Tema 15 lapintura barroca española

Tema 15: La pintura española: Ribera, Zurbarán, Murillo y

Velázquez

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http://www.acye.org/biografias/zurbaran.html

http://www.acye.org/biografias/murillo.html

• El Siglo de Oro:

– Crisis política, económica y social.

– Guerra de los Treinta años// Guerra con Francia.

– Gran número de artistas y de gran calidad

F. Zurbarán, Defensa de Cádiz frente a los ingleses. 1634

La pintura barroca española

El llamado Siglo de Oro incluyó a la pintura entre las artes más esplendorosas; alcanzó sus máximas cotas de calidad.

Los primeros años del XVII, como sucediera en la arquitectura y la escultura, se sigue la tradición escurialense, marcada por el decoro, severidad, rigidez y naturalismo.

Ya avanzado el siglo y el reinado de Felipe IV, artistas como Ribera, Zurbarán y Velazquez hacen la pintura cada vez más barroca gracias a la influencia de la pintura italiana y a las numerosas pinturas de Rubens que llegaban a España.

Vieja friendo huevos. Diego Velázquez

Podemos definir algunas características especiales de la pintura española:

• El mecenazgo de la Corte y la Iglesia.

• Ausencia de sensualidad.

• Influencia del realismo y del tenebrismo de origen italiano.

• Tanto los temas religiosos como los cortesanos son tratados de manera naturalista. El hombre, como la naturaleza, son representados tal y como son. Este naturalismo hace que muchos autores elijan temas de enanos, bufones o seres deformes.

• Este naturalismo logra la creación de géneros nuevos como el bodegón o el paisaje, tratados con sencillez (en comparación con los pintores barrocos europeos).

• En los retratos veremos al representado sin idealización, son retratos de personas reales sin idealización.

• Predomina el uso del color sobre la línea y el dibujo (el estilo inaugurado por Tiziano y continuado por la mayoría de los pintores barrocos europeos).

• Se da un nuevo valor a la perspectiva: Desarrollo de la perspectiva aérea. La luz adquiere valor de modo de expresión pictórica.

La pintura barroca española

• Tres son los focos artísticos: Valencia (Ribera y Ribalta), Sevilla (Zurbarán, Murillo y Valdés Leal) y Madrid (Velázquez, Sánchez Cotán, Sánchez Coello).

La corriente naturalista: Ribalta, Ribera y Zurbarán

Durante el reinado de Felipe III subsistían todavía las últimas influencias del manierismo italiano. Los pintores se reunían en torno al monasterio del Escorial, pero poco a poco se fue dejando sentir la influencia de Caravaggio, en lo que ha venido a llamarse la escuela tenebrista española.

San Onofre (Ribera ) (1637)Óleo sobre lienzo. El Hermitage,

San Petersburgo

Cristo abrazando a San Bernardo

Óleo sobre lienzo 158 x 133 cm

Museo del Prado, Madrid

La figura más destacada del momento es Francisco Ribalta (1564-1628). Es probable que su aprendizaje se realizara junto a Navarrete el Mudo, en el monasterio del Escorial, donde habría conocido las obras de los pintores italianos en las colecciones reales.

Quizás viajara a Italia entre 1616 y 1620 y conociera directamente las obras de Caravaggio y sus seguidores

San Francisco reconfortado por un ángel



Lo más interesante de su colección es el tratamiento de los temas místicos, donde el tenebrismo suele ser ostensible, además del brillante colorido y de la seguridad en el dibujo.

José de Ribera (1591-1652)

A mediados del siglo XVII, Felipe IV y su valido, el Conde-duque de Olivares, convirtieron la corte en el principal centro artístico de la Península.

El mejor exponente de la corriente tenebrista española fue José de Ribera, nacido en Xàtiva (Valencia).

Establecido en Italia desde1611, donde recibió el apodo de Il Spagnoletto, nunca más volvería a España, instalándose definitivamente en Nápoles en 1616. Quizá pudo haber trabajado en el taller valenciano de Ribalta, pero su obra se desarrolla plenamente en Italia.

