Nº11 Octubre 2012

Editada por: Asociación Nacional de Historiadores de Arte y Diseño

ISSN: 2174-6877

Revista ANHAD Octubre 2012

ANHAD es la revista de la Asociación

Nacional de Historiadores de Arte y

Diseño, dedicada a la difusión de los

estudios y los acontecimientos más

relevantes del panorama cultural

actual.

Esta revista bimestral publica una

edición especial al año y consta de

dos espacios: uno dedicado al arte y

otro al diseño.

¿Quienes somos?

La Asociación

Beatriz Marín Pereira y Celia Fernández

Quintana.

Fundadoras de la Asociación y editoras

de la revista ANHAD Arte&Diseño

Este mes estamos muy emocionados con la presentación pública de nuestra, y a partir de ahora vuestra también, nueva web. Queremos estar más cerca de nuestros lectores y artistas para que nuestra actividad no pare, sino que se renueve día a día y entre todos.

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Cultura alternativa Revista ANHAD Agosto 2012

Sumario

ARTE

Novedades pág.5

Agenda de exposiciones

Hacia una nueva concepción

de la práctica teatral

Estética contemporánea pág.35

De actualidad pág.12

Del pincel al Ipad

Zona

Interferencias: arte y diseño pág.55 Las vanguardias del siglo XX vistas

desde la moda actual

Dan Flavin

Zona En portada: Costhanzo

Gilbert Legrand

Dan Cretu

III Bienal de Diseño Iberoamericano

Inspiraciones de la red

Diseño pág.64

Cultura alternativa pág.31

Espacio fotografía pág.25

Cindy Sherman y otra

Cristina Sánchez

MálagaDIEM

Entrevistas ANHAD pág.41

2

Nuevos conceptos del arte

contemporáneo y la escuela de Leipzig

McLuhan y la Historia del Arte:

Una mirada tecnológica

Descubriendo nuevas fronteras pág.47 Una breve historia del arte…oriental

Diseño

Este mes estrenamos una nueva web mucho más visual y con muchas más posibilidades de interacción. Estaremos encantados de recibir vuestras visitas , comentarios y por supuesto vuestras sugerencias. En ella podréis estar al tanto de todo lo relacionado con el mundo del arte: cursos, exposiciones, noticias. Además de poder consultar nuestra revista como siempre de forma gratuita.

Visítanos!! www.asociacionanad.org

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Zona ARTE

Dan Flavin

Entrevistas ANHAD Revista ANHAD Agosto 2012 Novedades: Agenda de exposiciones

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Fundación Joan Miró, Barcelona. Del 24 de octubre de 2012 al 24 de febrero de 2013 La muestra investigará el entramado de influencias y conexiones que se generaron a partir de la action painting, cuyo principal exponente fue Pollock (1912-1956). Desde finales de 1940, la noción de pintura como

¡EXPLOSIÓN! EL LEGADO DE JACKSON POLLOCK

‘AM I A HOUSE?’ ERWIN WURM. Centro de Arte Contemporáneo, Málaga. Del 21 de septiembre al 11 de noviembre de 2012. La mayor exposición de Erwin Wurm realizada en España, que ocupa distintos espacios del Centro: la sala central alberga su instalación Narrow House, el Espacio Proyectos acoge esculturas y en el Espacio 5 se proyecta un vídeo.

PRIMERA RETROSPECTIVA EN ESPAÑA DE BRIAN DUFFY. Centro de Historias de Zaragoza. Del 6 de septiembre al 11 de noviembre de 2012.

acción abrió un inmenso campo de posibilidades que se tradujeron en el arte de la performance y en las innovadoras prácticas.

Novedades: Agenda de exposiciones

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SALVADOR DALÍ EN PARÍS Y MADRID. •París. Centre Pompidou. Del 21 de noviembre de 2012 al 25 de marzo de 2013. •Madrid. Museo Reina Sofía. Del 23 de abril al 2 de septiembre de 2013.

La exposición que el Centro Pompidou dedicó a Dalí en los años 1979-1980 es aún hoy la más visitada de la historia de esta institución. En cuanto a España, esta muestra será la primera relectura que se hace del conjunto de la obra y de la personalidad histórica de este artista desde la retrospectiva que en 1983 le dedicó el Museo Español de Arte Contemporáneo en Madrid.

AÑOS LUZ. EUGÈNIA BALCELLS.

Tabacalera de Madrid. Del 21 de septiembre al 18 de octubre de 2012. Es una exposición diferente, un viaje hacia los límites del Universo realizado con el deseo de ofrecer una interpretación poética del recorrido de la luz y de su capacidad para engendrar la vida a su paso.

Rubens, Brueghel, Lorena. El paisaje nórdico en el Prado Sala de Exposiciones. Centro del Carmen, Valencia Del 27 de septiembre al 2 de diciembre de 2012 Esta muestra constituye una oportunidad excepcional para disfrutar de un recorrido por el evocador mundo del paisaje nórdico apreciando la maestría de estos pintores.

Hacia una nueva concepción de la

práctica teatral.

Novedades Novedades

El pasado 19 de septiembre se inauguró en el Reina Sofía la exposición Espectros de Artaud. Lenguaje y arte en los años cincuenta, en la que se aborda la importancia de Artaud en el desarrollo artístico de los años cincuenta. En ANHAD queremos rendirle nuestro propio homenaje, contextualizando su figura como esencial para la evolución del teatro contemporáneo.

Por Celia Fernández

Debemos comenzar situándonos a finales del siglo XIX cuando el teatro comienza a ser considerado como un Arte. La pintura, la escultura y la arquitectura habían ido adquiriendo la categoría de arte a partir del Renacimiento, cuando dejan de ser juzgadas como un mero trabajo artesanal. A finales del XIX el teatro había llegado a su máximo apogeo con el desarrollo de la ópera y gozaba de gran estima entre las clases sociales dominantes, lo que conllevó la institucionalización del propio teatro. Contra la institución y sus reglas se levanta el nuevo teatro, que hace ver por primera

vez al espectador que el teatro es un espacio de ficción e ilusión, y lo muestra abiertamente. Este cambio es también propiciado por la aparición de la fotografía y fundamentalmente del cine. Esta misma transformación la había sufrido la pintura, que tras la fotografía abandona paulatinamente la mímesis caminando

Antoin Artaud

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hacia la abstracción. El teatro comienza a optar por una no ocultación de los mecanismos que se construyen en torno a él, deja de ser sinónimo de espectacularidad para acercarse cada vez más a la realidad. Esto conlleva abandonar la verosimilitud fingida, romper las reglas espaciales y temporales. El teatro mira y habla por primera vez directamente al espectador, ya no finge su soledad, es consciente que está hecho para ser mirado y se prepara para tal fin.

Novedades

Los movimientos de vanguardia son los primeros en proponer nuevas propuestas teatrales, ligadas especialmente al futurismo, al dadaísmo y más tarde al surrealismo. Se abandona el teatro como lugar para conquistar nuevas áreas como el cabaret o music-hall, el circo o el teatro de variedades. Uno de los grandes paradigmas de la ocupación del cabaret es el Cabaret Voltaire fundado en 1916 por Hugo Ball en Zurich. El Cabaret Voltaire se convirtió en lugar de reunión del grupo dadaísta, donde tenían lugar las primeras acciones que buscaban ante todo la provocación del espectador. Esto mimo perseguían los futuristas, quienes llegaron incluso a hablar del placer de ser abucheado. La provocación y el escándalo se convierten en dos elementos idiosincráticos de las nuevas acciones teatrales, usados para un único fin: la participación activa del espectador.

Hugo Ball en el Cabaret Voltaire recitando su poema, 1917

El nuevo teatro inicia su camino separado de la literatura, separado del drama. Tal y como defendía Georg Fuchs en su obra La revolución del teatro, escrita en 1909. Fuchs antepone el movimiento y la música a la palabra, para él el teatro es la “multitud festiva”. Los nuevos directores teatrales se centran en el cuerpo y la música como trasmisores del mensaje teatral. Esta apuesta por la visualidad teatral se vio materializada, por ejemplo, en el teatro expresionista caracterizado por el uso de la gesticulación, la mímica, los silencios, las exclamaciones, los balbuceos que cumplían igualmente una función simbólica.

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En los años treinta, y gracias a la figura de Antonin Artaud, el nuevo teatro cambia de rumbo retornando a la realidad y a la vida. Para Artaud el teatro no es representación, sino realización, es la materialización y la fusión total de arte (teatro) y vida. Artaud quería implantar el teatro puro, entendido como “espectáculo integral”. Condena la sujeción del teatro al texto y apuesta por un lenguaje a medio camino entre el gesto y el pensamiento. Inaugura lo que él llama “lenguaje en el espacio”, la toma de conciencia de todas las posibilidades expresivas del lenguaje, verbal y gestual, y de las herramientas idiosincráticas a la escena teatral como la música, las luces, la escenografía o el vestuario. Como Artaud, también Bertold Brecht comprendió que en el ámbito teatral se había producido un desplazamiento del papel a la puesta en escena, y que era necesario un cambio en la práctica teatral que además conllevara una nueva posición del espectador. Pero aunque ambos dramaturgos perseguían el mismo fin, sus propuestas acaban siendo totalmente contrarias. Artaud, en su teatro de la crueldad, buscaba la acción directa del espectador a través de violentas e impactantes imágenes escénicas. Para él, el espectador debe abandonar su posición de visor y perder toda la separación con respecto al actor, debe ser una parte activa de la performance. Mientras que para Brecht y su teatro épico, el espectador tiene que permanecer en un plano aún más distante de lo habitual, y cambiar su mirada de observador por una mirada científica que analiza todo lo que ve pero siempre desde la distancia del “patio de butacas”.

Novedades

Los futuristas, por su parte, llevaron a cabo una mecanización del cuerpo asociada a la música de ruido. Para Luigi Russolo el ruido nació en el XIX tras la invención de la máquina, antes solo reinaba el silencio. Con la Revolución Industrial el ruido triunfa y domina soberano sobre la sensibilidad de los hombres y ya forma parte indisoluble del hombre moderno y de su música.

