Pedagogía y cultura del dibujo: Una mirada a la tradición. Academia y cartillas dedibujo

Si, un ejemplo infantil para explicar de forma sencilla en que consiste el impulso de dibujar. El dibujo surge de la necesidad de expresar cosasy en sus inicios el hombre representa aquello que le rodea, la naturaleza, los animales, los seres humanos. Así, de una forma ingenua, comole sucede a Elmo en el vídeo, surgen los primeros dibujos, las primeras manifestaciones artísticas del hombre. Desde ese momento hastaahora ha llovido mucho. El dibujo se ha convertido en disciplina, se enseña en las escuelas y es la base para otras muchas enseñanzas,artísticas y técnicas. En este temas vas a conocer como han sido las enseñanzas del dibujo a lo largo de la historia. Prepárate para hacer unviaje que te ayudará a comprender el origen y evolución del dibujo en la escuela.

1. El dibujo en la escuela.

Tradicionalmente, y hasta el siglo XIX, se ha llamado dibujo a las enseñanzasartísticas. Si en un principio se ocupaban de disciplinas muy concretas, comoel dibujo artístico, la anatomía y el color, en la actualidad engloban un grannúmero de actividades relacionadas con las artes visuales, y se enseña en loscentros educativos bajo el nombre de Educación Plástica y Visual o EducaciónArtística.

Sin embargo, en las escuelas de Bellas Artes y de Artes y Oficios se enseñacomo disciplina independiente, siguiendo esquemas tradicionales deenseñanza. El Dibujo académico es la base que sustenta el conocimiento dequién pretende acceder a estudios artísticos formales.

Pero a lo largo de la historia esta consideración del dibujo como obra final nosiempre ha sido reconocida y el dibujo era un arte menor, que servía de apoyoa otras disciplinas, solo era parte del proceso de desarrollo de una obra demayor envergadura.

Imagen Japaalang en wikimedia commons bajo dominio público.

Por suerte, en la actualidad el dibujo ha adquirido categoría de obra acabada, los museos están llenos de dibujos, y medios como el cómic o lailustración son muestra de su importancia.

El dibujo académico, es decir, el estudio de la luz, la proporción y la forma, realizado con materiales tradicionales, ha sido cuestionado ennumerosas ocasiones, sin embargo, los procesos mentales que pone en juego, la capacidad espacial y perceptiva, el desarrollo de lacreatividad, la concentración, la observación, la memoria visual y el desarrollo de la sensibilidad estética, entre otros, son fundamentalespara la compresión e interpretación de la realidad y para una formación artística completa.

2. Cuéntame como ha pasado.

Vas a echar una mano a Miguel, nuestro protagonista de la historial inicial. En este tema encontrarás abundante información acerca de cómose enseñaba el dibujo tradicionalmente. Ten en cuenta que el dibujo tiene personalidad propia, por mucho que durante cierto tiempo, hayaestado ligado como "arte menor" a los prolegómenos de la pintura. No todos los pintores han sido grandes dibujantes, pero lo que sí esseguro que tanto pintores como escultores o arquitectos recurren necesariamente al dibujo como herramienta de formación yexperimentación de nuevas formas.

La enseñanza y el aprendizaje del dibujo evolucionan de forma paralela a la sociedad del momento, a sus gustos y sus necesidades. A lo largode la historia ha habido momentos en los que el dibujo ha gozado de un mayor reconocimiento social y otros en los que se ha considerado unarte menor. A veces se ha pensado que era un don limitado a un reducido número de individuos y otras se ha considerado que era posibleenseñar a dibujar, o lo que es lo mismo, enseñar a mirar.

Aunque siempre han existido maestros que enseñaban y alumnos que aprendían, se hacía fuera del contexto escolar y el aprendizaje ibadirigido a cubrir la demanda social en materia artística. No es hasta mediados del XIX cuando se regulan los sistemas educativos y seintroduce la enseñanza del dibujo de forma reglada.

Imagen de EArrufat en Wikimedia commons bajo licencia c.c.