Arquímedes o Demócrito1630

óleo sobre lienzo 125 x 81 cm


El naturalismo temático de Ribera se centra en la pintura de personajes ancianos, mendigos, santos, pero siempre pintados con una gran dignidad, sin exacerbar el sentido cruel o morboso, demostrando un perfecto dominio de lo anatómico.

San Andrés1630-32



Algunos estudiosos han notado en Ribera un afán constante de representar la ruina del cutis humano. Aparecería como el pintor de las frentes arrugadas, los dedos ásperos, los muslos delgados que permiten la visión de los huesos, como ocurre en el San Andrés.

El martirio de San Andrés

1628Óleo sobre lienzo

209 x 183 cmMuseum of Fine Arts,

Budapest

Se trata de una de las obras maestras de Ribera. Una

compleja composición, de

extremado realismo. El

horror del martirio aparece reflejado

en la carne trémula del santo.

El martirio de San Bartolomé

[o San Felipe], 1630Óleo sobre lienzo

234 x 234 cmMuseo del Prado,

Madrid

El sueño de Jacob1639 Óleo sobre lienzo, 179 x 233 cm - Museo del Prado, Madrid

La mujer barbuda1631

Óleo sobre lienzoHospital de Tavera, Toledo

A veces, como retratista no tiene pudor en representar las deformidades humanas.Lo feo puede ser representado con dignidad. La representación de lo extremo de forma naturalista es un rasgo de clara raíz caravaggiesca.

El patizambo1642


Musée du Louvre, Paris

La imagen del pícaro respondeal arquetipo de la época, plasmadotambién en las novelas picarescas.Los ropajes raídos, la mellada dentadura, el defecto físico, no son mostrados de manera indigna, sino con cierta ternura.La imperfección con Ribera alcanzala majestad que sólo la pintura puede dar.

Su pintura ha evolucionado desde los fondos oscuros del tenebrismo a los paisajes luminosos.

Apolo y Marsias1637 Óleo sobre lienzo, 202 x 255 cm

Musées Royaux des Beaux-Arts, BruselasEl tema mitológico

La Sagrada Familia1639


Museo de Santa Cruz, Toledo

En su repertorio figuraron también protagonistas femeninos que destacan por su encanto: la Virgen en la Inmaculada Concepción (1635), la Asunción de la Magdalena (1636), y algunas santas como Santa Inés (1641), que corresponden al periodo más crucial de su carrera artística, a partir de la década de los 40, cuando su visión naturalista se disgrega cada vez más hacia una mayor sensualidad, el color se vuelve más refinado y la luz más difusa, superado el tenebrismo inicial.

María Magdalena penitente(1640-41)

Óleo sobre lienzo, 226 x 181 cm


Francisco de ZURBARÁN (1589 - 1664)

Nacido en Fuente de Cantos (Badajoz), se traslada a Sevilla, en 1614, formándose en el taller de Pedro Díaz de Villanueva, un pintor de imágenes.

Su obra es muy abundante, y se puede distinguir un primer periodo en que hay una presencia del tenebrismo, naturalismo y del espiritualismo ascético, pasando en un segundo periodo, a partir de la mitad de siglo, a las formas suaves y delicadas propias de la escuela sevillana de ese periodo; esta etapa coincide con una crisis en la carrera artística de Zurbarán, que vio disminuir su clientela habitual y buscó en los conventos hispanoamericanos nuevos encargos.

La crisis de Zurbarán coincide con el apogeo de Murillo.

• Las obras más conocidas de Zurbarán son los santos de las órdenes religiosas. Dota a sus figuras de un gran naturalismo y de un profundo espíritu religioso, subrayado por su evidente tenebrismo.

• Entre las obras conventuales, se puede destacar tres conjuntos:

1. La serie del Convento de la Merced (desde 1628), en el que sobresale la Visión de San Pedro Nolasco (1629), en la que puede apreciarse ese tratamiento individualizado y el tan característico modelado de los tejidos.

2. La serie de la Cartuja de Jerez (desde 1637).

3. La serie del monasterio de Guadalupe (1638-1645).

Autorretrato con el crucificado

Meditación de San Francisco1632

Óleo sobre lienzo, 114 x 78 cmShaw Collection, Buenos Aires

(Argentina)

Los santos son tratados con gran respeto y dignidad, sumidos en

una profunda introspección mística que los presenta aislados y

ajenos al mundo, habitando dentro de una atmósfera mística.