Vestuario del ballet 'Macchina del 3000' (1924)

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Novedades

Durante la década de los cuarenta y de los cincuenta se continúo trabajando bajo la concepción de Artaud del teatro como realización. Happenings y performances se hacen cada vez más usuales. El gran detonante para la aceptación y el auge de estas prácticas escénicas fue la aparición del Neodadaísmo, del Pop estadounidense y del

Nuevo Realismo británico. Los artistas plásticos, buscando la superación de los límites de la pintura, comienzan también a realizar acciones; como Robert Rauschenberg que junto al músico Jhon Cage y el coreógrafo Merce Cunningam llevaron a cabo este tipo de actuaciones en el seno de la Black Mountain. En 1947, Judith Malina y Julian Beck fundan el Living Theatre, un grupo que concebía el teatro como forma de vida. Sus happenings colectivas se basaban en la credibilidad de la actuación, a través de la interactuación con el público y la improvisación. Tadeusz Kantor es otro de los grandes hitos en la historia de la performance. En 1965 inventa el llamado “Teatro-happening” llevaba a cabo lo que podríamos denominar

como cotidianización de la performance, a través de la ejecución de actividades cotidianas como comer, afeitarse, estar sentado…pero siempre desprovistas de su función práctica o en lugares que nada tienen que ver con la actividad a realizar.

Kantor. 1967. Concierto Marítimo

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A partir de los años 70, y especialmente en los 80, las performances se van decantando cada vez más por el impacto visual, recurriendo en muchas ocasiones a la violencia. Es el “triunfo” del teatro de la crueldad de Artaud. Las reivindicaciones de feministas y homosexuales y de grupos étnicos marginados, vieron en la performance una vía perfecta en la que expresarse y, tal y como dice Josefina Alcázar, explorar su problemática personal, política, económica y social. Las feministas irrumpen con gran violencia en el campo de la performance, convirtiendo su propio cuerpo en campo de experimentación, llegando en muchos casos al extremo. Estas prácticas ya no guardan ninguna teatralidad, no hay actores ni actuación. Es la total fusión de arte y vida.

La práctica teatral a principios del siglo XX, al igual que en pintura o en escultura, inicia un periodo de transformación y reconversión. Ya no era necesario continuar la farsa, había que abandonar el escenario, saltar al patio de butacas, dejar de ocultar la tramoya. Es la toma de conciencia de los límites y de los recursos propios del teatro como disciplina artística. Las nuevas actitudes teatrales se pueden resumir en dos corrientes y en dos nombres, Artaud y Brecht, quienes instauran nuevos modelos sobre los que trabajar escénicamente interesándose por la nueva posición que asume el espectador. La violencia ha sido uno de los mecanismos de los que se han servido las prácticas escénicas contemporáneas para llamar la atención sobre el espectador. Muchos critican este uso pero, bajo mi criterio, es el mecanismo más efectivo del que servirse en una sociedad en la que la sutiliza y la delicadeza han dejado de tener sentido.

Novedades

Bibliografía:

ALCÁZAR J.: Mujeres y performances, el cuerpo como soporte, México, CITRU, 2001.

SÁNCHEZ J.A.: El teatro en el campo expandido. Quaderns portàtils, Barcelona, 2008.

Carolee Schneemann

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De Actualidad

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Entrevistas ANHAD Revista ANHAD Agosto 2012 De Actualidad

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(Fig.2)

Con motivo de la exposición que el museo Guggenheim de Bilbao ha realizado sobre David Hockney: Una visión más amplia, entre el 15 de mayo y el 30 de septiembre del 2012, aprovecharemos para adentrarnos en el mundo del pintor y escenógrafo inglés. Un artista que desde sus inicios se ha mostrado revolucionario e innovador y que, gracias a su visión transversal de lo que supone la acción artística, ha sabido hacerse con los avances tecnológicos, incorporándolos a sus producciones gráficas. Los casos que más nos han llamado la atención han sido los del iPhone y el iPad, sus nuevas herramientas de trabajo, que han desbancado al cuaderno de notas y a los pinceles.

Al conocer su dilatada producción artística es cuando se comprenden las motivaciones que le han llevado a ahondar en las nuevas tecnologías. Para comenzar, Hockney se define como un artista que busca la experiencia en los nuevos entornos, y son estos los que le sirven de estimulo para crear nuevas series. De esta forma es como surgieron sus famosas series de las piscinas californianas, todas ellas en acrílico y en donde el concepto del espacio fluido del agua lleva absolutamente todo el peso de las composiciones, pero a la vez lo compagina con colores intensos y saturados, un rasgo de su identidad artística.

Retrato de un artista (piscina con dos

figuras) 1972.

Para Hockney, de 76 años, el uso de estos utensilios en la elaboración artística le supone no solo un gran placer, sino un gran beneficio. Como él mismo dice le ayuda a agilizar el proceso creativo, algo que le es de vital importancia, ya que en sus series de paisajes, uno de los géneros más desarrollados por el artista, la transitoriedad del momento es la idea clave.

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La transparencia del agua y la idea de lo traslucido era algo que le llamaba la atención desde sus primeras andaduras en la Escuela de Bellas artes de Bradford. A esta idea de lo translucido conviene unirle la de su filosofía del mundo tridimensional vs el mundo bidimensional, que él mismo explica en el documental David Hockney a Bigger Picture, de Bruno Wollheim. Expone que somos seres tridimensionales y que pertenecemos a este espacio, pero nuestro problema radica en que en la actualidad estamos viviendo, debido a la nueva cultura digital, en el no-espacio. Algo tremendamente difícil de representar en el espacio bidimensional del lienzo. Por lo que, si a esta declaración le añadimos su idea de lo transitorio, llegamos a su misma conclusión, que realmente el tiempo y el espacio son

Pearblossom Highway, 11-18 abril de 1986, collage fotográfico.

las piedras angulares de su filosofía artística, un leit-motiv que es fácilmente visible a lo largo de su obra. Siguiendo su trayectoria artística en la década de los 70, tras diez años trabajando con pintura acrílica vuelve al óleo, sin abandonar el dibujo ni el grabado. En este periodo mantiene su interés por la fotografía, que llegará a su máxima expresión en 1982, cuando comprende que es necesario estudiar los límites de la fotografía, pues de este modo esclarecerá la problemática que percibe en la perspectiva renacentista e investiga la idea de la cuarta dimensión, el tiempo. En esta etapa su interés se centraba en ir más allá de la perspectiva clásica occidental, que no es más que una ventana… En cierto modo es por lo

Entrevistas ANHAD Revista ANHAD Agosto 2012 Estética contemporánea

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(Fig.2)

que reniega de la fotografía, pues para Hockney la cámara sólo puede captar lo que se está enfocando, pero el ojo realmente tiene un mayor ángulo de visión, y dentro de este hay una jerarquía, que determina en que orden se ven las cosas. Ese orden puede ser diferente al tuyo y, por lo tanto, ahí recae el mayor error de la fotografía, que nos ha hecho ver a todos de la misma manera. Por tanto, y para salvar el hándicap de que lo captado por la lente es un reducto, una ínfima parte de lo que ve el ojo humano, el artista plantea una fórmula de escape a esa perspectiva clásica, la del collage fotográfico.

Sin el cubismo no se te ocurren estas ideas… Sin duda Picasso ha sido una importante influencia para David Hockney. El pintor malagueño era su referente, ya que había sido el que mejor supo aunar la idea de tiempo y espacio. Curiosamente estos dos genios del pincel tienen otros puntos en común. Hockney, en los años 70, se dedicó a realizar escenografías para operas, y entre ellas sobresale el programa triple para la Metropolitan Opera, donde destacaba Parade, de Erik Satie, un ballet cubista que en 1917 había contado con el trabajo de Picasso para el diseño de los decorados y que, en 1981, precisaría del talento de Hockney tanto para los decorados como el vestuario, ya que era capaz de entender la dimensión cubista, donde el espacio y el tiempo quedan ligados en un mismo momento pregnante. Dice el artista que los colores rojos, verdes y azules intensos, los toma de Matisse, de quien aprendió el valor de los colores vivos. Su discurso en torno a la perspectiva coge una mayor fuerza con la elaboración de estos decorados, ya que le permite llevar sus ideas bidimensionales a un espacio más tridimensional.

Boceto para los decorados de Parade, 1981

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Mientras investigaba la obra de Hogarth para realizar los escenarios de El progreso del libertino, de Stravinsky, descubrió el tratado de perspectiva de John Kerby. En el se incluía un grabado satírico de Hogarth, en donde se ilustran los errores de la perspectiva. Hockney queda tan fascinado que realiza una interpretación de este grabado, Los provechosos conocimientos de Kerby, en 1975. Todo ello le resultó muy beneficioso, pues de estas perspectivas imposibles sacó los modelos para las arquitecturas de la obra de Stravinsky. En cuanto a otras influencias, el pintor inglés señala que debe mucho a la pintura china, ya que es un magnífico ejemplo de cómo captar diversos puntos de vista, en un sentido perfectamente ordenado. De hecho lo compara con los paisajes de Canaletto y su sistema de perspectiva clásico. Realmente ese modelo supone una visión mucho más rígida, en cambio el método chino realiza un desarrollo en horizontal. En 2002, tras haber visto una exposición de acuarelas chinas en el MoMA de Nueva York, se anima a utilizar esta técnica mientras viajaba por España, durante ese mismo año. El trabajo culminó en una exposición en la Royal Academy. Tras descubrir el desarrollo en horizontal de la pintura china, volcó este hallazgo en sus obras, disponiendo para sus paisajes varios lienzos que conforman una visión

Grabado de Hogarth incluido en el tratado de perspectiva de J. Kerby

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(Fig.2)

más amplia y despegada de la ya mencionada visión renacentista. Está fórmula se ha convertido en su marca personal. En esta línea llegamos a su etapa de desarrollo artístico por soportes digitales. En un primer momento empezó a trabajar con la aplicación Brushes para iPhone. Con ésta pintaba bodegones de flores que enviaba por correo a sus amigos, para que tuvieran cada día flores frescas. Pero al aparecer las tablets, y más concretamente el primer iPad, podía escoger pinceles de diferentes grosores, y la paleta le admitía una

Tala de Invierno, 2009. Óleo sobre 15 lienzos, 274,3 x 609,6 cm, 91,4 x121,9 cm

mayor mezcla. Al descubrir todos estos perfeccionamientos decidió utilizarlo como cuaderno de bocetos. El salto más importante lo da al descubrir que este soporte gráfico le permitía una gran calidad de impresión, por lo que volvió a sus pinturas de un único lienzo, aunque en paralelo también realizaba sus obras horizontales compuestas por varias piezas. Estas, en su mayoría, las llevaba a cabo en el interior de su coche, por las zonas arboladas de Yosemite, durante 2011. Ese mismo año también realiza la serie La llegada de la primavera en Woldgate, East Yorkshire, en 2011 (dos mil once).

