Es un proceso tormentoso

de conexiones, cortocicuitos que hacen visible lo invisible. Yo hago mucho hincapié, como Imamura, en la “intrahistoria”; soy de las que piensan que otra televisión es posible y que la revolución no será televisada. Soy de la video-guerrilla, más popular.

Tu obra es ideológica, subversiva. ¿Partís de allí o es un lugar de llegada al trabajar con los materiales?Yo soy rebelde porque el mundo me hizo así. Soy una agitadora digital, me gusta encender el fuego interior y remover imaginarios para convertirnos en seres más libres, más creati-vos, más salvajes. Defiendo la insurgencia, el proselitismo sin panfletarismo, dinamitar los tópicos: es una necesidad. No soy terrorista ni serial killer, pero con el video me expreso. Hay que crear nuevos territorios de sensibilidad, no tan estandarizados. Bendito sea quien lo reciba y quien lo intente.

Eso se refleja no sólo en el contenido, sino en lo formal: en tu mezcla del fílmico, de la TV, de YouTube. ¿Hay una intención de democratizar los formatos, de igualarlos?Yo no le hago asco a nada, por eso mi cine es porcino: del cerdo se aprovecha todo, y la ima-gen contemporánea debe ser igual. Yo traba-jo con despojos, con charcutería, reciclo todo, desde YouTube a la industria del cine.

¿Por qué es tan recurrente en tu trabajo la presencia animal?El cerdo, el toro, la vaca, son animales totémi-cos. El toro en España tiene mucho poder po-pular, está ligado a nuestra idiosincracia. La fiesta taurina es una fiesta nacional. Los ani-males me sirven por lo salvaje que tienen, para dar cornadas audiovisuales, para saltarme los derechos de autor a lo torera. Todo está rela-cionado, por eso trabajo en una web que se lla-ma Animalario.tv, por el animal salvaje que nos hace sentir vivos.

Tu trabajo se relaciona con otros movimientos históricos que siempre fueron colectivos. ¿Hay otros pares con los que te relacionás trabajando?El proyecto de Sé villana surgió en un laborato-rio, “Leviatán: Detener el tren de la historia”, de un proyecto que se llama Capital y Territorio. Ahí trabajamos juntas bastantes personas. Pero me interesan en general los movimientos: el punk, el surrealismo, dadá... Como decía Duchamp: “El arte es un juego de todos los hombres con todas las épocas”. Me gusta el situacionismo, que tiene mucho de salir a la calle, de atrapar una nueva tormenta, de reinventarse o morir.

¿Cuál es la circunstancia ideal para exhibir tu material: una sala de cine, un museo, la calle misma?Todo, hay gente para todo. Yo disfruto tanto que se dé en una pantalla de un pueblito con sillas como en YouTube o en un pedazo de festival como éste. Lo bonito es meterse por las fisuras del sistema, de lo ortodoxo, de lo formal y de lo establecido, ser más poroso y poder fluir. Apoyo al cine low cost, clase B, hu-milde, hecho con pasión y tres duros. Mi vena es la resistencia, la risastencia, el humor de todos los colores, como crítica social y como animación popular.

Tu obra es voraz. ¿Qué te queda por fagocitar?Aún me quedaron muchísimas horas de ma-terial de Sé villana, tendría que hacer Sé villana Reloaded, pero no me da la cabeza. Estoy des-bordada. Con archivo no quiero trabajar más por un tiempo porque voy a quedar como Don Quijote, perdida ahí dentro.

¿Cómo fueron los orígenes del proyecto de recopilar y restaurar los films de la colección Cinepa?Inicialmente quien comenzó a revisar esta co-lección fue Raúl Manrupe, interesado funda-mentalmente en el cine de animación; luego se sumó Noelia Ugalde. Ambos hicieron un gran trabajo cuyo resultado fue una catalogación parcial y el rescate de muchos cortos anima-dos que se proyectaron en el BAFICI de 2011. No obstante todo lo realizado, la dispersión de la colección y el estado de los materiales indi-caban que aún podría haber nuevas sorpresas en la colección. Desde hace dos años estamos trabajando intensamente, continuando lo ini-ciado por Raúl. Logramos finalizar un inventa-rio general, ahora sabemos qué contiene cada lata y, a partir de allí, fuimos encontrando los films documentales de la productora y nuevos cortos animados.