Sus composiciones son reposadas y tranquilas, sin excesos

dramáticos.

La luz parece emanar de las figuras, tratadas de forma muy

naturalista.

Meditación de San Francisco

Rostros y miradas degran fervor místico,acordes con las demandasde los clientes conventualespara los que trabajaba Zurbarán. Son figuras austeras y solemnes.

La visión de San Pedro Nolasco (1629)Óleo sobre lienzo, 179 x 223 cm. Museo del Prado, Madrid

La aparición de San Pedro Apóstol a San Pedro Nolasco(1629) Óleo sobre lienzo, 179 x 223 cm - Museo del Prado, Madrid

San Hugo en el refectorio de los cartujos (c. 1633)Óleo sobre lienzo

102 x 168 cmMuseo de Bellas

Artes, Sevilla

Es el pintor de los hábitos

blancos de los monjes.

He aquí una escena de gran austeridad y de

pobre composición.

La pintura de santas y mártires:

Santa Margaritac. 1631


National Gallery, Londres

En estas series, el pintor expresa la

calidad de las telas, mostrando a las

santas o mártires ataviadas a la moda de la época, como grandes damas.

Santa Isabel de Portugal [Santa Casilda], 1630-35 Óleo sobre lienzo, 184 x

90 cm. Museo del Prado

Naturaleza muerta (1636). Óleo sobre lienzo, 46 x 84 cmMuseo del Prado, Madrid

La exposición de objetos inanimados sirve para que el pintor demuestre su destreza en la representación de calidades, texturas, brillos y juegos de luces. Los objetos se destacan sobre un fondo negro para así dar mayor realce a sus

volúmenes.

Naturaleza muerta con limones, naranjas y rosa1633 - Óleo sobre lienzo, 60 x 107 cm

Norton Simon Museum of Art, Pasadena(EEUU)

En estos austeros y sencillos bodegones está contenida la España del s. XVII

Agnus Dei

La defensa de Cádiz frente a los ingleses

1634Óleo sobre

lienzo 302 x 323 cm


El tema histórico:

Bartolomé Esteban MURILLO (1617 - 1682)

Nació en Sevilla, donde vivió la mayor parte de su vida. Inicio su formación a los diez años con Juan del Castillo, aunque sin duda conoció las obras de Zurbarán y de Ribera, ya que la influencia de estos maestros es evidente en las obras de su juventud, además de las influencias de la pintura flamenca y veneciana. Su éxito fue enorme.

Es uno de los pintores que más popularidad han alcanzado dentro y fuera de España, debido, quizás, a que su pintura delicada y suave satisface el gusto imperante en toda Europa en el S. XVII. Murillo no pintará santos ascetas y viriles: su pintura se acerca más a lo familiar, a lo íntimo.

Autorretrato(ca. 1670)

Óleo sobre lienzo National Gallery,

Londres

En sus primeras obras queda de manifiesto su formación realista,con predominio de tonalidades ocres y terrosas,un tratamiento de la luz muy marcado por el tenebrismo, con modelos compactos e individualizados.

Destaca la serie del convento de San Francisco (1645), su primer encargo importante.

A partir de la mitad de siglo, el uso de la luz se hace más generalizado y su colorido se enriquece, como en la Sagrada Familia del Pajarito (1650) y la Adoración de los Pastores (1655).

En 1658 Murillo viaja a la Corte, entra en contacto con Velázquez y conoce las colecciones reales.A su regreso en 1660, fundó la Academia de Dibujo, siendo responsable de su dirección hasta noviembre de 1663, en que fue sustituido por Valdés Leal.

La Sagrada Familia del pajarito (1650)Óleo sobre lienzo, 144 x 188 cm. Museo del Prado, Madrid

La adoración de los pastores(1650-55). Óleo sobre lienzo, 187 x 228 cm. Museo del Prado, Madrid

La huida a Egipto 1655-60

Óleo sobre lienzo,155,5 x 125 cm

Museum of Fine Arts, Budapest

La Anunciaciónóleo sobre lienzo, 1660-65

125 x 103 cmMuseo del Prado, Madrid

Murillo se va a interesar por los problemas atmosféricos y la captación del espacio: abandona el estatismo anterior y ahora sus cuadros son suavemente dinámicos. Sus modelos, de canon más pequeño, adquieren la suavidad, la gracia y la elegancia que caracterizan la plenitud del pintor, cercano ya al gusto rococó.

