Carlos Tena González 1º ESM

INDICE

Introducción………………………………………………………………………….pág. 3

La expresión corporal y la música y su evolución en el tiempo….…………….pág. 4

• Antigua Grecia

• Edad media

• Renacimiento

• Barroco

• Rococó

• Neoclasicismo

• Romanticismo

• Nacionalismo

• Finales del s. XIX y s. XX

La técnica corporal. Orígenes y su función………………………………….…..pág. 10

El músico y su cuerpo. Miedo escénico………………………………………….pág.11

• Relajación progresiva

• Destensar sólo

• Relajación por estímulos

• Relajación diferencial

• Relajación rápida

Bibliografía……………………………………………………………………pág 13

INTRODUCCIÓN

El cuerpo humano en sí es una herramienta expresiva desde los inicios de la comunicación. Es

por eso que nos sirve para poder expresar sentimientos, emociones y ansiedades. Y ya con la

aparición del ritmo y la música, este fue adquiriendo diferentes concepciones expresivas.

Este trabajo, que usted se dispone a leer, es una pequeña profundización en la expresión

corporal y su relación con la música, como bien indica el título del mismo. Hemos querido

estructurarlo en tres grandes secciones: la primera, la evolución de la danza, como elemento

expresivo corporal más cercano a la música y su evolución durante la historia; la segunda, la

técnica i expresión corporal, comentando su función educativa y sus orígenes; y finalmente la

tercera sección, dedicada a hablar un poco sobre los típicos problemas de los músicos

interpretes debido al miedo escénico, y sus posibles soluciones.

Creemos que es un trabajo interesante de leer y del que se puede disfrutar de la lectura.

Esperemos que sea de su agrado.

LA EXPRESIÓN CORPORAL Y LA MÚSICA Y SU EVOLUCIÓN EN EL TIEMPO

Ya desde inicios de los tiempos, existió en los seres humanos una necesidad de comunicarse

mediante el uso de su propio cuerpo. Con éste se pretendía expresar sentimientos y

emociones.

Los primeros movimientos expresivos surgidos en la historia tendrían un carácter de

celebración de eventos importantes en la vida, ya sea el nacimiento de una persona, su

defunción, etc. También se llegan a originar por creencias, podemos basarnos en las culturas

más primitivas para poder ver esto, ya que muchas de ellas utilizan danzas con el fin de

sacrificar sus piezas cazadas a dioses, librar de malos espíritus a una aldea, o profetizar lo que

a suceder en un futuro.

Todo esto son suposiciones, ya que intentamos hablar de un origen de unos movimientos

expresivos de los cuales no existe ningún documento que nos muestre cuando se realizaban

estas danzas y sus razones. Únicamente igualamos esos orígenes con culturas menos

evolucionadas de la actualidad.

Comenzarán a haber ya documentos y escritos en la Antigua Grecia sobre la danza, como un

elemento expresivo.

• Antigua Grecia

La influencia musical de Asia Menor comenzaba a ser aparente en la Antigua Grecia ya en el

s.VII a.c. y esta música era relacionada directamente con los dioses, porque se pensaba que

tenía un origen divino. De hecho, en la creencia politeísta de la antigüedad existían un grupo de

divinidades las cuales permitían a los artistas poder inspirarse y crear belleza y arte. Estas son

las musas. Había nueve de ellas, en las que podemos destacar en la música y la danza a

Euterpe y a Terpsícore.

Así relataba Hesíodo en su Teogonía, como las musas le inspiran a él mismo:

«Ellas precisamente enseñaron una vez a Hesíodo un bello canto mientras apacentaba sus ovejas al pie del divino Helicón. Este mensaje a mí en primer lugar me dirigieron las diosas, las Musas Olímpicas, hijas de Zeus, portador de la égida: "Pastores del campo, triste oprobio, vientres tan solo. Sabemos decir muchas mentiras con apariencia de verdades; y sabemos, cuando queremos, proclamar la verdad." Así dijeron las hijas bienhabladas del poderoso Zeus. Y me dieron un cetro después de cortar una rama de florido laurel. Infundiérome voz divina para celebrar el futuro y el pasado y me encargaron alabar con himnos la estirpe de los felices Sempiternos y cantarles siempre a ellas mismas al principio y al final.»

