[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº14] Marzo de...

[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº14] Marzo de 2015

REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / MARZO 2015 Página 0



Presentación

Estrenamos primavera colocándonos bajo las flores del cerezo, para disfrutar de nuestro hanami particular gracias a la fotografía de Yoshikazu Takada, que sirve de portada a nuestro número de marzo.

En este número presentamos unos contenidos especialmente variados, en el que China comparte el habitual protagonismo de Japón, mientras que de una manera más global nos detenemos en regiones como Paquistán, Corea, Filipinas o el centro de Asia, además de por las visiones e interpretaciones que de ellos se ha tenido en Occidente.

Si con Carolina Plou seguimos a los Beatles en la que fuera su única visita a Asia, David Lacasta nos plantea un recorrido por diferentes lugares de Asia para conocer las diferentes tradiciones del tiro con arco, mientras que Pablo Begué reflexiona sobre un concepto tan controvertido como lleno de posibilidades como es el victorientalismo.

De la mano de Diana Espada y Adrian Ruiz nos acercamos a la China milenaria (con su reportaje sobre la escultura de la tumba de Quin Shi Huang di), mientras que con Juan Ibáñez viajamos hasta el presente de la mano del jugoso tema del catolicismo en China. La entrevista del staff a Tang Ying y Jiang Yi, dos reputados profesionales chinos de la literatura de viajes, con los que hablamos de turismo en China y en España. Y es que los viajes a China han sido uno de los grandes motores de las ideas sobre Asia en Occidente: Carolina Plou nos relata cómo ha sido retratado por el cine y la televisión Marco Polo, uno de sus visitantes más célebres, mientras que Marisa Peiró nos introduce en la vida y en la obra de la francesa Judith Gautier, una de las pioneras de la sinología y responsable de buena parte de la fascinación francesa por el Celeste Imperio.

Como es habitual, Japón ocupa también buena parte de nuestros contenidos. Laura Martínez da un repaso a la obra de uno de sus cineastas más conocidos, Takeshi Kitano, mientras que otros colaboradores siguen sus series sobre las manifestaciones culturales más actuales: Julio

ÍNDICE DE CONTENIDOS

Historia y Pensamiento

Francisco sueña con China. Política y religión en Pekín.

Por Juan Ibáñez. 4

El tiro con arco en Asia. Por David Lacasta. 7

Arte

Los eternos guardianes del Primer Emperador. Por Adrián Ruiz y Diana Espada. 14

Literatura

Judith Gautier y El Libro de Jade (1867). Por Marisa Peiró. 23

Cine y televisión

Marco Polo en la pantalla. Por Carolina Plou. 28

Takeshi Kitano: comedia, violencia y… metacine. Por Laura Martínez. 32

Música y escenarios

El fin del directo. La penúltima gira de Los Beatles. Por Carolina Plou. 38

Cultura visual

La extensión mundial del manga japonés I. Por Julio A. Gracia. 44

Varia

El buen quimono I. Por María Postigo. 47

Una aproximación a la muñeca popular made in Asia

IV: Ball Jointed Dolls. Por María Gutiérrez. 51

De Shanghái a Zaragoza. Conversamos sobre turismo

con los periodistas Jiang Yi y Tang Ying. Por Staff de Ecos de Asia. 57



Gracia repasa la extensión mundial del manga mientras que María Gutiérrez nos habla de las Ball Jointed Dolls, de gran éxito en todo Extremo Oriente. Por último, María Postigo se estrena con nosotros explicándolos y la historia y las características del quimono tradicional, mientras que José Ángel García debuta introduciéndonos en la historia del shiatsu. A todo esto se suman nuestras habituales críticas de las novedades cinematográficas y literarias en nuestro, país, reseñas que firman María Gutiérrez, David Lacasta, Elísabet Bravo, Carolina Plou, María Peiró y Raquel Carnicer.

Con este atractivo panorama, solo podemos esperar que disfruten este nuevo número de Ecos de Asia tanto como nosotros preparándolo.

Fdo. La Dirección.

ÍNDICE DE CONTENIDOS

Varia (cont.)

Del anma chino al shiatsu japonés. Por José Ángel García González. 61

Retrofuturismos en Asia y Asia en los retrofuturismos I:

el racismo en términos anacrónicos. Por Pablo Begué. 64

Crítica

En Zaragoza parece que existe desde hace tiempo de

manera permanente un pequeño Japón. Por Carolina Plou. 72

Historia de las pulgas que viajaron a la Luna, la puerta

a la ficción científica de Kobo Abe. Por María Gutiérrez. 75

Reseña: Guía ilustrada de monstruos y fantasmas de Japón, de Sekien Toriyama. Por David Lacasta. 77

Crítica: Girl’s blood (Aka x Pinku, Koichi Sakamoto,

2014). Por Elísabet Bravo. 79

Crítica: Scabbard Samurai (2011). Por David Lacasta. 82

Crítica: Gun Woman (Kurando Mitsutake, 2014). Por Elísabet Bravo. 84

Crítica: New World (2013). Por Laura Martínez. 87

El fundamentalista reticente (2012) y el “Pakistani

Dream”. Por Marisa Peiró. 89

Crítica: Mourning Grave (Sonyeogoedam, Oh In-chun,

2014). Por Raquel Carnicer. 92

Ecos de Asia somos:

Dirección y coordinación: Marisa Peiró, Carolina Plou.

Tesorería: Marisa Peiró.

Secretaría: Carolina Plou.

Responsable edición web: Carolina Plou, María Gutiérrez, Marisa Peiró.

Responsable edición en pdf: Carolina Plou (variaciones y maquetación, diseño de portada).

Comité de redacción: María Gutiérrez, David Lacasta, Laura Martínez, Marisa Peiró, Carolina Plou.

Comité científico: Ana Asión, Elísabet Bravo, María Galindo, Julio A. Gracia, María Gutiérrez, David Lacasta, Laura Martínez, Marisa Peiró, Carolina Plou, Claudia Sanjuán.

Colaboradores en materia web: Alberto Clavería y Fernando Sánchez.

ISSN 2341-0817



Para mucha gente el fenómeno del cristianismo chino es algo completamente desconocido que se desvanece ante la presión que el régimen de Pekín impone a estas comunidades. Sin embargo, en los últimos años, son cada vez más las noticias que afloran al respecto, en especial cuando el gobierno comunista adopta medidas tan llamativas como la de derribar iglesias para atajar la expansión de una fe que es vista como extranjera y subversiva: China es un país que tiene libertad de culto, pero no libertad religiosa. La Historia del Cristianismo en China, y en Asia en general, tiene ya una trayectoria de varios siglos: numerosas publicaciones y estudios de la Edad Moderna dan buena cuenta de ello. En el caso chino, conocidas son las predicaciones y la evangelización impulsada por el jesuita navarro San Francisco Javier (1506-1552) y la misión del padre Matteo Ricci (1552-1610), también jesuita, quién adoptó la vestimenta china y procuró adaptarse a las costumbres locales. Además, no hay que olvidarse del influjo colonizador del siglo XIX, momento en el que arraigan con mayor fuerza las misiones protestantes.

En ningún momento la vida de los cristianos chinos fue fácil, aunque quizá no se llegó a la persecución total sufrida en el Japón del siglo XVII. Lo cierto es que, pese al levantamiento de los bóxers a finales del siglo XIX y a principios del siglo XX, sobrevivieron en China pequeñas comunidades cristianas muy localizadas, pero respetadas por el posterior gobierno republicano (1912-1949). La situación cambió con la fundación de la

República Popular China en 1949 y la subsiguiente Revolución Cultural, momento en el que la Iglesia fiel al Vaticano fue prohibida (aún pervive en la clandestinidad), siendo sustituida por otra controlada desde el Estado. El régimen chino siempre vio a la Iglesia como a un enemigo, no sin razón, y hoy en día persiste la tensión entre ambos países, por ejemplo, el Vaticano es uno de los 22 estados que reconocen a Taiwán como la República China, lo que irrita a Pekín. Y es que el cristianismo, también protestante, tuvo una gran influencia durante la época revolucionaria y republicana, figuras tan destacadas como Sun Yat-sen y Chiang Kai-

Francisco sueña con China. Política y religión en Pekín. Por Juan Ibáñez

Estatua del jesuita Matteo Ricci en Pekín.



shek se convirtieron al protestantismo. Por todo ello, el cristianismo también es visto como nacionalista y antirrevolucionario.

En la actualidad, la Iglesia oficial cuenta con unos 12 millones de seguidores, mientras que se calcula que la Iglesia leal al Vaticano cuenta con hasta 60 millones de fieles, eso sin contar con las importantes comunidades protestantes, mucho más difíciles de contabilizar (se calcula que rondarían también en torno a los 60 millones). Unos datos que no se manifiestan en nuestra percepción de la poderosa China pero, de corroborarse, significarían que China podría convertirse en el país con el mayor número de cristianos del mundo; una situación que se ha visto impulsada en fechas muy recientes. Ante la escasa transparencia de las autoridades chinas en estas cuestiones, es cuando menos aventurado intentar discernir las causas de esta situación, pero disidentes chinos como Wenguang Huang, nos hacen pensar que podría ser como consecuencia de una crisis de valores morales y espirituales del confucianismo debido al paso del comunismo maoísta a un capitalismo salvaje.1 En este contexto, los cristianos piden libertad

1 Declaraciones recogidas en elpais.com. Consultado en

02/03/2015.

religiosa y ayuda para las clases más necesitadas, especialmente rurales, lo que hace que sean vistos como un peligro desde Pekín.

A día de hoy, el gobierno de Xi Jinping hace especial hincapié en los valores socialistas, dándose la paradoja de que algunos de los valores del cristianismo coinciden con los del Partido Comunista, pero no ocurre lo mismo en la defensa de la cultura tradicional china. De ahí que el cristianismo sea considerado como una religión extranjera, aunque la preocupación real se deriva de una posible articulación ciudadana en torno a la Iglesia católica; en las esferas de poder chinas se tiene muy presente el papel jugado por esta institución en la caída del comunismo en Europa oriental, y en el belicismo demostrado desde el pontificado de Juan Pablo II (1978-2005). Además, nadie esconde las relaciones cristianas que mantienen algunos destacados disidentes como Xu Zhiyong o Gao Zhisheng, o incluso entre los recientes movimientos estudiantiles de Hong Kong, un matiz desatendido por los medios de comunicación.2

Aunque a la mayoría de los occidentales esta realidad se les escape, no pasa lo mismo en la diplomacia vaticana. Ya intentó Benedicto XVI (2005-2013) un acercamiento al gobierno chino, truncado por el nombramiento de obispos por parte de Pekín y la denuncia pública de Ratzinger de la situación de los católicos en el país, pero todo parece indicar que el Papa Francisco quiere impulsar este camino. Son varios los telegramas que ha mandado personalmente al presidente Xi para desearle buenos

2 Artículo “La cruz tras los paraguas”, disponible aquí. Consultado en 02/03/2015.

Estado de la catedral católica de Ningbo tras el incendio de julio de 2014.



deseos, lo que no evita que Pekín siga sin ver con buenos ojos que los católicos chinos se consideren bajo la autoridad de un Papa de Roma. Sin embargo, comienzan a aparecer algunos gestos que indican que existe una posibilidad real de “deshielo”. En su reciente viaje apostólico a Corea del Sur el pasado agosto, el avión papal pudo utilizar el espacio aéreo chino. Quizá esto pueda parecer un detalle secundario, pero lo cierto es que ningún Papa había podido hacerlo y, recordemos, China y el Vaticano no mantienen relaciones diplomáticas formales u oficiales.

La cristianización de Asia y de China la iniciaron y la impulsaron principalmente los jesuitas, y es ahora, cinco siglos después, cuando un Papa jesuita ha confesado sin ambages que, si por él fuera, “estaría en China mañana mismo”; declaraciones que no ha dudado en comunicar al presidente Xi, al que ha invitado a visitar el Vaticano en un gesto sin precedentes.3 En esta línea de distensión, el Papa Francisco declinó la oferta de reunirse con el Dalai Lama.

Otro hecho significativo que parece marcar tendencia, es la restauración de un templo católico, en este mismo año 2015, que se incendió en julio de 2014 en la ciudad de Ningbo. Se trata de la catedral católica de la diócesis, que permaneció cerrada entre 1963 y 1980, y que desde 2006 fue reconocida por el Consejo de Estado como un monumento nacional a proteger por su armonía estilística entre lo chino y lo occidental. Hay que destacar que el proyecto de restauración en curso fue propuesto por representantes de la Iglesia católica.4

3 Declaraciones recogidas en elpais.com. Consulado en 06/02/2015. 4 Noticia aparecida en aciprensa.com. Consultado en 06/02/2015.

Estos nuevos gestos e iniciativas parecen apuntar a un nuevo clima en las relaciones entre Pekín y el Vaticano, pero el camino se presupone largo y difícil. Se trata de un proceso en el que no se pueden obviar los intereses geopolíticos, cuestión última que puede terminar por convencer al régimen comunista en su normalización de las relaciones con el Estado Vaticano. Por otra parte, lo cierto es que son ya varias las voces que se han pronunciado en el sentido de que el futuro del Cristianismo pasa por China, y más en concreto el del catolicismo, que se encuentra en claro retroceso en Europa y América. De momento, el jesuita Bergoglio, y el Papa Francisco, sueñan con China.

Para saber más:

- Díez, P., “China derriba iglesias para atajar el auge del cristianismo”, en ABC, 06/05/2014. Disponible aquí.

- Reverter E, “La historia secreta del cristianismo en China”, en BBC, sección mundo, 14/09/2011. Disponible aquí.

- Sang Lee, S. B., Relaciones Iglesia-Estado en la República Popular China. Pamplona, Universidad de Navarra, 1990.

Cristianas chinas rezando.



El continente asiático alberga distintas tradiciones de tiro con arco que comparten un enfoque común, en el que la disciplina es entendida tanto como un arte marcial además de un medio con el que alcanzar un desarrollo personal y espiritual. Ya desde la Antigüedad el arco jugó un papel importante en las actividades militares del continente, a la vez que fue utilizado tanto en ceremonias religiosas, rituales y concursos en los que se ponía a prueba la habilidad de los arqueros. Esto generó, ya en época histórica, el desarrollo de distintos tipos de equipos de arquería, así como de diferentes tradiciones y costumbres tanto en China, Corea, Japón u Oriente Medio.

A comienzos de la China dinástica, el tiro con arco ocupaba un lugar preeminente, no quedando relegado a su uso exclusivamente marcial, ya que desempeñaba un papel destacado en la ritualística imperial y se trataba de una asignatura de enseñanza obligatoria en las escuelas en las que se educaba la nobleza china. Más tarde, en relación con las prácticas confucianistas,5 se desarrollaron ceremonias de tiro con arco encaminadas a simbolizar las virtudes confucianas. También la caballería e infantería equipadas con arcos se integraron 5 Con el término confucianismo entendemos el conjunto de principios políticos y morales enunciados principalmente por Confucio (551- 479 a. C.). El confucionismo como sistema de pensamiento parte de una visión determinada del universo en el que existe un orden preestablecido, regido por el Cielo, que no debe ser perturbado. En este universo se integra la sociedad humana que debe armonizarse con el cosmos, es decir, cada hombre que forma parte de la sociedad debe obrar de acuerdo a lo ordenado por el cielo, cumpliendo sus deberes en el puesto y función (claramente jerarquizados) que le toca desempeñar, buscando el bienestar social, bien en el ámbito de la familia (centro y base de la vida humana) o del Estado.

en el sistema de exámenes del servicio militar chino durante la dinastía Tang (618-907), y el uso del arco y la flecha en el ejército tuvo un papel preponderante hasta el final de la dinastía Qing (1644-1911).

El arco tradicional chino que ha llegado a la actualidad se trata de un modelo compuesto, introducido por los manchúes, fundadores de la dinastía Qing. Realizado a partir de un núcleo de bambú reforzado con cuerno y tendón, se recubría con corteza de abedul, mientras que los extremos de las palas y la empuñadura se realizaban de madera. Se trataba de un arco de mayores dimensiones que la mayoría de arcos compuestos asiáticos, y se caracterizaba por presentar una silueta muy característica, en la que las palas se curvaban de forma angulosa. A menudo estos objetos se decoraban con piel de raya o

El tiro con arco en Asia. Por David Lacasta

Fotografía de un arquero de la dinastía Qing (finales del siglo XIX)

empuñando un modelo de arco tradicional manchú.



tiburón y albergaban una decoración pictórica, con incrustaciones o símbolos, relacionados con las ideas de riqueza, longevidad y buena fortuna. Estas armas eran capaces de propulsar flechas pesadas con una gran fuerza y precisión, y aunque no se trataba de un arma muy apropiada para su uso a caballo, su uso fue generalizado, empleándose tanto para la guerra como para la caza. Esta arma se convirtió en el arco estándar de China, así como de otros territorios bajo dominio manchú, caso de zonas de Mongolia o Tíbet.

Las flechas que se utilizaban con estos arcos se realizaban a partir de un vástago de madera, al que se adherían plumas de águila o buitre con el fin de proporcionar una mayor

estabilidad durante el vuelo. Las puntas, realizadas en hierro, presentaban una espiga que se insertaba en el eje de la flecha y se reforzaba mediante fibras de tendón y corteza de árbol. Estos proyectiles se transportaban en un carcaj abierto, realizado en cuero o tela fuerte, que consistía en un compartimiento principal con una sección en la parte posterior, que contaba con dos o tres bolsillos destinados a contener flechas especiales. Para el almacenaje y cuidado de los arcos se realizaban unas fundas de cuero o tela, con el fin de que la humedad o el transporte no afectaran al arma.

La adopción por parte de Corea del sistema de exámenes del servicio militar chino durante el período Choson6 (1392-1910)

6 La dinastía Choson o Joseon (1392-1910) fue la última familia reinante en Corea, así como la que ostentó el poder durante mayor tiempo. La influencia de la cultura china durante el período fue constante, adoptando el Confucianismo como ideología oficial del estado.

Fotografía de un arquero coreano con el equipo tradicional. En la

actualidad en Corea del Sur existen numerosas asociaciones que

mantienen viva la modalidad.



proporcionó un nuevo enfoque respecto a la arquería, que contribuyó al desarrollo del tiro con arco como un arte marcial ampliamente practicado en Corea. Este desarrollo trajo consigo la creación de una dimensión personal relacionada con esta modalidad, entendida como un medio o una vía de desarrollo de los valores confucianos de orden social y moral. A partir de los intentos de invasión de la península coreana por parte de tropas japonesas comandadas por Toyotomi Hideyoshi a finales del siglo XVI, se estableció toda una serie de campos y asociaciones donde los civiles podían practicar y poner a punto sus habilidades con el arco, así como en época más reciente se crearon toda una serie de clubes como mecanismo para mantener las tradiciones nativas coreanas de tiro con arco, en sus versiones tanto marcial como ritual.

En la fabricación del arco tradicional coreano se empleaban los mismos materiales que en el arco chino, estando realizados mayoritariamente en madera y tendón, ya sea tanto los destinados a la caza como a usos bélicos. Sin embargo, los arcos coreanos son de menor tamaño, presentando una curvatura más pronunciada y en la que destaca la amplia apertura que es capaz de conferirle el arquero gracias a la excepcional flexibilidad de las palas, dotando al arma de una extraordinaria fuerza pero volviéndolo a la vez extremadamente inestable, debiendo ser perfectamente equilibrado antes de su uso.

Las flechas empleadas en el tiro con arco tradicional coreano suelen estar realizadas con tallos de bambú y vistosas plumas de faisán. Tradicionalmente los distintos tipos de puntas se realizaban de hierro, mientras que en la actualidad las flechas empleadas en concursos y exhibiciones terminan en cabezas romas de latón. Existe una amplia variedad de tipos de proyectiles especiales, entre los

que podemos encontrar flechas incendiarias o de entrenamiento, piezas que ya eran comunes durante el período Choson y épocas anteriores. Las aljabas eran generalmente de forma cilíndrica, realizadas en papel, bambú o madera, mientras quelas fundas de los arcos consistían en un simple tubo de tela que se ata a la cintura del arquero cuando éste dispara, y que también se puede emplear para depositar las flechas. Ejemplos de fundas y aljabas más elaboradas, realizadas en cuero y tela, se suelen emplear como parte de la vestimenta ceremonial militar.

El desarrollo de la arquería en Japón fue tempranamente influenciado por el tiro con arco ceremonial de la aristocracia china. Esta influencia, combinada con preceptos sintoístas y la filosofía del Budismo Zen,7

7 El zen llegó a Japón durante el período Kamakura (1185/1192-1333) procedente de China. Más que una religión o una filosofía, el zen es un camino, una disciplina que puede conducir al ser humano a la

Fotografía de del periodo Meiji (1868-1912) en el que se

observa la forma asimétrica del yumi o arco tradicional japonés.



originó una modalidad de tiro con arco que es distintivamente japonesa. El crecimiento del estamento samurái durante el denominado Período Feudal (1185-1867) ocasionó la aparición de una gran variedad de escuelas y tradiciones de tiro con arco, encaminadas a la formación y entrenamiento de esta legendaria clase de guerreros, famosos por su destreza con el arco, que han perdurado hasta la actualidad.

El arco utilizado en la modalidad tradicional japonesa, conocido como yumi, es extremadamente largo, y presenta una curiosa forma asimétrica. Se realiza a partir de una estructura laminada, en laque dos finas tiras de bambú se disponen en la parte anterior y posterior del arco. Entre estas dos capas de bambú encontramos un núcleo que consta de pequeñas secciones de bambú unidas mediante cola de pescado a tiras de madera de morera, estructura que con posterioridad se laca, resultando un arma de una extraordinaria flexibilidad y estabilidad. Este tipo de arcos resultaban ser extremadamente eficientes y se emplearon tanto a pie como a lomos de un caballo. Los arcos japoneses presentan una longitud media de 220 centímetros, disponiéndose la empuñadura a dos tercios de distancia de la punta superior, haciendo que todo el proceso de apuntado, tensado y suelta de la flecha poco tenga que ver con las tradiciones desarrolladas en el continente.

Las flechas empleadas en Japón constaban de un vástago de bambú al que se adherían plumas de halcón, águila, grulla o faisán; las puntas de acero presentan una gran variedad de formas, fijándose a la flecha mediante hilo de seda que posteriormente se recubría con

experiencia suprema de la iluminación o satori, un instante en el que el hombre, desprendido de su ego, alcanza una percepción inmediata de la realidad que hay detrás de las apariencias.

laca. Existe un amplio repertorio de modelos de aljabas, incluyendo estructuras abiertas con un bastidor o cuerdas que mantienen las flechas en su lugar, así como ejemplos cerrados con una abertura en un lateral o extremo. A menudo se realizaban en madera lacada, y con frecuencia estaban adornados con el emblema o monde su propietario.

La implantación de las armas de fuego en Asia Oriental durante época moderna acarreó consigo cambios significativos en el papel que había desempeñado la arquería en la vida cotidiana de estas sociedades. En China, la desaparición del gran legado de las enseñanzas del tiro con arco fue exacerbada por las convulsiones políticas y sociales de mediados del siglo XX, por lo que hoy en día resulta casi imposible el encontrar una tienda de arquería tradicional en funcionamiento. También casi ha desaparecido la realización artesana de este tipo de piezas, siendo más común el encontrar talleres orientados a la producción de arcos para modalidades de tiro mongol o tibetano.

En Corea se le dio una nueva orientación durante el reinado del rey Gojong (1852-1919), en el que se veía como una forma de apoyar la actividad física, al tiempo que se pretendía conservar una serie de valores culturales propios como la ritualidad y cortesía, pudiendo encontrar en la actualidad más de trescientos clubes de tiro con arco tradicional. La filosofía y la formación de tiro con arco nativos se han fusionado y transferido a la práctica de la modalidad moderna de tiro con arco olímpico, en la que los atletas coreanos han ganado reconocimiento internacional en los últimos años. Japón por su parte también experimentó un cambio en la práctica del tiro con arco como deporte con el desarrollo del kyudo, “el camino del arco”, forma moderna de tiro con arco tradicional japonés,



en el que se combinan elementos de la antigua tradición guerrera con distintas pautas y estilos ceremoniales, prestando especial énfasis en el desarrollo personal a través de la técnica y la concentración, siendo un arte marcial muy popular practicado por miles de personas en todo el mundo.

En este repaso sobre el arte del tiro con arco en Asia no podemos dejar de mencionar a los arqueros de las distintas naciones islámicas, quienes desde época medieval hasta el siglo XIX se expandieron por un vasto territorio que comprende desde Turquía a la India, siendo famosos los distintos pueblos y culturas que vivían en estos territorios tanto por sus excepcionales habilidades como por sus extraordinarias armas. Como un medio necesario para el avance de la expansión del Islam, la arquería se ha venido asociado tradicionalmente con las culturas musulmanas. El arco y la flecha, exaltados en las enseñanzas del Profeta Mahoma, ocupaban un lugar especial por encima de todas las demás armas. La formación en el tiro con arco era visto como un deber religioso y un signo de estatus, del mismo modo que la artesanía y la realización de las distintas piezas del equipo era muy estimada. Todo esto se ejemplifica en las tradiciones y equipos de los otomanos de Turquía (1453-1922), en el Irán de los períodos Safávida y Qayar (1502-1925), así como en el subcontinente indio durante el período Mogol (1526- 1857), en el que encontramos una mezcla de elementos culturales islámicos e hindúes. A pesar de que estas tres potencias islámicas contaban con sus características propias, llegaron a compartir un patrimonio común y experimentaron un considerable intercambio cultural.

Los arcos utilizados por los arqueros islámicos se encontraban entre los mejores del continente. Fabricados en torno a un

núcleo de madera reforzado con tendones y cuerno, eran a menudo bastante cortos y flexibles, resultando ideales para disparar a lomos de un caballo. El diseño y la forma del arco enfatizaban la velocidad y la distancia que se conseguía empleando unas flechas relativamente ligeras. Estos arcos presentan unos extremos que se curvan ligeramente (caso de los arcos persa y turcos), o de forma marcadamente angulosa (como en los arcos mogoles). En la mayoría de ocasiones estas piezas presentaban una decoración pictórica, contando por norma general con unos diseños muy elaborados.