Cristo como Buen Pastor

(c. 1660)Óleo sobre lienzo,

123 x 161 cm. Museo del Prado, Madrid

Refleja en sus pinturas una religiosidad intimista, amable y sentimental.

Expresa de forma genial la belleza infantil y juvenil, siempre impregnada de gracia y dulzura. En este Jesús como pastorcillo forja uno de sus iconos más populares. Niño perfecto, de carnosos labios y cabellos al viento, envuelto por esa atmósfera vaporosa poblada de luz.

Jesús con San Juan Bautista

La Asunción de la virgen (1670)

Óleo sobre lienzoEl Hermitage, San

Petersburgo

Son numerosas las representaciones de temas

marianos; las Inmaculadas son una de sus creaciones más

afortunadas; envuelve a María en un manto azul, que cubre

parte del hábito blanco, rodeándola de ángeles. Es una

imagen de gran belleza y clasicismo, idealizada. El

rostro joven, casi niña.

Inmaculada de El EscorialÓleo sobre lienzo,


El blanco de la vestimentasimboliza la pureza virginal deMaría, mientras que el azul delmanto simboliza la eternidad.

La actitud contemplativa de la Virgen, su riqueza cromática y la

pincelada suelta son rasgos distintivos de su estilo.

Joven mendigoÓleo sobre lienzo, c. 1645

134 x 100 cmMusée du Louvre, Paris

Sin embargo, en su pintura de niños, de carácter totalmente

profano, presenta una interpretación amable

de realidades más bien crueles, plasmando la vitalidad del mundo

picaresco, con un incomparable

virtuosismo técnico.

Niños jugando a los dados(1665-1675)

Bayerisches Nationalmuseum (Munich), 140 x 108 cm. Óleo

sobre lienzo

Dos niños comiendo melón y uvas

Óleo sobre lienzo1650-1655

Alte Pinakothek, Munich

Niños comiendo pastel (1670-75)

Alte Pinakothek (Munich),123 x 102

cm. Óleo sobre lienzo

Anciana espulgando a un niño (1660-70)

Bayerisches Nationalmuseum (Munich),

147 x 113 cmÓleo sobre lienzo

DOS MUJERES EN LA VENTANA

Joven con su “dueña”1670


National Gallery of Art, Washington

(EEUU)

La pintura española: Velázquez

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• Velázquez, el más grande.

• Calidades hiperrealistas.

• Pintura alla prima

• Pincelada suelta y vibrante

• Color espléndido

• Óleo de Empastes generosos

• Expresionismo espontáneo y vivo

• Vaporosidad que capta el aire (la atmósfera)

DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ (1599-1660)

Técnica y valoración

ETAPAS Y EVOLUCIÓN ESTILÍSTICA:• Etapa de formación (1617-1622)• Etapa de madurez (1623-1660)

«Más aún que Caravaggio o Ribera, Velázquez se lanzó a la conquista de

la realidad, su materialidad y sucarnalidad. Introdujo a manos llenas

en la pintura la materia, loaccidental y lo circunstante».

Fernando Marías, Univ. Aut. de Madrid

DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ (1599-1660)

Etapa de formación (1617-1622) A los 18 años consiguió licencia

para pintar. De sus maestros tomó los principios manieristas y academicistas, además del tenebrismo.

En este periodo, caracterizado por el tratamiento naturalista, los temas preferidos son:

• Bodegones con figuras: El aguador de Sevilla (1620), Vieja friendo huevos (1618)

• Retratos: Retrato de Sor Francisca Jerónima de la Fuente (1620)

• Escenas religiosas: Cristo en casa de Marta y María, la Adoración de los Magos (1619)

VELÁZQUEZSE FORMA

EN SEVILLA,EN EL ESTILOTENEBRISTA

Y NATURALISTA

En 1611, con doce años, tras un corto periodo como aprendiz en el taller de Francisco Herrera el Viejo, ingresa en el taller de Francisco Pacheco, con cuya hija contraerá matrimonio.