Los animadores y cineastas de Cinepa, se dice a menudo, constituyen un capítulo

esencial en la historia del cine animado de este país, ¿sabés cómo era la dinámica de trabajo dentro de Cinepa? No sabemos exactamente cómo trabajaban dentro de Cinepa, o mejor, lo que hay es mu-cha heterogeneidad; por ejemplo, Jorge Caro, creador de un personaje muy popular, Plácido la Vizcacha, era empleado de la productora. Otros, como Juan Oliva, uno de los primeros animadores argentinos, formado con Quirino Cristiani, creó su propia compañía –efímera– de dibujos animados en 1940, CADA (Compañía Argentina de Dibujos Animados), y allí realizó uno de los más destacados cortos (La caza del puma), que luego sería distribuido por Cinepa. Lo mismo con varios cortos de Burone Bruché y Francisco Blanco realizados para su empresa, Dibujos Animados América, que luego fueron retomados en Cinepa. De algún modo Cinepa vuelve a poner en circulación trabajos anima-dos realizados con anterioridad por empresas que tuvieron un recorrido muy breve. A su vez contrata dibujantes que habían pertenecido

a esas empresas, como Pablo Leiva y el pro-pio Fernando Blanco. Y por supuesto también contrata todo el equipo de técnicos, entre los que había muchas mujeres, que habitualmen-te eran alrededor de veinte personas que en general habían tenido experiencia previa con Oliva o Burone Bruché.

¿Por qué pensás que Cinepa hizo hincapié en la animación y en el documental?Justamente estaba revisando una entrevista a Alejo Minuzzi, gerente de Cinepa, en 1951 don-de señala la importancia de las películas docu-mentales en 16mm; “por ser más económicas, y por su fácil acceso a todos los públicos y to-dos los rincones”. Allí radica una de las cuestio-nes, la versatilidad y economía del 16 frente al 35mm. Por otra parte, la opción de ofrecer sus films a instituciones científicas y educativas que podrían contar fácilmente con un proyector de 16mm, barato y fácil de usar; en vez de uno de 35mm, mucho más caro y que habitualmente requería un proyectorista profesional.

¿Qué es lo que se va a ver en el Festival?El programa del festival tiene dos secciones, como se decía antiguamente. Por un lado los films animados, algunos se vieron en Bafici, mientras que otros son completamente in-éditos. Junto a estos hemos seleccionado tres cortos que no se ven desde los años cincuenta realizados por la Compañía Argentina Libre de Teatro para Cinepa. La segunda sección esta dedica a cortos documentales. Debo advertir que hemos realizado algunos cambios respec-to del programa que dimos a conocer inicial-mente, básicamente porque a último momento descartamos algunos films que podían ponerse en riesgo durante la proyección dada su fragili-dad actual. Hay que señalar que lo que se verá es en fílmico 16mm, el soporte original, y no versiones digitales.

Cinepa’todosLa más importante de las productoras y distribuidoras de films en paso reducido en la historia del cine argentino, Cinepa supo construir un catálogo independiente de pelí-culas nacionales prácticamente desconocidas. O al menos ese era el panorama hasta ahora, gracias a que un grupo de investigadores y archivistas llevó adelante la catalo-gación y restauración de los films, hoy nuevamente accesibles al público. Hablamos con Andrés Levinson, uno de los máximos responsables de la imperdible función de hoy, acerca de esta historia secreta del cine animado y documental argentino.