Era tan importante la música en la Antigua Grecia que se utilizaba para acompañar cualquier tipo de ambiente cuotidiano, como el trabajo, o para acompañar cualquier tipo de texto poético.

De la misma forma que la música, la expresión corporal mediante la danza también tiene un origen divino. También era usada en los momentos más cuotidianos de la vida griega, mayoritariamente en fiestas. La danza también se utilizaba cuando se exponían otros artes como la poética y el drama.

Como hemos dicho anteriormente, la danza tiene un carácter religioso, y como ejemplo de ello existía en la antigua Grecia una danza llamada “pírrica” que era practicada en honor a Atenea por los soldados; en honor a Apolo también se realizan danzas que recuerdan la salida del héroe Teseo logrando salir vivo del laberintos de Minos; también se utilizaba la danza como recurso expresivo en la adoración a Dioniso, dios del vino.

Edad media

La Edad Media abarca desde la caída del imperio romano de occidente hasta la caída del imperio bizantino. Es en esta época cuando existe en el continente europeo una sumisión a la religión católica, por lo que todos sus devotos obedecen sin duda la palabra de Dios, ya que era considerada como verdad absoluta y su desobediencia podía implicar un descenso a los infiernos en la otra vida.

La sociedad estaba dividida en estamentos sociales: nobleza, clero, burguesía y campesinos. El nivel de analfabetismo era elevado en la clase campesina, que era la mayoritaria de la sociedad.

La danza en esta época está cruelmente castigada por la Iglesia Católica, ya que esta consideraba la danza una expresión de culto pagano. Y aunque no tengamos indicios escritos de danzas paganas en la época, sí que nos encontramos con imágenes en las que gente de la clase social más baja baila en tono de celebración pagana. Podemos mencionar dos tipos de danzas de carácter pagano: el carol y el estampie. El carol consiste en una danza en la que un grupo de personas, todas cogidas de la mano y con los brazos en alto, forman un círculo, mientras en el interior de este hay unos bailarines que bailan de una forma más individual; el estampie es una danza más exaltada en la que los bailarines danzaban dando grandes saltos (hay otras opiniones sobre esta danza, como que mantenían siempre un pie apoyado en el suelo, o que daban patadas contra el suelo).

Pese a que la Iglesia católica negaba estas danzas de carácter pagano, su función seguía siendo la de enseñar a la sociedad como se debía comportar, una función moralizadora. Es por eso que únicamente realizaron una obra escrita que tenía esta función llamada las danzas de la muerte.

En esta obra, de la cual se conservan unos seiscientos versos, se cita a muchos personajes de diferentes clases sociales y demás características que son llamados por la muerte. Esto muestra al público creyente de la época que la muerte llega a todos ty que antes de que eso ocurra deben gastar su vida de una forma cristiana.

Pese a ser una obra literaria, existen documentos que muestran que se danzaba durante el recital de sus versos (como grabados y esculturas). Aquí podemos ver un pequeño fragmento de las danzas de la muerte:

“Yo soy quien mi nombre temen Quantos memoran mi nombre, Desde la más baxa tierra Hasta las más altas torres, Yo soy el que nadi esenta De mis amargas pasiones, A todos los hago iguales, A los grandes y menores, Desde el labrador más baxo Al emperador más noble Y donde el más alto Rey

A los más baxos pastores. […] No quiero treguas con nadi, Jamás escucho razones; De ninguno soy amigo A todos tanto de un orden; Azarael me apellidan Malac al marti es mi nombre; Quien nunca tenmió, y le temen Todas las generaciones.”

Durante el siglo XV comenzó a desarrollarse una danza entre la Aristocracia llamada la Basse

danse, que se caracterizaba por sus movimientos arrastrando los pies. Esta danza iba

acompañada de una música en en 6/4 y 3/2 en la que se permitía el uso de la hemiolia. Con el

paso del tiempo, la danza baja se convertiría en el precedente de las danzas barrocas como la

Allemanda y la Courante, que posteriormente explicaremos.