ETAPA DE FORMACIÓN (1617-1622)

El almuerzoÓleo sobre lienzo

1617183 x 116 cm

The Hermitage, St. Petersburg

Características de este periodo son:

•El tenebrismo, con los fuertes contrastes de luces y sombras.

• Predominio de los colores terrosos.

• Sencillez en la composición.

Vieja friendo huevos (1618)Óleo sobre lienzo, 99 x 128 cm. National Gallery of Scotland, Edimburgo

El retrato se une al bodegón. Naturalismo.Captación de las calidades de los objetos (texturas, brillos).Técnica tenebrista. especie de inventario de utensilios de cocina, retratando en cada uno de ellos hasta el más mínimo detalle.

El aguador de SevillaÓleo sobre lienzo

1623106.7 x 81 cm

Wellington Museum, London

• «Asimiló el programa del naturalismo y consagró su arte a la observación objetiva de la realidad, soslayando cualquier convencionalismo»

(Gombrich)

Sor Francisca Jerónima de la Fuente

Óleo sobre lienzo,1620160 x 110 cm


Velázquez convierte esta escena en algo más que un bodegón, representando en un segundo plano parte de la historia sagrada, recurso que utilizaría también en el cuadro de Cristo en casa de Marta.

Este cuadro parece ser uno de los más antiguos atribuidos a Velázquez, pintado alrededor de 1617 cuando el pintor contaba con tan sólo 18 años de edad.

La mulata, 1617. Óleo sobre lienzo (56x118 cm). Galería Nacional de Irlanda, Dublín)

En él podemos ver una muchacha de color que esta preparando la cena. En el ángulo superior izquierdo se observa una escena a través de una ventana, esta parte se descubrió en 1933 al someter a una limpieza el lienzo. En ella vemos una mesa de comedor con Cristo de frente y un hombre con barba a su izquierda, iconografía que representa la cena de Emaús. aunque parece que falta otro personaje a la derecha de Cristo como corresponde a este pasaje, por lo que se piensa que el cuadro se prolongaría hacia la izquierda.

Cristo en casa de Marta y MaríaÓleo sobre lienzo. 1620 60 x 103,5 cm

National Gallery, London

La adoración de los Magos(1619)

Óleo sobre lienzo,203 x 125 cm


Autorretrato [?](1622-23)


http://pintura.aut.org/

Este periodo puede subdividirse, a su vez, en tres, coincidiendo los hitos con sus viajes a Italia.

Pintor del Rey

ETAPA DE MADUREZ (1623-1660)

1623-1631:Velázquez en la Corte

Primera etapa madrileña y primer viaje a ItaliaVelázquez viaja a la Corte, logrando su propósito de establecerse en ella; hay un abandono de la temática religiosa y de los bodegones, para concentrase en el género retratista.

Estos retratos tienen como características:

• La sencillez en la composición

• El realismo• La escasa

preocupación por los fondos

• La elegancia que emana de los personajes

• El estatismo: son retratos de cuerpo entero, en busto o de tres cuartos. Sobresalen diversos retratos del monarca y del Infante D. Carlos (1625-28), y los primeros retratos de bufones, como el de Calabacillas.

Felipe IVc. 1624-1627

Óleo sobre lienzo210 x 102 cm


Don Luis de Góngora y Argote

162250.3 x 40.5 cm

Museum of Fine Arts, Boston

Infante Don Carlos1626-27



Felipe IV1628

Retrato de hombre joven1627-1628

Óleo sobre lienzoAlte Pinakothek, Munich

Doña María de Austria, reina de Hungría

1630Óleo sobre lienzo


El Triunfo de Baco

El encuentro con el pintor flamenco Rubens

El encuentro con Rubens, que visita Madrid en 1628, le orientó hacia el humanismo y la mitología, además de animarlo a continuar su formación en Italia.

Antes de partir pintó Los Borrachos [El Triunfo de Baco] (1629). En él, muestra al Baco mitológico entre campesinos andaluces, señalando la principal característica de su pintura mitológica: la concepción burlesca e irónica de la misma.