Los arqueros en cada región se valían de las maderas o cañas nativas para la realización de las flechas, disponiendo de unos emplumados sencillos y de un amplio surtido de puntas de metal con espiga; los vástagos se decoraban con pintura, papel metálico, u otros materiales. Las aljabas de forma rectangular, de cuero o tela, fueron usadas ampliamente

Miniatura otomana en la que se representa a un aquero a

caballo empuñando un arco compuesto.



por los arqueros a caballo, disponiéndolas para ello colgadas del cinturón o de los arreos de la montura, aunque también encontramos ejemplos de forma cilíndrica. Los arqueros se valían de unos anillos de forma asimétrica para el tensado de la cuerda, anillos que se fabricaban a partir de cuero, metal, hueso, marfil, o piedras semipreciosas, reservándose los ejemplos más ornamentados como adorno o símbolo de distinción.

El uso del arco y la flecha continuó desempeñando un papel relevante en toda la región asiática hasta que la introducción de las armas de fuego fue generalizada, empleándose por parte de soldados y cazadores indistintamente armas de fuego o arcos, decantándose en la mayoría de ocasiones por el uso del arco debido a su familiaridad y rapidez de manejo, así como por su adecuación a su uso a caballo. El tiro con arco como deporte también se generalizó, especialmente en la modalidad en la que primaba acertar a un blanco a grandes distancias, alcanzando estas competiciones su cenit con los turcos otomanos, quienes se valieron de arcos y flechas especiales para lograr espectaculares distancias que iban de los 800 a 900 metros. A finales del siglo XIX el uso del arco entró en declive en Oriente Medio, encontrando en la actualidad escasísimas manifestaciones de su práctica, así como de la artesanía tradicional que conllevaba, perdurando su legado gracias a muestras de piezas que nos han llegado, además de todo tipo de menciones que podemos encontrar en la literatura islámica sobre el tema.

Aunque las tradiciones de tiro con arco de las grandes culturas de China, Japón, Corea y Oriente Medio dominaron gran parte de Asia durante el último medio milenio, muchos grupos locales y minorías mantuvieron sus propias prácticas y equipos característicos.

La panoplia de tiro con arco utilizado por los ainu, el pueblo indígena de las islas septentrionales de Japón, es por ejemplo, bastante diferente del utilizado por los japoneses, así como entre las sociedades tribales del subcontinente indio el uso de arcos para la caza, defensa y deporte se mantuvo mucho después de que las tradiciones mogolas, históricamente dominantes, dejaran de ser practicadas. Por su parte, los objetos de tiro con arco de los pueblos tribales de Asia Central muestran influencias tanto islámicas como de Asia oriental, a la vez que exhiben rasgos particulares. En el Sudeste Asiático y el Suroeste de China muchos grupos étnicos se decantaron por el uso de unas ballestas de madera de estructura muy sencilla, mientras que en las Islas Filipinas se valían de sencillos arcos y largas flechas de caña.

Para saber más:

- Pérez, B., La esencia del Kyudo. El arte en el tiro con arco japonés, Gijón, Satori Ediciones, 2013.

- La página web manchuarchery.org dispone de multitud de recursos y artículos en línea sobre el tiro con arco tradicional chino, disponible aquí.



En el artículo anterior realizamos un acercamiento al túmulo y tumba de Qin Shi Huangdi, proclamado Primer Emperador de la China reunificada bajo un único mandato. Pero sin duda, lo que centra todas las miradas en este único y grandioso monumento funerario, por su complejidad y singularidad, es todo el repertorio de obras escultóricas conservadas, que como ya adelantábamos, servían de guardia para la vida eterna del emperador.

Las esculturas de la tumba están divididas en diversos tipos de figuras y objetos, según su forma y utilidad, pero los más conocidos y estudiados por todos son sus soldados de terracota, a los cuales dedicaremos un apartado especial debido a su magnitud e importancia.

Los eternos guardianes del Primer Emperador. Por Adrián Ruiz y Diana Espada

Esculturas del orador, del forzudo y el acróbata.



El monumento alberga asimismo las consideradas primeras esculturas de la historia de China de tamaño natural, que representan las figuras de acróbatas o baixiyong. Estas magníficas piezas destacan por su factura más realista, a pesar de la carencia actual de ciertas extremidades o la cabeza. Contrastan con el hieratismo de las figuras de los soldados, en donde la vida cotidiana se impone frente a la vida militar. De ellas conservamos tres figuras principales: un orador, un forzudo de circo y un acróbata de platillos.

Los funcionarios del imperio de Qin Shi Huang fueron determinantes en su política, y

aunque hacían labores administrativas, se cree que también participaba en las decisiones del propio campo de batalla. Las conservadas son figuras más sencillas, un poco más altas que el resto, y van vestidas con trajes de algodón y tocados.

Como ya hicieran los distintos faraones egipcios, los siervos o alimentadores también

eran necesarios para la vida en el más allá del emperador. La mayoría son figuras arrodilladas que se postran ante el emperador para su servicio y el de las tropas/caballos, con el objetivo de servir o alimentar a todo aquel que le hiciese falta. Sus ropajes son muy sencillos y sus expresiones faciales son de las más naturalistas.

Detalle y escultura de un funcionario.

Detalle y escultura de un siervo.



Existen también figuras realizadas en bronce de animales domésticos como garzas o patos, que son animales de recreo del palacio. Se creó un complejo sistema de conservación para poder reconstruir sus cuerpos, ya que el bronce estaba en muy mal estado de conservación. Junto con las figuras de acróbatas y sirvientes, son las obras con mayor realismo/naturalismo de todo el conjunto.

También se han encontrado vasijas para transportar el vino, el agua o el grano con diversas formas: camellos, tinaja, etc. Pero el más importante de estos recipientes es el trípode realizado en bronce conservado, vasija que contenía el fuego perpetuo, y que siguiendo la tradición existía uno en cada reino, aunque en el reino de Qin existió uno único que siempre se portaba al campo de batalla, con una idea muy similar a la del águila de las legiones romanas, como un símbolo del poder imperial.8

Otro de los gruesos que conforman el volumen de las obras de terracota son los carros y caballos del

8 Guerreros de Xi’an, Tesoros de las dinastías Qin y Han, exposición organizada por la Fundación Bancaja por motivo del Forum Universal de las Culturas Barcelona 2004, Lunwerg Editores, 2004.

ejército. Los caballos están creados con cuerpos huecos y piernas sólidas para así estabilizar y soportar la figura, combinando un carácter estilizado con una gran

potencia en sus formas. Gracias a los restos arqueológicos, se ha podido reconstruir los carros de combate/transporte tal y como eran, siendo todos ellos carros de un solo eje, por lo que no permitían el giro mediante dirección, tirados por cuatro potentes caballos.

Medían 1,5 m de largo y sus ruedas son de casi dos metros de diámetro. La única protección que poseían eran los escudos lacados sostenidos por los escoltas y las cotas de malla que cubrían por completo a los aurigas. El carro de combate de Qin Shi Huang poseía una cubierta para evitar ataques fortuitos y las inclemencias del tiempo, siendo el carro más lujoso, ya que en él se pueden ver incrustaciones de lacas con motivos y ribeteados en oro.

A la izquierda, esculturas en bronce de unos patos. A la

derecha, trípode de poder del reino de Qin.

Carro de combate de Qin Shi Huang.



Algunos de estos carros también portaban unas campanas de bronce, similares a las que existieron en los palacios del emperador, para tocar retirada en caso extremo. Carecían de cimbel ya que se tocaban de forma similar a un gong, en el exterior. Según relatos, jamás tuvieron que ser tocadas entre las filas de Qin Shi Huang debido a la potencia y efectividad de su ejército. Todos estos carros son una gran representación y fueron de gran importancia en la guerra de los estados, ya que conformaron uno de los mayores avances bélicos de la historia de China.9

Pero sin duda, la belleza, lo único y lo enigmático se centra en las figuras de sus soldados de terracota. En el anterior artículo describimos como fueron necesarios más de 700 mil trabajadores de todo el Imperio para

9 Cotterell, Maurice, The Terracota Warriors, The Secret Codes of the Emperor’s Army, Londres, Headline Book Publishing, 2003, pp. 86-87; Cotterell, Arthur, The First Emperor of China. The story behind the terracotta army of Mount Li, Londres, Penguin Books, 1981, pp. 143-147.

el trabajo de la tumba y de las esculturas. Los soldados fueron encontrados en posición de formación tal y como estarían en un combate real: primero arqueros, luego lanceros, después cuerpo armado. En cuatro de las cuarenta filas, existen carros de combate tirados por cuatro caballos llevados por un auriga y dos escoltas, siendo dos de estos carros especiales, que portarían campanas y tambores de batalla. Frente a estos carros estarían los jefes de escuadra y tras ellos dos auxiliares que comunicarían las ordenes de los jefes de escuadra entre batallones. A

ambos lados extremos de la tumba, existen varios guerreros sin armadura que miran los extremos laterales para evitar ser flanqueados.

En la actualidad más de ocho mil soldados han sido descubiertos, pero se cree que la potencia militar real del Imperio de Qin ascendería a un millón de soldados. La dureza de mando en las filas de Qin y debido a que esta es

la unidad élite del ejército del Primer Emperador, similar a la Guardia Imperial de Napoleón, dictaminaba que si alguno de los guerreros se sublevaba o no seguía las órdenes, automáticamente era decapitado.10

Si bien es cierto que en un primer golpe de vista todos los soldados parecen copias exactas unos de otros, nada más lejos de la realidad, cada uno de ellos está realizado con 10 Cotterell, Arthur, op.cit, pp. 16-53.

Disposición de los soldados de terracota.



una combinación de patrones y elementos sencillos que los hacen únicos del resto. Todos ellos tienen creadas las extremidades del cuerpo (brazos, manos y cabeza) de forma separada y seriada a través de moldes tubulares. Sus cabezas se encajan gracias a un cilindro que se introduce por el cuerpo de forma superpuesta.

Para dar mayor énfasis a dicha individualización, los rasgos faciales, peinados y otros se agregan después por adición de materia prima a la base seriada creada con anterioridad. El torso esta creado a base de una superposición de “churros” de barro, similar a lo que podemos ver en la creación de recipientes, que se alisan y después se crean los detalles. Toda la figura se soporta gracias al basamento, creado a partir de la cintura y sustentado por las potentes piernas. En total, estas figuras llegan a una altura de 1,82 metros, carácter que les da potencia y aumenta aún más la fuerza del conjunto.

Cada parte del cuerpo se cocía en un horno de barro cubierto durante cinco días a una temperatura de 1000º C, y gracias al virtuosismo de los escultores, sólo un 10% de las figuras realizadas salían con algún desperfecto tras la cocción de las piezas. Este proceso permite crear una unidad entre todas, y a su vez una individualidad gracias a sus detalles.

La pose de las figuras determina el tipo de figura, encontrando arqueros arrodillados, lanceros con un brazo flexionado o generales con los brazos cruzados. Solo faltaría la figura del comandante de las tropas, el propio Qin Shi Huang, que aún a día de hoy permanece en su tumba por los motivos de conservación mencionados en el anterior artículo. Como curiosidad, podemos mencionar que la posición de las manos de algunos guerreros dan a conocer una simbología numérica, siendo la más destacable la del general, que indica el número 9, número místico vinculado a la divinidad.11

Siguiendo esta idea de individualización dentro de una estética determinada, cada figura tiene su propia cara personalizada gracias a sus detalles añadidos por adición de materia prima. Un estudio alemán ha determinado que no existen dos iguales. Según el experto Yang Chen Ching, el emperador lo quiso así como símbolo de la unificación de China, representación de la diversidad de sus diferentes habitantes y el poder del pueblo. Cada expresión de las caras intenta expresar el carácter del personaje, si bien abundan los rostros hieráticos y serios, muestra de la fiereza del ejército, a la espera de la batalla y de las órdenes de sus capitanes, como una marea de rostros y ojos que se enfrentan a un enemigo. Esto sería un claro reflejo de la disciplina y el ambiente bélico

11 Cotterell, Maurice, op.cit., pp. 135-138.

Proceso de creación de las figuras.



que se describe en obras como “El arte de la guerra” de Sun Tzu.

De igual forma que en las manos, se cree que en estos rostros existen diez analogías de caracteres escritos que darían significado a palabras relacionadas con símbolos del poder, formas de pensamiento y creencias sobre el Sol que poseía el Primer Emperador. Estas formarían parte y enfatizarían la historia del rey Mono, que según la tradición budista, estaría comprendida dentro de la historia de Buda, siendo el 9 el símbolo de este y relacionado con sus 81 tareas para obtener el cielo.12

La barba y el pelo son elementos añadidos en el proceso de creación de las cabezas para enfatizar, una vez más, ese sentido individual de cada guerrero, encontrando así diferentes tipos de barbas y bigotes. Los elaborados e intrincados tocados y peinados son expresión de los diferentes estamentos o rangos dentro del ejército, y a su vez, están

12 Cotterell, Maurice, op.cit., pp. 69-77.

en relación con la simbología a los rayos del Sol y alusiones a la fertilidad, similar a lo que podemos observar en la Estela J de Copán o el tocado de Tutankamon. Asimismo, todos los guerreros suelen llevar en sus nucas la impronta o bien del escultor, o bien el nombre y rango del soldado. A raíz de estas, se ha descubierto en textos del gobierno de Qin, que los alfareros registrados provienen de obras de ingeniería que realizaban moldes de conducciones de agua.13

Como podemos apreciar, ninguno de ellos porta casco; algunos portan armadura y otros solo trajes de algodón, paja y trajes de piel animal, ya que la fiereza de su ejército le valía como estrategia para vencer a sus enemigos. Las figuras que portan unas borlas representan las bandas de rango de un oficial. Observando a los diferentes guerreros podemos encontrar cuatro tipos de armaduras, vinculadas directamente con la posición entre las filas y su rango dentro del ejército.

Así, la malla ligera estaría dedicada al oficial joven o la caballería, la malla pesada alas primeras filas del batallón de a pie ya que combatirían cuerpo a cuerpo, la malla larga dedicada a los generales, debido a su excepcional factura con piezas lisas y

13 Ibidem, pp. 112-123.

Diferentes expresiones faciales de los soldados de terracota.

De izquierda a derecha, estela de copán, peinado y arreglos de bigotes de los soldados.



hombreras de cuero, y por último existiría una malla especial dedicada a los conductores de carros, que cubría gran parte del cuerpo y los brazos completos para evitar flechas u otros proyectiles.14

Como otras partes de los soldados, las armaduras poseen una curiosidad en los engarces de las placas de las armaduras. Si observamos con detenimiento, podemos apreciar que cada una de ellas posee una forma distinta de puntos, encerrando una simbología numérica, con 720 variantes en sus disposiciones. Dentro de las mismas, existen varias composiciones reiterativas que encierran los números esotéricos universales como el 666, vinculado al mal, y el 999, vinculado al bien y símbolo del Sol. Se cree que todos estos números representados cifran un mensaje oculto que en la actualidad está siendo objeto de estudio comparándolo con el lenguaje Braille, ya que componen una matriz muy similar.15

Como todo buen ejército, los soldados portaban armas como flechas, arcos y lanzas de bambú, que podían alcanzar según su forma los 200 m de alcance, aunque muchas de estas armas tienen un sentido más ceremonial que práctico. A pesar del paso del tiempo, el filo de estas piezas aún permanece intacto tras tantos siglos enterrados, aunque los agarres creados en madera, se han

14 Ibidem, pp. 99-112. 15 Ibidem,pp. 138-143.

fosilizado en la tierra, permaneciendo solo las puntas y las partes metálicas. Todas ellas están creadas en un único proceso de fundido en bronce con un recubrimiento de cromo.

Asimismo, dentro de la fosa número dos se han descubierto más de mil cuatrocientas flechas, que eran capaces de atravesar, según fuentes, los escudos y protecciones griegos y macedonios sin problemas, y que podían ser lanzadas con arco tradicional o con ballesta, de las cuales se encontraron sus gatillos preparados para disparar.16 Gracias a los restos arqueológicos existen replicas en el propio museo. A su vez, existen más de veinte mil piezas entre armaduras y armas de bronce, que no portan los guerreros y que se creen repuestos para la guerra.

Pero quizás lo más desconocido de estas imponentes piezas es sin duda su color. Todo el proceso creativo y todas las figuras se finalizaban con un proceso de policromía bastante sencillo, que debido a su aplicación,

existen grandes problemas de conservación y asentamiento de los pigmentos a las figuras, perdiéndose gran parte al ser desenterrados. A pesar de esto, se ha

intentado crear un proceso especial de asentamiento de estos pigmentos, que es lento y costoso, y que apenas se lleva a la práctica en definitiva, ya que en su primera aplicación se tardó con este método casi un año para poder desenterrar seis figuras.

Hoy se sigue investigando para intentar devolver al ejército el esplendor cromático que una vez tuvo. Gracias a las técnicas químicas e informáticas actuales, se pueden

16 Ibidem, pp. 99-102.

Disposición de engarces y código descifrado.



saber los diferentes colores que compondrían el ejército, sabiendo que existen dos variantes de patrón de colores dentro de la fosa número uno. Una sería aquellas armaduras negras, con ribetes blancos, botones de oro y cordones púrpura. Otras serían aquellas armaduras marrones, con ribetes rojos, y botones y cordones naranjas. Todas ellas coincidirían en sus mantos verdes y pantalones azules oscuro, complementados con zapatos negros con cordones rojos. Además todos los ojos serían blancos con iris de color negro, y sus pelos, cejas y bigotes o barbas también de color negro. Los caballos poseen cubrimientos marrones o negros, dientes y cascos negros, y rojos para fosas nasales, orejas y boca.17

Estas espléndidas obras de arte milenarias siguen resistiendo el paso del tiempo, haciendo gala del cometido para el cual fueron creadas: mantenerse vigilantes para

17 “Los soldados de Terracota, en color” [Recurso en línea], articulo de National Geographic, disponible aquí. [Fecha de consulta: 2-1-2015].

proteger a su señor. Con todo esto, si deseamos poseer una pequeña representación de esta obra, el Gobierno chino regula, comercia y exporta un merchandising generado en el propio Museo de los Guerreros de Terracota, realizado manualmente con las mismas técnicas de producción y creación de la Antigüedad. Si bien es cierto que estas reproducciones son más pequeñas que las originales, reproducen cada uno de los detalles que hemos descrito de esta legendaria obra.

Para saber más:

� Cotterell, Arthur, The First Emperor of China. The story behind the terracotta army of Mount Li, Londres, Penguin Books, 1981

� Cotterell, Maurice, The Terracota Warriors, The Secret Codes of the Emperor’s Army, Londres, Headline Book Publishing, 2003

� “El monumental mausoleo de los guerreros de Xian”, artículo de National Geographic.Disponible aquí. [Fecha de consulta: 2-1-2015]

� “Los soldados de Terracota, en color”, articulo de National Geographic, junio de 2012 [Fecha de consulta: 2-1-2015]

� Web oficial Mausoleo de los guerreros de terracota. Disponible aquí. [Fecha de consulta: 2-1-2015]

� Documental Secretsof China’s Terracota Warriors. Disponible aquí. [Fecha de consulta: 2-1-2015]

Reconstrucción de la policromía.

REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / MARZO 2015


revistacultural.ecosdeasia.com / MARZO 2015

Marzo de 2015

Página 22



Hace algo más de un año la Editorial Ardicia comenzaba sus aventuras hacia el Este traduciendo a una de las figuras capitales del orientalismo europeo, la francesa Judith Gautier, que a sus 22 años, y firmando como Judith Walter –acaso para distinguirse de su celebérrimo padre, Teófilo Gautier–, publicaba El Libro de Jade,18 una antología de poesía clásica china que ahora ha visto por primera vez la luz en lengua hispana.

18 La primera edición data de 1867; para la edición actual véase Gautier, Judith, El libro de Jade. Madrid, Ardicia, 2013.

Si no les atrae el libro, probablemente lo haga su autora, a la que sin duda merece la pena conocer: elegirla es, como en muchas de las otras apuestas de la editorial, no sólo un acto de fe, sino toda una declaración de intenciones.

Para muchos orientalistas y sinólogos de varias épocas, Judith Gautier es todo un modelo a seguir, una suerte de heroína romántica y poética de una sensible época pasada. Hija del eminente literato Teófilo Gautier, recibió una esmerada educación y una libertad de elección sin precedentes: se propuso a la vez escribir, pintar, esculpir, aprender, chino y música.

Baudelaire le dedicaría Las flores del mal, la amarían Richard Wagner, Víctor Hugo y Catulle Mendès –con este se casaría–, la retratarían John Singer Sargent y Nadar; pero además de por sus encantos y de ser “la digna hija de su padre” –como la llamó Baudelaire-, Judith fue toda una it girl que decidió trascender ya desde su juventud.

Su encuentro con Asia comenzó en su propio salón, el día que Teófilo Gautier rescató a un indigente chino llamado Ding Dungling de las calles de París. Quién sabe si por caridad o por mero gesto dandy y exotista –algo que gustaba mucho a Teófilo, por lo general–, el padre rescata al personaje y le encomienda iniciar a su hija en los misterios de la lengua y la cultura chinas: asimismo, la joven Judith se propuso en desentrañar la mente de aquel hombre misterioso, que resultó ser un cristiano converso, gran poeta y estudioso, exiliado en Francia debido a su implicación

Judith Gautier y El Libro de Jade

(1867). Por Marisa Peiró

Portada de la edición en español, de Ardicia Editorial.



en la Rebelión Taiping. Hasta el fin de sus días, la amistad de Judith y “el chino de Gautier” sería tan duradera como su pasión por El Celeste Imperio.19 Pero Ding no sería la única amistad asiática de la escritora, pues como recuerda Remy de Gourmont:

Es difícil ir a casa de madame Judith Gautier sin encontrarse con algún japonés mal disfrazado con prendas europeas, o dos o tres brillantes mandarines ataviados con el traje nacional, con la trenza balanceándose sobre la espalda mientras se inclinan con encantadora cortesía. Su salón es una academia asiática.20

Y en este ambiente extraordinario y brillante es donde Judith elige trascender. Tras la dialéctica orientalista que inundó Occidente, y especialmente Francia, desde 19 Más información sobre este peculiar personaje aquí. 20 Remy de Gourmont en el prólogo histórico de El libro de Jade. op. cit. p. 20.

mediados del siglo XIX, y que abarcaba desde los harenes otomanos a las flores del cerezo japonés, hubo toda una serie de pioneros que decidieron no limitarse únicamente a narrar las efectistas y esteticistas virtudes de aquellas lejanas tierras, sino embarcarse en el estudio de sus culturas y de sus lenguas. Gracias a su aprendizaje del chino, y a la traducción del libro que aquí mencionamos, Judith Gautier se configuró como la primera traductora moderna del chino al francés, y tanto por su calidad como por su singular personalidad, conoció una influencia que rebasó fronteras.

Durante los años siguientes a la publicación de El Libro de Jade, Judith escribiría numerosos poemas, cuentos, novelas y obras de teatro: se obsesionaría con Alemania, con Turquía, con Persia, con Japón, y sobre todo con China.21 Tan parecida y tan diferente a

21 Sobre Oriente publicaría, además del ya mencionado volumen, obras como Le Dragon impérial (1869), L’Usurpateur, (1875), Les Peuples

Fotografía de Judith Gautier.

Viola Allen en “La hija del cielo”.



Pierre Loti –estrella por excelencia del orientalismo francés–, llegó a trabajar con éste en una de sus últimas obras, La hija del cielo (1911), otra delicada chinoiserie teatral; Judith fue, al que igual que Julio Verne –probablemente el mejor y más conocido de los viajeros franceses– una viajera sin viaje: jamás pondría rumbo a su anhelado Oriente, pero su erudición, su imaginación y su enorme talento hicieron que miles de personas desde hace ya más de un siglo hayan podido hacerlo.

El Libro de Jade se compone de más de setenta poemas clásicos chinos, obra de más de una veintena de autores:22 la escritora lo dedica a “Tin-Tung-Ling” (su preceptor y amigo Ding Dungling), pero en sus páginas dominan las palabras de artistas como “Li-Tai-Pé” (al que hoy conocemos como Li Bo o Li Bai), el que fuera el más célebre de los poetas de la dinastía Tang, y cuya biografía encaja perfectamente con la mentalidad romántica de Judith y su entorno. Li Bo (701-762 d.C.), alejado del tradicional erudito-funcionario chino, y obsesionado con el taoísmo –incluso falseó sus orígenes para hacerlos confluir con el mismísimo Lao Tsé– vagó durante décadas por todos los rincones

étranges (1879), La Femme de Putiphar (1885), Poèmes de la libellule, recueil de poèmes traduits du japonais (1885), Fleurs d’Orient (1893), Iskender (1886), Le lion de la victoire et La reine de Bengale (1887), Les musiques bizarres à l’Exposition, (1889), Tokyo (1892), Le roman d’un éléphant blanc (1893),Khou-en-atonou (1898), Les Princesses d’amour (1900), Les Musiques bizarres à l’Exposition de 1900 (1900), Le paravent de soie et d’or (1904), L’Apsara, En Chine (1911), L’Inde éblouie(1913), Le Japon (1912) o Les parfums de la pagode (1919). 22 Entre ellos se encuentran –respetando la grafía original del libro, que por algún motivo no se ha adaptado ni modernizado en la presente edición– Tchan-Lin, Tin-tun-Ling, Li-Taï-Pé, Tchang-Si, Tsé-Tié, Thou-Fou, Tchan-Tiou-Lin, Tché-Tsi, Sao-Nan, Tan-Jo-Su, Sou-Tong-Po, Li – Su –Tchou, Su-Tchou, Haon-Ti, Ouan-Po, Ouan-Tchan-Lin, Han-Ou, Tchan-Oui, Ouan-Oui, Tsoui-Tchou-Tchi, Roa-Li, Chen-Tué-Tsi, Ouan-Tie o Thou-Fou.

de China, entregado a la espiritualidad, la poesía y la bohemia; leyenda e historiografía sostienen que murió ahogado, cuando en una “lúcida” borrachera nocturna se lanzó al agua desde su barca queriendo abrazar la luna.