• Renacimiento

El renacimiento se extiende desde el siglo XV hasta el XVI. Se trata de una época en la que

aparece el ideal del Humanismo. A diferencia de la edad media que era completamente

teocentrista, durante el Renacimiento se tiene al ser humano como el centro del universo,

antropocentrismo.

El termino renacimiento se emplea porque buscaba la inspiración de la época clásica de la

antigua Grecia. De esta forma se obtiene una diferente concepción en los campos de las artes

y las ciencias.

En lo referente a la expresión corporal es en esta etapa de la historia cuando se escriben los

primeros tratados de danza, en Italia en 1450. También surgirían tratados en otros países

europeos como Inglaterra y Francia entre otros.

Se tiene entendido durante el Renacimiento que una persona educada tiene conceptos de

danza, por lo que de esta forma surgen las enseñanzas de danza, ya sea a base de un

profesor o por un tratado como hemos mencionado anteriormente. Podemos destacar como

profesores coreógrafos a Domenico da Piacenza, Guglielmo Ebreo da Pesaro, Thoinot Arbeau

o Fabritio Caroso

Existían tanto danzas rápidas, por ejemplo gallardes, courates o canarios, como lentas, de las

cuales podemos mencionar las basses danses, allemande o las pavanes. Las danzas podían

ser de una coreografía fija que no era sometida a ningún cambio o con coreografía variable.

Además las danzas podían ser bailadas en grupos o por parejas o de manera individual.

Es en Francia donde nacería el ballet-comique, considerado historias bailadas, sobre textos

mitológicos de la antigüedad griega.

• Barroco

Se extiende esta etapa de la historia desde el siglo XVII hasta 1750. Se entiende el Barroco,

desde un punto de vista artístico, como un estilo muy recargado y ornamentado.

Las principales danzas seguían dándose en los salones palaciales, como las courantes,

allemandes o pavanes, ya existentes en el Renacimiento. Pero surgió una nueva danza

entonces, el minué.

En cuanto al ballet, continuó evolucionando en el interior de la corte francesa. Es durante el

reinado de Luis XIV cuando surge la creación del ballet de cour. Esto era una dramática bailada

cuyo comienzo era interpretado con una obertura instrumental y finalizaba con un gran ballet en

el que a veces participaba el propio rey. En dicha obra había intervenciones de canto y danza

interpretadas, ya no por la corte, si no por unos bailarines y músicos especializados en

escenarios de una decoración recargada y bella.

Musicalmente, en esta aparece una de la formas musicales más empleadas en la misma, la

suite barroca. El termino suite se emplea como un agrupamiento de danzas en una sola obra

musical. La suite suele tener un número de danzas establecidas e invariables: allemande,

Courante, Sarabande y Giga. Respectivamente son de origen alemán, francés, español e

inglés.

La suite suele ir comenzada con un preludio que no tiene forma definida. La forma de las

danzas es binaria y monotemática. Normalmente suele repetirse la primera y la segunda parte

(aunque con la aparición del minué en la suite posteriormente, este no seguiría esta forma).

• Rococó

Durante el siglo XVIII se inauguró en París la primera escuela de ballet de la opera de París. Es

en esta época cuando la danza comienza a separarse poco a poco de otras artes como la

literatura, el drama y la música, adquiriendo por sí misma un valor artístico individual.

Se empezó a escribir obras musicales únicamente para el ballet. Esta idea fue proveniente del

creador de la ópera-ballet, Jean-Philippe Rameau. Al mismo tiempo, comenzaron a haber

bailarines de renombre, como Marie Camargo y Gaetano Vestris.

Entre la clase más baja se popularizó el vals, una danza acompañada de música con un ritmo

de ¾; mientas en España surgiría el nacimiento de una de sus danzas y estilo musical mas

reconocido, el flamenco.

• Neoclasicismo

El neoclasicismo es el término que designado a la corriente artística surgida en el siglo XVIII

basada en los principios de la Ilustración, corriente filosófica de la época basada en el uso de la

racionalidad.

