Partidario del diablo - web.seducoahuila.gob.mx

Vlaminck, tan fiero como lo pintan 3 Una vida musical de novela 5 La depresión se origina en la infancia 7 Hallan una iglesia bizantina a las afueras de Jerusalén 9 La Roma antigua recupera sus colores originales 10 La creciente acidez de los océanos puede causar una extinción en masa de la fauna marina 11 Dos enterramientos de 5.500 años en el Raval cuestionan el pasado barcelonés 13 Admiten el mayor fraude académico 15 Murakami: "Escribir me permite encontrar la soledad" 16 Fotografían a la luna del terror de Marte 17 España: nació para curar a su hermano 18 La web cumple 20 años 19 '2666', número mágico en EE UU 20 Los lobos de Cai Guo-Qiang toman el Guggenheim 22 A cien años de la revolución cultural que cambió la vida diaria 23 Fonseca, el narrador del Mal 28 La música del ruido 31 Rastros de un quiebre cultural 32 La identidad de Rebecca Miller 35 Partidario del diablo 38 "Una de las claves del amor es la búsqueda de la identidad" 39 El placer de dibujar con lápiz y pincel 44 Un testamento nostálgico 45 Carne de Bacon 47 La ópera Partenope recupera los lazos entre España y Nápoles 49 La visión del mundo a través de fotógrafos invidentes es expuesta en Caracas 51 "Siempre hay que saber sobre qué cadáveres anda uno" 53 Encestando en la papelera 56 El humo de los coches aumenta problemas cardiovasculares 58 "El problema del cine es el lastre de la literatura" 59 Pfizer concluye exitosa prueba contra cáncer pancreático 62 En las antípodas 63 Una mirada conflictiva 65 El amante judío 67 El hombre desciende del libro 68 La otra versión 70 Maternidades inquietantes 72 La maldición de un ser errante 73 El trabajo de la memoria 75 Una aventura realmente siniestra 76

Sistema de Infotecas Centrales Universidad Autónoma de Coahuila

Boletín Científico y Cultural de la Infoteca No. 195 Marzo 2009

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Tolerancia y libertad en el pensamiento indio 78 Un intempestivo sueño entre la tierra y el cielo 80 Un coreógrafo de dos cabezas 83 Zambra de la revolución 85 Diálogo entre la ciencia y el arte 87 Setenta balcones y bastante flor 88 Mejor lo miro por tevé 94 Estrategia vegetal 96 Revierten efectos cognitivos de la pobreza 98 Museo de Tampico Alto resguarda miles de piezas valiosas (Video) 100 Fueron prohibidas durante la Guerra Fría las obras de Howard Fast 101 Agregarle memoria artificial al cerebro es cada vez más probable 103 El mundo del cómic rescata al Benjamin Button de Scott Fitzgerald 105 Hallan un documento medieval que duda de la bondad de Robin Hood 107 Positivar la crisis 108 El sexo de la cultura 111 Niño mexicano gana concurso de dibujo de la UE 113 México hará vacunas de alta tecnología contra la influenza 114 Polimedicación, una causa de riesgo renal 115 El desafío del viejo periodismo 117 "Internet nos obligará a reinventar los museos" 118 El agua, otro motivo de crisis global 121 El «gran mundo» de Andy Warhol se traslada a París 123 Escritora nipona relata la historia de Guatemala del siglo XX 125 «Cuando escribo me puedo olvidar del mundo real» 126 Descubren restos de dinosaurio más grande que el Rex 128 Padecen 15% de mexicanos síndrome de Menière 129 El expolio de la biblioteca de Mogao 130 En busca de la primera edición de 'El retrato de Dorian Gray' 131 "La aféresis permite un uso racional de la sangre" 132 Usan malezas para purificar el agua 133 Hendrix desarrolla proyecto árabe 135 Las fauces del mar 136 Un palacio digno del Renacimiento italiano en un lugar de la Mancha 138 Las cuatro lunas de Saturno 139 Un libro recoge las cartas inéditas de Camilo José Cela con escritores españoles del exilio 140 La feria de Anime de Tokio desempolva los clásicos ante la crisis 142 Toma impulso en Iberoamérica literatura infantil y juvenil 144 Goya vivirá en el Reina Sofía 146 Casandra al paredón 148 El agua que hay en Marte es salada: estudio 149



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Vlaminck, tan fiero como lo pintan

NATIVIDAD PULIDO | MADRID Actualizado Martes, 10-03-09 a las 09:51 Hace unos días instalaba siete esculturas de Rodin en el exterior de su sede y ahora inaugura una exposición de Maurice de Vlaminck. Con este doblete artístico celebra CaixaForum Madrid su primer aniversario. La gente adora a Rodin (todos los días hay grupos fotografiándose con «El pensador»), pero Vlaminck (1876-1958) es casi un desconocido para el gran público. Y ello, pese a que formó, junto a Henri Matisse y André Derain, la santísima trinidad del fauvismo, corriente pictórica basada en la exaltación del color y el uso de una paleta pura. La palabra francesa «fauve» significa literalmente «fiera». Un calificativo que aplicó la crítica a este grupo por lo salvaje de su pintura: colores intensos, salidos directamente del tubo; rápidos brochazos, poderosas pinceladas, gestos impetuosos... Pasión por el arte negro Llega a España la primera exposición dedicada a Vlaminck en nuestro país. A través de 80 obras (pinturas y cerámicas), además de una docena de piezas africanas y oceánicas propiedad del artista (fue un gran coleccionista de arte negro), la muestra se centra en los años que van de 1900 al estallido de la I Guerra Mundial en 1915, su periodo más creativo. Vlaminck, pese a ser menos célebre que Matisse y Derain, es «uno de los artistas más violentos y expresivos del fauvismo», según Maïthé Vall_s-Bled, comisaria de la exposición. Creía que se alejaba de la realidad y su pintura se caracterizaba, sobre todo, por la espontaneidad e inmediatez en la restitución de la realidad La importancia de los paisajes El núcleo central de sus pinturas son paisajes, especialmente del valle del Sena. En la muestra hay estupendos ejemplos de los paisajes que pinta desde el taller que compartió con Derain junto al puente de Chatou, a las afueras de París, donde Matisse les visitó en 1905. Fue éste el año en el que nace el fauvismo: el color invade violentamente la tela. Al contrario que Matisse y el propio Derain, Vlaminck no se inspira en la luz mediterránea del sur de Francia para sus audaces y salvajes creaciones. El color explota literalmente en las obras de 1905, como «El castañal de Chatou», «Paisaje del valle del Sena» o «En el huerto de mi padre». Al año siguiente, el célebre marchante Ambroise Vollard le compra buena parte de su trabajo y le anima a que pinte cerámicas. Una vitrina encierra una selección de piezas.

http://es.wikipedia.org/wiki/Maurice_de_Vlaminck

http://obrasocial.lacaixa.es/apl/actividades/actividad_es.html?idTipoAct=36&idActividad=29569



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Pintor, escritor, músico (se ganó la vida durante unos años como violinista), avezado ciclista e impenitente rebelde, recibe influencias de Gauguin, Van Gogh, los nabis, Seurat, Signac y, muy especialmente, de Cézanne. Tras su muerte en 1906, y la retrospectiva que le dedica el Salón de los Independientes, Vlaminck da un giro radical a su pintura en 1907: se torna cézanniana. Aunque le resulta muy difícil renunciar al color puro -para Cézanne estaba prohibido-, su paleta se modera, se dulcifica, se hace más sombría, al tiempo que comienza a preocuparse por el espacio y los volúmenes. La influencia de Cézanne es evidente en obras como «Las bañistas» y en algunas naturalezas muertas. Una de ellas, presente en la muestra, «Naturaleza muerta con pipa y libros», es una suerte de curioso autorretrato (pinta sus objetos personales). A pesar de que coqueteó con las preocupaciones cubistas, Vlaminck no se dejó arrastrar por el cubismo. Creía que se alejaba de la realidad y su pintura se caracterizaba, sobre todo, por la espontaneidad e inmediatez en la restitución de la realidad. No faltan tampoco los retratos, de escasa profundidad psicológica. Uno de los mejores, «El sombrero de plumas», de 1911. http://www.abc.es/20090309/cultura-arte/caixaforum-descubre-vlaminck-fovista-200903091931.html

http://www.abc.es/20090309/cultura-arte/caixaforum-descubre-vlaminck-fovista-200903091931.html



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Una vida musical de novela

Una exposición y un ciclo de conciertos conmemoran en Barcelona el centenario de Isaac Albéniz LOURDES MORGADES - Barcelona - 11/03/2009

Isaac Albéniz y su hija Laura.-

Gracias a él la música española recuperó la dimensión internacional que tuvo durante el Renacimiento. Y es que Isaac Albéniz (1860-1909), fundador junto con Enrique Granados y Manuel de Falla del "españolismo musical internacional contemporáneo", según denominación del musicólogo e historiador Adolfo Salazar, fue el guía que abrió las puertas de la música española a Europa creando puentes entre el norte y el sur y anticipando desde el romanticismo musical del siglo XIX los nuevos estilos musicales del siglo XX. Su trayectoria humana, una apasionada vida llena de aventuras propias de una novela, y artística son revisitadas desde en la exposición Albéniz, un modernista universal, un homenaje al músico nacido en Camprodrón (Ripollès) en el centenario de su muerte, que se presenta en el Museo de la Música de Barcelona hasta el 27 de julio próximo. La exposición, que itinerará por España tras su exhibición en Barcelona, se nutre de fondos propios del museo, que cuenta con la colección pública más importante de documentos y objetos de Albéniz, según explica su director y comisario de la exposición, Romà Escalas. Cartas, recortes de diarios de la época con críticas de sus conciertos, fotografías, partituras, condecoraciones, objetos personales, documentos oficiales y su piano, un Rönisch de cola negro que exhibe la firma del propio músico. Un material que la nieta de Albéniz, Rosina Moya Albéniz, donó al Museo de la Música de Barcelona en 1976 con la voluntad de que "la obra de Albéniz quede custodiada en una institución que la conserve y la mime con lo haría yo misma", declaró cuando hizo la cesión. Que Isaac Albéniz fue un compositor popular en su época da fe la impresionante imagen del multitudinario cortejo fúnebre que el 6 de junio de 1909 abarrotó las calles de Barcelona siguiendo el féretro con sus restos camino del cementerio con que se abre la exposición. Dicha imagen es pórtico y final de un recorrido por una vida musical de novela que vio la luz en Camprodón el 29 de mayo de 1860, época en la que el repertorio de salón dominaba la vida musical española. Hijo de un jefe de aduanas que se trasladó a Barcelona cuando Albéniz apenas tenía un año, el pequeño Isaac se introdujo en el mundo del piano de la mano de su hermana Clementina y a los cuatro años ya tocaba en público. Enviado por su padre a París para proseguir sus estudios, no fue admitido en el conservatorio por ser considerado demasiado inmaduro. De regreso a España, siguió exhibiéndose como niño prodigio hasta que a los 10 años se escapó de casa por primera vez. No fue la única; a los 12 años se embarcó como polizón en un barco rumbo a Argentina. Y volvió a fugarse para ir a Puerto Rico, Cuba y Estados Unidos, donde hizo de todo, incluso de cargador de muelles y maletero, para sobrevivir.



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De regreso en Europa se fue a Leipzig para seguir estudiando piano y en 1876, becado por el rey Alfonso XII, viajó a Bruselas, en cuyo conservatorio se graduó 1879 e inició una prolija carrera de virtuoso del piano y empezó a componer. No sentó la cabeza, aunque no del todo ya que se llegó a arruinar jugando a la bolsa, hasta que se casó, en 1883, con Rosina Jordana y se cruzó en su camino Felip Pedrell. Fue éste, maestro también de Granados y Falla, quien le animó a utilizar la música española como fuente de inspiración. Y es esa fuente de inspiración con la que, en palabras del comisario de la exposición, Albéniz "proyecta y dimensiona internacionalmente la música española a partir de fuentes vinculadas a la expresión popular". Una obra en el que el piano tiene un papel principal pero que también incluye óperas, seis, más de una docena de canciones así como diversas composiciones para orquesta y música de cámara. Algunas de estas partituras, así como las de compositores del entorno de Albéniz configuran la programación del ciclo de nueve conciertos con lo que el Auditori de Barcelona, donde el Museo de la Música tiene su sede, homenajeará al compositor catalán a lo largo del año. http://www.elpais.com/articulo/cultura/vida/musical/novela/elpepucul/20090311elpepucul_2/Tes

http://www.elpais.com/articulo/cultura/vida/musical/novela/elpepucul/20090311elpepucul_2/Tes



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La depresión se origina en la infancia En esa etapa se gestan el 95% de los casos por factores que repercutirán en la adolescencia o en la adultez, el resto se debe por cuestiones metabólicas o aspectos como traumatismos o problemas hormonales Redacción El Universal Martes 10 de marzo de 2009

Alrededor del 95 por ciento de los casos de depresión se origina en la infancia; en esa etapa se gestan y desarrollan factores que repercutirán en la adolescencia o en la adultez, señaló el académico de la UNAM, Jorge Alfonso Valenzuela Vallejo. Mientras, el otro cinco por ciento se explica por cuestiones metabólicas o aspectos como traumatismos, problemas de hipertiroidismo, hormonales o cardiovasculares, entre otros, añadió. En la conferencia Depresión: causas, consecuencias y prevención, realizada en el Palacio de Minería, el académico comentó que hay que remitirse a la primera infancia; las necesidades básicas que no se cubren en esa etapa provocarán daños en fases posteriores. La depresión, explicó, es la incapacidad de identificar, percibir y expresar sentimientos; por tanto, desde la niñez se gestan factores que desencadenarán el padecimiento. En los sistemas capitalistas, se crea la necesidad de poseer bienes materiales y se dejan de lado los asuntos relacionados con la naturaleza del hombre. Entonces, se genera un proceso de deshumanización y lo único que importa a los padres es que el pequeño sea bien portado, obtenga buenas calificaciones, sea obediente y cubra las expectativas de sus progenitores, la sociedad o la escuela. Es importante que un bebé establezca lazos con una figura constante, una relación significativa basada en el afecto, que le permitirán adquirir confianza básica y desarrollar sus potencialidades. El afecto es importante para relaciones futuras y para no ser una persona desconfiada y aislada, apuntó. A partir de la relación con los demás, los seres humanos se conocen a sí mismos en una función de espejo: si el infante ve a la madre sonreír, se sentirá querido, reconocido y adquirirá confianza y será capaz de identificar lo que siente, comentó. En caso contrario, si la progenitora está molesta o deprimida, el niño construirá una imagen de sí mismo



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donde sólo cubrirá las expectativas que se le impongan, ajenas a los sentimientos, pensamientos y deseos propios. Otros factores que contribuyen son violencia intrafamiliar, abuso sexual, estrés, ausencia de la madre, pérdidas familiares o personas cercanas. En esta etapa, se empiezan a gestar los factores que más adelante desencadenarán en depresión o en distimia (tristeza moderada pero continua que por momentos se agudiza pero se sobrelleva), destacó. Los principales síntomas de la depresión son: alteraciones en el sueño (dormir mucho o poco); sensación de pesadez, agobio o molestia al despertar; la minusvalía (autorreproches por sentirse incapaces o víctimas); alteraciones en la alimentación (se deja de comer o se tienen arranques compulsivos), incluso sentimientos de desprecio por la vida. Además, irritabilidad, desmotivación, apatía, agresividad, dolores de espalda, cabeza y problemas gastrointestinales. A diferencia de la tristeza, en la que se sabe qué la ocasionó y se es consciente que durará cierto tiempo, la depresión es una incertidumbre. Para prevenirla es necesario conocer más sobre uno mismo, realizar actividades físicas, artísticas y sociales y, en casos severos, la medicación, a la par de psicoterapia, concluyó. Tras comentar que la depresión es una de las causas más frecuentes de suicidio, dijo que pocas personas logran identificar las etapas de este trastorno emocional. El problema es que se piensa que sólo es tristeza, pero los cuadros depresivos requieren de una intervención multidisciplinaria donde participe la familia. Las principales causas por las que los jóvenes se privan de la vida son: los disgustos familiares (violencia o violaciones sexuales), los problemas afectivos (soledad, infidelidad), las enfermedades graves o incurables (VIH-SIDA), las dificultades económicas o, en algunos casos, los padecimientos mentales. No obstante, explicó, en la mayoría de los casos se desconocen los orígenes y sólo se llegan a saber a través de recados póstumos, cartas o el análisis de dibujos que realizan los suicidas. Por ello, abundó, son necesarios programas de intervención, que permitan identificar a quiénes están en riesgo y, además, brindar apoyo tanatológico a las personas que han perdido a un familiar. Según la Organización Mundial de la Salud, mencionó, el suicidio es considerado un problema de salud y alrededor de un millón de personas en el mundo fallecen al año por ese motivo, y lo intentan entre 10 y 20 millones. En México, este fenómeno se ha incrementado; en el 2003 se registraron dos mil 736 suicidios, para el 2008 la cifra aumentó a cuatro mil 394. De ese total, aproximadamente el 80 por ciento lo cometen los varones, según el doctor Jorge Alfonso Valenzuela Vallejo. El suicidio es la segunda causa de muerte entre jóvenes, sólo después de los accidentes automovilísticos; el rango de edad con mayor riesgo es entre los 15 y 29 años, pero varía de acuerdo al género. Los hombres tienden a hacerlo entre los 20 y 24 años y las mujeres de los 12 a los 19, especificó. Finalmente, señaló que el futuro de los jóvenes es oscuro, pues muchos no saben en qué se emplearán, cómo sobrellevar las crisis económicas o si contarán con oportunidades educativas y el suicidio representa una forma de escapar de los problemas que no saben cómo resolver. http://www.eluniversal.com.mx/articulos/52926.html

http://www.eluniversal.com.mx/articulos/52926.html



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Hallan una iglesia bizantina a las afueras de Jerusalén

11/03/2009 | Actualizada a las 18:03h | Cultura

Jerusalén. (EFE).- Un equipo de arqueólogos israelíes ha hallado una iglesia del período bizantino a las afueras de Jerusalén, con restos de mosaicos y una inscripción de varias líneas pidiendo la protección de Dios para miembros ilustres de la comunidad.

El descubrimiento tuvo lugar en la cooperativa rural de Ness Harim, a unos veinte kilómetros de Jerusalén, durante las obras de ampliación de viviendas para la población local, informó hoy la Dirección de Antigüedades de Israel. El arqueólogo Daniel Mor, director de las excavaciones, afirma que "el lugar estaba rodeado por un bosquecillo y cubierto por terrazas agrícolas que eran trabajadas por la población". "Antes de comenzar la excavación ya se podían distinguir en el lugar grandes cantidades de fragmentos de cerámica bizantina y trozos dispersos de un mosaico", agrega. Las excavaciones han dejado al descubierto un pórtico alargado anterior a la principal nave de la iglesia, y en el suelo un colorido mosaico con formas geométricas separadas por flores que ha sido parcialmente destruido por vándalos hacia el final de las excavaciones. El período bizantino comenzó en el siglo VI y en él proliferaron en Tierra Santa iglesias como la descubierta en Ness Harim que más tarde, con la invasión del Islam, serían destruidas o reconvertidas para distintos usos. En el recinto han encontrado también una prensa, parcialmente excavada, en la que al parecer se producía vino en grandes cantidades. En otra sala los arqueólogos hallaron un segundo mosaico con una inscripción de varias líneas en el que se hace alusión a personas ilustres de la comunidad y uno o más sacerdotes, para los que se pide la protección divina.

http://www.lavanguardia.es/cultura/noticias/20090311/53657836527/hallan-una-iglesia-bizantina-a-las-afueras-de-jerusalen-jerusalen-dios-tierra-santa-israel-islam.html

http://www.lavanguardia.es/cultura/index.html





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La Roma antigua recupera sus colores originales

Un grupo de investigadores elabora un modelo virtual del Ara Pacis con los vivos colores que tenía cuando fue inaugurado


Roma. (EFE).- La Roma antigua ha recuperado los colores originales de algunos de sus monumentos gracias, entre otros métodos, a los rayos ultravioleta para detectar la base orgánica de sus coloración, durante la conferencia internacional denominada 'Los colores de Augusto'.

Maqueta de la Columna Trajana con reconstrucción

ccio

Arqueólogos italianos y de otros seis países han participado

l

l encuentro se ha desarrollado en el Auditorio del Ara e en

s.

l modelo, presentado en la conferencia, se ha generado a partir de los restos de policromía presentes en

ue

simismo, en el acto se ha hablado también de otras piezas arqueológicas de importancia en las que

las

egún el investigador Simone Foresta, de la Universidad Federico II de Nápoles, que ha participado en la

a y la 'Pax

http://www.lavanguardia.es/cultura/noticias/20090311/53657761199/la-roma-antigua-recupera-sus-

hipotética de la policromía original, creada por RanuBianchi Bandinelli (1971) / EFE

en la conferencia sobre policromía en los monumentos antiguos, que pretende resaltar la importancia que tuvo ecolor en los monumentos del mundo antiguo, del que ahora están despojados. EPacis, o el Altar de la Paz, y se ha centrado especialmenteste monumento del reinado de Augusto (27 a.C.- 14 d.C.),que en época romana estaba decorado con intensos coloreUn grupo de investigadores de la Superintendencia de Bienes Culturales del Ayuntamiento de Roma ha llevado a cabo un estudio para elaborar un modelo virtual del Ara Pacis tal como era en el momento de su inauguración, con los vivos colores que entonces resaltaban las figuras de sus bajorrelieves. Eel mármol del monumento, de la observación del mismo a través de rayos UVA para detectar la base orgánica de preparación de la coloración, y de la comparación con otros edificios romanos y griegos qconservan sus pinturas. Aestuvo presente el color, como el llamado Sarcófago de Alejandro Magno, conservado en el Museo Arqueológico Nacional de Estambul, la Domus Aurea de Nerón, el templo de Apolo en el Palatino oesculturas helenísticas halladas en Delos. Sinvestigación, el estudio del color en estos monumentos, y sobre todo en el Ara Pacis, puede tener un impacto decisivo sobre nuestra forma de percibir no sólo el arte del mundo antiguo, sino sus "sustratossocial, cultural y político".El Ara Pacis fue de hecho una construcción de gran importancia propagandística, ya que conmemora las victorias militares de Augusto en Hispania y la GaliRomana' por él impuesta inmediatamente después, mientras que en sus relieves figuran los miembros dela familia imperial.

colores-originales-ara-pacis-augusto-alejandro-magno-domus-aurea-estamb.html

http://www.lavanguardia.es/cultura/index.html



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La creciente acidez de los océanos puede causar una extinción en masa de la fauna marina

Según una oceanógrafa inglesa, el cambio de la composición de los océnaos es el mayor desde la era de los dinosaurios

11/03/2009 | Actualizada a las 12:51h | Ciudadanos

Londres. (EFE).- La creciente acidez de los océanos amenaza con causar una extinción en masa de la fauna marina, según advirtió hoy Carol Turley, oceanógrafa del Laboratorio Marino de Plymouth (sureste de Inglaterra). "Creo que estamos en camino de una extinción en masa, dado que el ritmo de cambio de la composición de los océanos es el mayor desde la era de los dinosaurios", dijo Turley en declaraciones a la BBC.

Turley, que presidirá una de las sesiones de la conferencia sobre el clima que se celebra esta semana en Copenhague, recordó que desde la Revolución Industrial las emisiones de dióxido de carbono (CO2) producto de la actividad humana han incrementado en un 30% el nivel de acidez de los océanos del planeta. El nivel de acidez de los mares está en su nivel más alto de los últimos 500.000 años, añadió la científica, quien destacó que esta situación "puede tener un impacto enorme en la seguridad alimentaria", por lo que subrayó que "es realmente fundamental que recortemos las emisiones de C02". Se estima que en torno a un 50% del CO2 emitido por la quema de combustibles fósiles durante los últimos 200 años ha sido absorbido por los mares, lo que está alterando de manera significativa el pH (la medida de acidez y alcalinidad) del agua del mar. "Estoy especialmente preocupada por la supervivencia de los ecosistemas marinos que todavía son productivos y diversos", indicó Turley, teniendo en cuenta que el problema se agudizará durante este siglo debido al incremento de la presencia de gases de efecto invernadero en la atmósfera.



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El problema es especialmente grave en el caso de los crustáceos y de especies como la estrella de mar,

hasta hace poco tiempo aparecía relacionado sólo con la contaminación atmosférica.

le sobre el tema de la acidificación de los océanos y encontré 17 resultados. Ahora salen cientos de miles. Hay muchas más evidencias que demuestran que este es un problema no sólo para el futuro, sino también para el presente".

http://www.lavanguardia.es/ciudadanos/noticias/20090311/53657746590/la-creciente-acidez-de-los-

que podría desaparecer para finales del siglo XXI, según pruebas de laboratorio, si se mantiene latendencia actual de emisiones contaminantes. Los oceanógrafos se refieren al problema de la acidez de los mares como "el otro problema relacionado con el C02", que "En 2004 -recordó Turley- hice una búsqueda en Goog

oceanos-puede-causar-una-extincion-en-masa-de-la-fauna-marina-co2-copenha.html



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Dos enterramientos de 5.500 años en el Raval cuestionan el pasado barcelonés

El arqueólogo de la UAB Miquel Molist estima que los asentamientos de esta época pudieron ocupar unas cuatro hectáreas del llano

Ignacio Orovio | Barcelona | 12/03/2009 | Actualizada a las 03:31h | Cultura

Barcelona, 5.500 años atrás: el susurro del mar es permanente. La costa está a pocos pasos y si no hace mucho frío cualquiera puede caminar unos cincuenta o cien pasos mar adentro para colocar redes a la

Mucho más allá de Barcino

El excepcional hallazgo de dos enterramientos y un asentamiento neolítico estable en la calle Reina Amàlia de Barcelona ha servido para solidificar un discurso que está apareciendo en los últimos años, desde que a mediados de los noventa apareció una necrópolis neolítica cerca de Sant Pau del Camp; este estaba probablemente relacionado con el aparecido ahora. Pero la media docena de excavaciones de este periodo prehistórico han obligado a cuestionar algunas ideas: Barcelona no comienza en la Barcino romana ni en los asentamientos ibéricos (como el de Montjuïc). "Los romanos no se asientan sobre el vacío", apunta el director del Museu d'Història de Barcelona (Muhba), Joan Roca. En su voluntad de ser –además de sala de exposiciones– generador de conocimiento, el Muhba se plantea "recomponer el discurso" sobre la ciudad a partir de los nuevos descubrimientos.

espera de algún pez.

A mano derecha, mirando al mar, se alza una mole rocosa de 170 metros de altura, que cae apico sobre el mar y que dentro de unos 4.700 años se llamará Montjuïc.A la izquierda, hasta donde alcanza la vista, la arena perfila la línea de costa. Hacia el interior, el terreno es ondulado y ascendente y acaba en una cima donde dentro de unos cinco milenios habrá un parque de atracciones. El lugar está rodeado de encinas, pinos y matorrales y habitado por jabalíes, liebres y ciervos, que los hombres cazan con flechas y lanzas por la carne y el cuero. La zona es húmeda, con charcas de agua dulce, y rica en plantas que dan grano y semillas. En un claro se alza una construcción estructurada con grandes troncos y de paredes fabricadas con cañas y ramas: la casa está en lo que hoy es calle Reina Amàlia, 31, futuras señas, cincuenta y cinco siglos después, de una promoción de vivienda social. Frente a ellas habrá una pista de baloncesto con las canastas con las redes de metal. Corazón del Raval. Las paredes del habitáculo están recubiertas por dentro con barro, resecado con el calor del fuego. La cabaña tiene seis metros de largo y forma ovalada. Contiene una parte algo más hundida, donde se guardan vasijas con grano, algunas de ellas de hasta un metro de diámetro, con gran capacidad de almacenaje. Estos barceloneses ya producen stock alimentario. Algunas de ellas tienen dibujos alargados en relieve, en todo el perímetro, y asas de las que atar cuerdas para colgarlas. En otra parte hay lascas de piedra, restos del trabajo de los hombres, que han traído probablemente desde Montjuïcpiezas de sílex o jaspe para sacarles láminas a base de golpes con otras rocas; con ellas fabrican hachas, flechas, cuchillos y punzones con los que horadan las pieles, cortan carne, abren bivalvos o se defienden. Los cuchillos de sílex solían ligarse a pedazos de madera, con cuerdas bien ocon cera. Hay



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también restos de variscita, mineral procedente probablemente de la zona de la actual Gavà. Es posible

balí, vaca, oveja y una columna vertebral y una cabeza de buey y moluscos y os abalorios.

En la periferia de la cabaña hay dos hoyos con un hallazgo excepcional: dos niños, uno de algo más de un

to estuvo tapado con una losa; el otro debía tener unos cinco años. Ambos están

en la propia vivienda, pero no es extraño en aquel momento de la humanidad, de gran mortalidad infantil. tan bien conservados en el Mediterráneo.

a

, sino con arenisca o cuarcita, ños os

stòria unas

muescas o pedazos de cerámica), permite reconstruir un asentamiento

ja con González y Harzbecher, estima que los asentamientos de esta época pudieron ocupar unas cuatro hectáreas del llano barcelonés, no tan lejos de las diez en que se desplegó la Barcino romana.

s-

que hubiera intercambios entre grupos familiares cercanos. En otro lado hay un hogar para cocinar o alumbrarse y alrededor del cual pasan el invierno los habitantes del lugar, que pueden ser unos treinta, una familia amplia; quizás en las cercanías había otra construcción. Por el suelo hay huesos de jasemillas. También se encuentran huesos y conchas con un agujerito: los primitiv

año y medio, tal como dicen sus incipientes dientes superiores, fallecido probablemente por alguna infección, según se desprende de las descalcificaciones de su frente. Está enterrado en un hoyo con cierrevestimiento de piedras y

Hay pocos humanos de esta época

En el exterior hay varios silos de grano, excavados en forma acampanada, que se cubren para evitar lputrefacción y el ataque de roedores y otras bestias. También hay un pequeño lecho de piedras sobre el que se enciende el fuego: ahuyenta los animales, da luz y sirve para cocer la carne o el pescado. No se hace con cualquier rocaque mantienen más el calor cuando cesa el fuego. Esta es la fotografía de la Barcelona de hace 5.500 aatrás, la más antigua de la que existe constancia y de la que una excavación urgente –de los arqueólogJavier González y Karin Harzbecher, de la empresa Arqueociencia, bajo el paraguas del Museu d'Hide Barcelona– está dando excepcionales resultados en unos 200 m2: aparte de haberse documentado 8.000 piezas (un 50 o 60% de ellas habitado en la Barcelona neolítica. El arqueólogo Miquel Molist, de la UAB, que como especialista en este periodo traba

Muy cerca del lugar, en la iglesia de Sant Pau del Camp, aparecieron a mitad de los 90 más de veinte enterramientos, pero sin estructura de vivienda. Esta permite una reconstrucción de cómo vivían aquellos ¿primeros? barceloneses. En todo caso, sugiere que la historia de Barcelona puede más que doblarse (por el inicio), de Barcino hacia atrás.

http://www.lavanguardia.es/cultura/noticias/20090312/53658076278/dos-enterramientos-de-5.500-anoen-el-raval-cuestionan-el-pasado-barcelones.html



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Admiten el mayor fraude académico

El anestesiólogo Scott Reuben confesó que todas sus investigaciones fueron fraguadas Jueves 12 de marzo de 2009 |

NUEVA YORK ( The New York Times ).- En lo que puede considerarse el mayor y más duradero caso de fraude académico, uno de los más prolíficos investigadores en anestesiología admitió que inventó muchos de los datos que sustentaban sus investigaciones, dijo un vocero del hospital en el que trabaja. El investigador, Scott Reuben, un anestesiólogo de Springfield Massachusetts, que trabajaba en el Baystate Medical Center, nunca realizó los estudios clínicos sobre los que escribió para 21 revistas científicas desde 1996, dijo Jane Albert, vocera del Baystate Center. La confiabilidad de docenas de artícutrabajos- de darles a los pacientes fármacos del tipo de la aspirina y medicinas neuropáticas después de lacirugía en lugar de narcóticos está cuestionada. Paul Cirel, abogado del doctor Reuben, dijo que no podía discutir el caso. El gigante de la industria farmacéutica, Pfizer, respaldó mucha de la investigación de Reuben desde 2002estudios hallaron que Celebrex y Lyrica, dos drogas de esa compañía, eran efectivas contra el dolor posoperatorio. "La investigación clínica independiente hace avanzar los tratamientos y mejoran las vidas de los pacientes-dijo Raymond f. Kerins Jr., vocero de Pfizer-. Como parte de esa investigación, descontamos que los investigadores independientes será

los que escribió es incierta y la práctica común -respaldada en sus

a 2007. Muchos de sus

n veraces y estarán motivados por el deseo de mejorar la calidad de

http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1107815

vida de sus pacientes. Es muy desalentador enterarse de las acciones del doctor Reuben." Las compañías farmacológicas frecuentemente contratan a médicos de familia para conducir estudios de medicinas ya aprobadas.



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Murakami: "Escribir me permite encontrar la soledad"


Santiago de Compostela. (EFE).- El escritor japonés Haruki Murakami, que presentó hoy la traducción al gallego de su último libro, afirmó que escribe y corre porque son ejercicios que le permiten encontrar la "soledad".

Murakami, que presentó su nueva obra bajo el título 'Do que estou a falar cado falo de correr', que ha sido traducida ya a numerosas lenguas, indicó con mucho humor e ironía que "no es fácil estar solo cuando llevas 36 años casado" y subrayó:

abandonar un club de jazz

se "libre" cada vez que finaliza una obra, pero a la vez "aburrido", por lo que ene nuevamente ganas de comenzar otra obra. Su anterior obra, la novela 'After dark', figuró como una

http://www.lavanguardia.es/cultura/noticias/20090311/53657889993/murakami-escribir-me-permite-

"por eso corro y escribo". Apuntó que "correr es una tarea que se hace en solitario, igual que escribir, por eso tienen cierta similitud", y señaló que está acostumbrado a la soledad ya que en su infancia no tuvo hermanos. "Llevo veinte años escribiendo, y empecé a correr después de escribir", dijo en la presentación de la traducción de su libro en un céntrico bar de Santiago de Compostela. Recordó que empezó a escribir a los 30 años, después deen su Japón natal, y afirmó que esa nueva tarea fue producto de la inspiración y le resultó "muy fácil". Señaló que acaba de concluir la redacción de un nuevo libro que entregó al editor antes de partir de viaje hacia Europa, y dijo sentirtide los libros más vendidos el pasado año en España.

encontrar-la-soledad-compostela-santiago-europa-japon.html



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Fotografían a la luna del terror de Marte

mentada o regolito, a excepción de los

al Miércoles 11 de marzo de 2009

Deimos tiene una superficie lisa, debido a un manto de roca fragcráteres de impacto más recientes Andrés Eloy Martínez Rojas El Univers

En la mitología gri

hace en el espacio, puRecientemente fotografiada por la navresolución sin precedentes, brindando a los aHiRISE capturó estas imágenes mejoradas enpasado 21 de febrero. Deimos tiene una superficie lisa, debido a uncráteres de impacto más recientes. Es una lfotografía de HiRISE en colores aumentados (infrarrojo, rojoEcerca de cráteres de impacto y de las cordilleras más altas. Estas variaciones de color son probablemente causadas por la exposición de los materiales de la superficie al entorno espacial, lo que provoca su oscurecimiento y enrojecimiento. Una coloración brillante de color rojo se ha visto en la sup

ega, Deimos era uno de los 2 dioses que acompañaban a Marte en las guerras infundiendo terror entre los combatientes, en la realidad Deimos sigue acompañando a Marte, sólo que lo

es es una de las dos diminutas lunas que giran a su alrededor. e de reconocimiento marciano y su cámara HIRISE, con una

strónomos una imagen muy detallada de su superficie. color de Deimos, la menor de las dos lunas de Marte, el

manto de roca fragmentada o regolito, a excepción de los una oscura rojiza, muy similar a Fobos y se muestra en la

, verde y azul). n la imagen se pueden apreciar sutiles variaciones de color rojo en las zonas más tersas y menos rojo

erficie, en desechos menos expuestos al espacio debido a recientes impactos de meteoritos o a la circulación de regolito cuesta abajo.

s

o y características de la más pequeña de las lunas de Marte, con un paisaje casi inalterado por el paso del tiempo, que contrasta con el nombre de la luna del terror de Marte. http://www.eluniversal.com.mx/articulos/52957.html

Con una escala en la imagen de alrededor de 20 metros por píxel, características mayores de 60 metroson posibles de observar. Las imágenes fueron tomadas en un lapso de 5 horas 35 minutos, lo que permitió capturar diversas tonalidades que resaltan el contorn



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España: nació para curar a su hermano

Fue seleccionado genéticamente para poder ser donante de células de cordón umbilical Sábado 14 de marzo de 2009

Andrés, junto a su padre y a su hermano, en brazos de su madre Foto: EFE

MADRID (Reuters).- El primer bebé seleccionado genéticamente en España logró el propósito para el que fue concebido: curar a su hermano mayor, gravemente enfermo por una anemia congénita, según informaron ayer los médicos del hospital sevillano en el que se llevó a cabo el tratamiento.

Andrés, de 7 años, fue dado de alta al considerárselo curado de la beta talasemia mayor que padecía desde que nació, tras haber superado con éxito un tratamiento de cinco semanas en el que se le trasplantaron células madre del cordón umbilical de su hermano Javier.

"En el momento actual, más del 95% de sus glóbulos rojos son de origen del donante y se puede considerar que el niño está ya sano y curado de su enfermedad", dijo en rueda de prensa el jefe de hematología del Hospital Universitario Virgen del Rocío, el doctor Alvaro Urbano.

"Hemos documentado ya que ha aceptado el trasplante. Tenemos la razonable certeza de que va a seguir así durante el resto de su vida", añadió el médico.

La talasemia mayor es la forma más grave de anemia, caracterizada por anomalías en la producción de los glóbulos rojos de la sangre. La disminución del oxígeno en el organismo se manifiesta desde los seis meses de edad y si no se trata generalmente produce la muerte en unos pocos años.

Andrés se vio obligado a vivir siete años con transfusiones de sangre cada tres semanas hasta que en octubre pasado nació Javier, el primer niño nacido en España con un perfil genético idéntico al de su hermano.

Para curarlo, los padres optaron por el diagnóstico genético preimplantatorio (DGP), un procedimiento terapéutico que permite comprobar si el embrión está sano genéticamente antes de transferirlo al útero materno.

Esta técnica la contempla la ley de reproducción humana asistida, aprobada en 2006, y el Sistema Andaluz de Salud (SAS) la ofrece de forma gratuita a las parejas con enfermedades genéticas que puedan pasar a sus hijos.




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su proyecto para crear la red Tim Berners-Lee entregó en marzo de 1989

La web cumple 20 años Fue hasta octubre de 1990 que fue puesto a punto el primer navegador de internet. 2009-03-14•Tendencias

Berners-Lee (tercero de der. a izq.), el creador de la www. Foto: Sebastian Derungs/AFP

Europeo de Física de Partículas (CERN), en Ginebra.La web fue concebida por el informático británico Tim Berners-Lee y sus compañeros del CERN

n cumento titulado

“Gestión de la Información: una propuesta”.Su superior en Ginebra calificó ese proyecto de “vago, pero

1990 lograron la puesta a punto del primer navegador de internet, asombrosamente parecido a a so

para garantizar su desarrollo.Dos años después, la organización renunció a recibir los derechos e

http://impreso.milenio.com/node/8544963

Los fundadores de la World Wide Web (www) celebran este viernes el vigésimo aniversario de su invención en el lugar donde nació, en el Laboratorio

para que los miles de científicos que colaboran en los estudios de la organización pudieran estar en contacto y compartir a distancia los resultados de sus trabajos.En marzo de 1989, Berners-Lee, un joveingeniero programador informático con contrato temporal en el CERN, entregó un do

apasionante” y lo aprobó. “Se palpaba, en el sentido de que antes o después debía llegar”, recuerda el ingeniero belga Robert Caillau, que fue compañero de Berners-Lee.Juntos empezaron a estudiar el lenguaje hipertextual —el que se esconde tras las iniciales “http” de las direcciones de internet— y en octubre delos actuales.“Todo lo que ahora usamos, los blogs, etc., eso era lo que hacíamos en 1990. No hay ningundiferencia. Así es como empezamos”, contó Cailliau a la emisora suiza RSR.Esa nueva tecnología se pua disposición del gran público a partir de 1991, cuando el CERN llegó a la conclusión de que no tenía lacapacidad de autor por esa invención que revolucionó el mundo de las comunicaciones.Las celebraciones por estaniversario esperan la asitencia de Tim Berners-Lee —actualmente investigador en el Massachusetts Institute of Technology (MIT) de Estados Unidos y profesor de la universidad británica de Southampton.

Ginebra/AFP



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'2666', número mágico en EE UU

Los críticos eligen la obra de Bolaño como mejor novela del año pasado

BARBARA CELIS - Nueva York - 14/03/2009

laño, La conquista estadounidense de 2666, el libro póstumo del chileno afincado en España Roberto Boeditado en Estados Unidos hace apenas cuatro meses, fue coronada el jueves con el premio a la mejor novela de ficción de 2008 por el Círculo Nacional de Críticos Literarios de Estados Unidos.

La ficción está monopolizada en los premios por los autores anglosajones

La decisión de esta prestigiosa organización, formada por unos 900 especialistas literarios de las mejorepublicaciones, no sólo es la confirmación del intenso fenómeno de la bolañomanía, iniciado en 2007 cola publicación y éxito comercial de Los detectives salvajes en Estados Unidos. El premio a 2666 es también particularmente simbólico para la literatura hispanoamericana puesto que desde que, hace una década se abrió a la traducción, nunca había conseguido una obra escrita en español el premio a la mejor novela de ficción. Jorge Luis Borges se había alzado con el premio de ensayo en 1999 por una recopilación de ensayos y Mario Vargas Llosa en 1997 por el compendio periodístico Contra viento y marea. Pero la ficción había sido terreno monopolizado por los escritores de lengua inglesa, desde John Updike a E. L Doctorow, con contadas excepciones como el premio al alemán W. G. Sebald por su novela Austerlitz en 2001.

s n

Parece claro que algo está cambiando entre los lectores y los especialistas de Estados Unidos, un país que mbién reconoció a Junot Díaz con el mismo galardón que ahora se ha llevado Bolaño ile, 1953-Barcelona, 2003) y además, con un premio Pulitzer por su libro La maravillosa

cribe en inglés, es un autor de origen dominicano. Nunca los os autores que escriben en español habían recibido tanta

el año pasado taantiago de Ch(S

vida breve de Oscar Wao. Aunque Díaz esestadounidenses de origen hispano como l



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atención en Estados Unidos, como en los pasados dos años. Es muy posible que el fenómeno Bolaño haya o de literatura que en Estados Unidos entra con cuentagotas,

que se publican son traducciones y entre ellos, sólo una ínfima parte

rrar Straus & Giroux, que ha publicado los últimos dos e autor "ha sido acogida con entusiasmo" en su país

"porque es considerada la de una nueva voz internaci mprescindible". Y lo cierto es que las críticas de 2666 no podrían haber sido mejores y tampoco la as han ido mal, ya que el libro ha ocupado durante semanas los primeros puestos de la lista de The New York Times. Según declaró tras anunciarse el premio Marcela Valdés, miembro del Círculo Nacional de Críticos Literarios estadounidenses, 2666 es una novela que muestra "una visión sexy y apocalíptica de la historia y puede situarse junto a Moby Dick (Herman Melville) y Meridiano de sangre (Cormac McCarthy) en su examen mordaz y caleidoscópico del mal". Con su éxito estadounidense, Bolaño se consagra, sin duda, como el autor más celebrado de la literatura hispanoamericana, aunque lamentablemente su prematura muerte a los 50 años le haya impedido descubrirlo.

Entre los premios que entregó el jueves el Círculo Nacional de Críticos en Nueva York destaca también la decisión de compartirlo entre dos autores en la categoría de poesía, algo que nunca había ocurrido en la historia de estos galardones, que carecen de dotación económica pero figuran entre los más respetados del gremio. Uno de ellos fue para el estadounidense de origen mexicano Juan Felipe Herrera por Half of the world in light y otro para el norteamericano August Kleinzahler por Sleeping it off in Rapid City.

http://www.elpais.com/articulo/cultura/2666/numero/magico/EE/UU/elpepucul/20090314elpepicul_3/Tes

contribuido al reconocimiento de un tippuesto que sólo un 3% de los libros procede de autores hispanos.

Para Jonathan Galassi, editor jefe de la editorial Falibros de Bolaño en Estados Unidos, la obra de est

onal is vent



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Los lobos de Cai Guo-Qiang toman el Guggenheim

14/03/2009

La manada de 99 lobos de peluche del artista chino Cai Guo-Qiang han asaltado las salas del Guggenheim Bilbao, en lo que supone un fascinante cruce de caminos entre el arte y la investigación naturalista. Guo-Qiang, uno de los creadores emergentes del mercado internacional del arte y un individuo obsesionado por la cosmología, fue el responsable de las extraordinarias colecciones de fuegos artificiales que abrieron y clausuraron los Juegos Olímpicos de Pekín. Su aterrizaje en Bilbao se produce después de haber pasado por el Guggenheim de Nueva York. Allí montó, como ahora a orillas del Nervión, sus inabarcables instalaciones con lobos, con automóviles o con pólvora. Es la explosión creativa de un artista amante de las estrellas, el fuego... y el Guernica, de Picasso.

http://www.elpais.com/articulo/cultura/lobos/Cai/Guo-Qiang/toman/Guggenheim/elpepucul/20090314elpepicul_8/Tes



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Futurismo ida diaria y prefiguró la era tecnológica

Sábado 14 de marzo de 2009 Schoo

Para LA NACION - Buenos Aires, 2009

A cien años de la revolución cultural que cambió la v

Por Ernesto

Los lectores del matutino parisiense Le Figaro encontraron, en la primera plana de la edición del 20 de febrero de 1909, un texto titulado "Le Futurisme", que asombró a todos y enfureció a muchos. En él, el abogado, poeta y dramaturgo italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) declaraba que un automóvil a toda velocidad, con su motor rugiente y (en el diseño de la época) los caños semejantes a serpientes que brotaban a los costados de su cuerpo de metal, resultaba infinitamente más bello que la

e las vanguardias del siglo XX, que en sus dos rinetti y sus seguidores inundaron

el caso del futurismo consistían en eliminar toda tradición cultural anterior a la Revolución Industrial. El movimiento aspiraba a invadir todas las disciplinas artísticas de la cultura occidental. Marinetti era bien conocido por entonces en París, donde residía habitualmente aunque su domicilio legal estaba en Roma. Se había destacado, precisamente, por su prédica destructiva de la tradición clásica o el remedo de ésta tal como había procurado recrearla -en términos puramente arqueológicos- el fin del siglo XIX. La intención es clara desde sus primeros poemas, reunidos en un volumen titulado Uccidiamo il chiaro di luna (Asesinemos el claro de luna), contra el abuso de los lugares comunes del romanticismo, y de una obra de teatro, contemporánea del Manifiesto, Le Roi Bombole , claramente inspirada en el Ubú Rey , de Alfred Jarry (1873-1907), farsa cruel, estrenada en 1896 con repercusión de escándalo. El discurso futurista se asentó fundamentalmente en la reiteración de algunas palabras clave, provenientes de los avances tecnológicos que desde mediados del siglo XIX transformaron para siempre la vida en el planeta: velocidad, energía, dinamismo. El futurismo fue el primer movimiento pictórico en la historia del arte que exaltó a la lámpara incandescente inventada por Edison. El tumulto urbano, prolongado en la noche gracias a la disponibilidad de una fuente perdurable de luz, el ruido y la furia de los vehículos de motor, la implacable, monótona actividad de los engranajes y las turbinas, el disfrute (y el abuso) de la velocidad sumieron a los futuristas en el éxtasis fetichista de la máquina. En mayo de 1913, en un artículo titulado "La imaginación sin hilos", Marinetti escribe:

Victoria de Samotracia. Era un manifiesto, el primero ddécadas iniciales los prodigó hasta el hartazgo. A partir de él, MaEuropa y el mundo con esas declaraciones de principios, que en



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El futurismo se basa en la completa renovación de la sensibilidad humana, ocurrida como consecuencia no, el

no piensan que estas diversas formas de comunicación, de transporte y de obre su psiquis una influencia decisiva.