Las afectadas pero contenidas elecciones e intenciones de Gautier rehúyen lo pompier para trasladarnos a un tiempo y a un lugar pasados, de una extrañeza a medio camino entre lo mundano y lo celestial. Judith organiza los poemas temáticamente –los enamorados, la luna, el otoño, los viajeros, el vino, la guerra y los poetas–, aunque en realidad todas estas temáticas se entremezclan y están casi siempre presentes. En los poemas se aprecia un aire contenido y nostálgico, tanto en la elección de los protagonistas de los mismos (poetas errantes, exiliados, desdichados enamorados) como en la reelaboración parnasiana que de los poemas se ejerce mediante la traducción.23 La

23 Debemos advertir que, como hicieran muchos otros traductores de su tiempo, la traducción de Gautier no es todo lo literal que se esperaría hoy en día, sino que

Li Bai, el “poeta inmortal”.



recreación íntima de la naturaleza –asociada a la propia expresión del yo–, tan característica de la poesía clásica oriental, produce en boca –o manos– de Judith la tan deseada alienación. Víctor Hugo le diría que:

Lleva en usted el alma de esa poesía del extremo Oriente, y pone su aliento en todos los libros. Ir a China es casi viajar a la luna; y usted nos ofrece ese viaje sideral.24

incluye buena parte de reelaboración literaria y adaptación al gusto francés del momento. 24 El libro de Jade. op. cit contraportada.

Quizás, como se señala en el acertado posfacio de Jesús Ferrer, la insistencia en el retrato y descripción del Otro conllevase tanto el deseo como peligro de convertirse en él: ya de niña Judith quiso ser princesa de la China –y en su senectud llegó a convencerse de ello–, y quizás con sus libros lo consiguiera. En este sentido, el orientalismo chino de Gautier entronca con el gusto cortesano por la China imperial del Antiguo Régimen –que gustó de decorar sus grandes palacios con chinerías–, al que otorga una nueva sensibilidad romántica, todavía ajena a la China del opio más propia del decadentismo y, posteriormente, de la novela pulp.

Como la malaria o las fiebres tifoideas, la enfermedad del exotismo, que también padecieron algunos de sus compañeros y contemporáneos como Loti o Baudelaire, fue un mal de la época contra el que ahora estamos advertidos, pero del que, como prueban las deliciosas páginas de El Libro de Jade (quizás filológicamente reprobables) o los numerosos artículos de esta publicación, todavía no podemos evitar contagiarnos.

Judith Gautier en su madurez, vistiendo quimono japonés.



La historia de Marco Polo y el Gran Kan han dejado una rica huella en la cultura audiovisual de época reciente aunque, sorprendentemente, pese a su riqueza y posibilidades, ha sido un tema relativamente poco adaptado frente a otras historias a caballo entre la leyenda y la realidad. Sin embargo, pese a que no encontramos un número tan elevado de producciones audiovisuales, los ejemplos son de lo más variado, tanto en formato como en calidad. En este repaso nos centraremos solamente en los más relevantes.

Para ello, debemos comenzar remontándonos a 1938, a un Hollywood cuajado de estrellas que acababa de estrenar el sonido. Ese año, uno de los galanes por excelencia del star-system, Gary Cooper, dio vida al explorador veneciano en The adventures of Marco Polo, una costosa y muy cuidada superproducción de Samuel Goldwyn. No faltaron todos los tópicos relativos a las invenciones chinas, como la pasta o la pólvora; y por supuesto tampoco podía faltar la trama amorosa, a través del personaje de la princesa Kokachin (encarnada por Sigrid Gurie), quien,

prometida al rey de Persia, termina confesando su amor a Marco Polo. The adventures of Marco Polo es una película clásica de aventuras al uso, cortada por el mismo patrón que tantas otras, en las que lo único que cambiaba eran los decorados y el vestuario, y cuanto más exótico fuese éste, mejor. Así pues, es comprensible que la recepción por parte de la crítica fuese bastante negativa.

En los años sesenta, cabe destacar la adaptación, en clave de ciencia ficción, que se realizó de la historia de Marco Polo para una de las series más longevas de la televisión inglesa: Doctor Who.25 Siguiendo la dinámica de la serie, los protagonistas habituales (el Doctor –en su primera encarnación, interpretada por William Hartnell–, su nieta Susan, y los profesores de ésta, Ian Chesterton y Barbara Wright) viajaban con su nave espaciotemporal, llamada TARDIS, hasta la China del siglo XIII, donde quedaban provisionalmente atrapados por una avería. Allí, eran rescatados por la caravana de Marco Polo y se convertían en agentes activos de la Historia, participando de los acontecimientos que, narrados en forma de aventura de

25 Doctor Who ha constituido un mito dentro de la televisión inglesa. Estrenada por la BBC en 1963, nació como una serie de fuerte componente didáctico, aunque pronto se convirtió en una de las obras de ciencia ficción de referencia dentro del audiovisual. Duró en antena, en una primera etapa, hasta 1989, año en el que fue cancelada. Pero su larga duración había hecho que varias generaciones de ingleses se criasen con la figura del Doctor, de modo que solo era cuestión de tiempo que volviese. Tras un amago en forma de película en 1996, su regreso se produjo en 2005, momento desde el que cosechó un éxito que, hasta el momento, no ha parado de crecer, con ocho temporadas modernas emitidas y una fastuosa celebración de sus bodas de oro.

Marco Polo en la pantalla. Por Carolina Plou

Gary Cooper caracterizado como el veneciano.



ciencia ficción, partían de los hechos reales, de modo que daban a los niños ciertas nociones históricas (siempre a través del Doctor y sus compañeros).

Esta aventura, que seguía la estructura de seriales propia de la denominada serie clásica de Doctor Who, constaba de siete episodios de unos veinte minutos de duración, emitidos entre febrero y abril de 1964. En la actualidad, no se conserva ninguna copia conocida de estos episodios, constituyendo éste el primer serial perdido.26 No obstante, existen reconstrucciones oficiales y extraoficiales de lo más variado, a través del audio y fotogramas conservados, pudiendo encontrarse así los siete episodios y un resumen de los mismos combinando audio y vídeo, o copias comercializadas del audio remasterizado y contenidos extra.27

26 Este material no se conserva en los archivos de la BBC ya que, al parecer, en las décadas de los sesenta y setenta fueron destruidos algunos rollos por motivos económicos y de almacenamiento –en ese momento, era impensable para cualquier directivo de la cadena que esta serie, concebida y producida como un entretenimiento barato para niños, fuera a convertirse en el mito televisivo que es hoy en día, con una legión de fans a sus espaldas–. En total, 97 de los más de 250 episodios emitidos durante los primeros años se encuentran actualmente perdidos. 27 Hemos querido mencionar este serial y darle cabida en este artículo precisamente para subrayar el valor didáctico y el cuidado en las recreaciones históricas que tuvo Doctor Who en sus primeros años, reivindicando la misma más allá de su valor como entretenimiento de culto.

En esta misma década vio la luz Le Fabuleuse aventure de Marco Polo (La conquista de un imperio en España, Marco the Magnificent en inglés), una producción francesa con un elenco de primera fila.

Nombres como Elsa Martinelli, Anthony Quinn, Omar Sharif,28 Orson Welles o Akim Tamiroff desfilan por los créditos de esta película que se ha convertido en una rareza cinematográfica, una pieza relativamente desconocida (especialmente teniendo en

28 Quien, casualmente ese mismo año, estrenaba también Genghis Khan, en la que encarnaba a Temujin, el guerrero mongol que terminaría convirtiéndose en Gengis Kan, fundador de la dinastía y abuelo de Kublai Kan.

El primer Doctor (William Hartnell), junto a sus companions

Barbara Wright (Jacqueline Hill), Ian Chesterton (William Russell) y

Susan Foreman (Carol Ann Ford), acompañados de Marco Polo en

la corte del Gran Kan (uno de los pocos fotogramas existentes,

coloreado a posteriori).



cuenta el elenco integrado, en parte, por personalidades de primerísima fila).

Los avances que se habían producido en los años cincuenta en el cine en color, así como los grandes formatos de pantalla introducidos en la década de los sesenta, propiciaron un auge de películas que utilizaban estos recursos con el fin de aumentar su atractivo para los espectadores. Así pues, géneros como el western, el musical o la ciencia ficción experimentaron un importante desarrollo y, junto a ellos, el cine histórico vivió un momento de esplendor, ya que estos avances tecnológicos permitían una gran espectacularidad en las recreaciones.29

29 Téngase en cuenta, a este respecto, la gran cantidad de títulos que se produjeron en la década de 1960. Por poner algunos ejemplos, citaremos Ben-Hur (que, aunque algo anterior -1959-, ya anticipaba toda esta corriente de superproducciones de época),Espartaco (1960), El Cid (1961), Lawrence de

Aproximadamente dos décadas después, ya en los años ochenta, se estrenó la miniserie Marco Polo, en un momento en el que las series de ambientación exótica se hacían un hueco en las televisiones (sirva como ejemplo Shôgun, estrenada apenas dos años antes, en 1980). Si bien por aquel entonces las producciones televisivas estaban muy lejos de recibir la consideración de la que gozan actualmente,30 esta miniserie compuesta de cuatro capítulos supuso un gran esfuerzo conjunto por parte de Estados Unidos e Italia, convirtiéndose en su momento en la producción más cara de la televisión, en parte por su rodaje, que se trasladó no solo a Italia y Marruecos, sino que se apostó por rodar en los enclaves originales, desplazándose equipos a Nepal y China.

Arabia, La Conquista del Oeste (ambas en 1962), Cleopatra (1963), Doctor Zhivago, o la propia Genghis Khan, las dos del mismo año 1965. 30 De un tiempo a esta parte, se ha disparado la cantidad de producciones de ficción para la televisión, así como ha aumentado considerablemente su presupuesto, pero el cambio más radical estriba en la mentalidad, tanto de espectadores como de creadores, que reconocen en la pequeña pantalla un medio creativo lleno de posibilidades. Todos estos factores, unidos a una nueva forma de consumir estos productos audiovisuales por parte de los espectadores, han generado lo que se ha llamado como Edad Dorada de la televisión, un concepto cuanto menos cuestionable pero que da una idea de esta revitalización de la televisión como medio creativo.

Cartel de La conquista de un imperio (fuente: filmin.com, donde

también puede alquilarse la película).

Ken Marshall, el rostro de Marco Polo en la versión de 1982.



Saltamos hasta 2007 para encontrar otra adaptación de la vida de este viajero, en este caso en forma de telefilme, protagonizado por la estrella juvenil Ian Somerhalder.31 Esta cinta producida para televisión incurre en numerosos errores (el más llamativo, emplear a un actor occidental para encarnar a Kublai Kan, algo que todavía resulta más chocante si tenemos en cuenta que en el reparto hay actores de origen o ascendencia asiática), y más que un biopic puede considerarse una película de aventuras que toma como excusa el nombre

31 Esta condición de estrella juvenil proviene de su papel en The Vampire Diaries(2009-actualidad), que le ha valido numerosos premios en los Teen Choice Awards (entre ellos, el de Mejor Actor de Ciencia Ficción en Televisión y el de Hombre Más Sexy, ambos revalidados durante varios años consecutivos) y en los People Choice Awards (Química favorita en pantalla –junto a su compañera de reparto Nina Dobrev– y Mejor Actor de Ciencia Ficción en Televisión, ambos en 2014).

de Marco Polo para disfrazarse de histórica. A pesar de ello, resulta correcta como entretenimiento sin mayores pretensiones, por lo que cumple a la perfección la intención con la que fue realizada y no merece, en ese sentido, mayores críticas.

Como podemos comprobar, Marco Polo ha resultado un personaje mucho más atractivo para la pequeña que para la gran pantalla. Ahora, en un momento en el que el consumo de televisión está cambiando a través de plataformas que ofrecen nuevas formas de ver estos productos audiovisuales, una de ellas (y quizás la más conocida), Netflix, ha

recuperado a este personaje histórico para inaugurar su proyecto magno para 2015: ofrecer al menos una temporada de serie de producción propia cada dos semanas. Pero esto ya tendremos ocasión de tratarlo en un futuro.

Ian Somerhalder, caracterizado como Marco Polo.

Imagen promocional de la serie Marco Polo, de Netflix.


Dentro del interesante panorama del metacine japonés,32 nos disponemos a analizar la aportación del peculiar cineasta Takeshi Kitano. Famoso y polifacético actorguionista, director, presentador de televisión, escritor y pintor japonés, Kitano es, asimismo, el realizador más importante de los que han trabajado el género metacinematográfico en Japón.

Takeshi Kitano nació el 18 de enero de 1947 en Tokio. Tuvo una infancia muy pobre, marcada por la ausencia de su padre, y abandonó los estudios de ingeniería para dedicarse a la interpretación. Se inició como actor de comedia en los teatros del barrio de Asakusa durante los años 70, practicando una modalidad de stand-up comedy conocida en Japón como manzai, que se basaba en diálogos trepidantes y en juegos de palabras absurdos. En esta época, formó el dúo conocido como “Beat Brothers”, junto a “Beat” Kiyoshi (Kiyoshi Kaneko) y adquirió fama en todo el país, tomando desde entonces el nombre de “Beat” Takeshi, que aún utiliza cuando participa como actor en sus películas.

32 Ampliaremos el tema del metacine japonés de manera general en próximos reportajes.

Takeshi Kitano: comedia, violencia y… metacine

Dos imágenes de Kitano en Humor Amarillo flanqu

del programa.



Dentro del interesante panorama del nos disponemos a

analizar la aportación del peculiar cineasta Takeshi Kitano. Famoso y polifacético actor, guionista, director, presentador de televisión, escritor y pintor japonés, Kitano es, asimismo, el realizador más importante de los que han trabajado el género

Takeshi Kitano nació el 18 de enero de 1947 infancia muy pobre,

marcada por la ausencia de su padre, y abandonó los estudios de ingeniería para dedicarse a la interpretación. Se inició como actor de comedia en los teatros del barrio de Asakusa durante los años 70, practicando una

conocida en , que se basaba en

diálogos trepidantes y en juegos de palabras absurdos. En esta época, formó el dúo

“Beat Brothers”, junto a “Beat” Kiyoshi (Kiyoshi Kaneko) y adquirió

esde entonces el nombre de “Beat” Takeshi, que aún utiliza cuando participa como actor en sus películas.

Ampliaremos el tema del metacine japonés de

En los años 80 dio el salto a la televisión como showman y presentador de concursos y tertulias (en España es conocido por Takeshi’s Castleemitido durante los 90 y recuperado por Cuatro en 2006), y su primera aparición en cine tuvo lugar en 1983 en la películaNavidad, Mr. Lawrenceórdenes de Nagisa Oshima.

Su andadura en el camino de la dirección cinematográfica comenzó de manera totalmente fortuita durante el rodaje de Violent Cop (Sono Otoko, Kyobou no Tsuki, 1989),33 inicialmente dirigida por Kinji Fukasaku y protagonizada por Takeshi Kitano. Ante la renuncia del director, Kitano se ofreció al productor, Hisao Napara dirigir él mismo la película, y éste aceptó. Ya en este film empieza a definir un estilo característico y un tipo de protagonista icónico (violento y taciturno), que veremos en muchas de sus películas posteriores. Con esa intención, Kitano reescribió el guión y puso el acento en los aspectos dramáticos de la historia, intentando desligarse de la imagen

33 Para un estudio exhaustivo de su filmografía (únicamente hasta el año 2005), conviene consultar la monografía de Luis Miranda: Miranda, L.,Kitano. Madrid, Cátedra, 2006.

Takeshi Kitano: comedia, violencia y… metacine.

Dos imágenes de Kitano en Humor Amarillo flanquean el logo

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En los años 80 dio el salto a la televisión y presentador de concursos y

tertulias (en España es conocido Takeshi’s Castle o Humor Amarillo,

emitido durante los 90 y recuperado por Cuatro en 2006), y su primera aparición en cine tuvo lugar en 1983 en la película Feliz Navidad, Mr. Lawrence (Furyo), a las órdenes de Nagisa Oshima.

Su andadura en el camino de la dirección omenzó de manera

totalmente fortuita durante el rodaje Sono Otoko, Kyobou no

inicialmente dirigida por Kinji Fukasaku y protagonizada por Takeshi Kitano. Ante la renuncia del director, Kitano se ofreció al productor, Hisao Nabeshima, para dirigir él mismo la película, y éste

film empieza a definir un estilo característico y un tipo de protagonista icónico (violento y taciturno), que veremos en muchas de sus películas posteriores. Con esa

eescribió el guión y puso el acento en los aspectos dramáticos de la historia, intentando desligarse de la imagen

Para un estudio exhaustivo de su filmografía

(únicamente hasta el año 2005), conviene consultar la monografía de Luis Miranda: Miranda, L., Takeshi

. Madrid, Cátedra, 2006.

Takeshi Kitano: comedia, violencia Por Laura Martínez



de bufón televisivo que se había creado, pero sin llegar a conseguirlo. Es por ello que podemos apreciar una dualidad tragicómica en todos sus personajes, pero que pasa desapercibida al espectador occidental que desconoce la figura del cómico “Beat” Takeshi.

Su siguiente película fue Boiling Point (3-4x Jugatsu, 1990), ya escrita y dirigida por Kitano, y en ella predomina un tono absurdo y hermético, hasta el punto de ser considerada una “película áspera, sombría e inhumana”.34 En este film, dos miembros de un equipo de béisbol junior se ven mezclados con la yakuza,35y buscarán venganza para su entrenador en Okinawa, contando para ello

34 Miranda, L., Takeshi Kitano. Madrid, Cátedra, 2006. P. 186. 35 Yakuza es el nombre con el que se conoce a la mafia japonesa que, siguiendo un estricto código derivado de los samuráis, controlaba el contrabando, las apuestas, la extorsión o el tráfico de drogas y armas. Podemos rastrear su origen hasta el Japón feudal, y su característica primordial son los tatuajes que cubren gran parte de su cuerpo.

con la ayuda de un yakuza retirado llamado Uehara, interpretado por Takeshi Kitano.

Al año siguiente Kitano rodará Una escena en el mar (A scene at the sea/Ano Natsu, Ichiban Shizukana Umi, 1991), protagonizada por un joven sordomudo apasionado del surf que, acompañado por una chica con la misma discapacidad, conseguirá obtener un trofeo en una competición para acabar desapareciendo en el mar, dejando atrás su tabla.

Tras estas películas sumamente sencillas en términos cinematográficos, y bastante irregulares, estrenará en 1993 Sonatine (Sonachine), un film con una narrativa más compleja, que sigue el esquema de género yakuza-eiga aunque operando en él una deconstrucción mediante la ironía, gracias al uso del gag y a la estilización del arquetipo del yakuza, hasta el punto de que esta película ha llegado a convertirse en todo un prototipo del género en términos de postmodernidad.

Violent Cop (1989).

Sonatine (1993).



En 1994 sufrió un grave accidente de motocicleta, tras el cual su cine se vuelve más reflexivo y comienza a pintar, lo que se refleja en una mayor preocupación estética en sus películas. Tras las irrelevantes Getting Any? (Minna yateru ka/ ¿Todo el mundo lo hace?, 1995), que supuso a la vez un experimento de vanguardia y una parodia del género cómico, y Kids Return (Kidzu ritan, 1996), que trata sobre dos jóvenes de instituto que se dedican al boxeo; el punto de inflexión llegó con Hana-Bi (Flores de fuego, 1997),36 película que le catapultó al éxito internacional. Con este violento drama sobre un policía que debe enfrentarse a la mafia y a la enfermedad terminal de su esposa, Kitano alcanzó el reconocimiento a nivel internacional, obteniendo el León de Oro de Venecia en 1997 así como el respaldo de la crítica. Todo ello fue propiciando un cambio 36 Esta película tiene así mismo un importante tejido intertextual que no vamos aquí a comentar, y que puede consultarse en Miranda, L., Takeshi Kitano. Madrid, Cátedra, 2006, pp. 280-288.

en la imagen que de este cineasta se tenía en Japón, pasando de ser considerado un bufón televisivo a convertirse en un respetado autor, y gran embajador del cine japonés a nivel internacional.

Tras este enorme éxito, continuó realizando películas como El verano de Kikujiro (Kikujiro no natsu, 1999), Brother (2000) o la muy aclamada Dolls (Dooruzu, 2002), con una puesta en escena y una fotografía donde destaca el impecable tratamiento del color, que emplea para contar tres historias de amor distintas combinadas con gran elegancia y usando como hilo conductor el tradicional teatro de marionetas japonés: el bunraku.37

37 La película comienza con una escena de la obra titulada El mensajero del infierno(Meido no Hikyaku), escrita en 1711 por Monzaemon Chikamatsu, uno de los principales dramaturgos japoneses, cuyas tragedias

Hana-bi (1997).

Dolls (2002).



En 2003 estrenó Zatoichi, una película ambientada en el siglo XIX en la que cuenta la historia de un samurái ciego, y con la que obtuvo unos excelentes datos de taquilla en Japón.

Alcanzado el éxito comercial, Kitano inicia un periodo de auto-reflexión, elaborando tres películas de gran interés que componen lo que podríamos denominar una trilogía sobre el arte: Takeshis’ (2005), Glory to the Filmmaker! (Kantoku Banzai!, 2007) y Aquiles y la tortuga (Achilles to Kame, 2008).

En la primera de estas tres películas, Takeshis’ (2005), asistimos al desdoblamiento de la figura de Takeshi Kitano, que interpreta, por un lado, el papel de Beat Takeshi, un exitoso actor convertido en celebridad, y por otro a un aspirante a actor, totalmente desconocido, llamado Kitano. Ambos personajes se encuentran durante un casting y desde entonces sus realidades parecen entremezclarse, formando un relato repleto de fantasía y ensoñaciones, con toques surrealistas y pinceladas de humor absurdo.

Por su parte, Glory to the Filmmaker! (Kantoku Banzai!, 2007) cuenta la historia de un director de cine en plena crisis creativa que, ante el reto que le supone su próxima película, tantea los diferentes géneros del cine japonés, mostrándonos así un panorama de la cinematografía nipona (del más clásico Ozu, a las exitosas películas de terror de los últimos tiempos). Asimismo, Kitano realiza una crítica sobre su propia obra a través de diversos gags cómicos, para

suelen tratar de la huida de una pareja de enamorados que acaban suicidándose. Esta trágica historia condiciona el hilo argumental del film de Takeshi, además de inspirar los vestuarios diseñados por Yohji Yamamoto, e imponer un colorido exuberante, que resulta el principal atractivo de la película.

acabar manifestando su angustia existencialista ante el arte.

Finalmente, en Aquiles y la tortuga (Achilles to Kame, 2008), Kitano interpreta a un pintor apasionado pero que no consigue el éxito comercial, lo que le sirve para reflexionar sobre los mecanismos imperantes en el mercado artístico y la dicotomía existente entre talento y éxito, que no siempre van de la mano. Además, esta película resulta interesante porque las obras artísticas que aparecen en ella fueron realizadas por el propio Kitano que, como hemos comentado, también se dedica a la pintura.

Tras estas experiencias metacinematográficas, Takeshi Kitano retomará el género del yakuza-eiga con la película Outrage (2010), y su reciente secuela Outrage Beyond (Outrage 2, 2012). En estas últimas películas, el director vuelve

Glory to the Filmmaker (2007).


al tema de la yakuza, mostrándonos un mundo de corrupción, traiciones y venganzas.

Así pues, como hemos ido viendo, la mayoría de las películas de Kitano son dramas policíacos o relacionados con la mafia japonesa, en los que configura una auténtica “estética de la violencia” comparable a la de su contemporáneo Tarantino. En términos cinematográficos, su estilo se caracteriza por el uso de encuadres muy cuidados, donde prima el estatismo por los escasos movimientos de cámara, y a esto hay que añadir un ritmo lento y una contención emocional que lo hacen heredero del cine japonés más clásico, hasta el punto de llegar a ser considerado “el más oriental de los cineastas japoneses”.38

A esta herencia cultural de la japonesidad cine-matográfica debemos añadir el sustrato cómico del que parte, y que Kitano convierte en un humor sumamente inexpresivo, como su propio rostro, fundamentado en la clásica estructura del gag cómico, que emplea en muchas de sus películas.

Por otra parte, bajo esta aparente comicidad, subyace un complicado mundo interior que Kitano deja entrever en muchas de sus obras, transmitiendo un componente filosófico y

38 Por contraposición a Akira Kurosawa, que siempre ha sido considerado “el más occidental de los cineajaponeses”. Miranda, L., Takeshi KitanoCátedra, 2006, p. 94.



, mostrándonos un mundo de corrupción, traiciones y venganzas.

Así pues, como hemos ido viendo, la mayoría de las películas de Kitano son dramas policíacos o relacionados con la mafia japonesa, en los que configura una

“estética de la violencia” comparable a la de su contemporáneo Tarantino. En términos cinematográficos, su estilo se caracteriza por el uso de encuadres muy cuidados, donde prima el estatismo por los escasos movimientos de cámara, y a esto

dir un ritmo lento y una contención emocional que lo hacen heredero del cine japonés más clásico, hasta el punto de llegar a ser considerado “el más oriental de

idad, subyace un complicado mundo interior que Kitano deja entrever en muchas de sus obras, transmitiendo un componente filosófico y

Por contraposición a Akira Kurosawa, que siempre ha sido considerado “el más occidental de los cineastas

Takeshi Kitano. Madrid,

trascendental realmente elevado. De esta forma, nos hace reflexionar sobre diversos cuestionamientos morales, muchas veces entroncados con el siempre presente tema de la violencia, o nos transmite su filosofía a veces nihilista y decadente, derivada del grave accidente de tráfico que sufrió. Así mismo, en diversas ocasiones Kitano aprovecha para reflexionar sobre la figura delproducción cinematográfica, o sobre su propia labor como cineasta, y esto es lo que hace de él una figura tan representativa del metacine japonés.