Cabe destacar en esta etapa histórica la reforma de la ópera de Gluck. Él era un compositor de

origen alemán cuya producción fue desarrollada mayoritariamente en una corte noble de Viena

y otra francesa. Su material era mayoritariamente operístico y es por sus innovaciones por lo

que era conocido. Podemos enumerar como principales reformas a la ópera: la música será

sometida a la poesía y a la expresión corporal; la música servirá para representar personajes y

estados anímicos; la música ha de ser simple y no artificial; aparición del recitativo

acompañado, a diferencia del recitativo seco usado anteriormente; el coro obtiene participación

argumental; al igual que el coro, el ballet obtiene también una función argumental en la ópera;

la Obertura tiene que tratar sobre4 temas musicales de la ópera y por tanto no ser libre…

De esta forma, podemos resaltar que en la reforma de Gluck se dota de una mayor importancia

al argumento de la obra y de la expresión corporal de los actores y participantes de la obra en

la ópera. Esto se demuestra, como hemos mencionado antes, dotando al coro de papel en la

obra y dotando de mayor importancia la expresividad corporal en los intérpretes.

• Romanticismo

El romanticismo es un pensamiento artístico surgido a finales del siglo XVIII que tenía ideales

contrarios a la racionalidad de la Ilustración y el Clasicismo. Las características de esta

corriente son, por ejemplo, la creatividad (contraria a la imitación de modelos antiguos), el

liberalismo, la importancia del “Yo”, la importancia de lo diferente frente a lo común (cosa que

desembocaría en los nacionalismos)…

En cuanto a la teoría de la expresión corporal hay que destacar a Carlo Blasis, el cual unificó

todos los aspectos técnicos de la danza en El código de Terpsícore. En este libro metodológico

se puede apreciar la relación de la danza con otras artes, la realización de un estudio

anatómico participante en la danza, amplió el vocabulario técnico del ballet y comenzó a

distinguir distintos tipos de bailarines según su anatomía. A su vez, también insertó los

movimientos sobre la punta de los pies.

En este libro podemos encontrar desde danzas nacionales españolas hasta el método

adecuado de danza en una obra teatral.

En los bailes populares continuó teniendo mucha importancia el vals. Pese a ello, esto no freno

la aparición de nuevas danzas como la mazurca y la polca, ambas de origen polaco.

• Nacionalismo

Como habíamos mencionado antes, una de las características del romanticismo fue la

importancia de las diferencias frente a lo común. Esto finalmente desembocaría en una

alabanza nacional o corriente nacionalista. De este modo, si durante las etapas anteriores de la

historia el centro de la danza era Francia, ahora este se traslada San Petersburgo y Moscú, en

Rusia.

En el nacionalismo ruso cabe destacar la figura de Tchaikovsky y Marius Petipa. El primero se

dedicaba a la música mientras que el segundo se dedicaba a las coreografías. Entre ellos dos

elaboraron obras destinadas únicamente a la danza, de tal forma que sea capaz la expresión

corporal de contarnos el argumento de la obra. Con esto queremos explicar que la creación e

grandes ballets no necesitaba de un texto literario que permitiera comprender el argumento de

la obra.

Esta concepción de que la danza no necesitaba palabras para ser comprendidas dio un gran

vuelco en la concepción de la expresión corporal.

La colaboración entre Tchaikovsky y Petipa dio fruto a tres grandes ballets muy conocidos: La

bella durmiente, El lago de los cisnes y El cascanueces.

Marius Petipa creó más de 50 espectáculos en los cuales se mostraba un estilo clásico. En

ellos el papel principal recaía sobre una figura femenina, que podían actuar durante todo él

como solistas. Hay que realzar que Petipa busca conseguir la máxima expresión emocional

mediante la danza.

En cuanto a lo popular, en esta época es popular la música de salón. Música que tenía lugar en

salones grandes donde se reunían la clase trabajadora y podía del can-can. Esto era un baile,

originalmente bailado por parejas, caracterizado por levantar las piernas muy en alto. Más tarde

sería bailado en grupo, todos en una fila con los brazos agarrándose de los cuellos de los

compañeros y levantando las piernas al mismo tiempo.

En España se populariza la Habanera (de origen cubano) y el chotis (de origen escocés).