Hay otra palabra fundamental en la estética futurista: simultaneidad. El pintor, escultor, crítico y teórico Umberto Boccioni (1882-1916), el más lúcido e intelectual de los seguidores de Marinetti (a quien supera, incluso, en la formulación de algunos principios del movimiento), vivió y trabajó obsesionado por el afán de transportar a la pintura el sentimiento (característico de la modernidad) de ser atravesado por una infinita multiplicidad de sensaciones e impulsos que, como los rayos cósmicos, perforan la supuesta densidad, la solidez de la materia. Coincide este sentimiento, y la angustia del artista por expresarlo mediante colores, o sonidos, o palabras, con el que contemporáneamente, o casi, hostigaba en la literatura a Italo Svevo, a Virginia Woolf, a Proust, a Joyce. Ya el menos impresionista de los impresionistas, Degas, había intentado enfocar el cambio de óptica que la fotografía y luego el cine impusieron a la visión del habitante de la gran ciudad: en El vizconde Lepic y sus hijas en la Plaza de la Concordia , de Degas, tan sólo las cabezas y medio cuerpo de los retratados asoman en el borde inferior del cuadro, ocupado en todo el resto por la extensión del célebre lugar parisiense. No es un antecedente del futurismo, claro, pero sí de una manera nueva de ver el mundo. Quien firma esta nota vio hace años, en una vasta retrospectiva de Degas que le salió al paso en París, primero, y después en Nueva York, una figura de mujer, resuelta en tonos ocre, que parece fundirse dentro del vidrio de la ventana que está detrás de ella. Y bien, esa misma, misteriosa integración de lo vivo y lo aparentemente inerte fue perseguida sin cesar por Boccioni (quien anotaba en su Diario , a fines de 1907: "Quiero pintar lo nuevo, el fruto de nuestra era industrial"), a partir de una de las obras más representativas de su primera época, el Retrato de la señora Massimino , de 1908, donde también la dama que posa ocupa un rincón en un extremo del cuadro, mientras el resto es la vista de una plaza empedrada, donde la gente se agita, a través de una ventana.

on a

y po Tommaso. La irritación tenía sus razones:

sangre,

a nafta es divina. Éxtasis religioso inspirado por

de los grandes descubrimientos científicos. Quienes hoy usan el telégrafo, el teléfono y el gramófotocicleta, el automóvil, el transatlántico, el dirigible, el aeroplano, el tren, la bicicleta, la mo

an diariocinematógrafo, el grinformación ejercen s

Boccioni llevó sus inquietudes también a la escultura, donde propuso la figura que "va y viene, rebota, aparece y desaparece", solicitada por la "vibración universal", y que se presenta simultáneamente en varios momentos y en varias posiciones, vista desde los costados y de atrás, "en una síntesis óptico-mnemónica -dice el crítico Maurizio Calvesi- de puntos de vista y de momentos". Las esculturas de Boccioni parecen hoy hechas de una sustancia plástica (generalmente, eran de madera) que se estuvieraderritiendo ante los ojos del espectador, quien experimenta una sensación ambigua, casi de repulsión: sfiguras fantasmales, parecidas a las fotografías de ectoplasmas que los espiritistas difundían en la mismépoca. Los manifiestos de Marinetti se proponían irritar a los buenos burgueses y también a ilustres eruditos críticos, como Benedetto Croce, enemigo declarado de Filipen su afán iconoclasta, el futurismo proponía (a partir de Nietzsche y su Así habló Zarathustra , de 1883) el advenimiento del Superhombre, criatura despojada de otros sentimientos que no sean los de su propia trascendencia, carente de compasión (una flaqueza del ánimo burgués), encarnación feroz de la hubris (la desmesura) de los griegos. Según Marinetti, "el arte no puede ser sino violencia, crueldad e injusticia" (porque tal sería la vida). Para él, "la guerra es la única higiene capaz de regenerar a la humanidad". El machismo, el desprecio por los débiles, la necesidad de destruir para el renacer de la especie conocen, curiosamente, una raíz que en principio parecería todo lo contrario del furor modernista: la retórica barroca y preciosista de Gabriele D´Annunzio, con sus enfáticas declamaciones sobre la tierra, la el heroísmo bélico, la grandeza imperial, el recuerdo de las gestas romanas. Algo de esteticismo dannunziano perdura en los textos futuristas. No sorprende, entonces, que tanto "el divino" Gabriele como el virulento Marinetti se afiliaran desde temprano al fascismo. Y ya que se mencionó la divinidad atribuida a D´Annunzio, en 1916 Marinetti decía, en un artículo titulado "La nueva religión-moral de la velocidad", en Italia Futurista :

Lugares habitados por lo divino: los trenes, los vagones comedor (comer velozmente). Las estaciones ferroviarias, los puentes y los túneles, las autopistas. Los motores a explosión y los neumáticos son

divinos. Las bicicletas y las motocicletas son divinas. L



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los cien caballos. Alegría de oprimir el acelerador, pedal rugiente de la musical velocidad... Yo rezo cada noche ante mi lámpara eléctrica, porque una velocidad se agita en ella, furiosamente.

dos por lo divino", a la caracterización de "no lugar" atribuida a

De los "lugares habita los aeropuertos ctuales por el pensador francés Marc Augé, se advierte la profunda desilusión sufrida por nuestra cultura ente al inicial prestigio de la máquina. Y es interesante observar que el elenco de maravillas modernas

l

tro de los próceres del futurismo fue Gino Severini (1883-1966), el más francés de los seguidores de l

a los

de la naturaleza". Los cubistas ni se molestaron en contestarle; y, sin duda, hay telas futuristas de sa época que podrían haber firmado, tranquilamente, Picasso o Braque. Quien concretará una genial

o e

ncia

fuera

lo ubica en las antípodas de Proust y, sin embargo, es el más proustiano de los futuristas. Tras una suerte de crisis mística terminó pintando, entre 1924 y 1934, escenas sacras en ig G

afrenumeradas por Marinetti (automóviles, en primer lugar, y luego trenes, aviones, submarinos, etcétera) apenas si figura en la pintura de los mayores representantes del futurismo: Boccioni, Carrà, Severini y Balla. El caso de Carlo Carrà (1881-1966) es elocuente. En sus comienzos se interesó por la transcripción pictórica del movimiento urbano y mecánico. Su Funeral por el anarquista Galli , de 1911, hoy en eMOMA, una escena urbana de gran agitación multitudinaria e intento de simultaneidad, es considerada pieza maestra en la trayectoria del futurismo. Pero el pintor se interesaba más, según el crítico e historiador Maurizio Calvesi, "por los valores plásticos y pictóricos como tales, antes que en las implicaciones simbólico-expresivas". A diferencia del intelectual Boccioni, Carrà era más esencial y simple, inclinado hacia la cultura francesa. Para representar el movimiento, Carrà aplica el principio de choque entre segmentos en tensión y desdobla o reitera algunos contornos o volúmenes, a partir de la persistencia de las imágenes en la retina (base del cinematógrafo). Boccioni pensaba que este procedimiento era ingenuo y limitador de la dinámica, que para él no podía reducirse a un fenómeno puramente óptico. No le interesa esa persistencia de las imágenes en la retina sino (y aquí asoma un personaje a quien los futuristas reverenciaban, el filósofo francés Henri Bergson) la persistencia de los contenidos en la conciencia, eso es, el principio bergsoniano de la durée , la duración, que se realiza en la dimensión de la memoria. Lo concreto es que Carrà terminó por abandonar el futurismo y volvió a la figuración. OMarinetti, como que vivió casi toda su vida y murió en París: se había casado con la hija de Paul Fort, e"príncipe de los poetas" franceses. ...l fue quien puso en contacto por primera vez, en aquella ciudad, futuristas y los cubistas; pero ambas tendencias no simpatizaron, en absoluto, aunque en principio parecían buscar algo semejante. ¿No propone la pintura cubista, acaso, la visión simultánea? Los procedimientos difieren, sin embargo, y bien pronto Boccioni, en 1912, fijará los límites. Ataca a los cubistas, acusándolos de formalistas, cuyo "espíritu de sistema" y el "riguroso control mental" son totalmente opuestos al futurismo: "Se empeñan en pintar lo inmóvil, lo congelado y todos los aspectos estáticosefusión de ambos movimientos será un pintor argentino: Emilio Pettoruti (1892-1971). Denostado y perseguido en la Argentina desde su primera exposición en Buenos Aires (Witcomb, 1924), empieza a ser reconocido hoy en el mercado internacional de las artes como el gran artista que fue y que la crítica italiana consagró, hace muchos años, como figura representativa del futurismo. Severini era tímido, gentil, educado y sobrio. Lejos de cualquier retórica nietzscheana o dannunziana, concuerda en el plano de las ideas con sus colegas, pero, íntimamente, su poética es distinta. Su pintura inicial lo vincula a los puntillistas franceses, con los que nunca pierde contacto; más adelante, el sentiddel arabesco y el desarrollo rítmico de sus formas lo inclinan a reflejar esencialmente movimientos ddanza, como lo acreditan los títulos de muchas de sus obras: Jerogífico dinámico del Bal Tabarin (está en el MOMA neoyorquino) o Ritmo plástico del 14 de julio . Su búsqueda fundamental es la convergede los innumerables estímulos que sin pausa atraviesan la materia: "La materia, considerada en su acción, pierde su integridad [?]. Las formas y los colores abstractos que pintamos pertenecen al Universo, del tiempo y el espacio [?]. Tan sólo el recuerdo de la emoción perdura, y no el de la causa que lo produjo". Esta última declaración

lesias suizas.

iacomo Balla (1871-1958) era mayor que sus colegas y había empezado como retratista mundano, con



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re de ellos

isión, desde arriba y lateral, de un perrito salchicha llevado por su dueña (de la cual se ven la larga falda un pie) con una correa. Para sugerir la ilusión de movimiento, las patas del perro se multiplican hasta

ontribución a la tendencia se dio, antes que en la pintura, en la música. Con su obra como ompositor y su texto teórico El arte de los ruidos , de 1916, sería el precursor del norteamericano John

ión con tografía

tras

ace das,

a europea. Nuestra gran guerra higiénica, que deberá satisfacer todas nuestras aspiraciones

nacionales, centuplica la fuerza innovadora de la raza italiana. El cine futurista, que estamos rá

ancia, l:

nov 3 .

e

l ferido

ropone distraer y divertir al público con efectos de comicidad, de excitación erótica y de estupor imaginativo [...]. Es el único que utiliza hoy al cinematógrafo [...]. Abismos de ridiculez,

sabios impresionistas; luego adhiere al puntillismo y, si bien se une a los futuristas, termina por alejarse hacia 1930. Tal vez su obra más conocida sea Dinamismo de perro con correa , de 1912: es la

vyasemejarlo a un ciempiés canino (Boccioni decía que un caballo al galope no tiene cuatro patas, tiene veinte). Boccioni, Balla, Carrà y Severini son las cuatro figuras fundamentales del futurismo en pintura, acompañadas de algunas, sin duda importantes, pero menores, como Luigi Russolo (1885-1947), cuya mayor ccCage (1912-1992). A primera vista, el arte más propicio a las efusiones futuristas, el más afín a su visión dinámica del mundo, al culto de la velocidad y la búsqueda de la simultaneidad -además de su íntima vinculacla electricidad- sería el cinematógrafo. Por descontado que hay un manifiesto ad hoc , "La cinemafuturista", del 11 de septiembre de 1916, del que vale la pena transcribir los primeros párrafos. Entre orazones, porque ya entonces se vislumbraba un tema muy actual, ligado a las modificaciones tecnológicas. Dice así:

El libro, medio absolutamente pasatista de conservar y comunicar el pensamiento, estaba ya desde hmucho tiempo destinado a desaparecer, lo mismo que las catedrales, las torres, las murallas almena

los museos y el ideal pacifista. El libro, estático compañero de los sedentarios, los inválidos, los nostálgicos y los partidarios de la neutralidad, no puede divertir ni exaltar a las nuevas generaciones futuristas, ebrias de dinamismo revolucionario y belicoso. La conflagración agiliza siempre más a l

sensibilidad

preparando, jocosa deformación del universo, síntesis a-lógica y fugaz de la vida mundial, se convertien la mejor escuela para los muchachos: escuela de alegría, de velocidad, de fuerza, de temeridad y de

heroísmo. Pese al retumbante enunciado de tales propósitos, lo cierto es que poco o nada se hizo de concreto en materia de cine futurista, al menos en Italia, que antes de la Primera Guerra había sido, junto con Frla más importante productora de films en el mundo (además de inventar nada menos que a la mujer fataLyda Borelli, Francesca Bertini, Italia Almirante Manzini y compañía). Se hicieron algunos films curiosos en Rusia, donde la influencia del futurismo pesó sobre todo en la plástica: dos pintores, Larioy Gontcharova, por ejemplo, protagonizaron para una productora moscovita Drama en el Cabaret 1Pero acaso el film más futurista jamás realizado sea Entr´acte (Francia, 1923), la travesura de René Clair, donde aparecen todos los presupuestos del grupo: la simultaneidad, la superposición de imágenes, las máquinas, la velocidad y el gusto del disparate y el azar. Marinetti había escrito:

El cinematógrafo nos ofrece la danza de un objeto que se divide y se recompone sin intervención humana. Nos ofrece también, en retroceso, el envión de un nadador cuyos pies salen del agua y rebotan

violentamente contra el trampolín. Nos ofrece, en fin, la carrera de un hombre a 200 kilómetros por hora. Son otros tantos movimientos de la materia, fuera de las leyes de la naturaleza y, por lo tanto, d

una esencia significativa. Si, en cambio, miramos la propuesta teatral del futurismo, nos parecerá leer algo tan rigurosamente actuaque nuestra noción del tiempo vacila. El manifiesto respectivo se titula "El Teatro de Variedad" (real varieté francés) y apareció en el Daily Mail de Londres, el 2 de noviembre de 1913. Dice así:

El futurismo se p

cascadas de hilaridad [...]. Toda la gama de la estupidez y el absurdo [...]. Caricaturas del dolor y de la



27

nostalgia [...]. Descomposición irónica de todos los prototipos exangües de lo Bello, lo Grande, lo Solemne, lo Religioso, lo Feroz, lo Seductor y lo Espantoso [...]. El Teatro de Variedad es el único qu

utiliza la colaboración del público, que no permanece estático, como un estúpido voyeur , sino que participa rumorosamente de la acción.

¿partes? El grotesco, el absurdo, lo interdisciplinario, el uso de tecnología, y hasta Ionesco y Beckimplícitos en ese manifiesto. Y por cierto que el movimiento Dadá, de principios tan similares, se creó en el Cabaret Voltaire de Zurich tres años después, en 1916. Un activo colaboradoGescenografías para elencos nacionales: en Italia se conserva un boceto para Las traquinianas , de Sófocles, firmado en Buenos Aires, 1930. Bragaglia escribía:

Por razones técnicas y por simpatías estéticas, la escenografía se ha librado, en los últimos años, de la influencia de las artes figurativas, para orientarse una vez más hacia la propia arte mad

arquitectura [...]. La luz,

e

Qué diferencia hay entre esta propuesta y la de cualquier grupo experimental de hoy, aquí y en todas ett están

r del futurismo en teatro estuvo largos años vinculado a la escena porteña: Antón iulio Bragaglia, actor, director, músico y pintor, visitante asiduo del Odeón con su compañía. Hizo

re: la ya no pintada sino verdadera y, además, coloreada, ha vuelto a ser así el alma

de la escenografía como construcción escénica, esto es, como arquitectura.

La a a (1dicSant´ ,

ssimilares: las Torres Petrona, del argentino Cés alasia, y muchos edificios semejantes y

ortentosos (cada vez más altos, cada vez más audaces), en todo el mundo, realizan hoy los sueños del turista italiano.

n

rquitectura tiene, justamente, un representante ilustre en la constelación futurista: Antonio Sant´Eli888-1916), quien soñó "la ciudad moderna, semejante a un inmenso taller: tumultuosa, ágil, móvil, námica en todas sus partes; y la casa moderna, semejante a una máquina gigantesca". La misma

oncepción de su colega suizo, Le Corbusier, para quien la casa debía ser "una máquina de habitar". Elia, prematuramente muerto en la Primera Guerra, diseñó construcciones colosales -rascacielos

fábricas, depósitos, autopistas, puentes-, que sus contemporáneos juzgaron fantásticas e irrealizables, pero í de una belleza extraña y perturbadora. Tan sólo la tecnología actual permite concretar diseños

ar Pelli, en Mpfu Marinetti visitó dos veces la Argentina. La primera en 1926, en pleno apogeo polémico de sus propuestas, habló en Amigos del Arte e hizo una gira triunfal por el interior. Volvió en 1936, para el célebre Congreso del PEN Club, cuando ya no era sino una lamentable caricatura, a fuerza de egolatría y fascismo. Sus colegas del resto del mundo no lo tomaron en serio; él, imperturbable y parlanchín, les ofreció un banquete en el Plaza Hotel, en cuyo menú constaba: "Ensalada de violetas con nafta". Podríaacusarlo de muchas cosas, pero no de infidelidad a sus principios. http://adncultura.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1107289&origen=premium



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El escritor más original de Brasil, país de escritores originales

Fonseca, el narrador del Mal

Tomás Eloy Martínez Para LA NACION Sábado 14 de marzo de 2009

Rubem Fonseca va a cumplir 84 años, y un editor brasileño me cuenta que está en decadencia, que sus libros ya no son lo que eran, como si olvidara que, a los 84 años, todas las luces tienden a declinar. El editor me dice que sus tres últimas obras, Mandrake: la Biblia y el bastón (2005), Ella y otras mujeres (2006)y La novela ha muerto (2007) han recibido sólo unas pocas reseñas de compasión. Sin embargo, sigue siendo leído como el creador más original de una literatura rica en creadores originales, desde los maravillosos Machado de Assis y Mario de Andrade hasta los desconcertantes Clarice Lispector y João Guimarães Rosa.

La biografía de Fonseca es una sucesión de sorpresas: ex policía que aprendió en las calles los laberintos de las intrigas criminales, vive desde hace décadas en el anonimato y el silencio, negándose a las entrevistas y frecuentando sólo a pocos amigos. Uno de ellos es otro recluso famoso, Thomas Pynchon, a quien ni siquiera se le conoce la cara.

Nunca olvidaré la primera vez que lo leí. Sé el día preciso, la hora, la temperatura, la inclinación de la luz en un café de Sabana Grande, durante las últimas semanas de mi exilio en Caracas. Yo estaba sentado a una mesa junto a la acera, esperando a un amigo. Como la espera se hacía larga, crucé a la librería de enfrente en busca de algún texto que me entretuviera. Uno de los vendedores me recomendó un volumen de cuentos que, según él, había leído con el alma en vilo, sin poder dormir.

Así cayó en mis manos Feliz año nuevo , en la traducción española de Pablo del Barco. Apenas entré en la atmósfera trivial de "Paseo nocturno, parte 1", oí batir los parches del infierno, y ya nada fue igual para



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mí. Esas pocas páginas bastaron para que el universo de Fonseca me tatuara el alma con la malignidad de una flor carnívora.

En aquellos tiempos, toda crueldad inútil parecía posible. Las dictaduras militares del sur de América se ensañaban con los disidentes, y en Caracas -tanto como en México, París y Madrid- erraban miles de inmigrantes expulsados por los malos vientos del despotismo. Los sociólogos discutían sobre la construcción social del miedo y asociaban la violencia al poder. Fonseca exploraba esos vínculos e iba más allá, moviéndose en un limbo donde no había conciencia política ni desolación moral, sino la pura y simple condición humana librada a sus incredulidades y a su desolación sin esperanza.

Sus personajes habitaban -y allí están todavía- un mundo anterior a Dios o en el que Dios es innecesario. No hay pecado; no hay culpa; no hay sino un incesante Mal sin conciencia. Si el Mal es una ocupación, un trabajo, una distracción, una llamita que arde porque sí en el desierto de la vida cotidiana. ¿Cuál es, entonces, la trascendencia del Mal?

Fonseca instala el miedo en el interior mismo del lenguaje. Cada una de sus palabras es como una nota musical desgajada de la sinfonía del Mal. Muy pocos han conseguido, como él, crear un personaje con sólo dos o tres rasgos, urdir tramas a las que jamás se les ven las costuras. Cuando el Cobrador de su libro O Cobrador dice: "Digo, dentro de mi cabeza y a veces para afuera, ¡todos me la tienen que pagar! Me deben comida, coños, cobertores, zapatos, casa, coche, reloj, muelas: todo me lo deben", su vida entera cabe en esas líneas. Allí está ya lo que el cobrador ha hecho y lo que hará en los tiempos que siguen. Su sentimiento de lo que el mundo le ha quitado anticipa lo que él quisiera quitarle al mundo: "Me deben escuela, novia, tocadiscos, respeto, sandwich de mortadela en el bar de la rua Vieira Fazenda..." No hay manera de pagar eso. Si el Cobrador acumula una deuda tan cuantiosa es porque algún otro, por ahí, ha de estar viviendo su vida sin que él lo sepa. Si quiere recuperar lo perdido, tendrá que hacerlo paso a paso. No hay que desperdiciar el odio; se repite.

En esa idea parece estar la clave del brevísimo relato titulado "Paseo nocturno, parte 1". Es la misteriosa historia de un padre de familia, piadoso y buen burgués, que sale todas las noches en su automóvil en busca de transeúntes solitarios. Elige calles desiertas, conduce con cuidado, estudia la velocidad y el peso de los inadvertidos caminantes, mira hacia un lado y otro y, de pronto, embiste a la víctima: un golpe seco, certero, devastador. Nunca falla. Regresa a la casa, cena con la familia, reza, se acuesta. Y así, día tras día, como quien va a la oficina. ¿Qué clase de tipo será el que ha imaginado esto?, me dije.

Ningún escritor es más cinematográfico que Fonseca. Las transiciones de una escena a otra se hacen sin dar explicaciones, de manera natural. Además de policía, fue crítico de cine y abogado penalista. Litigó para salvar de la injusticia a mulatos sin dinero y sin dientes. Eso, sin embargo, explica sólo a medias su habilidad para adentrarse en los pliegues de la vida marginal y tomar de allí un lenguaje cuyo sentido va siempre más allá de lo que se dice.

Después de aquel primer cuento, me dediqué con afán a leer todo lo que Fonseca ha escrito, sin que jamás me defraudara. En 1993, cuando le dieron el premio Juan Rulfo en Guadalajara, y aun antes, cuando fue a Lisboa a recibir el premio Camoes, quienes lograron hablar con él me repetían: "Tienes que conocerlo". No quise, porque para atrapar a un autor fugitivo no hay mejor sitio que sus libros.

Que sus historias estén tejidas con violencia y crimen hace pensar en Dashiell Hammett más que en Raymond Chandler, aunque su cínico abogado Mandrake podría parecerse al detective Marlowe si no fuera innoble, corrupto y ajedrecista. Pero Fonseca no se parece a nadie. Su lenguaje cambia de uno a otro relato. No es lo mismo la voz desesperada del luchador en el ring de El desempeño que la voz depredadora de El jorobado y la Venus de Boticelli , así como tampoco hay parecido alguno entre la voz educada de Mandrake y la curiosidad amorosa del narrador de Copromancia , que encuentra el sentido del mundo en la lectura de las heces.



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Todos ellos crean belleza mediante la profanación de la belleza; todos son hijos de un mundo sin Dios, pero si se cruzaran en la calle, no se reconocerían. Los únicos textos que tienen algo en común con los de Fonseca son las crónicas de aficionados que publican los periódicos marginales de las grandes ciudades latinoamericanas. Son fragmentos de realidad desolada y en bruto, el arte mayor de quien ha franqueado la puerta del infierno y ha contemplado con lucidez lo que hay dentro.

Los personajes de Fonseca saben siempre por qué hacen lo que hacen. Sólo el lector se queda afuera, pasmado, no porque el texto deje algo sin explicar o porque la claridad se le haya caído por el camino, sino porque la violencia cruza todos los límites y se pone lejos de su alcance. Es una violencia tan excesiva que lo abarca todo, pero no se ve. Respiramos su atmósfera tóxica y no nos damos cuenta.

En Kafka, los personajes aceptan resignados el absurdo en el que están metidos, porque el absurdo es el eje, la razón de todo. En Fonseca, el lector contempla fascinado un absurdo hecho de omisiones y de silencios que sólo los personajes entienden. Ante cada relato de Fonseca recuerdo siempre los extremos de individualismo y amoralidad que predicó William Faulkner en una entrevista publicada por The Paris Review : "El artista es responsable sólo ante su obra. Si es un buen artista, será completamente despiadado. Tiene un sueño, y ese sueño lo angustia tanto que debe librarse de él. Hasta que no se libra no tiene paz. Arroja todo por la borda: el honor, el orgullo, la decencia, la seguridad, la felicidad, todo, con tal de escribir su libro." Esas palabras son escandalosas, pero no excesivas: en el horizonte de la historia, los hombres terminan por ser su obra antes que ellos mismos.




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La música del ruido Sábado 14 de marzo de 2009 Por Pablo Gianera De la Redacción de LA NACION

"En una de mis visitas a Milán,

Stravinski recurriera en esta

símil orgánico de los ruidos digestivos. Poco de orgánico, y mucho de maquinal, había en las tentativas del pintor y ocasional músico Luigi Russolo, autor hacia 1913 de L´arte dei Rumori , verdadero manifiesto del futurismo musical escrito bajo la forma de una carta a su amigo Balilla Pratella. Desde siempre, los ruidos ocuparon un lugar en la música; lo que los futuristas pretendían era servirse de ellos como materiales en estado bruto. "En la antigüedad, la vida no era más que silencio. El ruido no nació sino en el siglo XIX, con el advenimiento de la máquina. Hoy, el ruido reina supremo sobre la sensibilidad humana", consigna el manifiesto. Se trataba, sin más, de la conquista para la música de la proliferación de la máquina en las restantes dimensiones de la vida. Había, sin embargo, un método: Russolo pretendía poner en una partitura y regular armónica y rítmicamente los ruidos más diversos. Ruidos que el vanguardista separó en seis grupos: estrépitos, truenos, explosiones; silbidos, siseos, resoplidos; murmullos, gorjeos; gritos, chillidos, zumbidos, crujidos; percusiones sobre metal, piedra, madera, porcelana; gritos animales y humanos, ladridos, risas. Este arte del ruido encontró su realización más perfecta en el Intonarumori , una orquesta-máquina destinada a la producción de ruidos. Tiempo después, Russolo construyó asimismo un rumor armonio , instrumento que, además de ruidos, podía producir microintervalos. Sin duda, los experimentos con la autonomía del ruido pueden verse como precursores de la música concreta. Allí, en esa supervivencia vicaria en el concretismo, pervive el gesto musical del futurismo. Las composiciones, en cambio, como pasa con muchas obras de las vanguardias, son ahora ruinas, testimonios inhabitables de unos ratos de gloria.

http://adncultura.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1107683&origen=relacionadas

Marinetti y Russolo, un hombre apacible y genial pero con un pelo y una barba salvajes, y Pratella, un cineasta, me hicieron una demostración de su música futurista. Cinco fonógrafos sobre cinco mesas en un cuarto vacío emitieron sonidos digestivos, estáticas, etc." Es curioso que Igor

descripción, incluida en sus conversaciones con Robert Craft, al



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Rastros de un quiebre cultural

su libro La esquiva huella del futurismo en el Río de la Plata, en el que del movimiento de Marinetti, cuyo manifiesto, traducido por Rubén Darío,

NACION

May Lorenzo Alcalá habla deinvestigó los ecos locales apareció por primera vez en el país en LA Sábado 14 de marzo de 2009 |

Por Hugo Beccacece De la Redacción de LA NACIO Por su profesión de diplomática, Ma profundizar en los hechos históricdestreza, le ha permitido desarrollarlibros de viajes y de novelas como Epasión por el arte y la literatura en unaños 20; Matta y Lam; Norah BoSolar . Ahora está por aparec(Patricia Rmondi (Uni.Nova), una compilación escritora argentina. Las dos obras se suman de un modo muy oportuno a la estela de libros, homenajesexposiciones que ha desencadenado la celebración del centenario futurista. -Mi curiosidad por el futurismo empezó muy temprano, cuando empecé a investigar las vanguardias. Mresultaba extraño que en un país con tanta población italiana o de origen italiano, no hubiera, en apariencia, ninguna huella del futurismo. En mis estudios sobre el tema, di con el poeta italiano Piero Illari, un militante futurista, con una trayectoria de vida muy novelesca. -¿Cuál fue la primera noticia que tuvo de Illari? -Aparece escribiendo en la revista Martín Fierro desde el número 7, pero ya se lo menciona en el 4, donde Girondo publica el manifiesto de Martín Fierro . Illari vino al país en 1924 y algen el círculo de Martín Fierro . Sospecho que esa persona fue el escritor Pedro Juan Vignale, oriundo,como Illari, de Emilia Romagna. Vignale traducía del italiano. Illari publicó varios artículos en Martín Fierro , algunos con motivo de la visita de Filippo Marinetti, y después desapareció. Entonces me fijé en Internet, para ver si encontraba más datos. Di con un profesor de la Universidad de Parma, Paolque en su cátedra de literatura italiana del siglo XX

N

ay Lorenzo Alcalá está acostumbrada a tender puentes entre culturas y os y la vida de las grandes personalidades. Ese hábito, convertido en con coherencia su vocación literaria y de investigadora. Autora de l lugar de la herida y Los veraneantes , Lorenzo Alcalá encauzó su a serie de ensayos: Vanguardia argentina y modernismo brasileño,

rges, la vanguardia enmascarada y La utopía latinoamericana en Xul er en la Argentina La esquiva huella del futurismo en el Río de la Plata

izzo Editores) y casi al mismo tiempo, se publicará en Italia Piero Illari: un futurista tra due de estudios sobre ese poeta de Parma, que incluye dos artículos de la

y

e

uien lo introdujo

o Briganti, enseñaba la poesía de Illari producida en Europa antes

ñol por el s tenían toda la

información sobre Illari que podía hallarse en Italia, pero de lo que le había pasado aquí sólo sabían que había tenido una nieta que vivía en Córdoba. Les propuse a los Briganti hacer la investigación argentina y

de emigrar. Le envié un e-mail y al día siguiente recibí una contestación escrita en perfecto espahijo de Paolo, el hispanista Andrea Brigante. Empezamos una correspondencia. Ello



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ellos coordinaron un libro sobre es dos sobrinas de Illari, Cristina Wargo

e futurista casi olvidado en nuestro país. Encontré, además de la nieta, n y Guigui de Pisauri. Ellas se sorprendieron de mi interés por el

a "futurista" (en realidad, son más bien una o). La última aparición de Illari como personaje dentro del movimiento

futurista se produjo durante la visita de Marinetti de 1936, en ocasión del Congreso del PEN Club. Hay varias fotos suyas en ese acontecimiento. Además Piero escribió el prólogo de la edición argentina y mexicana de Mafarka , la novela de Marinetti. Me costó encontrar un ejemplar de Rovente futurista . Muchos me decían que esa revista nunca había existido y que la mención era una de esas bromas de la gente de Martín Fierro, destinadas a que los lectores siguieran pistas falsas. Por último, hallamos la revista en la Universidad de Yale y hemos hecho reproducciones facsimilares de ese número para distribuirlas. -¿Cuándo se conoció el manifiesto en la Argentina? -En Italia, se lo publicó el 20 de febrero de 1909. Un mes y medio después, el 5 de abril, LA NACION reprodujo un artículo enviado por Rubén Darío desde París, en el que traduce y comenta la proclama de Marinetti. Sin embargo, no tuvo repercusión entre los escritores y artistas. Sólo en las décadas del 20 y del 30, la cultura argentina se mostró más permeable a ese movimiento. -¿Por qué?

ría, cuyos trabajos me sirvieron de hilos conductores: Alberto andiotti, cónsul en Berlín de 1917 a 1924. Él escribió el catálogo de la exposición que hizo Pettoruti en

n te

rchivo de Depero hay cartas e Illari con membrete de la agencia en las que éste le pide dibujos a su amigo.

a el Congreso del Pen Club. urgieron entonces unos futuristas "momentáneos" que publicaron libros de poesía con la impronta

Fingerit, Antena , que apareció en la editorial Tor. n Uruguay, Alfredo Mario Ferreiro tomó la idea del maquinismo para hacer humor y escribió "El

dos

atío. Ignoraban que Piero había tenido una militancia futurista, que yo reconstruyo, de 1924 a 1930. En esos años, él vivió en Buenos Aires, editó la revista Rovente futurista , participó en Martín Fierro y se hizo amigo de Borges. En 1930, se casó y se fue a vivir a Villa Mercedes, en San Luis. Para esa casa,

e sala, que la familia llamdiseñó un juego de comedor y dmezcla de art déco y racionalism

-Debo citar a un colega de la CancilleCla galería Der Sturm en Berlín. Después hizo el libro Pettoruti, futurismo, cubismo, expresionismo . Para él, una de las razones del escaso eco del futurismo en aquella temprana época era que la Argentina, comopaís joven, necesitaba crearse una tradición más que sacudirse el pasado. Marinetti subrayaba la importancia y los beneficios de la guerra, mientras que la Argentina era una tierra de paz, que recibía inmigrantes de todas partes del mundo. En varias cosas, Candiotti tenía razón. En 1909, la Argentina no estaba preparada para escuchar esa proclama de ruptura. Los intelectuales y artistas nacionales se hicieromás sensibles a los aires de renovación en las décadas del 20 y el 30. La huella futurista más persistenestá en el diseño, sobre todo el diseño gráfico. Piero Illari intuyó que ése era el aspecto que más podía interesar en Buenos Aires. Del lapso que estuvo en esta ciudad, hay cartas, por ejemplo, de 1927, que firma como director de una agencia de publicidad, El Heraldo, de estética claramente futurista. Illari fue muy amigo del gran artista Fortunato Depero, líder del movimiento, y en el ad -¿Y qué pasaba en el campo literario? -Marinetti vino dos veces a la Argentina: en 1926 y después, en 1936, parSfuturista. Brandan Caraffa escribió Aviones y MarcosEhombre que se comió un autobús". Pero los futuristas más perseverantes en la otra orilla del Plata sonperuanos: Alberto Hidalgo y Juan Parra del Riego. A los rioplatenses el futurismo nos llegó por España más que por Italia, con la excepción de Pettoruti, que fue amigo de Balla. Las traducciones de los primeros manifiestos y de Mafarka , la novela de Marinetti, se hacen en España y, por pedido de Ramón Gómez de la Serna, Marinetti escribió Proclama futurista a los españoles . -Lo más conocido del movimiento futurista son las obras plásticas y también los objetos creados con esa estética para uso cotidiano. ¿Quiénes son los artistas rioplatenses de los que usted se ocupa? -En la parte consagrada a la plástica, habló por supuesto de Pettoruti, que se vinculó directamente con el movimiento porque vivía en Europa en aquellos años, pero no se asoció a él. Marinetti lo acosaba para



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que se adhiriera, según cuenta el argentino en El pintor ante el espejo . Como mi libro tiene ilustraciones en colores, reprodujimos el mural que Pettoruti hizo para El fogón de los Arrieros en 1960, a partir de un dibujo futurista de 1910. Ahora está en una sala de la gobernación del Chaco. Pettoruti nunca renegó deetapa futurista, por más que después se hiciera cubista sintético. Marcó por otra parte una línea que cruzel Río de la Plata con Rafael Barradas y un artista desconocido, Juan Cruz Mateo. -¿Quién era Mateo? -Un pianista de Gardel, que se fue a vivir a París en el 30. Barradas ya había muerto. Mateo tenía un guitarrista catalán en su conjunto e iba a menudo a Barcelona a tocar. Gardel casi siempre viajaba conorquesta, pero como en una de sus giras estaba solo, contrató a la orquesta de Juan Cruz Mateo para acompañarlo y éste llegó a filmar tres películas en París con el cantante. Mateo también pintaba en suratos libres. Su producción es pequeña: unas 50 obras. Seguía el futurismo vibracionista de Barradahistoria de BarradasPprimero a Francia, pasó por Italia, donde debe de haber tDcuando estalló la Primera Guerra Mundial, se mudó a Barcelona como muchos de los extranjeros que vivían en Francia. El futurismo ya lo había marcado. Cuando Juan Cruz Mateo, muchos años después, fua Barcelona, tiene que haber visto obra de Barradas. En la obra de Mateo está clara la influencia futuristdel uruguayo. Cuando volvió a la Argentina, enfermo de cáncer, a comienhTodos hablaro -Usted se refiere en su libro al papel que cumplió la editorial Tor en la difusión del futurismo. -Ése es un tema curioso porque Tor era una editorial muy popular, que editaba clásicos a precios económicos y no vacilaba en cortar capítulos enteros de Guerra y paz , de Tolstoi, para abaratar costos. Sin embargo, publicó textos de la vanguardia. En 1927, apareció con ese sello un libro de Salas SMarinetti y los fósiles del futurismo , en contra del teórico italiano. Más tarde, Tor publicó Antena de Fingerit y una edición de Mafarka , de Marinetti. Hay dos explicaciones que se cruzan para ese interés imprevisto por el futurismo. El señor Joan Torrendel padre, director de la empresa, nacido en Mallorca, fue íntimo amigo de Gabriel Alomar. Éste fue quien, en verdad, inventó la palabra futurismo en una conferencia de 1904 en el Ateneo Barcelonés, pero la empleó con un contenido filosófico más que programático estético. Es improbable que Marinetti haya sabido algo de esa conferencia, porque nadie prestaba atención a España en ese entonces. Más tarde Alomar publicó el libro El futurismo en catalán . Conviene clarar que Marinetti no plagió nada, lo que pensaba Marinetti no tenía nada que ver con lo de Alomar. Éste hace una reflexión filosófica y política en que ve el futuro desde unmitaliano se peleaba con los franceses, que eItdel Pen y también en el Congreso hubo intervenciones sobre el estado del futurismo, que era muy decadente. A esa altura, Marinetti se dedicaba a promover su libro La cocina futurista . Hago algunas aclaraciones al final, en el epílogo. Seguramente me van a decir que no he mencionadmuchos futuristas, pero a mí me interesaba investigar temas sobre los que no había nada y abrir caminos posibles de investigación. Un profesor de arquitectura de Mar del Plata me decía que los constructores italianos recibían desde Italia revistas especializadas. Habría que ver hasta qué punto la arquitecturfuturista de D´Elia no influyó en estos constructores, que no tenían idea de lo que era el futurismo pero que veían que eso estaba de moda. En ese sentido, creo que mi libro abre camse

la a

su

s s. La

es interesante. La primera vez que fue a Europa, en la década del 10, quería llegar a arís, pero como viajaba acompañado por un amigo tenor que iba a la Scala de Milán, en vez de dirigirse

omado el primer contacto con el futurismo. espués se fue a París y allí descubrió el futurismo francés. De seguro vio las obras de los Delaunay y,

e a

zos de la década del 40, Mateo izo una sola muestra con toda su producción y la comentaron, entre otros, Córdoba Iturburu y Payró.

n del "heredero del futurismo".

ubirat,

le

punto de vista ecanicista. Mi libro se cierra con la última visita de Marinetti en 1936. En el congreso del Pen, el

ran demócratas y liberales. Hizo una promoción de la guerra de alia en Abisinia. Había estado en el frente y dio varias conferencias sobre el tema. Fuera del Congreso

o a

a

inos en los que se puede guir trabajando.

http://adncultura.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1107281&origen=relacionadas



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La identidad de Rebecca Miller

Patricia Tubella 14/03/2009

Escritora, pintora y cineasta, la hija del dramaturgo estadounidense y de la fotógrafa Inge Morath vuelve a la literatura con Las vidas privadas de Pippa Lee. El libro coincide con su adaptación al cine y la edición de los últimos relatos de su padre.

La reivindicación de la propia identidad empapa la primera novela de Rebecca Miller, Las vidas privadade Pippa Lee, conmovedora historia de una mujer marcada por los lazos familiares que acaba refugiándose a la sombra de un marido brillante. Que la creadora de ese personaje diluido entre fuertes personalidades sea la hija del inmenso dramaturgo Arthur Miller, casada además con el doblemente oscarizado actor Daniel Day-Lewis, quizá invite a establecer incómodos paralelismos que ella intenta conjurar con su trabajo. Pintora, actriz, autora de relatos cortos, guionista y cineasta, su perfil resulta todavía poco conocido para el gran público, pero con Las vidas privadas de Pippa Lee, confirma el desembarco en la lit

s

eratura de una voz tan sensible como original.

"Una de las mejores cosas que aprendí de los míos es el lema de levantarse cada mañana y volcarte en tu trabajo"



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"Cuando acabé el primer borrador del libro, me quedé con la sensación de que no todo estaba dicho", señala sobre su película

do una cálida acogida al retrato agridulce de esa protagonista dividida contra ella misma, ?el icono de la esposa del artista?, inteligente, atractiva y sobre todo entregada, cuyo verdadero yo lucha por emerger desde el acomodado universo de su matrimonio. Pippa tiene 50 años cuando accede a retirarse junto a su marido, un legendario editor que le lleva tres décadas, a una de esas disneylandias para jubilados americanos apodada irónicamente Wrinkle Village (la ciudad de las arrugas). La descripción del exquisito círculo que la pareja acaba de dejar atrás, la comunidad artística y literaria neoyorquina, nos retrotrae a la experiencia de la propia autora en un hogar bohemio y creativo, frecuentado por la crema de la intelectualidad de la época. Brillantes personajes que arropaban a sus progenitores, Arthur Miller y la fotógrafa austriaca Inge Morath, poblaron su niñez y adolescencia, ?aunque entonces yo no era consciente de ello?.

Rebecca Miller vino al mundo en septiembre de 1962, un mes después de la muerte de Marylin Monroe, que fuera la segunda esposa de su padre. El dramaturgo todavía estaba casado con la frágil estrella cuando conoció a Morath durante el rodaje de Vidas rebeldes (1961), la última película que protagonizara Monroe. Ambos se divorciaban en vísperas del estreno, y al año y medio Miller anunciaba su matrimonio con la fotógrafa de la agencia Magnum, su compañera de las siguientes cuatro décadas. Los primeros seis años de la infancia de Rebecca tuvieron como inusual domicilio la suite 614 del hotel Chelsea, mítico establecimiento de Manhattan que ha contado entre sus inquilinos con Norman Mailer, Lou Reed y Bob Dylan. Un lugar que, en palabras de Arthur Miller, ?no tenía aspiradoras, ni reglas, ni gusto, ni vergüenza: era una fiesta de nunca acabar?.

En la madurez de sus progenitores (el escritor tenía casi 47 años cuando nació Rebecca) la familia se trasladaba a una granja de Connecticut, donde la hija desarrolló una temprana vocación por las artes en la que siempre se sintió apoyada por su entorno: ?Una de las mejores cosas que aprendí de los míos es el lema de levantarse cada mañana y volcarte en tu trabajo, el estar siempre automotivada?. Asegura que no le intimidaba mostrar a Arthur Miller sus primeros escritos de juventud, en busca ?del juicio y apoyo de mi padre?, y no del gran autor de piezas clásicas como La muerte de un viajante o Panorama desde el puente. No se atrevió, sin embargo, a exponer su trabajo al escrutinio del público hasta varios años después, cuando ya estaba casada y había formado una familia. Inquirida sobre esa vacilación, acaba admitiendo como ?una de las razones? el temor de entonces a las comparaciones con la figura de su padre. ?Me lancé cuando había vivido más, me sentía madura y había encontrado mi propia identidad?, esgrime.

Siete años después de publicar el libro de relatos cor Velocidad personal (2001), Miller se estrenaba en la novela con Las vidas privadas de Pippa Lee. La Pippa del título ha enterrado en su plácida vida

po

atrás. La pluma de Miller articula la narración superponiendo las múltiples vidas de la protagonista, al

de la or la

revista Vanity Fair hace tres años: en noviembre de 1966, Inge Morath daba luz a un niño, Daniel,

casi ser ya octogenario. El hombre que exploró e s la culpa y la moralidad en el seno de la familia sólo pudo aceptar a su hijo en los últimos diez años de su vida. Rebecca Miller siempre se ha

La crítica anglosajona ha brinda

tos

burguesa un pasado doloroso y salvaje, pero esa identidad pugna por aflorar desde el subconsciente. La esposa impecable se transforma por las noches en una sonámbula que asalta la cocina para volcarse enexcesos bulímicos o encadenar cigarrillos, aunque en el mundo consciente dejara de fumar largo tiem

modo de las muñecas rusas, en un relato que cobra especial veracidad cuando es escrito en primera persona.

La autora dice que no se ha inspirado en ningún personaje real en concreto (ni ella ni su madre, dice, vieron condicionado su trabajo por el matrimonio y la maternidad) y que concibió el libro como ?un estudio sobre la identidad, del que no te cansarías nunca, porque todo el mundo tiene sus secretos?. Secretos como el que marca su propia biografía. Rebecca Miller fue criada como hija única, a pesar existencia de un hermano que la familia mantuvo semioculto. Ese capítulo era desvelado al detalle p

afectado con el síndrome de Down. El bebé tenía sólo una semana cuando fue entregado a un centro de Nueva York. Morath visitaba a su hijo casi cada domingo, pero Arthur Miller rechazó todo contacto hasta

n sus obra



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nmuerto?.

o l

ctores. rie

n encarnó a la Anya de Chéjov en El jardín de los cerezos. Seguía pintando y escribiendo, mientras acariciaba la ambición de filmarlas ella misma. Miller

ta

La obra literaria y cinematográfica de Rebecca Miller vuelven a fundirse en Las vidas privadas de Pippa

a

, páginas. 18 euros. La película sobre la novela se estrenará en España este otoño.

egado a abordar la cuestión: ?La única persona que podría contestar a las preguntas es mi padre, y está

A lo largo de la entrevista, se muestra muy reacia a trazar el retrato íntimo del gran hombre. Su propia vocación artística, subraya, bebió a partes iguales de la producción escrita de Arthur Miller y del universvisual de su madre. El maridaje de ambas influencias acabó orientando su carrera hacia la literatura y ecine, después de ?un largo proceso exploratorio? que arrancaba en las artes plásticas. ?Empecé a pintar muy joven, a los 16 años, pero pronto tuve claro que lo que me interesaba era la dirección cinematográfica?. Su red de contactos familiares en Nueva York condujeron a la entonces veinteañera ?alta, dotada de facciones renacentistas y unos intensos ojos azules? hasta un famoso agente de a?Deberías estar en las películas?, le espetó el personaje antes de conseguirle su primer papel en una sede televisión. Su nueva faceta le permitió trabajar en 1988 con el director teatral Peter Brook (?le gustaban los actores no profesionales?), para quie

pasa de puntillas por su experiencia en la gran pantalla, aunque fuera junto a estrellas como Harrison Forden A propósito de Henry y Kevin Spacey en Dobles parejas. Una experiencia que sólo consideraba aprendizaje y puente para dar el salto a la dirección de sus propios guiones. Su estreno como cineasllegaba con Angela (1995), a cuya discreta acogida siguió el premio del jurado de Velocidad personal: tres historias en Sundance (2002). Eligió como protagonista de La balada de Jack y Rose (2005) al actor británico Daniel Day-Lewis, a la sazón su marido. Ambos comparten vida y dos hijos, a caballo entre la campiña de Irlanda y Nueva York, desde que se conocieran hace trece años durante el rodaje de El crisol,cinta inspirada en la obra de Arthur Miller Las brujas de Salem. Fue él quien les presentó.