Cinepa en Mar del Plata

HOY, 19.30, Ambassador 2

Cortos - Cañas Programa 1

HOY, 12.00, Paseo 1JU 21, 20.00, Paseo 4Cortos - Cañas Programa 2

MI 20, 17.00, Paseo 1JU 21, 21.30, Paseo 4Cortos - Cañas Programa 3

VI 22, 22.00, Paseo 1

María Cañas

Page 7: Caro Diario 4

7

“Nunca menos (música)” podría ser el lema de nuestras acogedoras galas musicales en el Punto de Encuentro –va de vuelta: Salón Bristol Restó del Teatro Auditorium, acceso recova por foyer del teatro–: si el domingo fue uno (Alto-camet) y ayer fueron dos (Salomar y Acorazado Potemkin), hoy, como se irán imaginando, te-nemos un triple pro-gra-món. Primero las can-ciones felices de our own Marianela Pelz y las blasfemas que se le cantan a Alfonso Barbieri, y después, para saltar a la pista de baile, la atrac-ción salvaje de los ritmos de DJ Monkey Kids. Dance, dance, dance!

superochistas, ¡a superochear!Además de su propia sección en el Festival, el formato de cine hogareño más querible de todos (y querido por todos) está presente en varias de nuestras actividades especiales. Hoy tempranito, sin ir demasiado lejos, pue-den –¡deben!– apersonarse en el Ambassador 2, donde la gente del laboratorio cinemato-gráfico Arcoiris Super 8, dedicado a los for-matos de paso reducido, le entregará un rollo de película a una decena de realizadores des-tacados por la búsqueda radical en la crea-ción audiovisual para que realicen un nuevo trabajo íntegramente construido en cámara. Azucena Losana, Agustín Gutiérrez, Karina Acosta, Macarena Gagliardi, Magdalena Jitrik, Melisa Brito Aller, Jeff Zorrilla, Rodrigo Digon, Luján Montes y Martín Alomar son los invita-dos de lujo del gran evento, intitulado Toma Única Buenos Aires 2013.Por otro lado, reiteramos la convocatoria a acercarse el viernes con sus propios rollos de

8mm, Super 8, 9.5 y/o 16mm (preferentemen-te, que incluyan alguna imagen de nuestra querida ciudad de Mar del Plata) al Día de las Películas Familiares, edición balnearia, even-to libre y gratuito organizado por los amigos de la asociación civil ARCA, y que se realiza por primera vez en el marco de este Festival.

insPiRaCiones tomas cortadas de la vida de un hombre felizPor el licenciado Frank Booth que, en sueños, camina contigo

Vecinos, esto no da para más. Entre la tonela-da de películas que estoy viendo por día y las espectaculares (Des) Veladas Nocturnas en el Punto de Encuentro –siempre orgulloso de ser el último en irse–, siento que este Festival em-pezó hace semanas. Muchas actividades, mu-cha alegría y mucha gente linda (léase mujeres lindas). Siento las secuelas de tanta movida, pero no debo decaer: recién llegamos a la mi-tad del Festival. Por eso, a reagruparse, beber mucho líquido (¡Pabst Blue Ribbon para mí, se-ñor barman!) y encerrarse en las salas. O ensa-larse, algo que también se puede hacer leyendo la tira de Gustavo Sala acá a la vuelta, nomás.¿Dónde ensalaré –sin Sala– hoy? En No abras nunca esa puerta, por ejemplo, joya absoluta del gran Carlos Hugo Christensen, satisfac-ción garantizada. Lo mismo pasa con Mother, de Bong Joon-ho, presidente del Jurado Inter-nacional (¡qué lujo poder armar esta frase!), poderosa película en novedosa versión: tras un cuidadoso trabajo con su director de fo-tografía, Bong viró su película al blanco y ne-gro, algo que sólo se vio en Corea del Sur. Hits from the Bong! Quienes no hayan visto Les Sa-lauds, de Claire Denis, sepan que cometieron un error sólo subsanable hoy a las 18:30 h. Lo mismo va para los que no vieron E agora? Lembra-me, una de las mejores películas del año y punto. O sea, y.