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Consiste en una obra compuesta de 52 piezas: 51 dibujos con iPad, impresos sobre papel, y una pintura al óleo sobre 32 lienzos. El trabajo se centró en la captación de los paisajes del bosque, en Woldgate, en diferentes momentos, desde el 1 de enero hasta el 2 de junio del 2011. Esta serie nos permite hablar de un plein air en el que el iPad ha desbancado a los cuadernos de notas. Dentro de su abundante producción artística, es reseñable mencionar sus obras en soporte audiovisual, por su carácter innovador. En 2010, con un jeep equipado con nueve cámaras, se dedicó a grabar el paisaje arbolado de Woldgate en diferentes estaciones, con la idea de hacer escapar al espectador de la perspectiva monofocal, que hace que nuestra visión óptica

esté constreñida. El resultado de su praxis fue una video-instalación, en la que el espectador, gracias a las nueve cámaras y a la tecnología 3D, se convierte en su propio “director”, que es al fin y al cabo lo que hace Hockney en todas sus obras de formato horizontal constituidas por más de un lienzo o, en este caso, de una pantalla. De este modo se crea una nueva fórmula de narrar, dejando una absoluta libertad al público, cuya mirada transita por las dieciocho pantallas.

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(Fig.2)

Huelga decir que dentro de su producción, el paso del tiempo en la naturaleza es su constante, pero dentro de su filosofía estética, la categoría de lo sublime es lo que da forma a su obra artística. David Hockney es un gran conocedor de los filósofos Edmund Burke e Immanuel Kant, que engendraron y desarrollaron el concepto de lo sublime. De la teoría de estos autores, Hockney sonsaca lo necesario para construir los pilares teóricos de su obra, ya que concreta que la belleza es la forma del objeto definida por sus limites, mientras que lo sublime se encuentra en un objeto

sin formas. Él es un gran defensor del formalismo, de hecho dice que en estos momentos no se encuentra de moda porque todo ha de tener contenido y un significado que vaya de la mano de la función. A pesar del gusto actual, Hockney, no sin algo de picardía, nos demuestra que a través de la forma consigue tener un gran éxito en este siglo, siempre teniendo en cuenta parámetros universales como son el tiempo y el espacio, combinándolos con formas agradables que rebasan los limites definidos, y respaldado por nuevas herramientas que hacen que su producción sea mucho más eficaz.

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Lourdes Pérez Álvarez

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El arte siempre se ha dejado influenciar por los ideales del pasado, pero en estos últimos siglos se ha visto modelado por la revolución de las tecnologías que han abierto un nuevo camino. En el periodo de renovación, podemos observar que de una forma ecléctica han influido motivos asiáticos, orientales, o de aires lejanos muy diferentes que alteran de alguna forma la dirección del arte, pero ¿En que dirección se mueve el arte? ¿Cuál es hoy en día su punto de mira? ¿De qué se dejan influenciar los artistas contemporáneos? Si nos fijamos en los artistas anteriores, es necesario entender su contexto histórico, su filosofía, técnica y principales influencias para entender el desarrollo y el sentido de su obra, sin embargo, gracias a

la globalización y a la importancia de los medios de comunicación, estos factores se han modelado y casi unificado, reflejando en el arte contemporáneo un ritmo frenético de vida, una diversidad de culturas. Gracias a esto, el artista del siglo XXI se dirige a un público mundial. No podemos entender el arte de la misma manera, ya no podemos hablar de estilos y movimientos porque desaparecen a la velocidad propia de la era de la información y de las nuevas tecnologías. Los estilos y movimientos surgen y cambian sin cesar, tratando cuestiones referidas a acontecimientos históricos y sociales, utilizando estilos antiguos y nuevos

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para crear obras que definan una visión particular. Podemos decir entonces que el arte de hoy en día se caracteriza tanto por las nuevas formas como por los cambiantes géneros tradicionales, examinando las diferentes respuestas a la interrogante de qué es el arte. Entendemos el concepto de arte actual o contemporáneo aquello realizado tras la Segunda Guerra Mundial, sobre todo tras la caída del muro de Berlín en 1989. Durante los años noventa nace la Escuela de Leipzig, con varias generaciones de artistas en métodos individuales muy característicos donde aplican sus enseñanzas académicas, su mayor representante es Neo Rauch, conocido por su estilo de nuevo cuño, desarrolla su idea artística a partir de la vieja ‘Escuela de Leipzig’, una mezcla entre realismo y abstracción surrealista. Muchas de sus obras tratan de temas políticos inspirados en su propia experiencia vital, llevan intrínseco ideales revolucionarios como el socialismo. Cada pintor desarrolla un lenguaje pictórico propio que emite un mensaje, una crítica, un sueño, una esperanza o

una idea de libertad, a través de metáforas. Esto se puede observar en las primeras generaciones de artistas de la Escuela de Leipzing, donde sus estudiantes quedaron muy influidos en la figuración, en la descomposición de la superficie en múltiples planos, un estilo nuevo característico que mantienen de sus predecesores. Es el caso de Arno Rink y Ultrich Hachulla, herederos de Tübke y Mattheuer.

“ Ya no podemos hablar de estilos y movimientos porque desaparecen a la velocidad propia de la era de la información y de las nuevas tecnologías”

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Esta escuela es por tanto el fruto de una herencia común transmitida de generación en generación, de profesor a estudiante, donde se incluyen conocimientos de historia del arte y de los movimientos artísticos nacidos antes de la caída del muro, tras este acontecimiento se renovó la escuela con la tercera generación de artistas que se termina denominando La Nueva Escuela de Leipzig.

Esta corriente artística se ha desarrollado bajo un sistema socialista, y luego capitalista, pero no ha servido a ninguno de los dos, pero los artistas lo han utilizado para interiorizarlo y reproducirlo con un estilo tradicional de pintura que muestra las tendencias realizas y expresivas.

@ANHADarte #revistaANHAD

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Espacio fotografía

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Cindy Sherman es esa mujer que jamás conoceremos. Porque a un fotógrafo se le puede conocer a través de sus imágenes, esas en las que siempre entrega un poquito de sí mismo. Sin embargo, esta fotógrafa estadounidense no se deja llevar por el clic de la cámara y no transforma su ser en una fotografía final. El cine es esa gran masa basada en la fotografía… es como reconocer una sola imagen, en un único segundo, y asociarla a toda una historia con múltiples personajes, complicaciones y desenlaces que ni siquiera aparecen en lo que estamos viendo. Esta es la base de Film Stills, el proyecto que lanzó a Sherman a las listas de los fotógrafos más cotizados del arte contemporáneo junto con otros grandes como Andreas Gursky, Richard Prince o Peter Lik. Film Stills es una serie de innumerables autorretratos sin título en los que podemos ver a Sherman en múltiples actitudes diferentes, siempre caracterizada como otra que no es ella, recreando la sociedad de los años 50 en adelante y el papel que la mujer desempeñaba en ella y que todos podían asimilar a través del cine. Estas imágenes parecen, de

hecho, fotogramas de películas que hacen que el espectador sitúe a la fotógrafa en lugares y situaciones diferentes, imaginando un argumento que le lleve a comprender qué es lo que realmente está pasando y qué se nos quiere contar. Sin embargo, el fin más claro de la artista es transmitir una crítica sobre la posición de la mujer en la sociedad que estaba envuelta en una especie de soledad doméstica, una representación de estereotipos femeninos sobre esa joven que sueña con ser algo más allá.

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Muchos críticos comentan que este trabajo supone la búsqueda d identidad de una artista que se encontraba perdida y que, disfrazándose de otros, intentaba verse a sí misma, quizás, entender su propio ser desde otro ajeno. Todo esto resulta demasiado psicológico, enrevesado y complejo, puesto que es muy probable que ni la propia fotógrafa pueda dar una explicación clara de lo que deseaba transmitir. No obstante, desde mi humilde punto de vista, puedo asegurar que es agotador experimentar una sensibilidad que se sale de la media porque hay que buscar constantemente una manera de expresarla y liberarse hacia algún lugar. Considero que Film Stills es un auténtico ejercicio de personalidad, desdoblamiento y apariencia en uno, el ser lo que no se es y al mismo tiempo darse cuenta de que uno puede ser cualquiera, es como un juego complejo dentro de una noria que no para de girar, es como perseguirse a sí mismo y, sin embargo, no llegar nunca al final.

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Por otro lado y enlazando con lo anterior, vivimos en una sociedad donde la apariencia es fundamental. Cuando algo nos gusta es porque nos atrae lo que vemos, cualquier cosa. De alguna manera tenemos un chip implantado en el cerebro que no nos deja ver más allá y nos concentramos únicamente en un aspecto que, por lo que sabemos, puede ser tan real como falso. Así, ese chip supone un engaño y Cindy Sherman nos demuestra que dicha apariencia no tiene ningún valor, porque hoy puedes ser una y mañana otra. Por tanto, el ejercicio que la artista llevó a cabo debió suponer un esfuerzo emocional y psicológico intenso y delicado de asumir.

Las fotografías de este proyecto están sumamente cuidadas al detalle, la recreación de las atmósferas, los espacios, la iluminación y la pose, así como el atrezzo y la caracterización de la fotógrafa presentan con exactitud esas ideas que nos llevan directamente a la pantalla de cine. Por lo que cabe decir que la artista cumple sobremanera con lo que se espera de ella como fotógrafa y, lo que es más, como estilista, directora de arte, modelo, maquilladora o peluquera, puesto que para todas esas imágenes, y otras realizadas a lo largo de su carrera, ella y su cámara son los únicos componentes de su equipo de trabajo.