Lee, cuya traslación al celuloide presentaba en el reciente festival de cine de Berlín. ?Cuando acabé elprimer borrador del libro, me quedé con la sensación de que no todo estaba dicho y sentí la curiosidad de explorar el personaje en una dimensión diferente?, señala sobre un filme que cuenta en el reparto con Robin Wright Penn y Keanu Reeves. Encerrada en su retiro irlandés del condado de Wicklow, trabaja en su segunda novela mientras se prepara para los viajes de promoción de la cinta. Está acostumbrada a desfilar por la alfombra roja colgada del brazo de su marido, ese circo del estrellato al que siempre se hdeclarado alérgica. Por mucho que busque el reconocimiento, desmarcada de la sombra de su padre, la hija de Arthur Miller asegura que el brillo de los focos sigue sin ser para ella.

Las vidas privadas de Pippa Lee. Rebecca Miller. Traducción de Cecilia Ceriani. Anagrama. Barcelona2009. 304

http://www.elpais.com/articulo/semana/identidad/Rebecca/Miller/elpepuculbab/20090314elpbabese_3/Tes



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Partidario del diablo

Fernando Castanedo 14/03/2009

Según una antigua teoría, toda la literatura inglesa desde el siglo XVIII descendía de dos autores. Uno era Miguel de Cervantes, quien con el Quijote se convirtió en padre de la sátira y la parodia anglosajonas y de la literatura popular escrita en el estilo humilde (empezando por Swift, Defoe, Fielding...). El otro era John Milton, que con El paraíso perdido apadrinó la poesía grave, tanto épica como lírica, escrita en el estilo sublime (desde Gray, Thompson, Young...). Teniendo en cuenta su grado de generalidad, la antigua teoría sigue pareciendo razonable. Casi tan razonable y antigua como el mismo Milton, cuya vida y obra celebran estos días los ingleses con motivo de su cuarto centenario.Aparte de algunos poemas en inglés y en latín, la trayectoria literaria del poeta empezó con una conmovedora elegía, Lycidas, dedicada a su compañero de Cambridge Edward King, que había muerto en un naufragio. De paso que lloraba al amigo, aprovechó para atacar a la jerarquía eclesiástica y para recordar la amenaza que suponía el catolicismo para los puritanos como él. Durante un viaje de estudios por Europa visitó a Galileo, confinado en su casa por defender los movimientos celestes, y cuando volvió a Inglaterra se encontró un país convulso al que le quedaban pocos años para convertirse en el primer Estado en ajusticiar a su rey. Escribió panfletos a favor del regicidio y del divorcio, y cuando intentaron censurarle contraatacó con Areopagitica, uno de los textos fundacionales sobre la libertad de prensa.

Durante los años de la Revolución Inglesa se convirtió en funcionario de la nueva república, y cuando los reyes volvieron al trono de Inglaterra logró salvar la vida -no así la vista, pues se había quedado ciego en 1652-. El prestigio y las amistades lograron que todo quedara en una fugaz visita a la cárcel. Después

las, que cuando faltaba dinero vendían los libros del escritor, les debemos nosotros y la historia de la literatura que tomaran al dictado los más de diez mil versos de El paraíso perdido.Siguiendo la recomendación de abordar asuntos ya tratados por otros poetas, Milton reelaboró en esta obra el primer cuento del primer libro de nuestra cultura, la historia de Adán y Eva en el Génesis. Aunque su propósito era justificar ante los hombres "las sendas del Señor", la grandeza del poema se debe no tanto a los argumentos teológicos como a la creación del personaje de Satán. Porque con él modeló a un seductor elocuente que, tras verse abismado desde las alturas, recordaba a sus huestes que la mente puede hacer "del infierno un cielo, y del cielo, un infierno"; porque inventó un héroe que se venga de Dios provocando la expulsión de Adán del paraíso, y porque convirtió a un perdedor soberbio y rastrero, que hasta la fecha había ocupado un papel secundario, en protagonista. Los románticos, tan amigos del demonio, idolatraron a este poeta que ahora cumple cuatrocientos años. William Blake dijo que "si escribió con trabas sobre Dios y los ángeles y con libertad absoluta sobre Satán es porque fue un verdadero poeta y, aunque no se diese cuenta, partidario del diablo". -

El paraíso perdido. John Milton. Traducción de Esteban Pujals. Espasa Calpe. Madrid, 2009. 402 páginas. 24,90 euros.

http://www.elpais.com/articulo/semana/Partidario/diablo/elpepuculbab/20090314elpbabese_1/Tes

llevó una vida retirada bajo el cuidado de sus esposas -en total llegó a casarse tres veces- y sus hijas, que se quejaban de un padre tiránico y cicatero que les obligaba a leerle en lenguas que no comprendían. A el



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Amélie Nothomb l amor es la búsqueda de la identidad"

ón y escribe en francés. Su nueva novela, Ni de Eva ni de Adán

(Anagrama), narra la relación amorosa entre un japonés y una belga. Aquí, habla del libro, de sus

"Una de las claves de

Hija de diplomáticos, nació en Jap

problemas con la comida y de su éxito Sábado 14 de marzo de 2009 | Por Jesús Ruiz Mantilla

Nació en Japón, pero cuando probó el chocolate supo que era belga. A nadie puede extrañar que, después

y

. de

Relatos redactados a mano y escritos previamente en su cerebro, como dice ella, durante alguna noche de n

; en la otra, guerra", comenta Amélie en la penumbra de su despacho en la sede de la editorial Albin Michel, al lado del cementerio parisiense de Montparnasse. Un despacho estrecho y

de haber crecido dando tumbos como hija de padre diplomático entre Nueva York, Laos, Birmania, China o Bangladesh, acabara escribiendo sobre un tema tan crucial como difícil de resolver en nuestros días: la frontera. "Todos mis libros tratan de eso. De las fronteras", cuenta Amélie Nothomb. Quizás esa maraña cosmopolita tejida en su obra sea la clave del éxito global del que disfruta. Las fronteras exteriores e interiores. Otras cosas también. Asuntos serios como su obsesión por la identidad, a la vez otros rasgos más livianos, pero no menos determinantes. Una frescura. Un descaro. Un estilo directo y mordaz. Entre irónico y nihilista, siempre rápido, brillante, sorprendente, sujeto a una extraña compulsión que la lleva a escribir a veces más de tres historias al año, aunque sólo publique una. "Acabo de terminar mi libro número 65", dice, abriendo los ojos, un tanto ajena a la melena morena, que combina con sus atuendos negros, coherente con su imagen algo neogótica. Lo ha pulido en su horario espartanoDe cuatro a ocho de la mañana, como una especie de vampiresa de la literatura que después de beberse golpe un litro de té chupa tinta antes de que salga el sol. Cuando la jornada del resto del mundo comienza, el trabajo de Amélie Nothomb termina. Y así va apilando cuadernos. Unos que han visto la luz, como Estupor y temblores , Metafísica de los tubos , Antichrista , Biografía del hambre o, ahora, Ni de Eva ni de Adán (Anagrama), y otros que guarda para símisma.

insomnio o en los trayectos de subte, bajo las calles de París y Bruselas, entre las que vive a caballo. "Euna busco tranquilidad



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pequeñito donde se apilan cajas, cartas y cuadernos en blanco que le envían sus lectores para alentarla a escribir más y más. No lo necesita. Le sale del alma. -Sorprende que haya escrito un libro de amor. - Sí. Qué raro, ¿no? -Aunque también trata sobre malentendidos. Errores de traducción que marcan. -Sí, creo que cada historia de amor es un malentendido. Y cuando se trata de una historia entre personas de diferentes culturas, el malentendido todavía es peor. Pero es más honesto. Porque lo sabes desde el principio. Entre un chico japonés y una belga, se da por supuesto que existe esa barrera. No lo descubres. Lo sabes. -Cuando habla de una belga, ¿se refiere a usted? ¿De dónde se siente? Se lo pregunto porque no sabemos muy bien de dónde es Amélie Nothomb. -Después de muchos años, creo que soy belga. ¿Qué significa ser belga? Pues no ser de ningún sitio, no tener una identidad clara, definida. Al menos me he dado cuenta de que no soy japonesa, algo que no tenía claro antes de que me pasara lo que cuento en este libro. -Entiendo. Al regresar a Japón, con poco más de 20 años, usted se sentía japonesa. Pero cuando vuelve a irse, sabía que no lo era. -Me di cuenta. Podía creerlo. Pero ahora incluso sé que yo era entonces ya belga, aunque no fuera consciente, porque mi identidad era algo muy vago, y eso es completamente belga. Me da la sensación de que es algo que no ocurre con los españoles o los franceses. -Es que, al tiempo que Ni de Eva ni de Adán trata sobre el amor, también trata sobre la identidad. -Como todos mis libros. Yo escribo sobre la identidad. Una de las claves del amor es la búsqueda de la identidad. De la identidad propia y la de la persona que amas. Nunca encuentras la identidad de nadie si no lo conoces a fondo, y la mejor manera de conocer a alguien profundamente es mediante el amor. -Hay algo que puede parecer extraño. La mezcla del amor con el sentimiento de los samuráis. -Es que, en el mundo de los samuráis, el amor es un asunto crucial. -¿Así que amar supone también ir a la guerra? -Puede ser muchas cosas. Pero al leer el código samurái del siglo XVII, te das cuenta de que trata sobre el amor. Deben amarse entre ellos, aunque no decirlo nunca; eso sería obsceno. También debes amar a quien matas. Mira que son raros los japoneses, por eso me fascinan tanto. En mi caso, cuando Rinri [el protagonista de la novela, junto a la propia Nothomb] me dice que le dé el abrazo del samurái, creo que eso es lo que convierte esta historia en algo diferente. Una historia bella. -Y verdadera. ¿Completamente autobiográfica? -Ciento por ciento. -¿Se va desnudando ante sus lectores poco a poco? -En este libro se cuentan tantas cosas como se callan. Hay autores que se desnudan mucho más. Yo creo que hay límites y nunca los traspaso. -Así que vamos descubriendo a Amélie poco a poco. ¿Y ella? ¿También se va descubriendo



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mientras escribe?

e no lo escribes. Suscribo esta frase. A

nómenos sociales que nos rodean. ¿Cuándo sufre más?

No quiero decir con eso que sea doloroso. Me refiero a que es intenso. Pero me gusta así. Si fuera sencillo, fácil, no lo disfrutaría. -¿Y para hacerlo más difícil de lo que es se levanta usted a las cuatro de la mañana para escribir? -Eso cuesta, sobre todo en invierno. No es que necesite endurecerlo más, pero lo que no es difícil no merece la pena. Como el amor. Cuando es fácil, aburre. -Además, escribe más de lo que publica. Me interesa lo que tiene guardado bajo llave. ¿Qué es? -Son historias como las demás. Simplemente, no tengo ganas de compartirlas. Como pasa con algunos hijos, no quieres compartirlos con todo el mundo, pero eso no significa que no los quieras. -¿Cuántos ha parido hasta la fecha? -Llevo 65 y he publicado unos 17 o así. No sé, me confundo. -La patria de un escritor es la lengua. Así que usted también es francesa. ¿Le gusta? Además es el país donde tiene más éxito. -Cierto. Gracias a ese éxito, Francia es también mi hogar. Más dedicándome a la literatura. En Bélgica no es gran cosa. Pero en Francia... ya sabe. La literatura. La escritora. Es como ser un Dios.

La sospecha de que era usted belga empezó quizá con su adicción al chocolate?

irme belga. Lo explico en Metafísica de los buela

or entonces vivían en Bangladesh. ¿Fue una cosa de principios?

or supuesto. Como decía Virginia Woolf, nada ocurre hasta qu-P

veces me sorprendo a mí misma en lo que sale sobre el papel. ¡Dios mío! ¿Ésta soy yo? Las palabras son el espejo.

icas y de fe-Escribe historias autobiográf -Depende. Es difícil escribir.

-¿ -Más o menos. Pero también cuando estaba fuera de Bélgica. Cuando vivía en Japón y en Francia. Ya se sabe que es el otro quien nos revela la verdad. En Francia me he dado mucha cuenta de eso. Tan cerca y tan diferente. -¿Cómo son los franceses? -Se pelean siempre por tener razón. Eso me da mucho miedo. Muchas veces, cuando estoy en una cena y todos discuten por imponer su opinión, me entra angustia al comprobar que no tengo ninguna. También son muy intelectuales. En Bélgica no somos así, como los franceses, que opinan tantas cosas al mismo tiempo. Los debates se endurecen siempre con el tema de la comida. -Ah, no me ha respondido lo del chocolate. -Bueno, sí. El chocolate tuvo mucho que ver en lo de senttubos . Antes de probar el chocolate era un monstruo que sólo gritaba y lloraba. Hasta que vino mi ay me lo puso en la boca. Ésa fue la clave. El nexo que me unía con los belgas. -Después tuvo sus problemas con la comida. Su hermana también. Decidieron juntas dejar de comer. P -No soy psicóloga y no tengo una explicación. Pero el hecho de que viviéramos allí sin duda influía. También estábamos en pleno inicio de la adolescencia.



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-Despegándose de un cuerpo para entrar en otro. -Pestábamos muy unidas. Pensábamos que el hecho dd -¿ -N -¿Cuánto les costó recuperarse? -La anorexia eeEstuve a punto de morir. Llegué a un extremo en que caía o salía. Me salvé por completo y ahora sientoplacer comiendo. Para mi hermana ha sido más largo u -Para alguien anoréxico, ¿qué significa la idea de comer? -Eque me salvó la escritura e irme a Japón. Cuando regresé allí después de haberme ido a los cinco años y pisé suelo japonés, me sentí feliz. Me -Entonces, Japón y la literatura la salvaron. -Sí, sí. De todas formas, por supuesto, no recomiendo a nadie chaberla padecido. Puede que sí. Pero sería una escritora completamente distinta y otra persona también. D -¿Qué, por ejemplo? -Pal lado si no deseas comer. Yo no soy una persona solitaria, pero eso lo sientes. -La escritura también le llegó en plena adolescencia. -A los 17 años. En Europa me sentía muy mal. Y nofupobres, en la clara. Se produjo una revolución. Los pobres tomaron la yema y el huevo explotó convirtiéndose en una enorme tortilla que se perdió durante años por el espacio. -Una metáfora más que apropiada para lo que está ocurriendo hoy. ¿Y dónde meteríamos a Obama? ¿En la yema o en la clara? -En la clara, sin duda. -¿Y a Sarkozy, en la -Hombre, claro. Es tan vulgar... Como belga no deberíagesperanza. No será el paraíso, pero algo va a cambiar para mejor, sin duda. Irak, la economía. -¿mezclas?

erdiendo nuestro cuerpo. También fue algo que tuvo que ver con nuestro amor mutuo. Mi hermana y yo e crecer nos separaría. Al crecer te alejas, y no lo

eseábamos. Sellamos una especie de pacto no escrito.

Conscientemente?

o. No sabíamos lo que hacíamos.

n sí, en mi caso, unos dos años y medio. Pero hay secuelas que duraron nueve más. Es una nfermedad muy larga, no hay que aterrorizarse, pero dura mucho. A mí me afectó una barbaridad.

porque no fue tan traumático y puedes convivir con

na anorexia leve toda la vida, comiendo muy poco.

s sencillamente el infierno. Una tortura. Te sientes culpable, comer es el mal absoluto. En mi caso, creo

encontré tan bien?

que caiga en ello. Es algo durísimo. Pero, omo de todo hay que aprender, a mí la enfermedad me enseñó algo. No sé si hoy sería escritora sin

escubrí muchas cosas con la anorexia.

or ejemplo, el hecho de comer como una cuestión social. Cuando no comes, estás solo. Nadie te quiere

escribía sobre mí. Recuerdo mi primer relato. En el turo, el mundo se había convertido en un huevo gigante. En la yema estaban los poderosos, y los

yema?

criticarlo mucho. Llevamos dos años casi sin obierno. Pero es mejor no tener gobierno que soportar a Sarkozy. Obama, en cambio, me llena de

Qué es el éxito? Usted que lo tiene, ¿a qué cree que se debe? ¿A que va al grano? ¿A sus extrañas



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-Neso con respecto los trabajos que admiro de otros escritores. Sé que me gustan y me alcanza. -¿Qué le ap -¡Todo! Todo lo que tiene que ver con el género humano. Porque nuestras relaciones pueden ser c -Lo gracioso de que ahora nos venga con una novelad -Nsiempre trato de encontrar fronteras. Fronteras entre seres humanos. Para evitar las guerras, encontremla frontera correcta. Si no eres consciente de que esas fronp -¿ -Uff. ¡Hay tantos a los que admiro! Desde Capote hasta Simenon o Marguerite Yourcenar, aM -¿ -C -Escribir, leer, vivir, sufrir, di -No me da miedo el sufrimiento, pero no disfruto con ello. Lo importante son las emociones fuertes. El amor, el desamor. El miedo... -Hay elementos que también la ayudan a desahogarse en sus novelas. Son marcas dla -El caso de la música supone una búsqueda constante. Entrar en otro territorio de sentimiento, sensación. Radiohead es un claro eqlímites de la mente. © El País S. L. ADNNothomb E Apublicado en 1992. La experiencia propia es clave en su literatura. Pero también cierta agudeza para retratar las enfermedades de la sociedad contemporánea en libros como Ácido sulfúrico, Cosmética del enemigo o Diario de Golondrina . Su infancia viajera, la anorexia y su manera ee

o lo sé. Es un misterio. No tengo ni idea. No sé si mis obras son buenas o malas. Tampoco me planteo

etece seguir explorando?

atastróficas o maravillosas.

de amor es que parecía algo que usted espreciaba.

o lo he despreciado. Puede ser algo horrible, pero al mismo tiempo es maravilloso. En mis libros os

teras van a aparecer, vas mal. Debes encontrarla ronto para evitar conflictos. No es tan fácil.

A quién admira?

los japoneses ishima, Murakami?

Lee con la misma pasión con que escribe?

on la misma. Yo busco ese equilibrio. Necesito tanto una cosa como la otra. Pero también la vida.

sfrutar, ¿todo a la vez? ¿Es ése el alimento de la literatura?

e la casa, como comida o la música. Entre Bach y Radiohead no se ha dejado a nadie en medio.

jemplo de cosas inexploradas por el lenguaje en los que su música penetra mejor ue tú. Otra frontera. Del cerebro. Un más allá. La música es una forma estupenda para explorar los

xperiencia y disciplina

mélie Nothomb (Kobe, Japón, 1967) alcanzó el éxito con su primer libro, Higiene del asesino ,

ntre inquietante y sencial de abordar sus novelas la han convertido en una autora reverenciada entre sus lectores.

http://adncultura.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1107274&origen=premium



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El placer de dibujar con lápiz y pincel

ÁLVARO PONS 14/03/2009

Paco Roca, premio Naciprepara Emotional Tour

Socupación casi monacal, que obliga al auacompañado de su lápiz y papel. Un retrato que en estos tiempos de photoshops, internetes, ratones y tabletas gráficas es más una foto del pasado jubilada por la realidad: los jóvenes creadores de historietas se lanzan hgrandes ventajas otorgadas por el uso de las ccoleccionistas de originales que tendrán que conformarse en el futuro con un misérrimo disco o, peor, con un intangible correo eque Paco Roca (Valencia, 1969, whaciendo callo en el dedo y manchándose de tinta con el pincel. Lo hace en su casa, en un pequeño y luminoso recodo del salón de una antigua finca baja, de esas pocas que sobarrio de Jesús, aun cuaeserá el Parque Central de Valencia. Sobre la mesa, sólo un tablero inclinado sobre el que aEl ordenador está, sí, pero sin molestar mcolor y, sobre todo, para buscar documentación gráfica". Las cosas de lo digital, que sustituye a las hilerade libros que llenan sus estanterías: "Antes compraba un libro sólo por ver cómo era el traje de un soldado, ahora lo busco en Internet". Dibuja en casa porque una cosa es el trabajo y otra los cómdesgracia, de las historietas no se come en este país por muchos premios nacionaltrdibujar por el placer de dibujar, en la tranquilidad de su hogar. Quizá por eso los tebeos de Paco Rotienen siempre una impronta personal inb

Epróximo trabajo, Emotional TocCómic 2008)".

onal del Cómic, esconde el ordenador cuando crea sus historietas. Ahora

iempre se ha dicho que dibujar tebeos es una utor a

n retiro en silencio absoluto, sólo

oy -con bastante lógica- a disfrutar de las

omputadoras, para desgracia de los

lectrónico con adjunto. Por eso sorprende

ww.pacoroca.com) siga dibujando a lápiz,

breviven manteniendo la personalidad del ndo se sepan casi

ngullidas por la cercanía futura de eso que

poyarse y un bote de cristal lleno de lápices.

ucho y un poco escondido, como único recordatorio de estar ya en el siglo XXI. "Lo utilizo para dar s

ics. Por es que se ganen, así que

as varias horas dejándose las pestañas en la pantalla como diseñador gráfico, lo que le pide el cuerpo es ca

definible, que bien podría ser la que da enfrentarse a la página en lanco con una taza calentita de café y un poco de suave jazz de fondo.

n la mesa quedan un montón de bocetos, anotaciones y los primeros esbozos de una de las páginas de su ur, que está haciendo mano a mano con Miguel Gallardo, con el que

oincidió y compartió en muchas ocasiones esa locura que fue "el año de Arrugas (Premio Nacional del

abese_2/Thttp://www.elpais.com/articulo/semana/placer/dibujar/lapiz/pincel/elpepuculbab/20090314elpbes



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Un testamento nostálgico

Juan Gabriel Vásquez 14/03/2009

Arthur Miller revela en sus últimos relatos las trampas de la memoria. "No estaría de más decladía de fiesta nacional durante el cual la gente pudiera visitar sus difuntas convicciones", escribe el auto

Eominoso: La política y el arte de la actuación. Nunca como ahora, dice Miller, se ha visto el ciudadano tan rodeado de actores: presentadores de televisión, anfitriones de talk-shows, políticos. Rinbueno, Reagan y Bush pueden ser presidentes. El texto entero es un enjuiciamiento de la política como entretenimiento, pero hacia el final toma un giro insospechado hacia una vindicación del artista. "No importa cuán aburrido sea un artista o si es un delincuente moral, en el momento de la creación, cuansu obra penetra la verdabmetafísico, de críP

Rintrínseca de la clase obreraeciertos años. "No estaría de más", piensa entonces, "declarar un día de fiesta nacional durante el cugente pudiera visitar sus difuntas convicciones". El relato es 'La destilería de trementina': el penúltimla serie, el más largo -76 páginas: una nouvelle- y uno de los más logrados. Pero la imagen de aquellas convicciones sepultadas en un cementerio tipo Arlington, la imagen de los deudos llegando con floante las lápidas y presentando sus respetos a lo que alguna vez creyeron tiene en Presencia el lug

rar un r.

n 2001 Arthur Miller pronunció, en el marco de las Jefferson Lectures, una conferencia de título

odeado de terpretaciones las 24 horas del día, el hombre deja de distinguir la realidad de la ficción; y entonces,

do d, disimular le es imposible, no puede fingir. Dijo una vez Tolstói que lo que

uscamos en una obra de arte es la revelación del alma del artista". Con su rara mezcla de lo político y lo tica social y confesión íntima, el final del texto es casi un guiño para el lector de

resencia, último libro de Miller y una especie de testamento indirecto.

ecordando a un amigo de juventud, ferviente admirador de los rusos y convencido de "la virtud " y la inminencia de un "benevolente socialismo", el protagonista de uno de

stos relatos reflexiona sobre el peso que aquellas ideas tuvieron para su generación, sobre todo durante al la

o de

res ar de una

eclaración de intenciones, casi diríamos una poética. Lo que rige el libro es la nostalgia, una de las a nostalgia es a veces

política, a veces sexual, a veces algo entre las dos cosas; pero siempre echa abajo nuestros tristes intentos por recuperar un pasado que se ha ido. "Supongo que yo también busco algo perdido", piensa el personaje de 'La destilería'. Y como Miller nunca se caracterizó por la sutileza, ese personaje está leyendo a Proust.

demociones más peligrosas de la literatura y vieja compañera de Arthur Miller; es



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Los seis cuentos de Presencia forman una suerte de arco de vida. El lector comienza con 'Bulldog', donde para comprar un perro y termina por descubrir el sexo, y

ayor espía o trata de espiar a una pareja que se acuesta en una n el medio hay tres cuentos largos que, cada uno con sus herramientas,

el devastador paso del tiempo, o quizá sobre su contemplación impotente

que la clave de todos los cuentos, más que en la anécdota, acaba por estar en el o es que un bailarín judío sea contratado para actuar frente oria a un escritor para que éste le "encuentre un sentido";

bloqueo escribiendo en el cuerpo desnudo de una onio que esa escritura suscita.

memoria, vieja conocida de Miller. Por más que uno se La muerte de un viajante, que para mí sigue siendo una

rcado con éxito -es decir: sin poses, sin conciencia. Como le sucede al pobre Willy Loman, los

emoria y las trampas que la memoria suele poner; como le están aquí, en el cómodo presente, cuando algo visto o neralmente con resultados más bien lamentables. "Esa

de este estilo saltan con asiduidad de los párrafos de , bien mirado, una puesta en escena de las mismas viajante: en la escena presente irrumpe una visión del

mbre mayor del cuento, se queda reponiéndose del

tores', una fabulita más bien tonta donde Miller subraya la demás pertenecen a la rica tradición de ese cuento

pertenecen, para ser más específicos, al cuento judío. Aquí están tos contemporáneos de Miller, que fueron Bellow y -sobre

os gigantes, todo hay que decirlo, los cuentos de Presencia se ión es injusta, además de innecesaria. Miller debe su estatus brujas de Salem, y sabemos que él mismo consideraba el os relatos no se plantean las ambiciones estilísticas de

pero llevan sus intenciones a buen puerto. "Las reflexiona alguien. Pero un cuento vive o muere por la

un muchachito de 13 años cruza la ciudadtermina con 'Presencia', donde un hombre mplaya, y la simetría es perfecta. Eintentan echar algo de luz sobrepor parte de los hombres.

El ejercicio es tan intenso recuerdo de la anécdota. Y así lo que importa na Hitler, sino que años después le cuente la histlo que importa no es un escritor que supera su desconocida, sino los recuerdos de su matrim

Y así se topa uno de frente con el asunto de laesfuerce, es difícil no pensar en la estructura de de las pocas instancias en que el teatro (digamos) realista se ha acepretenciosos aspavientos técnicos- al fluir de lapersonajes de Presencia son víctimas de su msucede a Loman, los personajes de Presenciaescuchado los lanza sin remedio al pasado, geambigua referencia le trajo a la memoria...". Frases Presencia. El cuento que da título al libro esfantasmagorías que explota La muerte de unpasado. Y luego el personaje, Willy Loman o el hogolpe.

Hay sólo un cuento indigno del conjunto: 'Casmoraleja hasta que el papel se rompe. Pero los norteamericano que viene de Chéjov; presentes esos dos cuentistas inmensos, estrictodo- Bernard Malamud. Al lado de esos dven pequeños, casi tímidos; pero la comparacde clásico a La muerte de un viajante y a Las cuento un género menor junto a su teatro. EstBellow ni la elegancia y la sutileza de Malamud, preguntas importantes nunca tenían respuesta", intensidad con que haga esas preguntas, y Miller, como los escritores de verdad, no lo olvida jamás. -

Presencia . Arthur Miller. Traducción de Victoria Alonso Blanco. Tusquets. Barcelona, 2009. 204 páginas. 17 euros. La presència. Traducción de Anna Mauri i Batlle. Edicions 62. Barcelona, 2009. 176 páginas. 17 euros. Juan Gabriel Vásquez (Bogotá, 1973) es autor, entre otras obras, del libro de relatos El amante de todos los santos (Alfaguara).

http://www.elpais.com/articulo/semana/testamento/nostalgico/elpepuculbab/20090314elpbabese_4/Tes



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Carne de Bacon

Antonio Muñoz Molina 14/03/2009

El estilo es un don y también es una trampa, un amaneramiento. Francis Bacon pintaba a veces cuadros estremecedores y otras veces echaba mano a los automatismos del estilo para pintar un bacon, con la

l

inglés se aplica a la carne sacrificada y comestible de animal, por oposición a flesh, que es la otra carne, la da de

eva

pire

n

enos ma y más a la reiteración de lo

ya muy frecuentado, lo inmediatamente reconocible por los admiradores, lo que acaban de trivializar las enta

í

la

previsible dosis de exasperación visual y de formas retorcidas en las que el color de la carne humana es ede la materia orgánica a la venta en una carnicería o rezumando sangre sobre el mármol o el aluminio de un depósito de cadáveres. "En último extremo, todos somos carne", decía, usando la palabra meat, que en

del cuerpo humano y el deseo. Incluso en la vejez la piel de Bacon tenía una cualidad blanda y rosacarne cruda que está en muchas de las figuras de sus cuadros y que se adivina en sus autorretratos, sobretodo en uno que yo vi el otro día en el Museo del Prado, un tríptico que viene del Metropolitan de NuYork. El fondo negro es el de los autorretratos más confesionales de Rembrandt y Goya. Las tres caras semejantes son tres fogonazos sucesivos, con una mirada que pasa de la aceptación al remordimiento dela desgana de confrontar los ojos con los del espejo a la angustia que hace que falte el aire y que se rescon la boca entreabierta. Me compré una postal de ese tríptico y ahora lo tengo delante de mí mientras escribo. En la cara hay como hinchazones y manchas violáceas de golpes recibidos pasivamente. Bacopintó este autorretrato en 1979, a los setenta años, cuando aún mantenía un aire juvenil que se fue volviendo un poco siniestro y decrépito según pasaba el tiempo, según su pintura tendía cada vez mal desarmado desgarro de quien se enfrenta al lienzo como a un pozo del al

reproducciones. Le pregunto por la exposición del Prado a un amigo que ya ha ido a verla y me cuque ha comprobado que Bacon ya no le gusta tanto como antes. De más joven Bacon era uno de sus pintores; ahora le gusta mucho más Mark Rothko, que cuando era joven le cansaba. Quizás a mí me pasará lo mismo. Cuando uno es joven lo obvio le apasiona, le permite la seguridad de una conmoción indiscutible. Me acuerdo que vi cuadros de Bacon por primera vez en 1992, en la primera exposición que organizó la galería Marlborough al instalarse en Madrid. Un poco después abrió el Museo Thyssen y allestaba, en las salas del siglo XX, un Estudio de George Dyer ante un espejo que lo dejaba a uno sin aliento aunque lo hubiera visto en reproducciones: nada preparaba para el impacto de la escala, del rigor clásico de la composición, del brío furioso del trazo y las delicadezas del color. Uno comprendía queúnica manera de mirar un cuadro sin engañarse es tenerlo de verdad delante de los ojos; y que si, como dicen, poesía es aquello que se pierde al ser traducido, pintura es lo que desaparece en una reproducción.

Incluso en la vejez la piel de Bacon tenía una cualidad blanda y rosada de carne cruda que se adivina en sus autorretratos



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Voy al Prado con la intriga de descubrir cuál va a ser mi reacción, paseando en la mañana de domingo por un Madrid en el que la gente se ha echado en masa a la calle por la llegada súbita de la primavera. Ingresar en las tinieblas de Bacon pudiendo haberse quedado disfrutando del Botánico o de las arboledas del paseo del Prado requiere un esfuerzo de la voluntad. Los cedros, los almeces, los castaños en los que ya apuntas los copos tiernos de las hojas, los almendros florecidos, son obras maestras del reino vegetal no menos admirables que las de la pintura. Ingresar a media mañana en las galerías tenebrosas de Bacon es como internarse en un túnel. Algunas personas escuchan las audioguías como si estuvieran recibiendo

tante monstruosidad de esas y cuellos que parecen

los

or el desagrado, no distraerme, no engañarme. Como preveía, las variaciones sobre el papa cio X de Velázquez ya me hacen muy poca impresión: puestos a dar miedo, más que las bocas

n

n es,

desgracia. Una figura sentada en un retrete es un icono de los tiempos modernos y una afirmación r

-

www.museodelprado.es

Francis Bacon. Edificio Jerónimos. Museo del Prado. Madrid. Hasta el 19 de abril.

http://www.elpais.com/articulo/semana/Carne/Bacon/elpepuculbab/20090314elpbabese_6/Tes

por teléfono desde muy lejos instrucciones secretas sobre el significado de los cuadros. Viniendo del resplandor de la calle las pupilas tardan un poco en adaptarse a una luz más escasa. Acabo de entrar y estoy casi seguro de que Bacon no va a gustarme. No me gusta nada lo primero que veo, la primera pintura que le dio fama, las Tres figuras para el pie de una Crucifixión. Lo que más me repele es precisamente lo que hace años me hubiera parecido más admirable: la inquiecriaturas que no se sabe lo que son, gritos de bocas carnívoras en caras sin ojosbrazos y acaban en puños como cabezas de reptiles. El horror es tan demasiado visible como en una laboriosa descripción de H. P. Lovecraft.

Entonces veo algo que me toma por sorpresa: un cuerpo masculino de espaldas, desnudo, musculoso, sumariamente dibujado, adentrándose en algo que pueden ser unos cortinajes o la cortina de una ducha o el umbral tenebroso de algo; después unas figuras de hombres con trajes oscuros, solitarios, acodadoscomo en escritorios de cavernosas oficinas o en barras de bares oscuros, con telones como de terciopevenecianos, esperando algo, mirando, con caras de autoridad en las que hay un matiz de farsa, caras fácilmente confundidas con máscaras, con una plasticidad de goma pegajosa, enmarcados por líneas que forman volúmenes de cubos que pueden ser jaulas y también referencias al ilusionismo antiguo de laperspectiva. He de observar cada cuadro igual de cuidadosamente que mi reacción ante él, no dejarme llevar pInocendeformes de los papas de Bacon me da la cara de inquisición y astucia que retrató Velázquez.

Pero cuando ya me ganaba la decepción vuelvo a emocionarme: ahora la figura enjaulada y aullando couna crudeza en las facciones que viene de las pinturas negras de Goya es un chimpancé pintado en 1955, con azules y negros, con una anatomía torturada y humana que apenas se distingue de las sombras del fondo. Un chimpancé, un perro, un babuino: en los animales cautivos de Bacon hay más tragedia verdadera y tal vez más misericordia que en sus despojos de reses colgadas de ganchos de matadero, que en sus cuerpos humanos sometidos a la amputación y al retorcimiento, a una tortura que tiene algo taadministrativo como los catálogos de aberraciones de Sade. Me seducen inesperados violetas y verdrosas tiernos, azules lisos, negros de una profundidad de veladuras tenebristas. Una silueta negra que puede ser el fantasma de George Dyer al pie de una escalera contiene una tremenda sugestión de

espléndida del arte de pintar. No hay que fiarse de Bacon: justo cuando uno está a punto de darlo posabido salta con un zarpazo y uno descubre que sigue siendo vulnerable. La cara triple de su autorretrato me sigue mirando desde un lado de la mesa.



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recupera los lazos entre España y Nápoles chamente vinculados a lo largo de la historia y que rememoran esa después de llevar 280 años sin representarse

La ópera PartenopeLa música vuelve a dos territorios estrerelación con la pieza que se reestrenará

EFE EL UNIVERSAL PONFERRADA, ESPAÑA SÁBADO 14 DE MARZO DE 2009 09:34 El lazo de la música vuelve a unir a España y Nápoles, dos territorios estrechamente vinculados a lo largo de la historia y que rememoran esa relación con la ópera Partenope, que se reestrena hoy en la ciudad española de Ponferrada (León, noroeste) después de llevar 280 años sin representarse. El escenario elegido es el del Teatro Bergidum, en el que hoy se pone en escena esta obra del compositnapolitano Leonardo Vinci y, con ello, retoma un relato que arrancó en 1725. En los carnavales de aquel año, el Teatro de San Giovanni y San Crisóstomo de Venecia acogió la puesta de largo de Partenope, ópera que recibe su nombre de la sirena que, según el mito, fundó Nápoles. La obra pasó por diversos teatros de Italia, pero su recorrido escénico no duró más que un puñado de años. Ahora regresa a las tablas a través de una producción del Ministerio de Cultura español.

or

Gustavo Tambascio, director de la ópera, explicó que el Ministerio de Cultura ha suscrito un convenio de

riquísimo conjunto, todo lo que fue la Nápocooperación con la región de la Campania y la ciudad de Nápoles "para rescatar todo ese pasado

les española".



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Tambascio recalcó que España "está muy presente en Nápoles y a su vez la música napolitana influye enormemente en la música española del siglo XVIII". El reestreno de Partenope reaviva aquella vinculación y lo hace con una producción que, según resalta el director, ofrecerá al público "algo visualmente maravilloso". Sobre el escenario se recrean trajes de época "de una riqueza y una fidelidad histórica como nunca se ha hecho nada igual", así como "una escenografía que es una fiel reproducción de la del siglo XVII. Solistas especializados en el barroco italiano como Sonia Prina, Pino de Vittorio, Maria Grazia SchiavoStefano Ferrari, Maria Ercolano o Eufemia Tufano se encargarán de poner voz al regreso de PartenTambién se ha sumado al proyecto el conjunto orquestal la Cappella della Pietà d`Turchini, dirigido por Antonio Florio, premio Campoamor al mejor director de ópera de 2007. El elenco de Partenope aprovechó la hospitalidad

, ope.

del Teatro Bergidum para ensayar en las mejores condiciones y para poner en escena la ópera por primera vez.

Es el punto de partida de un largo camino que llevará la obra de Leonardo Vinci posteriormente a la vecina ciudad de León y al teatro San Carlos de Nápoles, donde, según resalta Tambascio, "también se dio Partenope en 1733. Del mismo modo, también actuarán en Italia en el teatro donde se estrenó originalmente en Venecia en 1725, que hoy en día se llama Teatro Malibrán. Además de reforzar el vínculo entre España y Nápoles, el reestreno de Partenope servirá también para reivindicar la figura de su autor. "Leonardo Vinci es un compositor extraordinario, en su época era considerado el más grande de Europa", destacó Tambascio.

Ahora su música volverá a sonar de nuevo con el mismo espíritu con el que la disfrutaron los espectadores del siglo XVIII. http://www.eluniversal.com.mx/notas/583623.html



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La visión del mundo a través de fotógrafos invidentes es expuesta en Caracas

EFE EL UNIVERSAL CARACAS SÁBADO 14 DE MARZO DE 2009

La muestra Invidente Fotosensible conformada por 56 imágenes es recibida en el Centro de Estudios Lationamericanos Rómulo Gallegos

oscuridad muestra su visión del mundo a través de las fotografías realizadas por invidentes en la xposición

ible" en el Centro de Estudios Lationamericanos Rómulo Gallegos (Celarg) de Caracas. digital y todas con técnica fotoquímica, tomadas de verse en la capital venezolana desde esta semana

hasta el próximo 19 de abril.

entender "cómo

iten a los

ómo la otro de los

reside en Nueva York, nto a la

09:06 La "Invidente Fotosens"Invidente Fotosensible" está formada por 56 imágenes, sin ayuda ntre 2003 y 2006 por 10 artistas invidentes y 20 videntes, que pue

e

ey "Hay tres imágenes: la imagen mental, la imagen resultado y la que imaginan al serles descrita", explicó a Efe Yuri Liscano, comisario de la muestra y uno de los fotógrafos videntes que se vendó los ojos para tratar de

en los que no ven". v La sorprendente propuesta asombra por el tránsito entre lo imaginado y lo expuesto, con imágenes que rem

eños, aunque siempre aparezca el cuerpo humano como motivo recurrente. su "La mente empieza a alucinar al trabajar sin la vista, con los sonidos, los olores, el tacto. Te das cuenta de cvisión te protege o te aisla. Al no tener vista, los otros sentidos se multiplican" señaló Jorge Reventós, fotógrafos participantes. La idea surgió cuando la fotógrafa invidente venezolana Sonia Soberats, de 80 años y quevisitó el país para hablar de su experiencia y posteriormente dictar una serie de talleres que se realizaron juAsociación Nacional de Ciegos de Venezuela en el Museo de Bellas Artes de Caracas.



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"La mayoría de los fotógrafos invidentes participantes no lo son de nacimiento, si no que perdieron la vivida, por lo que aún conservan unas referencias visuales

sta durante su ", puntualiza Liscano.

ntre las as similitudes.

ridad y que

stran las

Realmente, es trabajar con luz, es la verdadera definición de la fotografía: escribir con luz", agregó Reventós,

odos los participantes, sin embargo, destacan la dimensión emocional de la técnica de la fotografía invidente, pues te

a idea de imagen más allá de la definición habitual, y cómo descubrimos que, en ocasiones, mbién la luz nos limita", dijo Irisbell Rosal, directora ejecutiva del Núcleo Fotosensible, organizadores de la

a exposición va acompañada de talleres y charlas sobre fotografía invidente que buscan acercar esta novedosa

atices presentes en la oscuridad y cómo podemos oldear y dibujar con la luz desde la ceguera, demostrando la paradójica relación entra la sombra y la luz.

http://www.eluniversal.com.mx/notas/583624.html

Quizá por ello una de las cosas que más fascina al público que acude a la muestra es la escasa diferencia efotos tomadas por invidentes y videntes, que tienen unas extrañ "Se producen imágenes poseedoras de un gran impacto visual, generadas a partir de la ceguera, de la oscuposeen un extraño misterio", escribe Liscano en el catálogo de la exposición. José Luis Guevara, investigador del arte y la discapacidad, destacó la importancia de "relativizar el término discapacidad, y entender cómo no es tal, si no que poseen otras capacidades" y la "sensibilidad" que muefotografías expuestas. "mientras recordaba la distancia entre su imagen mental y el resultado de uno de sus trabajos. Tpermite descubrir cómo "los invidentes también son capaces de ver, pero a su manera". "Se trata de redescubrir ltaexposición. Ltécnica al gran público, que desde la inauguración ha mostrado gran interés por las obras expuestas. Las fotografías, todas en blanco y negro, ponen de relieve los mm"Las fotografías en la oscuridad nos descubren el poder de la luz", concluyó Liscano.



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Mathias Enard

"Siempre hay que saber sobre qué cadáveres anda uno"

Carles Geli 14/03/2009

El autor de Zona elabora un relato épico del Mediterráneo, que la crítica francesa considera la mejor novela de la temporada

Una sola frase de 400 páginas, sin punto alguno, son los raíles por donde discurre el tren de la memoria de un espía, camino de vender un maletín de secretos no sin antes repasar los vagones de sus recuerdos, sustratos de Europa, enumeración caótica que evoca a Burroughs y Pound, Aníbal y Napoleón, la colección de pantuflas del exiliado Alfonso XIII, el genocidio armenio, carniceros como Millán Astray y el comandante de Treblinka Franz Stangl, todo un hilo que el escritor francés Mathias Enard (Niort, 1972) ha ovillado en Zona, que la crítica francesa ha declarado mejor novela de la rentrée literaria y otorgado el Prix Décembre a esa memoria que huye o que no acaba de hacerlo.

"El viaje en tren me parecía una buena metáfora del siglo XX y su simbolismo como progreso. Yo debía poner al

lector en ese tren y contarle sin parar"

PREGUNTA. De lo primero que sobresale en Zona

son los detalles de los relatos bélicos, de Beirut o de Croacia, de un verismo increíble.

aborda la guerra o la violencia. ¿Qué busca?

s: pueden haber perdido tres dedos y en cambio echan de menos ese tiempo: la

uropa aparentemente sólida pero de construcción tan rápida que por ello tiene eridas mal curadas que de golpe se reabren. Yugoslavia fue un fracaso diplomático y cultural, estalló

. Los personajes son infinitos, pero el escenario dominante es la ribera mediterránea.

RESPUESTA. Son fruto de largas conversaciones con mis informantes, combatientes en el Líbano, los Balcanes o Irán. Fueron ocho personas. Mi experiencia se limitaba a mi estancia en el Líbano en 1990 para un reportaje sobre la Cruz Roja.

P. Es ya la tercera obra donde

R. Me interesa la reacción del combatiente ante la guerra, cómo el hombre vive el peligro y el dolor; la guerra es otro mundo: todo -el placer, la amistad, el dolores muchísimo más intenso. Y eso se nota cuando hablas con elloguerra daba un sentido a sus vidas y les dejó unas huellas tanto a ellos como a la memoria de sus pueblos. Es un tema clave del siglo XX.

P. La desintegración de Yugoslavia se lleva la mayor extensión. ¿Metáfora de?

R. De la otra cara de esta Ehcomo quien no quiere y resucitó mitos arrastrados desde la Segunda Guerra Mundial: el comportamiento de los chetniks serbios y los ustadji fascistas croatas...

P



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R. Quería hacer algo épico sobre el Mediterráneo, mostrar su evolución e influencia como crisol de Europa, pero no sabía cómo armarlo. He invertido cinco años en eso.

P. ¿Y el chispazo?

R. Pues como una revelación, durante un trayecto en tren. El viaje en tren me parecía una buena metáfora del siglo XX y su simbolismo como progreso. Con el transporte me saltó el formato: tenía que ser un flujo

e conciencia, el tren se iba a detener poco y yo debía poner al lector en ese trend y contarle sin parar.

e Joyce, sin un punto, y no es fácil para el lector hallar ese

dónde esté l punto o si está porque el lector lo pone y correctamente; el trabajo fue fluido, como si lo hubiera escrito

rte a base de post-it que llenaron una pared de casa. Unos 200, creo. Se trataba de tener

ida literaria nace e un error; Pound, por ejemplo, pensó que el fascismo podía dar la felicidad; Burroughs, que nunca ubiera podido escribir sin haber asesinado a su esposa... Quería ver cómo arrastran la culpa y cómo ésta arca sus vidas, como a mi narrador.

. La crítica francesa ha visto una influencia de la Ilíada.

R. Homero es el primer gran narrador de la primera gran batalla; toda la literatura occidental sale de ahí; me apasiona tanto que quería hacerla vigente; su desarrollo narrativo, con ese vaivén, la convierte en una historia y un estilo muy contemporáneos.

P. Parece entreverse también al Dante del mezzo del cammin di nostra vita

de la

Divina Comedia.

R. Sí, mi narrador está en el vacío de dos mundos, entre lo individual y lo colectivo; no sabe de qué lado va a caer; está tan indeciso como la Europa de hoy frente a la crisis; de alguna manera, Zona interroga qué es esta Europa y por qué se cree tan perfecta; reflejar su lado oscuro me parecía hoy obligatorio.