¿Y qué tal una seguidilla de películas para ver con el volumen bien alto? Si el rock es lo suyo, y el detrás de las bambalinas aún más (fierre-ros of the world, unite!) El blues de los plomos dignifica, estudiando la relación entre grandes artistas como Litto Nebbia, Ricardo Iorio, León Gieco y Luis Alberto Spinetta, entre otros, y sus plomos. Después, Serrat y Sabina: El símbolo y el cuate sabrán demostrar el porqué detrás de tamaños epítetos. Escuchar a Dios se dedicará a una banda de culto de los noventa, mientras que Existir sin vos, una noche con Charly García los llevará, vecinos, a saborear el néctar del ta-lento de otro grande. La clave del día: llena tu cabeza de rock, cantautores y sus ayudantes. Si lo que buscan es una película con peque-ños grandes personajes y climas de radiante alegría teñidos por la nostalgia del ahora, en la que una jovencita conoce a un señor de sospechoso traje y corbata, más inocente de lo que hasta el mismo admitiría, Everyone’s Going to Die es lo que buscan. Apuesta segura, película para salir sonriendo. En las antípodas, Shirley - Visions of Reality utiliza trece cuadros del pintor norteamericano Edward Hopper para dejarnos con la boca abierta de Ho a pper. Y la medianoche, sabia consejera, nos trae el dilema de siempre: ¿ver Drug War, de Johnnie To y sacarse el sombrero ante la inimitable calidad del cine de este buen hombre? ¿O ver

a John Cusack tomando cerveza con la ayuda de una lapicera Bic, mientras comparte una road movie con una –inicialmente– glacial Daphne Zuniga, en Quiero decirte que te amo? La respuesta, oh vecinos, quizás sea visitar La tumba de Bruce Lee, pero puede que les cueste más de un disgusto: no está tan a la mano,

ya que su cementerio es movedizo. El humor oblicuo de una de las mejores representantes de la nueva comedia española –absolutamen-te distinta a TODO lo que vieron o se pueden imaginar a priori– puede ser la mejor forma de cerrar un día ya de por sí agotador. Alegre-mente agotador, vecinos…

Toma Única Buenos Aires 2013

HOY, 11.00, Ambassador 2

Día de las Películas Familiares

VI 22, 16.00, Auditorium

¡Más (des) Veladas nocturnas!

Marianela Pelz + Alfonso Barbieri +DJ Monkey Kids

HOY, 21.00, Punto de Encuentro

El ingreso a los shows es para acreditados. De no serlo, las entradas se retiran en el Stand de Informes del Teatro Auditorium hasta completar la capacidad, entre las 10 y las 18 h.

El cine según NarcisaComo recordatorio para que no se pierdan la única oportunidad de ver sus películas en el Festival, le pedimos a Narcisa que nos conta-ra qué es para ella el cine experimental. El texto es breve e intenso, como sus películas. Pero si quieren más, no se preocupen, que el Caro Diario de mañana la tendrá como una de sus protagonistas.El cine experimental es poesía, es una danza, una música.Las imágenes tejen una trama, como las pala-bras tejen un poema.No hay narrativa, es el “final de la historia”.Sin ese hilo conductor no hay caminos, se hace camino al andar, los senderos comienzan en cualquier lugar y terminan en ninguna parte. Son los holzwege, caminos del bosque donde el leñador busca sus árboles.La película comienza con un pensamiento, con

una imagen que emerge que sale de su contex-to, que se independiza, que manda señales.Una imagen atrapada en un instante de apertu-ra y de enajenación del mundo.Todo nace por un azar, nace por lo no pre-visi-ble o lo no pre-parado.Algo se impone, algo se encuentra.Hay que tratar de estar en el lugar, atenta, como dijo Picasso: Ojalá la inspiración me aga-rre pintando.