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Después de vender una de estas fotografías, en concreto Untitled 96, por casi 4 millones de dolares en una subasta realizada en Nueva York por la casa Christie`s, hablar de Cindy Sherman es hablar del más claro ejemplo de artista que triunfa por un proyecto y cae de alguna extraña manera en una especie de nebulosa indefinida donde creatividad y triunfo no van de la mano. Sus siguientes series, Centerfolds y los History Portraits de los años 80 y las Head Shots de hace una década, no tuvieron la misma repercusión y, aunque muchas de ellas están basadas en el mismo concepto de autorretrato y caracterización de la autora, es muy posible que por la repetición de su propio esquema pueda resultar aburrida. Aún así, Cindy Sherman resulta hoy admirada por cualquier fotógrafo que tenga un poco de gusto y se interese por el mundo del arte más allá de su objetivo. Y esto, aunque pueda resultar contradictorio tras su Film Stills, es comprensible, puesto que supuso un paso más en el concepto de autorretrato como estudio psicológico y personal, una

nueva forma de ver el cine y, sobre todo, una reflexión sobre el papel de la mujer en la sociedad. Ella, como mujer, lo hizo bien, y se declaró ante el mundo, a través de su trabajo, como artista independiente y triunfadora capaz de llevar a cabo un camino con un fin definido superando todos los obstáculos de la mejor manera posible. Y por esto, entre otras cosas, es imitada en todo el mundo y muchas de sus fotografías han sido recreadas por otros artistas. Hoy, más de 30 años después de Film Stills, Cindy Sherman continua vinculada al mundo del arte, siempre paseándose entre la fotografía y el cine, saltando hacia delante o hacia detrás de la cámara y evolucionando en el casi surrealista mundo del arte conceptual en el siglo XXI.

Una de las finalidades de ANHAD es promover el arte español, para ello hemos ideado una nueva sección semanal bajo el nombre ENIGMA ANHAD, una adivinanza artística que os proponemos todos los lunes a través de nuestra web y nuestros perfiles de Facebook y Twitter. Aquí os dejamos la propuesta de esta semana ¿A qué artista español/a pertenece esta obra?

Podéis participar dejando vuestros comentarios en Facebook o en la web o a través del hastag #enigmaANHAD en Twitter. Os esperamos!!

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(Fig.2)

En ANHAD estamos muy interesados por la difusión, promoción y desarrollo de artistas embarcados en prácticas digitales. Esta faceta artística necesita de nuevos canales de difusión, alternativos a los existentes. Uno de estos canales específicos es MálagaDIEM un proyecto de nueva creación que seguro tendrá un largo recorrido.

MálagaDIEM es un proyecto creado por Paula

González y María del Carmen Díaz Ruíz entre clase y clase en el Máster de Desarrollos Sociales de la Cultura Artística (Universidad de Málaga).

“Pensábamos en proyectos en los que embarcarnos, proyectos como MálagaDIEM, con la intención de promover a los artistas emergentes malagueños cuya producción esté vinculada con los nuevos medios (videoinstalaciones, animaciones, netart, obras interactivas, etc). Consideramos que este tipo de obras no está lo suficientemente promocionada, y sabemos lo difícil que es para los artistas emergentes comenzar su trayectoria artística. Por ello MálagaDIEM pretende ayudar a estos artistas a dar esos primeros pasos, primero promocionándolos en nuestra página web, y más adelante organizando diferentes exposiciones o talleres”

Los artistas presentes en este proyecto son jóvenes videocreadores que comienzan su andadura artística y en el que MalagaDIEM actúa de altavoz, difundiendo y trasmitiendo su discurso artístico. Dos ejemplos de los artistas presentes son Beatriz Ros y Javier Artero.

Entrevistas ANHAD Revista ANHAD Agosto 2012 Cultura alternativa

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(Fig.2)

Beatriz Ros El discurso artístico de Beatriz Ros parte de la consideración de la poesía como fisura hacia lo Real lacaniano, el punto ciego del lenguaje, por su capacidad de ruptura del significado-significado. A través de acciones e imágenes dónde su propio cuerpo y cotidianidad adquiere un carácter evocador y

Esto es el amor

emotivo (relacionado con la imposibilidad de lo literal en el ser artístico) investiga

en la cuestión de la experiencia estética como modo de conocimiento. Una emoción caracterizada por su incapacidad de ser definida. Con esta intención de desautomatización hace uso principalmente de los recursos de lo audiovisual trabajando con el espacio-tiempo y con las posibilidades que ofrece el medio video de alterar estos dos elementos mediante el montaje (repetición, posibilidad de varios canales) y la ralentización o aceleración temporal.

Triticum

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(Fig.2)

Javier Artero Utiliza la fotografía y el vídeo como herramientas para dialogar con los términos tiempo y memoria.

Partiendo de un discurso personal sobre la cotidianidad universaliza conceptos a través de la representación de espacios y acontecimientos que cuestionan acciones enfocadas a la persistencia de la memoria, ya sea real o construida.

Estas inquietudes son tratadas formalmente mediante imágenes que muestran desde el minimalismo extremo hasta la arquitectura eterna o el paisaje.

Nosotros

Para mí

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(Fig.2)

Y las encargadas de hacer funcionar esta idea son : Paula González (1986), licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Málaga (España), entusiasta del arte contemporáneo, los nuevos medios y la cultura digital. Argentina de nacimiento, lleva afincada en España desde 2003 tras su paso por Estados Unidos, donde estudió en Miami Beach Senior High School. Su formación incluye diversos cursos y workshops con artistas de la talla de Marcel·li Antúnez, becaria de colaboración en su último año de licenciatura, practicante de gestión cultural en una galería en Palma de Mallorca, y ha sido becada con una estancia en Berlin para el aprendizaje del idioma alemán. Ha publicado en revistas digitales y participado en foros de debate sobre arte y nuevos medios. Actualmente terminando un Máster en desarrollos sociales de la cultura artística.

Si quieres saber más del proyecto te recomendamos que visites su web. http://malagadiem.com/ http://www.facebook.com/pages/malagaDIEM/339126199465039 En Twitter @malagaDIEM

María del Carmen Díaz Ruiz (1987) es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Málaga y Máster de Profesorado en Geografía e Historia. Actualmente se encuentra finalizando el Máster de Desarrollos Sociales de la Cultura Artística en la misma Universidad. Su formación incluye piano y el aprendizaje de idiomas (Inglés y Francés) a la vez que ha sido becada por diferentes instituciones en estancias en Nueva York y Antibes (Francia). De igual forma ha colaborado con diferentes proyectos y entidades como la Facultad de Filosofía y Letras de Málaga. Sus ámbitos de interés versan sobre el arte contemporáneo y nuevas formas de expresión, las relaciones entre el arte y la gastronomía, el arte digital emergente y la didáctica de las Ciencias Sociales.

Entrevistas ANHAD Revista ANHAD Agosto 2012 Estética contemporánea

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(Fig.2)

Numerosas personalidades del siglo XX han sido populares por estudiarse desde ámbitos muy concretos: arte, psicología, medicina, política, etc, pero pocas han dado pie a reinventar sus distintas aportaciones y reinterpretar sus ideas desde una visión multiperspectivista. De entre estos escasos autores, me dispongo a tratar brevemente al polémico Herbert Marshall McLuhan (1911-1980).

McLuhan y la Historia del Arte:

Una mirada tecnológica

Por Sebastián Arteaga

Conocido por todos como teórico de los medios de comunicación y principal fundador de los estudios de mass media, la vida y obra del canadiense ha sido investigada desde diversos puntos de vista (filosófico, psicológico, político), pero nunca desde el plano histórico-artístico, el cual será la línea discursiva del presente artículo. Y es que la Historia del Arte, desde su nacimiento, ha demostrado ser una disciplina multidisciplinar, donde tiene cabida el estudio del lenguaje, la tecnología, la filosofía, psicología, religión... elementos que confluyen en cualquier manifestación artística, y que en el caso de McLuhan no será menos, sino todo lo contrario, pues el arte es lenguaje, comunicación, y la forma de relacionarnos que tenemos los seres humanos dependerá del entorno en el que nos hallemos, es decir, del famoso “medio” mcluhaniano.

Esta idea entronca con la siguiente reflexión que desarrollaré en profundidad, la cual no es otra que entender a McLuhan como un Historiador del Lenguaje que se sirvió de la Historia del Arte, más que considerarlo erróneamente «gurú de la tecnología», como se le conoce popularmente. Para comenzar, no cabe duda que el pensador canadiense siempre ha estado interesado por el lenguaje, es decir, la

Estética contemporánea

.

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(Fig.4)

comunicación. En sus obras, hemos podido observar cómo McLuhan ha estudiado el trívium medieval, las consecuencias de la imprenta o la literatura renacentista y simbolista. No obstante, parece llegar a un punto de inflexión al tratar su propia época, pues observa que los medios de comunicación han extrapolado la gramática, la oralidad y la escritura en pos de la eclosión de nuevos medios de comunicación avanzados, debido al desarrollo tecnológico. Es decir, lo que McLuhan ha hecho ha sido estudiar la historia de la comunicación humana, e independientemente de establecer juicios de valor acerca de la tecnología electrónica y digital, estima necesario aceptarla para comprender la sociedad en la que vive, y cómo estas nuevas formas de relación han influido y cambiado las vidas de las personas. Sin embargo, le otorgó una importancia tremenda al proceso creativo artístico. En este sentido he de reivindicar el profundo conocimiento que McLuhan poseía de la Historia del Arte, y la importancia que ésta ha tenido en su obra, pues a mi parecer, fue ella la que despertó en el canadiense el interés de acercarse a ese maelstrom que son los nuevos medios. Así pues, a continuación desarrollaremos la influencia que tuvo esta disciplina

humanística en el pensamiento de McLuhan, destacando además unos paralelismos más que casuales con el que fue, según la mayoría de críticos, el artista más influyente, subversivo e intelectual de todo el siglo XX: Marcel Duchamp (1887-1968), coetáneo de McLuhan. Dejando a un lado la influencia del simbolismo y modernismo que ya hemos comentado anteriormente, hemos de citar como gran influencia el movimiento vanguardista conocido como Futurismo. Los futuristas abogaban por las nuevas tecnologías, y en la primera década del siglo XX ya se anticiparon al frenesí y dinamismo que tendría la sociedad al avanzar tecnológicamente. Sin embargo, sus aportaciones no quedaron ahí, puesto que una idea fundamental de esta vanguardia se basaba en la necesidad que tiene el hombre de imitar los nuevos avances tecnológicos; así, el individuo debía de ser rápido como un vehículo, frío como el metal, así como fuerte y resistente como un motor.

“La Historia del Arte fue la que despertó en el canadiense el interés de acercarse a ese maelstrom que son los nuevos medios”.

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(Fig.2)

Debía evitar dejarse dominar por los sentimientos y actuar de forma deshumanizada¹. Además, sabemos que McLuhan tuvo un buen amigo que era pintor, York Wilson (1907-1984), el cual quizás podría haberle acercado a estos

movimientos de vanguardia y demás estilos artísticos. Sea como fuere, lo que es seguro es que este pintor también estaba interesado en los avances tecnológicos de la sociedad, tal es así que en 1971 tituló uno de sus cuadros como Electronica, lo cual no es casual, menos aún siendo íntimo amigo de McLuhan. El cuadro, al igual que los futuristas, expresa la idea de dinamismo y ultra velocidad que confieren las nuevas tecnologías, en el desarrollo de la sociedad de los años 60, adelantándose a la postmodernidad.