P. En esa Europa, Barcelona recibe un bofetón: una ciudad falsa, "como una vieja puta con peluca morada".

R. El turismo la ha convertido en una caricatura de sí misma; se trata de ser más Barcelona que ella misma, con más diseño, más glamour... Y eso le pasa porque se ha convertido en un producto que, como

P. Pero eso implicaba jugar con el dificilísimo monólogo interior, a lo Molly Bloom de Ulises

d tipo de hilo...

R. En el fondo se trata de buscar un ritmo y reconocer esa voz. La magia es que poco importa ede golpe; me resultó mucho más difícil trabajar después el texto: debían encajarse estilos y personajes y temáticas.

P. ¿Cómo lo solucionó?

. Pues en paRcontrolada la novela y los temas que la cruzan; los colores me indicaban épocas y contenidos. Con Zona he aprendido a ser estilísticamente más libre.

P. La obra convoca a Céline, Lowry, Burroughs..., espíritus literarios muy diversos. ¿Qué les une?

R. El Mediterráneo: todos se instalaron en él. Luego, que se equivocaron: en todos su vdhm

P



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tal, debe venderse; el último ejemplo es la plaza dedicada a Vázquez Montalbán en el Raval, con un hotel Eso ocurre por la pérdida de la memoria, signo de los tiempos.

...

pra y se vende y se utiliza o se esconde según lo político: ahí está Francia con guerra civil, Barcelona con su Camp de la Bota [donde el franquismo fusiló a

enia. Lo que importa de la memoria es que esté viva; o.

P. Visto por un francés, ¿qué tal el debate sobre la memoria histórica en España?

os, que si no..., y nadie parece darse cuenta no han sido contadas y las necesitamos más

una placa estatal; si la literatura puede s queda imaginarlas, adelante.

la línea de la novelística europea.

ancesa como de algo gris, anodino, clásico de s jóvenes, ahí está el inmenso Pierre Michon.

ha convertido en soma huxleyana y, en ese contexto, la novela ha de ser de ritmo omo una película. En mi caso, espero estar que su lectura genere gran placer.

Si Zona e

de lujo en medio.

P. Esa memoria depende en su libro sólo de los que ganan

R. Hoy la memoria se comArgelia, el Líbano con sucentenares de catalanes] o el mundo todo con Armsiempre hay que saber sobre qué cadáveres está andando un

R. Parece una comedia negra: que si desenterramos a los muertde que más allá de los huesos lo que hay son historias queque esos huesos; la memoria privada no debe sustituirse por contribuir interesándose por relatos de vidas que sólo no

P. Su novela es una rara avis

en un país, Francia, que hace años que ha dejado de marcar

R.Lo que ocurre es que se tiene la imagen de la narrativa frlos sesenta... No se la conoce bien. Y no lo digo sólo por loOcurre que la cultura se fácil, corta, insustancial..., se le exige que sea y responda centre dos aguas: me gusta seguir una tradición literaria pero

s soma, va a lectores del tipo alfa más. -

Un joven escritor de gran prestigio

Mathias Enard lee ahora Las benévolas, de Jonathan Littell, con la que se ha querido comparar su Zona por el supuesto tema común del mal. "Pinta bien". Ahora no puede decir más. O sea, que las influencias de este joven escritor francés deben buscarse quizá en su gran conocimiento de las lenguas árabe y persa, que estudió en Irán, Egipto y Siria ("es una literatura a la que le debo mucho"), o en su dominio del castellano, practicado en una Barcelona en la que está establecido, junto a su esposa catalana, desde 2000, como profesor de árabe. En cualquier caso, en menos de seis años se ha labrado fama de escritor exquisito (entre los 10 mejores autores franceses de menos de 40 años, según la revista Technikart) con apenas cuatro novelas: La perfección del tiro (2003, dos premios), Remontando el Orinoco (2006) y Manual del perfecto terrorista (2007).

Zona. Mathias Enard. Traducción de Robert Juan-Cantavella. La Otra Orilla. Barcelona, 2009. 408 páginas. 24 euros. La perfección del tiro. Mathias Enard. Traducción de Manuel Serrat. Verticales de Bolsillo. Barcelona, 2009. 176 páginas. 8 euros.

bab/20090314elpbabhttp://www.elpais.com/articulo/semana/Siempre/hay/saber/cadaveres/anda/elpepuculese_7/Tes



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Encestando en la papelera

MANUEL RODRÍGUEZ RIVERO 14/03/2009

y (Gedisa), en el que el pop-filósofo francés afirma -criticando la película 1492, la conquista del Paraíso, de Ridley Scott- que "Cristóbal Colón en las Américas en el siglo

rgelia en el siglo XX...". Suficiente para no seguir leyendo, me digo, mientras lanzo el libraco al contenedor de los papeles desechados. Y no es que

su último opúsculo La réligion du poignard (Galilée, 88 páginas, 15 euros), un ensayo reivindicatorio de Charlotte Corday -la asesina de Marat-, "cuyo gesto

útil en nuestros tiempos rovocador y ha

trado que la explotación de las potencialidades mediáticas de la filosofía puede convertir a quien la ue en un crack entre los colegas antisistema (mais oui!), es autor de algunos libros que leí con

Tratado de Ateología, y algunos de los volúmenes de su Contrahistoria de la Filosofía aro, con una bibliografía tan torrencial como la suya -sólo superada por la de César

Vidal- no todos van a ser diamantes dialécticos, como muy bien me explica mi nuevo asesor librero (y

Aunque estoy muy lejos de alcanzar la oceánica sabiduría de Eastwood, que a sus gloriosos 78 años se siente legitimado para contar lo que le venga en gana del modo que le parezca mejor (no se pierdan, por favor, ese testamentario canto a la libertad que es Gran Torino), a mi edad uno ya sabe, por lo menos, cuándo dejar un libro sin darle una segunda oportunidad. Desde mi mesa de trabajo, flanqueada por inestables columnas de "apuestas" de editores que, como el ermitaño del Zaratustra, aún no se han enterado de que Dios ha muerto (es decir, de que estamos en crisis), consigo encestar en la papelera La inocencia del devenir, de Michel Onfra

XV es, desde el punto de vista moral, el general Bigeard en A

yo crea que C. C. fue un "héroe virtuoso", sino que la ucrónica comparación con el muy condecorado torturador colonialista me hace perder el interés en lo que pueda seguir. No es la primera vez que dimito de una obra de Onfray: hace poco encesté

funda la 'religión del puñal' en palabras de Michelet, una religión sin Dios muy disparatados de nihilismo triunfante". Y conste que Onfray, que va de hedonista pdemospractiqprovecho, como el (Anagrama). Pero cl

catalán) Exuperanci Gairebé, cuyo nombre de pila, por cierto, le viene de un antepasado que llegó (siglo IV) a obispo de Tortosa.

Entre los premios hay bastantes infiernos, y no pocos purgatorios. Y, afortunadamente, una docena de paraísos (que suelen ser, ay, más pobres)

Infiernos



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El capitalismo es el infierno. Tranquilos, no dudo de que también haya otros. Al fin y al cabo, Dante dividió el suyo -un enorme cráter en forma de embudo- en nueve círculos con diversos grados de pena y tormento: no es lo mismo, por ejemplo, estar hundidos hasta al cuello (como quizás estaré yo algún día)

fummo / ne l'aere dolce che dal sol el pozo de La Caína, muy próximos a la

a, Las manos cortadas (Alfaguara), de Barral), de Clara me envió la suya

con un abrazo y una dedicatoria teñida de leve sarcasmo: "Te mando un libro sospechoso (ha ganado un

n lto.

s lo mismo "invitar" a presentarse a un autor conocido y codiciado de quien se sabe que acaba de terminar libro que

te un forfait superior al importe del premio a cambio de que se presente y lo "gane". No es lo mismo, por poner otro ejemplo, diseñar un jurado compuesto mayoritariamente de

s sobres de xtremos

).

quiero que se me acabe nunca- de El genio austrohúngaro, de

e yo vivo (disculpen este involuntario homenaje a la canción que Loewe y

Lerner compusieron para My fair Lady). En cuanto a la poesía del maestro de editores Josep Janés (1913-

en esos poemas se detecta también "un goce que

hará el Gremi un homenaje?.

http://www.elpais.com/articulo/semana/Encestando/papelera/elpepuculbab/20090314elpbabese_8/Tes

en la charca hedionda de los melancólicos y malcontentos (Tristis'allegra) que perpetuamente helados -junto con los traidores- enhorrible imagen de tres rostros de Lucifer, ante cuya visión el poeta florentino se quedó en ominoso pasmo (non mori' e non rimasi vivo). No es lo mismo que violen a una campesina en Darfur que se le acabe aquí a una inmigrante la prestación por desempleo: hay muchos infiernos diferentes, pero están todos en éste. Y, vaya por Dios -o por el diablo-, resulta que algunos tienen vínculos de parentesco. Hay infiernos de ficción como los que reflejan, cada una a su manerLuisgé Martín, y otras dos novelas recientemente premiadas, Corazón de napalm (Seix Usón, y La Jauría y la niebla (Algaida), de Martín Casariego. Por cierto que este último

premio)". Tiene razón: en este país donde se conceden anualmente más de un millar (privados o públicos, aldeanos o estatales, millonarios o indigentes), los premios literarios están en entredicho. Cuando alguieme pregunta acerca de su grado de corrupción respondo que, tal como mi demandante sospecha, es aPero enseguida añado que la gravedad de las corruptelas varía extraordinariamente: no e

pactar previamente con su agen

autores de "la casa" proclives a las "sugerencias" del editor que abrir al vapor y con alevosía lolas plicas para averiguar si hay algún conocido entre los que enviaron manuscrito. Y entre esos ecabe casi todo. En este país se han hecho -y se hacen- abundantes charranadas que afectan al prestigio de los premios: es su reiteración lo que ha puesto en entredicho el sistema. Y declarar un premio desierto -ahí tienen el de Tusquets- equivale, a veces, a certificar su honradez, pero también a hipotecar su futuro: los departamentos de mercadotecnia invierten y se juegan mucho en ellos (especialmente en los mejor dotados) como para permitir que eso suceda. Entre los premios, por tanto, hay bastantes infiernos, y nopocos purgatorios. Y, afortunadamente, una docena de paraísos (que suelen ser, ay, más pobres

Poeditor

Interrumpo la lectura -apasionante: no William M. Johnston (editorial KRK), uno de los más interesantes volúmenes de historia cultural publicados en España en los últimos años (la edición original tiene ya un cuarto de siglo), para curiosearen la Poesía, 1934-1959 (Huerga & Fierro; traducción de Jesús Pardo) de Josep Janés i Olivé, de quien conocía mejor su faceta editorial. A juzgar por el número de editores-poetas de que tengo noticia (incluyendo a mi amigo Luis Suñén), se diría que el métier se aviene mejor con el carácter (teóricamente) inmediato de la poesía que con los largos partos de la narrativa. Hace poco, por ejemplo, se publicó, coeditado por la Universidad de Málaga y la Residencia de Estudiantes (a propósito, ¿adivinan quién va a coordinar los fastos del centenario de la Casa en 2010?), el excelente volumen que Julio Neira ha consagrado a Manuel Altolaguirre, impresor y editor, y cuyo taller, por cierto, se encontraba (en 1936) enun semisótano de la calle dond

1959), de cuya muerte se conmemora ahora medio siglo, en sus versos juveniles resuenan ecos y entusiasmos de aquel renacimiento lírico de los años treinta, una auténtica edad de plata de la poesía catalana. Como indica su hija Clara en el prólogo,abarcaba de lo más popular y tradicional a lo más intelectual y atrevido, un modo de ser abierto, en el que todo cabía". Ese mismo -a pesar de la feroz censura franquista- fue el talante de Janés como editor. Por cierto, ¿le



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nta problemas cardiovasculares

vinculada a un inmediato endurecimiento de las arterias

REDACCIÓN EL UNIVERSAL VIERNES 13 DE MARZO DE 2009

El humo de los coches aume La exposición al tubo de escape de los motores está

Con todo el tráfico de la ciudad, el humo de los automóviles puede acelerar los problemas cardiovasculares, según la revista "Particle and Fibre Toxicology" "La exposición al tu de escape de los motores está vinculada a un inmediato endurecimiento de las arterias" , fue lo que explicó el científico Nicholas Mills, de la Universidad de Edimburgo.

la

raban erse, lo que

ecimiento

publicó

scarillas

ón de

son más

bo

Esto puede ayudar a explicar que hay un mayor riesgo de enfermedades cardiovasculares asociadas con contaminación aérea, según una publicación de La Tercera. Se hizo un prueba a jóvenes saludables que no fumaban, donde los científicos determinaron que cuando respiaire contaminado los vasos sanguíneos de los pacientes perdían transitoriamente la capacidad de contrapuede traer consecuencias fatales en algunas personas, explicó el científico "El endurecimiento arterial puede aumentar la presión y reducir el flujo sanguíneo al corazón. Ese endurinfluye de manera importante en la hipertensión y puede ser un factor de mortalidad", indicó. Los efectos de los escapes de gas pueden ser combatidos con una buena mascarilla, según otro estudio que se en la misma revista. Los investigadores probaron una serie de protecciones de ese tipo y llegaron a la conclusión de que las mamás eficientes son las que se usan en los lugares de trabajo. Según Jeremy Langrish, uno de los investigadores, las mascarillas difieren en lo que se refiere a la filtracipartículas. "En general, las diseñadas para prevenir accidentes de trabajo, como la aspiración (de polvo o aserrín)eficientes que las que usan los ciclistas o peatones", manifestó. http://www.eluniversal.com.mx/articulos/52996.html



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Carlos Sorín "El problema del cine es el lastre de la literatura" El cineasta argentino habla de su film La ventana , en el que, inspirado por Chejov y Carver, enfrenta el tema de la muerte Sábado 14 de marzo de 2009

Por Leonardo Tarifeño

s

anteriores. Distinta en su puesta pero también en sus objetivos,

desprolijidad. Con La ventana, trabajé mucho más la fotografía, quería que las imágenes fueran potentes porque la historia es ínfima, se deshace entre los dedos. Para mí, La ventana es un auténtico ejercicio de cine, en el que las cosas pesan por lo que se ve, no por lo que se dice ni por lo que ocurre.

De la Redacción de LA NACION Carlos Sorín repite la misma frase a lo largo de distintos momentos del reportaje: "Lo importante es lograr el mayor resultado con el mínimo de recursos". Tal parece el mantra del notable realizador argentino, quien con La ventana parece llevar esa idea al máximo de sus posibilidades (y también, de suriesgos). "La película tenía un guión de setenta y pico de páginas, que de a poco dejé en 36; todos mis guiones tienen unas cien hojas, pero esta vez quité y quité hasta dejar lo esencial -dice el creador de Historias mínimas y El perro -; el cine es una experiencia para hacer entre el realizador y el espectador, y lo que yo pretendo es sugerir, mostrar sin completar. Es el espectador quien debe completar esa experiencia y por eso es fundamental que el público esté abierto a entender modelos narrativos que no son clásicos." El nuevo desafío de Sorín se instala en la historia de un anciano en el umbral de la muerte. No es un reto menor, aunque la película demuestra que ha sido de lo más apropiado para quien se ha empeñado en levantar sutiles monumentos cinematográficos en honor a la delicadeza y al silencio. -¿Qué tiene en común La ventana con otras películas suyas, como Historias mínimas o El perro ? -Quizás yo sea la persona menos indicada para hablar de mis películas, porque estoy muy comprometido con ellas y pierdo objetividad. De todas maneras, siento, aunque también es probable que no sea así, que La ventana es distinta con respecto a las entre los que destacaría una mayor valoración de la imagen y la intención de sostener un tempo fílmico. Las otras películas se instalaban en la zona del "pseudodocumental" y sacaban provecho de cierta



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-¿Fue un reto mayor?

odas las películas son un reto; si dejan de ser un reto, es porque uno ya se repite. Pero no, en este caso

El objetivo era narrar la vejez?

a que el tema es la muerte.

-¿Y de dónde sale esa idea? ¿Hay alguna raíz autobiográfica? -Yo soy un fanático de Raymond Carver. Incluso el año pasado quise comprar los derechos del cuento "La casa de Jeff", de Catedral , pero no lo logré, lo tuve que dejar. En fin, para mí, el mejor cuento de Carver es "Tres rosas amarillas", que relata los últimos momentos de la vida de Chéjov. Es un relato sobre la muerte, sobre el instante final, ese momento en que el tiempo y la percepción deben tener otra densidad. Y antes de empezar a trabajar en esta película, leí La vida trágica de Chéjov , de Irene Némirovsky, donde se relatan esos últimos instantes de Chéjov, por cierto otro de mis autores favoritos. Eso pegó fuerte en la temática de La ventana , y más aún cuando, hace un año y medio, murió mi padre. Creo que entre una y otra cosa se terminó de cerrar lo que se convertiría en el tema de la película.

no enfatizar nada. Que en todo caso, el espectador completara lo que quisiera. Es más: una parte del proceso de edición consistió en sacar la música porque subrayaba mucho la cuestión emotiva. Yo no quería marcarle nada al espectador. -Entonces, ¿es ése el punto en el que nunca le gustaría caer? ¿En el énfasis puesto en una historia? -Depende. Pero sí, en general prefiero ser ascético para provocar una emoción. Me gusta llegar al mayor resultado con la menor cantidad de recursos, creo que eso es un arma noble. Por ejemplo, para la escena final de La ventana quise que hubiera un cierto humor, una distancia que evitara el guiño al espectador. Todo el tiempo saqué más y más cosas. -¿Su cine se parece a la literatura en el sentido de que lo más importante no es lo que se pone, sino lo que se quita? -Puede ser. Es una buena observación. En La ventana quité hasta lo indecible. El guión, de 36 páginas,

-Tyo estaba muy seguro de lo que quería hacer. Sabía exactamente hacia dónde quería ir. -¿ -En realidad, yo dirí

-Al revés de otras películas suyas, La ventana está filmada en un lugar fijo, no hay rutas ni viajes. -Así es. La ruta me interesa mucho por la estructura que le da a un relato, pero al mismo tiempo las road movies cansan mucho. La logística pasa a ser más importante que la dirección y uno sacrifica mil cosas por cuestiones logísticas. A veces uno quisiera experimentar y en las películas de ruta eso no siempre se puede. Así que me quise regalar un rodaje distinto, más tranquilo si se quiere, que me diera la posibilidad de reflexionar sobre la película mientras la hacía. Fue la primera vez que pude hacer eso. -¿Por eso se sentía más seguro a la hora de rodar La ventana ? -Sí, yo creo que sí, en general mis rodajes son muy caóticos y éste fue muy manejable. -Todas sus películas suponen un riesgo estético importante: los personajes hablan poco, la acción se reduce al mínimo, a simple vista parecería que no pasa nada. ¿Qué riesgos siempre está dispuesto a correr y en qué no le gustaría incurrir nunca? -Estilísticamente, yo estoy dispuesto a correr cualquier riesgo si me parece coherente con la obra. -En el caso de La ventana , la película se construye a partir del sentimiento. ¿Cómo evitó el riesgo del sentimentalismo? -Bueno, como yo sabía que estaba ese peligro, preferí



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era demasiado poco hasta para mí. Estaba asustado. Implica un tempo que yo nunca frecuenté, en el que r activo. La ventana es una ventana abierta. Y es el

pectador que en la pantalla.

bstáculos, y la gran producción de películas nacionales indica que filmar aquí no es difícil. Al menos no una ópera prima. La gran dificultad que yo tengo es encontrar la idea, la historia. Ahí yo navego durante meses, en la total oscuridad, obsesionado por ideas que un día me gustan y que abandono cuatro días después. -Es autor de novelas, ¿la literatura es su segundo arte? -No: después del cine, el arte que más me atrae es la plástica, la pintura. Y ojalá el cine estuviera más cerca de la plástica que de la literatura. Yo pienso que el gran problema del cine es el lastre de la literatura, la narración. Es inevitable narrar y ése es el límite. Por eso, las películas que más amo son aquellas en las que la narración es casi inexistente, lo que permite que el cine respire, viva. Eso es cine, o lo específico del cine. -¿La literatura es la gran rival del cine? -No, no hay una rivalidad. El cine le debe mucho a la literatura, incluso muchas películas fueron adaptaciones de grandes obras literarias en el origen mismo de la cinematografía. Pero ahora creo que el cine debe independizarse de la narración, en definitiva una herencia de la literatura. Por supuesto, sin llegar a convertirse en una videoinstalación, pero a la búsqueda de la que sea su manera propia de narrar.


la cámara se queda y se queda, que exige un espectadoine que me gusta: el que transcurre más en la cabeza del esc

-¿Cuáles son las mayores dificultades para filmar en la Argentina? -Yo nunca he tenido grandes o



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P La empresa anunció la conclusión exitosa de una prueba de Sutent, una medicina contra c AP EJUEVES 12 DE MARZO DE 2009 Lcáncer antes de lo previsto cuando la información obtenida demostró que la droga cumplió con su objetel avance del cáncer pancreático. Los resultados provocaron que las acciones de Pfizer subieran casi un 10%. La prueba demostró que Sutent aumentó en gran medida la supervivencia de los pacientes e impidió quepropagara, en comparación con un tratamiento regular y un placebo. En vista de que la prueba se sus

fizer concluye exitosa prueba contra cáncer pancreático

el cáncer antes de lo previsto uando la información obtenida demostró que la droga cumplió con su objetivo de retrasar el avance del cáncer

L UNIVERSAL

a empresa Pfizer Inc. anunció el jueves la conclusión exitosa de una prueba de Sutent, una medicina contra el ivo de retrasar

el mal se

pendió antes de lo previsto, los pacientes tendrán la opción de seguir tomacambiar del tratamiento regular a Sutent. Pfizer espera que la medicina sea aprobada como tratamiento para tumores avanzados en las célulascLa medicina Sutent ya se vende para casos de carcinoma renal y como tratamiento secundario para tumorgLa empresa detuvo la prueba después de recibir una positiva recomendación de una comisión independienCalificó el cáncer como raro, lo cual limitaba las opciones para un tratamiento. Sutent, que se vende para consumo oral, bloquea las moléculas que contribuyen al avance del cáncer y supor todo el cuerpo. Las acciones de Pfizer subieron mil 23 dólares, equivalentes al 9.6%, a 14.02 dólares. LWyeth, por 68 mil millones de dólares.

ndo Sutent o

del páncreas, y la ulminación de la prueba acelera el camino para la aprobación de Pfizer.

es astrointestinales.

te.

propagación

a acción había perdido un cuarto de su valor desde el 26 de enero. Cuando Pfizer accedió comprar una pequeña rival,

http://www.eluniversal.com.mx/articulos/52991.html



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En las antípodas

MARCOS GIRALT TORRENTE 14/03/2009

Hace nueve años Julia Leigh (Sidney, 1970) publicó una extrañísima novela, El cazador, que fue su debut literario y que le procuró premios y un reconocimiento general allí donde se tradujo (en España la publicó Tropismos en 2005). Con una escritura contenida y rica en el retruécano metafórico, la novela narraba la doble peripecia de un cazador contratado por una multinacional de biotecnología para dar caza al último tigre de Tasmania: la obsesiva relación, por un lado, que establecía con su esquiva presa mientras seguía su rastro en remotas zonas selváticas, y su sucesiva implicación sentimental, por otro, con la familia que en los periodos de descanso le daba alojamiento, una apática viuda y sus dos hijos pequeños.

Inquietud

Julia Leigh

Traducción de Cruz Rodríguez Juiz

Mondadori. Barcelona, 2009

95 páginas. 13,90 euros

Música de la tierra

Tim Winton



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Traducción de Núria Llonch Seguí

Destino. Barcelona, 2009

391 páginas. 21 euros

SieteEspaña. En apenas 9y perturbador. La diferencia, el salto cu

años tardó Julia Leigh en dar a la imprenta su siguiente novela, esta Inquietud que ahora aparece en 5 páginas consigue, al igual que sucedía en El cazador, construir un mundo complejo

alitativo que representa con respecto a la anterior, es que así como

se desarrolle la acción

o sólo por ser también australiano, se halla Tim Winton (Perth, 1960), autor de doce neración. Música

el inhóspito y duro Norte donde termina, da cuenta del triángulo rmado por tres caracteres bien diferentes: Jim Buckridge, viudo, padre de dos hijos y cacique principal

n y todos guardan secretos de los otros; su novia, Georgia Jutland, cuarentona, aficionada al vodka, eterna forastera en el pueblo, adonde llegó en busca de no se sabe qué verdad originaria, y Luther Fox, pescador furtivo, único sobreviviente de una familia de músicos de feria muerta en un accidente de circulación. Los tres buscan superar un pasado que los atormenta. En el medio, claro, una historia de amor, la adulterina de Jim y Georgia, que en un principio parece abocada a la tragedia pero que al final acaba con feliz falsete hollywoodiense. Tras muchos vagabundeos, eso sí, tras mucho salitre incrustado en la piel de Luther, para que no todo resulte tan fácil. Incluso el malo, Jim Buckridge, acaba siendo bueno.

Tim Winton es un escritor dotado. Sabe estructurar una historia, sabe administrar la información, sabe definir unos personajes, sabe crear una atmósfera. Su escritura fluye sin altibajos, cabe suponer que fiel al plan predeterminado. El problema es que ese plan no nos depara ninguna sorpresa, pues es difícil que nos transmita alguna emoción aquello que ha sido concebido sin ella. Todo lo contrario que Julia Leigh. -

http://www.elpais.com/articulo/narrativa/antipodas/elpepuculbab/20090314elpbabnar_5/Tes

en El cazador asistíamos a la transformación paulatina de una conciencia desde su presente, en Inquietud, el drama, cuando estalla, es un mero catalizador de otros dramas pasados a los que no pudimos asistir pero cuya potencia expansiva nos alcanza. De esa forma, sin mencionarlos, sólo por medio de la sugerencia, saltan a la vista del lector conflictos soterrados desde antes de quepropiamente dicha. Ésta es sencilla: Olivia, una mujer madura que, intuimos, ha quedado hondamente tocada por un fracaso amoroso, regresa con sus dos hijos pequeños a casa de su madre, en el sur de Francia. La frialdad de su madre con ella, no así con los niños, nos enseña que su marcha de esa misma casa muchos años antes, es de suponer que en persecución del que luego sería el padre de sus hijos, debió de ser violenta y cortar muchos lazos entre ellas. En la casa habitan también Marcus, el hermano de Olivia, y Ofelia, la mujer de éste, que acaba de dar a luz a una niña que nació muerta y que los médicos del hospital le han permitido llevarse a casa, antes del entierro, para así facilitar la asunción del trauma. Obviamente no estamos ante una familia normal y lo que descubriremos tras el desvelado de las sucesivas capas que conforman la historia secreta puede que sea, incluso, algo rocambolesco. No importa. Sin

frecuentados. convencionalismos ni concesiones, Julia Leigh nos muestra territorios morales no

En las antípodas, y nlibros, ganador de diversos premios y al parecer el escritor más leído y vendido de su gede la tierra es su primera novela traducida al castellano. Desde el Occidente rico y pesquero de Australia, donde transcurre su primera mitad, hasta fode una comunidad marinera en la que todos se conoce



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Una mirada conflictiva

La narradora y ensayista francesa Viviane Forrester analiza en este texto polémico, que se lee como onsidera fundamental la identificación de los

factores que estuvieron en el nacimiento de la adversidad entre israelíes y palestinos Sábado 14 de marzo de 2009 | Por Julio Orione Para LA NACION El crimen occidental Viviane Forrester Trad. Isabel Vericat Núñez / FCE / 208 páginas / $39

una novela, los orígenes del Estado de Israel y c

Son los destinos de dos personas relacionadas inextricablemente, lo que les obliga a vivir lado a lado. Son ellos los que deciden si quieren hacer de esto una bendición o una maldición." Con estas certeras palabrassintetizó Daniel Barenboim el drama de Palestina e Israel al que Viviane Forrester dedicó su más recientelibro. Después de los impactos causados años atrás con El horror económico y Una extraña dictadura , enlos que atacó crudamente la globalización neoliberal, la novelista y ensayista francesa busca desentrañar en El crimen occidental las causas profundas de un conflicto que se renueva sin descanso "com

o una película de catástrofe que empeora en cada vers En su descarnado análisis, publicado en Francia en 2004, Forrester sostiene que "la II Guerra Mundial fue

eroica y victoriosa para los aliados, pero la guerra contra la ideología nazi y el antisemitismo nazi no existió. Hubo un consentimiento subterráneo de los diferentes países implicados antes, durante y

dó sin resolver". ...ste es el punto de partida de su apasionada indagación sobre una de las grandes tragedias del mundo actual.

dental muestra a una escritora de raza, que no se priva en su opinión, a veces reflexiva, otras emocionada; una opinión que no deja blemente allí resida uno de los mayores méritos del libro, escrito sin capítulos,

subtítulos ni apartados, recurso que lleva a leerlo o si se tratara de una novela. Pero, siempre alerta, no se permite emitir opinió s documentales. Y, simultáneamente, teje su texto con un entramado de consideraciones éticas, en la mejor tradición del ensayo literario

ión".

una guerra h

después de la guerra, y una vez terminada algo que

Lejos del ensayo académico, El crimen occiningún instante de emitirindiferente al lector. Posi

de un tirón comn sin sostenerla con cita

francés.



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Para Forrester, tanto "la irreversibilidad del Estado de Israel" como "los derechos sagrados de los

ido reconocidos hace tiempo si se hubiera aceptado el origen de la instalación sionista en Palestina como un proceso complejísimo que ella trata de desbrozar y desentrañar desde

roceso que vislumbra lleno de equívocos y "tartamudeos", un proceso que, según a llevado a los creadores del movimiento sionista a dejar de lado la posibilidad de

ese al, l

fue lo que realmente estuvo en juego". Y no deja de insistir en que la atribución de idénticos calificativos de

ueda

para, así, lograr tener una patria.

ía para Forrester la posibilidad de que ambas partes pudieran reconocerse "enamoradas de la misma tierra".

a octogenaria escritora sueña con un futuro en el que palestinos e israelíes, a partir de ese amor por la

Un aparato de citas riquísimo, una extensa bibliografía y un índice de nombres completan esta cuidada edición de uno de los libros más polémicos de los últimos tiempos. Tan polémico como la realidad de la que habla.


palestinos" podrían haber s

diversos ángulos. Un psu interpretación, habríluchar por la integración en sus países de origen. Y, en vez de ello, a ilusionarse con la Tierra Prometida. Pero una tierra que no necesariamente estaba en Palestina, pues, a finales del siglo XIX, los fundadores del sionismo imaginaron emigrar a la Argentina u otros países americanos e, inclusive, a Uganda (propuesta hecha a Theodor Herzl por Joseph Chamberlain en nombre del gobierno inglés). Para Forrester, que Herzl y los fundadores del sionismo hayan accedido a "amalgamar a los judíos, considerarlos un pueblo extranjero" y buscar para ellos un "hogar" se alzó contra la posibilidad de que hogar estuviese en las naciones de origen. Lo cual, según ella, habría sido posible en Europa Occidentaunque no así -lo reconoce- en la Rusia zarista y otros países donde los pogromos estaban a la orden dedía. Para la autora, la aceptación por parte de Herzl de la idea de que los judíos europeos debían emigrar no hacía sino responder al deseo antisemita reinante en círculos del poder y la cultura de la época. Por eso, insiste una y otra vez en la necesidad de analizar por qué fue creado el Estado de Israel, a quién beneficiaba su establecimiento en ese preciso lugar y cómo perjudicó la posibilidad de la población palestina, asentada allí desde antiguo, para ingresar en el proceso mundial de descolonización. El crimen occidental no es un título caprichoso: Forrester afirma a todo lo largo del libro una idea central. Es preciso para israelíes y palestinos "localizar cuáles fueron los iniciadores de sus adversidades y qué

una parte a la otra ("los israelíes actúan como los nazis" o "los palestinos son herederos de Hitler") hacen surgir fantasmagorías que sólo aportan una cristalización nociva de los espectros del pasado e impiden la racionalidad. Esa racionalidad que haría posible entender que ambas partes son víctimas de "este Occidente que no padece de ellos", un Occidente culpable de "tanto desamparo judío, de crímenes antisemitas fomentados y perpetrados en Europa". El texto oscila entre el alegato ferviente por el logro de acuerdos que lleven a la paz y el análisis minucioso de los procesos que impulsaron la tragedia. La autora considera a Israel un país único en el mundo, ya que "se trataría de una colonia sin metrópoli, sin país originario al que los colonizadorespodrían eventualmente regresar. La metrópoli y los lugares colonizados formarían un solo y mismo territorio". Según Forrester, no fue una empresa colonizadora tras riquezas y expansión sino la búsqde un hogar que protagonizaron "occidentales pobres (aunque financiados), acorralados por doquier y quellegaron a forjarse otro destino, una identidad nueva"

Pero, insiste, ese logro era el resultado de la condescendencia de los países occidentales, a costa de los palestinos, los "indígenas". Esos occidentales a los que acusa de aligerar sus conciencias arrepintiéndose del antisemitismo bajo una forma, la emigración judía, "que no implicaba (y que incluso liberaba) sus suelos nacionales". Poder alejarse de esa intencionalidad de Occidente, de ese "crimen occidental", ser

Ltierra que pisan, aprendan a respetarse mutuamente y a vivir en paz.



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El amante judío

VICENTE MOLINA FOIX 14/03/2009

La primera novela del cosmopolita André Aciman (nacido en 1951 en Alejandría de una familia sefardí, educado y educador universitario en Estados Unidos, escritor en inglés) no está a la altura de sus ensayos literarios pero se lee con gusto. Su trama, el exaltado amor que Elio, un adolescente judeo-italiano, siente por Oliver, el joven escritor, medio invitado, medio empleado, que su familia acoge, según una costumbre anual, en su mansión costera, recuerda en más de un motivo y situación las novelas de David Leavitt, aunque resulta evidente que los modelos literarios de Aciman van más allá; la temperatura pasional, la obsesión fetichista y ciertos asomos de un enfermizo sentimiento de culpa tienen ecos proustianos, careciendo de la saludable, robusta y a la postre romántica resolución de tantas fábulas de Leavitt. También las resonancias hebraicas podrían remitir a Proust, aunque prefiero, en tan breve reseña, no meterme en el berenjenal talmúdico. Los familiares de Elio son, como él mismo dice, "judíos muy discretos", y el norteamericano Oliver un exhibicionista de su judaísmo; a costa de esas diferencias, el autor introduce algunas picantes alusiones al alarde de los miembros viriles circuncisos.

Llámame por tu nombre

André Aciman

Traducción de Guillermo Díaz Ceballos

Alfaguara. Madrid, 2008


El romance amoroso se desarrolla entre partidas de tenis, paseos en bicicleta y devaneos que tanto Eliocomo Oliver tienen con algunas señoritas locales, lo qummuchachos tan librescos como ellos, están muy bien urdidas, destacando la intriga de los dos ejemplares, uno dedicado con un mensaje críptico, de la novela Armance de Stendhal. Sin embargo, lo más poderoso, narrativamente hablando, del libro, es lo más atrevido, lo que bordea una elegante forma de soft porn, quetiene su apogeo en el episodio en que los amantes se trasmiten el fluido seminal por melocotón interpuesto. La deficiente traducción castellana desgracia el refinamiento del tA

e permite a Aciman aproximarse también al

undo de Bassani en El jardín de los Finzi-Contini. Las alusiones literarias, abundantes y lógicas en

exto original de André ciman. -

http://www.elpais.com/articulo/narrativa/amante/judio/elpepuculbab/20090314elpbabnar_2/Tes



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El hombre desciende del libro

FRANCISCO SOLANO 14/03/2009

Los escritores y el mundo de la literatura y su trastienda ganan presencia en la oferta editorial. Varios títulos de diferentes géneros muestran la evolución de esos cambios

Si existiera, por algún lado, en esta primera década del siglo XXI, un émulo de Cansinos Assens, seguramente, a la horvsiempre se ha llamado experiencia literaria o mundo de las letras. Respecto a lo primero podría, tal vez, hilvanar su proceso de formación con relación a las obras que conformaron el fortalecimiento de su espíritu, pero poco podría decir del mundo literario. La injerencia de Internet hliterarias y los blogs han sustituido los debates y las tertulias. Y se da el caso, bastante curioso, de que muchos best sellers que usan la teoría de la conspiración de telón de fondo, ya sea en la época de los primeros cristianos o en una trama de espionaje actual, han descartado el único lugar en que esa teoría es infalible: la galaxia Gutenberg, víctima de la confabulación de las nuevas tecnologías. Estos cambios, tan apresurados y radicales, han dsurgieron, en nuestro ámbito, figuras como Larra, Baroja o Carlos Barral; hoy, pese a no carecer deprestigio, el escritor posee una proyección social mezcla de empresario de éxito y marca de fábrica.

a de escribir sus memorias ya avanzado el siglo, se ería en un aprieto si tuviera que dar cuenta de lo que

a transformado por completo el universo de relaciones

esplazado aquel espacio pasional y humanístico del que

El modo de relacionarse con los libros ha cambiado tanto que cualquier tiempo pasado ya es leyenda

De ahí que no sea extraño que, en el prefacio a Una especie en peligro de extinción, donde recoge sus mejores entrevistas a escritores norteamericanos -entre otros, Bellow, Bradbury, GinsbeOates, Neil Simon-, Lawrence Grobel deplore el espíritu disolvente de nuestra época: "No sé si los escritores", dice, "tienen el mismo poder sobre nosotros que tuvieron en el pasado, pero sí sé que nosotrosnos hemos rebajado por el hecho de que no sean reconocidos del mismo modo que las estrellas del rock, las estrellas de cine o los deportistas profesionales". La prosa es calamitosa, pero acierta al poner el acento en los protagonistas de la historia. La evidencia de esa "rebaja" salta a la vista. Pero esto hace más valioso, si cabe, el libro de Grobel; pues, con la sabrosa variedad de temas literarios y fobias -las observaciones de Carol Oates sobre boxeo y feminismo, por ejemplo, son estupendas-, seguimos el ritmdel pensamiento del escritor, y las preguntas colaboran sagazmente a tentadora para una efigie parlante. No es un repertorio de agudezas, sino una consulta a las voces que aútienen algo que decir sobre la vieja pasión literaria, antes de que se extinga la figura del escritor.

Los cambios

rg, Ellroy, Carol

o que no caiga en la coquetería, tan

n

necesitan abastecerse de nostalgia, y lo que siempre permaneció en un ámbito restringido, ra para abordar cualquier

una novela, una brillante retahíla de vapuleos que utiliza todos los recursos imaginables para cerrar el paso al ciudadano que, tras la euforia de terminar una novela, la envía a un editor y espera pacientemente que sea aceptada. Son 99 maneras de decir no, 99 cartas de rechazo donde se retrata la ambigüedad, la amargura de la

hoy se puede airear gracias al ingenio y a la indeclinable porosidad de la literatucuestión. A esto se dedica, con mucho talento, Camilien Roy en El arte de rechazar



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decisión, la deriva ideológica, el cansancio, las sutilezas y miserias de la profesión de editor. Detrás de rsonaje singular. Roy compone, más que un conjunto de voces diferenciadas, una

y del friso general se desprende, para regocijo del lector, un humor tonificante, una os de crisis.

los libros. Javier Azpeitia, además de editor, la intertextualidad, afanoso recopilador de

itibros, donde no falta El libro de arena de ro se desvía del modelo reiterado e incluye

arración La biblioteca del infierno, de Zoran te y no poder dejar de hacerlo. La travesía

structoras; del libro oculto, al viejo vicio de erte de magias y maleficios, y una certeza, o

mos y que el libro, como bien advierte Azpeitia,

ualquier tiempo pasado ya es leyenda. En r retrato de un emigrante judío ruso, rero de viejo que habilita su negocio en un sa memoria, para quien la realidad empieza

de santificación laica, Zweig traza admirablemente do por la burocracia de la guerra a un campo l Imperio Austrohúngaro. La realidad

ro Mendel, el extravagante buscador de libros,

La obviedad de que los libreros, junto con los bibliotecarios, han sido los más acreditados defensores del libro nos transporta a una realidad que s los de imitación. Aún quedan libreros, claro está, y, según la pauta común, si se a, ésta será una defensa de la lectura,

ndica que siguen aferrados a la hermosa quimera. Mary Ann Shaffer y Annie Barrows an ejercido de libreras, de bibliotecarias y de editoras. A Shaffer, que falleció en 2008, le

y la larga dedicación que hizo posible la existencia de La patata de Guernsey, el único libro que escribió, una novela

epistolar con evidentes dosis de encanto británico, capaz de transmitir el valor de la lectura como dida por el ejército alemán. No faltan historias, ni carecemos de testimonios

que rememoran la excelencia del libro, pero ¿no indica su abundancia que el libro, en tanto que objeto, se mo los fantasmas, en materia de ficción?

rcelona,

m/articulo/narrativa/hombre/desciende/libro/elpepuculbab/20090314elpbabnar_6/Te

cada carta hay un pesuma de actitudes,higiénica autoburla muy apta para estos tiemp

A un editor, al menos por contagio, se le supone pasión por es novelista, hombre de heterogéneas lecturas, entusiasta detextos con un tronco común y generador de propuestas edpuedan evitar lo irremediable. Ha coordinado un Libro de lBorges o las páginas del 'Donoso escrutinio' del Quijote, petres fragmentos de los Libros de Henoc, y la pasmosa nZivkovic, donde el castigo infernal consiste en leer eternamende estas páginas lleva al lector de la infinitud a las llamas dedestruir los libros. En medio, Libro de libros depara toda sutal vez dos: que la sociedad no necesita los libros que amaes un objeto más inevitable que imprescindible.

El modo de relacionarse con los libros ha cambiado tanto que cMendel el de los libros, Stefan Zweig realiza un conmovedototalmente concentrado en la búsqueda de libros raros. Un libviejo café de Viena, abstraído de todo, excepto de su prodigioy termina en el arte de la bibliografía. Con una suertela figura desastrada del librero y su trágico destino, arrastrade concentración, acusado de colaborar con los enemigos dehistórica aplasta así a quienes se niegan a servirla, y el librese convertirá, para el narrador, en melancolía de la memoria.

oriales que huyen de lo previsible, aunque no

e está despoblando de modedeciden a escribir una novel

lo que sin duda i(tía y sobrina) hcorresponde el grueso de la documentación sociedad literaria y el pastel de la piel de

resistencia en una isla inva

está transformando, co

-

Una especie en peligro de extinción. Lawrence Grobel. Belacqva. Barcelona, 2008. 433 páginas. 26 euros. El arte de rechazar una novela. Camilien Roy. Bruguera. Barcelona, 2008. 177 páginas. 16 euros. Libro de libros. Javier Azpeitia (coordinador). 451 Editores. Madrid, 2008. 253 páginas. 22 euros. Mendel el de los libros. Stefan Zweig. Acantilado. Barcelona, 2009. 57 páginas. 9 euros. La sociedad literaria y el pastel de piel de patata de Guernsey. Mary Ann Schafer y Annie Barrows. RBA. Ba2009. 303 páginas. 16 euros.

http://www.elpais.cos



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La otra versión s que hacen justicia a la memoria de José María Rosa, eje vertebral

del revisionismo histórico de orientación nacional y popular

Pacho O´Donnell El cóndor ciego

Acaban de publicarse dos libro

Sábado 14 de marzo de 2009

José María Rosa Fabro / 72 páginas / $25 José María Rosa. El historiador del pueblo Por Enrique Manson Ciccus / 399 páginas / $90

Acaban de publicarse dos libros que hacen justicia a la memoria de José María Rosa, eje vertebral del revisionismo histórico de orientación nacional y popular, corriente que surgió a raíz de la crisis del año 30 y que puso en evidencia el entramado cómplice del imperialismo británico con la dirigencia oligárquica, y cuyo objetivo fue rescatar una visión de nuestra historia "desde lo nuestro" (no es casual que la reciente crisis del 2001 haya potenciado el resurgimiento de dicha corriente "agiornada"). Enrique Manson dedicó varios años a escribir una amena y fundamentada biografía de "Pepe" Rosa, como todos lo llamábamos ( José María Rosa, el historiador del pueblo ). Y tiene pergaminos para

s

hacerlo porque fue uno de sus más estrechos discípulos y colaboradores. Rosa no fue un estudioso de escritorio sino que se comprometió con sus convicciones. Fue peronista aún antes de que Perón fundara su movimiento pues el revisionismo histórico que también integraban Irazusta, Cooke, Doll y otros, y el grupo Forja de Jauretche, Scalabrini Ortiz, Manzi y otros, con su prédica impregnada de raíces nacionaley de reivindicaciones sociales, prepararon su advenimiento.



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El otro libro es la reedición de una obra clave de Rosa a pesar de su brevedad, El cóndor ciego. La extraña muerte de Lavalle . Su título remite a una cruel tradición de nuestro Noroeste: a un cóndor se lopriva de visión y entonces, en una anhelante búsqueda de luz, vuela en línea vertical hacia el cielo hastaque, agotado e impotente, se deja caer a la tierra en una mu

erte suicida.

e las cosas no habían sido tan claras: la tercerola que de avancarga, de limitado alcance y escasa fuerza de

a no quedan impunes: acosado por la culpa

ue

r y jerarquizar la memoria y la obra de uno de nuestros mayores intelectuales del campo popular. Alguien que tuvo el coraje, en nombre de la

rdad en la que creía, de oponerse a la academia y el oficialismo historiográfico, lo que lo condenó a un ostracismo que hoy hace casi imposible encontrar sus publicaciones en librerías. Y lo que es

uiere

Rosa nos demuestra en estas páginas que la investigación histórica no tiene por qué ser árida y presuntuosa y nos regala un relato apasionante (como lo son todos sus textos) con la intensidad del mejor thriller . El cóndor ciego es aquí Juan Lavalle, el valiente oficial que en los años siguientes fue protagonista de dos de las mayores atrocidades de la historia nacional: el fusilamiento de Dorrego y la jefatura del ejército que pretendió defenestrar a Juan Manuel de Rosas con la complicidad de la Armadafrancesa que en 1849 bloqueaba el puerto de Buenos Aires. Nuestra historia oficial aceptó y consagró laversión de que Lavalle murió por una bala azarosa de un gaucho federal que atravesó la cerradura de la puerta de la casa de Jujuy donde había buscado refugio en su huida hacia Bolivia, escapando de la furia de Rosas. "Pepe" Rosa, en forma magistral, demostraría quportaba la partida federal era un arma de chispa,penetración. Era imposible que un proyectil de tercerola pudiera atravesar una puerta de macizo cedro tucumano como la de la casa de Zenarruza. Por otra parte también es imposible que una bala hubiera pasado a través de la cerradura pues una bala de tercerola tiene un diámetro de 17 mm por lo menos y el ojo de llave no pudo ser mayor de 18 mm. La bala debió entonces recorrer todo el ojo de la cerradura en una extensión mayor de 50 mm, el grosor de la puerta, sin desviarse un milímetro de su línea. Aun suponiendo que tal milagro pudiera haberse dado, siempre según Rosa, la dirección de ese disparo no habría podido herir a Lavalle en el cuello porque la cerradura se alzaba a un metro veinte del suelo, es decir que el jefe unitario debió estar "rodilla en tierra" para recibirlo en el "pescuezo". Lo que trasunta el texto de Rosa es que las traiciones a la patride sus desvíos Lavalle fue cayendo en un profundo estado depresivo. Pesaba sobre su alma el fusilamiento de aquel a quien la gente humilde, la plebe, amaba, tanto que en el parte que él mismo redactó de puño y letra se refirió a "un pueblo enlutado por él"; también el haber conducido un ejército y matado compatriotas al servicio de un imperio extranjero con el pretexto de luchar por la "libertad", en ambos casos al servicio de los intereses de los "notables" de Buenos Aires. A Lamadrid, que lo encontró en Córdoba, fue tal la impresión que le produjo la depresión de Lavalle qlo compadeció en extremo en su interior, pues, "acabé de convencerme de que estaba agobiado por el peso de sus desgracias, siendo esta causa la que lo había reducido a dicho estado". Finalmente, en la jujeña casa de Zenarruza, el cóndor ciego plegó las alas y se dejó caer hacia la muerte. Estos dos libros cumplen con una premisa impostergable: rescata

ve

imperdonable y vergonzoso es que sus textos y los de otros revisionistas no se estudien en las universidades argentinas, exclusión que, afortunadamente, por el empuje del interés de la gente que qconocer una historia argentina menos tendenciosa, comienza a resquebrajarse.