2.1. Un viaje en el tiempo.

Archivo de Pottery fan en Wikimedia commons bajo licencia c.c.

Pero será mejor que te prepares para hacer un viaje en el tiempo.

En La Antigua Grecia, Aristóteles considera el dibujo, junto a la gramática,la música y la gimnasia, una de las disciplinas fundamentales para laformación del individuo para llegar a comprender la belleza, no paraaprender un oficio. Pensaba que era necesario el estudio de las mismasdesde los siete años. Existe la figura del maestro y la del alumno, aunqueen otros períodos anteriores las artes en general, son consideradas propiasde esclavos.

En Roma, siempre más práctica, el aprendizaje del dibujo tenía cabida en laformación del individuo, pero su objetivo era la capacitación para eldesempeño de un oficio y los artistas no tenían consideración social.

En la Edad Media la información se transmite en los talleres del maestro alaprendiz, es una formación muy especializada, los gremios, en la que lacalidad de las producciones primaba sobre la estética. El dibujo era el mediopara proyectar la creación de objetos, pero no un fin en sí mismo. Algunasórdenes religiosas impartían enseñanzas básicas, entre ellas la del dibujo.

Durante el Renacimiento, como en la Edad Media no hay un sistemaeducativo, pero si escuelas de dibujo en las que se enseña la técnica. Seproduce un florecimiento general de las Artes y una vuelta a los cánonesclásicos. Hay de nuevo una separación entre artista y artesano, el primerose forma en las llamadas academias, el segundo continúa aprendiendo eloficio en el taller. Las academias surgen en Italia, pero se extienden por elresto de Europa, en ellas el dibujo se considera la base de cualquier obraartística. Aparecen los primeros manuales para el aprendizaje del dibujo,que se aprende siguiendo una pauta ascendente de complejidad y basadoen la copia de modelos dibujados por otros maestros. El artista busca labelleza y la reproducción mimética.

Grecia

Roma

Renacimiento

Edad Media

Fin profesional

Fin académico

Fin educativo

Fin utilitario

En cada una de las épocas anteriores los jovenes aprendían a dibujar con unos objetivos diferentes. Intenta asociar cada elemento de laprimera columna con un elemento de la segunda, intentando razonar tus afirmaciones.

¿Pero como era el taller renacentista? ¿Qué conocimientos transmitían los artistas a los aprendices? La bottega, como le llamaban lositalianos, debía ser un lugar apasionante, lleno de actividad, donde los futuros artistas recibían formación de los grandes maestros y ala vez, servía de escaparate y promoción de sus obras, ya que los mecenas se paseaban por los talleres buscando nuevos artistas queplasmaran sus proyectos.

El vídeo narra los comienzos de la formación de Leonardo Da Vinci, en él puedes ver cual era el procedimiento normal para acceder aun taller. Un artista ya reconocido aceptaba alumnos escogidos por sus cualidades y se comprometía a su formación, que generalmentecosteaban las respectivas familias.

Pulsa sobre la imagen para ver el vídeo.

Las imágenes nos trasladan al enigmático ambiente del taller. El alumno recibía una formación multidisplinar, desde las artes deldibujo y el grabado, la pintura o la escultura, hasta la orfebrería, la química, la arquitectura y otras muchas propias de un tallertradicional. Con el tiempo, el alumno podía independizarse y abrir su propio taller, con sus propios aprendices.

El siguiente vídeo muestra una recreación más o menos libre del taller de Leonardo y de algunos de sus proyectos. Muy interesante.Con toda probabilidad fue allí donde enseñó a sus pupilos a dibujar en tres etapas: primero reproducían dibujos de artistasconsagrados, después copiaban modelos en yeso de esculturas clásicas y por último realizaban copias del natural y estudiosanatómicos con modelos reales, de forma que el aprendizaje se hacía de forma de gradual.