York Wilson. Electrónica. 1971

¹ La deshumanización será un concepto recurrente a lo largo del siglo XX, tratado por McLuhan o Neil

Postman como consecuencia .

Pero sin duda, el movimiento de vanguardia con el que más asociamos el pensamiento de McLuchan es el Dadaísmo. Fundado por Hugo Ball y Tristan Tzara en 1916, en el Cabaret Voltaire de Zúrich, Suiza. Los dadaístas basaban sus ideas en criticar la sociedad contemporánea: mercantilización, la institución Arte, las guerras, la manipulación mediática, la política, las nuevas tecnologías, etc., todo ello a través del humor, uso de aforismos y distintos tipos de provocación, a priori carente de sentido, con el propósito de

atraer la atención del espectador y fomentar la reflexión. Sin embargo, fue el precursor dadaísta Marcel Duchamp quien mejor representa las ideas de McLuhan, ya que en muchos casos podemos incluso hablar de una retroalimentación entre estos autores. En este sentido, no podemos obviar la obra de McLuhan La novia mecánica: folclore del hombre industrial (1951), y compararla con una de las grandes obras de Duchamp y de todo el siglo XX, La novia desnudada por sus solteros, incluso o El gran vidrio (1923). Ambas obras establecen una analogía entre el sexo y las nuevas tecnologías, lamanipulación mediática y la deshumanización. McLuhan analiza la publicidad y las estrategias que utiliza —su retórica— mientras que Duchamp estudia al hombre directamente, ahondando en su comportamiento y psicología.

Estética contemporánea.

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(Fig.4)

Ya en 1912, Duchamp trató el mismo tema, representado gráficamente a través de este cuadro de herencia cubista, o como él lo llamó «cubismo visceral». Sin embargo, podemos establecer otra relación entre ambos autores, esta vez más compleja, al hablar de los llamados ready-mades duchampnianos. Consiste en descontextualizar un objeto de la vida cotidiana y arrebatarle su función original para convertirlo en aspirante a obra de arte. En mi opinión, este concepto está íntimamente ligado al aforismo «el medio es el mensaje» de McLuhan. Es justo lo que ocurre cuando McLuhan hace su aparición en la película Annie Hall (Woody Allen, 1977), se distancia de la realidad para convertirse en obra de arte, la cual se dirige al espectador. Es decir, McLuhan se convierte por un momento en medio, y por consiguiente, en mensaje. Y es que una obra de arte es eso: medio y mensaje por partes iguales, algo creado por el hombre que «crea» al hombre². Mucho se ha debatido también sobre el carácter clásico que posee su obra, y a mi parecer es evidente, pues McLuhan no estudia la tecnología como condicionante, sino al propio ser humano en su relación con las distintas maneras que este tiene de comunicarse a lo largo de la historia, teniendo así un sentido antropológico, de ahí la permanente vigencia de su pensamiento en la actualidad, pues mientras exista el ser humano y su necesidad de comunicarse con sus iguales, McLuhan siempre será objeto de interés y reflexión; el hombre es el primate que maneja ² A partir de esta reflexión podemos tratar claramente con la idea del cliché y el arquetipo jungiano, conceptos e imágenes que permanecen en el subconsciente colectivo y a partir de los cuales empieza a construirse una cultura.

un hueso como martillo, y el individuo que viaja al espacio en 2001: Odisea en el espacio (Kubrick, 1968). Además, ya hemos podido observar que no sólo McLuhan se ha dedicado a estudiar el tema, sino también otros autores coetáneos de la época, pensadores alejados de todo convencionalismo y carente de prejuicios, que supieron vivir su propia época

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(Fig.2)

supieron vivir su propia época en primera y tercera persona, desde visiones multiperspectivistas reflexivas; es el caso de autores como Walter Ong (1912-2003) o Lewis Mumford (1895-1990), entre otros. Como conclusión, y a título personal, estimo necesario destacar la influencia de McLuhan en nuestra vida cotidiana, concretamente en el ocio, mayoritariamente dominado por las nuevas tecnologías, las cuales se han convertido en la nueva religión en nuestros días. En esta línea deseo citar como curiosidad un ejemplo que lo considero heredero directo de la obra de McLuhan en nuestra actualidad más reciente. Pues Alejandro Jodorowsky (1929- ), artista multifacético, supo ver con claridad el poder psicológico que ejercen los medios de comunicación en la actualidad.

En su película La montaña sagrada (Jodorowsky, 1973) aparece un motivo iconográfico que será recurrente en artistas posteriores; me refiero a la cruz latina formada por televisores, la cual será retomada por el músico de rock Marilyn Manson³ en su LP Mechanical Animals, título que como observamos hace referencia a La novia mecánica: folclore del hombre industrial (McLuhan, 1951). ³De nombre real Brian Hugh Warner (1969- ), íntimo amigo de Jodorowsky.

Interferencias entre Arte y Diseño.

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(Fig.4)

En Mechanical Animals (1999), el artista centra la temática del disco en el poder que los mass media ejercen sobre las personas, convertidas en simples usuarios mecanizados. El consumismo, el miedo, la inseguridad y la necesidad que estos medios pueden provocar en la sociedad lo convierten en la «nueva religión» de nuestra época. El mensaje del disco se basa en la idea que McLuhan tiene sobre la tecnología: no hay que abrazarse a ella de forma optimista ni rechazarla, tan sólo aprender a convivir con ella y respetarla, y

posteriormente decidir qué aspecto es útil (“extensión”) y cuál no (“amputación”). McLuhan explicaba esta idea usando como ejemplo el cuerpo humano: cuando una nueva tecnología tiene éxito, se producen dos efectos intrínsecos. El primero es positivo, ya que la tecnología se convierte en la extensión del cuerpo humano. Sin embargo, esta mejora supone una consecuencia negativa, ya que al potenciar una cualidad, se disminuye o “amputa” otra. Por ejemplo, escribir en un procesador de texto es más rápido, higiénico y caligráfico (extensión), pero puede disminuir nuestra capacidad manuscrita y ocasionar mayores errores ortográficos (amputación). La figura de McLuhan a menudo es considerada como la de un auténtico profeta de las nuevas tecnologías.

Tanto él como otros autores vaticinaron la función de los nuevos medios, e incluso se adelantaron décadas al actual concepto de las redes sociales. Y es que no podemos dudar de la razón del aforismo mcluhaniano “el medio es el mensaje”, puesto que vivimos en una sociedad en la que el continente y contenido son tan indivisibles que con frecuencia nos resulta complicado distinguir dónde empieza uno y acaba el otro. Por otra parte, las nuevas tecnologías modifican cada vez más nuestras formas de relación interpersonales, transformando nuestro contexto socio-cultural e incluso el propio lenguaje: todos somos el medio. Los efectos psicológicos son tales que a menudo sentimos que la propia idiosincrasia virtual se extrapola a nuestra vida real. Así pues, la estética nunca ha poseído tanto significado como ahora. El hombre crea la tecnología, y viceversa.

“Esta noche he soñado contigo. Me he roto entera al despertar porque has querido salir corriendo sin darme tiempo si quiera a entreabrir los ojos” Cristina Sánchez

ENTREVISTAS ANHAD

CRISTINA SÁNCHEZ

Campo de batalla. 2012

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Entrevistas ANHAD

Este mes entrevistamos a Cristina Sánchez, artista multidisciplinar nacida en Andújar (Jaén) aunque residente en Málaga. Su obra es de una gran pureza y lirismo, donde la fotografía, la poesía y la videocreación, se entremezclan para dar lugar a una obra muy personal. es Licenciada en Comunicación Audiovisual y Técnico en Grado Superior de Ilustración y Fotografía Artística. Sus grandes pasiones son la música, el cine, la fotografía y la literatura (aunque tal y como ella misma señala, no necesariamente en este orden).

CF: Comenzamos con una pregunta obligada, ¿Cómo te iniciaste en el arte? CS: Desde pequeña me gustó bailar, dibujar y escribir. La fotografía la descubrí más tarde, en 2006, cuando mis padres me regalaron una cámara compacta. Con esta máquina no podía regular ningún parámetro técnico, así que, en mis primeros pasos aprendí sobre todo a componer la imagen. Me di cuenta en seguida que aquello que no había conseguido expresar con un texto o un dibujo, podría hacerlo mediante una fotografía. En mi adolescencia tuve claro que si a algo debía de dedicarme “de mayor” estaría relacionado con el arte. Por ello, estudié el bachillerato artístico. Aunque no fue hasta mi llegada a la universidad en 2003 cuando

comencé a rodearme de personas que tenían los mismos intereses que yo, con lo cual, incentivaron mi curiosidad y mis ganas de aprender. En 2006 creé Tinta y luz (www.tintayluz.blogspot.com) para compartir, en principio con amigos y conocidos, todo aquello que me inquietaba. Pronto dejó de ser algo meramente anecdótico y en 2008 recibí el Accésit de la II Edición de Combocarte por el Vicerrectorado de Cultura de Málaga en la modalidad de blog. A partir de entonces, me sumergí de lleno en el mundo creativo y poco a poco he ido creciendo como creadora visual.

Entrevistas ANHAD

CF: Cuáles son tus referentes a la hora de crear? CS: A pesar de que el universo artístico es muy amplio, creo que las distintas disciplinas no son compartimentos estancos, si no que poseen puntos de convergencia mediante los cuales se van enriqueciendo las unas de las otras. Por ello, mis referentes proceden de ámbitos muy distintos y además van cambiando en intensidad con el paso del tiempo, al compás de mi propia evolución. Si tuviese que nombrar algunos te diría que los puedo clasificar en dos grandes grupos. Por un lado, los que tengo cerca: Sara G. Dubois (Fotografía), Laura Franco (Artes plásticas), David Little (Música), Nacho Artacho (Música), Ibai Fernández (Literatura) y Mawa Tres (Instalación). Y por otro lado, los que están un poquito más lejos: Banksy, Sophie Calle, David Lynch, Verónica Ruth Frías, Bill Viola, Ouka Leele…

CF: Nos gustaría que nos explicaras cómo es tu proceso de creación. CS: No creo en la suerte, ni en las musas, ni en la inspiración. Crear, es para mi un proceso continuo. Lo cual no significa que siempre esté trabajando. Cuando salgo a tomar algo o a patinar, cuando viajo, cuando veo una película, cuando duermo…eso también forma parte del proceso creativo. Dejar tiempo y espacio al proyecto para poder distanciarte y trabajar con frescura es igual de importante que desarrollarlo. Por eso, es necesario organizarse. Un proyecto al que no se ha dedicado tiempo suficiente siempre será un prototipo o ensayo de lo que realmente podría ser. .