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Maternidades inquietantes

or A. M. Homes

Jaime Zulaika / 212 páginas / $72

, 1961), especie de "niña rrible" y "niña prodigio" (comenzó su carrera

olémicas ndagan el lado oscuro (o más

iones humanas y la vida familiar. La hija de la amante es un ejercicio de autoficción en el que despliega su propia historia como hija de un amor ilegítimo. El libro primero, del mismo título que la obra, es el núcleo y también lo mejor de esta novela de familia. Un buen día, la reaparición de la madre biológica (Ellen Ballman), hasta entonces desconocida, perturba y trastorna la vida de la mujer adulta, ya convertida en escritora, que tiene una armoniosa relación con su familia adoptiva. Anhela saber, pero no sabe si aceptar o rechazar a unos padres en los que encontrará amados y también odiados reflejos, anticipaciones o presagios de sus propias señas identitarias. Fascinación y repulsión signan sus vínculos con la extraña pareja rota de sus gestores carnales: madre emocionalmente inestable, para siempre soltera, marcada por su amor adolescente a un hombre casado: ese padre triunfador, negador, desaprensivo, que se acerca y se aleja de su hija reencontrada, y que finalmente descartará la posibilidad de integrarla a su familia oficial. En estas páginas, que describen luminosamente la ambivalencia de los sentimientos, los dilemas de la genética y de la cultura, las redes imborrables de la herencia, el significado de la maternidad y la paternidad, brilla lo mejor de la escritura de Homes: cuando es incisiva, precisa, y a menudo despiadada tanto con sus propias percepciones y reacciones como con la conducta de los demás.

os siguientes libros, de ritmo desigual, no alcanzan, en su conjunto, similar potencia narrativa y creativa. on

o, y concluyen, por ica

a can

en=premium

Sábado 14 de marzo de 2009 María Rosa Lojo La hija de la amantePAnagrama / Trad.

A. M.Homes (Washingtonteliteraria a los diecinueve años), es autora de pnovelas y relatos que ibien, silenciado) de las relac

L"Desembalando a mi madre" implica sacar a luz el pasado de Ellen Ballman (ya muerta), encapsulado csus pertenencias, lo que a veces resulta una aventura patética e incitante. "El antropólogo electrónico" se pierde en una intrincada búsqueda de raíces por todas las líneas familiares, biológicas y adoptivas; no carece de interés, pero la acumulación de nombres y sucesos, sin que las historias de cada uno logren desarrollarse, termina diluyendo el relato en un vértigo laberíntico. "El culo de mi padre" y "Como un episodio de La ley de Los Ángeles " se focalizan en Norman Hecht, el padre evasivmedio de la parodia del interrogatorio judicial, en la airada invectiva, corroborando la verdad psicológde que el amor negado se convierte en odio. Finalmente, "La mesa de mi abuela" aborda, a partir de lmatriarca familiar de los Homes, una experiencia de reconciliación de todos los legados, que desemboy se reúnen en la propia hija de la autora: Juliet, cuyo nacimiento ha implicado apostar contra el miedo y ganar, así como superar en un gesto de afirmación empecinada todos los escollos físicos que parecían vedarle la maternidad.

http://adncultura.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1107266&orig



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La maldición de un ser errante

SERGIO RODRÍGUEZ 14/03/2009

En 1917 el Premio Nobel recayó en dos autores daneses, Karl Gjellerup (1857-1919) y Henrik Pontoppidan (1857-1943), ambos hijos de pastores protestantes que renegaron de la tradición familiar para abrazar la renovación cultural escandinava promovida por el crítico Georg Brandes. Si bien cada uno interpretó a su modo la peculiar transición de su país a la modernidad, que coincidió con su declive como potencia tras las sucesivas derrotas ante Reino Unido y Prusia, es a Pontoppidan a quien corresponde el mérito de haber plasmado los contrastes de la época durante su prolífica carrera de escritor. Como buen naturalista se ocupa de recrear la sociedad a través de sus contradicciones, aunque él da un paso más allá del determinismo e interviene en la psicología de sus personajes -perfilados casi como genios o superhombres nietzscheanos- con un nivel de exigencia a la altura de las expectativas que ellos mismos se crean y que el sistema no les permite realizar.

Per el afortunado

Henrik Pontoppidan

Traducción de María Pilar Lorenzo Ediciones de la Torre. Madrid, 2008


Su novela por entregas Per el afortunado -el sarcasmo también inspira los títulos de los ocho volúmenes en que la obra fue publicándose entre 1898 y 1904- resulta interesante porque en ella Pontoppidan rinde cuentas consigo mismo. Y lo hace con una honestidad admirable; para que se hagan una idea de la arrogancia con que el protagonista reniega de su origen tomen nota de esta frase: "Lo que arrastro de mi pasado cabe en un bolsillo del chaleco". Así se las gasta el tal Per cuando todavía es joven y se va a comer el mundo, poco después de abandonar su Jutlandia natal huyendo del cristianismo exacerbado de



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su familia. Sus años de estudiante de ingeniería en Copenhague pueden ser vistos como la forja ejemplar imparable ascensión de un megalómano trepa. Tanta audacia, gallardía y de dignidad y soberbia- esconden la maldición del hombre errante

ontrarse nunca a sí mismo. Porque este pijoaparte danés capaz de cualquier cosa, un crucifijo hasta dar el braguetazo con una heredera judía, resulta ser la primera insaciable que rechaza lo que se propone antes siquiera de haberlo conseguido.

structura de una clásica novela de aprendizaje - todavía más irónico- se esconde un ejercicio de n del yo. De ahí que el protagonista ocupe tanto

supeditados a él; sólo Jakobe, su amor y antagonista, por mérito propio en la auténtica heroína moderna. Y

por las innovaciones formales, bastaría su tratamiento so y su habilidad para recordarnos, en estos tiempos

raleza del capitalismo rampante o el riesgo que eños del progreso. -

te/elpepuculbab/20090314elpbabnar_8/Tes

de un self-made man o como lale vertienteorgullo -con su dob

condenado a no encdesde pegarle un tiro avíctima de un carácter

Per el afortunado es más de lo que aparenta: bajo la econtada con pulso épico para que el desenlace resultedeconstrucción cuya aventura consiste en la anulacióespacio narrativo y los demás personajes quedenparece cobrar total independencia para convertirse aunque el estilo de Pontoppidan no se caracteriza del concepto de identidad para afirmar su vigencia. Ede quiebras y desplomes bursátiles, la auténtica natucorremos cuando los especuladores se hacen los du

http://www.elpais.com/articulo/narrativa/maldicion/ser/erran



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El trabajo de la memoria

Sábado 14 de marzo de 2009 Raquel San Martín El volver de las imágenes Por Oscar Steimberg, Oscar Traversa y Marita Soto (comps.) La Crujía / 444 páginas / $ 45

Si, como escribió Paul Ricoeur, "la memoria es un trabajo", analizar los modos en que una sociedad guarda su producción cultural, la recuerda y la olvida, la ordena y da acceso a ella es parte de la tarea. A recorrer la memoria de lo visual y sus registros en el país se dedica El volver de las imágenes. Mirar, guardar, perder , volumen compilado por Oscar Steimberg, Oscar Traversa y Marita Soto, que reúne 28 trabajos realizados durante 12 años, como parte de distintos proyectos de investigación en la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA. "Los archivos audiovisuales se nos presentan como espacios privilegiados para observar cómo en nuestra sociedad se guardan, seleccionan, ordenan y también olvidan eventos socialmente significativos", dicen Soto y Gustavo Aprea. Esa idea recorre todo el libro.

se recuerda y e, la

Algunas líneas vertebran el contenido del libro. En un primer lugar, que la memoria es social y, por eso, histórica. La imposibilidad de acumular, reg eloz y ubicua producción de contenidos audiovisuales contemporánea genera otros modos de recordar. Mientras que la escritura favoreció la

taxonomías, dicen los autores, lo audiovisual provoca hoy indagaciones parciales y azarosas y puntos de vista personales. Otro concepto es la ausencia de una "gestión de la memoria"

ducción mediática y, por eso, ia de un "estilo de época" que

cupación central de la política y la cultura, pero lo deja siempre recortado por esente. El libro permite asomarse a la producción intelectual de un grupo: los

textos dialogan, se citan y aplican conceptos deudores de los trabajos de Steimberg y Traversa.

a de

El campo que aborda es generoso: cómocataloga la producción televisiva, el cinpublicidad; cómo se archiva y descarta Internet; cómo registran los medios la aparición de otros medios y la actividad artística. Los trabajos difieren en enfoque y estilo de escritura, desde los más teóricos hasta los informes de investigaciones precisas. La crítica cinematográfica y de arte, los suplementos culturales de los diarios, algunos archivos audiovisuales públicos, los talk-shows televisivos de temática deportiva, los canales de cable Volver y Retro, las historias de los medios y del cine, y hasta una frase de Walter Benjamin ("La moda es un salto de tigre al pasado") son objeto de las indagaciones.

istrar y ordenar la v

construcción de listas y

estatal que haya construido archivos homogéneamente organizados de la prola vigencia de criterios clasificatorios dispares. Steimberg señala la existenctoma el pasado como preolas fascinaciones del pr

Uno de esos lineamientos consiste en suspender el juicio valorativo y la condena moral sobre los contenidos mediáticos, frecuente en muchas investigaciones de este campo, para tomarlos como puertentrada privilegiada a la cultura.




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Una aventura realmente siniestra

Enrique Vila-Matas 14/03/2009

Sicilia, hacia 1980. En un catálogo de viejas fotografías de la isla un señor llamado Gesualdo Bufalino escribe un prefacio que deja boquiabierto a Leonardo Sciascia, que intuye que tiene que haber una inteligencia literaria detrás de ese breve texto. En la isla se conocen todos y a Sciascia le extraña no haber tenido nunca noticia alguna de don Gesualdo, escritor seguramente secreto. Pregunta por él, lo localiza, y resulta ser un discreto profesor de sesenta años, natural de Comiso, que al recibir la llamada de Sciascia se pone muy nervioso y niega ser escritor, aunque acaba confesando haber traducido en cierta ocasión, por su cuenta y riesgo, las maravillosas Contrerimes, de Toulet. ¿Y eso es todo? A Sciascia le parece que esa traducción la ha colocado don Gesualdo de cortina de humo para que no intente descubrir que tiene otros escritos escondidos. De modo que insiste y, tras un tiempo de intenso acoso, el profesor se derrumba y acaba confesando que tiene escrita desde hace diez años una novela titulada Diceria dell'untore (Perorata del apestado).

Le puede prestar el manuscrito, dice don Gesualdo, pero desaconseja por completo su publicación. Y a la pregunta de Sciascia de por qué tantos secretos y problemmorales que se deben hacer públicas, pero que ése no esle parece simplemente una operación de baja lujuria, unasobre sí mismo, destinada, por tanto, a una utilización Bufalino sufrir lo público como si fuera un baldón, un seestuviera delante de una uniformada comisión médica msíndrome de Wakefield, tomado de aquel personaje de Hawthorne que abandonó su propia casa para irse a vivir a la de enfrente y espiar desde allí -invisible y cabe suponer que dichoso- la vida de su propio hogar. A ese síndrome de Wakefield, dice don Gesualdo, habría que añadirle un completo rechazo del sentimiento de protagonismo y una gran pasión por perder siempre en todo. Hasta en el ajedrez -al que ha jugado desde niño- prefiere adscribirse al llamado juego del autómata, que consiste en obligar al contrincante a vencer a pesar suyo.

En los siguientes días, Bufalino se dedicará a seguir revelándose como un gran raro ante su descubridor siciliano. Le gusta extraordinariamente, le dice, la cultura francesa. Nada de particular, si no fuera porque explica que durante muchos años la boina de Michèle Morgan y las medias de Arletty y, sobre todo, Louis Jouvet recitando Verlaine mientras lo arrestan ("dans le vieux parc solitaire et glacé") le parecieron el máximo de cualquier sensación artística. ¿Ironiza? Todo lo contrario. Se diría incluso que su estética procede del viejo parque solitario y glacial.

Recuerdo haber leído Perorata hacia 1983, en Mallorca, en una casa junto a un parque que no tenía, por cierto, nada de glacial. La leí en un verano muy caluroso y en la histórica primera edición de Anagrama, en la valiosa traducción de Joaquim Jordà, que debió de luchar a fondo con las dificultades de trasladar al castellano el brillante estilo barroco del autor; un estilo que da tenso cobijo a una historia de fragilidad, enfermedad, delirio y muerte: "Sólo por esto yo me había salvado de la guadaña: para prestar testimonio, cuando no delación, de una retórica y de una piedad. Aunque ya supiera entonces que preferiría

as, dice que considera que existen escrituras precisamente el caso de su Perorata, novela que especie de interminable y falsificado chisme

estrictamente privada. Asegura además el profesor ntirse "tan desnudo y humillado como si ilitar". Y a todos esos penares les da el nombre de



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permanecer callado y llevarvulo de reserva...".

a lo largo de los años mi perorata al seguro debajo de la lengua, como un

seria mortal surge de la experiencia autobiográfica de Bufalino en un os años cuarenta, después de la guerra, cuando la tuberculosis mataba como en

Thomas Mann había tratado el tema, pero la experiencia vital de Bufalino fue

de la vida y de la historia, la curación el mundo visto como un sanatorio que sería tanto un lugar de amparo y

nfinita.

de las "máximas sensaciones artísticas" sobre las nto si no será una de esas máximas sensaciones

ue creí encontrar en su día y he vuelto a reencontrar de la historia misma de fatalidad que cuenta el libro

ue le manifestara don Gesualdo a Sciascia cuando éste u destino de escritor "contenía las extrañas

o que decirle que después de haber publicado una veintena notoriedad, mi experiencia confirma su presentimiento: se

afirmación de Sciascia. En mi relectura de Perorata he se presentimiento que, como si fuera el paisaje de fondo

culto entre las páginas del libro. Y he eta, la verdad desagradable sigue asomando: la

afioso centro de la selva fúnebre de su le como un escritor de gran talento anunciando la ngranaje editorial, por todo este mundo que no

ía en que Bufalino, tras haber publicado varios y habló del paisanaje cargante que había visto

rdó su paciente vaso. "No debí nunca acceder a publicar", debió

ó

Esta historia de fragilisanatorio de Palermo en lel siglo XIX. Es cierto que radicalmente distinta. Destaca en el libro la paradójica exuberaemocionada inteligencia con la que son tratadas la degradaciónvivida como culpa y deserción, y

dad y mi

ncia de la voz terminal que narra y la

de hechizo como el eco siniestro de la desdicha más i

Hoy, pensando en esa retórica terminal y en la cuestiónque sin un ápice de ironía peroraba Bufalino, me preguextremas -en concreto la más escondida de todas- la qen Perorata: esa impresión aciaga que se halla dentroy que se diría emparentada de fondo con aquello qiba ya a publicar la novela: el presentimiento de que ssimientes de una siniestra aventura".

"Señor Bufalino", le respondió Sciascia, "tengde libros y de haber alcanzado un cierto éxito ytrata de una aventura realmente siniestra".

Nada que añadir, salvo que nada más cierto que lavuelto a merodear por la sensación extrema de ede toda incursión en lo público, se percibe extrañamente oconfirmado que han pasado los años y, como diría el politeratura es una sinfonía de cuervos, hoy perdidos en el mindustria. Con tal estado de cosas, nada tan comprensibsemana pasada que se va: "Fui atrapado por todo este epodía imaginar cuando publiqué mi primer libro".

La reciente decisión de Lobo Antunes me recordó el dlibros después de Perorata, decidió regresar al silenciocircular por la pista de su aventura siniestra. "No quiero seguir entre esos miserables, esa gente es terrible", afirmó después de que se armara en Italia un ingrato conflicto por un premio que le había sido otorgado. Para entonces, el panorama para Bufalino se hallaba ya saturado de resentidos o de simples estúpidos. Y aquélla fue la gota que desbode pensar el escritor. Y su decisión de apartarse fue el comienzo de "una vida desnuda, un círculo de díasprevistos, ya para siempre a las puertas de la noche", pero también el sabio retorno a una escritura en sigilo, y en el fondo el regreso a una vida mucho mejor. Si venía de convivir con un orfeón de cuervos, ahora al menos recuperaba el encanto de las mañanas. Volvían las rosas, el café, el sol, la ventana abierta, el sueño de no haber publicado nunca, la alegría del inédito.

www.enriquevilamatas.com

http://www.elpais.com/articulo/narrativa/aventura/realmente/siniestra/elpepuculbab/20090314elpbabnar_9/Tes



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Tolerancia y libertad en el pensamiento indio

JESÚS MOSTERÍN 14/03/2009

ltural Filosofía. La India siempre ha sido una gran potencia espiritual. En esta época de globalización cuno podemos perder de vista su enorme contribución al pensamiento humano. El jesuita Francisco Javier fue el precursor de nuestro interés indológico, aunque apartado de cualquier preocupación científica. En 1542 llegó a Goa, en la costa occidental de la India, y enseguida se puso a aprender konkani y tamil, para mejor predicar la religión cristiana, que era lo único que le interesaba.

Filosofía de la India. Del Veda al Vedanta. El sistema Samkhya

Fernando Tola y Carmen Dragonetti

Kairós. Barcelona, 2008

736 páginas. 29,50 euros

El patriarca de la indología española es Raimon Panikkar, nacido en Barcelona de madre catalana y padre

ra

hindú. En los años cuarenta se ordenó sacerdote, pero con el paso del tiempo fue abandonando el dogma católico y adoptando el punto de vista de una sabiduría transcultural, abierta en especial al pensamiento de la India. Su hermano Salvador preside y su sobrino Agustín dirige la editorial Kairós, que acaba de publicar el último libro del peruano Fernando Tola y la argentina Carmen Dragonetti, Filosofía de la India, un tocho de 736 páginas repleto de largas citas en sánscrito y aderezado con otras tantas en latín, griego y alemán, todas en su lengua original, como corresponde a autores que dominan doce lenguas cada uno, aunque seguidas de su traducción castellana. Desde luego, no se trata precisamente de una ob



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comercial. Hay que entender su publicación como un homenaje a Tola, patriarca de la indología latinoamericana. Ambos patriarcas, Panikkar y Tola, han superado los noventa años en un estado de envidiable lucidez mental y vivacidad intelectual, de la que es buena prueba este libro.

ujer y colaboradora, Carmen Dragonetti, en Buenos Aires, donde sigue viviendo y escribiendo en inglés y en español.

s

consigo ad. Después de pasar revista a otras variedades del Vedanta, los

autores exponen la filosofía dualista Samkhya, que reconoce materia y espíritu como realidades

a cuatro tesis que se presentan ya en la introducción de un modo programático y que se repiten en las observaciones finales como conclusión. He aquí las tesis: 1. En

a, acusaciones de herejía, violentas persecuciones y un sentido tan pleno como en la occidental, como los

I y

.

Fernando Tola empezó su carrera académica como profesor de griego y latín en la Universidad de San Marcos de Lima. Estudió luego en Bélgica, Francia e Italia. En los años cincuenta aprendió sánscrito y desde entonces se ha dedicado a la indología. Tradujo al castellano varios textos clásicos, incluyendovarias Upánishad y el Rig Veda. Se interesó también por las ideas de científicos como Eddington y Heisenberg, lo que dio lugar a su obra Ciencia y humanismo (1960). En 1964 fue a la India por seis años con una beca de la Unesco. En 1970 se estableció junto a su m

La mayor parte del libro aquí comentado está dedicada a la exposición de los grandes sistemas filosóficoVedanta y Samkhya. El Advaita Vedanta o doctrina de la no-dualidad es la más profunda filosofía que ha producido la India, un monismo panteísta desarrollado con notable rigor intelectual y sin concesiones a la galería, que culmina en el descubrimiento del carácter ilusorio de una consciencia (atman) separada del universo (Brahman). La liberación consiste en la identificación del atman con Brahman, que llevala disolución de su ilusoria personalid

irreductibles y últimas y que recuerda a ideas muy posteriores de Descartes y Leibniz.

La obra está claramente articulada en torno

el desarrollo del pensamiento indio se han presentado los mismos problemas filosóficos que en la tradición occidental, que han sido tratados de similar manera, llegándose en ambos casos a las mismas conclusiones. Por tanto, carece de sentido negar el pleno carácter filosófico al pensamiento indio y concedérselo al occidental tradicional. 2. Tanto en el pensamiento indio como en el europeo ha habido racionalidad e irracionalidad, búsqueda de la verdad y propaganda ideológica, libertad de pensamiento ydogmatismo cerrado, confusión mental y claridad conceptual. Es más, los autores subrayan con razón que, en conjunto, la historia del pensamiento indio presenta mayores dosis de tolerancia y libertad que la europea, cuajada de manifestaciones de intoleranciguerras religiosas. 3. En la India existió filosofía enautores ponen de relieve con múltiples comparaciones entre pensadores de ambos ámbitos. 4. Todo lo dicho en las tres tesis anteriores vale exclusivamente para el desarrollo intelectual anterior al siglo XVIsus secuelas. La filosofía antigua, medieval y moderna temprana europea no es superior a la india, peroambas grandes tradiciones filosóficas quedaron luego superadas por el tipo de pensar que empezó con la revolución científica y que es la base del actual pensamiento universal, que ya no es occidental ni orientalDesde luego, la India de nuestros días está embarcada en este proceso, como muestra, por ejemplo, el excelente florecimiento de la informática en Bangalore. Dejando de lado cuestiones de detalle, me parece que estas cuatro tesis son correctas. -

http://www.elpais.com/articulo/ensayo/Tolerancia/libertad/pensamiento/indio/elpepuculbab/20090314elpbabens_2/Tes



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Un intempestivo sueño entre la tierra y el cielo

FRANCISCO CALVO SERRALLER 14/03/2009

La exposición La bella durmiente, sobre la pintura británica del XIX, en el Museo del Prado, a través de la contraposición de obras del prerrafaelista Rossetti y el olímpico victoriano Leighton

La cosa en sí no puede, en principio, ser más curiosa: nos encontramos en el Museo del Prado con una "pequeña" exposición de pintura victoriana, que compendia prácticamente lo mejor de lo realizado en este arte en el Reino Unido durante el siglo XIX, pero a través de la colección de un museo de Puerto Rico. Aunque esta iniciativa está cargada de un buen conjunto de razones de toda índole, quizá sea preferible orillarlas para centrarse en lo que es y significa la ciertamente singular pintura británica del siglo XIX,

lma-Tadema, a los que el historiador del arte Significativamente bros de ambas corrientes, con lo que, como se apuntó al principio, sin ser una exposición "grande" -cuenta con la

s, todos, salvo uno, Burne-Jones, mediante un cuadro-, sintetiza el meollo esencial del asunto abordado. Alguien podría alegar que falta Whistler para recrear al completo el

a de este artista anglo-estadounidense, de "grosera" inclinación francesa, habría reza british de la selección. No en balde, en 1877, el entonces todopoderoso

rítica injuriosa de un cuadro de Whistler, seguida del sonoro proceso judicial quél, cuya sentencia condenó al primero, pero arruinó al segundo, haciendo

sepultada internacionalmente en el olvido hasta hace unas pocas décadas, cuando, con motivo de la definitiva crisis del vanguardismo lineal al comienzo de 1970, se empezó a revisar la historia completa del arte de nuestra época. Fue entonces, en efecto, cuando, en primer término, se recuperó, junto a otras manifestaciones decimonónicas similares, el interés por la obra de la Hermandad Prerrafaelista, que se había dado a conocer a partir de 1848, y, en segundo, unos años después, por la del amanerado gusto clasicista de ciertos académicos virtuosos, como Poynter, Leighton y A

William Gaunt bautizó como los miembros del "Olimpo victoriano". , en la muestra que comentamos, están representados reputados miem

presencia de media docena de pintore

conjunto, pero la presencimancillado, por su parte, la puJohn Ruskin escribió una cque interpuso éste contra abuena la proverbial maldición española de que "¡Dios te dé pleitos y los ganes!".

El rasgo dominante de Dante Gabriel Rossetti fue la forma más extremada de la pasión

Prerrafaelistas u olímpicos, los únicos que rompen con la unidad cronológica generacional fueron sus respectivos mentores ideológicos: por un lado, John Ruskin (1819-1900), nacido antes, y, por otro, WaltePater (1839-1894), nacido después; ambos, en cualquier caso, considerados no sólo como los mejores y más influyentes críticos de arte británicos del siglo XIX, sino dotados por igual de un estilo literario de

r



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una rara excelencia. Creo conveniente hacer esta acotación porque las artes plásticas y la literaturestuvieron muy ensambladas en el Reino Unido durante el XIX, como se corrobora con tan sólo citarnombres de Rossetti, Thackeray, Swinburne o Browning. Sea como sea, hay que añadir

a los

que la mayoría de los miembros del Prerrafaelismo y del olimpismo victoriano nacieron a lo largo de la década de 1830, que

plo,

asnochada, si bien los prerrafaelistas adoptaron el ideal medievalista, atizado en el continente por los nazarenos alemanes casi

e junto a

ellos, de los que son autores John Everett Millais, William Holman Hunt o Edward Burne-Jones, están

or

os. Al margen de estos inquietantes y extenuantes avatares Rossetti, reunida en sendos libros, La casa de la vida y Baladas y

mundo, pero su obra pictórica no le va a la zaga, no sólo porque su ideal femenino de mujer ensimismada, melancólica e inalcanzable, obsesivamente representado en sus cuadros, no tuvo parangón hasta que fue parodiado en las "mujeres fatales" de fines del XIX, sino porque su sofisticada y originalísima técnica pictórica le distinguió del resto de los mortales.

Precisamente no se le puede escatimar capacidad técnica a Frederic Leighton, hijo de un célebre y acaudalado médico británico, pues se formó en Italia, Alemania y Francia con quien estimó los mejores. Era, además, guapo, distinguido, inteligente, culto, brillante, simpático, muy viajado y amigo de la más exquisita crème social de tres continentes. Voluntarista y metódico hasta lo indecible, este superdotado, por si fuera poco, lo hacía todo bien, desde montar a caballo hasta bailar. En este sentido, no está de más rememorar lo que dijo una entusiasmada joven de la aristocracia italiana a la que sacó a bailar el joven Leighton: "No sé cómo será como pintor, pero para el vals es el mejor de Roma". Pues bien, este dechado de talentos y virtudes, que se demoró en su aplicada formación artística casi durante tres lustros, volvió a

fue, a su vez, la misma en la que vieron por primera vez la luz los impresionistas, lo cual aclara lo suficiente las cosas como para ahorrar comentarios.

Pero ¿cuál es lo que diferencia a los prerrafaelistas y a los olímpicos entre sí? Los primeros, por ejemse dieron a conocer como grupo en 1848, mientras que los segundos, sin más interrelación que la temática y el éxito, lo hicieron, sobre todo, a partir de la década de 1870. Por lo demás, ambas tendencias bebieron en las mismas fuentes del primitivismo vanguardista de semejante forma tr

medio siglo antes, y los olímpicos, por su parte, el ideal ático que el británico Flaxman puso de moda casi un siglo antes. De todas formas, aunque podríamos seguir enumerando esas diferencias anecdóticas que jubilosamente entretienen a los profesores de arte, creo más instructivo centrar la contraposición enfrentando los modelos individuales del prerrafaelista Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), representado en la exposición con el rotundo cuadro titulado La viuda romana (Dis manibus) (1874), y Frederic Leighton (1830-1896), que lo está con una obra no menos pujante y característica, la titulada Sol ardiente en junio (circa 1895). Antes, no obstante, de proceder a este análisis antitético, no podemos dejar dseñalar que estos dos cuadros reseñados y, en puridad, casi todos los demás que ahora se exhiben

afectados por igual por un mismo prototipo ideal femenino de ensoñada mujer, que Maurice Bowra describió certeramente como una romántica manera femenina de mirar lo femenino y que el propio título de la presente convocatoria recoge mediante el rótulo de La bella durmiente.

Segundo hijo de un poeta napolitano carbonario exiliado en el Reino Unido, Dante Gabriel Rossettiheredó, junto a sus hermanos William Michael y Cristina, la pasión lírica paterna, aunque no la política,que, en su caso, quedó compensada por su simultánea dedicación a la pintura. En realidad, el rasgo más decisivamente dominante de Dante Gabriel Rossetti fue la forma más extremada de la pasión, que volcó tanto en el arte como en la vida. Sin recursos económicos, rebelde por naturaleza y, dentro de lo que cabe,bastante autodidacta, Rossetti amó sin medida; esto es: a toda mujer bella que se le puso al alcance y, atormentadamente, a quienes fueron sus dos genuinas musas. La primera, Elizabeth Siddal, con la que se casó en 1860 tras diez años de intensísima relación erótica, pero que fatalmente murió sólo dos años después de los esponsales al ingerir una dosis excesiva de láudano, lo cual culpabilizó de tal manera al artista que introdujo en el ataúd de la difunta toda su producción poética manuscrita, para cuya recuperación se vio obligado, años después, a una macabra excavación de la tumba. Por si no fuera poco lo ya vivido, Rossetti, que se hizo adicto progresivamente al alcohol y al cloral, se enamoró perdidamente de Jane, la mujer de su amigo y colega William Morris, con la que se fugó en 1874. Por unas cosas y potras, no es, pues, extraño que Rossetti muriese, no sin antes haber intentado suicidarse con láudano, totalmente destruido en 1882 a los 54 añexistenciales, la producción poética desonetos, es, sin duda, una de las mejores de la formidable lírica inglesa del XIX, lo cual equivale a decir que de todo el



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Londres en 1860 y, casi de inmediato, empezó a triunfar, sobre todo, a partir de la década de 1870, , con idealizadas recreaciones del mundo clásico

cluida la entonces insólita distinción para un pintor de e hoy todavía es conocido como lord Leighton. Con ste olímpico, elevado al Olimpo, no cambiara su

refinado estilo pictórico, a cuyo pulimento se entregó hasta el último suspiro. De este esmerado momento final es el cuadro que ahora se exhibe con el título de Sol ardiente de junio, donde una hermosa joven, cuyo excitante cuerpo podemos apreciar a través de la gasa transparente que lo cubre, se deja arrastrar lánguidamente por el sopor estival hasta caer en un profundo sueño, ovillada sobre los cojines que cubren los asientos de mármol de su terraza frente a las refulgentes aguas clásicas del Mediterráneo. Aunque la escena le fue inspirada a Leighton por la postura que tomó en su estudio una de sus modelos dormida y, por tanto, fue copiada del natural, se han señalado precedentes históricos tradicionales, como los de Miguel Ángel y Rosso Fiorentino, aunque es obvio que vistos al trasluz de Ingres y su nutrido grupo de secuaces, como, entre otros, Delaroche, Gleyre, Gerôme y, sobre todo, Bouguereau. Salvo el áspero y genial Ingres, toda la restante plétora era el summum del virtuosismo académico, salpimentado con notas de exotismo y erotismo; es decir: lo máximo para ver la vida y el arte desde la barrera, a prudente distancia, cuando ninguno de ambos puede crear problemas. Hasta ahí alcanzaba a llegar el olimpismo: a degustar todo, menos lo fundamental. -

La bella durmiente. Pintura victoriana del Museo de Arte de Ponce. Hasta el 31 de mayo. Museo del Prado. Edificio Villanueva. Madrid. Patrocinado por el BBVA. www.museodelprado.es/

http://www.elpais.com/articulo/arte/intempestivo/sueno/tierra/cielo/elpepuculbab/20090314elpbabart_3/T

cuando formalizó definitivamente su estilo maduroantiguo, que lo llevaron al máximo de la gloria, inser nombrado par en la Cámara de los Lores, por lo qusemejante vía esplendorosa no debe extrañarnos que e

es



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Un coreógrafo de dos cabezas

OMAR KHAN 14/03/2009

Paul Lightfoot y Sol León, inseparables coreógrafos residentes del Nederlands Dans Theater, donde ha reinado Jiri Kylián, representan en Barcelona Silent Screen, una obra elegante, sombría e imponente, y su pieza más aclamada

Difíciles de hacer pero fáciles de ver, las obras coreográficamente complejas del creador checo Jiri Kylián siguen la máxima que ha regido, y aún rige, al Nederlands Dans Theater (NDT) desde sus orígenes hace ya casi cincuenta años, cuando un grupo de disidentes del Het Nederlands Ballet creó este colectivo neoclásico bajo la dirección del maestro Benjamin Harkarvy que, respaldado por el indudable talento coreográfico de Hans van Manen, supo sostener esta compañía que nació sin apoyo alguno pero que conectó rápido con las audiencias. Inspiraciones diversas, rigor en la

esta técnica y ejecución, y gran sentido del espectáculo. Esos son algunos de los nortes que han movido acompañía ambiciosa que siempre ha soñado con seducir a ciudadanos planetarios. "Disfruto mucho cuando veo que el público es gente normal, que va al cine, lee libros, sale con amigos a conversar y también viene a ver danza", asegura Kylián, que ha dejado claramente estampada su huella en esta agrupación que dirigió desde 1975 hasta 1995, creando obras maestras como su emocionalmente contundente Sinfonía de los salmos (1978) y otras mayúsculas como Return to the Strange Land (1975), Sinfonietta (1978), Stamping Ground (1983) o Bella figura (1995). Produce y trabaja como asesor y coreógrafo del actual NDT pero ahora lejos del estrés de la dirección artística. "No echo de menos aquellos días", asevera. "Cuando eres el director artístico de una compañía eres coreógrafo, director, administrador, estratega, psicólogo, diplomático, ginecólogo... todo al unísono".

Lightfoot: "En nuestras piezas hay más figuras masculinas, pero las mujeres adquieren gran relevancia y son el centro"

Sol León: "Silent Screen' supuso un cambio de estilo, la gran inspiración fueron los actores del cine mudo temprano"

Al margen de lo artístico, Kylián creó un modelo de compañía que ha sido ejemplo a seguir. Abrió elNDT2 para jóvenes bailarines y aunque ahora suspendido por razones presupuestarias ideó el NDT3, unacto de amor hacia la gente de la danza, que aprovecha el potencial y la experiencia de bailarines mayoresde 40 años que ya no consiguen trabajo en esta profesión inclemente. O

tra de sus aportaciones fue su

insistente empeño en dar oportunidad a jóvenes creadores. "A mí me dio la oportunidad John Cranko e,

cuando trabajaba en el Sttutgart Ballet. Y estoy muy feliz de decir que gente como William ForsythOhad Naharin, Mats Ek y Johan Inger, Nacho Duato, Paul Lightfoot y Sol León, y tantos otros, han empezado conmigo", dice orgulloso.

"Estaba en el Royal Ballet y no había mucha oportunidad de hacerse coreógrafo", rememora el británico Paul Lightfoot, que junto a su pareja de baile, de creación y de vida, la cordobesa Sol León, son ahora coreógrafos residentes del NDT. "Recuerdo que Jiri se me acercó y me dijo: 'Me han dicho que te gusta hacer coreografías, ¿es eso cierto?'. Hizo mucho énfasis en ello". Y claro que le gustaba. Lo que no estaba



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claro entonces era que su método sería uno inusual, a dos cabezas y cuatro manos, junto a Sol León.lleva 24 años en la compañía. Ella 22. Hasta ahora, el tándem ha producido una treintena larga de piezapara el NDT I, II y III. La más reciente, Passe-Partout, con un ingenioso dispositivo escénico, fue estrenada con éxito por la compañía junior hace unas semanas y sus creadores reconocen que es la continuación de un ciclo de obras de envergadura que iniciaron con Silent Screen (2005), quizá su piezamás celebrada y aplaudida, que se ha visto en Madrid y se verá ahora en el Teatre El Liceu, de Barcelona, en programa compartido con Tar and Feathers, trabajo reciente de Jiri Kylián.

Silent Screen es elegante, sombría e imponente. Su tono apesadumbrado calza con un gran sentido del espectáculo que, al ritmo envolvente de la música de Philip Glass, intenta atrapar recuerdos lejanos desde las pantallas de vídeo que flanquean el escenario. Parece querer materializar paisajes del alma y referirse al universo insondable de la mujer. Es pieza de rigor y luto. "Nos gusta que la gente haga sus propias lecturas de las piezas. Ya he oído que muchos interpretan que se trata de una obra sobre la muerte pero, aquí entre nosotros, puedo decir que es sobre el cambio, sobre las transformaciones en el tiempo de la mujer. A cierta edad, pasa con algunas mujeres que conectan con la verdadera esencia del mundo femenino, y eso produce un cambio brutal". Lo femenino, en cualquier caso, es tema que les atrae. pasar que en nuestras piezas hay más figuras masculinas, pero las mujeres son el foco, adquieren gran relevancia y son el centro", añade Lightf

Él s

e

oot.

es (2001) o la

ho hasta entonces, una concepción más de espectáculo después de hacer muchos ballets centrados en el movimiento. La gran inspiración fueron los actores del cine mudo temprano, el lenguaje corporal usado en esas viejas películas del simbolismo alemán". Y entonces vino Shoot the Moon (2006), una pieza que es notorio que les emociona. Sol León sueña con traerla a España. "Silent Screen es más calmada, pero fue en esta otra en la que notamos que se había producido un cambio en nuestra manera de abordar las piezas. Es más oscura, menos placentera. Habla de la soledad, un tema terrible".Para llegar a este punto de éxito y satisfacción ha tenido que pasar la vida. "Empecé muy niña, en Andalucía, en la época de Franco", rememora ella, "así que me inscribí en los cursos de bailes regionales y me apasionaba. Tenía siete años y decía, de manera muy intuitiva, que quería ser bailarina. A los 18 empecé en serio pero no pasé ni por academias ni conservatorios. Había que ganarse la vida para pagarse las clases en Madrid y eso me dio mucha libertad. Me vine a Holanda, al Nederlands, conocí a Paul y nos enganchamos a la coreografía". Él, sin embargo, quería ser actor. "Vivía en una granja de vacas de leche, al norte de Inglaterra. Me fui a la escuela de actuación y un maestro estaba interesado en estimular a los chicos hacia la danza y escogió a cuatro, entre ellos a mí, así que dejé la idea de actuar y me dediqué a bailar y a hacer coreografías".

Pero las instituciones no son rigurosamente estables. Y ahora mismo soplan aires de cambio por el hoy totémico NDT. Anders Hellström, el que fuera director artístico de la agrupación, ha abandonado su cargo y acaba de entrar el norteamericano Jim Vincent, que estuvo vinculado al NDT desde 1978 hasta 1990 y había colaborado en los años iniciales de Nacho Duato, en la CND española, antes de irse al prestigioso Hubbard Street Dance Chicago. Lightfoot/León confiesan que no saben lo que va a ocurrir, pero se sienten seguros de haber creado un lenguaje que es herencia genuina del NDT. "Llevo la casa donde voy. Yo soy la casa, soy un producto del Nederlands", enfatiza León. "Llegué aquí hace 22 años, al NDT 2, luego al 1, y siempre coreografiando. Es difícil no estar influenciada por su estilo, y mi primera fuente de inspiración fue Hans van Manen, pero hemos luchado, dentro de esos parámetros, por tener un estilo bastante personal. La creatividad es vulnerable, no puedes controlarla. Es un momento difícil porque todo se balancea entre el arte y el negocio, y la pregunta del momento es: ¿quién es el más fuerte?".

'Silent Screen'

"Suel

Después de tantos trabajos para la compañía, el sello Lightfoot/León ha logrado ser una nueva seña deidentidad para el NDT. Obras como Said and Done (2001), Postcript (2005), Safe as houspoética Signing Off (2003), con su lluvia perenne, ayudaron a configurar su particular lenguaje. "Silent Screen supuso una apertura y un cambio de estilo", admite León. "Era la pieza más larga que habíamos hec

y 'Tar and Feathers'. NDT. Del 19 al 22 de marzo. Teatre El Liceu (Barcelona). www.liceubarcelona.com www.ndt.nl

http://www.elpais.com/articulo/arte/coreografo/cabezas/elpepuculbab/20090314elpbabart_8/Tes



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Zambra de la revolución

CARLOS GARCÍA-ALIX 14/03/2009

El librero Manuel Romaní deadentró en la iglesia del Cdifusión de aquella imagen resusordina al caos de su retag

El 15 de diciembre de 1939Torrijos al Palacio de Justicde Madrid.U

bió de maldecir el día en que el fotógrafo Alfonso Sánchez Portela se armen de Madrid y les invitó a comparecer ante el objetivo de su cámara. La

ltó demoledora para el Gobierno republicano, que se afanaba en poner uardia.

el librero Manuel Romaní fue conducido desde la prisión madrileña de ia. Allí compareció ante Eusebio Rams, fiscal secretario de la Causa General

na vez identificado y exhortado a decir verdad lo enfrentaron a una fotografía. Le preguntaron si se reconocía en el miliciano señalado con el número 4, aquel que tocado con bonete

sto bufo sobre un túmulo improvisado de calaveras.

s,

oner de

escondido en una pensión de la misma calle del Carmen.

Una vez más, negó su participación en el crim ista de su conducta y de su verdad reclamó el testimonio de Manuel González, un sacerdote de cuarenta y tres años detenido en los primeros días de agCacuando los milicianos se negaron a cumplir l n su revocación por escrito.

tas

acía falta que se lo recordara el fiscal, que la mayoría de ellos se contaban entre quienes derribaron a golpes de pico y hacha la puerta de la iglesia para a continuación y

clerical se asoma con ge

No era la primera vez que la estampa servía como prueba acusadora. Al contemplar de nuevo aquel instante de su pasado, Romaní debió de maldecir el día en que el fotógrafo Alfonso Sánchez Portela se adentró en la iglesia del Carmen y les invitó a comparecer ante el objetivo de su cámara.Dos días despuéel 1 de agosto de 1936, publicaba la fotografía el Abc "republicano y de izquierdas". La ofrecía con generosidad, a media página, y con un pie que rezaba: "Las milicias de la CNT, que se incautaron de la iglesia del Carmen, han realizado ayer interesantes hallazgos en la cripta de dicho templo".

La difusión de aquella imagen resultó demoledora para el Gobierno republicano, que se afanaba en psordina al caos de su retaguardia. Aquello, más que una incautación revolucionaria, parecía una jarana carnaval salida del pincel del pintor Solana. No faltaba ni la escoba. Para más inri en el centro de lafotografía destacaba una mujer vestida de bailarina y adornada con unos grandes pendientes de gitana.

Romaní reconoció a preguntas del fiscal que en la iglesia se admitían denuncias contra personas de derechas que eran detenidas y encerradas en las capillas laterales del templo. Sólo en una ocasión, reconoció, se había dado "el paseo" a un detenido, un falangista gallego que vivía

en. Y como aval

osto y que a pesar de ser sentenciado a muerte por el jefe del "grupo de custodia de la iglesia del rmen", salvó la vida in extremis. El milagro, pues así lo debió de considerar el sacerdote, se produjo

a orden y exigiero

El sacerdote acudió a declarar días después de que lo hiciera Manuel Romaní, concretamente el 25 de diciembre de 1939. La primera Navidad nacionalcatólica del Madrid de posguerra.

El sacerdote identificó en la fotografía a los milicianos que arrostraban las acusaciones más graves, confirmó sus nombres y apellidos, y antes de detenerse en el juicio que le merecía la ejecutoria de cadauno, recordó que tal como había contado Manuel Romaní, la pasión asamblearia de aquellos anarquisle salvó la vida.Sabía muy bien, y no h

sin darse tregua, mutilar todos los cristos, vírgenes y santos que encontraron. El asalto a los cielos de aquel martes 21 de julio tuvo su colofón días más tarde con la exhibición pública de una surtida colecciónde calaveras, momias y esqueletos desenterrados de la cripta del templo. Las colas para contemplar aquella gesta revolucionaria llegaban hasta la Puerta del Sol.



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A los funcionarios judiciales que recogían las declaraciones del sacerdote debía de resultarles raro y sorprendente que, pese a conocer con detalle estos hechos y otros aún más graves, como "el paseo" del falangista, encontrara siempre una virtud que señalar en cada uno de ellos, un hecho que alabar o undisculpa, por mínima que fuera, que mitigara la gravedad de los cargos.

En su defensa recordó al fiscal cómo en una ocasión sus captores se negaron pistola en mano a entregarlo a otro grupo que le buscaba para matarle. Al final los milicianos no tuvieron má

a

s remedio que sacarlo de noche y a escondidas de la iglesia y ocultarlo provisionalmente en una checa de confianza, "la checa de

el

ía

conocida como "la Chula" y señalada en la fotografía con el ía

n

la

eja por las noticias que llegaban de la iglesia del Carmen llamó a capítulo a los milicianos y descubrió que los carnés del sindicato que presentaban eran falsos.

er la

listeros", que se encontraba a dos pasos de la iglesia, en el primer piso del número 22 de la calle de la Montera, justo encima de un taxi-baile de mala nota, el Sanghai.

En aquellos días de agosto, la afluencia de público al baile era cada vez más escasa. Tener una checa en piso superior aflojaba mucho el ánimo de los clientes, y así era difícil mantener el negocio. Cuando el local finalmente cerró sus puertas, algunas chicas, acompañadas de un botones llamado Leandro, se mudaron a vivir con los milicianos de la iglesia. La piedad evangélica de la que hasta entonces habhecho gala el sacerdote parecía ahora flaquearle al recordarlo.

A Carmen Corao, bailarina de dieciocho añosnúmero 10, la presentó bajo una luz turbia y amarilla. "Mujer provocativa, incitante y de peligro, no tencorazón para los que eran llevados a la iglesia... Cuando me llevaron para fusilarme, le dijo a Leandro: 'Ven, que esta noche tenemos un gran gato".

Carmen era novia de Ramón, un miliciano de diecinueve años sobrado de arrojo pero de escaso entendimiento. En la fotografía aparece señalado con el número 1, presumiendo feliz del fusil ganado en el asalto a los cuarteles. A diferencia de Romaní, Ramón reconoció ante el fiscal ser uno de los que viajaban en el coche que llevó al matadero de la pradera de San Isidro a Víctor Muñoz Baijón, el falangista detenido en la pensión Torío.

El sacerdote sin embargo no tenía motivo alguno de queja: "Desde el principio lo vi en buena disposicióhacia mí y después, con el tiempo, siempre me trató con respeto y hasta con cariño". Lo único que le reprochaba con dolor era su sometimiento a los caprichos de Carmen, como aquello de hacer instalar eniglesia una radio que sólo sintonizaba rumbas, pasodobles y otras piezas por el estilo. "En unión de la Carmen con frecuencia bailaban en la iglesia y allí dormían juntos para escándalo, que por fin pude evitar".