• Finales del s. XIX y s. XX

Ya a finales del siglo XIX, el ballet ruso, cuyo poderío se extiende por toda Europa, inica lo que

denominamos como danza contemporánea.

El siglo XX es un siglo de cambio y evolución constante. En sus inicios hayamos diferentes

corrientes de vanguardias. Podemos contemplar en esta etapa como las artes están muy

entrelazadas entre sí. Podemos mencionar grandes obras con danzas de Aleksander Borodin,

como Las danzas polovtsianas, El Príncipe Igor; o de Igor Stravinsky, como La consagración de

la primavera o El pájaro de fuego.

También se realizaron obras en las que únicamente había participación de un cuerpo de danza

y nada más. Expresión corporal en estado puro.

Con la llegada de la Revolución soviética en 1917, el ballet ruso se convierto en una

herramienta de carácter publicitario del gobierno, con lo que su innovación y creatividad fue

descendiendo con eso.

Otra de las corrientes vanguardistas de principios de siglo fue el expresionismo, surgido tras la

Guerra Mundial I (1914-1918), que surgía como motivo de queja, llanto y espanto producidos

por la guerra. En la danza esto supuso una fractura con los estamentos clásicos del ballet, por

lo que se innovó en la expresión corporal buscando más libertad de las ligaduras del tempo. De

esta forma también surgieron nuevas formas expresivas basadas en los antiguos ideales

griegos, donde se apreciaba la danza improvisada y espontánea.

Durante el periodo de entreguerras, resaltaron grandes escuelas de danzas en Francia, Gran

Bretaña y Estados Unidos. Sus principales figuras destacadas fueron Serge Lifar, Roland Petit

y Maurice Béjart, en Francia (que debido a su trabajo, se recuperó el esplendor de la ópera de

París del Romanticismo); Marie Rambert y Antony Tudor en Gran Bretaña; y en Estados

Unidos, gracias a la labor de Ruth Saint Denis o Martha Graham entre otras, se logró que, pese

a ser un país con escasa tradición en la danza clásica, consiguiera despuntar en poco tiempo

como una de las mayores escuelas de danza.

Ya tras la Guerra Mundial II destaca la colaboración innovadora entre Merce Cunnungham y la

música aleatoria de John Cage, permitiendo de este modo una danza de características

aleatorias y abstractas.

Finalmente, desde la década de los 70 hasta nuestra actualidad existe una evolución constante

de la expresión corporal hasta el punto de creación de casi infinitas danzas actuales, en las que

lo clásico y lo moderno se entrelazan y consiguen mostrar un contraste de ideas con el fin de

expresar sentimientos.

LA TÉCNICA CORPORAL. ORIGENES Y SU FUNCIÓN

La técnica corporal es una forma de entrenar nuestro cuerpo y que de este modo podamos

aprender cómo funciona éste, y que nos permita poder expresar mediante él sentimientos y

emociones. Y es que el ser humano principalmente se expresa, tanto de una manera directa

como indirecta, por la expresión corporal.

Si hay que hablar de la técnica y la expresión corporal, habremos de comentar brevemente

sobre Patricia Stokoe, bailarina y pedagoga argentina a la que podemos denominar la que

inició un exhaustivo trabajo sobre la capacidad educativa que proporcionaba la expresión

corporal.

Stokoe nació en Buenos Aires en 1919, cuya infancia pasaría allí. Posteriormente pasaría

bastantes años en Inglaterra donde estudiaría danzas clásicas y modernas en la Royal

Academy de Londres. Durante los años en que vive allí también se dedica a la enseñanza de

danzas a niños.

Es a partir del final de la Segunda Guerra Mundial es cuando decide regresar a Argentina, en

donde desarrollaría sus métodos pedagógicos sobre la danza libre, inspirada la danza moderna

que aprendió en Europa.

La idea que plantea Stokoe es la de ser consciente del propio cuerpo, la búsqueda del

movimiento, la expresividad y la emoción. Estos elementos contrarrestaban con los grandes

ideales clásicos de la danza, basadas en ideas ya muy arraigadas.

Años más tarde, en 1954, aplicaría su metodología en el Collegium Músicum de Buenos Aires,

y este método pasara a denominarse Expresión corporal.