Carteles de Outrage (2010) y su secuela

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trascendental realmente elevado. De esta forma, nos hace reflexionar sobre diversos cuestionamientos morales, muchas veces entroncados con el siempre presente tema de la violencia, o nos transmite su filosofía a veces nihilista y decadente, derivada del grave accidente de tráfico que sufrió. Así mismo, en diversas ocasiones Kitano aprovecha para reflexionar sobre la figura del artista y la producción cinematográfica, o sobre su propia labor como cineasta, y esto es lo que hace de él una figura tan representativa del

(2010) y su secuela Beyond Outrage (2012).




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Como grupo, como leyenda y como icono, poco hay que decir para presentar a Los Beatles. La banda que revolucionó la música y la industria discográfica y que hizo enloquecer a toda una generación saltó a la fama en 1963, con el lanzamiento de su primer álbum, Please Please Me. A partir de ahí, vivieron una más que intensa carrera que terminó en 1970 con el disco Let it Be y la disolución del grupo, con los cuatro de Liverpool tomando caminos diferentes. Y, si bien ya habían hecho historia y su huella en el imaginario colectivo era imborrable, en 1980 el asesinato de John Lennon terminó de convertir al cuarteto en una de las más poderosas leyendas del siglo XX.

A lo largo de la década que John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr estuvieron juntos, Los Beatles ofrecieron cerca de cuatrocientos conciertos (en su mayoría, además, concentrados entre 1962 y 1964), grabaron cuatro películas y publicaron veintiún álbumes (además de 13 EPs y 61 sencillos), a los que debe sumarse la bulliciosa actividad promocional. Una parte muy importante de toda esta actividad (la gran mayoría de sus conciertos –todos salvo una treintena–, trece álbumes y dos películas) tuvo lugar en los primeros años, entre 1963 y 1965, ofreciendo un panorama frenético a los cuatro jóvenes artistas, de modo que en 1965 la idea de abandonar las actuaciones en directo resultaba más que tentadora. Sin embargo, a lo largo de 1966 ofrecieron todavía 28 conciertos: uno en Londres, una mini-gira en Alemania, una mini-gira en Asia y una gira en Estados Unidos (que concluiría

con el último concierto oficial de la banda, el 29 de agosto en el Candlestick Park de San Francisco).39

Esta mini-gira asiática fue una experiencia particularmente agridulce para los Beatles, puesto que, aunque consiguieron algunos de los hitos que les convirtieron en una banda única en la historia de la música contemporánea, fueron mucho mayores los problemas y los malos momentos que vivieron en su brevísimo periplo oriental, al que dedicaremos las próximas líneas.

En verano de 1966, los Beatles emprendieron sus últimas giras: el 24, 25 y 26 de junio estuvieron en Alemania,40 y a continuación cruzaron el globo para actuar en Japón y Filipinas.

39 Después vendría el Concierto en la Azotea, el 30 de enero de 1969, pero aquella fue otra historia. 40 El mini-tour alemán recorrió Munich, Essen y Hamburgo, en este orden.

El fin del directo. La penúltima gira de Los Beatles. Por Carolina Plou

Los Beatles en Japón.



A mediados de agosto, concluyeron sus compromisos con una gira por Estados Unidos.41

En Japón actuaron los días 30 de junio y 1 y 2 de julio, ofreciendo en tres días cinco conciertos en un entorno tan privilegiado como polémico: el Nippon Budokan. Este estadio de artes marciales, levantado con motivo de las Olimpiadas de 1964, acogió por primera vez un concierto en esta ocasión, lo cual generó numerosas protestas de sectores conservadores que consideraban que con este evento se pervertía o vulneraba la sacralidad de un lugar destinado a las artes marciales como parte idiosincrática de la tradición nipona.

41 La gira veraniega norteamericana tuvo lugar entre el 12 y el 29 de agosto, y en ella visitaron Chicago, Detroit (dando en ambas dos conciertos el mismo día), Cleveland, Washington, Filadelfia, Toronto (también con dos actuaciones), Boston, Menfis (de nuevo con sesión doble), Cincinnati, San Luis, Nueva York, Seattle (última ciudad en la que repitieron actuación), Los Ángeles y San Francisco.

Estas protestas, no obstante, no lograron impedir que la banda realizase las actuaciones que tenía concertadas, aunque sí causaron que la visita de los Beatles a Japón estuviera rodeada de la máxima seguridad: la proporción entre policía y asistentes en los conciertos era de aproximadamente un agente por cada tres espectadores, y los protocolos fuera del escenario no quedaban atrás: en el hotel Tokyo Hilton se preparó su alojamiento en la planta superior, cerrándose el paso a los ascensores en una planta anterior, de modo que las suites que ocupaban los Beatles y su equipo quedaban completamente incomunicadas con el resto del hotel; igualmente, todos sus movimientos estaban estrictamente controlados y fuertemente escoltados.

Con cierta (y lógica) sensación opresiva, los cuatro jóvenes intentaron burlar esta seguridad y huir de fiesta, sin embargo el intento fue frustrado. John Lennon consiguió salir del hotel, aunque la respuesta de la policía fue amenazar con retirar todo el dispositivo de seguridad, amenaza que, de manera muy efectiva, convenció a la banda de que debían mantener buen comportamiento.

Estadio Nippon Budokan, donde tuvieron lugar los conciertos de los

Beatles en Tokio (fuente: wikipedia).



Pero todo esto no quedaría sino en algo anecdótico en comparación con lo que ocurrió en Filipinas. Los conciertos en Manila tendrían lugar el día 4 de julio, en sesión de tarde y noche, pero los problemas comenzaron prácticamente desde el momento en el que aterrizaron. Su primera obligación fue atender a los medios en una rueda de prensa, algo que hicieron a desgana, en parte por el cansancio y en parte porque estaban cansados de que se les planteasen constantemente las mismas (y absurdas) preguntas.42 También evidenciaron un desconocimiento del país en el que se encontraban, algo que se había vuelto habitual, dado el frenético ritmo que llevaban, que les impedía además disfrutar en sus estancias de los diferentes países que visitaban: únicamente conocían los hoteles en los que se alojaban, los estadios en los que tocaban y las fuertes medidas de seguridad alejando a las multitudes enfervorecidas. Todo lo que sucedió en aquella rueda de prensa fue visto por los medios como un desdoro, creando ya desde la llegada de los Beatles un cierto malestar y transmitiendo una imagen negativa del grupo y de su visita.

Esta imagen negativa se vería acrecentada por parte de la propia prensa, cuando el periódico local Manila Sunday Times anunció que los

42 El experto Mark Lewisohn cita algunas de ellas, como “¿Cuándo vas a casarte, Paul?” o “¿Cuándo fue la última vez que te cortaste el pelo, George?”, en su libro The Complete Beatles Chronicle, Nueva York, Harmony Books, 1992.

Beatles iban a honrar a Imelda Marcos, por aquel entonces Primera Dama de Filipinas, y a tres jóvenes de la familia Marcos con pases especiales para sus conciertos, así como con una visita al Palacio de Malacañán (residencia oficial de la presidencia filipina) en la mañana del día 4. Sin embargo, nada de esto estaba en la agenda de los Beatles, quienes solo habían conocido, de manos del promotor local, Ramón Ramos, una breve visita al Palacio una hora antes del primer concierto (programado a las 4 de la tarde), cita que habían rechazado desde el primer momento, puesto que deseaban llegar al estadio con antelación suficiente para poder realizar los ensayos y pruebas de sonido pertinentes.

Así las cosas, y para evitar mayores tensiones, fue al parecer el promotor local quien dejó las cosas estar durante aquel domingo. La mañana del lunes, el día señalado para la supuesta cita en palacio y los dos conciertos, fue Brian Epstein, manager de los Beatles, quien se negó a que el cuarteto acudiese a aquella recepción oficial, y se centraron en las

Palacio de Malacañán, en Filipinas (fuente: wikipedia).



actuaciones que darían esa tarde y noche. Ambos conciertos fueron un rotundo éxito, congregando un aforo de treinta mil personas el primero y cincuenta mil el segundo (convirtiéndose así en el segundo concierto más multitudinario de la historia de los Beatles, solo superado por el celebrado en el Shea Stadium de Nueva York en 1965).

Sin embargo, lo que parecía haber sido una jornada para el recuerdo en la carrera de los cuatro de Liverpool pronto se tornaría en pesadilla: la prensa, con el Manila Times a la cabeza, comenzó a hacerse eco del desplante que los Beatles habían hecho a la Primera Dama,43 exagerando la historia en su beneficio. Si el día 3 publicaron que la cita en el Palacio reuniría a los músicos con Imelda Marcos y tres jóvenes fans de su familia, el día 5 las noticias que veían la luz hacían referencia a una multitud de niños invitados a Palacio para conocer al grupo que esperaron durante horas para terminar yéndose, desilusionados y entre lágrimas, sin haber podido saludar a sus ídolos. Esta noticia causó gran agitación social, llegando a recibirse amenazas de bomba y de muerte tanto en el hotel en el que se alojaban los Beatles como en la embajada británica.

En cuanto fue consciente de la magnitud del asunto, Brian Epstein trató de ponerle remedio y lavar la imagen pública de los Beatles en Filipinas a través de un comunicado televisado en el que la banda aclarase el malentendido y se disculpase con sus fans. Pero tampoco funcionó: un fallo en la emisión provocó que se emitiese únicamente una señal de vídeo, sin audio, de manera que no se pudo escuchar lo que los

43 Una figura, Imelda Marcos, tremendamente influyente, para la que el cargo de Primera Dama no se limitaba al rol de esposa del presidente, sino que ocupó un papel activo en la política filipina, desempeñando varios cargos y llegando a recibir el apodo de Mariposa de Hierro.

Beatles tenían que decir, y, con los ánimos caldeados por las noticias recientes, se interpretó más como una nueva burla de la banda que como un desafortunado error.

La salida del país tampoco fue fácil. Se les exigió el pago de una serie de tasas e impuestos de las que, en teoría, debía hacerse cargo el promotor local, pero que fueron demandadas al grupo. El dispositivo de seguridad fue anulado, de modo que el desplazamiento al aeropuerto fue una carrera de obstáculos, cuya última etapa fue la más complicada y surrealista: con la connivencia del jefe del aeropuerto, las escaleras mecánicas fueron desactivadas, y finalmente los Beatles fueron alcanzados por una tumultuosa multitud que, según publicaría el Manila Times con el mismo sentido de la realidad que ya había demostrado previamente, propinaron respectivas palizas a los miembros del grupo y a sus acompañantes; aunque en realidad, y tal como declararon ellos mismos, solo recibieron algún que otro empujón.

En cualquier caso, subir al avión no fue el alivio definitivo. Una vez embarcados y antes de despegar, el piloto recibió la orden de que

Brian Epstein, manager de los Beatles,

en 1965.



Mal Evans44 y Tony Barrow45 debían descender del avión. En declaraciones posteriores, Barrow comentaría que temió ser detenido o incluso algo peor, llegando a exclamar, antes de abandonar la cabina de pasajeros: “Decid a mi esposa que la quiero”.

Una vez en tierra, Evans y Barrow descubrieron que se les había hecho bajar a ellos dos como representantes de todo el grupo, para explicarles que, en un muy oportuno fallo burocrático, se habían perdido los papeles de entrada al país, de modo que los Beatles y todos sus asistentes constaban como inmigrantes ilegales, y por tanto no podían abandonar el país hasta que no regularizasen su situación. Tres cuartos de hora más tarde, con el papeleo resuelto, el avión despegaba, para alivio de sus pasajeros.

Quién sabe si por el riesgo a un conflicto diplomático o si motivado por alguna otra razón, poco después de que los Beatles abandonasen Filipinas para nunca más volver, el Presidente Marcos publicó un comunicado oficial, en el que se reconocía que no había habido por parte de los Beatles ninguna intención de faltar al respeto o causar ofensa ni a la Primera Dama, ni al Gobierno, ni a la República de Filipinas. Este mensaje, publicado tardíamente y que no pretendía apaciguar los ánimos durante la visita de los músicos sino cerrar un episodio de tensión social, puso punto y final a una aventura asiática en la que los Beatles hicieron historia una vez más: tanto en Japón, estrenando el Budokan como recinto de conciertos,46 como en Manila, logrando el

44 Roadie de la banda, encargado de los aspectos técnicos del directo. 45 Jefe de prensa de los Beatles, a quien se atribuye la denominación de Fab Four para el cuarteto. 46 Por el que posteriormente pasarían bandas y artistas consagrados internacionalmente como Bob Dylan, KISS, Oasis, Depeche Mode, Eric Clapton o Deep Purple, quienes además realizaron una grabación del concierto (junto a otros dos ofrecidos en Osaka),

segundo concierto con mayor asistencia de su carrera.

Como comentábamos al principio, en 1965 la idea de abandonar los directos y dedicarse únicamente a la grabación de discos resultaba más que tentadora para los Beatles. Después de la negra experiencia que vivieron en Manila, abandonar las giras no era sino la única opción viable. Los Beatles habían llegado a ser un fenómeno incontrolable incluso por ellos mismos, cuya magnitud no conocía límites, y su popularidad, la imagen pública que ofrecían y la influencia que ejercían en un amplio sector de la sociedad les convertían en algo más que músicos (precisamente, tras la minigira asiática, los Beatles se vieron inmersos en una nueva polémica por las declaraciones de Lennon de ser “más populares que Jesús”), una posición cada vez más difícil de manejar.

comercializando una selección de los mejores temas en el disco titulado Made in Japan, que revolucionó los discos de directo.

Para saber más:

- Ejemplar de la revista Life que dedica un reportaje a la estancia de los Beatles en Japón, disponible aquí (a partir de la página 71).

- Lewisohn, Mark, The Complete Beatles Chronicle, Nueva York, Harmony Books, 1992.




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Incontables resultan los artículos que hemos realizado en Ecos de Asia centrados en el manga y el anime japonés: monografías sobre autores concretos, obras o géneros, además de la recepción en España del manganime o de fenómenos globales en los que se ve también inmersa esta parte de la cultura japonesa contemporánea.

Hoy vamos a plantear un breve epígrafe generalista, dividido en dos artículos de los cuales presentamos hoy el primero, que pudieran servir como marco para muchos de los textos anteriores, y que se dedican a mostrar las herramientas que han hecho posible que todo este género cultural se extienda a lo largo del mundo occidental. Algo, a priori, extraño. Si pensamos en los aparatos electrónicos producidos por grandes marcas japonesas como Sony o Toshiba –desde aparatos de lectura de CD hasta videoconsolas- son concebidos desde su origen para el consumo interno del país, pero también para la exportación. Lo mismo sucede con los automóviles (en los que Toyota o Mitsubishi son marcas reconocidas y compradas a nivel mundial) o con multitud

de productos, que funcionan bien dentro y fuera de las fronteras del archipiélago nipón. Sin embargo, el manga y el anime no parecían creaciones que pudieran tener una fácil recepción más allá del mercado interno: ¿entendería fácilmente un occidental las reminiscencias al teatro Noh o Kabuki, el prisma religioso japonés –con su posición propia acerca del cristianismo- o la forma de concebir el sexo y su representación?47 No parecía algo muy probable. La sociedad japonesa tiene fama tanto de culta como de cerrada en sí misma, y su cultura visual parecía un fiel reflejo de ello.

La propia forma de lectura, de derecha a izquierda, desde lo que consideramos en Occidente contraportada hasta nuestra portada, resultaba de por sí algo extraño en manos europeas o norteamericanas, acostumbradas además a un estilo visual que no terminaba de encajar con los ojos grandes y las expresiones y onomatopeyas tan características de la tradición local japonesa. Sin embargo, como destaca Paul Gravett (periodista, difusor del cómic a nivel mundial, y uno de los estudiosos de este tema), las series de animación lograban, por el contrario, exportarse con relativa facilidad.48 Lo cierto es que el anime era relativamente más sencillo de vender a productoras internacionales gracias a que

47 Y, de hecho y a pesar de la consolidación actual del manga y el anime en Occidente, sigue dando mucho de que hablar: Fletcher, James, ¿Por qué Japón no ha prohibido los cómics de pornografía infantil?, en BBC Mundo, 08/01/2015. Disponible aquí. [16/01/2015]. 48 Algo hemos escrito en Ecos de Asia acerca de esta llegada en relación a España, a través del influjo de obras como Heidi, Marco, Dragon Ball o Mazinger Z.

La extensión mundial del manga japonés. Por Julio A. Gracia

Imagen del anime basado en el manga Slam Dunk (1990-1996),

Takehiko Inoue. A pesar de ser un manga deportivo (y de asumir

conceptos ligados al deber o a la identificación con el grupo, muy

extendidos en la cultura nipona), se ha exportado a multitud de

países con bastante éxito.



requería tan sólo un nuevo doblaje (en ocasiones ni siquiera aplicado a la canción inicial o al cierre), y como mucho un corte u otro de censura.

La animación japonesa, extendida de forma masiva a través de los nuevos canales de televisión –en España y en Europa- era barata y generaba muchas veces altos índices de audiencia.49 Varias generaciones se criaron con dibujos nipones (a veces con mala calidad de dibujo o con un guion muy simple, pero por ello mismo tremendamente efectivo) y comenzaron a demandar el dibujo manga original en el que se basaba gran parte de la industria de los dibujos animados. Las barreras culturales y las rencillas hacia el Japón más imperialista habían quedado superadas por jóvenes y adolescentes que lo veían como un lugar exótico, ahora rico y con una cultura diferente y atractiva a sus ojos. Cuando Glénat Editions en Francia comenzó a editar el manga Dragon Ball, llegó a tener en la primera mitad de los 90 una tirada media de 300.000 ejemplares. El mercado francés de este producto no ha dejado de 49 Sirvan como ejemplo las cifras crecientes de audiencia de Dragon Ball en España en las cadenas locales: Telemadrid llegó a obtener un 37% de share, mientras que en Valencia la cifra ascendió al 53% y en Cataluña al 58%. Uno de cada tres niños en España había seguido la serie en algún momento. Quesada de la Cámara, Daniel y García Altamira, Jacob, Generación Dragon Ball, Asociación Cultural del Cómic (Japonés), 2008.

crecer (por encima del 300%) en los últimos años, y en otros países (como Alemania, Italia, o la propia España), supone el 50% o más de la mitad de las ventas de cómic y libro ilustrado. El manga ha pasado en apenas dos décadas de fenómeno curioso a competidor principal en los mercados europeos o, incluso, a problema de difícil solución para los historietistas locales. ¿Por qué? Como recoge Paul Gravett, en palabras de Paul Pope (artista especialmente reconocido, tanto por su transgresión como por su trabajo para grandes editoriales norteamericanas), porque el manga ha creado un lenguaje universal que puede calar hondo desde Tokio hasta Lisboa, pasando por San Francisco:

Cómics para todo el globo, así pensaban los japoneses. Ellos me dijeron que su objetivo era crear un estilo de cómic que fuera universal, un estilo para el siglo XXI, comprendido por todos los lectores.

A pesar de que, originalmente, pudiera parecer un producto ligado a una tradición local, lo cierto es que las corrientes del manga y el anime se han hecho universales, hasta poderles aplicar la etiqueta de “glocal” (globales con rasgos locales), pero de eso seguiremos hablando en el siguiente artículo.

Imagen extraída de la película Mi vecino Totoro (1988), dirigida por

Hayao Miyazaki, uno de los mayores representantes de la cultura del

manga y el anime a nivel mundial.

Para saber más:

La mayor parte del artículo se ha basado en la completa obra (que recomendamos desde aquí al lector) de Gravett, Paul, Sixty Years of Japanese Comics, Nueva York, Collins Design, 2004. Recomendamos también a: Tajada Sanz, Cristina, El mercado español del manga: Estado de la cuestión, Actas del Foro Asia-Pacífico, Universidad de Granada, Septiembre de 2006. Disponible aquí.



Si pretendemos juntar el concepto “moda” con el concepto “japonés” nos asaltan un aluvión de imágenes visuales sobre la vida en las metrópolis hipermodernas de Japón: adolescentes disfrazadas de personajes manga, los atuendos llevados al extremo y conceptos que, vistos desde Occidente, nos pueden resultar extraños e inaccesibles.

En este artículo pretendemos perdernos en la Historia y llegar hasta las raíces de la prenda japonesa por excelencia, el quimono, signo realmente identitario de Japón, para más adelante, ver la extraordinaria influencia que una prenda perteneciente a una cultura tan lejana tuvo en la moda occidental de finales del siglo XIX y todo el siglo XX.

El quimono es el vestido tradicional japonés y fue la prenda de uso común hasta los primeros años tras la finalización de la

Segunda Guerra Mundial (1940-1945). El término japonés mono significa cosa, y ki proviene de kiru, es decir, llevar.

De forma muy breve, vamos a explicar las diferentes partes que forman parte del vestuario tradicional japonés. Por debajo del quimono, está el nagajuban, que es como la ropa interior. Los quimonos tienen forma de T y llegan hasta los tobillos, con cuellos escote en V y amplias mangas. El principio básico del quimono es que todos sus componentes tengan forma rectangular y estén unidos a lo largo de líneas rectas; de esta manera, los quimonos podían ser descosidos, lavados y compuestos una y otra vez y así se podía mantener la forma de cada una de las partes del quimono. Otra característica de esta prenda es que no llevan ni botones ni cremalleras. Hay varios tipos de quimonos

El buen quimono. I Por María Postigo

Diferentes partes integrantes del quimono.



usados por hombres, mujeres y niños. El corte, color, tela y las decoraciones varían de acuerdo al sexo, edad, estado marital, del que lo lleva, además de la estación del año y la ocasión durante la que se luce.

El quimono se viste cubriendo el cuerpo de forma envolvente cruzando el lado izquierdo sobre el derecho y sujetándolo con un cinturón de tela muy ancho llamado obi. Sobre elobi, se dispone el obijime (banda decorada que se utiliza para sujetar el obi con firmeza), y por dentro, el obiage (una complicada pieza utilizada para sujetar el obi a la espalda con más firmeza y que ayuda a que el conjunto luzca de manera más bella, ya que los obiage tienen también preciosos motivos decorativos). Existen muchos tipos de obi y formas de atarlos, cada una se usa para ocasiones distintas, las más populares son entre otras, el maru obi -es la manera más formal de usarlos, es indispensable para las ocasiones formales. Lleva excesivos diseños por ambos lados-, el fukoro obi -es el obi que está un nivel más debajo de la formalidad que el maru obi y puede ser utilizado en ocasiones formales, pero también en ocasiones semi-formales. No tiene diseño por la espalda- o el más liviano, nagoya obi -que se empezó a utilizar a partir de 1916 y se convirtió en el más utilizado-.

El estilo de los quimonos ha cambiado de manera muy significativa en los diferentes periodos de la Historia Japonesa. Según las técnicas textiles japonesas se iban desarrollando, estos cambios se veían reflejados en la indumentaria. El concepto

que hoy tenemos como propiamente un quimono viene de la era Heian (794-1192), cuando la técnica de confección de esta prenda tuvo un gran desarrollo. En este momento, los japoneses expresaban su percepción de los cambios que ocurrían en

diferentes estaciones del año según los cambios de color de sus prendas. Hubo en este momento, diferentes tipos de quimono, pero el que más nos interesa por su trascendencia posterior es el conocido como juni-hitoe.

En estas imágenes podemos observar al completo, las diferentes

capas del quimono Heian.



El juni-hitoe es un tipo de indumentaria que vestían exclusivamente las mujeres de la corte Heian, uno de los vestidos más complicados de la historia de la moda. El término Juni-hitoe significa literalmente “12 capas”. Hasta 1074 aproximadamente no era raro encontrar

a mujeres nobles que llevaran hasta 40 capas, pero tras 1074 el número de las mismas se redujo hasta cinco. Realmente lo que es más importante es conocer el significado de cada una de esas capas: el color de cada tela reflejaba muchas cosas como las virtudes de

una buena mujer o elementos de la naturaleza. No se sabe con certeza el porqué de ponerse tantas telas: unos apuntan hacia la dureza de los inviernos japoneses mientras que otros señalan a una competición entre las

mujeres de la corte.

El juni-hito empieza por el kosode, es una indumentaria de holgada forma, que puede variar en largura aunque por lo general llega a la altura de las rodillas o de media pantorrilla y que está realizada en seda teñida de blanco o rojo. Sobre el kosode se disponía el hakama, una pieza con forma de gran pantalón que muestra muchas variantes y que cambiaba dependiendo de la ocasión y de la situación marital de la mujer -el hakama también era utilizado por los hombres, y aún se utiliza en la indumentaria de los actores de teatro kabuki. La siguiente capa es el hitoe, la primera tela que era visible. Era una capa muy fina, que podía ser de color blanco, rojo o verde azulado y sus mangas eran mucho más largas que el brazo. Sobre el hitoe, se dispone el uchigi, una serie de túnicas de colores muy brillantes sin forro que aportaban una sensación de aumentar capas a la indumentaria. Sobre el uchigi se vestía el uwagi, con un patrón tejido que sólo podía tener decoración con brocados para la Emperatriz y la familia real, realizado en seda. Por último, sobre el uwagi, por encima de todas las capas, se abrigaban con un karaginu, una chaqueta hasta la cintura en estilo chino.

Los colores de cada una de estas telas era una cuestión sumamente importante, ya que, con su combinación (expresada con el término japonés Irome no Kasane) se podían expresar

Vista trasera del quimono Heian.



desde sentimientos hasta incluso la visualización de un poema.

En la era actual, el estilo de los vestidos Heian se continúa usando para las ocasiones muy formales como las bodas o recepciones de la corte.

Ya hemos visto entonces la enorme complejidad existente detrás de esta indumentaria japonesa, que aumenta si tenemos en cuenta que actualmente, hay muchos tipos de quimonos que se utilizan dependiendo de la ocasión. A continuación podemos ver algunos de los más comunes.

Uno de los más conocidos es el uchikake, una parte del traje nupcial. Es un quimono de mangas largas ricamente adornado con bordados de colores muy brillantes y con motivos generalmente de grullas, pinos, agua que fluye y flores. Está confeccionado con la mejor seda y la parte inferior está rellenada para darle más volumen. Se usa encima del shiromuku- vestido nupcial femenino completamente blanco, como símbolo de pureza-como una capa y sin obi.