El escándalo no lo evitó tanto el sacerdote como la regional de CNT, que a finales de agosto y con la mosca tras la or

Tirando del hilo descubrieron que el jefe del grupo, "el Olmeda", el número 5 de la fotografía, los fabricaba y expedía a su libre albedrío, se incautaba de las cuotas y, lo que era más grave, se había apoderado de las alhajas incautadas en la iglesia. La respuesta de la CNT fue fulminante: detuvieron a todos los milicianos de la iglesia del Carmen y tras un juicio sumarísimo en el que no dejó de aparecfoto de Alfonso, los mandaron a la cárcel de Porlier. El Olmeda y su novia, otra bailarina del taxi-baile llamada "la Patro", fueron fusilados contra las tapias del cementerio de Aravaca; los milicianos, enviados al frente; y la iglesia del Carmen puesta bajo la tutela y custodia de Manuel González, el sacerdote que había convivido con ellos.

Carlos García-Alix (León, 1958) es pintor y director del documental El honor de las injurias.

http://www.elpais.com/articulo/arte/Zambra/revolucion/elpepuculbab/20090314elpbabart_9/Tes

http://www.ndt.nl/?_m=1-0&_p=program&id=243



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Diálogo entre la ciencia y el arte

Sábado 14 de marzo de 2009

nuevo. Lucian Freud

Por varios autores Lumen / 112 páginas / $ 44

o del pintor,

conformada por una síntesis del marco psicoanalítico y

en el Reino Unido. Los cinco capítulos que conforman la

rno. el cuadro Caja de manzanas en Gales , una naturaleza muerta

realizada luego de la muerte de Sigmund, cuando Lucian tenía tan sólo 17 años. La relación entre el

, cataliza la los

otaron a gran parte de osa

Carolina Menéndez Trucco

Lo

La pintura no solamente se ve, sino que también se lee". Con estas palabras los autores de Lo nuevo. Lucian Freud resumen su investigación psicoanalítica de la obra de uno de los pintores más famosos y transgresores del siglo XX. El abuelSigmund, vaticinaba ya la necesidad de que la ciencia se enrolara en el arte, por supuesto "con manos más toscas y una menor ganancia de placer". Y así lo hicieron los psicoanalistas y psiquiatras que conforman el presente libro: María Cristina Melgar, Raquel Rascovsky de Salvarezza, Eugenio López de Gomara, Estela Allam, Patricia O´Donnell, Ricardo H. Ortega y Silvia Waisgluz de Falke. En Lo Nuevo... , los autores parten de una hipótesis para encarar su psicoanálisis aplicado: el diálogo entre la ciencia y el arte, y el intercambio de códigos que el cruce implica, enriquecen tanto a uno como a otro. El libro consta de dos partes. La primera está

un panorama general de los cambios producidos en el arte contemporáneo desde las vanguardias del siglo XX. En el segundo apartado, los autores se meten de lleno en la obra del pintor de origen alemán, radicado desde 1933

segunda parte están escritos en un lenguaje preciso, claro y accesible para un lector lego, pero ávido de inmiscuirse en los secretos de la psique y del arte. Los autores comienzan con un paralelismo entre la obra de Lucian Freud y la teoría de su abuelo pateY para ello eligen como primer ejemplo

contenido de la escena pintada y el hecho que sacudía la vida del joven pintor tal vez no sea lo más llamativo, si bien las analogías son poderosas: al momento de morir, Sigmund tenía una mejilla destruida por el cáncer, lo que dejó en Lucian la impresión de una manzana magullada, y por supuesto, el pensamiento de la putrefacción de la materia. La correspondencia entre las ideas de S. Freud acerca del duelo y la encarnación de éstas en la obra de arte de su nieto son mucho más profundas. Lucian, a través de Caja de manzanas en Gales angustia de la pérdida por medio de la creación de un nuevo objeto. Con la misma mirada indagadora, textos analizan los dibujos infantiles del pintor; los retratos desnudos de sus hijos que tanto escandalizaron y los de sus distintas mujeres; los desnudos monumentales que alborla crítica, como los varios retratos que Lucian pintó del artista transformista Leigh Bowery o de la famy robusta Big Sue. Lo nuevo... es, sin duda, un libro original. No tanto por tomar como objeto de estudio el arte sino por la lectura singularísima que hace de la obra de Lucian Freud: los autores no enfrían el objeto de estudio con un mero análisis, intervienen en él de manera dialéctica. Pero además porque, gracias al lenguaje accesible que adoptan y a las bellas ilustraciones anexadas, hacen circular esta lectura por caminos ajenos al psicoanálisis propiamente dicho. Algo muy poco común.




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Setenta balcones y bastante flor La autora de esta nota acaba de cumplir setenta años, de publicar una novela, La muñeca rusa (Alfaguara) y está por ser bisabuela. El azar quiso que leyera un artículo de Silvina Bullrich, en el que ésta enumera las calamidades de la ancianidad, en coincidencia con Simone de Beauvoir. Pero quizá, según Dujovne Ortiz, cada uno tenga la vejez que le corresponde y el silencio, la soledad, el amor puedan cobrar modulaciones tan imprevistas como fructíferas Sábado 14 de marzo de 2009 Por Alicia Dujovne Ortiz Para LA NACION - Buenos Aires, 2009

Acababa de volver a la Argentina, y de cumplir la friolera de setenta años, cuando, desde un estante de mibiblioteca, un papelito amarillento se deslizó blandamente hasta el suelo. "Cosa ´e Mandinga", pensé al alzarlo con cuidado: era una nota de Silvina Bullrich, publicada en este mismo diario en 1985, e intitulada, sin ir más lejos, "Cumplir setenta años". Bullrich aseguraba haber alcanzado la magna edad e4 de octubre, yo había come

l tido el mismo desafuero el 4 de enero.

icular, cima del ensando

hallar respuestas al evidente cimbronazo que representa para cualquiera la séptima década, no sin repetirme, para mi consuelo, las palabras de una escritora francesa cuyo nombre he olvidado (la pérdida de los nombres resuena como la primera trompeta del Apocalipsis, tras la que acaso llegue la sordera):

El paralelismo me aleló. Aunque ella, como novelista, nunca me había interesado en forma partmás allá del respeto que se le debe a una trabajadora de las letras, supuse que el compartir, por entiempo, una misma experiencia podría darme ánimos para atravesar el Rubicón. Devoré la nota p



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"Para formar a un viejo se necesitan veil camino hacia la señora de edad pr

nte años, de los sesenta a los ochenta". Eso significaba que yo, en ovecta, andaba por una suerte de adolescencia parcial, no de la vida

ntó en el rostro una sonrisa, y no de asentimiento. Ninguna de sus espertaba ecos. El desentendimiento era tal que pasé a considerar como un

eneficios del disenso: gracias a que los demás piensan dibujan más nítidos. Sabía desde siempre que mi visión

ó en mi buena disposición a envejecer, postrera etapa.

és de describir, con una suerte de amarga ez estriada por una red de venas rojizas o

el tiempo ha ejercido sobre mí", la autora los viejos, por lo tanto no me gusto a mí misma.

erros porque son interesados y sólo aman a quien e está en la plenitud de la vida".

o años y se apresura a taparse con la robe de ise de Vilmorin, citada por Silvina, está "en la edad

n Madame de Récamier, que los jóvenes uella cuyas "glándulas se han vuelto afónicas", son

diseca al amante maduro cuando fracasa en el poca de los encuentros, de los ?flechazos´ rla olvidar su preferencia por el ser racional. Y más

qué vivir sin él? [?] Después la vida es esta larga ueron apasionadamente jóvenes".

texto de cabo a rabo. Tan acentuados resultan , la sórdida descripción de los achaques de cho de que la propia Simone ya no se cocía de pues no hay en su obra anterior nada parecido a

o

que me

s

s lo encuentran regio). Entonces, ¿qué le e haya servido para

eentera sino del último trechito. A poco de leer a Silvina se me piafirmaciones, o casi, me dregalo del cielo mi hallazgo inesperado. Son los bde otra manera, nuestros propios pensamientos sede la vejez no sería quejosa. La lectura de esta nota me reafirmdisposición que hasta incluye una imagen idealizada de la ¿Qué nos decía Silvina, treinta y cuatro años atrás? Despufruición a lo Simone de Beauvoir, "las carnes fláccidas, la tazuladas", y de agregar: "Mido día a día los estragos queproduce las frases centrales de su trabajo: "No me gustanNo me gustan los chicos porque son irracionales ni los ple da de comer. Me gusta el ser humano racional qu La mujer que engorda después de los cuarenta y cincchambre al saltar de la cama; la que, como decía Louen que las mujeres se vuelven rubias"; la que lamenta, codeshollinadores ya no se vuelvan para mirarla, o aqanalizadas por la autora con la misma impiedad con que amor con una mujer joven. "¿Habrá terminado ya la éirracionales?", se pregunta con un terror capaz de haceadelante: "El amor, ¿cómo reemplazarlo y paramonotonía, tal vez menos evidente para quienes nunca f Como ella misma lo advierte, la palabra "terror" recorre elel miedo y la repugnancia a entrar en años, que, a sus ojosSartre, debida a la citada Simone, sólo se explica por el heun solo hervor cuando los detalló cruelmente por escrito, "una vileza ni siquiera a una indiscreción sobre la intimidad de ambos". En otros términos, Simone se pusvil e indiscreta cuando se puso vieja. Peor aún, se puso mala escritora, al igual que Sartre. En la lista de autores que para Bullrich apenas si se copiaron penosamente a sí mismos después de los sesenta y cinco años, figuran Borges y Mujica Lainez. Sólo la juventud -sostiene- es creadora. El final del texto logra conmover, aunque no convencer, al menos en lo que a mí respecta.

Me he jurado no traicionar a la joven escritora que sacrificó dinero y halagos para dar lo mejor de sí misma a la vocación elegida desde la infancia. Perdón si lo mejor fue sólo eso: la mediocridad no

entraba en mis planes y no la elegiré mientras me quede un soplo de lucidez y de esta altaneríapermite mirar al mundo con la frente alta cualesquiera sean los sacrificios materiales y morales, las

horas vacías que conforman la vida de un escritor que se niega a estar debajo de sí mismo ya que Diono quiso que estuviera a la altura de tantos genios universales a quienes soñó parecerse en los días de su

fervorosa adolescencia. No es la única nota conmovedora ni, por supuesto, la única en la que cualquiera de nosotros, a los añosos me refiero, lograría reconocerse. Las numerosas calamidades enumeradas por Bullrich -enfermedades apestosas, amigos muertos, exageradas expectativas que algún sufrido peluquero se ve obligado a desinflar con cara de condolencias- ni siquiera merecen mención a fuerza de ser obvias. La tristeza del artículo, a la que se agrega la de leerlo cuando su autora ya no está entre nosotros, proviene de que está compuesto por verdades de a puño (incluyendo las ironías sobre el veterano falsamente animoso, vestido de "pebete" y convencido de llegar a los noventa porque todofalta al texto de Silvina, o qué le sobra, o en qué consiste el que personalmente mconcluir que la vejez hacia la que me encamino difiere de la suya?



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e calificado de "centrales" las frases sH obre el disgusto ante los viejos, los chicos y los perros, y el elogio

s estragos del tiempo". mental apelar a la infancia. No sé cómo nos ven los perros cuando

as de algunos de ellos se deduce que con bastante afecto, róficos estragos los chicos que nos quieren.

Hará de esto quince años. Un día, mi nieta mayor, que ahora tiene veintidós, observó enternecida: "¡Qué lindo, Abu, las rayitas que tenés en la piel!". En ese momento la fulminé con un "¿qué rayitas?" bronco y cavernoso que no logró borrarle la sonrisa. "...stas", contestó sin inmutarse, y señaló con el índice las marcas, entonces infinitesimales, que no seguían el dibujo normal de la epidermis, más bien formado por rombos, sino que comenzaban a trazar sobre el brazo un plisadito artístico. Esa total ausencia de censura por parte de una nena, esa anuencia, ese beneplácito frente a una señal de decadencia me recordó el encanto que me producían los lunares celestes y rojos de mi nonagenaria abuela. Al describir la red azulada sobre las mejillas de un viejo, Silvina declina otorgarle a ese viejo la compañía de un chico que le siga con el dedo los arabescos hallándolos preciosos, como el nieto del célebre cuadro de Ghirlandaio cuando mira con cariño la narizota bulbosa de su abuelo, brotada de verrugas. Para dejar establecidas las diferencias esenciales entre Silvina y quien suscribe, debo decir que me gustan los viejos porque me gustan los chicos y los perros; los perros porque me gustan los chicos y los viejos, y los chicos porque me gustan los perros y los viejos. Esas preferencias hacen que también, como a los viejos, los chicos y los perros, me guste el campo. El hombre en la plenitud suele ser más urbano. Bien mirado, lo que me gusta sobre el planeta sobrepasa lo que me da dentera, comprobación de la que sería falso extraer elementos para un diagnóstico de reblandecimiento precoz. Que muchas cosas me plazcan no significa que la mueca de beatitud se me haya pegado al rostro. Por ejemplo, mi indignación ante la altanería va en progresivo aumento. Frente a ciertos pueblos altaneros como aquellos entre los que transcurre parte de mi vida, ando en vías de volverme un vejestorio de armas llevar. Sin duda la complacencia ante la entrada en años proviene de los modelos seleccionados. En mi niñez, las mujeres de Buenos Aires no se agostaban resecas ni arratonadas sino que se marchitaban con carne de magnolia, o de jazmín del cabo. Flores machucadas pero pulposas que en los barrios aún quedan, y que en los bailes de tango abundan. En Marsella, Nápoles y Sevilla, donde he vuelto a encontrarlas, me he tenido que morder por no llamarlas "tía" o "abuelita". De chica, la grata redondez de mis parientas mayores, alguna de las cuales alcanzó los cien años, reeditada con retoques por mi apariencia actual, me daba una sensación de permanencia. Es una apariencia ya preparada de antemano, a la que encuentro lista para ponérmela como si la sacara del ropero. Tener a las adultas de mi familia me proporcionaba sosiego y solidez. Ahora que ocupo su lugar -e incluyendo el vértigo de haber quedado en primera línea de fuego-, l tenerme a mí misma y el que mis descendientes me tengan parecería hablar de persistencia, constancia duración.

rminos:

as arrugas y, aun más grave, a sta papada colgante, cada vez más tembleque y tirando a vaporosa, que mi madre, de quien la he

de la racionalidad encarnada en la persona "plena". Es curioso que la escritora haya puesto esas tres categorías en una misma canasta: viejos, chicos y perros suelen entenderse entre sí, acaso porque el mensaje que unos y otros vehiculizan tiene poco que ver con la soberbia. Acorde con el ejemplo de Silvina, lejos de desarrollar teorías generales sobre la vejez, me limitaré a

me está sucediendo en carne propia con "loaguzar los sentidos ante lo quedaPrecisamente para eso es fun

cumplimos los setenta, aunque por las miradpero sí sé con qué ojos contemplan esos catast

ey Quizá se trate de un caso de narcisismo aun más exacerbado todavía que el de mirarse el ombligo llorando por lo lisito del que ya fue. Un narcisismo al que podríamos expresar en los siguientes tépuesto que todo lo mío, por serlo, me causa gracia, tampoco mi vejez me contraría. No de otra manera se explicarían la indulgencia y hasta la benevolencia con que me enfrento a leheredado, solía designar como "moco ?e pavo". En todo caso, la tendencia que con bastante espontaneidad y autonomía se me va perfilando me mueve a no considerar esas abruptas caídas de la carne como mera desposesión. Acaso sea para distinguir adónde voy que no me he vuelto rubia: preferible rastrear cana a cana el itinerario futuro, viéndolo surgir sin caretita. Aunque quizá también sea por narcisismo que me niego a



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embadurnarme el pelo negro con un color ajeno. ¿Los deshollinadores ya no se vuelven a mirarme (de todos modos nunca lo hicieron, visto que en Buenos Aires la chimenea se lleva poco)? ¿Los "flechazos" ralean? La situación no se presenaun gustazo por el que doy las gracias; desvanecidos entre la humareda, una de las protagonistas del diálogo interior se confabula con la otra frotándose las manos: "¡Al fin solas!". Es claro que tender a un ánimo desasido no garantiza el éxito de la operación. Uno puede inclinarse a valorizar el tramo de la vejez y fracasar en él igual que en los anteriores (hay jóvenes que fracasan comjóvenes y adultos que fracasan como adultos). Por mucha "energía positivacsilla de ruedas y con la baba en el mentón, si el Alzheimer así lo quiere. De anunciarse con tiempo deventualidad, por otra parte nada inevitable, yo aspiraría a tomar las riendas de mi muerte como he tomado las de mi vida, haciendo mutis por el foro con garbo y dignidad (a condición de que el ritmo delhundimiento lo permita y de que, ante los hechos consumados, no me precipite sobre la papilla que me quede en el plato como si fuera ambrosía). Pero la mano tendida hacia el objetivo tiene el poder de suscitarlo: si se envejece con la certidumbre de volverse un carcamán lagañoso de nariemover un dedo; si se envejece pensando que lo adquirido pesa más que lo sustraído, en una de ésasalcanza, dentro de lo relativo del conjunto, una linda vejez. Al no aludir siquiera a la posibilidad de que lo vivido agregue en vez de quitar, la hermosura de la que hablo no forma parte del universo de Silvina. Su referencia constante a la carne y sus desfallecimientos provienen de la arenga dominante -y negociante-, esa que sobredimensiona el cuerpo, el sexo y laadolescencia con fines productivos; un discurso progresivamente pedófilo, desarrollado a partir de una moda que comenzó por exaltar el modelo andrógino para desembocar en el cuasi infantil. Si el múimperioso y la rapidez de las piernas son el valor supremo, es evidente que a la vejez no le qg Aunque habría que entenderse sobre el brillar y el competir. Hace un tiempito trabajé en un geriátricojudío de París, recopilando las historias de sus pensionistas. Muchos de ellos habían estado en Auschwitz, todos habían atravesado por situaciones espantosas. A coro repetían una frase que pusimos como título para el texto colectivo: "Sólo por milagro estamos aquí". Lo impresionante era la velocidad del derrumbe, o de lo que a primera vista tomé por tal. La ex resistente que relataba cómo, al llegar la Liberación, había hecho fusilar a su propio novio por colaboracionista, o el polaco igualito a Lenin que había conocido, primero, los campos nazis, y después, los soviéticos, hablaban con voz firme, tenían una memoria de hierro y un fantástico sentido del humor. Días más tarde ya estaban c

ta ni mejor ni peor de lo que ha sido, se presenta distinta. Mientras hubo dmiradores ennegrecidos por el hollín, o sus equivalentes porteños e internacionales, sinceramente fue

o " (expresión tan detestable

omo insustituible) que hayamos desplegado, nada nos impedirá terminar mojando los pañales sobre la icha

z y mentón metidos n la boca (la imagen es de Simone de Beauvoir), lo más probable es que se lo consiga sin molestarse en

se

sculo uedan

randes ocasiones de lucimiento.

lavados en su silla con la mirada fija en un punto. ¿Se les habría secado el cerebro de un minuto para el otro? Al acercarme a ellos re te p Hasi

música, de pintura, de manualidades. Un tó y dijo: "Yo estoy muy agradecido or todas las actividades que le hacen desarrollar a mi mamá, pero les rogaría que cuando está pensando o la interrumpan. La actividad más importante para ella es recordar su vida y prepararse para su muerte.

ro

os

encontraba, a veces, su mirada, y a veces no. Pero a menudo me apretaban la mano como diciendo: "Noreocupes que todavía estoy".

sta que un día me invitaron a un congreso de geriatría. Los especialistas se llenaban la boca con el nnúmero de animaciones de que gozaban los afortunados viejecitos (y recordemos que oficialmente,

vale decir, para entrar en un geriátrico, basta con tener sesenta años): talleres de teatro, de baile, de rabino cuarentón se levan

pnPara eso necesita estar callada". Me di cuenta de que el viejo sentado mirando un punto se ocupa de lo suyo, exactamente como el chico que juega solo durante horas con dos piedritas. Atosigar al uno y al otcon propuestas "dinámicas" es impedirles trabajar. Una palabra del texto de Silvina me ha llamado la atención de modo especialísimo: "anacoreta". Al lamentarse por la ausencia de los amigos muertos, la autora vuelve a conmovernos. Se han ido yendo unos tras otros, dice, y la han dejado sola. "Por supuesto -añade-, salvo un anacoreta, todos nos aferrama nuestros amigos."



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¡Cmenos que a doce amigos. Si uno se imagina el espacio que ocupan doce personas en una pieza, podrá visualizar mejor el vacío que dejan. Todavía los lloro. Pero no son lágrimas de apego. Es como si avafuera dejar de "aferrarse", en el sentido de agarrar de la manga a alguien para que nos transmita su potencia, su fluido vital. La presencia de mi hija y de mis nietas (pronto seré uamigos que siguen siendo de este mundo los retengo con garfios como de pirata de Peter Pan (es la impresión que transmite la palabra "aferrar"). A los veinte años había que estarse hablando todo ellos setenta se consiente en guardar silencio. ¿Anacoreta? Durante algún tiempo he intentado luchar contra una propensión a la soledad, plas ganas de estar sola iban ganando por varias cabezas. A esas horas de aislamiento, Silvina las califica de "monótonas". La coherencia de la idea salta a la vista: si sólo tienen derecho a existir los pectorales recios, las ideas comunicables y las actividades visibles, incluyendo las literarias hasta cumplir determinada edad, quedarse quietos no puede menos que matar de aburrimiento. ¿Y si por el contrario esas horas en apariencia vacías estuvieran llenas de un pensamiento intransmisible, desprovisto de estructura, tan parecido al pensamiento "racional" como un cuerpo ablandado por los años se parece un atleta, pero tal vez, por eso mismo, más nutritivo? Envejecer puede que se parezca a arrepollarse enido, a sumergirse en una bañadera de agua tibia, a irse hundiendo en la siesta. ¿Quién tendría ganas de interrumpir semejante dulzura, y por orden de quién: de algún peluquero, de algún gimnasta perentoriocon el silbato en la boca para quien la "tercera edad" sólo es tolerable cuando sec Lo que antecede da cabida a dos objeciones, la una de orden general, y la otra, particular. La de orden general, el lector lo habrá adivinado, tiene que ver con el estrato social de viejas y viejos. Silvina Bullrse lamenta de que el mejor modisto sea incapaz de retener la ansiada juventud. Por mi parte, nunca me hhecho hacer un vestido a medida ni con la costurera de la esquina. Pero ambas, con fortunas distintas, hemos vivido bajo techo y comido, salvo régimen, hasta quedar sin hambre. Por ende, ni su imagen de la vejez ni la mía se corresponden con la de los ancianos de un grupo de jubilados a quienes entrevisté hace poco. Aquí las quejas no tenían carácter personal. úellos. No sólo a nadie se le ocurría gimotear por el ombligo perdido, sino que cada uno hablaba de los demás. Escuché historias de abuelos que acababan en el asilo porque los hijos, despojados de sus casas,no tenían más opción que sacarlos del medio. Escuché el ardiente alegato de un diminuto anciano al que la rabia engrandecía, y que clamaba, alzando el puño: "¿Ustedes se creen que nuestros clubes barriales de la tercera edad son para bailar la chacarera? Yo vivo en La Boca. Los conventillos se queman y a los chicos la contaminación les da cáncer de piel. ¿Vamos a recortar figuritas mientras los pibes mueren?". Apartir de ese encuentro abrigo el sentimiento de que las propias arrugas, y hasta el moco ?e pavo, con elo digo todo, pesan en el recuento lo que un suspiro. Con respecto a la objeción de orden particular, cabe imaginar que la existencia agitanada que llevo desde mi alejamienttela mejor manera de acumular montañas de hastío. Hasta aquí, la defensa de una pasividad senil que se revela activa. Ahora vamos a los bríos. Disiento en forma tajante y absoluta con nuestra autora cuando afirma que la producción literaria válida se detiene, con suerte, a los sesenta y cinco años, y que dejar de escribir implica no traicionar los ideales de lajuventud. En cambio la comprendo cuando dice: "Dios no quiso que estuviera a la altura de tauniversales a quienes soñó parecerse en los días de su fervorosa adolescencia". En mi caso, Dios o quienquiera que fuese tampoco quihventaja de ser la propia. Esa capacidad de abarcarla de un solo golpe de vista no ha venido de entraen mi juventud avancé a tientas por una tierra inexplorada, la vejez me ha proporcionado los mapas y la

ómo no identificarse con esa historia! En los últimos años, entre París y Buenos Aires he perdido nada

nzar

bisabuela) agita el aire con na fuerza que decae cuando se van. Sin embargo, la idea de vampirizarlas no me seduce. Tampoco a los

día, a

indispensable ara escribir, que quizás en más de un viejo se vaya incrementando con el tiempo. Después me convencí:

al de n un

hacen flexiones, no

uando se contempla lo de adentro con los ojos cerrados?

ich e

Combatientes de la ltima hora, el horror económico que los rodeaba les había enseñado la poesía cruel de no pensar más en

so

o de la Argentina, en 1978, me impide transitar esas "horas monótonas" hallándolas diosas. Andar a salto de mata, de la Ceca a la Meca, de Herodes a Pilatos y de la cuarta al pértigo no es

ntos genios

so. El territorio que me ha tocado dista de ser colosal, gracias a lo cual e terminado por recorrerle palmo a palmo las anfractuosidades. No será la tierra prometida, pero tiene la

da: si



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brújula. Sé por dónde puedo ir y por dónde no. La aceptación aumenta la humildad sin que el deseo amaine. Por lo demás, nunca he trabajado tanto como ahora ni con tanta maña como de zapatero que se sabe su oficio. Diez horas diarias de computadora dañan el esqueleto, pero la otra parte del organismo a la qllamamos alma sale beneficiada. Escribir tres novelas de un saque y matizarlas cotitrata de trampas para sobrevivir, también de ganas. A los treinta años tenía que propinarme cachetazosmí misma para continuar escribiendo en un domingo de sol; a los setenta, los domingos de sol me aterrorizan porque mis amigos amenazan con forzarme a salir. A las ganas se les suma la claridad. He llegado, como tantos, al momento en que sé lo que me van a decir antes de que lo hayan pensado. La carne nunca me ha parecido triste y no he leído todos los libros, perlos suficientes como para anticiparles los finales con escaso margen de error. Lo que Silvina llama la "afonía de las hormonas" me ha dado unos arrestos antes consagrados a asuntos que hoy encuentro menores. Qué suerte haberme enfrascado en ellos mientras los supuse mayores, y qué suerte haberlos abandonado a la corriente como lo que quizás hayan sido, barquitos de papel. Lo que me alumbra no es un resplandor de los que dejan con moscas en los ojos, sino un fulgor certeroque en este año de gracia de 2009 no cambiaría ni borracha pdevidente para quienes nunca fueron apasionadamente jóvenes." Tampoco eso lo comparto. Si se ha gozado de una juventud apasionada, puede llegar a gozarse de una apasionada vejez. La cosa está en definir en qué consiste lo ardiente del final. Las diez horas diarias de escritura pueden dar una idea Pero no lo son todo. Los setenta, y los ochenta, y los noventa y los cien son el momento de pasar a las cosas serias. Ahora o nunca: ser viejo es encontrarse en medio de la guerra; imposible seguir interesándose en pavadas con estas balmfervoroso resulta permanecer con la vista en un punto como blandir el puño gritando "basta"; tan valeroes la señora que se calla para alistarse a partir como el señor que no quiere bailar la chacarera mientras los hijos de sus vecinos mueren con llagas en la piel. Me parece muy bien que los ancianos aprovechen la vida, si les da el bolsillo; que visiten las Pirámides vestidos con unos joggings beigecitos y calzados con esas zapatillas cuyas suelas contornean la planta.Para seguir con la metáfora de la costura, hacer el viaje soñado desde siempre no es al divino botón. Sembargo, así como rechazo la comercialización del discurso pedófilo, impugno la imagen vendedora del senior producido que le gana al nieto adolescente porque gasta más. ¿La consigna obligada es vidisfrutar? Hay algo en esa palabra que nunca me ha convencido, como si aludiera a una disfunción, a un disgusto del fruto. Entre disfrutar oo

ue n trabajitos colaterales

enen seguramente por objeto ganarle al tiempo (mientras haya proyectos, la vida sigue). Pero no sólo se a

o sí

or ninguna de aquellas pasiones cuya furia

esencadenada me dejaba a los tumbos. "Esta larga monotonía -escribe Silvina- tal vez [es] menos

.

as que cada vez silban más cerca. El apasionamiento senil se anifiesta en dos actitudes equivalentes, meditación o ansia de justicia (o si se puede, las dos). Tan

sa

in

vir para

fructificar, y entre consumir u ofrecer, Rilke elegía la cosecha y la frenda cuando decía que vivir es ir nutriendo el fruto de su muerte.




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Mejor lo miro por tevé Art Star , un reality show inédito, exhibe en la pantalla chica las experiencias de un grupo de artistas que pugna por ser parte de la escena más competitiva: el circuito neoyorquino de arte contemporáneo Sábado 14 de marzo de 2009 Por Daniel Molina Para LA NACION - Buenos Aires, 2009

En los años 60, Jorge Romero Brest pensaba que el arte debía "huir" de la salaen cada hogar a través de la pantalla del televisor. La utópica idea de Romero Brest se fue haciendo realidad, en especial desde la aparición del cable e Internet: mucha de la tevé que se ve actualmente sería impensable sin todo el background que han aportado las artes visuales a la cultura contemporánea. A esa enorme masa de imágenes dispersas ahora se le suma un reality show que, sin abjurar del formato televisivo, pone en pantalla las vicisitudes que vive un grupo de artistas noveles que quiere ingresar en una de las escenas más competitivas: el mundo del arte contemporáneo de Nueva York. El programa se titula Art Star y se emite por Film& Arts, los viernes a las 23. La serie transcurre en el marco de una de las galerías más importantes del mundo: Deitch Projects (76 Grand Street). Es la galería que apoyó a Keith Haring y Jean-Michel Basquiat cuando recién comenzaban. Y es la que ahora maneja los legados de ambos artistas: en estos momentos está en tratativas para que el presidente Barack Obama cuelgue en las paredes de laDeitch Projects se ha mostrado obra de Yoko Ono, de Vanessa Beecroft (el pasado viernes 6 inauguró allí su última muestra en Nueva York) y Jeff Koons. Es la galería que le vendió F-111 , de James Rosenquist, y Factum II , de Robert Rauschenberg, al MoMA, además de obras de Gordon Matta-Clark y Sol LeWitt al Museo de Arte Moderno de San Francisco. Es el lugar en el cual muchos de los más interesantes nuevos artistas quisieran exponer. El reality Art Star es producto de la colaboración entre la conocida galería del Soho y un canal satelital estadounidense, que convocó para esta producción a dos pesos pesados de la televisión por cable: Tama Hacker (que ganó un Emmy por sus documentales sobre grandes artistas estadounidenses, American Masters ) y Abby Terkuhle (quien introdujo las animaciones de la MTV, entre ellas dos tan conocidas como Celebrity Deathmatch y Beavis and Butt-Head ). Si bien es un reality , muchos de los componentes básicos del género han sido eliminados (como las peleas internas, la nominación y eliminación progresiva de los participantes, etcétera). Esos cambios le dan un ritmo más pausado y más cercano al documental.

de exposición para entrar

Casa Blanca una obra importante de Basquiat. En



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Los ocho participantes fueron elegidos entre los 400 concursantes que se presentaron a la convocatorAdemás dnuno de los momentos fuertes del programa porque permitió ver los criterios que guían a los que dominanla escena del arte cuando deben apostar por un artista desconocido: les importó tanto la obra que mostraban como el discurso con el que la sostenían o el look que caracterizaba al artista. Los ocho finalistas son: Virgil Wong (que liga arte e investigación médica y también tuvo un reconocimiento en el Sundance Film Festival), Bec Stupak (videoartista que trabaja con animacionpsicodélicas), Anney McKilligan (quien realiza instalaciones y tDColen (un jubilado de 68 años, que hace esculturas en madera), Christian Dietkus (uno de los más jóvenes y con menor trayectoria) y Abigail Deville (que realiza enormes telas y también vendió su primera obra durante el show). Muchas veces los ocho participantes se comportan como niños caprichosos que parecen vivir en la salide un jardín de infantes, aunque se la pasen hablando de teorías deconstructivasseegresados de las escuelas de arte: la teorización guía cada una de sus producciones. Sin embargo, cuando se los enfrenta con distintos desafíos creativos (participar de un desfile, pintarcarteles para el parque de diversiones de Coney Island, organizar una fiesta), los artistas muestran múltiples facetas creativas, más complejas. Uno de los momentos más interesantes del programa es lainteracción que los participantes mantienen con críticos, coleccionistas y artistas. En uno de los episovtambién vieron la colección de la pareja de Meyer, el asesor de arte Mark Fletcher. Y con ambos mantuvieron un intercambio enriquecedor. Art Star es una forma entretenida de adentrarse en la trastienda del arte contemporáneo. Con formatoreality e información de un documental, el espectador se adentra en un laberinto en el que se mezclan pasión, creatividad, dinero, ego, mezquindad y unas inmensas ganas de ser reconocido. Es tevé pero se parece a la vida.

ia. e Jeffrey Deitch, el jurado estuvo integrado por reconocidos críticos y curadores de la escena

eoyorquina. La selección (que al igual que la de American Idol mostró a muchos freaks en escena) fue

es rabaja con títeres y muñecos), Zackary

rucker (fotógrafo), Gigi Chen (que hace animación digital y vendió una obra durante el reality ), Sy

ta , expresión de la

xualidad y roles genéricos. En esos momentos se nota que casi todos los participantes son recientes

dios,

isitaron el departamento de Tobias Meyer, director mundial de arte contemporáneo de Sotheby´s, y

de




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Estrategia vegetal El diseñador y artista argentino Pablo Reinoso recibió a adn cultura en su taller de Parde instalar en el

ís, días antes Malba dos bancos que invaden las paredes para comunicarse

Sábado 14 de marzo de 2009 Por Nathalie Kantt Para LA NACION - París, 2009

La botella de etiqueta naranja está vacía sobre su escritorio. Sí, Pestante. Y varias en la mesada de la cocina. En cualquier casa, la imagen denotaría una larga noche de fiesta. En el estudio de Pablo Reinoso, las botellas son un objeto de trabajo: diseña accesorios para mantener el frío del champagne, y elementos especiales para que beber del pico parezca educado. En su biblioteca, el libro Béjart au travail , un extenso trabajo fotográfico que realizó en los años ochenta sobre las intensas lecciones de danza del maestro francés Maurice Béjart. En uno de los estantes, los frascos de perfume que diseñó en sus años como director artístico de Loewe y, posteriormente, de Givenchy LVMH, entre 2001 y 2006. A pocos metros, el costado deportivo del artista: Balloon, el trque creó para la Copa de la Liga fra En el estudio de este argentino radicado en París desde 1979 se respira el diseño. Su escritorio, una inmensa tabla blanca sostenida por caballetes, está colmado de papeles, dibujos, cuadernos con anotaciones y medidas. Ese clásico desorden que anticipa una partida. En algunas horas, Pablo Reinosdejará París por tres semanas y viajará a Buenos Aires. Allí lo espera la instalación Enredamaderas, que se presentó anteayer en el Malba y que podrá verse hasta fines de noviembre. La pieza, especialmente creada para este espacio, forma parte de su serie de bancos espaguetis. Dos bancos de madera, instalados en el primer y segundo piso del museo, interconectados por una explosión de hilos de madera que invaden las barandas y se enredan, creando un dibujo en la pared.

es el finísimo champagne Veuve Clicquot onsardin. Una segunda botella, también vacía, sobre la mesa de su asistente. Otra, olvidada en un

ofeo ncesa.

o



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"En mi cabeza, la vara es un vegetal. Es diseño cuando es un banco de plaza, un banco público. Pero cuando el vegetal abandona esa función, recobra su libertad. Es una obra que habla de la vida, de la comunicación. Me hace pensar en esos viejos teléfonos de juguete que estaban conectados por un hilo", cuenta Reinoso a adn cultura. Y continúa: "Me gusta trabajar para un lugar en especial porque me pongo en resonancia con él. Es lo que denomino la estrategia vegetal. No es sólo el pathos de crecimienttambién la resonancia con el sitio". Para esta obra, el sexto proyecto del programa Intervención que ofrece el Malba, Reinoso utilizmetros de fresno y trabajó durante un año y medio. En ese tiempo, escuchó varias veces la frase: "Pablo, me quedé sin madera". Así, en español, porque para la ejecución de esta pieza eligió a dos ebanistas de Colonia, Uruguay. "Allí tengo a la mejor gente para este trabajo. Y estoy acostumbrado a trabajar a distancia. Soy buen artesano, sé lo que puede hacerse con la madera y tengo muy en claro lo que quiero. Pero en mis años como director artístico de Givenchy aprendí a manejar grupos de trabajo. Y hoy soy mábien compositor. Tr Para que la madera sea más resistente, es necesario que el "espagueti" siga siempre la misma veta. Y, a diferencia de otros materiales, la madera se talla por tramos. Tramos que luego se encolan, se escse pulen. "Es chino. Me encanta hacerlo, pero es una chinada", confiesa Reinoso, sonriente. Esa afirmación se sostiene también para la logística de la obra: cargar el camión que transladías. En una aduana creyeron que Reinoso era un artista muerto y enviaron el pedido de traslado de sobra a Patrimonio. El responsable del área estaba de vacaciones y el expediente quedó trabado. Reituvo que demostrarles que estaba vivo para reactivar el trámite. Reinoso es un fanático de las sillas. En la sala de su estudio, un espacio blanco, iluminado e inmenso en relación con los metros cuadrados que se ven en París, decidir dónde sentarse no es una elección fácil. Charles Eames, Michael Thonet y Herman Mcutilizador, de su diseñador, de la cultura que las rodea." En el año 2000 empieza a transformar las viejas sillas Thonet, el primer objeto de diseño industrial que hizo el hombre, en

o, sino

ó 600

s abajo en varias obras a la vez y los proyectos se retroalimentan", explica.

ulpen y

portó los bancos y s maderas de Colonia a Buenos Aires llevó seis horas. La experiencia, además, le quitó la vida por unos

u noso

iller decoran el espacio. Y si uno prefiere caminar, se topa on sillas en miniatura. "Colecciono sillas, hago sillas, las estudio. Me apasionan. Las sillas hablan de su

esculturas ("Thoneteando"), en vestimenta ("Prêt-à-Thonet", ver más en la edición de adn cultura del 1° de septiembre de 2007), en alimentos ("Prêt-à-manger"). Una manera, dice, de

bolo con menor connotación y mayor anonimato, descubre los bancos de plaza. "Es un buen elemento de experimentación. Desde el arte cuestiono aspectos del diseño, de alguna manera mi naturaleza muerta es el diseño. Y me aparecen avalanchas de deseos de bancos de todo tipo", cuenta Reinoso. Así surgen el acero, el aluminio, el cemento; materiales que permiten que los bancos puedan ser instalados al aire libre. Su mujer, Victoria Horne, aparece en el estudio, que es vecino de la casa. Se diría un complejo edilicio al servicio de la creación. En todos esos espacios se respira el diseño. Un diseño signé Reinoso. http://adncultura.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1107284&origen=premium

apropiarse de esas formas y llevarlas a su lenguaje. En 2005, en busca de un sím



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Revierten efectos cognitivos de la pobreza

Es lo que ha demostrado lograr un programa de estimulación desarrollado por psicólogos del Conicet que se aplica en el aula Sábado 14 de marzo de 2009

Alumnos de la escuela La Delfina, de Paraná, donde se ha puesto a prueba el programa de estimulación Foto: Gentileza CIPME-CONICET

Fabiola Czubaj LA NACION

No hay mejor descripción de los efectos de la pobreza sobre el desarrollo infantil que una imagen de las escasas conexiones neuronales en el cerebro de un chico que crece sin la atención y los cuidados que tiene derecho a recibir. Ese impactante cuadro es el que en 2001 empujó a un grupo de investigadores argentinos a empezar a trabajar para contrarrestar esas consecuencias desde el aula.

Así, el equipo del Centro Interdisciplinario de Investigaciones en Psicología, Matemática y Experimental (Ciipme), del Conicet, desarrolló un programa que en un año organiza mental y emocionalmente a chicos en estado de pobreza e indigencia a partir de primer grado. Desde hace siete años, el grupo lo aplica con excelentes resultados en dos escuelas primarias en situación de riesgo de la ciudad entrerriana de Paraná, y aspira a encontrar apoyo para ampliar la intervención al resto de las zonas más críticas del país.

"La originalidad de nuestro trabajo reside en la intervención intensa todo el tiempo que tenemos contacto con los chicos en el día y durante la mayor cantidad de años que podamos, a través fundamentalmente del refuerzo del apego con el docente. Los resultados demuestran que la lucha contra la pobreza no pasa sólo por aumentar los ingresos económicos, sino por las oportunidades de desarrollarse saludablemente con nutrición alimentaria y afectiva", dijo a LA NACION la doctora María Cristina Richaud, directora del Programa de Estimulación Cognitiva Escolar.

Sólo en la provincia de Entre Ríos, hay unos 192.667 menores de 14 años en estado de pobreza e indigencia. El programa está orientado principalmente a los más chicos, porque es en los primeros años de vida cuando el cerebro se desarrolla rápido.

"El aprendizaje se produce a través de la conexión entre neuronas; aumenta el número de sinapsis hasta los 3 años, para luego permanecer hasta los 10. Si el ambiente en que vive un chico no brinda las



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condiciones óptimas para su desarrollo, no se reforzarán ni la cantidad ni el tipo de vías neuronales adecuadas."

El programa consiste en trabajar codo a codo con el docente en el aula, de lunes a viernes, para que los chicos cumplan con el currículum escolar a través de un conjunto de ejercicios especialmente diseñados para cada materia por el equipo de investigadores del Ciipme después de cuatro años de análisis de campo.

"Está pensado para empezar con un chico a los 6 años, aunque lo ideal es comenzar a los 4 y acompañarlo hasta los 18 años. Y lo hacemos dentro del colegio porque está demostrado científicamente que cuando los programas son externos, esporádicos y discontinuos, los resultados se pierden en el tiempo", explicó Richaud, investigadora superior del Conicet y directora del Ciipme y del doctorado en psicología y psicopedagogía de la Universidad Católica Argentina.

Intervención piloto

La primera experiencia con el programa, que está subsidiada por la Secretaría de Ciencia y Tecnología, se está realizando en la escuela pública La Delfina y en la escuela parroquial Nuestra Señora de Lourdes, ubicadas en zonas en situación de riesgo de Paraná, y los resultados obtenidos cada año se compara con el rendimiento de un grupo de alumnos de otra escuela entrerriana sin carencias.

"El lío con los chicos se armó el día que las investigadoras entraron al aula de primer grado, donde había alumnos repitientes de hasta 11 años de edad, y les dijeron: «A partir de este momento, no se levanta nadie ni salen del aula hasta que toque el timbre del recreo»", recordó.

El proyecto tiene tres pilares: chicos, docentes y padres. Hasta ahora, el equipo de 15 psiquiatras, psicólogos y psicopedagogos capacitó a casi 500 docentes de escuelas de alto riesgo en Entre Ríos. Sin embargo, apenas el 20% de los padres se interesan por los talleres gratuitos que ofrecen los investigadores para mejorar el ambiente en el hogar y reducir el maltrato o los conflictos familiares.

"Lo primero que tratamos de hacer con los padres es aumentarles su autoestima porque la tienen tan baja que piensan que no pueden darles nada a sus hijos y luego hacerles ver que son las personas más importantes para sus hijos. No porque no sepan leer y escribir sus hijos los van a querer menos", comentó la investigadora.

En el aula, las materias incluyen ejercicios para cada edad, que llevan implícito el concepto de normas sociales, como pedir permiso y decir "Gracias" y "Por favor", controlar los impulsos, asumir responsabilidades y poder organizarse. "Tengo que lograr que las cuatro o seis horas que los chicos están en el colegio reciban toda la información, incluido el manejo de las respuestas agresivas, el apego y la planificación, por ejemplo, de manera continua y natural en cualquier materia del currículum."

En un año, la intervención logró aumentar el nivel de alegría en los chicos y su capacidad de relajarse antes de responder agresivamente y de expresar sus opiniones, además de reducir significativamente el grado de inhibición y agresividad, y fortalecer las habilidades para moverse en sociedad y planificar tareas.

"Nos sorprende año tras año la velocidad con la que los chicos pueden recuperarse de los efectos de la pobreza. Un chico descontrolado que no presta atención no va a poder aprender, y no porque tenga un trastorno de la atención, sino porque está atrasado madurativamente -dijo Richaud-. La sociedad nos dio la oportunidad de trabajar en investigación y merece que le devolvamos algo. en cuanto a los problemas del país."




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Museo de Tampico Alto resguarda miles de piezas valiosas (Video)

El Museo Regional de Tampico Alto Veracruz, fue rescatado después de permanecer cerrado por más de dos décadas, tras la muerte del párroco que fundó y administró el archivo histórico de la región.

Vie, 13/03/2009 - 11:48

Multimedios Tampico.

se localiza a tan sólo unos minutos de la zona sur de Tamaulipas, este sitio cuenta con una historia que data desde el año 1754, en ese entonces fundada con el nombre de “Villa

e colección arqueológica, reunida en un Museo Regional, en el que s que ocupaban nuestros antepasados.

eracruz, fue rescatado después de permanecer cerrado por más de o, fundador de este recinto, informó Salvador Mellado Villalobos,

a localidad.

s arqueológicas de la cultura huasteca. Destacando una colección de les que vivieron hace ya muchos años, como el mamut, cuyos restos

Además de la exposición de instrumentos musicales, con el que se ejecutan los tradicionales huapangos.

Tampico.- Tampico Alto Veracruz

de San Luis de Tampico”.

En este lugar, existe una impresionantobservamos una diversidad de utensilio

El Museo Regional de Tampico Alto Vdos décadas, tras la muerte del párrocquien es presidente municipal de est

Aquí mantienen cerca de 7 mil piezaminerales y fósiles de diversos animase encuentra en exhibición.

Próximamente mostraremos la historia que guarda la Iglesia del “Señor de las Misericordias”, que se localiza aquí en Tampico Alto Veracruz.

http://www.milenio.com/node/183511



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Fueron prohibidas durante la Guerra Fría las obras de Howard Fast

El escritor estadunidense ingresó en prisión por desacato, momento en el que concibió la idea de escribir

3/2009 - 15:55

su celebérrima novela "Espartaco", además de escribir algunos ensayos e incluso varios guiones televisivos.

Jue, 12/0

Ciudad de México.- La ideología del escritor estadounidense Howard Fast, fallecido el 13 de marzo de

uvieron a.

obras son verdaderas novelas ideológicas, toda vez que militó en algunos partidos comunistas y tuvo problemas con

, además de escribir algunos ensayos e incluso varios guiones televisivos.

e la Gran

Joseph McCarthy en la década de los 50, quien además de encarcelarlo por tres meses, censuró

rcado acento político y social.

2003, influyó de manera notable en sus trabajos literarios a tal grado que algunas de sus obras estprohibidas durante la Guerra Frí

De acuerdo con un artículo publicado en la página electrónica viajesliterarios.com, sus

la política estadounidense en determinados momentos de su vida.