La expresión corporal, según Patricia Stokoe, buscaba estas tres finalidades, ya presentes en

los ideales de la escuela de Rudolf von Laban: la danza libre, como búsqueda de uno mismo; la

danza al alcance de todo aquel que lo desee; y la danza como actividad educacional, dentro de

la actividad escolar.

Según Deborah Kalmar distingue dos expresiones corporales: una “expresión coporal” surgida

de la espontaneidad o de hechos cuotidianos; y otra “Expresión Corporal” derivada de la

primera, solo que esta es una actividad organizada.

Por tanto, la Expresión Corporal surge como una necesidad educativa para poder entender

mejor nuestro propio cuerpo y que la danza sea una actividad accesible para todos de tal forma

que podemas disfrutas de ella. Esto estaría en contra, de este modo, de los ideales clásicos de

la danza más tradicional.

EL MÚSICO Y SU CUERPO. MIEDO ESCÉNICO

La música es una forma de expresión que tiene como medio de trabajo los sonidos. El que

desempeña el papel de expresar estos sentimientos y emociones es el músico. Para poder

realizar una perfecta interpretación de la obra, el músico ha tenido que realizar un gran

esfuerzo y estudio por aprenderse el papel. Esto sólo conlleva un esfuerzo técnico llevado de

una forma íntima.

Pero el músico busca expresar emociones, y para ello necesita un público al que dirigirse. Pero

este acto ya no es tan simple como el estudio, puesto que pocas veces nos vemos ante la

obligación de tocar frente al público.

Alguna vez en la vida, muy posiblemente, nos haya pasado eso, en que los nervios nos han

jugado una mala pasada y el fragmento que habíamos estudiado mucho en casa y nos salía ya

bien, nos sale de una forma desastrosa en público; o la afinación está por las nubes porque

apretamos barbaridades; o no somos capaces de pasar el arco de una forma regular…

Es cierto que alguna vez una de estas situaciones se nos ha presentado, sobretodo en edades

más tempranas, y eso muy posiblemente sea debido a un pánico al presentarse a tocar en

público.

Nuestra mente, llena de nervios, controla nuestro cuerpo de una forma nerviosa o de pánico. Y

es que no nos hemos educado correctamente a unos mismos. En nosotros mismos hemos

creado una serie de actitudes sin darnos cuentas que debíamos evitar. Así que en ocasiones

aprendemos respuestas motoras que pueden ocasionarnos molestias.

De esta forma, el joven músico relaciona la dificultad de un pasaje con un posible abucheo del

público, o el observar al público provoca en él un pequeño problema en la presión del aire.

Nuestro cuerpo nos traiciona porque nuestra mente ha sido de una forma maleducada.

Es necesario en el músico poder liberar esa relación de tocar en público como algo malo en la

mente. Nuestro cuerpo es susceptible de actuar de una manera que nosotros no podamos

controlar, es por eso que debemos de tomar riendas sobre él y relajarnos. Los nervios nos

hacen padecer y nos impiden poder hacer disfrutar al público y a uno mismo (además de no

poder crear una correcta expresión artística). Para ello proponemos los siguientes ejercicios

para controlar nuestro cuerpo:

• Relajación progresiva

Este consiste en el ejercicio inicial más básico al que se ha de recurrir. Este ejercicio consiste

en tensionar y relajar los músculos de manera alterna. Realizando este ejercicio seremos

capaces de saber cuándo un músculo esta tenso o no, y si nos encontramos tensos saber

relajarlo.

La tensión se prolongará entre cinco y siete segundos, y la relajación unos veinte segundos.

Cada grupo muscular se tensa y se relaja sólo una vez. Pasaremos por diferentes zonas del

cuerpo tensando y relajando, comenzando por ejemplo por los brazos. Una vez se haya

pasado por todos los músculos, realizaremos una revisión mental y consciente de estas partes

del cuerpo que hemos trabajado. De este modo continuaríamos por el resto del cuerpo hasta

que una vez lo hayamos recorrido todo, entonces saldremos del ejercicio de una manera suave

y no brusca.

El ejercicio deberá realizarse en un asiento cómodo con las piernas estiradas y con una ropa

cómoda. Este ejercicio nos puede durar aproximadamente entre quince y veinte minutos.