Primer viaje a Italia(1629-1631)

Entre 1629 y 1631 realiza el primer viaje a Italia, donde conocerá la obra de los pintores renacentistas romanos y venecianos (Tiziano), visitando además Ferrara y Nápoles, donde contactó con el pintor español Ribera.Durante este viaje realizó La Fragua de Vulcano, de género mitológico, y La Túnica de José. En ellas se advierte la influencia de los pintores italianos.

La fragua de Vulcano

Miguel Ángel, ignudi de la Capilla Sixtina (s. XVI)

Velázquez renueva el repertorio de enseñanzas académicas que había recibido en Sevilla en estas dos composiciones complejas, plagadas de desnudos heroicos, en exquisito equilibrio y bien coordinada composición. El orden interior se refuerza con los affetti, las expresiones individuales de cada personaje reaccionando ante los acontecimientos, según la teoría artística italiana.

¿Quiéndiría quees unaescenamitológica?

CON EL COLOR,LAS LUCESY LAS SOMBRAS“CONSTRUYE”LAS FIGURASY SUS VOLÚMENES(predominio delcolor sobre la línea).

Fijaosen el escorzodel antebrazo izquierdo

¿Y laarmadura?

La túnica de José

A la vuelta de Italia, el estilo de Velázquezse hace más suave y colorista

Segunda etapa madrileña(1631-1648)

En este período se produce el apogeo del maestro. La influencia italiana hace que su dibujo se haga más suelto, sus figuras pierden rigidez, el espacio se llena de aire, presagiando la perspectiva aérea, y se colorea de grises, ocres y verdes suaves y armónicos. La producción pictórica en esta etapa es muy abundante.

De este período son los cuadros religiosos: Cristo crucificado del Prado (1632), la Coronación de la Virgen y los Eremitas, Cristo atado a la columna (1632).

Cristo crucificado1632


Madrid

Entre sus retratos:

Los del Conde-Duque de Olivares (1638), Felipe IV y el Príncipe Baltasar Carlos (retratos ecuestres, 1635);Felipe IV y D. Fernando de Austria con traje de caza.

Y los retratos de los bufones Pablillos de Valladolid, el Niño de Vallecas y el Primo.

Además, tenemos los retratos imaginarios de los filósofos Esopo y Menipo. Autorretrato

De 1643

Dentro del género histórico, pinta la Rendición de Breda o Las Lanzas (1634-35).

La rendición de Breda (Las Lanzas)1635


«La Rendición de Breda es la plasmación de una cierta vergüenza; aquélla que toda victoria genera en el ánimo de una persona sensible.»

Antoni Llena, pintor

La reina Isabel de Borbón a caballo

1634-1635301 x 314 cm


Retrato ecuestre de

Felipe IV1635-36

301 x 314 cmMuseo del

Prado, Madrid

Arrepentimientos o pentimenti,

producidos por su forma de

pintar alla prima

Retrato ecuestre de Felipe IV1635-36


Madrid

Príncipe Baltasar Carlos

a caballo1635-36

209 x 173 cmMuseo del

Prado, Madrid

El Conde-Duque de Olivares a

caballo1638


Madrid

Felipe IV de cacería1634-35


Cardenal Infante Fernando de Austria de cacería

1632-36 - 191 x 107 cmMuseo del Prado, Madrid

Príncipe Baltasar Carlos de caza

1635-36191 x 103 cm


Felipe IV de marrón y plata1631-32

Óleo sobre lienzo, 200 x 113 cmNational Gallery, Londres

• El rey sostiene en su mano derecha un papel con la inscripción «Señor/Diego Velázquez/ Pintor de V. Mg», el encabezado de una petición de Velázquez.

• El poco atractivo blanco mate de las medias es el resultado de una restauración poco hábil en 1936; en cualquier caso, la obra es un buen ejemplo de la maestría adquirida por Velázquez.