La hermana gemela de la GiocondaEn este artículo de El País se muestra como, a veces, profesor y alumno trabajaban juntos partiendo de un modelo único. Puedes jugarcon la aplicación para ver el singular parecido entre dos obras, una realizada probablemente por un pupilo Leonardo, Andrea Salai, y otrapor el propio Leonardo. El ejemplo no puede ser más representativo: La Gioconda. Pulsa sobre la imagen pare ver la aplicación y leer elartículo.

Imagen de Wikimedia commons bajo dominio público.

Intenta retroceder en el tiempo e imaginar el ambiente del taller de Leonardo. Inventa un breve relato en el que se narre tu versión dela creación y hallazgo de la gemela de La Gioconda.

2.2. Las Academias.

Academia de Dibujo, Alcázar de Madrid, 1728)

Imagen de wikimedia commons bajo dominio público

Escuela grande de San Roque. 1478. Venecia.

Imagen de Wikimedia commons bajo dominio público.

Las academias preceden a un sistema escolar organizado, y se crearon para la formación de artistas. Se atribuye a Vasari la creación de laprimera academia en Florencia en 1563, le sigue otras en Roma, Bolonia y Milán, extendiéndose por otras ciudades de Europa.

Con las Academias se rompe con los ideales renacentistas y con el concepto de artista artesano vigente en el Renacimiento. La formación quese imparte es científica y de carácter oficial. Frente al concepto de genio, de persona tocada por la gracia, las academias establecen unmodelo de artista intelectual capaz de alcanzar la perfección técnica a través del aprendizaje de métodos y reglas.

El aprendizaje daba prioridad a la enseñanza del dibujo. El alumno se incorporaba con doce años. Al inicio copiaba láminas sobre geometríabásica, después las láminas reproducían partes del cuerpo, continuaban copiando dibujos más elaborados de artistas consagrados o copias deesculturas y relieves de reproducciones clásicas griegas y romanas, para terminar dibujando del natural, objetos o modelos, atendiendo aconceptos de anatomía, proporción y encaje.

Además, las academias consiguieron el monopolio de las enseñanzas artísticas y promovieron concursos y exposiciones contribuyendo a crearestereotipos artísticos.

Hija directa de las academias italianas, en 1648 se crea la academia francesa de Pintura y Escultura, dirigida por Jean Baptiste Colbert, muyligada a los poderes del estado, estaba financiada por el rey, dictaba normas y cánones estéticos que eran supervisados por el mismo estado.Se vuelve la vista a la antigüedad y se multiplican los temas históricos y mitológicos y confirieron a Francia la hegemonía artística frente aItalia. En ella, además de la enseñanza prioritaria del dibujo, se impartían Arquitectura, Geometría, Astronomía, Perspectiva, Historia,Anatomía y Aritmética. El modelo de enseñanza se basaba en la transmisión de conceptos a través del dibujo del natural. Los alumnosrecibían dos horas de clase diaria de dibujo, con un aumento progresivo de complejidad, como en el Renacimiento y cada cierto tiempocambiaban de profesor, normalmente, un artista de prestigio, para evitar la influencia de estilos personales.

Durante el siglo XVIII las academias, que ya se han extendido a España, Alemania e Inglaterra, alcanzan su momento álgido, con la llegadade nuevos conceptos filosóficos y el patrocinio del Estado. La academia desaparece en 1793, pero unos años más tarde, en 1826, se inicia laenseñanza formal del arte en Francia.

2.3. Del artesano al artista de la mano del dibujo.

De todo lo anterior se puede deducir lo siguiente.

En un principio la educación artística se impartió en los talleres. Era una enseñanza gremial, en la que los conocimientos pasaban demaestro a aprendiz, y en la que primaba el desarrollo de destrezas y procedimientos para la correcta ejecución de la obra, que podía sercualquier objeto artesanal. El arte era considerado una destreza, se nacía con ciertas cualidades que luego eran modeladas por el maestro,en el entorno de una institución, el gremio.

Imagen de Sailko en wikimedia commons bajo licencia c.c.