• Destensar sólo

A partir de ahora los ejercicios consistirán en reducir el tiempo utilizado para conseguir relajar

nuestro cuerpo. Al igual que el anterior, deberemos realizarlo en un asiento cómodo y con ropa

cómoda.

Comenzaremos respirando de un modo tranquilo con tal de relajarnos. Una vez estamos

relajados pasaremos a hacer un escáner de nuestro cuerpo de una forma mental, para ver si

realmente esta tenso o no.

Se trata de un ejercicio similar al anterior, pero esta vez no requerimos, solo si no resulta

necesario, de tensionar los músculos para darnos cuenta que están tensos y que debemos

relajarlos. Si no podemos un músculo lo tensionaremos brevemente y recordaremos las

sensaciones cuando esta relajado.

Es conveniente realizar este ejercicio diariamente durante dos o tres semanas y llevarlo a cabo

unos cinco o siete minutos al día.

• Relajación controlada por estímulos

En este ejercicio trataremos de relacionar una respiración tranquila lenta y controlada con un

estado de ánimo relajado. De este modo asignaremos de un modo mental los términos “inspira”

al inhalar aire y “relax” al expulsarlo. Cada vez que realicemos la acción de respirar

tranquilamente en este ejercicio nos repetiremos esas palabras mentalmente,

proporcionándonos un estado relajado.

La ejecución de este ejercicio será de unos dos o tres minutos.

• Relajación diferencial

La finalidad de este ejercicio es poder combinar el ejercicio anterior de estímulos con

movimientos de distintas partes de nuestro cuerpo, controladas de manera consciente. Para

ello, se realizarán movimientos como abrir los ojos y observar la habitación sin mover la

cabeza, moviéndola, mover un brazo o una pierna manteniendo el resto del cuerpo relajado y

finalmente colocar una postura relajada en la que adaptamos nuestro cuerpo a la hora de la

interpretación de nuestro instrumento.

Este ejercicio tiene una duración de un minuto o minuto y medio.

• Relajación rápida

Este ejercicio trata de automatizar la relajación de una forma instantánea, para ello no es

necesario realizar únicamente este ejercicio en la práctica musical, ya que también prodremos

realizarlo en otros instantes que no sean de estudio.

Trataremos de establecer una sensación de relajación en nuestro cuerpo, independientemente

del momento, durante unos veinte segundos. Será esencial para ello realizar respiraciones

profundas, pensar “relax” al expulsar el aire y buscar las tensiones musculares y relajarlas.

Como podemos ver, estos ejercicios tienen un sentido progresivo, de menos a más, que nos

permiten adquirir una mejor capacidad de autocontrol de nuestro y que podemos utilizar a la

hora de interpretar nuestro instrumento sin tener que sufrir nervios ni malestares generales.

BIBLIOGRAFIA

• Libros

Cómo superar la ansiedad escénica en la música, Guilllermo Dalia Cirujeda, Ed. Mundimúsica

Teogonía, Hesíodo

Diccionario de mitología griega y romana, Ed. Larousse

• Páginas web

http://es.wikipedia.org/wiki/Expresi%C3%B3n_corporal

http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_danza

http://expcorporal.blogspot.com.es/2006_02_01_archive.html

http://www.monografias.com/trabajos16/expresion-corporal/expresion-corporal.shtml

http://lopezcano.org/Articulos/2011.perform.pdf

http://esba-

tallerpedagogico1.blogspot.com.es/search/label/Area%20de%20Expresion%20Corporal

http://es.wikipedia.org/wiki/Musa

http://es.wikipedia.org/wiki/Danza_griega

http://www.escolares.net/historia-universal/la-musica-y-la-danza-en-la-antigua-grecia/

http://es.wikipedia.org/wiki/Euterpe

http://clio.rediris.es/clionet/fichas/ant_musas_hesiodo.htm

http://mcarmenfer.wordpress.com/2012/03/13/la-danza-barroca/

http://rusopedia.rt.com/cultura/danza/issue_207.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Canc%C3%A1n

http://es.wikipedia.org/wiki/Marius_Petipa