El furisode es el quimono más formal que usan las mujeres jóvenes, en concreto las solteras. Se caracteriza por unos motivos muy coloridos y exuberantes y de largas mangas, que generalmente llegan hasta los tobillos, características que se emplean para atraer a los posibles pretendientes.

El kurotomesode es el quimono más formal para las mujeres casadas. El patrón de estos quimonos se rige por reglas más conservadoras. Por ello, los colores son más sobrios y las mangas más cortas (entre 55 y 70 centímetros). Es de color negro de fondo y tiene magníficos motivos en la parte inferior colocados de forma asimétrica, con la parte más importante concentrada en la izquierda. Cuanta más edad tiene la mujer, el motivo es

más pequeño y se coloca más hacia la parte inferior. En el caso de una mujer más joven, mayor es el motivo y más brillantes son los colores que lo componen. Considerando su formalidad tiene 5 escudos (mon o kamon) estampados, cuatro en la parte superior de las mangas y uno en la espalda.Los accesorios que emparejan han de ser siempre de color dorado o argentado.

El yukata es un quimono hecho de algodón, que a su vez se divide en dos tipos: uno más elaborado que es utilizado para festivales y fiestas típicas y uno más sencillo, el cual utilizaban los japoneses para dormir.

Houmongi literalmente significa quimono de visita y lo pueden llevar tanto mujeres solteras como casadas en ocasiones semi-formales (visitas o fiestas). Puede ser de cualquier color y los patrones asimétricos están teñidos alrededor del cuerpo sin romperse por las costuras. Es menos formal que los anteriores y normalmente difiere el material exterior con el del interior (forro). El largo de las mangas varía según el estado civil.

Durante el periodo Meiji (1868-1912) Japón se vio influenciado por las culturas extranjeras, y el gobierno optó por favorecer el uso de ropas occidentales. Lo hizo principalmente por medio de una ley, que obligaba a los militares y a los cargos del gobierno al uso de ropas occidentales en los actos oficiales del gobierno y en las funciones de su cargo. Las mujeres de las clases más populares dejaron de usar el quimono a causa de la guerra, ya que muchas de ellas se vieron obligadas a salir a trabajar con ropas más cómodas, reservando el uso de las ropas tradicionales a ceremonias de alta formalidad típicas japonesas.



A lo largo de los artículos anteriores nos hemos referido a muñecas orientales de carácter popular de la más diversa índole. Partimos de unos primeros ejemplos prácticamente fundamentados en modelos occidentales, como son Licca o Jenny. Además, a modo de continuación, hemos tratado el caso de dos muñecas que nada tienen que ver con sus predecesoras: Blythe y Pullip.

En el artículo presente volvemos a referirnos a una variación de fashion doll o muñeca de vestir, las Ball Jointed Dolls o BJD. Podemos afirmar que este es un caso que dista bastante de los anteriores, ya que no se trata de un modelo o molde concreto sobre el que varían aspectos como el maquillaje y el peinado. Ball Jointed Doll es un concepto que se refiere a una forma de construir y articular las muñecas, por lo que, en cuanto a las formas de las mismas, podemos encontrar un amplio abanico de posibilidades que comentaremos con posterioridad.

Ball Jointed Doll es una expresión inglesa que se refiere a las muñecas que cuentan con articulaciones en forma de bola que se unen entre sí a través de cuerdas elásticas tensas. Como nos muestra la imagen, estos cordeles

se extienden por el interior del cuerpo mediante dos estructuras. La primera, de carácter horizontal, parte del pecho hacia los dos brazos llegando a las muñecas de la figura. La segunda, de desarrollo vertical, abarca desde la cabeza hasta los pies.

En cuanto a materiales, mayoritariamente están hechas de resina de poliuretano sintético, un material bastante frágil y perecedero en algunos casos (por ejemplo, la muñeca puede perder progresivamente la tonalidad original de su piel); si bien, podemos encontrar BJDs realizadas con otros materiales como el plástico, siempre conservando el sistema de articulaciones que las caracteriza.

Los tamaños y alturas de esta tipología son bastante variados, así como los tipos de cuerpo. En cuanto a su medida, podemos

Una aproximación a la muñeca popular made in Asia IV: Ball

Jointed Dolls . Por María Gutiérrez

Esquema interior de una BJD. Mediante este dibujo podemos apreciar la estructura de cuerdas que

recorre el cuerpo de la muñeca y le permite los diferentes movimientos.



encontrar desde ejemplares que alcanzan los 90 centímetros hasta figuras mucho más pequeñas que no superan los 15 centímetros.

En cuanto al molde del cuerpo, en general, hemos de subrayar el hecho de que estas muñecas están mucho más proporcionadas que las vistas con anterioridad, dotadas con un cuerpo de largos miembros y normalmente bastante esbelto. Destacan por el preciosismo y cuidado en su manufactura, poniendo especial detalle en pequeños rasgos, como la forma de las uñas o las venas de manos y pies, dotándolas así de un aspecto mucho más realista. A través del modelado del cuerpo se representan tanto diferentes edades como personajes, es decir, podemos encontrar cuerpos infantiles, andróginos, muy musculados o con senos prominentes, todo ello condicionado por la estética con la que el coleccionista quiere dotar a su muñeca.

El rostro es también otro elemento en el que se pone especial atención. El maquillaje de las BJDs normalmente se realiza a mano, lo que lleva a un progresivo encarecimiento. A la hora de pintar se utilizan instrumentos como aerógrafos, diversos pinceles y una especie de barniz que fija los pigmentos y dota a la superficie de la muñeca de un acabado mate. Al igual que las Blythe y Pullip, los ojos son intercambiables, sólo que en este caso, no cuenta con ningún mecanismo que permita su movimiento o el cierre de los párpados. Los globos oculares suelen ser de cristal y se fijan en el interior de la cabeza gracias a una

especie de masilla adhesiva que los mantiene fijos.

A la hora de hablar de los inicios y posterior expansión de esta tipología, nos remontamos al año 1999, cuando la compañía japonesa Volks Inc. lanzó al mercado una primera muñeca que cumplía

En este cuadro podemos apreciar los diferentes tamaños y moldes de BJD propuestos por la firma

Volks.

Modelos básicos de la firma Volks durante el año 2014. El rostro se

maquilla de forma similar variando la peluca y el color de los ojos a

elección del consumidor. Como muestra la imagen, la muñeca se

acompaña de un sencillo atuendo.



con las características mencionadas con anterioridad.

Cabe destacar que esta es una empresa fundada en 1972 especializada en el maquetismo y todas sus vertientes, por lo que la mayor parte de sus productos se destinan a un público principalmente adulto, las BJDs no serían una excepción, tanto por los materiales que las caracterizan, por su coste y por los primeros planteamientos de las mismas. Volks lanzó al mercado un primer ejemplar de Ball Jointed Doll a modo de kit de montaje que el comprador tenía que encargarse de montar y “customizar” a su gusto. Una peculiaridad propia de esta empresa es el nombre que otorga a las muñecas, conocidas como Dollfies o Super Dollsfies. Esta es una denominación que ha terminado por adoptar un carácter general, es decir, las BJDs pueden aparecer denominadas así a pesar de no pertenecer a la compañía Volks.

A partir de 2003, el kit de montaje pasó a convertirse en una muñeca propiamente dicha, ya montada y con carácter limitado. No podemos dejar de resaltar el hecho de que estos primeros ejemplares estaban destinados a un público sobre todo femenino, poniendo de relieve su carácter como fashion doll, creada, principalmente, para ser ataviada al gusto de su propietaria.

El éxito de estas muñecas fue total, y no tardó demasiado en consolidarse, tanto en Japón como en otros países. Uno de los pioneros fue Corea, con marcas como Custom House, creadas con la finalidad de competir con las japonesas en un mercado bastante limitado que ha terminado por atraer a personas de todas las edades y sexos.

China no fue una excepción. A partir de 2005 ha pasado a formar parte de este mercado, ofreciendo al consumidor tanto moldes como estilos novedosos y distintos a los originales. Como algunas de las empresas o marcas más importantes tenemos a Dollzone o Dollmore.

Hong Kong es otra región que ha pasado a ocupar un lugar relevante entre las productoras de BJDs. Destaca, por ejemplo, la firma Doll Heart, que, además de muñecas propiamente dichas, ofrece a los consumidores diversos accesorios y atuendos atendiendo a la escala de las mismas. Esta es una iniciativa bastante acertada e inteligente, que pudo atraer a bastantes coleccionistas en busca de un nutrido armario para sus preciadas figuras.

Modelo Trinity Doll-Pink Voler Lumie-LE10, actualmente a la

venta en la página web de Dollmore. La fotografía nos permite

apreciar la articulación en forma de bola presente en el codo.



En 2007, Estados Unidos se sumó a la producción de muñecas de colección, con empresas como Berdine Creedy, pionera en el continente americano.

Con posterioridad, podemos encontrar firmas europeas dentro del mercado de BJDs, como es el caso de la francesa Dust of Dolls.

A la hora de abordar la situación, podemos afirmar sin ninguna duda, que el consumo de esta tipología de muñecas se ha extendido a prácticamente todo el mundo. Algunas de las empresas mencionadas con anterioridad incluso han creado diversas sucursales en diferentes países con el fin de expandir todavía más este precioso mundo repleto de detalles. Incluso en Kioto, de la mano de la pionera Volks, podemos encontrar un pequeño museo y showroom centrado en

estas muñecas y los nuevos lanzamientos de la compañía.

Por otro lado, a modo de reflejo de esta expansión y apasionamiento por las BJDs, tenemos una serie de eventos que se celebran en diferentes zonas de todo el mundo para reunir a todos aquellos que gustan de estas muñecas. Durante estas reuniones, se suele proceder a mostrar nuevos lanzamientos y moldes, además de novedades en cuanto a accesorios para los mismos. Se trata de una convención que reúne a todo tipo de admiradores de esta tipología, un momento idóneo para apreciar determinados modelos en primera persona, conocer a coleccionistas con los que compartir una afición y disfrutar fotografiando las muñecas ajenas y propias. A modo de ejemplo, destaca la organizada por Volks, conocida como Dolls Party50 que se llevan a cabo en Japón varias veces al año; en este caso, la finalidad principal es comercial, disponiendo modelos limitados al alcance del público, además de exhibiciones y novedades como las ya mencionadas. En algunos de estos casos, las muñecas mostradas no se limitan a BJDs, sino que también podemos encontrar otras tipologías o incluso artículos por parte de diferentes compañías. No sólo en Japón, lugar de origen de esta tipología, se promueven este tipo de eventos: Europa y Estados Unidos también cuentan con sus propias convenciones.

Como hemos indicado a lo largo de los párrafos anteriores, las BJDs se han extendido por todo el mundo, dando lugar a todo tipo de empresas y, en consecuencia, de modelos, moldes, estéticas (más realista o más cercana al anime japonés)…

Al igual que ocurría en las tipologías anteriores, cada vez resulta más común 50 Aquí podemos ver el video realizado a modo de recorrido por la Dolls Party que tuvo lugar en Tokio la primavera del año pasado.

Fotografía tomada durante la Dolls Party 32, que tuvo lugar el

mes de diciembre del año pasado. Este es un ejemplo de la

exhibición y presentación de diferentes modelos novedosos.



encontrar artistas y creadores centrados en la elaboración y “customización” de estas muñecas, respetando siempre el sistema de articulación a través de bolas y cuerdas tensas a modo de unión. El maquillaje del rostro es uno de los campos en los que podemos encontrar una mayor cantidad de nombres propios procedentes de todo el mundo, así cada coleccionista puede adaptar la muñeca a sus preferencias prescindiendo del maquillaje ofrecido por la tienda, disminuyendo así el precio de la compra.

Igualmente, las tiendas se adaptan a estos nuevos cambios ofreciendo todo tipo de modificaciones y novedades a la hora de constituir un modelo completo. Por ejemplo, no es de extrañar que el coleccionista pueda encontrar con facilidad extremidades y apéndices similares a las de determinados

animales, como patas de cabra, diferentes cuernos e incluso alas. Por otro lado, se han lanzado al mercado muñecas que más bien son una especie de animales antropomorfos con rostros humanoides complementados con rasgos como orejas o bien características animales, todos ellos determinados por la teórica especie a la que pertenezca el ejemplar.

Los cuerpos son otro mundo de posibilidades, por los diferentes tamaños y variaciones dentro de la masa muscular de los mismos. Por ejemplo, Dust of Dolls nos ofrece cuerpos con caderas de gran anchura que se complementan con rostros a medio camino entre la fantasía y el realismo. Los elementos fantásticos son una constante: criaturas como elfos, ángeles, demonios o personajes pertenecientes a la mitología tanto oriental como occidental son protagonistas.

Siempre se incide en aquellas zonas que pueden aportar cierta personalidad a la muñeca correspondiente, principalmente el rostro. Si nos centramos en los primeros modelos que salieron al mercado, podemos distinguir un afán de belleza prototípica occidental, de nariz recta y ojos grandes. A día de hoy, la pluralidad de modelos es un elemento característico que aporta rostros procedentes de todo el mundo que buscan distintos tipos de belleza, o que incluso rehúyen de ella defendiendo aspectos grotescos o terroríficos.

A modo de conclusión, queremos poner de relieve de nuevo la apreciación de las Ball Jointed Dolls, como denota lo expuesto con anterioridad, la gran cantidad de tiendas y, sobre todo, los coleccionistas y admiradores que dan a conocer los fantásticos ejemplares en su poder.

Dos muñecas pertenecientes a la línea Homme Lion Doll

(Dollmore). Un claro ejemplo de la incorporación a moldes

humanos de rasgos propiamente animales.



No podemos dejar de destacar la especial atención que se pone ya no sólo en las tiendas y firmas que hemos mencionado, sino en los resultados por parte de los artistas dedicados a la customización de estos modelos, dando lugar a pequeñas obras artísticas. Las BJDs nos sirven de vínculo para conocer elementos de la cultura tradicional, tanto oriental como occidental, gracias al reflejo de trajes tradicionales o mitologías folclóricas; la cultura popular, sobre todo japonesa, o incluso distintos períodos históricos si atendemos, en algunos casos, a la fidelidad y cuidado en sus atuendos.

Para saber más:

Medina, G., Simón, N., Toyland. Made in Asia. Bilbao, Astiberri Ediciones, 2013.

Dos imágenes que ponen de relieve tanto las novedades y modificaciones en torno a los cuerpos como la presencia de criaturas fantásticas:

En el caso de la del lado izquierdo, podemos apreciar el cuerpo propio de los modelos pertenecientes a la casa Dust of Dolls, caracterizados

por la anchura de sus caderas.

Por otro lado, a la derecha, el modelo Victor perteneciente a la firma Iplehouse, concretamente a la línea The Addiction, conformada por una

serie de vampiros y criaturas de la noche.



El pasado miércoles 11 de febrero, en Ecos de Asia tuvimos la oportunidad de entrevistar a la periodista Jiang Yi y al escritor y fotógrafo Tang Ying, ambos de nacionalidad china, durante la visita que realizaron al Museo Diocesano de Zaragoza acompañados por Begoña Arenaz de Enclave China, y el personal del Museo y de Zaragoza Turismo. Su visita se enmarcaba dentro del programa Chinese Friendly, al que la capital aragonesa se encuentra adscrita desde enero del pasado año,51 y se centró en dar a conocer y poner el acento en la atractiva oferta cultural que tanto Zaragoza como Aragón ofrecen.52

51 Chinese Friendly es una interesante iniciativa por la que distintas ciudades y empresas reciben una completa gama de servicios y asesoramiento orientados a potenciar la imagen de la entidad, con el fin de mejorar y adaptar su oferta turística hacia el gigante asiático, facilitando la creación de relaciones emocionales con el turista chino para que éste se vincule con las ciudades y establecimientos que visita. El sistema pone el acento en adaptar la oferta turística a las preferencias y demandas de este tipo de turismo, un sector a tener muy en cuenta ya que las previsiones señalan que para el año 2020 visitarán nuestro país más de un millón de turistas procedentes de China. 52 Además de la visita al Museo Diocesano, ambos periodistas tuvieron ocasión de visitar los principales

Jiang Yi es editora de la revista shangaiana World Traveler, para la que ha realizado gran cantidad de reportajes sobre sus viajes por Europa, América, Oriente Medio y África, además de contar con numerosos artículos y contribuciones para otros periódicos y revistas. Por su parte, los trabajos de Tang Ying en países como Irán, Nepal o Indonesia, entre otros muchos destinos, son habituales en revistas como Traveler, National Geographic Traveler, Shanghai Times o World Traveler.

hitos culturales la cuidad de Zaragoza, como la Catedral del Salvador, la Basílica de Nuestra Señora del Pilar, la Lonja o el Palacio de la Aljafería, así como de desplazarse dentro de la geografía aragonesa hasta destinos emblemáticos como el Monasterio de Piedra o la ciudad de Albarracín.

De Shanghái a Zaragoza. Charlamos sobre turismo con los periodistas Jiang Yi y Tang Ying. Por Staff de Ecos de Asia

El escritor y fotógrafo Tang Ying y la periodista Jiang Yi, durante

su visita al Museo Diocesano.



Pudimos comprobar de primera mano el gran interés que tanto Jiang Yi como Tang Ying mostraron en su visita a las instalaciones del Museo Diocesano, realizando gran cantidad de observaciones y preguntas acerca de las piezas en exposición, demostrando que los entresijos del arte occidental y la Historia de España no les eran en absoluto desconocidos.

Tras la visita, charlamos con ellos sobre aspectos tan interesantes como el turismo en China y en España o la literatura de viajes.

Ecos de Asia: Para empezar, ¿pueden contarnos algo sobre sus trayectorias profesionales?

Jiang Yi: Mi empresa es Traveler Media Group, de Shanghái, en China. Llevamos más de diez años. Tenemos un programa de televisión, afortunadamente tenemos una revista, tenemos una página web, tenemos todo lo que está de moda –ríe-. Intentamos presentar el mundo al pueblo chino. Hablaremos de por qué los chinos tienen miedo de viajar al extranjero, especialmente fuera de grupos… Pues nosotros intentamos explicarles sobre el mundo. Que pueden ir a ese lugar sin miedo, que pueden ir a aquel lugar y hacer aquello, comer esta comida, o relacionarse con los lugareños. No incluimos sitios que estén dentro de China, únicamente del extranjero. La revista lleva 14 años, y el programa de televisión tiene 8. Y en cuanto a mí, desde hace mucho tiempo, me gusta viajar a todas partes. Por supuesto, también por China. China es un país muy grande, con muchas culturas diferentes. Su parte oriental y su parte occidental son completamente distintas. El este es como Barcelona –Shanghái es una ciudad enorme–, pero en el oeste… ¡Incluso la gente tiene un aspecto

diferente! Es todo muy diferente, cuando voy ahí, parece otro país. Afortunadamente, viajo dentro de mi propio país y también fuera. Soy editora de esta revista y he estado en un montón de países diferentes, para después poder contar esa información. He trabajado para mi compañía durante 10 años.

Tang Ying: La empresa trabaja con las oficinas de turismo, tal y como aquí en Zaragoza, así que invitan a la compañía para que haga reportajes en los diferentes países. Yo soy freelance, a veces hago reportajes para ellos. Estudié alemán, y trabajé para una compañía alemana en China

Ecos de Asia: Shanghái ha sido tradicionalmente una ciudad de turistas, de extranjeros ¿Es todavía una ciudad de expats (“expatriados”), de visitantes o es más bien una ciudad “china”?

Tang Ying: Es raro para mí pensar en Shanghái como en una ciudad turística, porque es una ciudad moderna, la primera ciudad moderna de China, inspirada por los occidentales. Mucha gente china viene a Shanghái por las tiendas, todavía no sé por qué –ríe-, si es solo una ciudad. Quizás a ver el Bund… Vienen aquí a comprar un montón de cosas.

Skyline de Shanghái (fuente: wikipedia).



Ecos de Asia: ¿Vienen de Corea y Japón?

Tang Ying: Si, bueno, incluso los chinos, vienen de toda China, desde las provincias, porque es una ciudad moderna, diferente de sus lugares de origen.

Ecos de Asia: La mayoría de españoles, cuando van a China, van a Beijing, al Palacio Imperial, a la Muralla china, no muchos van a Shanghái, solo por negocios. Creemos que es una pena.

Jiang Yi: Bueno, realmente, Shanghái es meramente una ciudad moderna, sin muchas cosas que mostraros, es solo la ciudad. Una ciudad de unos 150 años, muy nueva.

Tang Ying: Pero es interesante, ya que ahora Shanghái preserva muchos edificios antiguos. Es un buen lugar para vivir. Beijing no lo es (vengo de Beijing), está reconstruido. Está hecho para los automóviles, no para los seres humanos.

Jiang Yi: Creo que el Gobierno de China quiere enseñar más de Shanghái al mundo porque es una ciudad muy moderna, con rascacielos por todas partes… también porque es una ciudad de negocios, somos hombres de negocios, muy rápidos. Pero no creo que sea una gran ciudad para los turistas. Sí, puedes venir aquí y disfrutarlo, claro. Es muy especial. Creo que sabéis mucho sobre Japón, ¿no? Bien, en Japón, la ciudad competitiva con Kioto es Osaka, en China esto pasa con Beijing y Shanghái. Kioto representa la Historia y Osaka a los hombres de negocios.

Ecos de Asia: ¿Qué creéis que es más importante para hacer que la gente viaje al extranjero, el texto o las imágenes?

Jiang Yi: Buena pregunta. Ya sabes, esta época es una época de lecturas cortas, no sé en tú generación o en las generaciones más jóvenes, pero creo que es un problema global: la gente joven no quiere leer mucho texto hoy en día, no tienen paciencia. Así que debe haber imágenes bonitas, pero antes que la imagen debe estar la cultura. La joven generación de China conoce España por Barcelona, primero por los Juegos Olímpicos, y luego por los grandes equipos de fútbol, como el Barcelona o el Real Madrid. Esto es muy importante para ellos. Si a alguien le gustan, las películas son también muy importantes para esto; directores como Almodóvar, que es muy famoso en China. Esta es la razón por la que [los chinos] quieren ver algo sobre España.

Tang Ying: Basándome en mi experiencia… Normalmente escribo para revistas: hace diez años podían publicarse artículos largos, de 400 o 500 palabras, pero hoy en día no, solo quieren artículos cortos o solo información,

El Bund de Shanghái en 1928. Todavía conserva muchos de los edificios emblemáticos de esta época.



como dónde comer, [por lo que] son mejores las fotos.

Ecos de Asia: Charlemos ahora sobre el concepto de “Chinese Friendly Places”. ¿Implica esto que hay “Chinese unfriendly places”?

Jiang Yi: No, no, el asunto es que para el turismo chino hay un gran problema con el idioma. El idioma es el mayor problema para ellos. Les da vergüenza hablar en inglés, incluso si saben inglés, aunque muchos, la mayoría de ellos no lo habla… Así que si quieren ir a un país, si verdaderamente quieren, lo primero, es que tienen mucho miedo, qué puedo hacer si voy ahí, que puedo ver, qué puedo hablar, si este sitio es seguro para mí…No se sienten tan seguros. Es decir, no saben cómo ir a cierto museo, qué pueden hacer al salir del hotel… Esto es lo que significa un sitio “Chinese Friendly”, es una compañía muy importante para el turismo chino.

Ecos de Asia: ¿Qué otras dificultades puede tener un turista chino?

Tang Ying: La dificultad principal es el idioma, no sabemos si todos los españoles hablan inglés, nosotros viajamos mucho, así que no es un problema para nosotros pero la mayoría de chinos vienen con grupos turísticos así que no viajan solos, no tienen esta oportunidad de entrar en contacto con los locales, cómo piensan, cómo viven, cómo comen…

Jiang Yi: Creo que hay el mismo problema con los japoneses, especialmente con los más mayores. Los jóvenes, incluso si su inglés no es muy bueno, no tienen miedo de intentar comunicarse.

Ecos de Asia: ¿Es difícil para ellos entender el arte occidental, por la iconografía, el cristianismo y el arte católico? ¿Puede ser un problema para que vengan los turistas?

Tang Ying: Es complicado porque tenéis mucho pasado cultural religioso. Para la joven generación, quizás el trasfondo religioso sea complicado de entender, pero les gusta el arte español. Van a Madrid, al Museo del Prado, incluso a las casas de Gaudí… Les gusta mucho. Me he dado cuenta de que, de entre nuestros amigos, muchos han viajado a España recientemente. No sé por qué, quizás la promoción que se hace desde España sea bastante buena.

Jiang Yi: Pero el arte moderno es fácil de entender. Puedes sentirte identificado, comprender una obra de arte de Picasso, Gaudí… por ti mismo, no es un problema.

La entrevista concluyó con una cordial y risueña Jiang Yi comentando la gran oportunidad de haber podido charlar con Ecos de Asia, ya que, por una vez no era ella la que hacía las preguntas. Confiamos en que Jiang Yi y Tang Ying volvieran a Shanghái con un grato recuerdo de España y que nuestro encuentro no sea sino el primero de una larga lista de conversaciones e intercambios.

Tang Ying y Jiang Yi, acompañados de parte del equipo de Ecos de Asia.



La terapia del shiatsu es una forma de manipulación administrada mediante los pulgares, los dedos y las palmas de las manos, sin el uso de ningún instrumento, mecánico ni de ningún otro tipo, para aplicar presión a la piel humana, con el fin de corregir disfunciones internas, promover y mantener la salud y tratar enfermedades específicas.53

La anterior explicación del shiatsu corresponde a la definición dada por el Ministerio de Sanidad de Japón, país que desarrolla esta terapia manual originaria de China que, reconociendo los efectos terapéuticos del masaje de presión sobre el cuerpo humano, lleva desde 1955 otorgando titulaciones oficiales para las personas dedicadas a la práctica de esta terapia de bienestar y salud.