Incluso, ingresó en prisión por desacato, momento en el que concibió la idea de escribir su celebérrima novela "Espartaco"

El afamado escritor estadunidense Howard Fast ha sido traducido a más de 80 idiomas, sin embargo susobras fueron prohibidas por mucho tiempo en su país durante la epoca de la Guerra Fría, debido a sus afinidades con el Comunismo.

Fast nació el 11 de noviembre de 1914 en Nueva York, Estados Unidos, país que recorrió durantDepresión (1929) al desempeñar múltiples oficios. De formación autodidacta, se dio a conocer gracias a una serie de novelas históricas sobre la independencia de su país, ocurrida el 4 de julio de 1776.

Debido a su afiliación al Partido Comunista, Fast padeció la "cacería de brujas", emprendida por el senador sus libros por varios años, lo que le ocasionó dificultades para editar sus obras.

Tal fue el caso de "Espartaco", novela que exaltaba la figura de un caudillo de esclavos, y que en 1960 fue llevada al cine bajo la dirección de Stanley Kubrick, producida por Kirk Douglas y con Dalton Trumbo como guionista. Pronto, Fast reflejaría sus experiencias en sus obras, que se caracterizaron por tener un ma



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De sus novelas de mayor éxito, entre las que se han llevado al séptimo arte, destacan "La última frontera", "La pasión de Sacco y Vanzetti", "La segunda generación" y "Poder".

ética en Hungría, hecho que lo llevó a escribir "El Dios desnudo", al año siguiente. Fast es autor, entre otras obras,

gacy", "The Inmigrants"s Daughter", "Being Red", "The Trial Of Abigail Goodman", "Seven Days in June", "The Bridge Builder"s Story", "An Independent Woman" y "Redemtion". Sigue Fueron prohibidas. dos. "Redemtion"

Escribió además excelentes novelas policíacas bajo el seudónimo de E.V. Cunningham, de las cuales, "Stella" es considerada la mejor, por su estilo que recuerda la excelente literatura de Raymond Chandler.

Sus biógrafos estiman que la producción literaria del afamado escritor alcanza las 80 novelas, que además comprenden "Two Valleys", "Josué, el guererro judío", "Mis gloriosos hermanos", "Ciudadano Tom Paine", "La segunda generación" y "Greenwich".

El escritor, que dominó el campo de la ciencia ficción con imponente maestría, legando antologías como "El general atrapó un ángel", "El filo del futuro" y "Un toque de infinito", murió el 13 de marzo de 2003 en su casa de Old Greenwich, Connecticut.

Notimex http://www.milenio.com/node/183043

En 1956 el escritor fue expulsado del Partido Comunista, al pronunciarse contra la represión sovi

de "La arpillera", "The Le



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Agregarle memoria artificial al cerebro es cada vez más probable

Genera debate la posibilidad de mejorar con la tecnología las capacidades de la mente Domingo 15 de marzo de 2009

Javier Sampedro Diario El Pais

MADRID.? Si la historia universal ya cabe en un pendrive, ¿por qué no podemos enchufarnos el pendrive directamente al cerebro? Así podríamos adquirir esos conocimientos de forma instantánea. Con conexiones directas similares, quizá podríamos insertarnos una especie de Google en la cabeza para buscar en nuestra memoria o ampliar nuestra inteligencia acoplándola a las modernas redes neurales y demás programas que aprenden de la experiencia.

Esos casos de interfase mente/máquina pertenecen aún al campo de la ciencia ficción. Pero hay otros que caminan entre nosotros y que ya sirven para examinar muchos de los problemas técnicos y éticos que, previsiblemente, se derivarán del desarrollo futuro de estas técnicas.

"Discutir el acoplamiento entre mente y máquina es tan viejo como la película Metrópolis", dice Jens Clausen, del Instituto de Etica e Historia de la Medicina de la Universidad de Tübingen, que recientemente analizó la cuestión en la revista Nature . "Lo que es nuevo es que la conexión de un cerebro humano a un ordenador mediante microelectrodos implantables es ahora una opción real." La forma más extendida de estas interfases directas son los implantes cocleares en el oído interno, que se usan para ayudar a las personas sordas. Un micrófono recoge los sonidos y los envía a un pequeño ordenador, que contiene un sistema procesador del habla. La señal procesada se manda a un receptor en la cóclea, en el oído interno, que estimula las neuronas del nervio auditivo que se comunican con el cerebro.

Si eso no parece todavía una interfase mente/máquina, lo empezará a parecer dentro de poco. "Las personas que tienen el nervio auditivo dañado no pueden beneficiarse de este sistema -dice Clausen-, y ya han entrado en ensayos clínicos dispositivos similares que se implantan directamente en las áreas acústicamente relevantes del cerebro."



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Otro caso son los implantes de paneles de microelectrodos en la retina de los ciegos. Los sistemas que se han probado tienen una resolución muy parcial, pero aun así les bastan a los pacientes para evitar la rama de un árbol cuando van por la calle, por ejemplo, y también para distinguir entre un plato o una taza, o para saber hacia dónde se están moviendo los objetos que tienen delante. Estos electrodos suelen recibir las señales, de modo inalámbrico, desde unas cámaras acopladas a las gafas, y luego las transmiten directamente a las neuronas del nervio óptico. Desde allí llegan al córtex visual primario, situado junto a la nuca. Pero, al igual que con los implantes cocleares, los científicos ya están ensayando versiones que se conectan directamente a las áreas visuales del córtex cerebral.

La estimulación profunda del cerebro se ha usado ya en unos 30.000 pacientes de Parkinson en el mundo. Un pequeño ordenador subcutáneo manda señales eléctricas a unos electrodos implantados en el cerebro para estimular los núcleos subtalámicos afectados por el Parkinson. Variantes de la técnica se están examinando para el tratamiento de otras enfermedades neurológicas.

Quizá las aplicaciones que más se acercan al futuro son las que permiten a un animal de experimentación, y ocasionalmente a un voluntario humano, mover objetos, miembros mecánicos o el cursor de un ordenador con la mente, es decir, con sólo pensar o imaginar alguna acción dentro de su cabeza. En humanos se ha probado con técnicas no invasivas, como un casco electroencefalográfico que recoja las grandes ondas cerebrales, pero la precisión que se logra es mucho mayor con electrodos implantados en el cerebro. "Es una gran promesa para la gente paralizada."

Objeciones éticas

Nadie plantea objeciones éticas a la conexión entre cerebro y máquina si lo que se pretende es tratar una enfermedad, o mejorar las condiciones de vida de las personas ciegas, sordas o paralizadas por un accidente. Cuestión distinta es aplicar estas técnicas a la mejora de las capacidades naturales de la mente humana.

Un primer problema, por trivial que parezca, es que sería preciso experimentar con personas sanas. Esto es común en los ensayos clínicos de fase I (donde no se pone a prueba la eficacia de un fármaco, sino su seguridad), pero los riesgos de algunas intervenciones cerebrales son demasiado altos para justificar su uso en un voluntario sano, al menos en la actualidad.

"Utilizar una técnica con el propósito explícito de mejorar las cualidades humanas conlleva mayores exigencias de seguridad que su aplicación médica -explica Clausen-. Los riesgos habitualmente se aceptan a cambio de mejorar la salud o de salvar la vida."

En los dispositivos controlados por el cerebro -como las prótesis mecánicas-, las señales emitidas por las neuronas deben ser interpretadas por un ordenador antes de poder ser leídas por el miembro artificial. La función del ordenador es predecir los movimientos que el usuario quiere ejecutar. Y todo sistema de predicción tiene sus fallas.

"Eso conducirá a situaciones peligrosas, o como mínimo embarazosas", prevé el científico alemán. "¿Quién es responsable de un acto involuntario? ¿Ha sido culpa del ordenador o del cerebro?"

Otro campo de preocupación es que las máquinas puedan cambiar el cerebro. Por ejemplo, aunque la estimulación con electrodos ayuda a pacientes de Parkinson que no responden a los tratamientos farmacológicos, también presenta una incidencia mayor de efectos secundarios psiquiátricos, cambios de personalidad y suicidios.




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El mundo del cómic rescata al Benjamin Button de Scott Fitzgerald


Madrid.(EFE).- Después de llenar la gran pantalla bajo las órdenes de David Fincher, "El curioso caso de Benjamin Button" ha saltado al mundo del cómic con una novela gráfica, ilustrada por Kevin Cornell, fiel al breve relato que F. Scott Fitzgerald escribió en 1922.

Mientras la película todavía se exhibe en las salas de cine, la editorial Gadir publica en España y varios países latinoamericanos (Argentina, Chile, Paraguay y México) la novela gráfica "El curioso caso de Benjamin Button" con la intención de "acercar a los lectores más jóvenes a un gran autor", explica a Efe Javier Santillán, el responsable de esta edición en español. Además de publicar la novela gráfica, esta edición ahonda en el recorrido del relato, que sólo un siglo después de ser escrito ha captado de manera masiva la atención de creadores y críticos. Aunque el propio autor calificó su obra como "la historia más divertida jamás contada", nadie auguraba un futuro tan prometedor para Benjamin Button, cuya historia fue menospreciada por la crítica hasta bien entrada la década de los setenta. Los relatos fantásticos de Scott Fitzgerald (Saint Paul, 1896 - Hollywood, 1940) quedaron enterrados en el olvido durante décadas, a pesar de estar firmados por un aclamado novelista y representante de la "Generación Perdida", de la que formaron parte autores de la talla de Ernest Hemingway, William Faulkner y John Steinbeck. Sólo con el empeño que le empujaba a sacar a la luz una de sus historias favoritas, el autor logró que la revista Collier comprara el relato, después de que Harold Ober, su agente literario, rechazara la propuesta. La historia de un hombre que nace viejo y que crece a la inversa centra la trama de "El curioso caso de Benjamín Button", tanto en la adaptación cinematográfica como en el cómic, una idea que, según dijo el propio Scott, surgió de un comentario del novelista Mark Twain. "Es una lástima que la mejor parte de la vida transcurra al inicio y la peor al final", sugirió Twain, para quien "la amargura" de la vejez no pesaría tanto con "la gozosa perspectiva de hacerse joven".



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Javier Santillán asegura que la novela gráfica "es una reivindicación de Scott Fitzgerald y de sus relatos" y una historia que habla de "la vida, el amor y la muerte, los tres grandes temas de la literatura universal". Quizás en respuesta a la afirmación de Twain, Scott Fitzgerald inventó a este personaje que, aunque logra hacerse un hueco en la sociedad, también es víctima de la irreversibilidad del tiempo, sufre y rejuvenece más de lo que quisiera. Pero el Benjamin de la película se aleja del de Scott Fitzgerald y del de Nuncio DeFilippis y Christina Weir, los guionistas que han llevado el relato a la novela gráfica, junto a Kevin Cornell. "El relato es irónico y la película es más romántica", afirma Santillán. Aunque Scott Fitzgerald ubica el nacimiento de Button en 1860, la versión cinematográfica desplaza la historia al final de la Primera Guerra Mundial y la vincula a la actualidad, ubicándose en el año 2005, cuando el huracán Katrina azotó Estados Unidos. La película, cuyo guión ha escrito Eric Roth, "recoge la idea principal, explota algunas de las ideas generales y refleja cómo la obsolescencia nutre o mata el amor", concluye Santillán. Santillán está convencido de que, aunque la adaptación al cine sea "libre", Scott Fitzgerald, que trabajó en Hollywood como guionista para la Metro-Goldwyn Meyer y estuvo siempre vinculado al mundo del cine, "hubiera aplaudido y disfrutado con la película".

http://www.lavanguardia.es/cultura/noticias/20090314/53660020350/el-mundo-del-comic-rescata-al-benjamin-button-de-scott-fitzgerald-hollywood-twain-william-faulkner-e.html



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Hallan un documento medieval que duda de la bondad de Robin Hood

Descubren una inscripción en latín en un manuscrito del siglo XV, en la que se afirma que la banda de Robin de los Bosques fue conocida en numerosos puntos de Inglaterra 14/03/2009 | Actualizada a las 16:36h | Cultura

Londres. (EFE).- Un documento medieval descubierto por el profesor Julian Luxford, de la Universidad de Saint Andrews (Escocia), refuta la leyenda benefactora en torno a Robin Hood, al apuntar que él y sus hombres no sólo robaban a los ricos.

La historia de Robin de los Bosques, aquél que robaba a los ricos para dárselo a los pobres, apareció por primera vez en las canciones del seiglo XV / Getty / C. Wilhelm

Luxford encontró una inscripción en latín en un manuscrito de mediados del siglo XV propiedad de la Universidad de Eton, en la que se afirma que Robin de los Bosques y su banda fueron conocidos en numerosos puntos de Inglaterra por sus actividades criminales. La inscripción tiene 24 palabras y dice así: "en torno a este tiempo, de acuerdo con la opinión popular, un cierto bandido llamado Robin Hood y sus cómplices infestaron Sherwood y otras áreas de Inglaterra cumplidoras de la ley con continuos robos". Luxford, que publicará su estudio en el próximo número de la revista "Historia Medieval", adelantó en declaraciones a la BBC que este es un indicio de que "Robin Hood y sus alegres compañeros quizá en la realidad no fueron queridos por hacer el bien". "Este nuevo hallazgo contiene una valoración negativa del bandido hasta ahora no conocida", explica este especialista en el estudio de manuscritos medievales. Luxford señala que el descubrimiento es también importante para situar cronológicamente a Robin Hood, una figura que ha formado parte del folclore inglés desde hace siglos y que ha trascendido las fronteras de Inglaterra para convertirse en un icono mundial. Según el investigador, "el nuevo hallazgo sitúa a Robin Hood en el reinado de Eduardo I, cimentando por lo tanto la creencia de que su leyenda tiene sus raíces en el siglo XIII". Sobre la mención de Sherwood, el experto considera que "apuntala la hasta ahora escasa evidencia de que hubo una conexión entre Robin y el bosque de Nottinghamshire (condado en el centro de Inglaterra) con e

l que se le ha relacionado tan estrechamente".

ttp://www.lavanguardia.es/cultura/noticias/20090314/53660041591/hallan-un-documento-medieval-que-hduda-de-la-bondad-de-robin-hood-inglaterra-universidad-saint-andrew.html



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Positivar la crisis

La solución a la actual crisis económica no puede ser sólo económica. La situación responde a un complejo entramado que nos remite, en el fondo, a una crisis de percepción. Y no podemos seguir obviando su dimensión ecológica y psicológica. Estamos ante un rito de paso, que quizás nos conduzca a una sociedad más sana, sabia y ecológica Jordi Pigem | 11/03/2009 | Actualizada a las 03:31h | Cultura

Imaginemos que en este año internacional de la Astronomía se produjera en pleno día un eclipse de sol que nadie hubiera previsto. No bastaría con dar un tirón de orejas a los profesionales de la astronomía. Sería evidente que la teoría astronómica requiere un cambio de paradigma, como el que en su día introdujeron Copérnico, Kepler y Galileo en la cosmología medieval. En vez de remendar la vieja teoría astronómica con más epiciclos, deferentes y excéntricas, habría que

En 1989 se dijo que todos los politólogos tendrían que dimitir por no haber previsto ninguno la inminente caída del muro de Berlín. También se ha dicho ahora que los grandes profesionales de la economía deberían dimitir por no haber previsto la magnitud de la crisis global en la que hemos entrado. Aparte de Nouriel Roubini (tachado de excéntrico y apocalíptico) ningún economista convencional la vio venir a tiempo. Lo reconoce incluso Paul Krugman, el reciente Nobel de Economía. No menos grave que la crisis del sistema económico es el colapso de las teorías económicas convencionales, que se han visto completamente desbordadas por la realidad. Las caras largas del último encuentro de Davos no sólo tienen que ver con el deterioro de la economía. Tienen mucho que ver con el hecho de que los mapas que usábamos ya no sirven. Los dioses que adorábamos resultaron ser falsos. Aunque nos empeñemos, por inercia, en seguir dando crédito a los mismos métodos y a los mismos expertos. Un periodista del Corriere della Sera, Federico Fubini, hizo este año en Davos una encuesta a directores de bancos centrales y otras figuras clave del sistema financiero global. Les preguntó si creen que han hecho algo a lo largo de su vida "que pueda haber contribuido, aunque sea mínimamente, a la crisis financiera". No, respondió sin titubeos el 63,5 por ciento. David Rubinstein, cofundador y director ejecutivo del Carlyle Group, comentó irónicamente: "Creí que el cien por cien diría que no tiene nada que ver". Al fin y al cabo, es habitual que quienes se aferran a un paradigma obsoleto no se den cuenta de su propia responsabilidad o de lo que hay ante sus ojos. Tampoco los teólogos de hace cuatro siglos veían



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nada cuando miraban a través del telescopio de Galileo. Hay una burbuja mucho más antigua y mucho mayor que la burbuja bursátil y la burbuja inmobiliaria. Es la burbuja epistemológica: la burbuja en la que flota la visión economicista del mundo, la creencia en la economía como un sistema puramente cuantificable, abstracto y autosuficiente, independiente tanto de la biosfera que la alberga como de las inquietudes humanas que la nutren. En este sentido, la crisis del sistema económico tiene su origen en una crisis de percepción. La economía ecológica de Joan Martínez Alier y la psiconomía de Àlex Rovira son lentes correctoras de ambos tipos de miopía. La solución a la crisis económica no puede ser sólo económica. Hoy se habla de volver a Keynes. Pero hace setenta años Keynes ya criticaba que todo se reduzca a valores económicos: "Destrozamos la belleza de los campos porque los esplendores no explotados de la naturaleza no tienen valor económico. Seríamos capaces de apagar el sol y las estrellas porque no nos dan dividendos". En sus últimos años Keynes señaló a un joven economista alemán como el más indicado para continuar su legado. Se trataba de E.F. Schumacher, que en los años setenta publicaría un libro de referencia de la economía ecológica, Lo pequeño es hermoso, en el que criticaba la obsesión moderna por el gigantismo y la aceleración y proponía algo insólito: "Una economía como si la gente tuviera importancia". Schumacher sabía que las teorías económicas se basan en una determinada visión del mundo y de la naturaleza humana. Y todavía hoy, en el siglo XXI, pese a la física cuántica y la psicología transpersonal, la economía imperante se basa en una ontología decimonónica: ve el mundo como una suma aleatoria de objetos inertes y cuantificables, es reduccionista y fragmentadora y tiende a oponer a los seres humanos entre sí y contra la naturaleza. Schumacher ya diagnosticó en 1973 que "la economía moderna se mueve por una locura de ambición insaciable y se recrea en una orgía de envidia, y ello da lugar precisamente a su éxito expansionista". Y añadió que hoy la humanidad "es demasiado inteligente para ser capaz de sobrevivir sin sabiduría". No pocos bioeconomistas y economistas ecológicos, conscientes de que el crecimiento económico se había convertido en una carrera contra la geología, contra la biosfera y contra el sentido común, veían venir esta crisis desde que se aceleró la globalización. Otros parecen haberla intuido mucho antes. El economista suizo Hans Christoph Biswanger analizó en Dinero y magia la segunda parte del Fausto de Goethe como una crítica premonitoria de la fáustica economía moderna. El dinero (nuestro símbolo favorito de inmortalidad) se vuelve adictivo y el individuo entrega su alma por él. En el cuarto acto Fausto define así su deseo más profundo: "¡Obtendré posesiones y riquezas!" (y anticipando nuestra sociedad hiperactiva añade: "La acción lo es todo"). La alquimia ha sido sustituida por la especulación financiera: se trata de crear oro artificial que a partir de la nada pueda multiplicarse sin límites. Goethe aparte, hoy sabemos que nuestro rumbo no es sostenible a escala económica, energética, ecológica o psicológica. Mientras la economía crecía creíamos poder ignorar el incremento de las desigualdades y el deterioro ecológico, o soñar que serían resueltos por la bonanza económica. Ahora ya no. La burbuja epistemológica empieza a desvanecerse: el mundo real existe y llama con fuerza a nuestras puertas, por ejemplo en forma de imprevisibles cambios climáticos y de escasez de materias primas. Las crisis interrelacionadas del mundo de hoy nos sitúan, a escala planetaria y a escala personal, ante un rito de paso sin precedentes. Nuestra sociedad tiene mucho de rebelión e hiperactividad adolescentes: rebelión contra la biosfera que nos sustenta y contra un cosmos en el que nos sentimos como extraños, hiperactividad en el consumismo y en la aceleración que nos lleva a posponer la plenitud a un futuro que nunca llega. La crisis como rito de paso nos desafía a alcanzar una madurez sostenible y serena que redescubra el regalo de la existencia en el aquí y ahora. Realidad, ilusión Hace ahora cuatro siglos, en el año 9 del siglo XVII, Kepler publicó su Astronomia nova y Galileo empezó a explorar los cielos con su telescopio. Ambos sentaron las bases de una astronomía que sabe predecir con precisión los movimientos planetarios. Pero el método se llevó a un extremo, identificando el mundo con un libro escrito en lenguaje matemático y reduciendo la realidad a lo que es cuantificable. De modo que los colores, olores, sabores, toda apreciación de sentido o de belleza y todo lo que constituye nuestra experiencia inmediata del mundo serían sólo ilusiones. La geometrización del mundo nos ha brindado un enorme poder, sin duda. Pero hemos acabado reduciéndolo todo a códigos de barras, cifras, estadísticas y redes de abstracciones. Como las que rigen la economía, cada vez más ajenas a la



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experiencia concreta de tierras y gentes. Ajenas, incluso, a sus propias crisis. La palabra crisis viene del griego krinein (decidir, distinguir, escoger), raíz también de crítica y criterio. Durante las crisis resulta decisivo saber usar nuestro mejor criterio. Uno de los significados de krisis en griego era el momento decisivo en el curso de una enfermedad, cuando la situación súbitamente mejora o empeora. Este sentido médico es el sentido principal que crisis tuvo en latín y en la mayoría de lenguas europeas hasta el siglo XVII, y sigue siendo el primero que da el Diccionario de la Real Academia (hay que esperar al siglo XVIII para que surja en francés el sentido político de crisis, aplicando metafóricamente al cuerpo social lo que era propio del cuerpo humano). Durante siglos se ha hablado con toda naturalidad de la buena crisis que conduce a la curación del enfermo. Joan Coromines recoge algún ejemplo del siglo XVII: "Lo malalt ha tingut una bona crisa". En este sentido, una crisis es una oportunidad. O una especie de viaje por los espacios que analiza la teoría del caos, en los que una pequeña fluctuación puede dar lugar a desarrollos sorprendentes y duraderos. Lo único que está claro en un momento de crisis es que las cosas no seguirán igual. Los años venideros están llamados a ser un rito de paso para la humanidad y la Tierra, un tiempo crucial en el largo caminar de la evolución humana. Podemos imaginar que participaremos en transformaciones radicales y muy diversas, en amaneceres sorprendentes y crepúsculos intensos, y que el colapso de las estructuras materiales e ideológicas con las que habíamos intentado dominar el mundo abrirá espacios para la aparición de nuevas formas de plenitud. En este rito de paso del final de la modernidad una mala crisis nos conduciría a extender la sed de control, la colonización de la naturaleza y de los demás y nuestro propio desarraigo. Una buena crisis, en cambio, nos conducirá a una cultura transmoderna, en la que una economía reintegrada en los ciclos naturales esté al servicio de las personas y de la sociedad, en la que la existencia gire en torno al crear y celebrar en vez del competir y consumir, y en la que la conciencia humana no se vea como un epifenómeno de un mundo inerte, sino como un atributo esencial de una realidad viva e inteligente en la que participamos a fondo. Si en nuestro rito de paso conseguimos avanzar hacia una sociedad más sana, sabia y ecológica y hacia un mundo más lleno de sentido, habremos vivido una buena crisis. Buena crisis y buena suerte.

http://www.lavanguardia.es/cultura/noticias/20090311/53657418905/positivar-la-crisis.html



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El sexo de la cultura

¿Tiene sexo la creatividad? O más concretamente: a las mujeres, en el arte y en la cultura, ¿se las reconoce por sus méritos o hay algún tipo de discriminación, de prejuicio…? Laura Freixas | 04/03/2009 | Actualizada a las 03:31h | Cultura

¿Qué significa que "el cine es de las mujeres" o "los libros son cosa de mujeres"? Curiosamente, esos y otros titulares se publican sin ir acompañados de una sola cifra. Cuando la hay, como en "el 80% de los lectores son lectoras", no cita fuente… y hace bien, porque los datos lo desmienten. Lo cierto, según la última Encuesta de hábitos de consumo cultural del Ministerio de Cultura, es que el consumo cultural está bastante equilibrado: leen regularmente el 57% de las españolas frente al 48% de los hombres, van al teatro el 21% de ellas y el 17% de ellos, al cine el 50% de ellas y el 54% de los varones…

Nada parecido entre los gestores. Cierto que hay muchas mujeres entre galeristas de arte y agentes literarios (en este caso –y es un ejemplo que todos citan–, ellas son casi el 100%), tal vez por tratarse de profesiones relativamente nuevas. También abundan las jefas de prensa, subdirectoras, coordinadoras…, algo que Victoria Combalía (historiadora y crítica de arte) atribuye a que se trata de tareas "más fatigosas y menos pagadas". En cambio, las empresas de envergadura (dirección de cine y de teatro, museos, orquestas…) están, casi sin excepción, en manos masculinas. Pasemos ahora a las creadoras. ¿Hay tantas como creadores? La novelista Belén Gopegui contesta con sarcasmo: "Desde luego, basta con ver los catálogos de las –si quedan– editoriales de prestigio, las listas de los premios no comerciales, las nóminas de los suplementos culturales". Y otra escritora, Cristina Peri Rossi, concreta: "De los libros que se publican en España, sólo un 20% o 25% están escritos por mujeres." En artes plásticas, "hay muchas menos mujeres que hombres", asegura Combalía, y lo corrobora un estudio de la Associació d'Artistes Visuals: de los 1.500 residentes en Catalunya, son mujeres el 29%. En música, salvo solistas de algunos instrumentos (piano, flauta), los varones predominan, sobre todo en composición (12% de mujeres) y dirección orquestal (6%). En artes escénicas, tres cuartos de lo mismo: "Lo que hay es mucha secretaria", ironiza la actriz Imma Colomer. Según datos recopilados por el Projecte Vaca que ella dirige, hay más varones en todas las profesiones de ese campo –actores, dramaturgos, directores, escenógrafos– con la única excepción de los bailarines. En cine, "somos muy pocas y siempre las mismas", se queja la directora Inés París, y un estudio dirigido por Fátima Arranz, de la Universidad Complutense, concreta cifras: de las películas españolas estrenadas entre el 2000 y el 2006, sólo un 7% han sido dirigidas por mujeres… En síntesis, parece que las mujeres son la mitad o poco más de los consumidores de cultura, mucho menos de la mitad de los artistas (10% de cineastas, 20% de escritores, 30% de artistas plásticos, en números redondos), y casi inexistentes en aquellos puestos, creativos o de gestión, que conllevan más poder, visibilidad y presupuesto: directores de cine, de orquesta, de festivales, de productoras de cine, de cadenas de televisión… Pero esta regla, según la cual las mujeres se abren hueco en actividades autónomas, baratas y solitarias, como escribir o pintar, se incumple en muchos casos… en detrimento de ellas: así, contra pronóstico, hay mayoría masculina entre compositores y dramaturgos (quizá porque ambas profesiones, aunque se ejerzan en privado, desembocan en el espacio público, el abultado



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presupuesto y el trabajo de equipo), y cosa a primera vista más sorprendente: son varones la inmensa mayoría de críticos de casi cualquier área (excepto, quizá, artes plásticas). Inercia y prejuicios Cuál sea la causa de la desigualdad es algo que no suscita demasiadas controversias. "La inercia machista" (Margarita Borja). "La norma no escrita por la que se reconoce siempre lo masculino y los varones como de mayor valor" (Fátima Arranz). "El prejuicio inconsciente de que las mujeres no piensan igual que los varones y por tanto piensan mal", corrobora Marisa Manchado. Inercia, machismo, prejuicios… pero ¿operan igual en uno y otro sexo? "Los espacios de poder siguen reservándose para los hombres y cuesta dejar el mando", sugiere Imma Colomer. "Todo el mundo pretende estar libre de prejuicios, pero una cosa es lo que decimos públicamente y otra lo que pensamos o incluso lo que decimos entre hombres", confiesa el crítico literario de este periódico Juan Antonio Masoliver. Y Belén Gopegui apunta con ironía: "Siempre que un grupo social conquista el poder procura inmediatamente compartirlo, los banqueros ceden el control de sus bancos a obreros y parados, etcétera, y esto es lo que ha ocurrido con el patriarcado". ¿Y las mujeres? "Llevo años en la universidad –explica el crítico de arte Fernando Castro Flórez–, y veo pasar generaciones enteras en las que las mujeres suelen tener mejores expedientes y demuestran una vocación y capacidad de trabajo extraordinaria. Luego, hombres de manifiesta mediocridad se encaraman a los puestos de máximo poder y muchas de aquellas mujeres, supongo que decepcionadas hasta límites innombrables, abandonan la especialización en que tantas esperanzas habían depositado." Todo ello se confabula para hacer que el techo de cristal sea "como mínimo de duralex", ironiza Fátima Arranz. La cuestión, claro, es saber si las cosas están cambiando. Algunos ven el vaso medio vacío, otros medio lleno: "Se percibe una evolución pero a un ritmo claramente más lento del que sería lógico esperar", opina el compositor José Luis Turina. "Las cosas evolucionan. No muy deprisa pero ostensiblemente", dice el crítico musical Arturo Reverter. "Estamos en el buen camino", afirma Colomer… No es esta la opinión de Fernando Castro: "Las cosas están evolucionando… a peor. La impresión que tengo es que estamos en un momento regresivo. El feminismo está, popularmente, caricaturizado. Incluso entre las generaciones más jóvenes se advierte un repunte de la mentalidad retrógrada." No es sólo cuestión de cifras. "Se pone demasiado énfasis en el acceso y el número en detrimento de la visibilidad", opina la musicóloga Susan Campos, fundadora del Portal de Compositoras. "No creo que en el mundo del arte se pueda hablar de igualdad o desigualdad en términos cuantitativos. Sí podemos hablar de oportunidades, de prestigio, de reconocimiento", explica Anna Caballé. "La cotización de las artistas es inferior, a las mujeres no se les reconoce casi ningún mérito hasta que están muy mayores", dice Combalía; y la escritora Carme Riera: "Tenemos que estar demostrando continuamente que no somos floreros ni cuota". ¿Ejemplos concretos? Todas tienen su anécdota, como la que cuenta Peri Rossi: "Una vez, en Berlín, el bueno de Juan Rulfo, en un congreso, fue a escucharnos a Elena Poniatowska y a mí diciendo, afablemente: "Ahora vamos a escuchar a las nenas"". Anécdotas aparte, lo más preocupante es que el futuro lo construyen, imperceptiblemente, unas academias, una crítica literaria, unos espaldarazos institucionales (como el premio Cervantes o los Nacionales), libros de texto y programas universitarios, de los que están ausentes las mujeres y el afán de igualdad. "Para las escritoras es más difícil entrar a formar parte del canon y de las academias, como la RAE, con una sola escritora –Matute–, o el Institut d'Estudis Catalans", observa Riera. "Me asombra, me pasma y me azora que la crítica literaria sea un reducto casi exclusivo de los hombres", dice Peri Rossi, y añade: "Mientras el canon esté en manos de críticos varones, dudo mucho que se reconozca con inteligencia y generosidad la obra de algunas escritoras." Todo lo cual se refleja, y eso es seguramente lo peor, en los manuales escolares. "Mi hijo de 14 años estudia literatura en la ESO y en el libro de lecturas que manejan no figura una sola escritora. Sólo varones. ¿Cómo pueden formarse las niñas de su curso que quieran ser escritoras? Están aprendiendo en un modelo que no las incluye, ni se interesa por ellas formativamente, ni por considerar otra mirada sobre el mundo que la masculina. ¿Qué ejemplo es ese?" Pues sí que vamos bien…

http://www.lavanguardia.es/cultura/noticias/20090304/53651733761/el-sexo-de-la-cultura-universidad-complutense-cristina-peri-rossi-elena-poniatowska-carme-riera-ines.html



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Niño mexicano gana concurso de dibujo de la UE

1 El dibujo de Rubén Arronte Ruiz, de 10 años de edad, destacó de entre más de 25 mil trabajos de 5

aíses p

NOTIMEX EL UNIVERSAL CIUDAD DE12:02 El niño mexicano Rubén Arronte Ruiz, de 10América Latina del Concurso Internacional de DibujoComisión Europea. La sede en México de la Comisión Europea informó que el prempróximo en la Escuela Primaria Canadá, Batallas de Celaya ydonde estudia este infante que compitió con más de 25 mil coRubén Arronte Ruiz ganó el primer lugar de la región en un conmil 819 niños provenientes de 51 países de cinco regionLatina, Asia, Mediterráneo y los otros países europeos La promoción de la equidad de género y del empoderamiento de las mujeres ha sido una parte fundamental de la política de ayuda al desarrollo de la Unión Europea (UE), por ello se buscó que éste fuera el tema central del concurso infantil. Desde 2007, con motivo de la celebración del Día Internacional de la Mujer, la UE ha lanzado anualmente este certamen, con el objetivo de formar concienciar a los niños de todo el mundo sobre los temas de género. Desde entonces, casi 60 mil niños han participado y en cada concurso son seleccionados dos dibujos ganadores por cada región, por un jurado integrado por niños europeos. Actualmente está abierta la convocatoria para el concurso de este año, cuyas bases pueden ser consultaen la página de internet del certamen (www.delmex.ec.europa.e

MÉXICO SÁBADO 14 DE MARZO DE 2009 años de edad, ganó el primer lugar de la región

sobre Equidad de Género 2008, que organiza la

io le será entregado el 18 de marzo Orendáin, ubicada en la Ciudad de México, ncursantes de 51 países.

curso internacional donde participaron 25 es del mundo: Africa, Caribe y Pacífico, América

y vecinos orientales.

r u).

http://www.eluniversal.com.mx/notas/583651.html



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México hará vacunas de alta tecnología contra la influenza La participación por pla Secretaría de Salud, que en la actualidad produce algunas de las vacunas que se aplican en el pa NOTIMEX EL UNIVERSAL SÁBADO 14 DE MARZO DE 2009

arte de México será mediante el Laboratorio Nacional de Biológicos y Reactivos de ís

el riesgo latente que representa la influenza y la influenza pandémica, la Secretaría de Salud

ón

Antetrabajará con Sanofi Aventis para la producción en México de vacunas de alta tecnología a fin de

combatir esos padecimientos.El secretario de Salud, José Angel Córdova Villalobos, sostuvo que la producción de vacunas es un tema de seguridad nacional, no sólo en el caso de influenza estacional o pandémica, sino en el resto de los inmunológicos. Al firmar los acuerdos entre la Secretaría de Salud y dicha farmacéutica para el proceso de proyectos conjuntos, dijo que ello permitirá a los mexicanos que han recibido capacitación en el extranjero laborar en México en áreas de alta tecnología. Puntualizó que la participación por parte de México será mediante el Laboratorio Nacional de Biológicosy Reactivos de la Secretaría de Salud, que en la actualidad produce algunas de las vacunas que se aplican en el país, como la de poliomielitis. En su intervención recordó que hace 30 años México producía la mayoría de las vacunas que se aplicabany ahora busca ser autosuficiente como en esos tiempos y producir las vacunas que se aplican entre la población mexicana. Mencionó que durante la visita de Estado del presidente de Francia, Nicolas Sarkozy a México, se firmaron 15 acuerdos de colaboración en enfermedades crónico-degenerativas, gerontología, capacitaciy padecimientos infecciosos, entre otros. http://www.eluniversal.com.mx/articulos/53014.html



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Polimedicación, una causa de riesgo renal

Hay unos 20 productos capaces de producir un daño irreversible Viernes 13 de marzo de 2009 |

ola Czubaj LA NACION A medida que pasan los años, los riñones van perdiendo naturalmente y en silencio algo de su magnífica capacidad de mantener limpio nuestro organismo. Hoy, esos órganos tan nobles están en el centro de las preocupaciones de los especialistas porque la polimedicación y la automedicación están acelerando en forma peligrosa el deterioro normal de sus funciones. Entre la gran cantidad de medicamentos de venta libre, productos naturistas y fármacos contra dos de los trastornos más riesgosos para la salud de los riñones (la hipertensión y la diabetes), hay unos 20 que si se los ingiere sin el adecuado control médico producen efectos tóxicos para la función renal. "Dentro de cualquier servicio hospitalario de nefrología, la causa más común de internación es la elevación de la creatinina en sangre, que es un indicador del estado de la función renal. Alrededor de dos tercios de esas elevaciones inesperadas, sobre todo en los adultos y los mayores, se deben en nuestro hospital al uso indebido de ciertos fármacos ?señaló Pablo Massari, jefe del Servicio de Nefrología y del Programa de Trasplantes Renales del Hospital Privado de Córdoba?. Y si bien en la mayoría de los casos el daño renal es reversible al suspender o reemplazar las drogas, el gran problema es lo que sucede en la población general que no consulta", señaló a LA NACION el doctor Pablo Massari, jefe del Servicio de

efrología y del Programa de Trasplantes Renales del Hospital Privado de Córdoba. a lista de fármacos la encabezan los llamados antiinflamatorios no esteroides (AINE), como la aspirina y l ibuprofeno, entre tantos otros, que sirven contra el dolor y la inflamación. Después aparecen también s antibióticos aminoglucósidos (bactericidas), como la amicacina y la gentamicina, que son de venta

n se administran en los hospitales por vía endovenosa; los fármacos para reducir el ácido s de la bomba de protones, para reducir el ácido gástrico, y hasta las hierbas chinas

ales.

ri, que dirige la Escuela de Posgrado en Nefrología de la Universidad Católica de

del Riñón, el

ica mal

tima que

e cabeza o de cintura, por ejemplo, toma un analgésico o un antiinflamatorio sin

e llegan a tomar hasta 20 o 30

el Riñón. Agregó Riella, ex residente de la Sociedad Brasileña de Nefrología: "Incluso muchos médicos generalistas desconocen los

nfermedad renal, pero de los daños producidos a los pacientes por los medicamentos recetados hablamos poco". El estudio español Erocap demostró que una de cada cinco personas que van a un centro de atención primaria tiene su función renal dañada en hasta el 50%. "Esas personas toman un promedio de siete medicamentos, muchos de ellos en dosis no adecuadas para los riñones o que alteran su función", comentó por vía telefónica desde Santander, España, el doctor Angel de Francisco, jefe del Area de Diálisis del Hospital Universitario de Valdecilla.

Fabi

NLelolibre y tambiéúrico; los inhibidoreque se venden en las herboristerías con unos 30 nombres comerci"Los pacientes nos cuentan que toman esas hierbas para cualquier dolencia, desde constipación hasta malestar general y, según sea su consumo, pueden pasar meses o años antes de que liquiden a los riñones", explicó MassaCórdoba. Dado que los riñones no dan síntomas hasta haber perdido el 70 u 80% de su función, la Sociedad Argentina de Nefrología (SAN) promovió ayer, durante la celebración del Día Mundialcontrol de la hipertensión y la diabetes, posibles signos de enfermedad renal, y la realización de dos análisis que no superan los 5 pesos en cualquier laboratorio del país. Son el de creatinina en sangre y el de proteinuria (que mide la cantidad de proteínas en la orina). "La pérdida de proteína por la orina indica daño renal y el exceso de creatinina en la sangre indfuncionamiento del filtrado glomerular, que es la base de la función que los riñones cumplen en el organismo", informó la SAN. El aumento de las enfermedades crónicas hace cada vez más frecuente la polimedicación. Se esen el país un adulto con factores de riesgo toma por lo menos tres fármacos a la vez. Además, si se levanta con dolor dconsultar al médico y por más tiempo del recomendado. "El daño ocurre a lo largo de 10 o 15 años de consumo, y hay personas qucomprimidos al día", dijo a LA NACION, por vía electrónica desde Portugal, el doctor Miguel Carlos Riella, presidente electo de la Federación Mundial de Fundaciones dpefectos de la polimedicación. Hablamos mucho de e



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En otro estudio (Erthos), en los 120 hospitales universitarios españoles, Francisco y su equipo hallaron to nefrología, ya había perdido la mitad

e su función renal, mientras que un 14% perdió el 40 por ciento. "Esto indica una insuficiencia renal -

e lta toxicidad renal." or su parte, el doctor Felipe Inserra, miembro de la SAN, dijo: "En los pacientes coronarios, diabéticos o on hipertensión, que reciben por lo menos tres medicamentos, hay que ser muy cuidadosos, ya que es

bable que ese cóctel terapéutico afecte los riñones".

s

• Los expertos consultados coincidieron en que hay dos falencias básicas en salud renal: la falta de vigilancia epidemiológica de la toxicidad farmacológica, por lo menos en los grandes hospitales del país, y de un registro nacional de las etapas tempranas de la enfermedad renal. "Contamos con buenos datos sobre los pacientes en diálisis, pero necesitamos saber qué ocurre en los estadios más precoces, cuando aún podemos controlar el deterioro renal", dijo el doctor Rubén Schiavelli, jefe del Servicio de Nefrología del hospital Argerich, en una reunión de la Asociación Nefrológica de Buenos Aires en la Legislatura porteña con motivo del Día Mundial del Riñón.


que el 30% de los pacientes de los servicios hospitalarios, excepddefinió el ex presidente de la Sociedad Española de Nefrología-. La población debe evitar abusar del consumo de fármacos y los médicos tienen que conocer la función renal de los pacientes y evitar los daPcaltamente pro

Reclaman más datos epidemiológico



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El desafío del viejo periodismo

Internet y los medios de comunicación Viernes 13 de marzo de 2009

| Los periodistas tradicionales tienen que afrontar el desafío que impone Internet. El nuevo mercado es unred multilineal, interactiva, hipertextual, que exige un periodismo emisor y también receptor. Que la

a

el

ores.

ndo

galaxia audiovisual reconoce una audiencia mundial, con creencias, culturas y lenguas diferentes. Quelector digital poco tiene que ver con el pasado: es activo, confronta información y es impaciente. Mientras el periodismo tradicional se acostumbró a trabajar con una audiencia pasiva y relativamente homogénea, el periodista digital debe prepararse para un universo complejo, donde sus lectores tienen habilidades cibernéticas y esperan plataformas donde recorrer documentación, acceder a videos y participar en las noticias. Incluso, entre los periodistas digitales, hay que distinguir entre los que pertenecen a medios tradicionales que se extienden digitalmente y los que solamente navegan en el lenguaje binario de unos y ceros. No se trata sólo de un cambio en los modos de acceso a la información, se trata de un cambio que modifica la lectura e impone un nuevo perfil de profesional. Un periodista que no sólo cuenta con la inmensa base de la Web, sino que redacta en forma interactiva con su audiencia. Debe resumir el caudalde datos, ofrecer un menú multimedial y calificar y jerarquizar sus fuentes, para poder fidelizar lectEl periodismo tradicional operaba sobre la base de que la información era un activo limitado, el periodismo digital opera sobre la base de un caudal infinito de datos. Por lo tanto, la capacidad de calificar y sintetizar información se transforma en una condición sine qua non . Hasta el presente, los periodistas digitales sólo han avanzado sobre los modelos tradicionales, replicala estructura y la jerarquía de información de, principalmente, los diarios de papel. Pero el medio electrónico requiere innovación y modelos propios, con contenidos que pueden guardarse y extenderse enforma hipertextual. Escribe Antonio Ambrosini Coordinador de Medios y Entretenimiento de la Universidad de Palermo http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1107943



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"Internet nos obligará a reinventar los museos"

"La contemplación del arte requiere paciencia; pasamos demasiado poco tiempo delante de las obras"

Miguel Ángel Trenas | Madrid | 16/03/2009 | Actualizada a las 02:03h | Cultura

A finales del pasado y tras 31 años como director, Philippe de Montebello abandonó el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Atrás dejaba una trayectoria impecable, marcada por al excelencia y la calidad, y una institución que hoy es el modelo de referencia de los grandes museos del mundo. Montebello ofrecerá mañana la conferencia inaugural de la primera cátedra organizada por el Museo del Prado que analizará el presente y futuro de los museos.

"Una de las razones por las que dejé el cargo -explica Montebello- fue porque estoy convencido de que no soy la persona del mañana para el museo. Soy la persona de ayer y ahora es el momento de rehacer las cosas, de reinventar el modelo del Metropolitan". ¿Es el momento de las nuevas tecnologías, de internet? Sí. Es el medio de comunicación de las nuevas generaciones. Y estamos obligados a comunicarnos con ellas en su lenguaje. No leen periódicos, leen las pantallas. Y esta tarea no la puede hacer alguien como yo, que nació antes de la Segunda Guerra Mundial. La posibilidad que ofrece Google Earth para contemplar determinadas obras del Prado es algo maravilloso. Puedes hacer un zoom que el ojo no consigue, ver hasta el mínimo detalle, pero lo que ves es falso, porque ni el artista ni el visitante pueden hacerlo. La tecnología ayuda, añade, inspira la visita, pero no la sustituye. La contemplación física es necesaria y el público lo sabe. ¿El Met sigue siendo el modelo a seguir? Yo prefiero utilizar una óptica más amplia. He estudiado los grandes museos del mundo y cada uno tiene su papel y actúa de manera distinta para públicos diferentes. No existe un modelo que sirva para todos. El Met es un museo especial, verdaderamente enciclopédico, universal, que abarca 5.000 años de historia, muy distinto de la National Gallery de Londres o del Prado, que son pinacotecas centradas en el arte europeo, o de museos como el de Atenas o el Cairo, que tiene su foco en el arte de su país. Si hay una ética que todos debemos seguir, basada en la excelencia, en la independencia de pensamiento, en la probidad. ¿Esa independencia es posible en museos nacionales como el Prado?




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El Prado no está limitado como otros museos, que no voy a nombrar, que dependen de gobiernos y ente. Aquí existe un equilibrio muy sano.

excelencia?