Juan Martinez Montañés

c. 1635109 x 107 cm


Bufón Barbarrojac. 1634


Madrid

El enano Don Juan Calabazas, apodado

Calabacillasc. 1639


Madrid

Pablo de Valladolidc. 1635


Madrid

El enano Francisco Lezcano, apodado "El

Niño de Vallecas"(ca. 1636)


Diego de Acedo (El Primo)

1644 107 x 82 cm


El enano Sebastián de Morra1643-44

106,5 x 81,5 cmMuseo del Prado,

Madrid

Esopo1640179 x 94 cmMuseo del Prado, Madrid

Menipo1636-40


Madrid

Marte, Dios de la guerra1640


Madrid

Velázquez vuelve a Italia

Segundo viaje a Italia y tercera etapa madrileña

(1648-1660)

Velázquez realizó un segundo viaje a Italia entre 1649 y 1651, con el encargo real de adquirir cuadros y antigüedades para las galerías reales hispanas.

En este viaje realiza el retrato de Inocencio X, el de su criado Juan Pareja y los dos cuadros del Jardín de Villa Médicis, considerados un claro precedente de la pintura de Corot y el impresionismo.

También realizó en el viaje la Venus del Espejo, uno de los pocos desnudos de la historia de la pintura española.

En este período, Velázquez perfecciona su técnica, consiguiendo plasmar la perspectiva aérea. Su pincelada suelta emplea cada vez menos cantidad de pasta pictórica. Cuida la ambientación y los detalles.

Retrato de Inocencio X

c. 1650141 x 119 cmGalleria Doria-

Pamphili, Roma

«(...) (Por) el modo en que el pincel reproduce los brillos de las telas y la seguridad de toque con que capta la expresión del Papa, no dudamos ni por un momento de que nos hallamos ante el hombre mismo.»

E. Gombrich

Francis BACON, Estudio según el retrato del Papa Inocencio X de

Velázquez (1953)

Juan de Pareja1650

81.3 x 69.9 cmMetropolitan Museum

of Art, New York

El pabellón Ariadna en el jardín

Médici en Roma1650-51


Madrid

Entrada a la gruta de los jardines de la Villa Médici en

Roma1650

48 x 42 cm

Venus del espejo 1649-51 - 122,5 x 177 cm - National Gallery, Londres

TIZIANO: La Venus de Urbino

RUBENS: Venus y Cupido



La última etapa madrileña:la culminación de Velázquez

(1651-1660)

Velázquez vuelve a la Corte y a Madrid en 1651, después de una estancia de casi tres años en Italia. Esta última etapa madrileña supone la culminación estilística del maestro sevillano.

Son de este período los retratos de la Infanta Margarita y el de la Reina Mariana de Austria.

En dos obras se puede resumir la aportación de Velázquez a la historia de la pintura: Las Meninas (1656), y Las Hilanderas o la Fábula de Aracné (1657).

La reina Doña Mariana de Austria

1652-53231 x 131 cm


La reina Doña Mariana de Austria

(detalle)

La infanta María Teresa de España

1652-53127 x 98,5 cm

Kunsthistorisches Museum, Vienna

Retrato de Felipe IV1652-53

47 x 37,5 cmKunsthistorisches Museum, Vienna

Felipe IV1655-60

Óleo sobre lienzo, 69 x 56 cm.

Museo del Prado

Felipe IVca. 1656

Óleo sobre lienzo, 64´1 x 53´7 cm.

National Gallery de Londres

Infanta Margarita Teresac. 1654

128,5 x 100 cmKunsthistorisches Museum, Vienna

En Las Meninas, evoca la vida cotidiana de la familia real, que aparece alrededor de la Infanta Margarita, de sus damas de honor portuguesas (las meninas), y de los criados enanos, en el salón en que Velázquez (que se autorretrata en la penumbra) se encuentra pintando a los reyes (reflejados en el espejo).Al fondo, en la puerta abierta, el aposentador observa la escena; el pintor obtiene la sensación de profundidad mediante la alternancia de espacios iluminados con diferente intensidad.El espectador queda atrapado en este “instante” casi fotográfico que el pintor captura con sus pinceles. Al contemplar la obra nos hallamos, a pesar de estar fuera del cuadro, dentro de él, en el espacio donde se hallan los monarcas.El espacio abarca, de este modo, tanto lo que hay dentro del cuadro como lo que hay fuera. Esta obra es “la teología de la pintura”.