Física cuántica. 2012

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Por otra parte, procuro tener siempre claro mi discurso para poder construir de un modo elocuente. Imagina un arquitecto que le diga al oficial de obra: “Bueno, en realidad no sé qué quiero construir, tú empieza haciendo un campo de fútbol y ya vamos viendo conforme me venga la inspiración”. Eso no es serio. Todos y cada uno de los elementos (en concepto y forma) de un proyecto deben tener su razón de ser, y si no la tienen, sobran. Es obvio que cada cual tiene sus métodos y su modo de trabajo, no existe “La ley del proceso creativo”, pero si está claro que es la base sobre la que ir construyendo la obra final y si esta no tiene solidez suficiente puede ser que el resultado no sea lo que se esperaba.

“No creo en la suerte, ni en las musas, ni en la inspiración”.

CF: ¿Por qué utilizas tu propia imagen como soporte de tu obra? CS: Autorretratarme supone por un lado, poner de manifiesto mi idea de que una obra artística, en esencia, es la mirada del propio autor. Por otro lado, aporta una clave importante para quien la observe, ya que, en la mayoría de los casos mi trabajo supone una reflexión sobre la propia identidad, y por último, hace hincapié en la experiencia vital como hecho diferencial que hará la obra de uno distinta a la obra de los demás.

Entrevistas ANHAD

Entrevistas ANHAD

CF: Tus últimos proyectos giran en torno a las videocreación, ¿nos puedes hablar un poco de ellas? CS: Acabo de aterrizar en el universo del video, pero ya estoy profundamente enamorada. Mi obra videográfica mantiene la línea del discurso que utilizo en mis fotografías, sin embargo, se abre ahora un amplio abanico de texturas al incluir movimiento y sonido. En “Gastronomía Emocional” comunico al espectador emociones a través de mi interacción con la comida. Sentarse a la mesa con alguien implica una necesidad de comunicarse con la otra persona, “tener hambre” es sólo una excusa. Nos sentamos a la mesa para cerrar tratos, para celebrar, para compartir. En “Kunstenaar” (artista en holandés) reflexiono sobre el proceso creativo, el lenguaje propio y el común, el cambio, el tránsito y la permanencia. A través de tres capítulos en los que realizo tres performaces distintas pretendo introducir al espectador en un universo personal, extraño y casi monstruoso. En la emoción en estado puro, casi sin traducción, en ese “yo desconocido” que todos albergamos en nuestro interior.

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El sonido es parte esencial del vídeo y me gusta controlar todo al milímetro. Utilizo la banda sonora como un elemento con lenguaje propio, no como simple complemento de la imagen. Es por esto, que en ambos trabajos he creado yo misma la banda sonora con guitarra, armónica y voz. CF: ¿Qué papel tiene para ti la poesía? CS: No creo que la poesía y la fotografía sean algo distinto en mi trabajo, la una lleva a la otra y la otra a la una. No sé separar poesía y fotografía. Aunque con lenguajes distintos, me parecen lo mismo.

Entrevistas ANHAD

Kunstenaar. 2012

CF: Para finalizar esta entrevista nos gustaría que nos adelantaras algunos datos sobre tus proyectos inmediatos y futuros. CS: El proyecto más inmediato se titula “Sobre el tránsito y la permanencia”, supone una reflexión sobre el viaje, el tiempo, el espacio y los nexos de unión que se crean en el transitar. Es el cuaderno de viaje que he estado creando en Girona la primera quincena de Septiembre gracias a una beca artística. Para más adelante, estoy planteando un trabajo en el que colaborar con artistas de diversas disciplinas, creo que es el modo más eficaz de aprender.

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Descubriendo nuevas fronteras

Una breve historia del arte….Oriental.

Nociones sobre arte y artista

Recipiente tipo zun con decoración de búho, Dinastía Shang (h. 1200 a.C), bronce, 46 cm.

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Una breve historia del arte….Oriental.

Nociones sobre arte y artista

Por Miriam Callejo Sebastián

Descubriendo nuevas fronteras

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Descubriendo nuevas fronteras

Quien desee buscar información sobre la historia del arte del Lejano Oriente en un manual de Historia General del Arte, puede darse por vencido antes de abrirlo. Salvo contadas excepciones, como el Taj Mahal, la Muralla China o los Guerreros de Terracota de Xiyan, es prácticamente imposible saber algo del arte de esta zona del mundo debido a la occidentalización de la historia, la cultura y la sociedad. Sin embargo, nuestra historia del arte mucho debe a Asia; la tinta, el papel o la impresión son solo tres ejemplos que, sin su expansión a Europa, no podrían haber dado como resultado los exquisitos grabados de Durero, o las impagables primeras impresiones tipográficas. Qué decir del arte europeo del s. XIX; el cual, sin la influencia oriental, no habría llegado a tener la preminencia que hoy día posee. Para introducir al arte oriental al lector no familiarizado, habría que comenzar por una legión de términos, nombres, lugares y fechas que, probablemente, terminarían por abrumarlo. Por ello, intentaré mostrar algunas pinceladas del arte chino y japonés para poder comprender posteriormente los artículos que se vayan sucediendo sobre esta temática. Es verdad que el boom del anime y el manga hace parecer que todo el mundo es un entendido de la cultura japonesa, lo

Buda de Seukguram, s. VIII. Gruta de Seukguran, Templo de Bulguksa. Gyeongju (Corea del Sur)

cierto es que solo supone rascar mínimamente la superficie de algo enorme, casi inabarcable. Existe un elemento unificador por antonomasia en la historia del arte, común en Oriente y Occidente; la religión. Lo que el cristianismo supuso en Europa hasta el siglo XVI –y en los países católicos hasta prácticamente la actualidad-, tuvo su equivalencia en China y Japón fundamentalmente, con sus propias diferencias y características, claro está, con el budismo, el sintoísmo y el confucianismo. Las representaciones budistas son comunes en toda Asia y difícilmente se podría distinguir su procedencia si no se trata de un ojo experimentado. Las constantes migraciones , y la dieta básica asiática fundamentada en el arroz, hacen también que el arte asiático tenga

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Descubriendo nuevas fronteras

Unos rasgos comunes, si bien las particularidades nacionales permiten las variaciones necesarias para ser identificadas como tales. En cuanto a las clasificaciones del arte asiático, priman las divisiones dinásticas o regionales, y no crono-estilísticas como ocurre en Europa.

Desde el Neolítico se han encontrado manifestaciones pictóricas en Asia continental, rupestres, con la naturaleza y su adoración como ejes principales, mientras que en Japón, las primeras pinturas descubiertas datan de los siglos VI y VII durante el periodo de los túmulos¹.

Es en escultura, en paralelo a la cerámica, la metalurgia y la orfebrería, donde se desarrollaron espectacularmente desde sus inicios. Aún se conservan vasijas, armas y objetos diversos con minuciosos relieves e incisiones decorativas de hace más de dos mil años, que nada tienen que envidiar a los souvenires tradicionales que podemos encontrar en cualquier tienda asiática realizados en serie con técnicas actuales. Como ya va siendo deducible, China siempre fue a la vanguardia del desarrollo de las técnicas y diseños, difundiéndose al resto del continente y a las islas próximas. No obstante, la cultura cerámica y escultórica nipona conservada es equiparable a la del continente, siendo numerosos los ejemplos

Recipiente tipo you con decoración "tigre devora a un ser humano", Dinastía Shang (s.. XVIII- XI a. C), bronce, 35 cm

¹FAHR-BECKER, G.: Arte Asiático, Könemann, Barcelona, 2006, pp. 8-13, 498-503

Daibutsu, s. XIII, Kamakura (Japón)

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de cerámica y escultura hallados desde hace más de 12.000 años². Las incursiones entre China, Corea y Japón, propiciaron una síntesis de las características culturales, religiosas y, por supuesto artísticas, con sus variaciones territoriales, sobre todo debido a la expansión del budismo a partir del siglo VI, ya que sus postulados no eran en absoluto excluyentes de las creencias anteriores. Es por ello, que estos tres países en la actualidad conservan muy vivas unas costumbres tradicionales ancestrales, casi protohistóricas. No obstante, hay que tener muy en cuenta las respectivas cronologías, ya que, mientras China ya se organizaba en reinos dinásticos desde el s. XVI a. C., con una profusa producción de cerámica y bronce con técnicas muy depuradas ya desde algunos siglos antes y un sistema de escritura definido un par de milenios atrás, Japón aún se encontraba en plena prehistoria desarrollando de forma paralela la técnica de la cerámica³. Sin embargo, y como lo continúa demostrando hoy día, Japón hizo gala de su altísima capacidad de fagotización del conocimiento externo, adaptando a sus costumbres lo que coreanos y chinos fueron

² FAHR-BECKER, G.: Arte… Op. Cit. pp.576, 618 ³ VVAA: Las Bellas Artes, Vol. 9, Arte Chino y Japonés, Grolier Incorporated, Milán, 1972, pp. 9-10 4 FAHR-BECKER, G.: Arte Asiático, Könemann, Barcelona, 2006, p. 256

“La caligrafía señala la educación y el carácter de la persona, más importante si

cabe que el resultado de la propia pincelada en un cuadro”

desgranando poco a poco con sus incursiones. Al contrario de lo que ocurre en Europa, las artes principales del Asia Oriental, son la pintura y la caligrafía –que, junto con la música y las damas, constituyen los conocidos como “cuatro artes nobles” chinos 4 -. Sin esta última, que constituye en sí misma un arte con una veneración que dura hasta nuestros días, no se puede entender el valor y el concepto de las artes plásticas. Tanto en pintura como en dibujo y grabado, la imagen va acompañada por una serie de grafías, conformando versos, pequeños textos e incluso poemas que describen y completan lo que se está visualizando. De hecho, la caligrafía señala la educación y el carácter de la persona, más importante si cabe que el resultado de la propia pincelada en un cuadro. Es en este punto en el que también surgen la mayoría de las diferencias con Occidente. Sobre todo en China, calígrafos y pintores eran bien funcionarios, bien miembros de las casas nobles, de la casta sacerdotal e incluso guerreros, y gozaban de una enorme reputación y respeto.