La medicina tradicional china, que constaba de fitoterapia (tratamiento con plantas medicinales), acupuntura, moxibustión (aplicación de cigarros de carbón de artemisa para calentar determinadas zonas del cuerpo), ampuku (masaje en el abdomen con ambas manos) y anma (técnicas de masaje primitivas de origen chino, consistentes en golpeteos, masajes vibratorios y presiones combinadas), pudo ser introducida en Japón durante el período Nara (710-793) cuando se enviaban barcos con estudiantes y diplomáticos a la China de los Tang (618-917) para aprender el funcionamiento de las instituciones, religiones y la cultura de este país. Fue durante este período cuando las

53 Jarmey, Chirs y Mojay, Gabriel. Shiatsu. Guía completa. Badalona, Editorial Paidotribo, 2008. p. 9.

escuelas budistas, entre ellas la Zen, procedentes de China, se habían asentado y desarrollado en Japón. Los textos sagrados junto con escritos de medicina antiguos fueron incorporados en este último país durante el período Nara, aunque el budismo ya se había introducido oficialmente en el siglo VI.

Durante el período Heian (794-1185) se produjo el traslado de la capital de Nara a Heian (actual Kioto) y continuó la influencia china hasta el siglo IX, en el que los japoneses desarrollaron una cultura con caracteres propios. Aún así, el intercambio cultural seguía produciéndose entre ambos países, aunque ya no se manifestaba la preferencia por lo que procedía de China, sino que se asimilaba y se integraba en lo propio de un país que comenzaba a desarrollarse en unos ámbitos culturales únicos propiamente japoneses. Al igual que se introducían textos y tradiciones de medicina china, también se importaban ejercicios y métodos para el bienestar humano que, en su mayor parte, correspondían a artes marciales (en Japón aún no se conocía ningún arte marcial a excepción del Sumo) o danzas marciales. Entre estas últimas se puede citar la Jian Wu, muy popular durante la dinastía Tang que consistía en un fabuloso método de bienestar y salud, y probablemente constituyó, junto con algunas otras más importadas de China, “la base de danzas que comenzaron a ejecutarse en Japón, muchas de ellas ligadas a

Del anma chino al shiatsu japonés. Por José Ángel García González



determinados ritos religiosos, en su mayoría sintoístas como las Kagura”.54

Además de las técnicas de anma y de ampuku, el shiatsu incorporó técnicas tui-na practicadas en China, fundamentalmente en las escuelas marciales y empleadas para aliviar traumatismos relacionados con las caídas, golpes y torsiones de miembros. A partir de estas asociaciones se incorporaron otras técnicas procedentes de la rama Dian Xue An Mo o masaje por presión en los puntos de acupuntura, siendo esta última una terapia milenaria a la que ya hace referencia el libro más antiguo de medicina tradicional china, el Huang Di Nei Jing (Clásico del Emperador Amarillo) de autor desconocido y fechado entre el siglo V a. C. y el VII d. C.

54 Groemer, Gerald. “The Masters of Sacred Dance in Eastern Japan during the Edo Period”, International Research Center for Japaneses Studies, vol. 23, 2011, pp. 97-118.

Todas estas técnicas y curaciones manuales introducidas en Japón durante siglos sufrieron una degradación importante durante el período Edo (1603-1868) debido al intrusismo profesional llevado a cabo por personas con simples objetivos mercantilistas, lo que provocó que muchos maestros japoneses tuviesen que luchar seriamente por conservar el arte de la curación manual y demostrar sus originales efectos en la sanación de la persona.

Al iniciarse la época Meiji (1868-1912) y producirse una apertura de Japón hacia el resto del mundo, el país comenzó a recibir influencias extranjeras (entre las adoptadas en el área de la medicina se encontraban algunas como el quiromasaje o la quiropráctica importadas de Estados Unidos) que se mezclaron con las técnicas tradicionales existentes hasta ese momento.

El autor recibiendo shiatsu.



Los fenómenos que hemos comentado dieron lugar a una de las dos corrientes principales del shiatsu impulsada por Tokujiro Namikoshi, estableciendo en la década de los 40 del siglo pasado el Instituto Japonés del Shiatsu. Este estilo aplica los mismos conceptos occidentales de diagnóstico y tratamiento de la enfermedad, aunque tratando las zonas donde aparece un dolor o una disfunción con puntos de acupresión de medicina tradicional china. Paralelamente al estilo desarrollado por el maestro anterior, un alumno suyo llamado Shizuto Masunaga, profesor de la facultad de psicología en la universidad de Tokio, comenzó a unir sus

conocimientos de shiatsu con los de la ciencia psicológica y a introducir conceptos de filosofía oriental de la escuela budista Zen, creando la otra corriente principal de terapia: el shiatsu Zen. Además de estos dos estilos anteriores, podemos catalogar algunos otros

como el shiatsu macrobiótico de George Ohsawa y Michio Kushi; el Ohashiatsu que podría considerarse una mezcla de los conceptos de Namikoshi con los desarrollados por el shiatsu Zen de Masunaga; y el watsu (shiatsu aplicado en agua), donde se trabajan las presiones a la persona en un medio acuático, siendo totalmente recomendado a embarazadas y personas con movilidad reducida.

Es a finales de los años 50 del siglo pasado cuando el shiatsu salió de Japón rumbo a Occidente, aunque no sería hasta la década de los años 70 cuando se produjo su mayor expansión por Estados Unidos y Europa, al igual que ocurrió con la mayoría de las artes marciales y filosofías llegadas de Oriente. Esas técnicas ancestrales y milenarias con raíces en India y China tuvieron que cruzar el Mar Amarillo y llegar al país de la diosa Amaterasu para ser difundidas por el resto del mundo. Actualmente, en pleno siglo XXI, la mezcla de estilos y maestros sigue conjugándose, a la vez que avanzan las investigaciones sobre la aplicación de este masaje tradicional japonés en enfermedades y dolencias comunes en la población de numerosos países.

Para saber más:

- Jarmey, Chirs y Mojay, Gabriel, Shiatsu. Guía completa. Badalona, Editorial Paidotribo, 2008.

- Bonet, Inma y San Juan, Vicente, Manual práctico de Shiatsu Zen. Barcelona, Editorial La liebre de marzo, 2005.

- Li Ping, El gran libro de la Medicina China. Madrid, Editorial Martínez Roca, 2002.



Son muchos los conocidos términos que, desde unas disciplinas u otras, hacen referencia al estudio del ámbito asiático, sin embargo hay que hacer referencia a un término bastante reciente que ha surgido en pleno auge de las estéticas retrofuturistas: elvictorientalismo. Éste es un concepto acuñado para hacer referencia a la vertiente de corte asiática u oriental dentro del movimiento steampunk, un viaje a ese vasto continente tan extraño y desconocido para los viajeros occidentales cuando no existía la conexión a internet y los viajes podían durar varias jornadas. Sin embargo, este término, que en principio puede sonar bastante bien, guarda muchas reticencias por parte de algunas personas, que todavía lo consideran con cierto matiz racista.

Por ello, en primer lugar debe comenzarse el artículo desarrollando un concepto básico: el movimiento steampunk.

Este movimiento cultural está influenciado por, y normalmente adopta los estilos de, los autores de ciencia ficción del XIX como Julio Verne, H. G. Wells o Mary Shelley, aunque pertenece a una

larga trayectoria de imaginería de finales del XIX y la primera mitad del XX recogida por la

Retrofuturismos en Asia y Asia en los retrofuturismos I: El racismo en términos anacrónicos. Por Pablo Begué

Ejemplo del intercambio cultural a través de la vestimenta entre

Asia y Europa en la segunda mitad del siglo XIX.

Portada de The Nugget Library donde el propio Edison

presenta una ficticia araña mecánica acuática



literatura pulp y las edisonades,55 cuyo auge se encuentra en las revistas de relatos breves de terror y ciencia ficción que se publicarían principalmente entre la I y la II Guerra Mundial.

Estos géneros de ciencia ficción, tanto cinematográfica como literariamente, se desarrollaron a la par, absorbiendo los unos algunos de los recursos de los otros para dar forma a un discurso que ha terminado por resultar uno de los formatos más populares. Si bien uno de los precursores más antiguos de este movimiento en su faceta audiovisual lo encontramos en el cine de la primera mitad del siglo XX, no sería hasta mediados de éste cuando diera sus mayores frutos. Así, Titus Alone (1959), de Mervyn Peake, anticipaba muchos de los conceptos del este movimiento, al igual que la pintura de la española Remedios Varo, cuya mayor producción se encuentra en los años cincuenta y sesenta, combina en algunos casos elementos de vestimenta victoriana con fantasía. En el campo de la televisión una de las manifestaciones más tempranas sería la serie de televisión de la CBS The Wild Wild West (1965 – 1969). Sin embargo, el

55 Relatos basados en invenciones de todo tipo, generalmente mecánicas, que se popularizaron en este mismo período y que, junto a la literatura pulp, anticiparían de alguna manera lo que hoy conocemos como ciencia ficción.

momento de mayor auge llegaría en el último cuarto del siglo XX, con la obra literaria de autores como Michael Moorcock, ya más cercana al establecimiento del steampunk como género, el cual no tendría nombre propio hasta Abril de 1987 con la publicación de una satírica carta de K. W. Jeter en la revista Locus en la que se considera así una suerte de revisión del cyberpunk, término que no desarrollaremos por su visión, más o menos amable, de tendencia futurista, frente a la revisión del pasado de estos movimientos. Deja el primer uso “oficial” de este término para la obra de Paul di Filippo de 1995 La trilogía steampunk, en la cual ya se introduce la idea del steampunk comprendido como una variación de cualquier tipo en el siglo XIX.

Este término se iría modificando con el paso del tiempo para atender a un ámbito mucho más tecnológico donde el principal elemento son las maquinarias industriales, militares, autómatas… Ubicadas en el siglo XIX, aunque continuará usándose como tipología general para albergar todas las subdivisiones que generaría, integrándose de manera conjunta con ellas. No obstante, por lo general, responde a la creación de un universo donde se produce un único cambio que altera la historia posterior tal y como la conocemos hoy en día.56

56 Generalmente suele atenderse a variaciones de corte tecnológico donde el desarrollo de la maquinaria a vapor (steam en inglés) predomina sobre otras áreas, aunque actualmente se concibe mucho más como un contexto cultural donde los cambios pueden abarcar numerosos campos como el sociológico, el geográfico o incluso añadiendo elementos de corte paranormal.

Taller para damas (1957, Remedios Varo)



Este principio estético no ha sufrido grandes variaciones a nivel conceptual, aunque sí se ha tratado de una idea que se ha unido a otras de corte anacrónico como el victorian goth o el movimiento lolita. Sin embargo, la estética steampunk se edifica en torno a términos retrofuturistas, es decir, unos hechos ya pasados (en este caso el siglo XIX, con algunas posibles referencias al XVIII o a principios del XX) con tecnologías que aún estaban por llegar en dicho momento, ya que consiste en la creación de una historia alternativa, lo que muchos llaman ficción especulativa. Ésta no responde a criterios seleccionados de manera libre por el “creador-especulador”, sino que surgen de una continuidad que parte siempre desde el mismo punto inicial: La Revolución Industrial, en la cual Inglaterra ejerce un fuerte liderazgo como potencia.

Con este planteamiento base no se rechaza la realidad tecnológica actual y contemporánea, la cual se trata de un producto de cambio de nacionalidad. Por el contrario, procura que estos cambios tecnológicos vigentes hoy día se dispongan con una apariencia similar a la maquinaria de 1800, con la incomodidad que ello implica desde muchos puntos de vista (como el ergonómico, los

materiales de construcción, la durabilidad…) propios de nuestra época, así como también cierto grado de obsolescencia.

El uso de esta tecnología steampunk sería perfectamente viable de manera simultánea con la energía eléctrica, algo que sucedió como tal en su concepción histórica, aunque bien es cierto también que se recurre, en muchas ocasiones, a la que podría ser llamada psicobioenergía.57

57 Ésta puede ser entendida como una forma de producción basada en elementos naturales a los que se

Ejemplo de retrofuturismo en Asia a través de la obra del ilustrador James Ng.

La obra de Da Vinci como inspiración para la creación de

anacronismos en la saga Assassin’s Creed.



Es en este punto cuando cabe mencionar también la necesidad de sociedades con un mínimo de industrialización y desarrollo de la maquinaria para generar estas ideas de estéticas “-punk”, como podrían ser los bocetos y esquemas de instrumentos interdisciplinares de Da Vinci para el clockpunk, la aparición del motor de vapor de James Watt para el steampunk o el motor de gasolina de Rudolf Diesel para el dieselpunk.

De la misma manera, algunos historiadores y economistas creen que en el siglo XIX existió un fallo y es que el modelo social capitalista emergente denegó la tecnología al pueblo, redirigiendo las investigaciones a otros sectores que no fueran el de mejorar la calidad de vida, surgiendo términos como la obsolescencia programada, motivados por el surgimiento de Estados Unidos como potencia petrolífera mundial, es decir, encontramos la modernización e industrialización del paisaje, como bien nombra Alberto Santamaría cuando habla de Smithson en su obra El idilio americano, frente a la clasicidad y, respecto a esta modernización, la obsolescencia de la vieja Europa como potencia de la electricidad y el vapor.

El steampunk, por tanto, no es sólo un movimiento artístico, sino un movimiento de estética y tecnología unidos, ya que la maquinaria se libera de su mera utilización y

les otorgan características místicas y mágicas y de las cuales se extraen formas de energía generalmente más potentes que cualquier maquinaría movida por la fuerza del vapor o la electricidad, creándose un campo que entremezcla la sociedad decimonónica con el biopunk, una estética de características similares, aunque de trasfondo más naturalista.

se diseña conforme a sueños, a pesar de ser caótica e imperfecta. Así se crea una paradoja, y es que, a pesar de todo, debe convivir entre lo práctico y lo estético, entre lo real y lo fantástico, entre lo artístico y lo tecnológico, entre el hombre y la máquina. No se trata sólo de una cultura neo-decimonónica, sino que origina en un pasado colectivo y busca la inspiración en un paisaje ya industrializado, busca perderse en el humo de las calles y, en contraposición, poder escaparse a un paisaje rural más verde.

Se convierte así en la perpetuación de una estética, de unas costumbres, de un culto clasicista ubicado en el ochocentismo, aunque envuelto en una delirante y mágica fantasía. Se rescata el buen gusto por el detalle, por la artesanía, el vapor, el carbón y todas las novedades que proporcionó la Revolución Industrial, pero con un optimismo y una visión pertenecientes a uno o incluso dos siglos más tarde. Se crea una supervivencia de la historia de la que apenas consideramos real una ínfima parte, siendo nosotros los que debemos encargarnos de encontrar el verdadero historicismo. Se crea así un siglo XIX mayoritariamente europeo, industrializado y “tecnologizado” que rechaza

The Wild Wild West (1965 – 1969).



las nuevas maquinarias del siglo XX y pretende autoabastecerse, aunque, por otra parte, no pretende, ni mucho menos, quedarse anclado en su propio pasado, aunque películas como Wild Wild West (1999) nos ofrecen nuevas visiones del mundo que, aunque basándose en los mismos principios, se adecuan a las características geográficas, artísticas o filosóficas de cada lugar.

Coexisten así realidades paralelas en un mismo universo, ubicando el steampunk germinal en la zona de la Europa central y occidental, dejando lo que podría denominarse el weird west para el continente americano, el sovietpunk para la Europa oriental y el victorientalismo para el continente asiático, con todas las variedades que ofrece este emplazamiento. Sin embargo, se tiende a un steampunk58 universal, unificado, en el que los prejuicios se diluyen, viéndonos inmersos en un mundo que no deja a nadie indiferente, un mundo que podría pero no fue, un mundo idílico en el que vivir

58 Comprendido en este caso como idea genérica, no como concepto geográfico definido.

algunos de los mejores sueños y alguna de las peores pesadillas.

Es en este punto donde retornamos al concepto de victorientalismo inicialmente introducido, incidiendo en una alusión a un Imperio Británico que, si bien muy extenso, no abarcaba toda Asia durante el siglo XIX, así como ésta contaba con una estética propia que fue casi secuestrada por la cultura occidental europea. De la misma manera, se incide en el hecho de que el orientalismo es per se un estudio de lo oriental que parte de ideas preconcebidas de la cultura europea desde, según se critica en ocasiones, una posición de superioridad y dominancia. Si bien es cierto que la inclusión de lo oriental es únicamente una consecuencia del colonialismo europeo, este término permite una doble lectura, y es que no debemos olvidar que Europa, entre otros sectores que podemos considerar mayoritarios, si es que así se quiere, no fue una zona concebida como central, sino como occidental. De esta manera, y refiriéndonos a Japón como principal núcleo de este movimiento en Asia, todavía sustenta una hegemonía que permite seguir considerando a esta zona algo casi exclusivo, exótico y habitado por el imperio del Sol naciente. A ello debemos sumar la referencia a la cultura victoriana, que si bien en general se concibe como una intrusión de lo decinomónico europeo en la cultura asiática, podría girar sus tornas para verse como una imposición de lo oriental en estos nuevos tratados y relaciones que surgirían en la segunda mitad del siglo XIX y que conformarían la modernización de un Japón hasta entonces feudal que, no debemos olvidar, no respondería en principio a los parámetros concebidos para la creación de un entorno steampunk en cualquiera de sus acepciones. A pesar de ello, reside en ello una cultura anclada en la tradición más profunda y en la modernidad más vanguardista, algo

Una de las grandes inspiraciones son los trajes

regionales o imágenes populares, como la de

los cosacos.



que siempre ha sorprendido a todos los visitantes extranjeros ya desde bien temprano. Desde un punto de vista personal, lo que algunos se empeñan en denominar como “steampunk asiático” es más denigrante o racista si cabe que el uso del término “victorientalismo”, ya que intenta denotar la integración en un contexto global de un pueblo que, posiblemente más que ningún otro, cuenta con unas características culturales, geográficas o históricas tan propias que es casi imposible concebirlos como parte de un todo global.

De la misma manera, se acude a la falta de concreción en el término victorientalismo para dejar entrever algunos estereotipos que refuerzan, según los que apoyan el concepto de steampunk asiático, la exclusión de este pueblo de la condición más humana del steampunk para pasar a ser algo anecdótico. No obstante, tal y como se ha argumentado anteriormente, la concepción de un steampunk asiático sólo diluye el esplendor de un continente en una masa terminológica cuya única diferencia, a ojos de sus defensores, es la geografía, dejando de lado unas implicaciones estéticas, artísticas, de vestimenta, de religión… Y si bien es cierto que no son concretadas en ninguno de los dos, permite imaginar con mayor nitidez el término que aquí nos encontramos defendiendo. De la misma manera, los supuestos del weird west o el sovietpunk crean una imagen mental en el oyente o el lector que si se definieran como “steampunk del continente americano” o “steampunk del este de Europa”, al igual que usar el término “steampunk” como un genérico global puede inducir a confusión entre la Alemania de principios del XIX o el Reino Unido de finales del mismo siglo, cronológicamente cercano pero culturalmente tan alejados como sus vecinos del continente asiático. Por tanto, aunque sí es excluyente en

el sentido de comunión con un steampunk genérico habitualmente atribuido a la zona del centro y el oeste de Europa, permite crear un concepto mucho más identitario con imágenes propias de cada nación, ya que el contenedor conceptual victorientalismo no genera una imagen única, sino múltiple, exacta y propia de cada territorio.

En este punto debemos hablar de la relación entre el continente asiático los autómatas, uno de los iconos, para bien o para mal, de la estética steampunk, y es que en innumerables películas, novelas, relatos e ilustraciones encontramos páginas plagadas de estos seres aparentemente vivos. Si bien uno de los más populares es el conocido como Turco, un jugador de ajedrez de creación centroeuropea, ya de por sí inspirado estéticamente en la remota Turquía de finales del XVIII, para entonces numerosos habían sido los coqueteos con el mundo de esta primaria inteligencia artificial cuyo lugar de origen, en muchas ocasiones, no fue otro que Asia. De esta manera, ya en un temprano siglo III a.C. encontramos los textos de Lie Zi, que nos narra cómo el artífice Yan Shi presenta al quinto rey de la dinastía Zhou (ca. 1000 a.C.) una réplica a tamaño real de un artesano. Tampoco deben olvidarse las construcciones movidas por la acción del viento que se llevaban a cabo en la ciudad de Bagdad en el siglo VIII, o el Libro del Conocimiento de

Ejemplo de autómata de origen nipón: karakuri-ningyô.



Ingeniosos Artefactos Mecánicos que el erudito turco Al-Jazari escribió en 1206. En éste describe la construcción de objetos tan diversos como un barco con cuatro músicos en cubierta o una lavandera con un mecanismo muy similar al de las actuales cisternas de baño, apenas siglo y medio antes de la construcción en China de varios tigres mecánicos hallados bajo dominio de la Dinastía Yuan.

Si bien la conocida como Edad Moderna europea facilitó el desarrollo de este tipo de artilugios, el Período Edo continuó con el desarrollo de

tipologías como las

karakuri-ningyô, cuyos precedentes se

remontarían hasta el Período Kamakura, en paralelo desarrollo a las obras de Al-Jazari. Éstos, junto a algunos autómatas indios del siglo XVIII, serían, en muchos casos, el punto de partida para los imaginarios europeos más futuristas de la época, ya que encontramos tipologías como las zashiski que actúan de manera independiente a la acción del hombre, encontrando desde sirvientes de té que esperan a que se termine éste para retirarse con las tazas, hasta arqueros programados para fallar o acertar tiros de manera proporcional. Debemos, por tanto, rendir un honorable respeto a unos pueblos que han cedido gran parte de su ciencia al servicio de un movimiento cultural en auge, amén de numerosos mechas del manga y el anime que han marcado a más de una generación

Como conclusión, cabe decir que el término victorientalismo, tan destinado por algunos a marginar a un continente anexo, es revisado una y otra vez por estas personas en esta misma línea bajo puntos de vista absolutamente occidentales y decimonónicos, repitiendo errores que se delegan en nuestros antepasados sin asumir una discriminación en nuestras propias palabras que, no con mala fe, impiden ver las bondades de un continente más allá de un simple término. Éste es el matiz racista que la sociedad de hoy en día achaca a una idea que podría servir perfectamente para ensalzar los valores, no de uno, sino de varios pueblos, sin pararse a pensar que lo victoriano del concepto no es una revisión británica sobre este territorio, sino un cambio en el punto de vista. Son ahora sus ojos los que observan la cultura occidental para reafirmar la gloria de un imperio que, actualmente, no ve nacer el Sol, porque en ese pasado anacrónico de modernización puede que para ellos jamás volviera a ponerse.

Para saber más:

- “Countering Victorientalism”, Steampunk Magazine, 2010, disponible online aquí.

- “Steampunk and Victorientalism Assessed”, disponible aquí.

- Ottens, Nick. “In Defense of Victorientalism”, The Gatehouse Gazette, marzo de 2010, disponible aquí.

Robot de inspiración tradicional nipona

aparecido en Sucker Punch (2011).



Con estas palabras describía el Exmo. Sr. D. Kazuhiko Koshikawa, Embajador de Japón en España, las estrechas relaciones culturales existentes entre la capital aragonesa y el País del Sol Naciente. Pronunció estas palabras en la inauguración de la nueva exposición temporal que el Museo de Zaragoza dedica al arte japonés: Hiroshige y su época, a la que pudimos asistir el pasado 25 de febrero. En esta muestra se rinde homenaje al coleccionista e ilustre zaragozano Federico Torralba, quien estimuló a través de su legado (tanto material como inmaterial) la tradición de los estudios sobre artes orientales en Zaragoza.

Durante la presentación de la exposición, Elena Barlés, comisaria de la misma (junto con David Almazán) se encargó de recordar a esta figura, gracias a la cual el Museo de Zaragoza cuenta con unos fondos de arte asiático de entidad considerable. Dedicó,

además, unas palabras a poner en contexto al autor protagonista de la muestra: Ando Hiroshige, célebre artista del grabado ukiyo-e, que supo captar con especial maestría los paisajes del Japón Edo (1603-1868).

En su intervención, David Almazán ha subrayado la importancia de Hiroshige en el panorama de la Historia del Arte universal, sirviéndose para ello del historiador del arte Ernst Gombrich, en cuya Historia del Arte tenían cabida apenas un par de nombres españoles, Velázquez y Goya, y cosa parecida

En Zaragoza parece que existe desde hace tiempo de manera permanente un pequeño Japón. Por Carolina Plou

Acceso a uno de los espacios de la exposición (foto: David Almazán).



ocurría con Japón, de donde recogía un puñado de artistas grabadores nipones, entre los que se encontraba el protagonista de la muestra.

La exposición se extiende por el pasillo, la antesala y la sala que el Museo de Zaragoza reserva para la exhibición de arte oriental, a través de muestras temporales como la actual o con la colección permanente. El recorrido, fluido y bien estructurado, se abre con una sucesión de paisajes naturales que invitan a recorrer el corredor como si se tratase del Tokaido, la ruta nipona que en el periodo Edo comunicaba la capital imperial con la administrativa (las actuales Kioto y Tokio, respectivamente). En un lugar preeminente, recibiendo a los visitantes a su llegada e iniciando este recorrido se encuentra el grabado que lo comenzó todo: El puente Ôhashi en Atake bajo una lluvia repentina, la obra que enamoró a Don Federico Torralba y le hizo descubrir su vocación coleccionista. Esta pieza tan especial constituye un muy sentido homenaje al coleccionista, al tiempo que se ha convertido, precisamente por este motivo, en la imagen promocional de la exposición. Pero no es la única pieza que permitirá al espectador un deleite en la minuciosidad y el colorido de los paisajes de Hiroshige, puesto que pueden contemplarse varios paisajes relacionados con la mencionada ruta del Tokaido.