Tras este periodo, el modelo de educación artística es un modelo humanista, quederiva del estudio de obras clásicas y del descubrimiento de que no responden a unaejecución mecánica, sino que responden a unos cánones y unos criterios. Esto haceque se empiece a considerar el Arte como una ciencia por si mismo. Se produce porprimera vez la separación entre utilidad y belleza del objeto artístico y se otorga másvalor al arte y al artista, que deja de ser un artesano que reproduce objetoscorrectamente. Esto supone la ruptura entre artesano y artista. Se elaboran losprimeros tratados y normas para el aprendizaje del arte, ya que la formación delartista debe ser de carácter intelectual, en la que el estudio de la geometría, laperspectiva, la historia, la anatomía, la mitología, la filosofía y la teoría del arte sonimprescindibles. El trabajo del artista pasa de ser algo propio de clases bajas arealizarse en talleres y academias privadas bajo el mecenazgo de la nobleza.

Le sucede un modelo academicista, resultado de la especialización del arte en uncontexto institucional, en la que el alumno debe ser un experto, con ampliosconocimientos sobre las producciones artísticas antiguas y contemporáneas y con lasdestrezas necesarias para el desarrollo de obras propias. Se sientan las bases parauna enseñanza artística cienticifista, basada en una serie de conceptos y reglasuniversales, que subyacen en los modelos de enseñanza posteriores, en las que eldibujo es el eje en torno al cual giran el resto de disciplinas artísticas.

Así queda definido el camino que seguirán las enseñanzas artísticas a partir del XVIIIy hasta nuestros días.

Imagen de wikimedia commons en dominio público.

Observa detenidamente las dos imágenes anteriores. En cada una de ellas se muestra un modelo de artista. Busca semejanzas ydiferencias entre ambos modelos e intenta justificar qué determina el cambio de un modelo a otro.

2.4. Las cartillas de dibujo.

Las cartillas de dibujo eran el método general de aprendizaje del dibujo hasta finales del XVIII. Los alumnos copiaban las ilustraciones queestos libros contenían. Normalmente, representaban el cuerpo humano fraccionado, que debían reproducir paso a paso. En el Renacimientolos tratados de Alberti (1547) y Leonardo (1651), fueron los más destacados. En España tuvo especial relevancia la cartilla de García Hidalgo(1691).

Imagen de Wikimedia commons bajo

dominio público.

Imagen de Wikimedia commons bajo

dominio público.

Los tratados de arquitectura fueron de gran ayuda para los artistas, destacando el de Vitrubio, de 1521, cuyos dibujos fueron usados por losartistas como fondos arquitectónicos en sus pinturas. En estos vídeos puedes ver los originales de algunas de estas obras, reunidos en unaexposición en el museo del Prado. Imágenes que nos transportan al espacio del aula de dibujo de otra época, que nos ayudan a entender laevolución de la enseñanza del arte. Imprescindibles.

Desde principios del XIX, el dibujo pasa a formar parte de los currículos oficiales en las enseñanzas obligatorias. Si hasta ahora era algo quese limitaba a unos cuantos "elegidos" a partir de este momento para a ser una materia común que todos deben aprender. Ello implica lanecesaria formación del profesorado y empiezan a elaborarse las primeras metodologías para la enseñanza artística, y las primeras cartillasescolares, en un contexto social en el que una incipiente revolución industrial que demanda mano de obra formada en la delineación y eldibujo.

Imagen de Francesco Ramos en Wikipedia bajo

dominio público.

“ABC de la intuición o intuición de las proporciones” de Johann Heinrich Pestalozzi, publicado en1803 es el primer manual genérico para la instrucción de la educación artística. Bajo la influenciade la obra de Rousseau, es junto a Friedrich Froebel, unos de los pedagogos que más han aportadoa la pedagogía del XVIII Y XIX. El dibujo debía formar parte de la educación del alumno, como unamateria más, lejos del ámbito artístico y dirigida principalmente a desarrollar la percepción visual,que contribuía a la formación integral del niño desde sus primeros años de vida. Para Pestalozzi,aprender a mirar, percibir a través de la vista, permitía al alumno reproducir gráficamente demanera correcta contornos y detalles de cualquier objeto. Su obra supone un cambio radical en laconcepción de la enseñanza del dibujo. Pulsa sobre la imagen para saber más.