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En Japón, el artista más que un erudito, era un profesional de la pintura. Por ello, y en particular aludiendo al caso chino, esto no quiere decir que estos artistas trabajaran únicamente por encargo o mero ocio, ya que también podían estar vinculados a la corte de un mandatario como artista oficial, al igual que ocurría en la Europa moderna. De este modo, la noción de copia o plagio de otra obra no era visto del mismo modo, ya que muchas grandes obras de los artistas antiguos, se conservan gracias a los tributos o ejercicios de copia de artistas posteriores, los cuales gracias a esta alusión al homenaje o a la inclusión de algunos matices propios o de influencia de otro artista, no eran

tanto es así que las primeras xilografías en Japón datan del s. VII, provenientes de técnicas chinas, y sus primeros dibujos caricaturescos conservados también datan de este mismo siglo. Los primeros libros ilustrados en Japón datan de aproximadamente 1650, época durante la que también se desarrolló el grabado de estilo Ukiyo-e, la más conocida de las técnicas de grabado japonés 5.

Si hay una obra de ilustración oriental, conocida en todo el mundo, esa es la creación de Katsushita Hokusai, que junto a las ilustraciones de su contemporáneo Utagawa Hiroshige, se hablará más detalladamente en un

5. SANTIAGO, J. A.: Manga, del cuadro flotante a la viñeta japonesa, Dx5 Digital and Graphic Art Research, Pontevedra, 2010, pp-22-35

considerados falsificadores. La pintura no solo se utilizaba en contextos religiosos, políticos o de carácter oficial, sino que era un complemento muy común en las artes decorativas. Se dan casos de excelentes biombos o puertas con escenas naturales y bélicas que nada tienen que envidiar a lienzos, tablas o paredes de templos y palacios. Tanto la ilustración como el grabado, son técnicas muy cuidadas en el oriente asiático,

Katsushita Hokusai, La Gran ola de Kanagawa, "Cien vistas del Monte Fuji", 1834.

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monográfico. Los dibujos y Ukiyo-e de Hokusai se realizaron entre el último cuarto del siglo XVIII y mediados del siglo siguiente. Estas obras por su detallismo, belleza y capacidad narrativa, tuvieron un gran impacto en los ya comunes visitantes holandeses e ingleses, quienes se ocuparon de importar la obra de Hokusai y otros muchos grabadores y dibujantes a Europa. Si de China se importaba la porcelana y las exquisitas estatuas de jade, bronce o piedra, de Japón se traía al continente europeo obra en papel. Desde la Baja Edad Media, Europa ha mantenido contactos con Oriente, sobre

todo a través de las vías comerciales, ya que los productos asiáticos, tanto manufacturados como naturales –las especias eran una de las principales razones para establecer rutas comerciales-, eran considerados de enorme exquisitez y lujo, solo apto para las más altas capas de la sociedad estamental 6. Sobre todo con la presencia holandesa en Japón y la progresiva conquista francesa e inglesa de Asia y Oceanía, la llegada de información sobre estos lugares tan distantes aumentó, tanto es así que movimientos artísticos de los siglos XIX y XX mucho deben a estas culturas.

Mapa de las principales vías de la ruta de las especias.

6, El interés religioso por convertir al cristianismo a estos países, a pesar de llegar a constituir importantes colonias cristianas, por ejemplo, en Japón y Corea, no llegó a impregnar del todo estas culturas.

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Descubriendo nuevas fronteras

Este aspecto es también fundamental para comprender el arte contemporáneo y actual de países como Japón, dada la obvia relación sincrética. Sin comprender la relación, muchas veces de amor-odio, entre Oriente y Occidente, poco se podrán entender los fundamentos artísticos del arte asiático. Sin embargo, la distancia autoimpuesta entre estas culturas en sí con la nuestra propia, inevitablemente nos impide profundizar todo lo necesario para poder descubrir una concepción distinta y, para nosotros, prácticamente nueva de lo que es el arte, la belleza y, en definitiva, el mundo que nos rodea.

Bibliografía: FAHR-BECKER, G.: Arte Asiático, Könemann, Barcelona, 2006 SANTIAGO, J. A.: Manga, del cuadro flotante a la viñeta japonesa, Dx5 Digital and Graphic Art Research, Pontevedra, 2010 TORRALBO SORIANO, F.: Estudios sobre Arte de Asia Oriental, Colección Federico Torralba de Estudios de Asia Oriental, Zaragoza, 2008 VECHIA, S.: Visual Encyclopedia of Art, Chinese and Japanese Art, Scala, Florencia, 2010 VVAA: Las Bellas Artes, Vol. 9, Arte Chino y Japonés, Grolier Incorporated, Milán, 1972

Joan Miró, Retrato de E.C. Ricart, 1917

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Interferencias entre arte y diseño

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Interferencias entre Arte y Diseño

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En la actualidad, la relación entre arte y moda no es algo anecdótico, sino que ambos conceptos están estrechamente ligados desde comienzos del siglo XX y el surgimiento de las conocidas como “vanguardias artísticas”. En las diversas semanas de la moda, “fashion week”, que surgen en nuestros días y se llevan a cabo en numerosas ciudades de todo el mundo, podemos contemplar una gran influencia de estas vanguardias artísticas en las prendas de los más prestigiosos diseñadores. (Fig.1) Surrealismo, Neoplasticismo, Op Art y Performance serán los movimientos tratados en este artículo. Hablaremos sobre la visión que tienen algunos modistos de renombre sobre los mismos. La belga Diane von Fürstenberg acoge en sus prendas estampados Surrealistas. La nueva colección de Diane se llama "Rendezvous" dominando prendas holgadas sin dejar de resaltar la figura femenina. El corte es estilizado con faldas por debajo de la rodilla y pantalones

por encima del tobillo. Los tonos de esta nueva colección van desde los más oscuros hasta los colores ácidos. Los estampados surrealistas son los encargados de adornar las prendas. Observamos manos, signos y símbolos, rompecabezas, ojos, cadenas o notas musicales. (Fig.2)

(Fig.2)

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Dentro de la influencia que el Op Art o Arte Cinético tiene en nuestra moda, no podemos dejar de citar a dos grandes diseñadores de nuestro tiempo. Por un lado a Prada y por el otro a Louis Vuitton. En la temporada actual Prada viene cargado abrigos largos con estampado geométrico y traje

En cuanto a Neoplasticismo debemos citar las prendas de Max Azria. El diseñador francés, en su nueva colección para este otoño/invierno nos propone vestidos vaporosos. En los tejidos se insertan formas al más puro estilo de la abstracción neoplasticista de Mondrian, sin embargo en este caso predoninan los colores tierras y ocres junto a tonos ácidos. Se configuran las prendas de Max Azria como si del método de patchwork se tratara. Chaquetones y complementos de piel contrastan y acompañan a los vestidos vaporosos que nos fórmula para la nueva temporada. (Fig.3)

(Fig.3)

(Fig.4)

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pantalón tobillero de estampados caleidoscopios. Además de los estampados Op Art, Prada también busca resaltar una figura femenina de lo más alargada. (Fig.4) Por su parte, Louis Vuitton, también sigue la tendencia otoño/invierno de siluetas

alargadas y estampados de arte cinético. Los abrigos cuentan con generosas solapas mientras el largo de los pantalones va por encima de los tobillos. Llama la atención en esta temporada los estampados con unos colores muy psicodélicos.(Fig.5)

(Fig.5)

Finalmente, como curiosidad, no podemos dejar de hablar de Frank Sorbier que en la pasarela recrea una performance en la cual absorbe el Impresionismo, el Surrealismo, o el Cubismo entre otros movimientos

artísticos. Combina luces y efectos sobre el vestido de una novia, lo hace como si de un lienzo en blanco se tratara. Ayudándose de fondos para su puesta en escena de lo más postmodernos artísticamente

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(Fig.3)

(Fig.4)

hablando. Frank Sorbier ser sirve de todas las vanguardias artísticas y tecnológicas para recrear su fábula. A lo largo de sus desfiles, sus modelos no dejan nunca de lado todas las influencias artísticas o gráficas. (Fig.6) Como conclusión decir que es sabido que el arte es un modo de expresión, de mostrar lo que llevamos dentro y contar nuestras más profundas emociones. La moda, el vestir, también es otro modo de transmitir quienes somos, de que el grupo nos

reconozca y un reflejo de la sociedad que nos ha tocado vivir. En este artículo se muestra como la moda de pasarela es un puro acto creativo, quedando el diseñador a la misma altura que el pintor, el escultor o el arquitecto. La moda aquí se sirve de otros materiales y otros soportes, o si reflexionamos, quizá no tan otros, quizá no tan diferentes.

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entre la asepsia industrial minimalista y el valor poético de la luz.

Por Beatriz M. Pereira

Dan Flavin ha sido definido durante mucho tiempo como “el mago de la luz y el poeta del minimalismo”. Forjado en las entrañas del minimalismo, Flavin abandonó los ejercicios de la percepción prácticamente impuestos por Judd y Morris para ir más allá de la pura formalidad. Los fluorescentes estandarizados y

producidos en serie que usaba Flavin pronto se convirtieron en la “entelequia elemental” a partir de la cual la luz cobra protagonismo en el espacio. La atmósfera creada por Flavin modifica la percepción física y psicológica que obtiene el observador cuando penetra en la estancia donde se halla la instalación. Si la obra de Flavin la constituyen

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elementos de fabricación industrial, ¿qué hace de esta una obra de arte? La aparición de la fabricación seriada y la creación estética de objetos de consumo, trajo consigo una gran polémica que no hallaría cauce en los primeros años de vida. Entre otras cosas, porque acababa de nacer la industria y porque no contaba todavía con teóricos especializados, sino que, teóricos de otras áreas opinaron a cerca de la industria y el diseño. De hecho, tras su nacimiento, el diseño tuvo que adoptar las teorías aplicadas al arte para configurarse a si mismo, logrando, bastante tiempo después, llegar a conformar su propia identidad. “No cabe duda de que el diseño ha mantenido a lo largo de toda su historia una relación de amor-odio con el arte, sea porque, como apunta Rubén Fontana , el diseño es hijo del arte en muchos países, sea porque en estos mismos países y en otros muchos , la formación de los diseñadores se lleva a cabo o bien en Escuelas de Bellas Artes, como subraya Yves Zimmermann, o bien en Escuelas de Arquitectura, como explican Norberto Chaves y Rubén Fontana […]. Bajo esta perspectiva,

se comprende que el diseño, para poder adquirir carta de naturaleza, haya tenido que diferenciarse del arte y, para ello, haya construido su identidad por comparación y negación. […] Ahora bien, una vez que el diseño se había desprendido profesionalmente del arte y se había creado un mercado propio, ¿por qué seguir utilizando al arte de espejo con el fin de mostrar y demostrar las diferencias más sustanciales? Fundamentalmente porque arte y diseño comparten una vocación estética (cursiva mía).” CALVERA, A.: De lo bello de las cosas.p.14-15. Dos de los grandes artistas del siglo pasado, Duchamp y Warhol, que enriquecieron y renovaron los discursos teóricos y conceptuales sobre la naturaleza del arte y la del artista, interactuaron con el diseño y con la fabricación seriada. En efecto, desde Duchamp hasta nuestros días, el mercado del arte acepta que la obra puede ser cualquier cosa, siempre y cuando sea asumida por un artista considerado como tal. Así, la desvalorización de la obra de arte es sustituida por la revalorización del autor en su irremplazable singularidad.