Cortos - Super 8: Narcisa Hirsch

HOY, 17.15, Ambassador 2

Super 8

Page 8: Caro Diario 4

8

Martes 19

9.00 I AuditoriumBright DayHossein Shahabi86’ / INT

10.00 I Ambassador 4Tunteyh o el rumor de las piedrasMarina Rubino74’ / NAT

10.00 I Cinema 1Sobre viverCláudia Alves51’ / POR

10.00 I Cinema 2Esclavo de DiosJoel Novoa90’ / LAT

10.00 I ColónImprescriptibleAlejandro Ester103’ / ARG

10.00 I Paseo 1Pueblos indígenas en riesgoGuillermo Monteforte81’ / NAT

10.00 I Paseo 4Cortos - Estados AlteradosVarios directores67’ / ALT

12.00 I Ambassador 1StromboliRoberto Rossellini107’ / ROS

12.00 I AuditoriumLa jaula de oroDiego Quemada-Diez102’ / INT

12.00 I Paseo 1Cortos - Cañas Programa 1María Cañas65’ / CAÑ

12.30 I Ambassador 3AmoreRoberto Rossellini69’ / ROS

12.30 I Cinema 1O sol nos meus olhosFlora Dias, Juruna Mallon68’ / LAT

12.30 I ColónEl aireSantiago Guidi67’ / ARG

12.30 I Paseo 3Muchachos de la ciudadJosé Agustín Ferreyra60’ / CAS

12.45 I Ambassador 4ChoeleJuan Pablo Sasiaín87’ / LAT

12.45 I Paseo 4ÁrbolesLos Hijos61’ / ALT

13.00 I Ambassador 2Escuela de sordosAda Frontini72’ / ARG

13.00 I Cinema 2Los insólitos peces gatoClaudia Sainte-Luce91’ / LAT

14.00 I AuditoriumLa lagunaGastón Bottaro, Luciano Juncos77’ / INT

14.15 I Paseo 2Salón MéxicoEmilio Fernández95’ / ART

14.30 I Ambassador 1La heridaFernando Franco98’ / INT

14.30 I Cinema 1A mãe e o marGonçalo Tocha82’ / POR

14.30 I Paseo 1MitoteEugenio Polgovsky54’ / NAT

14.30 I Paseo 3No abras nunca esa puertaCarlos Hugo Christensen85’ / CAS

14.45 I Ambassador 2AlfonsinaKurt Land90’ / ESP

15.00 I Ambassador 3Ricardo BärNele Wohlatz, Gerardo Naumann93’ / ALT

15.00 I Colón7 SalamancasMarcos Pastor66’ / ARG

15.15 I Ambassador 4Resistir70’

El otro oficioJorge Cedrón23’ / CED

15.15 I Paseo 4Cortos - Programa Ojo al PiojoVarios directores72’ / CHI

15.30 I Cinema 2El grilloMatías Herrera Córdoba82’ / LAT

16.15 I Paseo 2La perlaEmilio Fernández85’ / ART

16.30 I AuditoriumBright DayHossein Shahabi86’ / INT

16.30 I Paseo 3La pródigaMario Soffici67’ / CAS

17.00 I Ambassador 1MotherBong Joon-ho128’ / BON

17.00 I Cinema 1Las niñas QuispeSebastián Sepúlveda83’ / LAT

17.00 I ColónEl aireSantiago Guidi67’ / ARG

17.00 I Paseo 1Cabeza de Ratón: En la cresta del rockDiego M. Rolle, José María Beccaría, Pablo Rodríguez Jáuregui55’ / CHI