Las Meninas, 1656

La familia de Felipe IV [Las Meninas]

Agustina Sarmiento (Menina)

Infanta Margarita

Marcela de Ulloa (Guardadamas)

Isabel de Velasco (Menina)

Maribárbola

Nicolás de Portosanto

Don Diego Ruiz de Arcona (guardadamas)

VELÁZQUEZ

Los Reyes: Mariana de Austria y Felipe IV

D. José Nieto Velázquez. Aposentadorde la Reina

Un cubo pictórico queunifica dos espacios:el “de dentro” y el “de fuera”

ESPACIO

INTERIOR(FICTICIO)

EXTERIOR(ILUSORIO)

Crea unespacioilusorio

delante delcuadro

Prolongael espacio

enprofundidad

más alládel murodel fondode la sala

VAN EYCK:EL MATRIMONIO ARNOLFINI, SIGLO XV

LAS MENINAS,SIGLO XVII

La sensación de espacio se consigue mediante la luz (primer término y puerta del fondo)…

…y con la perspectiva lineal y aérea

Dinamismo: disposiciónescalonada delos personajes

Efectopsicológico“interpelante”:nos miran

También el color estructura la composición: enlaza las manchas de color rojo

La familia de Felipe IV“Las Meninas”

(1656) Prado

Significado y funciónInterpretaciones:

* La “doméstica”

* La apologética-artística

* La político-dinástica

«Al pintar Las Meninas, Velázquez tiene a los reyes de las Españas delante de las narices, pero no los enseña. Nos da a conocer su reflejo en el espejo que está al fondo de la sala. Se trata de un reflejo al que un juego de perspectivas invertidas de arriba abajo y de destellos casi imperceptibles al ojo le permiten al aire ser el protagonista del cuadro, señorear y disolver cualquier ilusión de poder.»

Antoni Llena (pintor)

La pincelada…

La trascendencia de Las Meninas: Picasso

La trascendencia de Las Meninas: Dalí

En Las Hilanderas sitúa el mito de Aracné, la habilidosa tejedora perseguida por Atenea, en el taller de tapices de Santa Bárbara.El mito va tejiéndose en las formas de un tapiz al fondo, mientras en un primer plano las obreras trabajan: lo real y lo mítico se funden en tonos amortiguados y templados que tienen toda su delicadeza en el tapiz, donde se desarrolla la escena principal, con los protagonistas rodeados de una intensa luz.La rueca, en constante movimiento, se convierte en el elemento que mejor ejemplifica la “instantaneidad” del momento; esa rueca, al girar, genera un vacío que lo absorbe todo, la realidad y el mito.La estancia, iluminada por la vaporosa luz que penetra, se llena de aire. Velázquez logra pintar la atmósfera, el aire que envuelve a las figuras.La pincelada suelta, de apariencia inacabada; las manchas de color, que sugieren detalles o formas, todo en esta obra se aproxima a un lenguaje nuevo que todavía está por nacer: el impresionismo.

Las hilanderas (1657)

La fábula de Aracné [Las hilanderas]

ATENEA ARACNE

Las hilanderas(1657) / Prado

(¿Atenea?) (¿Aracne?)

Viola

luz y penumbra

MÁS DIFÍCIL TODAVÍA:¡¡¡ PINTA LA VELOCIDAD !!!

Retrato de la Infanta Margarita

c. 1660 121 x 107 cm

Museum of Fine Arts, Budapest

Infante Felipe Próspero

1660128,5 x 99,5 cm

Kunsthistorisches Museum,

Vienna

La Infanta Doña Margarita de Austria

c. 1660212 x 147 cm


A modo de conclusión: Velázquez sintetizó los estilos

del XVI y XVII, el renacimiento romano y la escuela veneciana, el tenebrismo, el barroco flamenco y el naturalismo hispano.

Pintores neoclásicos como Ingres, románticos como Delacroix, impresionistas como Manet y Degas, fauves como Matisse, los expresionistas alemanes, surrealistas como Dalí, sin olvidar al mismo Goya, van a ser, sin duda, deudores de Velázquez.

Tema 15 lapintura barroca española

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