El siguiente espacio expositivo, la antesala, recoge la otra cara de la moneda: los paisajes urbanos, fruto de una eclosión de la vida urbana que se produjo durante el periodo Edo, en la que ciudades como la propia Edo/Tokio experimentaron un crecimiento sustancial, que llevó consigo el desarrollo de clases sociales urbanas y un progreso

económico que cristalizaron en el modo de vida hedonista y ocioso de la sociedad del ukiyo. Este complejo entramado sociopolítico terminó generando un

movimiento cultural y artístico que trascendería más allá de las fronteras del país y se convertiría, durante siglos, en el máximo exponente del arte nipón, creando en el imaginario colectivo una serie de iconografías y recursos que todavía hoy perduran, a pesar de que el conocimiento del arte y cultura japonesas sea mayor y más profundo que nunca.

El célebre grabado que inspiró a Federico Torralba recibe a los visitantes.



Precisamente por la manifiesta relevancia de la vida urbana, la sala se dedica a mostrar, a través de objetos de la Colección Torralba, retazos de ese particular estilo de vida. Desde el bellísimo kimono hasta la curiosa caja de picnic decorada con técnicas de laca urushi, las distintas piezas hablan al visitante de una época tan lejana, tan distinta, y a la vez tan presente, tan desconocida y a la vez

tan familiar.

Durante los próximos meses, podrán visitar esta exposición en el Museo de Zaragoza. Nuestro consejo es que corran a verla, pero una vez dentro, se deleiten en los detalles y disfruten pausadamente, con espíritu japonés, de una muestra que no les dejará indiferentes.

Los detalles de la exposición, así como otras actividades y

eventos relacionados con la cultura asiática en todas sus facetas, pueden encontrarlos en nuestra recién estrenada agenda.

Una armadura samurái, una de las piezas más

llamativas de la muestra (foto: David Almazán).

Una de las vitrinas, dedicada a la presencia de la naturaleza en el arte japonés.



Nos encontramos ante una fantástica iniciativa por parte de la editorial Eterna Cadencia, que nos propone lecturas tan interesantes como la que nos ocupa en esta reseña, Historia de las pulgas que viajaron a la luna (y otros cuentos de ficción científica), a manos del consagrado autor japonés Kobo Abe, escritor que apenas conocemos en Occidente.

El libro se abre con un magnífico prólogo a manos de Gregory Zambrano, que nos sirve de introducción para sumergirnos en el complejo mundo de Abe. El punto más importante del mismo consiste en la explicación del concepto de “ficción científica”, un rasgo que caracteriza las obras de este autor. Cansando de lo que conocemos como ciencia ficción por sus planteamientos completamente irreales y fantásticos, Abe decide formular un nuevo género, partiendo de ese elemento ficticio que conjuga con una base científica real. Así, nos podemos encontrar con aparatos e inventos de lo más estrambóticos fundamentados en toda una serie de teorías, y tratados con realismo.

En resumidas cuentas, las historias de Abe se podrían calificar como una especie de realismo mágico que se conjuga con todo ese apartado científico en tramas inverosímiles de finales abiertos y sorprendentes.

El primer relato con el que nos encontramos es La invención de R-62, la historia de un hombre que busca acabar con su vida debido al desempleo. En el momento en el que ha

tomado una decisión y se dispone a llevarla a cabo, un joven lo interrumpe ofreciéndole formar parte de una extraña empresa que busca lo que se denomina cadáveres vivos. A partir de este momento se iniciará la formación y transformación del que conoceremos como R-62.

El palo nos narra el increíble suceso del hombre que cayó de un edificio y se convirtió

Historia de las pulgas que viajaron a la Luna, la puerta a la ficción científica de Kobo Abe. Por María Gutiérrez

Portada que nos presenta la editorial Eterna Cadencia, con un

planteamiento bastante acorde con las tramas de la obra de Abe.



en palo al llegar al suelo. El dictador es uno de los relatos más breves pero igualmente interesantes, hablando de un anciano profesor que sumió en el silencio a un dictador manipulando el aire.

El método vuelve a tener como protagonista a un hombre desesperado en busca de dinero, que decide contratar un seguro en el que le pagan por determinadas pérdidas y lesiones de miembros del cuerpo. Resulta curioso como la trama se entrelaza con la historia siguiente, El valor de las orejas, sólo que en este caso los protagonistas son dos jóvenes que buscan el cobro de dinero a través del mismo seguro dañándose las orejas.

En El misionero, otro de los relatos, se presenta un nuevo tema del gusto de Abe, los marcianos. Al protagonista de esta historia se le presenta un personaje venido desde Marte con el objetivo de encontrar una especie de embajador terrestre.

El siguiente relato es el que da título a la obra, Historia de las pulgas que viajaron a la Luna, donde se nos narran las preocupaciones por parte de estos insectos por la evolución del ser humano, que les supone cada vez mayores dificultades para encontrar alimento debido a las medidas de higiene preeminentes. Total Scope/Cine perfecto es uno de los relatos que nos han parecido más originales tanto por los diálogos entre el narrador y los personajes, como por el hecho de que la trama esté dividida en dos partes atendiendo a su temática. De este modo tenemos una primera parte de ciencia ficción y otra centrada en la resolución del misterio que se plantea en primer lugar.

El resto de relatos siguen un planteamiento similar, a medio camino entre la realidad científica con pinceladas de ficción. La soga se centra en las visiones de un anciano a través de un pequeño agujero en la pared. El diablo nos habla de un pequeño geniecillo capaz de conceder tres deseos. Y, a modo de cierre, El cuarto de los niños, trata de un hombre que busca poner a prueba a sus hijos mediante una serie de simulaciones.

En resumidas cuentas, esta obra supone un compendio de relatos que destacan por su originalidad, rozando lo absurdo y extraño, introduciendo al lector en un mundo futurista, plagado de robots, marcianos o insectos que hablan.

Fotografía de Kobo Abe.

Para saber más:

Eterna Cadencia. Disponible aquí.



La editorial Quaterni publicó a finales de 2014 la Guía ilustrada de Monstruos y Fantasmas de Japón, una popular recopilación de la obra del artista del ukiyo-e59 Sekien Toriyama, hasta ahora inédita en castellano. En ella se recogen los grabados de fantasmas japoneses o yôkai que el artista publicó a finales del siglo XVIII, por lo que el libro no se trata simplemente de una guía o enciclopedia al uso, sino del conjunto de cuatro libros ilustrados de uno de los principales artistas del ukiyo-e japonés.

Sekien Toriyama (1712-1788), cuyo verdadero nombre era Toyofusa Sano, nació y vivió en la ciudad de Edo, actual Tokio. Perteneciente a una familia acomodada de religiosos budistas cercanos a los shogunes Tokugawa, su situación privilegiada le permitió que no tuviera que pintar por necesidad. Formado según la tradición pictórica de la escuela Kanô,60 su carrera artística empezó muy

59 El grabado japonés tuvo su momento de esplendor durante el período Edo (1603-1868), época en la que se desarrolló el género conocido como ukiyo-e (pintura del mundo que fluye o del mundo flotante), vinculado a la clase de comerciantes y artesanos que a lo largo de esta época alcanzaron un importante poder económico. Los artistas trataron numerosos temas, como el de mujeres bellas, actores del teatro kabuki, el sumo, paisajes o incluso historias de fantasmas. Más información aquí. 60 Durante el período Momoyama (1568-1603) los pintores profesionales de la escuela Kanô recogieron la herencia de la pintura a la tinta y de la tradicional escuela yamato-ede épocas anteriores. Sus obras de gran formato y variada temática, entre la que podemos encontrar paisajes, temas naturales o pintura de género, se realizaban mediante la técnica de la tinta china monocroma o bajo un nuevo estilo caracterizado

tarde, realizando sus obras maestras cuando superaba los 60 años de edad. Uno de sus discípulos más destacados fue Kitagawa Utamarô (1753-1806), uno de los principales artistas del grabado japonés.

Con el término yôkai nos referimos a las criaturas sobrenaturales y monstruos que aparecen en los cuentos y leyendas populares del archipiélago japonés. Aunque se suele remontar el origen de los yôkai a las crónicas

por sus colores planos y brillantes así como por sus fondos dorados.

Reseña: Guía ilustrada de

monstruos y fantasmas de Japón, de Sekien Toriyama. Por David Lacasta

Portada de la edición del libro que reseñamos.



y escritos mitológicos japoneses, la temática de fantasmas tuvo su momento de esplendor con el surgimiento de una serie de publicaciones a mediados del período Edo (1603-1868). Entre ellas destacan las del propio Sekien Toriyama, quién se encargó de recoger estas historias a través de un conjunto de grabados. La importancia de Sekien radica en que fue el primero en llevar a cabo la plasmación visual de los distintos yôkai, que hasta entonces sólo existía de forma oral en las leyendas populares. A través de la tecnología de la época, que permitía la aparición de obras de gran tirada, Sekien popularizó con enorme éxito las historias de estos fantasmas a lo largo de todo Japón, temática que también abordaron maestros posteriores como Katsushika Hokusai o Utagawa Kuniyoshi.

En la publicación de Quaterni encontramos los cuatro tomos publicados por Sekien: El desfile nocturno de los cien demonios ilustrado (1776), Cien demonios ilustrados del presente y del pasado (1779), Suplemento de los cien demonios del presente y del pasado (1780), y La bolsa de los cien utensilios aparecidos al azar (1784). La primera obra está inspirada en el Desfile Nocturno de los Cien Demonios, obra anónima del periodo Muromachi (1336-1553), mientras que la segunda y la tercera beben de distintas fuentes tanto japonesas como chinas e indias, además de contener algunas criaturas inventadas por el propio Sekien. Para finalizar, en el cuarto libro somos testigos de la abrumadora imaginación del artista con toda una serie de monstruos inventados e inspirados a partir de distintos objetos de la vida cotidiana.

El libro presenta una sencilla estructura, tras una presentación en la que se nos señalan las pautas que se han seguido para la disposición de los grabados de Sekien, encontramos los

cuatro libros por orden de publicación. Todos y cada uno de los grabados se acompañan del nombre de la criatura, tanto en japonés como en español, además de la traducción de las inscripciones que, por norma general, acompañan a la ilustración. Además, las obras cuentan con un breve pero experto comentario a cargo de Isami Romero, en el que se nos señala muy acertadamente alguna característica del monstruo en cuestión. Esta explicación está basada en autores de referencia en el estudio de los yôkai, e incluye una enumeración de otras obras literarias en las que la criatura está presente o tiene un especial protagonismo.

La obra nos presenta alguno de los monstruos más populares de Japón, como el kappa, una criatura acuática que intenta ahogar a los descuidados bañistas en los ríos; el kitsunebi o zorro de fuego que se muestra en las frías noches del mundo rural japonés; el rokurokubi siniestro ser de largo cuello que antaño fue una sirvienta o una mujer despechada, o el Rajômon no oni, un fantasma que habitaba la antigua puerta Rashômon de la ciudad de Kioto entre muchos otros.

Como hemos señalado, el conjunto de cuatro libros del maestro Sekien conforman una obra cumbre no solo del grabado sino de la mitología japonesa. Tras contemplar y deleitarnos con los extraños yôkai, seremos conscientes de multitud de influencias que podemos encontrar tanto en el manga, como en el anime, el cine y los videojuegos actuales. Se trata de una obra indispensable para todos aquellos interesados de una manera u otra en Japón, en su arte, cultura y tradiciones populares.



Girl’s blood es un espectáculo de lucha femenina que ofrece a sus clientes cada noche la posibilidad de ver a jovencitas japonesas darse patadas y puñetazos y, además, charlar con estas luchadoras cuando no están en el ring. Estas expertas en artes marciales visten con sus trajes y uniformes particulares y la mayoría adoptan un papel determinado a desarrollar durante el espectáculo. La película se centra en cuatro de estas jóvenes: Satsuki (Yuria Haga), de carácter solitario y reservado que esconde un lesbianismo reprimido, Miko (Ayame Misaki), una dominatrix con un corazón de oro, Mayu (Rina Koike), la sweet lolitarecién llegada, y por último, pero no menos importante, Chinatsu (Asami Tada), una mujer atractiva y misteriosa que ha huido de un marido que la maltrataba física y psicológicamente, pero que es una luchadora letal en el ring.

Cuando Chinatsu se une al espectáculo, hay una tremenda rivalidad entre ella y las chicas por su brutalidad en la lucha, que contrasta con su aspecto dulce. Consigue derrotar sin esfuerzo a Miko y a la mismísima Satsuki, quien, lejos de aceptar la derrota, desea tener pronto la revancha. Sin embargo, al acabar la noche, Chinatsu deja a Satsuki completamente confundida ante su intento de seducción. Todo ello derivará en una historia de amor que entra en conflicto cuando el marido de Chinatsu consigue encontrarla. Al sentirse humillado por Satsuki, recopila pruebas suficientes para suspender Girl’s blood para siempre, pero las chicas se unirán contra él y acuerdan celebrar un combate de tres contra tres en el que se decidirá el

destino de todos ellos. En la batalla final, Satsuki se verá obligada a enfrentarse a Chinatsu.

Basada en la novela de 2003 de Kazuki Sakuraba titulada Aka x Pinku, Girl’s blood o Red x Pink (Aka x Pinku, Koichi Sakamoto, 2014) no es sólo una película aparentemente ligera que nos ofrece la posibilidad de ver a chicas atractivas con poca o nada de ropa luchando entre ellas, con moderadas dosis de desnudos y softcore, sino que intenta ir más allá.

Crítica: Girl’s blood (Aka x Pinku, Koichi Sakamoto, 2014). Por Elísabet Bravo

Cartel de la película.



Nos encontramos con una temática poco desarrollada en películas comerciales japonesas: el amor lésbico, que entra abiertamente en conflicto con la llegada de los hombres de nuevo a sus vidas, como el novio de Mayu o el marido de Chinatsu. Uno no espera encontrarse con este tema en una película aparentemente exploitation,61 al menos tratado con seriedad o profundidad, más allá del flirteo o de las ganas de enseñar carne. Cada chica, además, tiene una historia vital oscura que explica su forma de ser y que ayuda a comprender la manera de actuar de cada una.

Lo que tienen en común las cuatro protagonistas es la lucha. Girl’s blood no es sólo su forma de vida, las artes marciales son su vehículo de

61 “Término anglosajón cuya traducción es «explotación» y que se utiliza para designar aquellas producciones comerciales que aprovechan éxitos ajenos, o se sirven de fórmulas prefijadas, para atraer la atención del espectador a base de golpes de efecto. […] Aunque la exploitation se coge a todos los géneros, el terror es uno de sus preferidos.” De Serrano Cueto, José Manuel. Horrormanía: enciclopedia de cine de terror. Madrid, Alberto Santos, 2007. Pp.143-144.

escape de la realidad y el espectáculo es un lugar en el que pueden ser como ellas quieran, pero también la lucha es una manera de encontrarse a sí mismas, superar sus miedos y aceptarse tal y como son. Satsuki había huido de casa y se sentía profundamente confusa y culpable acerca de su sexualidad; Mayu había aceptado toda su vida que la tratasen, literalmente, como a un bebé e intenta superar un trauma; Miko había tenido

una relación amorosa con su padrastro hasta que su madre se enteró y la echó de casa, y Chinatsu había tenido que soportar constantes vejaciones en su matrimonio, a pesar de ser una luchadora experta descendiente de un maestro en artes marciales. Esta preocupación por desarrollar psicológicamente a los personajes no es lo que nos encontramos en películas de este estilo, así que resulta ser una grata sorpresa.

Por otro lado, a Girl’s blood le sobra metraje por todas partes. Aunque las escenas de acción se desarrollan a un ritmo rápido esperable, el resto de secuencias son tan lentas que afectan al resultado final de la película y puede resultar excesivamente larga.

Satsuki deja atrás sus miedos y se entrega a Chinatsu.

Este fotograma es elocuente de cómo Girl’s blood parecía

plantearse, pero la película tiene mucho más.



Como cabía esperar, hay también escenas de sexo lésbico, pero resultan un tanto frías, irreales e incluso forzadas. A pesar de todo, es una película de acción recomendable por cuestionarse las reglas del género y explorar temas inesperados.

Para saber más:

- Ficha en Imdb.

- Ficha en Filmaffinity.

- Reseña en la página del Far East Festival.

- Tráiler oficial.

Tres de las cuatro protagonistas se preparan para el combate final. En primera fila y de izquierda a derecha son Miko, Satsuki y Mayu.



La figura de Hitoshi Matsumoto, principal y más famoso cómico japonés, cada vez goza de mayor popularidad y cuenta con un mayor número de seguidores en nuestro país. En esta ocasión, desde Ecos de Asia nos encargaremos de uno de los últimos largometrajes que ha dirigido, la excepcional Scabbard Samurai (Saya Samurai) del año 2011.

Tal y como hiciera anteriormente en la muy recomendable Big Man Japan (2007), en la que Matsumoto nos presentaba la parodia de uno de los géneros característicos del cine japonés, el Kaiju-eiga o películas de monstruos gigantes, en Scabbard Samurai el director nos ofrece una vuelta de tuerca de uno de los géneros principales de la industria japonesa, el chambara o género histórico protagonizado por samuráis. Así, podemos comprobar cómo la película reúne una serie de elementos característicos del cine histórico japonés, como el drama o la violencia, entre los que Matsumoto alterna magistralmente toda una serie de gags y toques de humor típicos de la comedia nipona.

Nomi Kanjuro (Takaaki Nomi)es un samurái sin catana que ha renunciado a la violencia, y al que encontramos deambulando sin destino fijo acompañado en todo momento de su hija Tae (Sea Kumada), quien se encarga de recordarle la actitud que debería mostrar como samurái, reprochándole el abandono de las virtudes propias de la clase a la que pertenece. En el pasado Nomi Kanjuro abandonó su puesto de guardia, y como

consecuencia de su deserción se ha puesto precio a su cabeza, lo que hará que tres excéntricos cazarrecompensas, Oryu (Ryô), Pakyun (Rolly) y Gori Gori (Zen-Nosuke Fukkin) vayan tras él.

Seremos testigos de los desiguales y extravagantes enfrentamientos entre los cazarrecompensas y el samurái, quien se niega a hacerles frente y termina huyendo, con la consiguiente desaprobación de su hija. Finalmente, Kanjuro es apresado por las tropas de un señor feudal (Jun Kunimura) y condenado a cometer seppuku (harakiri), la dolorosa muerte con la que la clase samurái expiaba sus culpas y veía restituido tanto su honor como el de su familia. Este castigo, el habitual durante el período feudal de la historia japonesa, en la película cuenta con una condición: el señor feudal ofrece a todos los condenados la oportunidad de salvar la vida si en el plazo de treinta días son capaces de hacer reír a su hijo, el joven heredero, quien tras la muerte de su madre ha perdido

Crítica: Scabbard Samurai (2011). Por David Lacasta

Fotograma de la película en el que Nomi Kanjuro, Tae,

Kuranosuke y Heikichi se preparan para el número del cañón.



la sonrisa y muestra una actitud apática y distanciada en exceso.

Así, se nos dará cuenta de las treinta oportunidades que tendrá Nomi Kanjuro para hacer reír al joven señor, contando primero con la ayuda de su hija, quien al principio se mostrará muy crítica con su padre, hasta el punto de desear la muerte de su progenitor antes que ver como renuncia a su honor de samurái, así como con la inestimable ayuda de dos guardias responsables de su cautiverio, el veterano Kuranosuke (Itsuji Itao) y el novato Heikichi (Tokio Emoto), quienes

ayudarán en todo momento al samurái, ingeniando diversas actuaciones y trucos cómicos con los que poder escapar del castigo. Finalmente la pequeña se volcará completamente en ayudar a su padre, mientras que el revuelo que causan las actuaciones irá generando una enorme expectación en la cuidad, granjeándose Kanjuro el apoyo de todo el pueblo.

Matsumoto nos presenta la película siguiendo el esquema clásico de la comedia japonesa manzai, en el que una pareja de cómicos (uno denominado tsukkomi interpreta el rol serio, mientras que el boke es el personaje cómico y bromista) desarrollan entre los dos

situaciones y diálogos a gran velocidad, que dan lugar a toda una serie de bromas, malentendidos y dobles sentidos. Como consecuencia de este planteamiento veremos a Nomi Kanjuro en multitud de situaciones extravagantes y rocambolescas con las que conseguirá ganarse el favor del público, así como del distante señor feudal, pero sin lograr alcanzar su cometido hasta el dramático y sorprendente final.

Sacabbard Samurai se nos presenta como algo más que una mera parodia del género histórico: seremos también testigos de la

complicada relación de un padre con su hija, así como de las enseñanzas que el samurái le transmite a la pequeña y al espectador, valiéndose de un monje budista y entroncando con la idea de salvación. Se trata de un cuento moral que pretende inculcar ideas de amor y honor en la muerte: la hermosa canción final que entronca con los créditos nos ayuda a imaginar un futuro halagüeño para los dos niños

gracias a los esfuerzos de Nomi. La película, combinando genialmente momentos de humor con otros tremendamente sombríos y dramáticos, termina por decantarse ante una actitud ante la vida alegre y optimista, visión por la que Hitoshi Matsumoto apuesta sin duda.

Para saber más:

- Ficha de la película en Filmaffinity.

- Tráiler de la película en japonés.

Durante los intentos finales por hacer reír al joven heredero, Nomi

Kanjuro contará con el apoyo de los habitantes de la cuidad.



Un doctor japonés al que sólo conocemos con el nombre de Mastermind (Kairi Narita) busca vengarse del hijo de Hamazaki (Noriaki Kamata), un importante y poderoso empresario. Este degenerado, entre cuyas aficiones habituales está la necrofilia, había asesinado y violado tiempo atrás a la mujer del doctor. Acercarse al hijo de Hamazaki es prácticamente imposible, ya que siempre va acompañado por sus guardaespaldas. El único momento en el que este asesino está indefenso es en un lugar conocido como The Room, un club secreto para necrófilos cuyos miembros son ricos y poderosos. Allí, sus clientes no pueden entrar con armas ni con sus hombres de confianza. Para acceder a él, el doctor compra a una mujer adicta a las metanfetaminas llamada Mayumi (Asami), a la que nadie echará de menos, y la convierte en una asesina letal entrenándola en el combate cuerpo a cuerpo y en las armas. El plan para introducirla ahí es peligroso, descabellado y con pocas probabilidades de éxito, ya que debe implantar una pistola automática en partes en su cuerpo y meter a Mayumi en The Room en un estado de muerte aparente. Una vez dentro, ella parecerá un cadáver de mujer más, pero cuando despierte deberá extraerse el arma y eliminar al hijo de Hamazaki y a todos los que se le pongan por delante mientras se desangra. Mayumi se convierte en Gun Woman.

Antes de comenzar, debo advertir que Gun Woman (Kurando Mitsutake, 2014) no es una película para personas fácilmente impresionables o sensibles a la violencia

(especialmente sexual). Los primeros diez minutos son, quizá, los peores en este aspecto. Todo lo concerniente a la historia del hijo de Hamazaki es desagradable de contemplar, así que si pasan la prueba de esos diez minutos podrán terminar de verla sin problema. De ahí vienen las opiniones dispares de los espectadores sobre Gun Woman que se pueden encontrar en los comentarios de Youtube y en blogs. Para algunos está mal rodada y verla es una pérdida de tiempo, pero para otros la película es muy interesante. Toda esta larga

Crítica: Gun Woman (KurandoMitsutake, 2014). Por Elísabet Bravo

Cartel de la película.



introducción a mi comentario es simplemente un aviso. La película gustará a quienes estén acostumbrados al cine exploitation,62 violento y crudo y para el resto, Gun Woman puede ser horrible, despreciable, fácilmente olvidable y una manera terrible de desperdiciar 125 minutos de vida; así que si el lector se encuentra, como una servidora, en el primer grupo, le recomiendo la película porque la disfrutará.

La secuencia inicial es ya de por sí elocuente de lo que nos vamos a encontrar en el resto del film y será determinante para saber si queremos continuar viéndolo o no: un asesino a sueldo dispara a una mujer por la espalda mientras se está duchando, sin adornos, parafernalias ni sentimentalismos. No sabemos quién es el blanco y, aparentemente, no es algo importante. El resto de la película consistirá en la historia de Mastermind, el hijo de Hamazaki y Mayumi, contada por uno de los asesinos a sueldo al otro mientras conducen en dirección a Las Vegas.

Estéticamente, Gun Woman tiene la apariencia descuidada de una película amateur, especialmente en las escenas de los dos asesinos en el coche. Este factor es también determinante a la hora de valorar el film, pues puede que no guste a los espectadores poco acostumbrados a la serie B o a los amantes del cine de Hollywood. No 62 Ver nota 61.

esperen encontrar una fotografía estética y cuidada, una puesta en escena sobresaliente ni mucho menos un guión lleno de diálogos maravillosos. Es más, la protagonista de la historia no habla tan apenas en toda la película, y no quiero matizar a qué me refiero con “tan apenas” porque les estropearía la sorpresa final. De todas maneras, esta apariencia descuidada a la que aludo está probablemente pensada para darle al film su sello personal, ya que la secuencia de Mayumi en The Room está calculada a la perfección y resulta ser, por razones obvias, la mejor de toda la película.

Otro factor determinante a la hora de juzgar este largometraje es su banda sonora, que hace de Gun Woman un homenaje al cine exploitation setentero. Hablando de homenajes, durante el film se cita muy intencionadamente a Luc Besson y no podemos evitar pensar en la famosa Nikita,63

63 Nikita (encarnada por Anne Parillaud) es una joven drogadicta que es condenada a muerte por asesinato. Tiene dos opciones: morir o vivir como asesina de una agencia gubernamental secreta. Quizá la recuerden también por el remake estadounidense que protagonizó Bridget Fonda en 1993 titulada La asesina (Point of no return, John Badham). Ambas películas derivaron en una serie de televisión canadiense emitida entre 1997 y 2001 titulada La femme Nikita (Nikita, en España) y protagonizada por Peta Wilson. Entre 2010 y 2013 se emitió su remake, una serie estadounidense tituladaNikita y protagonizada por Maggie Q. De todas maneras, la

El doctor entrenando a Mayumi.

El hijo de Hamazaki y la mujer del doctor.



uno de sus personajes más recordados y protagonista de Nikita, dura de matar (La femme Nikita, Luc Besson, 1990), cuya semejanza con Mayumi es más que evidente. A pesar de ello, es cierto que el planteamiento de la película (una mujer entrenada para ser la asesina perfecta) no es el más original del mundo, pero sí la forma de llevarlo a cabo.