3. Cambiar el chip.

A partir de este momento, y durante todo el siglo XX, la figura del profesor cobra mayor relevancia, y su formación se considera fundamentalpara la formación del alumno. Psicólogos y pedagogos publican numerosos estudios que han influido en la didáctica del dibujo hasta nuestrosdías, destacando Viktor Lowenfeld, que describió las diferentes etapas de la evolución del dibujo en el niño y el adolescente. Se formulannuevas tendencias educativas, basadas en el desarrollo de la creatividad, para las enseñanzas artísticas que han reconducido estas enseñanzashasta el modelo actual, considerando las manifestaciones artísticas como parte de una expresión libre, y no como la repetición inútil de cánonesestereotipados.Pierde un par de minutos en conocerlas un poco mejor viendo la siguiente presentación.

4. Otra historia.

Imagen de Pixteca en Flickr bajo licencia c.c.

Lo visto hasta ahora es la teoría, pero ¿Qué es lo que pasa cuando te planteas en serio que quieres aprender a dibujar o a perfeccionar tutécnica? ¿Qué ocurre cuándo además eres un alumno de enseñanzas a distancia? Necesitas un método. No un método en el sentido estrictode los métodos de dibujo, pero si una manera de ordenar los contenidos que permita una lógica evolución en tu aprendizaje. No tiene muchosentido que te pongas metas muy altas al principio, no quieras dibujar el discóbolo sin haber pasado por las fases precedentes. También hayuna idea que no debes perder de vista: a dibujar se aprende dibujando. Cuanto más dibujes mejor lo harás. Por lo tanto, una base teórica yuna práctica continuada son la combinación perfecta para obtener buenos resultados.

4.1. Un primer paso. Dibujo de formas geométricas..

Las formas geométricas son las más adecuadas para iniciarte en el dibujo. Las relaciones entre sus lados y ángulos responden a criteriosmatemáticos, son simples y su estructura interna es muy fácil de adivinar, y por lo tanto de reproducir.

Normalmente, se utilizan modelos formados solo por las aristas o transparentes, esto permite ver las formas que quedarían solapadas si losplanos fueran opacos, y ayuda a ver los objetos en perspectiva. Se comienza dibujando formas aisladas, solo líneas, para terminar dibujandocomposiciones con varias figuras y aplicando escala de grises. Una vez que tu ojo se haya habituado a ver las formas en el espacio, setrabajará con figuras opacas, intuyendo que es lo que se oculta detrás de los planos.

Imagen de koenB en Wikimedia

commons bajo licencia c.c.

Imagen de Heinrich Lautensack

en Wikimedia commons

bajo dominio público.

Imagen de soylentgreen

en Wikimedia

commons bajo licencia c.c.

4.2. Investigamos: Superficies curvas.

Las formas cóncavas y convexas producen planos inclinados que determinan, como has visto en temas anteriores, zonas en gradación desombras muy interesantes, ya que condicionan la percepción de las curvas como tales a través de los espacios interiores y exteriores. Sonpropicias para el estudio de la valoración de luces y sombras y permiten adivinar estructuras internas irregulares. Algunas esculturas deHenry Moore son ejemplos de formas curvas. Seguro que en casa puedes encontrar objetos que cumplan estos requisitos. En el mercado sevenden figuras de escayola fabricadas para ser usadas como modelos.

Imagen de Andrew Dunn, en wikimedia commons bajo licencia c.c.

4.3.Aplicamos: Intregrando formas en el dibujo.

De forma gradual se deben ir incorporando elementos a la composición. Si en un principio se recomienda dibujar formas aisladas, lacomplejidad debe ir incrementándose añadiendo elementos a los dibujos. Se trata básicamente de relacionar unas formas con otras ysituarlas en el espacio, utilizando gradaciones tonales, traslapos, escorzos y perspectiva, cuando sea necesario. Plasmar la sensación derealidad en el dibujo, ese sería el objetivo. Es interesante dibujar objetos de diferentes calidades para trabajar las diferentes texturas, elcristal, el barro o el metal, producen texturas muy dispares que deben quedar materializadas en el dibujo. Puedes empezar a dibujar condiferentes materiales, eso te ayudará a descubrir con cuales te sientes más cómodo y también a desarrollar un estilo personal. Es elmomento de empezar a introducir color en tus dibujos.