17.15 I Ambassador 2Cortos - Super 8 HirschNarcisa Hirsch48’ / SUP

17.30 I Ambassador 3GaborSebastián Alfie68’ / ESP

17.45 I Ambassador 4Por los senderos del LibertadorJorge Cedrón60’ / CED

17.45 I Paseo 4Cortos - Mar de ChicosVarios directores71’ / CHI

18.00 I Cinema 2El grilloMatías Herrera Córdoba82’ / LAT

18.15 I Paseo 2ElectraMiklós Jancsó70’ / JAN

18.30 I Paseo 3Basta la salud80’

En pleine formePierre Étaix13’ / ETA

19.00 I AuditoriumLa jaula de oroDiego Quemada-Diez102’ / INT

19.30 I Ambassador 1Les SalaudsClaire Denis100’ / AUT

19.30 I Ambassador 2Cinepa en Mar del PlataVarios directores60’ / ESP

19.30 I Cinema 1E agora? Lembra-meJoaquim Pinto164’ / POR

19.30 I Colón7 SalamancasMarcos Pastor66’ / ARG

19.30 I Paseo 1El blues de los plomosPaulo Soria, Gabriel Patrono77’ / BSO

20.00 I Ambassador 3Historias de cronopios y de famasJulio Ludueña87’ / PAN

20.15 I Ambassador 4Lo stato della folliaFrancesco Cordio72’ / MUN

20.15 I Paseo 2NazarínLuis Buñuel94’ / ART

20.15 I Paseo 4Historias breves 8Varios directores118’ / ESP

20.30 I Cinema 2Esclavo de DiosJoel Novoa90’ / LAT

20.30 I Paseo 3Ese loco, loco deseo de amarPierre Étaix87’ / ETA

22.00 I Ambassador 1Everyone’s Going to DieJones85’ / BMD

22.00 I AuditoriumLa lagunaGastón Bottaro, Luciano Juncos77’ / INT

22.00 I Paseo 1Escuchar a DiosMariano Baez104’ / BSO

22.15 I Paseo 2Barking Dogs Never BiteBong Joon-ho106’ / BON

22.30 I Ambassador 3Shirley - Visions of RealityGustav Deutsch92’ / ALT

22.30 I Cinema 1O sol nos meus olhosFlora Dias, Juruna Mallon68’ / LAT

22.30 I ColónImprescriptibleAlejandro Ester103’ / ARG

22.30 I Paseo 3El hermoso BrummelJulio Saraceni92’ / CAS

22.45 I Ambassador 4Carne de perroFernando Guzzoni81’

TáBOGODairo Cervantes16’ / PCL

22.45 I Paseo 4Serrat y Sabina: El símbolo y el cuateFrancesc Relea82’ / BSO

23.00 I Cinema 2Che strano chiamarsi Federico! - Scola racconta FelliniEttore Scola93’ / AUT

0.15 I Ambassador 2El día trajo la oscuridadMartín Desalvo76’ / VEN

0.15 I Paseo 1Existir sin vos, una noche con Charly GarcíaAlejandro Chomski65’ / BSO

0.30 I Ambassador 1Drug WarJohnnie To106’ / HOR

0.30 I Ambassador 3Outtakes from the Life of a Happy ManJonas Mekas68’ / ALT

0.30 I Paseo 2Quiero decirte que te amoRob Reiner100’ / VHS

0.30 I Paseo 3Adiós, muñecaDick Richards96’ / FIL

0.45 I Ambassador 4La tumba de Bruce LeeJulián Génisson, Lorena Iglesias, Aaron Rux95’ / HUM

0.45 I Paseo 4Tiro de graciaNicolás Lidijover72’ / LAT

¡no te lo pierdas!Va a venir, no va a venir... Al final John Boor-man, el enorme realizador inglés, no pudo estar de cuerpo presente en el Festival (snif), pero sí estará virtualmente entre nosotros (¡iupi!) en la videoconferencia que esta tar-de animará Pablo Conde, con el director de Amarga pesadilla transmitiendo live from Ire-land. Algunas horas más tarde y (¡oJo!) en nueva sede, será el turno de otra de nuestras imprescindibles Charlas con Maestros, esta vez con el presidente del Festival, José Mar-tínez Suárez, dialogando con Ricardo Darín. Dos artistas tan talentosos como versátiles,

dos lujos que nos damos: dos citas de honor para otro día a puro cine.

Videoconferencia con John Boorman14.00 NH Gran Hotel Provincial - Salón DauphinModera: Pablo Conde.Charlas con Maestros - Ricardo Darín19.00 NH Gran Hotel Provincial - Salón Atlántico B Modera: José Martínez Suárez.

Montse Callao Escalada Pablo MarínAgustín MasaedoGustavo SalaGuido SegalDiego Trerotola

DISEÑOCecilia LoidiGastón Olmos

FOTOSHoracio Volpato

COLABORAN HOYPablo CondeRodolfo Weisskirch

PROGRAMA PAÍS - GERENCIA DE ACCIÓN FEDERALNora Araujo

IDENTIDAD VISUALAdrián GoldfridAgustina Turchetto