Sin duda, lo mejor de Gun Woman es Asami Sugiura y su fantástica interpretación, la actriz japonesa que encarna a Mayumi. Asami es una vieja conocida de Ecos de Asia, pues ya aparecía citada en el artículo sobre la saga Rape Zombie (Reipu zonbi: Lust of the dead, Naoyuki Tomomatsu, 2012-2014) como una estrella habitual dentro de películas de este estilo. Ex-actriz porno y experta en artes marciales, Asami es especialmente recordada por su participación en films como la saga Rape Zombie y los largometrajes dirigidos por Noboru Iguchi, como The Machine Girl (Kataude mashin gâru, 2008), RoboGeisha (2009), Zombie ass: Toilet of the dead (Zonbi asu, 2012) y Dead sushi (Deddo sushi, 2012), entre otros, pero en Gun Woman se convierte en el centro de atención. En la mejor secuencia de esta película, podremos ver a Asami desnuda y cubierta de sangre cumpliendo la venganza del doctor, una larga secuencia en la que la actriz demuestra sus habilidades en el combate.

Nikita de Luc Besson se ha homenajeado en otras películas o series, convirtiéndose su film en un clásico de culto.

Después de la larga lista de films en los que Asami ha participado hasta la fecha, Gun Woman es, sin duda, el papel que había estado esperando y constituye su consagración definitiva como actriz de culto del cine japonés.

Para saber más:

- Ficha en Imdb.

- Ficha en Filmaffinity.

- Crítica en Far East Films.

- López, Domingo. “Cine asiático. Asami: Gun Woman”, Scifiworld, nº 77, 2014, pp. 78-79.

- Tráiler.

Fotograma de la impresionante secuencia en The Room.



El género neo-noir está más vivo que nunca, y muestra de su buena salud es la reciente película surcoreana titulada New World64 que llega ahora a nuestro país para su distribución en DVD.

La recuperación del cine negro clásico y su reinvención o adaptación a problemáticas más modernas ha creado todo un subgénero que ha dado en denominarse neo-noir. Este recupera la esencia de las películas de gángsters de los años 40 y 50, y podemos situar su inicio con la exitosa Chinatown (1974), de Roman Polanski. Dentro de esta tendencia, encontramos dos vertientes diferenciadas: por un lado películas que, tomando como referencia los clásicos del cine negro, sitúan la acción en el pasado (en los años 40 y 50), pero incluyen dilemas nuevos relativos a la moral nihilista o los antihéroes conflictivos (películas como L.A. Confidential o La dalia negra); y, por otro, tenemos la aquellas películas que, manteniendo el espíritu y estética noir, sitúan su acción en el presente, y por lo tanto sus argumentos hacen referencia a circunstancias más modernas (además del film que procederemos a analizar, se enmarcan en esta corriente otras cintas como Reservoir Dogs o El caso Slevin).

La premisa de la que parte New World es aparentemente sencilla: tras la muerte del más importante líder de la mafia coreana, asistiremos a las distintas luchas de poder que tendrán lugar para hacerse con el mando 64 New World (Sinsegye – Sin-se-gae, 2013); País: Corea del Sur; Director: Park Hoon-jung; Guion: Park Hoon-jung; Fotografía: Chung-hoon Chung; Reparto: Lee Jung-jae, Choi Min-sik, Jeong-min Hwang, Gwang Jang, Ji-hyo Song, Seong-Woong Park; Productora: Sanai Pictures.

de esta organización. Los juegos de engaños y venganzas desembocarán en una espiral de violencia en la que se verá sumergido el principal protagonista de la historia: Lee Ja-sung (interpretado por Jung-Jae Lee), un policía que lleva diez años infiltrado en la mafia, y cuya vida ve peligrar ante el caos desatado por las luchas internas. Deberá entonces debatirse entre ser fiel a su misión y su jefe, el inspector Kang (Min-sik Choi), o a su nueva familia, representada por su “hermano” el carismático criminal Jeong Cheong (Jeong-min Hwang).

El título de la película hace referencia a la “Operación New World”, con la que la policía

Crítica: New World (2013). Por Laura Martínez

Cartel de New World.


pretende cambiar la sucesión de la mafia coreana con la ayuda de su infiltrado.

La historia de espías, sobornos y engaños se va complicando con algunos giros sutiles pero impactantes de la trama, que aparecen verbalizados por el propio inspector que, en un momento de la película exclama (no sin ironía): “¡Menudo giro de la historia!pesar de todo, el film resulta irregular, con algunos momentos donde la tensión decae, lo que puede deberse en parte a su extenso metraje.

Sin embargo, el film está bien resuelto formalmente, con una dirección muy cuidada, y mención especial merece la fotografía de Chung-hoon Chung. La película no huye de su parentesco con el cine negro, sino que en más de una ocasión abraza estas influencias incluyendo tópicos como los ambientes marginales y oscuros (los muelles al anochecer), las hordas de guardaespaldas trajeados que escoltan a los “capos”, o las inevitables peleas entre bandas rivales, armados con bates de béisbol y navajas. La violencia llegará a su máxima expresión en dos momentos consecutivos e igualmente estelares: la pelea en el parking y su conclusión en un ascensor. Ésta última escena supone todo un reto fílmico por lo reducido

Dos fotogramas de la pelea en el ascensor.



sión de la mafia coreana con la ayuda de su infiltrado.

La historia de espías, sobornos y engaños se va complicando con algunos giros sutiles pero impactantes de la trama, que aparecen verbalizados por el propio inspector que, en

exclama (no sin ¡Menudo giro de la historia!”. A

pesar de todo, el film resulta irregular, con algunos momentos donde la tensión decae, lo que puede deberse en parte a su extenso

Sin embargo, el film está bien resuelto una dirección muy cuidada,

y mención especial merece la fotografía de hoon Chung. La película no huye de su

parentesco con el cine negro, sino que en más de una ocasión abraza estas influencias incluyendo tópicos como los ambientes

ros (los muelles al anochecer), las hordas de guardaespaldas trajeados que escoltan a los “capos”, o las inevitables peleas entre bandas rivales, armados con bates de béisbol y navajas. La violencia llegará a su máxima expresión en

s e igualmente estelares: la pelea en el parking y su conclusión en un ascensor. Ésta última escena supone todo un reto fílmico por lo reducido

del espacio y lo complicado de la secuencia, pero el resultado es visualmente elocuente.

Otro elemento a destacaintensa, que sirve para articular los pasajes más emotivos e introspectivos del film, sobre todo cuando viene acompañada por la banda sonora, de gran intensidad melodramática.

Sin embargo, el punto fuerte del film es la labor actoral encabezada por Jungun exigente papel de agente doble, cuyo peligroso juego le va desgastando, y que debe sobrevivir en un ambiente opresor de violencia y continuos engaños. El punto de inflexión del protagonista llegará cuando uno de sus compañeros le anuncie el fin de su encrucijada con la memorable frase: “de que elijas un bandoprotagonista queda reservado para aquellos que disfruten con el visionado del film.

Dos fotogramas que muestran algunos tópicos del cine negro:

arriba, los muelles al anochecer; abajo, el protagonista mirando

por una ventana mientras llueve intensamente.

Para saber más:

- Ficha de la película en - Ficha de la película en

Marzo de 2015

Página 88

del espacio y lo complicado de la secuencia, pero el resultado es visualmente elocuente.

Otro elemento a destacar es la lluvia, oscura e intensa, que sirve para articular los pasajes más emotivos e introspectivos del film, sobre todo cuando viene acompañada por la banda sonora, de gran intensidad melodramática.

Sin embargo, el punto fuerte del film es la oral encabezada por Jung-Jae Lee en

un exigente papel de agente doble, cuyo peligroso juego le va desgastando, y que debe sobrevivir en un ambiente opresor de violencia y continuos engaños. El punto de inflexión del protagonista llegará cuando uno

ompañeros le anuncie el fin de su encrucijada con la memorable frase: “Es hora de que elijas un bando”. El destino que elija el protagonista queda reservado para aquellos que disfruten con el visionado del film.

Dos fotogramas que muestran algunos tópicos del cine negro:

arriba, los muelles al anochecer; abajo, el protagonista mirando

por una ventana mientras llueve intensamente.

Para saber más:

Ficha de la película en IMDb. Ficha de la película en Filmaffinity.



Puede que el estreno en DVD de El fundamentalista reticente (2012) no llegue a nuestro país en el momento correcto (hace ya dos años que se estrenó en el resto del mundo), pero desde luego lo hace en uno adecuado: por una parte, podrá satisfacer las ansias de aquellos interesados en los conflictos nacionalistas musulmanes de fuera de los países árabes y,65 por otra, responde y funciona como una llamada al raciocinio y diálogo entre Occidente y el Islam, más necesarios que nunca en los tiempos que corren. Habiendo recibido críticas dispares, la película resulta una interesante aproximación a los temas del nacionalismo paquistaní reciente, la importancia en el mismo de los movimientos estudiantiles y del ya recurrente tema de la islamofobia en el universo americano post 11-S.

65 En este sentido, puede interesar especialmente a aquellos que disfrutaron de la última temporada de la serie Homeland, con la que comparte localización y parte de su argumento.

A lo largo de su carrera, Mira Nair se ha ido definiendo como una directora especializada en retratar las relaciones y la convivencia entre indios y norteamericanos, tanto en películas estadounidenses como de producción india.66 En El fundamentalista reticente, adaptación de la novela honónima de Mohsin Hamid, presenta la confrontación entre las sociedades paquistaní y norteamericana, personificadas en la figura del protagonista Changez Khan (Riz Ahmed), estudiante modelo en Princeton y exitoso evaluador financiero de Wall Street, que verá cómo su mundo se desmorona luego del atentado del 11-S.

El maltrato y acoso psicológico que Changez reciba en sus amados Estados Unidos a partir de ese momento, le hará reflexionar sobre toda una serie de cuestiones relativas a la Nación, la Economía y la Identidad que culminarán con la vuelta a su país de origen, donde pertenece a una familia culta con problemas económicos, y donde trabajará como profesor universitario, impartiendo una asignatura sobre Revolución y Violencia, y

66 Nair es autora de diferentes películas que abarcan esta temática, como India Cabaret (1985), Salaam Bombay! (1988), Mississippi Masala (1991), Kama Sutra(1996), La boda del Monzón (2001) o El Buen nombre (2006). Ha ganado numerosos premios, entre los que destacan varios BAFTA, Globos de Oro, Premios César y Leones de Oro de Venecia. En Ecos de Asia ya nos hemos ocupado de algunas de sus otras películas, como La feria de las vanidades, donde trasmite una particular visión de su India natal o 11’09’’01 (2002), donde relata el drama de una mujer musulmana en los Estados Unidos tras el 11-S, tema similar al que abarca en la película que aquí comentamos.

El fundamentalista reticente (2012)y el “Pakistani Dream”. Por Marisa Peiró

Los atentados del 11 de septiembre supusieron un antes y un

después para los musulmanes residentes en los Estados Unidos.



erigiéndose como líder de lo que la CIA define como “Academia militante”.

Será precisamente el secuestro de un profesor universitario estadounidense, Anse Rainier, en las aparentemente peligrosas calles de Lahore, el que le coloque en el punto de mira de los Estados Unidos -y de muchos sectores paquistaníes- y el que haga que Bobby Linconl, un periodista especializado en la zona, acuda a Changez en busca de información. A partir de la conversación entre Changez y Bobby iremos conociendo la historia de ambos y de los motivos que propiciaron sus elecciones políticas y personales en el complejo Paquistán post-talibán, al tiempo que se desarrolla una crisis de rehenes con grandes tensiones entre los

diferentes grupos y organizaciones políticas.

Aunque puede resulta extremadamente lenta y convencional en algunas de las escenas, y sentimos como hay tramas que quedan excesivamente desatendidas (como la de Bobby Lincoln, el padre de Changez -un desaprovechado Om Puri- o la del propio profesor Rainer), la película presenta un muy interesante tratamiento obscurantista de la luz y la imagen y una muy especial y cuidada banda sonora, que combina la música tradicional paquistaní con la más actual: el impactante qawwali de la escena inicial contrasta armoniosamente con los temas encargados a Atif Aslam -la mayor estrella pop de Paquistán-, adaptación de versos de Faiz Ahmed, uno de los más célebres poetas en urdu del siglo XX.

El principal aporte de Nair es evitar a toda costa el Schadenfreude -la complacencia obtenida de las desgracias ajenas- y presentarnos dos sociedades bien diferentes cargadas de claroscuros: la directora juega en todo momento a la confusión y la ambigüedad -manteniendo así las intenciones originales de Hamid-,67 advirtiéndonos con ello de lo

67 “Me gusta la idea de que las novelas maximicen el potencial creativo de quien las lee. Por eso creo ambigüedades, huecos que tienen que ser llenados. En ese sentido El fundamentalista reticente es una invitación”, Mohsin Hamid para Ana Gabriela Rojas en una entrevista para Letras Libres, abril de 2011, disponible aquí.

Tras el 11-S, Changez sufrirá abusos de autoridad en las calles y

aeropuertos.

Gran parte de la película se desarrolla en una casa de té, a partir

de la conversación entre Changez (Riz Ahmed) y Bobby (Liev

Schreiber).

Las protestas anti-americanas crearán momentos de gran tensión.



peligroso de los juicios de valor rápidos, principal causa y consecuencia de los acontecimientos que son narrados en la película.

El Fundamentalista reticente es, ante todo, una película ambiciosa, tanto económica -rodada en cinco países, en dos idiomas y con un presupuesto de 15 millones de dólares- como moralmente: no solo cuestiona la (in)validez de los juicios de valor que sufrieron y sufren millones de musulmanes de todo el mundo, sino que asimila el fundamentalismo religioso al fundamentalismo capitalista que vertebra Occidente, y condena por igual los dogmas de

uno y otro. Su principal fallo parece ser el desfase entre los rentes tiempos narrativos, incapaz de mantener esa calma tensa que se intuye al principio del film y que se ejecuta notablemente durante la primera parte; la fallida mezcla de thriller e historia intimista hace desmerecer las loables intenciones de la autora.

A pesar de sus deliberadas omisiones y de sus elegantes metáforas -como la conversación en torno a los jenízaros-, la película de Mira Nair es una apuesta valiente en la que, haciendo honor a su título, se aleja de los diferentes tipos de fundamentalismo para ofrecer una visión, personal y sesgada, de los conflictos de identidad que sacuden buena parte del planeta.

Para saber más:

- Ficha de la película en Filmaffinity.

- Tráiler.

Escenas como esta tienen un tratamiento visual muy delicado

e impactante.



Desde Corea del Sur, y como debut del director Oh In-chun en cuanto a largometrajes, nos llega Mourning Grave: una nueva película de terror donde los fantasmas, una vez más, nos harán saltar de nuestros asientos.

En las últimas décadas, el K-Horror o cine de terror coreano, está comenzando a cosechar éxito, incluso desbancando al cine de terror japonés actual. Encontramos claros ejemplos de ello con filmes como Dos hermanas (Janghwa, Hongryeon, Jee-Woon Kim, 2003) o The Host(Gwoemul, Joon-ho Bong, 2006). Sin embargo, al igual que ocurrió en la industria de terror japonesa con la sobreexplotación de las películas donde los fantasmas ocupaban nuestras pesadillas con notables ejemplos como la saga Ju-on o The ring: El círculo (Ringu, Hideo Nakata, 1998), ya comentadas anteriormente en Ecos de Asia, la situación comienza a repetirse cada vez más en todo el territorio asiático, y en especial en Corea. Es aquí donde se enmarca la película que nos ocupa.

Mourning Grave presenta a un joven estudiante, In su, que es transferido desde su escuela de origen en Seúl a un nuevo instituto debido a supuestos problemas con sus compañeros de clase. Este, no será el típico adolescente, ya que sus contrariedades no serán otras que la constante visión de espíritus y el tormento que conlleva el convivir con ellos a su alrededor en el día a día.

En su nuevo lugar de residencia vivirá con su tío, exorcista de profesión, que mediante las enseñanzas de sus antepasados pasará sus días creando amuletos que les alejen de las apariciones de los espectros, aunque sin demasiado éxito.

Mientras tanto en la escuela, In su conocerá a una misteriosa estudiante con la que parecerá conectar y también a los miembros de su clase, liderados por los alumnos populares, que atemorizarán al resto intentando convertirlos en sus esclavos. Pero el terror que causan, volverá contra ellos haciéndolos desaparecer uno a uno. La aparición de una chica fantasma, ataviada con una máscara ensangrentada, sembrará el caos en la escuela desenterrando una ola de secretos y venganzas personales. In su, ayudado por su tío y los conocimientos sobrenaturales de su familia, deberá luchar por restablecer la paz en un lugar maldito.

Mourning Grave está compuesta de una mezcolanza de elementos del cine de terror asiático más clásico con tramas más propias de las comedias románticas. A su vez está aderezada con elementos surrealistas y absurdos, normalmente causados por el tío

Crítica: Mourning Grave

(Sonyeogoedam, Oh In-chun, 2014). Por Raquel Carnicer

La chica fantasma.



del protagonista, el cual pondrá el tinte cómico con sus desubicados comentarios.

Como es habitual en este género, la venganza es el cometido de la chica fantasma principal, que perseguirá a todo aquel que le atormentó hasta el momento en que dejó nuestro mundo.

Destaca en la originalidad en el modo de retratar a los espectros, los cuales aunque pudiendo encasillarse como los típicos asiáticos, tendrán características distintas en cuanto a su manera de actuar. El fantasma principal aunque vengativo, muestra dos caras, una dualidad que representará quien fue en realidad y lo que los demás quisieron que fuera y, que al más puro estilo del Dr. Jekyll y el Sr. Hyde, deberá luchar consigo mismo y su transformación hasta poder descansar en paz.

Oh In-chun se estrenará en el mundo del largometraje tras haber dirigido con anterioridad cortos como Crank Up (2010), donde comenzó su incursión en el terror incluso dándose el capricho de protagonizar el papel de víctima.

En el reparto de Mourning Grave destacaremos a Kang Ha-neul dando vida a In su, conocido por su participación en numerosas series de televisión, obras de teatro y en la gran pantalla con éxitos como la comedia romántica You’re My Pet (Neoneun Pet, Kim Byeong-kon, 2011) basada en el manga homónimo creado por Yayoi Ogawa. También destaca la otra joven protagonista, Kim So-eun, la cual consiguió su popularidad a través de la serie coreana Boys Over Flowers y que anteriormente había realizado su aparición en el mundo del terror

con Someone Behind You (Du saram-yida, Ki-hwan Oh, 2007).

En resumen, Mourning Grave no supone una gran novedad para el cine de terror coreano, pero sí que dota al género de un soplo de aire fresco. En un momento en el que las ideas empiezan a escasear, los amantes de los espíritus atormentados deberemos estar pendientes de Oh In-chun y reconocerle el mérito dándole una oportunidad haciéndole un hueco en nuestros sueños más terroríficos, porque desde luego, lo merece.

Kim So-eun junto a Kang Ha-neul.

Para saber más:

- Ficha en IMDb.

- Tráiler aquí.


En este número colaboran: Pablo Begué. Graduado en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza y estudiante del Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte por la misma universidad. Sus intereses giran alrededor de los cuentos de hadas clásicos, su ilustración en el siglo XIX y la influencia de estas imágenes en la cultura popular y de masas, especialmente en la creación audiovisual.Elísabet Bravo ([email protected] de Zaragoza. Actualmente cursa el Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte con especialidad en Lenguaje y Cultura audiovisual. Está interesada e investiga cine fantástico y de terror.Raquel Carnicer. Graduada en Información y Documentación. Entre sus intereses se encuentran el terror, la ciencia ficción y el fantástico. Autora del blog de terror Demonomania NaDiana Espada. Graduada en Historia del Arte y Arquitectura Técnica por la Universidad de Zaragoza, actualmente se encuentra realizando el Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte. Se especializa en el estudio y conocimiento de la Historia dContemporánea, así como en la conservación del Patrimonio.José Ángel García González. Diplomado en turismo por la UNED, Diplomado en Shiatsu por la Escuela Mingmen de Madrid e instructor y practicante de diversas discKung), además de miembro fundador, y actualmente Presidente, de la Asociación Española de Artes Zen japonesas. Se dedica en estos momentos a la investigación del shiatsu y sus aplicaciones en enfermedades desde el espacio shiatsu Kokoro, creado junto a Silvia Juárez Gallango.Julio A. Gracia. Licenciado en Historia del Arte y Máster en Arte Contemporáneo por el Museo Reina Sofía. Actualmente, cursa el doctorado entre la Universidad Complutense y la de Zaragoza, con una tesis sobre narrativa gráfica española. María Gutiérrez ([email protected] de Zaragoza, cursando el máster de Estudios Avanzados con el objetivo de especializarse en arte asiático. Juan Ibáñez. Graduado en Geografía e Historia por la Universidad de La Rioja, ha sido becario de iniciación a la investigación y de colaboración en el departamento de Ciencias Humanas de la UR (área de Historia Moderna). En la actualidad cursa el Máster Universitario de Puniversidad. David Lacasta ([email protected] cursando el máster en estudios avanzados, en la modalidad de Asia Oriencerámica Satsuma, y el fenómeno de su coleccionismo en occidente.También me interesa mucho todo lo relacionado con las armas y armaduras de los samurai, así como la historia militar de Japón.Laura Martínez Rodríguez ([email protected] por la Universidad de Zaragoza, actualmente cursa el Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte de la misma, especializándose en Cine. Marisa Peiró ([email protected] de Zaragoza y Máster en Estudios Avanzados de Historia del Arte por esta misma universidad. Se especializa en el Arte y la Cultura Audiovisual de la primera mitad del s. XX, y en las relaciones artísticas interculturales. Actualmente, está realizando su tesis doctoral. Carolina Plou ([email protected] doctoral sobre fotografía japonesa. María Postigo. Licenciada en Historia del Arte en la Universidad de Zaragoza. Tras terminar la licenciatura, me especialicé en Géneros y Lenguaje Audiovisual. Actualmente sigo conHistoria del Cine Español, sin embargo, nunca he dejado de lado mi pasión por el estudio de la moda desde una perspectiva histórica. Adrián Ruiz. Graduado en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, actualmente se encuentra realizando el Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte. Se especializa en el estudio y conocimiento de las Artes Gráficas, la Historia del Arte Actual y los medios audiovisuales como los videojuegos y el cine.

Para la realización de este número, agradecemos

además a Ana Asión, María GalindoSanjuán y

muy especialmente, a los doctores Elena BarlésDavid Almazán.

GRACIAS A TODOS LOS COLABORADORES

POR SU TRABAJO Y ENTUSIASMO, Y A GRACIAS A USTED, LECTOR POR SU TIEMPO

E INTERÉS. NOS LEEMOS EN EL PRÓXIMO NÚMERO.

¿Quiénes somos? Conoce a [REVISTA ECOS DE ASIA / Nº14] Marzo de 2015


Graduado en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza y estudiante del Máster toria del Arte por la misma universidad. Sus intereses giran alrededor de los

cuentos de hadas clásicos, su ilustración en el siglo XIX y la influencia de estas imágenes en la cultura popular y de masas, especialmente en la creación audiovisual.

[email protected]). Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza. Actualmente cursa el Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte con

ltura audiovisual. Está interesada e investiga cine fantástico y de terror. Graduada en Información y Documentación. Entre sus intereses se encuentran el

terror, la ciencia ficción y el fantástico. Autora del blog de terror Demonomania Nation. Graduada en Historia del Arte y Arquitectura Técnica por la Universidad de

Zaragoza, actualmente se encuentra realizando el Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte. Se especializa en el estudio y conocimiento de la Historia de la Arquitectura en época Moderna y Contemporánea, así como en la conservación del Patrimonio.

Diplomado en turismo por la UNED, Diplomado en Shiatsu por la Escuela Mingmen de Madrid e instructor y practicante de diversas disciplinas (Karate, Kobudo, Chi Kung), además de miembro fundador, y actualmente Presidente, de la Asociación Española de Artes Zen japonesas. Se dedica en estos momentos a la investigación del shiatsu y sus aplicaciones en enfermedades

su Kokoro, creado junto a Silvia Juárez Gallango. Licenciado en Historia del Arte y Máster en Arte Contemporáneo por el Museo

Reina Sofía. Actualmente, cursa el doctorado entre la Universidad Complutense y la de Zaragoza, con una

[email protected]). Graduada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, cursando el máster de Estudios Avanzados con el objetivo de especializarse en

duado en Geografía e Historia por la Universidad de La Rioja, ha sido becario de iniciación a la investigación y de colaboración en el departamento de Ciencias Humanas de la UR (área de Historia Moderna). En la actualidad cursa el Máster Universitario de Profesorado de la misma

[email protected]). Licenciado en Historia del Arte y actualmente estoy cursando el máster en estudios avanzados, en la modalidad de Asia Oriental. Estoy trabajando en la cerámica Satsuma, y el fenómeno de su coleccionismo en occidente.También me interesa mucho todo lo relacionado con las armas y armaduras de los samurai, así como la historia militar de Japón.

[email protected]). Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, actualmente cursa el Máster de Estudios Avanzados en Historia del

[email protected])es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza y Máster en Estudios Avanzados de Historia del Arte por esta misma universidad.

ultura Audiovisual de la primera mitad del s. XX, y en las relaciones artísticas interculturales. Actualmente, está realizando su tesis doctoral.

[email protected]). Historiadora del Arte, japonóloga, prepara una

Licenciada en Historia del Arte en la Universidad de Zaragoza. Tras terminar la licenciatura, me especialicé en Géneros y Lenguaje Audiovisual. Actualmente sigo con mi Doctorado sobre Historia del Cine Español, sin embargo, nunca he dejado de lado mi pasión por el estudio de la moda desde

Graduado en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, actualmente se alizando el Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte. Se especializa en el estudio y

conocimiento de las Artes Gráficas, la Historia del Arte Actual y los medios audiovisuales como los

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