(Fig.3)

(Fig.4)

Duchamp, a partir de su famosa Fuente (1917), destruye la idea de genio artístico y de obra de arte como máxima expresión de la personalidad del artista sobre el objeto, para pasar a ser una construcción mental y racional con un mensaje conceptual y autorreflexivo. Los ready-mades, como denominó a sus obras, apela a la apropiación de objetos cotidianos, reformulados y alterados, para ser expuestos como arte bajo una justificación conceptual. Como vemos, la institución arte continuamente necesita reafirmarse, aún cuando los artistas parezcan atacarla duramente en la práctica, encuentra un motivo de diferenciación que perpetúa su status. Así, la profesora Anna María Guasch declara, acertadamente, que: “De productor de objetos de arte, el artista pasó a manipulador social de los signos artísticos, y, a su vez, el espectador dejó el papel de pasivo contemplador estético o consumidor artístico, para convertirse en lector activo de mensajes. El arte se convirtió en un signo social estrechamente ligado a otros signos en una estructura de sistemas productores de valor, poder y

prestigio”. GUASCH, A.: “El arte activista de los ochenta” en El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural. Ed. Alianza, Madrid, 2000.p.485.

Centrándonos en el caso de las luminarias, las interferencias entre arte y diseño son muy frecuentes en el arte contemporáneo, como muestran las obras de grandes artistas entre los que se encuentran Dan Flavin, Joseph Kosuth, Ölafur Eliasson, o Cerith Wyn Evans. Las creaciones más actuales, tanto en diseño como en arte, si es que después de todo lo tratado en este proyecto cabe distinguirlas, han aportado mucho a esta comunicación. Muchos diseños de luminarias son

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auténticas instalaciones, con una poética que transmitir. Lo que diferencia a estas obras de arte de los meros objetos industriales es algo mucho más sutil y conceptual de lo que en muchas ocasiones alcanza la teoría. Parece que, en la teoría, hay un deseo imperioso de determinar y especificar lo que es arte y lo que no; y lo que es diseño y lo que no. Algo que en la práctica muchas veces no está muy claro, ni es importante. Autores como Barbara Kruger, Jenny Holzer, o las Guerrilla Girls, realizan obras en las que confluyen rasgos de ambas disciplinas. Esta diferenciación, responde a una necesidad de la institución arte para perpetuarse como tal. En diseño también hay un fuerte interés, aunque representado por una minoría, de distinguirse de los demás modos de producción.

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(Fig.2)

“Yo nací en diciembre de 1969 en la ciudad de Buenos Aires, donde vivo actualmente. Música, cine, literatura, arte ... y sus intérpretes, son los temas que me inspiran, y son recurrentes en mi trabajo. El humor juega un papel muy importante en mi trabajo. Es la estrella principal de mi universo discreto, y el que yo elijo para brillar como el mío.”

"La imaginación fue dada al hombre para compensarle por lo que no es, un toque de humor para consolarlo por lo que es.“

Francis Bacon

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tuve una gran experiencia con la gente, ellos me abrieron sus puertas y pronto comencé a trabajar para algunos periódicos y revistas allí. Creo que "una ciudad es la gente que llegas a conocer en ese lugar", y conocí a gente realmente grande allí. ¿Qué es lo mejor de su trabajo?

Hago esto porque quiero ser amado. A pesar de que no tengo un trabajo continuo en una revista local o un periódico, tengo unos cuantos seguidores que siempre saben lo que estoy haciendo. Es increíble.

¿Cómo fue el comienzo de su carrera? Siempre he querido publicar en revistas y periódicos. Mi trabajo siempre estuvo cerca de los medios de comunicación y el humor gráfico. De alguna manera, durante los últimos diez años, la ilustración se ha puesto de moda. En los años ochenta, nadie sabía lo que era la ilustración, era raro tratar de explicar mi trabajo a la gente. Comencé a trabajar para revistas y periódicos locales. En 1999 viajé a Europa por primera vez y comencé a trabajar un poco más de lo que yo prefería hacer. ¿Dónde encuentras la inspiración? Bueno, sobre todo en las películas, los cómics y la música, obviamente. Es por eso que he creado historias hifi. ¿Cómo te definirías? No estoy preocupado por definirme, estoy un poco entre el mainstream y el indie, aunque algunas personas piensan que soy muy moderno y otros que soy totalmente clásico. Eso me gusta. Hábleme de su experiencia en España. Bueno, viajé a España en 2001 y

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(Fig.2)

Aquí presentamos el trabajo de Gilbert Legrand. Una serie de esculturas realizadas con objetos de la vida cotidiana. La intención de este trabajo es crear una galería de personajes híbridos que nacen inspirados por las formas y utilidades de estos objetos.

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El ilustrador francés Gilbert Legrand es el autor de "Le grand show des petites choses", que recrea objetos cotidianos en un universo muy peculiar y humorístico.

En este trabajo, que cruza los límites de la escultura y la ilustración, Gilbert da un toque de vida a cepillos, herramientas de jardinería, artículos de cocina, tijeras, teléfonos, raquetas de ping-pong, y mucho más, convirtiéndolos en personajes simpáticos.

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Estos son algunos de esos personajes: cantante de ópera, macarra o pareja enamorada…

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La inspiración siempre viene sugerida por el objeto en sí…

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(Fig.2)

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(Fig.2)

Asocia ideas con materiales que no les corresponden, da papeles sorprendentes a objetos de la vida cotidiana. Un cucurucho hace que una bombilla de bajo consumo se convierta en helado, tres guindillas se convierten —con una pequeña adenda de plástico— en tubos de pintura.

Dan Cretu, un artista rumano de 31 años, da un giro al bodegón tradicional cuando fabrica una cámara fotográfica con cítricos o un balón fútbol con pipas de calabaza y girasol.

Se autodenomina "ecoartista". Apasionado por la fotografía, pero sin encontrar un lenguaje propio, hace dos años, cansado de buscar en la calle temas para sus imágenes, abrió la nevera y se dejó inspirar por dos naranjas: "Fue el nacimiento de mi primera foto exitosa, la bicicleta naranja. Desde

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ese día tengo que decir que ya no veo las frutas y la verduras de la misma manera. Ahora, cada vez que voy al mercado paso minutos frente a los mostradores, tratando de imaginar mi siguiente trabajo". Sin tratar la imagen en el ordenador Se siente afortunado de usar las "creaciones de la naturaleza" para reproducir inventos de la mente humana como una moto o un radiocasete. Todo está hecho a mano, en un proceso artesanal sencillo como un juego. A pesar de que hay detalles que requieren precisión y especial concentración, hay que trabajar rápido porque el material es perecedero, se seca, pierde brillo y forma. Cretu emplea entre tres y cuatro horas en cada obra para inmortalizarlas después en todo su esplendor con una fotografía.

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(Fig.2)

Para crear los juegos visuales le vale casi todo. El artista ve un reto personal en "transformar un objeto común, del que ya ni siquiera nos percatamos, en algo inusual, vivo y atractivo".

Reconoce que en esta era de imágenes digitales, quien ve sus trabajos aprecia la manufactura, el esfuerzo de desarrollar una idea sin tratar una imagen en el ordenador: "Me encanta ver las reacciones de la gente, que muchos se pregunten si hay Photoshop de por medio. Que mi trabajo cobre vida en una foto (algo tan paradójico como suena) y en origen sea un objeto vivo que he creado con mis manos, añaden satisfacción personal a lo que hago".

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III BIENAL IBEROAMERICANA DE DISEÑO. Matadero de Madrid. Del 26 de noviembre de 2012 al 28 de febrero de 2013.

Una muestra que se celebra cada dos años en Madrid, convocada y organizada por la Central de Diseño y Dimad. Bajo el lema Diseño emergente. Innovación y futuro, esta cita es una de las más importantes de promoción del diseño contemporáneo que se realiza en Latinoamérica, España y Portugal. ¡NO TE LA PIERDAS!

estudiantes de diferentes centros de formación de la región y exposiciones paralelas distribuidas por la ciudad. La Bienal está organizada en áreas temáticas, como 'Innovación', 'Diseño para todo's, 'Diseño para el desarrollo' o' Sostenibilidad' y otorgará seis Premios BID. Además, esta cita contará con zonas de encuentro para profesionales, con conferencias, talleres, debates, el IV Encuentro de Enseñanza y Diseño, y dos foros: Foro de Estudios y Empresas de Diseño y Foro de Eventos de Diseño.

Entre lo más destacado del calendario de la Bienal se encuentra una gran exposición de trabajos (de las diferentes categorías: diseño de interiores, industrial y producto, gráfico, moda y textil y diseño digital) de profesionales de los 22 países iberoamericanos, una muestra de trabajos de

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(Fig.2)

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Dirección y edición: Beatriz Marín Pereira Celia Fernández Quintana Diseño: Beatriz Marín Pereira Coordinación: Celia Fernández Quintana Colaboran en este número: Lourdes Pérez Álvarez Diana Martínez Castro Miriam Callejo Sebastián Martha R. Barilari Ariadna Ruiz Gómez Sebastián Arteaga Agradecimiento especial a: Cristina Sánchez MálagaDIEM

www.asociacionanhad.org La revista no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores.

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Ilustración de Andy Kehoe

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