En el siguiente vídeo se muestra un ejemplo de cómo se puede organizar un modelo con objetos sencillos.

4.4. El dibujo esquemático: el apunte.

En ocasiones te interesará hacer dibujos muy detallados, un dibujo acabado cuya intencionalidad es la reproducción más fiel posible de larealidad, si bien es cierto que un dibujo acabado no implica un grado de realismo determinado y es el artista quién decide lo que quieredibujar.

En otras puedes recurrir al apunte, que por lo general es un dibujo que se realiza rápido y en pocos trazos con la intención de captar elmomento o como bocetos preparatorios para un dibujo posterior. Los apuntes son muy útiles para practicar encajes, son dibujos por logeneral muy esquemáticos, se suelen usar además para captar escenas instantáneas, dibujos urbanos, de viajes, de naturaleza o demovimiento, que verás el próximo curso detenidamente. Contribuyen a desarrollar la destreza manual y visual, además de ser un magníficoejercicio de retentiva. Es muy interesante dedicar unos segundos a mirar un objeto o un grupo de objetos y después intentar reproducirlosmentalmente sin observar el modelo. Otras veces se realizan vistas parciales del motivo a dibujar o pequeños detalles que se quierandestacar.

Aunque es pronto para trabajar con la figura humana y de momento debes limitarte a dibujar objetos sencillos el vídeo que se te proponemuestra como hacer un apunte rápido de una modelo del natural.

5. Los géneros: Retrato, bodegón y paisaje.

Bodegón de Juan Sánchez Cotán (1602) | archivo de dominio público

Aunque son los géneros más frecuentes, no son los únicos. El próximo curso investigarás más en el retrato y el paisaje, pero ahora teresultará más útil centrarte en naturalezas muertas o bodegones, que suena un poco mejor. Hay una serie de normas que te ayudaran adibujarlas:

-Intenta identificar los objetos con formas geométricas, para más tarde entrar en detalles.

-Busca objetos que tengan algo en común, textura, color, estilo, uso.

-Da a los espacios vacíos la importancia que tienen en la composición de una naturaleza muerta. Puedes solapar los objetos para conseguiruna mayor sensación de atmósfera entre ellos.

-Intenta ver el conjunto como un todo, no debes dibujar los objetos aislados ya que el resultado perderá coherencia.

- Repite el dibujo cambiando los elementos de lugar, prueba diferentes opciones, buscando soluciones equilibradas. Frutas, verduras, plantas,botellas, jarrones, todo sirve para hacer un bodegón, pero siempre hay que buscar la belleza y la originalidad en el trabajo. ¿Por qué nohacer tu propio bodegón contemporáneo, con objetos contemporáneos?

Los maravillosos bodegones de Giorgio Morandi (1890/1964), son un modelo a seguir, su personalísima obra invita a la reflexión y alsilencio. Dibujó los mismos objetos una y otra vez, combinándolos de distintas formas, siempre perfectamente ordenados. La importantebase dibujística de sus pinturas hace que sean un referente al hablar de dibujo y naturaleza muerta. Mira el vídeo, parece que el tiempose ha parado entre los objetos que llenaban su estudio.

Con esta práctica comprederás mejor los conceptos y

te servirá de experiencia previa a la tarea. Pulsa sobre la imagen para acceder.

Imagen de educaciónplástica.net bajo licencia c.c.

En este vídeo de Educa Thyssen se muestra como realizar una reproducción de una naturaleza muerta de Giorgio Morandi con laaplicación Art Academy para consolas. Aunque ahora debes centrarte en técnicas y procedimientos tradicionales, resulta muy interesantever el proceso de ejecución.