"La excelencia es algo abstracto. Un sentido permanente de superación siemmejor, no caer en la trampa de repetir las cosas, realizar una autocrítica. Se puede se excelente en los propósitos, en la manera de actuar, en el arte mismo. Existe una jerarquía en la calidad de las obras, las hay muy buenas, buenas y mediocres, que no impide la excelencia y que debemos reconocer, porque no todo es igual." ¿Están condicionados los museos por el éxito de público? "Nosotros servimos al publico. La medida no es el número de personas que entran a un museo sino la calidad de la experiencia. Medir esa calidad es difícil pero no imposible. Se pueden observar sus reacciones, podemos saber si vuelve o si e un visitante habitual. Si no quiere volver será una señal de que el museo ha hecho las cosas mal. El publico no se confunde, es inteligente, no hay que despreciarle, siempre me sorprende por su finura e inteligencia". ¿Es bueno el excesivo protagonismo de algunos directores y conservadores? No es bueno, es imprescindible, son los magos, el alma de un museo, todo viene de los conservadores, de su saber, de su ciencia, es la razón por la que casi todos los directores fueron en algún momento conservadores. ¿Hay diferencias entre un museo histórico y uno de arte contemporáneo?

n

obliga ás

go

oraje

ales de las obras. ¿Cómo se puede mejorar la conciencia histórica?

isfrute. Es un error pensar gente visita el museo solo leyendo y no mirando,

no es verdad. La realidad es que si tiene poca información, el público echa un ojeada sobre al cuadro y se va. En cambio, si aprende algo nuevo pasa más tiempo contemplando la obra". ¿Qué museos prefiere, los grandes o los pequeños?

ministros que actúan muy directam ¿Que herramientas ayudan a lograr la

pre. Hacer las cosas cada día

"La diferencia está en las artes representadas. Si es de realmente de arte contemporáneo, las obras no hapasado la prueba de la historia, no se pueden juzgar de la misma manera que otras antiguas cuya valía ha sido confirmada por muchas generaciones. Su actividad es una apuesta de presente y de futuro quea tomar riesgos. En cierto sentido, un museo de arte contemporáneo es una contradicción, debería ser muna galería. Un museo vale para enraizar el arte y el arte contemporáneo es algo vivo. Se les llama museos porque son públicos, abiertos y tienen conservadores". Se les ha criticado, en ocasiones, una excesiva interacción con el mercado. Es la realidad, hay un mercado y los artistas comen, pagan su alquiler, venden sus obras y hay museos que las compran. Nada se hace en este mundo sin dinero. Creo que hablar de comercio como si fuera almalo no es correcto. Que piensa de la decisión tomada por el Prado con "Coloso"? "Estamos obligados a presentar la verdad, no debemos mentir al público. El Prado ha mostrado su cal disminuir el valor simbólico de un cuadro tan famoso. Con esta acción mejora su reputación pública y refuerza la confianza del público sobre la veracidad de otras atribuciones". Usted entiende el museo como depositario del conocimiento de siglos, pero normalmente el visitante se queda en los aspectos form Las obras deben acompañadas de información que facilite su comprensión y d"

que si el cartel que acompaña la obra es muy extenso la



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"En todas las cosas de la vida me gusta la variedad. Los museos son demasiado grandes sólo si se quieren l Lázaro Galdiano es demasiado grande para un día. sería una locura. La mejor manera de visitar un

n venga de lejos no quiere decir que sea estúpido. Los madrileños pueden venir mucha veces al Prado". ¿Qué obras no deja de ver cada vez que viene al Prado? "Cambian con cada visita, con mi estado de ánimo. El cuadro que me conmovió el último día mañana me puede dejar frío". ¿Cómo explicaría la experiencia de la contemplación del arte? "Requiere tiempo y paciencia. Pasamos demasiado poco tiempo delante de la obra de arte. Hay que quedarse y esperar a que el cuadro nos hable porque la mayoría de las obras de arte no estallan su mensaje de una vez, lo comparten lentamente, es un diálogo silencioso, muy rico y profundo". ¿Se nos enseña a disfrutar del arte? "No. Y es un trabajo que corresponde al museo, a los educadores. Los museos deberían facilitar un folleto

los museos la gente permanece demasiado lejos de los cuadros, hay que acercarse, sin tocarlas, a las pinturas para aprecia las

ra

manera de ver las cosas?

ttp://www.lavanguardia.es/cultura/noticias/20090316/53660548182/montebello-internet-nos-obligara-a-

visitar en un día. Cualquier museo más grande que eEscuchar seguidas las nueve sinfonías de Beethovenmuseo es escoger unas salas, verlas bien y regresar otro día para ver otras. La visita no puede ser un inventario. Es evidente que muchos visitantes de museos los son de un día, peor el hecho de que alguie

que enseñara a mirar una obra de arte, cómo acercarse a ella y dejar que hable. En

pinceladas, los trazos, la materia. Sin prisa. En algunas conferencias parto de una imagen en blanco pair componiendo la imagen de un cuadro, eligiendo, como hizo el autor, diferentes posibilidades en la composición, en las figuras, en su representación. Es algo que fascina a los asistentes". ¿En estos dos meses fuera del museo ha cambiado su

"Seguro que va a cambiar, no se como, pero va a cambiar. Antes pasaba el día de reunión en reunión. Ahora tengo tiempo para pensar, para reflexionar".

hreinventar-los-museos-nueva-york-segunda-guerra-mundial-beethoven.html



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El agua, otro motivo de crisis global

Alrededor de 1400 millones de personas viven en áreaLunes 16 de marzo de 2009 |

s abastecidas por ríos que se están secando

La última sequía local, con sus pavorosas consecuencias Foto: Archivo Eprincipalmente a que su mayor afluente se utiliza en el 95% para la agricultura ymperdió un tercio de su superficie y su nivel desciende casi un metro por año. Para protegerlo, el Banco Mundial y organizaciones ambientalistas de la zona están estudiando la posibilidad de tender un acueducto desde el Mar Rojo para importar 2000 millones de metros cúbicos de agua. Costo estimado de la obra: 15.000 millones de dólares. Lescenario son meramente folklóricas, sino políticas y económicas. Para encontrar nuevas y mejores formas de manejo del agua, un líquido insustituible en un planeta que, se cumplen los pronósticos, estará crecientemente sediento, desde hoy y hasta el domingo se reúnen en Estambul 15.000 invesd Laumentando al ritmo actual, el agua puede convertirse en motivo de otra grave crisis global. Es más, según un informe del Instituto Internacional del Agua de Estocolmo (SIWI, por sus siglas en inglés), ya hay 1400 millones de personas en el mundo que viven en áreas ae Otras mil millones carecen de acceso al agua potable y alrededor de 840 millones carecen de sapaíses o regiones en las que habrá una escasez absoluta de agua. Estudios de la FAO, por su parte, revelan que el consumo de agua se multiplicó seis veces a lo largo del último siglo, el doble de lo que aumentó la población. Otros del Centro para InvEalrededor del 80% de todos los desastres naturales fuerone

l Mar Muerto es un símbolo religioso y cultural desde hace miles de años. Sin embargo, debido a que 150 millones de

etros cúbicos de su propio caudal se emplean anualmente en la minería, en las últimas tres décadas

amentablemente, ni el del Mar Muerto es un problema aislado, ni las consecuencias de este oscuro

si

tigadores, representantes de organizaciones ambientalistas, jefes de Estado y elegados de las Naciones Unidas.

a ONU, el Banco Mundial y otras organizaciones internacionales advierten que, si el consumo sigue

bastecidas por ríos que se stán secando.

neamiento. El SIWI calcula que, dentro de quince años, 1800 millones de personas estarán viviendo en

estigaciones en la pidemiología de los Desastres, de Bélgica, muestran que durante el período que va de 1996 a 2005

de origen meteorológico o hidrológico. Y todo sto sin tener en cuenta que un aumento de temperatura de entre 3 y 4 grados, como el pronosticado por



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los científicos para la segunda mitad del siglo, modificará el ciclo hidrológico y empeorará los efectos locales de las inundaciones y las sequías. El país no está exento de estas preocupaciones. Si bien recibe lluvias abundantes en la pampa húmedacomparte uno de los reservorios de agua subterránea más grande del mundo -el acuífero Guaraní-, las dos terceras partes de su territorio son áridas o semiáridas. Datos del Instituto Nacional del Agua indican que el 83,75% a Un estudio de la Udagua potable. Alrededor de seis millones de habitantes están en riesgo sanitario, ya que carecen de sistemas adecuade abastecimiento de agua segura. Entre un millón y un millón y medio consumen agua con altos niveles de arsénico o flúor, o padecen la degradación de la calidad del agua superficial y de losSseguir generando alimentos en 2050, ha"menos que 10.000 litros de agua. Para el SIWI, a riesgo de que en un futuro no demasiado lejano no haya suficiente agua para uso humano,las medidas (tales como reducir el despilfarro y la contaminación, o aumentar la eficiencia) deberán pensarse y ponerse en práctica sin pérdida de tiempo. N

y

de la población urbana está abastecida por gua de red, pero sólo el 54% dispone de servicios de evacuación de excretas.

niversidad Nacional de La Plata reveló que más de la mitad (el 53%) de los 13.800.000 e habitantes bonaerenses no dispone de cloacas y casi el 30% vive en hogares sin conexión a una red de

dos

acuíferos. egún los especialistas del Consejo Mundial del Agua, organizador del presente foro, si se pretende

brá que cambiar realmente los modos de producción. Para fabricar" una hamburguesa, asegura el International Water Management Institute, se necesitan nada

ora Bär

68http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=11089



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El «gran mundo» de Andy Warhol se traslada a París

Una de las obras que puede verse en el Petit Palais /EFE EP | PARÍS Publicado Martes, 17-03-09 a las 12:25 El artista norteamericano Andy Warhol pintó en 1962 los retratos de la mítica Marilyn Monroe, de surival Liz Taylor, reinterpretó La Gioconda y al «rey» del rock,

PresleyElvis . A partir de 1967 y hasta su

uerte, en 1987, hizo por encargo y según un proceso que acabó sistematizando, los retratos de decenas

eño mundo se mira fascinado", reza la presentación de «El gran undo de Andy Warhol», la exposición que lleva al Grand Palais

mde personalidades de todo tipo, famosas o no, devolviendo así cierto honor a un género olvidado al que aplicó nuevos códigos estéticos. "En ese espejo, todo ese gran y pequm de París 250 retratos del polifacético

un que les da el genio de Warhol que, con esta serie de retratos, dibuja también el cuadro de

da una sociedad y pone en marcha una nueva forma de producción artística, en serie, casi industrial. enfado de

artista desde este miércoles 18 de marzo y hasta el próximo 13 de julio. Junto a estrellas de cine y de la música, se podrán encontrar rostros de artistas, coleccionistas y marchantes, hombres políticos, modistos y personalidades de la «jet-set». Conocidos o no, todos gananpoco con el auratoEste paseo por el «gran mundo» de Andy Warhol tiene su dosis de polémica provocada por elPierre Bergé Warhol hizo estos retratos en la «Factory», su taller de Nueva York donde a principios de los años sesenta

les que desarrolla un proceso sistemático: maquilla y fotografía a sus modelos con una Polaroid, selecciona los clichés, pinta y los traslada a serigrafía. En París podrán verse doscientas cincuenta obras de las mipintó desde principios de los sesenta con la ambición de recuperar el efecto del principio de repetición que Warhol tenía en mente al realizar su obra. La Unión de Museos Nacionales (RMN) de Francia



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presenta así por primera vez este considerable conjunto de cuadros que constituye un archivo sin precedentes en la historia de la pintura y de la fotografía.

a muestra parisina ha sido organizada por la MN gracias a un préstamo excepcional del Andy Warhol Museum de Pittsburgh.

de Pierre Bergé

"Todos mis retratos tienen que tener el mismo tamaño para que encajen todos juntos y formen un gran cuadro llamado «Retratos de sociedad». ¿Es una buena idea. No? A lo mejor el Metropolitan Museum lo querrá algún día", llegó a decir el artista neoyorquino. LRSin Yves Saint LaurentEste paseo por el "gran mundo" de Andy Warhol tiene también su dosis de polémica provocada en el tramo final del montaje de la exposición por el enfado ,

ecenas y pareja del fallecido Yves Saint Laurent. Como consecuencia del malestar de Bergé, los retratos

n París podrán verse doscientas cincuenta obras de las miles que pintó desde principios de los sesenta

e s

élne Rochas, Giorgio Armani o Sonia Rykiel. Pero Pierre Bergé no uería que los retratos de Saint Laurent se colocaran con "otros modistos", con el argumento de que "no

por n a la historia de Saint Laurent, Warhol y de la

intura", se quejó el comisario.

ttp://www.abc.es/20090317/cultura-arte/gran-mundo-andy-warhol-200903171224.html

mdel modisto francés que el artista pop norteamericano pintó en 1974 no se colgarán finalmente en el Grand Palais de París. EBergé exigió descolgar las obras indignado porque ni el comisario de la muestra, el historiador y crítico de arte Alain Cueff, ni la Unión de Museos Nacionales (UMN), organizadora del evento, accedieron a colocar los cuadros donde él quería. Aunque no es la primera vez que ocurre un incidente de estas características, sí es raro que afecte a obras, artistas o coleccionistas tan famosos como en este caso. Según el relato de Cueff al diario «Le Monde», cuando la obra llegó al Grand Palais el pasado 10 dmarzo se colgó en la sala principal de la sección que lleva el nombre de «Glamour», consagrada a otragrandes figuras de la moda, como Hqhay que mezclar los trapos con las servilletas", y exigía que fuera situado en la sección dedicada a los 'artistas'. "Es una decisión que lamento profundamente porque en estos retratos la empatía de Warholsu modelo alcanza su mayor grado. Y porque pertenecep h



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Escritora nipona relata la historia de Guatemala del siglo XX

storia contemporánea de Guatemala, el cual parte de uno de los hitos que marcaron ese país: el derrocamiento de Jacobo Árbenz en 1954 EFE El Universal Tokio Martes 17 de marzo de 2009

Atsuko Kondo presentó su libro Episodios ocultos de la hi

11:00 La escritora japonesa Atsuko Kondo presentó hoy en el Instituto Cervantes de Tokio su libro "Episodios ocultos de la historia contemporánea de Guatemala", que relata el camino hacia la firma de la

do en ocho capítulos, el libro parte de uno de los hitos que marcaron el siglo XX en Guatemala, el iento del presidente Jacobo Árbenz en 1954 y la responsabilidad de EU, y trata temas como la

as por parte de los colonizadores. l texto resume la influencia de la desigualdad en la distribución de la tierra, que, para el ex embajador

las relaciones entre el país centroamericano y España, cuyas primeras egociaciones de paz tras el asalto militar a la Embajada española en Guatemala se desarrollaron en 1990

r conciencia a la hora de votar n las urnas.

nesas no

paz tras un largo conflicto armado. Divididerrocamexpropiación de tierras a los pueblos mayEjaponés en ese país Heisuke Shinomiya, "es aún hoy día el problema más serio en Guatemala". Como propuesta para acabar con esa situación, "Episodios ocultos de la historia contemporánea de Guatemala" se refiere a la elaboración de un registro catastral, de acuerdo al cual se debería realizar el reparto de la tierra en todo el país. El libro presta también atención a nen El Escorial (Madrid), recordó hoy el embajador de Guatemala en Japón, Byron Escobedo. Durante la presentación, la escritora urgió la necesidad de mejorar el sistema educativo guatemalteco, especialmente entre la población indígena, para proporcionarles una mayoeAtsuko Kondo, muy interesada por la política centroamericana, lamentó que en las escuelas japose atienda la realidad de esa región. http://www.eluniversal.com.mx/notas/584264.html



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«Cuando escribo me puedo olvidar del mundo real»

ELENA CARRERAS Murakami, ayer, en Barcelona DAVID MORÁN | BARCELONA Martes, 17-03-09 Puede que Haruki Murakami (Tokyo 1949) sea, como asegura Rodrigo Fresán, «el escritor japonés más cool» del momento, pero su alergia a los medios de comunicación empieza a ser preocupante. «No le gustan las multitudes, ni las cámaras de fotos, ni las ruedas de prensa. No le gusta nada», bromea Beatriz de Moura. No le falta razón a la editora de Tusquets: Murakami detesta saberse el centro de atención e incluso cuando Moura y su editor en catalán, F_lix Riera, se enzarzan en una partida de ping-pong de alabanzas, el autor de «Norwegian Wood» se hace el sueco para concentrarse en algo que en ese momento le debe parecer lo más interesante de la sala: sus manos. A Murakami le gusta escribir. Y basta. Bueno, también le gusta correr solo, escuchar música -empezó como barman y DJ del Peter Cat de Tokyo-, traducir a Scott Fitzgerald y comer marisco, pero sobre todo le gusta escribir. «Cuando escribo, me puedo olvidar del mundo real. Estoy dentro de la historia, rodeado por la historia. Uno puede conocer a personas muy interesantes mientras está escribiendo», explica el autor de «Kafka en la orilla», para quien trenzar frases es como soñar pero ahorrándose molestas interrupciones. «Escribiendo puedes soñar despierto y retomar un mismo sueño día tras día, algo que no sucede por la noche», asegura. El best-seller atípico Murakami sueña despierto, sí, pero será un milagro si aparece sonriendo en alguna de las fotografías que le tomaron ayer en Barcelona. Al autor japonés, firme candidato al premio Nobel dese hace unos cuantos años y dueño de uno de los universos literarios más personales, alucinógenos y maleables de la creación contemporánea, le sorprende incluso que sus novelas se cuelen con relativa facilidad en las listas de los libros más vendidos de medio mundo. «¿Que por qué mis libros son tan populares en el mundo? No tengo ni idea. Supongo que las buenas historias pueden encontrar lectores en cualquier idioma», relativiza. Acaba de entregar el manuscrito de «1Q84», «la novela más grande» que ha escrito nunca, pero a Barcelona llega siguiendo el rastro de «After Dark» (Tusquets/Empùries), la última de sus obras traducida



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al castellano y catalán y, según confiesa, «experimento» en el que h

se ha permitido probar cosas que no abía hecho nunca. «La escribí como un diario y luego fui añadiendo cosas, como si hiciese un guión. No

ue, por si aún no ha quedado claro, la música es una de las grandes pasiones de Murakami: habla camiseta en la que se intuye un viejo disco de vinilo, se ha pasado buena parte del fin

Messengers, una de las tiendas especializadas con mayor reputación importaciones japonesas, y sus novelas son como campos minados

de canciones y referencias musicales. «Era hijo único, estaba solo en casa y tenía tres cosas que me ayudaban: los gatos, los libros y la música. Aún ahora la música me ayuda a escribir. Escribir es algo muy solitario, así que necesitas algo que te ayude a seguir haciéndolo», explica. Esa soledad de corredor de fondo es la que, unida a las gruesas novelas de Dostoievski, Dickens y Kafka que devoraba en su infancia, articula uno de los mundos propios más aclamados e intransferibles. «Si abrierais mi cerebro encontraríais cosas extrañísimas», reconoce. Aún así, no es Murakami un autor que viva aislado en su burbuja y contempla su obra como una suerte de reivindicación del individuo. «Ser individual e indepediente en Japón es un gran problema, pero yo siempre estoy del lado del individuo, no del sistema», apunta. http://www.abc.es/20090317/cultura-libros/haruki-murakami-cuando-escribo-20090317.html

creo que lo vuelva a hacer nunca», señala sobre una telaraña de historias de personajes solitarios cuyo título hace referencia a la canción «Five Spot After Dark», del trombonista Curtis Fuller. Y es qenfundado en unade semana comprando discos en Jazzde Barcelona y una de las pocas con



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Descubren restos de dinosaurio más grande que el Rex Se tratan de los restos de un monstruo carnívoro que habitó los mares y que superó en tamaño al famoso Tiranosaurus Rex EFE El Universal Lunes 16 de marzo de 2009

Los restos de un monstruo carnívoro que habitó los mares en el reinado de los dinosaurios y superó en tamaño al famoso Tiranosaurus Rex, el mayor predador del Cretácico, han sido descubiertos en una isla del archipiélago ártico de Svalbarb. Según publica hoy en su edición electrónica el diario "The Guardian" , un grupo de "cazadores" noruegos de fósiles ha encontrado la parte trasera del cráneo del animal en el sudoeste de la isla de Spitsbergen (Noruega).

ás significativos del Jurásico".

a del 30,5 centímetros de longitud.

de

primeros vestigios del animal durante el último día de una expedición , en la que dieron con huesos de pliosaurios más pequeños.

El hallazgo, asegura el periódico británico, "ha sido descrito como uno de los descubrimientos mEl depredador ha sido identificado como una nueva especie de pliosaurio, un grupo ya extinto de reptiles acuáticos caracterizados por un cráneo enorme, un cuello corto y cuatro aletas para desplazarse en el agua. Las medidas de la parte trasera del cráneo y otros 20 mil fragmentos óseos hallados en la isla ártica muestran que la criatura ocupaba la cúspide de la cadena alimenticia y vivía a base de comer calamares,pescados y otros reptiles marinos. Para hacerse una idea del colosal tamaño del pliosaurio, su cabeza era dos veces más grande que lTiranosaurus Rex y su mandíbula estaba salpicada de dientes de casiLos paleontólogos calculan que el animal, cuyo mordisco era cuatro veces más poderoso que el del Tiranosaurus Rex, medía 15 metros de largo, pesaba 45 toneladas y dominó los océanos hace 147 millones de años. "Es realmente grande. Tenemos partes de la mandíbula inferior que son gigantes en comparación con cualquier cosa vista antes", afirmó Espen Madsen Knutsen, paleontólogo del equipo de la UniversidadOslo que ha examinado los restos. "Se podía comer cualquier cose que se le cruzase" , agregó Madsen Knutsen. Los investigadores avistaron los llevada a cabo en 2007Sin embargo, Jorn Hurum, director de la expedición y miembro del Museo de Historia Natural de la Universidad de Oslo, reparó en que había unos huesos más grandes en el terreno y marcaron ese paraje con un GPS (sistemas de navegación) . El pasado mes de agosto, el equipo regresó al lugar del hallazgo y quedó asombrado al comprobar que los restos correspondían al mayor pliosaurio encontrado hasta la fecha. Los paleontólogos han pasado los últimos meses limpiando y midiendo los fragmentos, con el fin de elaborar un dibujo del depredador. http://www.eluniversal.com.mx/articulos/53039.html



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Padecen 15% de mexicanos síndrome de Menière Se trata de un desequilibrio patológico que aparece de forma repentina, con vértigo prolongado, pérdidauditiva temporal, náusea y vómito

a

edacción

areo, padecen este mal crónico de origen desconocido, cuyo diagnóstico puede tardar meses, incluso

os

era incapacidad, ya que puede durar muchas horas, tiempo en que el paciente siente ue todo le da vueltas, tiene nauseas, vómito y sudoración, que le impiden realizar actividades durante la risis", expresó. También se acompaña de hipoacusia unilateral; es decir, disminución de la audición en un oído, que

bundó Vargas Aguayo. El especialista del CMN Siglo XXI explicó que todos los malestares de Menière se asocian a la estructura del oído interno o laberinto, por ser el centro principal y controlador del equilibrio del organismo. Entonces, cuando se altera el oído con esta enfermedad, desencadena una reacción negativa con las características ya mencionadas. De acuerdo con cifras de la Federación Internacional de Menière, cada año en el mundo 100 mil personas, aproximadamente, desarrollan este padecimiento con mayor o menor intensidad. El cuadro clínico se sitúa entre los 20 y 60 años de edad, y es más frecuente en la mujer. El nombre de la enfermedad se debe al médico francés Prosper Menière, quien fue el primero en describirlo en 1861. Respecto de la confusión con otras patologías, el doctor Alejandro Vargas dijo que frecuentemente se le relaciona con vértigo posicional paroxístico benigno o migraña vestibular. De ahí la importancia de que, ante los primeros síntomas de mareo o zumbido, se acuda al médico para diagnosticar el cuadro clínico respectivo y, en su caso, descartar que se trate de la Enfermedad de Menière. Por tratarse de un mal crónico, la única solución es controlar el padecimiento, a fin de evitar las crisis de vértigo, vómito y acúfenos. Para ello, en en IMSS se brindan los tratamientos respectivos para ayudar al paciente a tener buenos pronósticos en su salud. El tratamiento, aseveró Vargas Aguayo, se orienta principalmente a bajar la presión del oído interno, a través de medicamentos, diúreticos, dieta baja en sal, así como evitar la cafeína y el tabaco. La mayoría de los pacientes, 85 por ciento, responden al tratamiento médico. Finalmente, acotó que en casos severos, cuando no hay respuesta a los medicamentos, sobre todo en el aspecto de vértigo, se recurre a un tratamiento quirúrgico que ayuda a descomprimir el saco endolinfático del oido interno, y de esta manera aminorar el problema. http://www.eluniversal.com.mx/articulos/53037.html

REl Universal Lunes 16 de marzo de 2009 Regularmente, las personas asocian sus cuadros de mareo intenso con otras patologías, sin saber que podrían tener la Enfermedad de Menière, trastorno del oído interno caracterizado por vértigo, disminución auditiva, náuseas, vómito y zumbido, señalan especialistas del Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS). El doctor Alejandro Martín Vargas Aguayo señala que 15 por ciento de los pacientes con síntomas de maños, lo que conlleva el retraso de un tratamiento. Dicho desequilibrio patológico, comenta el especialista, aparece de forma repentina con episodios agudy severos de vértigo prolongado, pérdida auditiva y acúfenos (campanilleo). Por ser crónico, no tiene cura; sólo se puede controlar, y aunque no es causante de muerte, sí puede conducir a accidentes gravesen el hogar o el trabajo. "Esta enfermedad genqc"sucede en promedio en 85 por ciento de los casos, aunque a la larga puede ocurrir en ambos", a



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El expolio de la biblioteca de Mogao

WU JIAN Esculturas en las CP. M. D. | PEKÍN Enclavadas en plena Ruta

uevas de Mogao, en Dunhuang

de la Seda en Dunhuang, las cuevas de Mogao son uno de los principales a gracias a sus 735 grutas excavadas entre los siglos IV y XIV. De ellas, 492

uras pintadas y 45.000 metros cuadrados de frescos en sus paredes, la Cueva 17.

oísta llamado Wang Yuanlu, dicha gruta albergaba una

s manuscritos, así como objetos religiosos y artísticos como bordados, seda e instrumentos astía

de japonés Kozui Otani, el ruso Sergei Oldenberg y el explorador

de un por lo que buena parte de dichos objetos se pueden contemplar hoy en el Museo

nserva 18 cajas con 8.697 piezas, ya que el resto se encuentra xigen su devolución, otros

tesoros artísticos de Chincontienen más de 2.000 escultdestacando especialmente Descubierta el 22 de junio de 1900 por un monje tade las mayores bibliotecas de la Historia de la Humanidad. Sellada durante siglos, esta pequeña cueva contenía más de 50.000 documentos con sutras budistas y valiosomusicales. Pero, debido a la debilidad y a la corrupción reinante durante estos últimos años de la dinQing, varios arqueólogos y aventureros extranjeros, como el británico de origen húngaro sir Marc Aurel Stein, el francés Paul Pelliot, el conestadounidense Langdon Warner, expoliaron tan magnífico hallazgo entre 1907 y 1924. En China todos son especialmente odiados y considerados unos ladrones de la peor estofa, pero el último se lleva la palma por arrancar literalmente con cola los murales pintados en la pared. Y es que las ignorantes autoridades locales les vendieron incalculables tesoros nacionales a cambiopuñado de monedas, Británico de Londres, la Biblioteca Nacional de Francia, la Universidad nipona de Otani, el Ermitage de San Petersburgo y el Museo Arthur M. Sackler de Harvard. Tras semejante pillaje, China sólo corepartido por once países. Aunque los más críticos denuncian dicho expolio y ereplican que al menos sirvió para que miles de estatuas y documentos se salvaran de los desmanes y destrozos cometidos durante la Revolución Cultural (1966-76). http://www.abc.es/20090309/cultura-cultura/expolio-biblioteca-mogao-20090309.html



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En busca de la primera edición de 'El retrato de Dorian Gray'

00 el número de libros extraviados y robados de sus anaqueles S.com - Londres / Madrid - 17/03/2009

La BiblioteEFE / ELPAÍ

Más de 9.000 libros se han extraviado en la Biblioteca Británica, entre ellos tratados renacentistas de teología y

ca Británica cifra en 9.0

alquimia, un texto de astrología medieval, así como primeras ediciones. La Biblioteca no cree, sin embargo, que alguien los haya robado, sino que tal vez estén perdidos entre los 650 kilómetros de estanterías de ese centro, informa hoy el diario The Guardian.Uno de los libros al que se le ha perdido la pista es el titulado De la Usuria Legal e Ilegal de los Cristianos, del teólogo alemán del siglo XVI Wolfgang Musculus, que la biblioteca valora en 22.000 euros. Otros son una Carta de Astrología publicada en 1555 de la que es autor el famoso filósofo judío cordobés Maimónides (1135-1204), primeras ediciones de El Retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde, y Canzoni, del poeta norteamericano Ezra Pound. También ha desaparecido una edición de lujo del libro de Adolf Hitler Mi lucha, que se publicó con motivo de los 50 años del dictador alemán. Según Jennifer Perkins, de la Biblioteca Británica, los libros se consideran extraviados cuando un lector los reclama y no aparecen en la estantería en la que deberían estar normalmente. Los mayores tesoros de la Biblioteca, entre ellas la Magna Carta, se guardan en una galería especial sometida a controles de conservación y seguridad extraordinarios. Muchas de las pérdidas se produjeron justo antes o después de 1998, año en el que se trasladó la colección desde el Museo Británico a un moderno edificio cerca de la estación de St. Pancras. El pasado mes de enero, un coleccionista iraní llamado Farhad Hakimzadeh fue encarcelado por habersellevado mapas, ilustraciones y páginas de varios volúmenes valiosísimos de los fondos de esa biblioteca.

ttp://www.elpais.com/articulo/cultura/busca/primera/edi

cion/retrato/Dorian/Gray/elpepucul/20090317elhpepucul_2/Tes



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"La aféresis permite un uso racional de la sangre"

Lo dijo el titular de la Fundación Luis Agote Martes 17 de marzo de 2009 |

Fabiola Czubaj LA NACION Cuando todavía no se ha logrado organizar por lo menos duplicar la cantidad de donantepermitiría aprovechar mejor los componesangre. "La aféresis permite el uso racional de lasoluciona el problema de la falta de sangLA NACION el doctor Mario Alberto FigCongreso de la Asociación Mundial deLa aféresis es un método de extracción sapermite extraer de la sangre del donante sglóbulos blancos o plasma. Este procedimiento extracorpóreo, que esdurar hasta 1 h 45 min), se realiza cosangre de una persona, la filtra para extraerl

con un paciente al que se le infunden

as de r

os de

definitivamente la donación de sangre en el país y se necesita s voluntarios disponibles, un método de extracción de sangre

ntes sanguíneos de esa población "confiable" para los bancos de

sangre y sus hemocomponentes. Con este método, no se re en nuestro país, pero sí se racionalizaría su uso", dijo ayer a

ueroa, presidente de la Fundación Luis Agote y del 12° Aféresis, que se realiza esta semana en nuestro país.

nguínea que, a diferencia del proceso de donación convencional, ólo los elementos necesarios, ya sean plaquetas, glóbulos rojos,

más prolongado que la donación convencional (pues puede n ayuda de una máquina que, por vía endovenosa, extrae toda la

e por acción centrífuga el componente deseado y le devuelve el resto de los hemocomponentes. Lo mismo se puede realizar

o plasma. plaquetas, glóbulos"Es una donación especializada -agregó Figueroa-. Nos permite obtener, por ejemplo, ocho cucharadplaquetas de un donante único, que con este método puede donar hasta 24 veces por año o dos veces posemana sin afectar su salud. Esa es ya una gran diferencia con la donación convencional." La técnica actúa, además, como un coadyuvante terapéutico fundamental, porque acorta los tiemptratamiento de enfermedades como la leucemia, la hepatitis o la infección por VIH. "De un solo donante, por aféresis se obtienen 8 veces más plaquetas que en una donación convencional", dijo Figueroa. http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1109316



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Tratamiento de efluentes/ Aportarían eficiencia y bajo costo

Usan malezas para purificar el agua

lizan su capacidad para atrapar metales pesados Martes 17 de marzo de 2009 Investigadoras de la Facultad de Ciencias Exactas ana

| La Avena fatua Susana Reinoso Para LA NACION Dado que los efluentes industriales que coinvestigadores buscan diferentes alternatiPrecisamente, un equipo de la Facultad dtambién malezas muertas que, al s

ntienen metales pesados son arrojados a los ríos, los vas para eliminarlos aunando eficiencia con bajo costo. e Ciencias Exactas y Naturales de la UBA está probando algas y gadas al agua, atrapan los iones metálicos (átomos o moléculas

edores que otros, pero los investigadores buscan los que tienen menor malezas, su empleo es incluso una forma de aprovechar un

",

estión es una especie de avena (Avena fatua), cuyos tallos y hojas, una vez secos, son colocados en un dispositivo que luego se sumerge en el agua. Cuando los líquidos efluentes entran en contacto con la maleza, ésta atrapa los metales pesados. El término técnico es "adsorción", que significa que las moléculas se pegan a la superficie expuesta mediante una reacción química. El dispositivo luego se retira y los metales pueden ser separados mediante un procedimiento químico con un producto biodegradable. El material, una vez libre de los metales, puede volver a cumplir su función limpiadora muchas veces más. Los metales recuperados, por su parte, pueden reutilizarse o disponerse en forma adecuada, de manera no contaminante.

er agrecargadas eléctricamente). Algunos materiales son más prometcosto de producción. En el caso de las desecho. "Buscamos un método que se pueda utilizar en efluentes industriales que tengan metales pesados como residuos. La idea es que el método sea barato, reciclable y que no genere una contaminación adicionalafirma la doctora María dos Santos Afonso, investigadora del Instituto de Química Física de los Materiales, Medio Ambiente y Energía (Inquimae), que depende de la Facultad de Ciencias Exactas y del Conicet. Por su parte, la bióloga María Mar Areco, miembro del equipo que dirige Dos Santos Afonso, señala: "Hicimos pruebas con algas de la Patagonia y obtuvimos buenos resultados; ahora estamos probando conmalezas". La maleza en cu



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"Lo importante es que los metales ya no van a parar al agua ni al suelo. Si quedan en el agua, ingresan en mbién pueden llegar al Río de la Plata e os Afonso.

cación de efluentes son minerales, como arcillas, zeolitas o carbon os materiales es que, cuando interactúan con los metales, forman

muy fuertes y difíciles de separar, lo que dificulta su reutilización. la ventaja de que es fácil de reutilizar", subraya Areco. Además, señala, algunos de

as Exactas y Naturales, UBA http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1109315

el ecosistema y entran en la cadena alimentaria. Pero taincorporarse al agua que bebemos", reflexiona Dos SantMalezas versus arcillas En general, los materiales en estudio para purifi

es activados. El problema de estasociaciones químicas "La biomasa tieneesos minerales son costosos, e incluso el proceso de producción del material puede generar contaminación. En el caso de utilizar algas, éstas se cosechan directamente del mar y además son muy eficientes y fáciles de manejar. "Son selectivas para muchos metales, como plomo, cadmio, zinc, cobre, y eventualmente níquel y arsénico", se entusiasma Areco. Las algas utilizadas pueden extraerse de las costas de la Patagonia. Respecto del uso de malezas o rastrojos (la parte no utilizable de los cultivos), sería una forma de aprovechar un material de desecho. Las investigadoras han probado la eficiencia de las algas y de las malezas muertas para descontaminar el agua, y ahora se inicia la etapa de ingeniería para diseñar el dispositivo que alberga la biomasa y por donde pasa el agua contaminada. En el laboratorio emplean una pequeña columna de acrílico, pero será necesario diseñar una de mayor escala. Esta tarea se realizará en el Instituto Nacional del Agua (INA), a través de un convenio, según explican las científicas. Dos Santos Afonso detalla que "la calidad del efluente se controla midiendo la concentración de metales ala salida de la columna. Cuando se superan los límites establecidos, se reemplaza la columna". La preocupación por descontaminar efluentes industriales, en particular aquellos que contienen metales pesados, ha llevado a los investigadores a probar con muy diferentes materiales, tanto minerales como vegetales. Algunos vegetales, como la lechuga, poseen una alta eficiencia para adsorber metales, pero no tendría sentido cosecharlos para ese fin. Por ello, las malezas se presentan como una alternativa interesante. En el laboratorio mostraron alta eficiencia de adsorción para la retención de los metales. Ahora, será necesario confirmar si en gran escala el método es no sólo eficiente, sino también económicamente sostenible. Centro de Divulgación Científica, Facultad de Cienci



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Hendrix desarrolla proyecto árabe ión girada por Conarte. “No podían estar más equivocados. Yo

soy altamente tóxico. Fumo todo el día”. El artista holandés sonríe ante la invitac

Mar, 17/03/2009 - 12:19

“Yo soy altamente tóxico. Fumo todo el día”. Foto: Gabriel Contreras

Monterrey, NL.- Jan Hendrix, pintor, escultor y grabador holandés avecindado en México, trabaja en un proyecto que concierne a la creación de un campus universitario en Doha, capital de Qatar. El artista estuvo en Monterrey invitado a las actividades del Encuentro Internacional de Grabado no Tóxico. “Todo se levantado de la nada en los Emiratos Árabes. Se está pasando del desierto a jardines, a bibliotecas, a centros culturales, del desierto a un horizonte de aulas, a estudiantes. Ellos, los árabes, están

ero a favor de proyectos interesantes, como la energía alternativa, el turismo y la ó Hendrix.

ue si mente a

os ante una actitud muy distinta ya que, aunque todos están buscando qué

etros de 30 por 30 (metros) en términos de largo y ancho. Trabajo con un tejido orgánico, que lo va

nte tóxico. Fumo todo el día”.

treras

moviendo su dineducación”, explic “Se trata de Education City. Eso depende de los dueños del petróleo, pero la esposa del emir dice qDubai se está dedicando al turismo, ellos van a hacer una isla, Qatar, y ahí se van a dedicar íntegralas finanzas, la educación y la investigación”. Según Hendrix, nos hallamhacer con su dinero en los Emiratos Árabes, “lo interesante es que piensan mucho en la educación”. Hendrix trabaja en un proyecto dirigido por la agencia Legorreta. “Estoy creando un muro de 10 mde altura, ycubrir como si fuera una piel. Esta construcción se está coordinando desde Los Ángeles, desde México ydesde Qatar”. El artista holandés sonríe ante la invitación girada por Conarte. “No podían estar más equivocados. Yo soy altame Gabriel Con http://www.milenio.com/node/185250



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Las fauces del mar

FERNANDO SAVATER 17/03/2009

Me gustan cosas que cada vez se llevan menos, o sea las que el tiempo se está llevando: los periódicos de

apel, las carreras de caballos, los hijos que no nacen de un espermatozoide y un óvulo sino de un padre y killers... y las ballenas. Esas ballenas que van

pereciendo poco a poco no ya sólo por la caza de japoneses o noruegos, sino por otras mil razones "modernas": la polución acústica que las ensordece, acabando con el sentido que les es más útil; los plásticos que se tragan y las asfixian, el calentamiento de los océanos que acaba con su sopa de plancton, la disminución de la capa de ozono que les causa cáncer de piel, los venenos químicos que pasan a los retoños con la leche de sus madres... Cuando la última ballena perezca, nuestro planeta supongo que habrá perdido biodiversidad pero sobre todo romanticismo. Los amantes de las ballenas nos consolamos con 'Leviathan or, The Whale', el imprescindible libro de Philip Hoare Mientras, los amantes de las ballenas nos consolamos leyendo Leviathan or, The Whale, el para mí imprescindible libro de Philip Hoare (ed. Fourt Estate). El anterior libro de Hoare, England's Lost Eden, que trata de la Inglaterra victoriana, fue elogiado por W. G. Sebald, poco dado al ditirambo. En este último comparte contagiosamente su afición a los cetáceos: los que por allá resoplan en el mar, desde luego, pero también los que avistamos en la historia o en la literatura. La traza de estos últimos, los literarios, con su bocaza abierta y su tendencia a tragarse navegantes descarriados, comienza con Luciano en su Historia verdadera y sigue por Jonás, Simbad... hasta llegar a Pinocho y Monstro, su tremenda bestia marina. Pero también relatos de viajes tan inolvidables como La travesía del Cachalot, de Frank T. Bullen, o novelas como Un capitán de quince años, de Julio Verne, a cuyo protagonista deja huérfano un cachalote herido, o El camino de la ballena, del chileno Francisco Coloane y tantos otros.

puna madre, las novelas policiacas en que no salen serial



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Por encima de todos, claro, Moby Dick, de Herman Melville. Desde su título mismo el libro de Hoare es ía ser menos, a Moby Dick. No es sólo una grandísima novela de

: ese, Jean Giono, Ray Bradbury, Philippe Sollers... Todo lo

mi nombre tras los suyos. La ballena blanca, que surge en la inseguridad del mar donde todos somos náufragos desterrados, es la cifra y la máscara de cuanto nos agobia y despedaza. Por eso los desesperados ilusos de la banda Baader-Meinhof, sobre cuya peripecia acaba de estrenarse la película RAF de Uli Edel, utilizaban nombres en clave tomados de Moby Dick y se consideraban en batalla perpetua con un Leviatán que era más el de Hobbes que el de Melville ("Desde el fondo del infierno te apuñalo..."). Andreas Bader, naturalmente, se reservó el nombre de Ahab. Pero hay recuerdos de esa historia marinera menos truculentos. ¿Quién no se ha tomado alguna vez un café y una tarta en un Starbuck? Pues esa cadena de establecimientos que lleva el nombre del sensato primer oficial del Pequod fue fundada por Richard Melville Hall, sobrino nieto de Herman al que sus amigos apodaban previsiblemente Moby... Al comienzo de su obra maestra, Melville acopia un florilegio de citas balleneras de todas las procedencias. Una me llama especialmente la atención. Es de Edmund Burke y dice: "España: una gran ballena en las costas de Europa". Ya lo ven, también nosotros estamos en el vientre del Leviatán.

un continuo homenaje, como no podaventuras, sino algo así como el libro total en donde se unen la reflexión filosófica, la inspiración teológica, la historia, la sociología y la zoología. Algunos escritores, y no malos, la ponen en lo más alto

den, Cesare PavD. H. Lawrence, W. H. Auabajo que es de rigor, pongan

http://www.elpais.com/articulo/cultura/fauces/mar/elpepucul/20090317elpepicul_3/Tes



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Un palacio digno del Renacimiento italiano en un lugar de la Mancha

J. G. C. Lunes, 16-03-09

Don Álvaro de Bazán, vencedor en Lepanto y otras mil batallas, capitán de la Mar Oceana, primer marqués de Santa Cruz, mandó construir este palacio utilizado hoy como Archivo General de la Marina. No pudo imaginar mejor fin que el de conservar nuestra gloriosa memoria naval para estos muros que hoy se dividen no en salas y alcobas, sino en camarotes y caramancheles, en un contrapunto muy propio de tal fin.

palacio se encuentra en el Viso del Marqués, (Ciudad Real) -Álvaro de Bazán construyó otro parejo en

do

n eseta al año.

li: Francesco, Nicolás, Esteban y Giambattista Peroli, que llegaron desde Italia, para

arrar con delicados frescos las grandes hazañas militares de Don Álvaro. Destacan las enormes escenas .

ElValdepeñas, que no se conserva- y su fábrica comenzó a levantarse en 1564, según un proyecto que aún divide a los historiadores y pudo ser idea de Enrique Egeas, el Mozo, o de Giovanni Castello, el Bergamasco. Éste último recibió el encargo de traer desde Italia los mejores artistas y decoradores, recaque cumplió con creces. El resultado es un edificio espectacular, con miles de metros cuadrados de pintura mural, digno del mejor Renacimiento italiano. Esta joya del patrimonio español es propiedad actualmente del Duque de San Carlos, descendiente del primer marqués de Santa Cruz. Su madre, doña Casilda de Silva y Fernández de Henestrosa, lo cedió e1948 a la Armada Española por una renta simbólica de una p Entre los artistas que pintaron sus frescos destacan algunos manieristas italianos como Cesare Arbasia ytoda la familia Peronde batallas navales y otras de tipo mitológico como los trabajos del Hércules o el rapto de ProserpinaVisitado por miles de personas, en la entrada de las estancias conserva linternas capturadas a los barcos enemigos por el marqués en sus batallas. http://www.abc.es/20090316/cultura-cultura/palacio-digno-renacimiento-italiano-20090316.html



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Las cuatro lunas de Saturno

Las cámaras del telescopio espacial Hubble de la NASA captaron las imágenes de cuatro lunas en el omento en que pasaban frente al planeta Saturno.

a una de ellas se encuentra precedida de su propia sombra. Esta inusual coincidencia en el tránsito de las lunas sólo ocurre cuando la inclinación del anillo del planeta está cerca de verse de canto desde la Tierra. Esto ocurrirá entre el 10 de agosto y el cuatro de septiembre del presente año. Desafortunadamente, Saturno estará demasiado cerca del Sol para ser visto entonces desde la Tierra. El comienzo de este año fue favorable para observar con pequeños telescopios las lunas y la sombra de los tránsitos en la superficie de Saturno. El mayor de los satélites, Titan, cruzó su planeta en cuatro ocasiones: 24 January de enero, 9 de febrero, 24 de febrero y 12 de marzo. Sin embargo, no todos estos tránsitos fueron visibles desde todas partes de la Tierra. El italiano Galileo Galilei, considerado el padre de la Astronomía, fue el primero en observar Saturno con un telescopio en 1610. El matemático y astrónomo holandés Christian Huygens descubrió Titan en 1655, 350 años de después. En enero de 2005 una sonda de la ESA facilitó al mundo las primeras imágenes de su superficie helado. Mientras, el astrónomo italofrancés Giovanni Domenico Cassini, descubrió Dione y el inglés de origen alemán, William Herschel, descubrió Mimas y Encelado. Las imágenes de este raro fenómeno fueron tomadas con la cámara 2 del amplio campo planetario del Hubble el 24 de febrero, cuando Saturno se encontraba a 1.250 millones de kilómetros de la Tierra. http://www.farodevigo.es/secciones/noticia.jsp?pRef=2009031800_26_307496__CIENCIA-Y-

mEFE Se trata de los satélites Encelado, Dione, Titán y Mimas, y debido al ángulo del sol, cad

TECNOLOGIA-cuatro-lunas-Saturno



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Un libro recoge las cartas inéditas de Camilo José Cela con escritores españoles del exilio

La obra recoge casi mil cartas del Nobel gallego con María Zambrano, Rafael Alberti, Ramón J. Sender, Américo Castro, Emilio Prados, Francisco Ayala y Jorge Guillén, entre otros

MAI

A MAULEÓN - VIGO Camilo José Cela (1916-2002) era un escritor cuidadoso hasta el delirio:

ndir de las cartas de Max

sta.

ia. Es u

relación epistolar con los escritores exiliados es, pues, un capítulo decisivo que, además, muestra al Cela más cercano. También al más diplomático. Una de las frases que más se repite en las casi 900 páginas del libro, dicha a no menos de media docena de destinatarios, es: "En mi revista manda usted".

Aguardaba todas las cartas que recibía, una copia de las que enviaba y hasta los telegramas que dictaba por teléfono. Esta coincienzuda labor ha permitido ahora recopilar la correspondencia que el Nobel gallego mantuvo con los principales autores del exilio, la mayoría de ellas inéditas. "Correspondencia con el exilio de Camilo José Cela" (Destino) se publica el próximo 7 de abril y muestra la relación de Cela, afín al régimen franquista, con "la otra mitad" de nuestra cultura. El prólogo es del novelista Eduardo Chamorro. El volúmen reúne casi mil cartas que Cela cruzó con doce escritores imprescindibles de la cultura española del siglo XX entre 1935 y 1988: María Zambrano, Rafael Alberti, Américo Castro, Jorge Guillén, Emilio Prados, Luis Cernuda, Manuel Altolaguirre, Leçon Felipe, Corpus Barga, Ramón J.

ender, Fernando Arrabal y Francisco Ayala. Los editores han tenido que presciSAub, cuya reproducción no ha sido autorizada por sus herederos. La historia de esta relación epistolar nace en la revista "Papeles de Son Armadans" -una de las publicaciones clave de la cultura española de la segunda mitad del siglo XX-que el autor de "La familia de Pascual Duarte" fundó en 1956 y dirigió hasta su desaparición en 1979, después de 276 números. La Guerra Civil había mandado al exilio a buena parte de los grandes escritores españoles, por lo que

ela decidió contar con ellos para su reviC La correspondencia de Cela consta de unas 90.000 cartas conservadas en su fundación de Iria Flavuno de los legados epistolares más importantes para conocer la cultura española de la posguerra. S



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Frías, cariñosas, dramáticas

hada el 29 de agosto de 1935 y la firma María Zambrano. Cela era vía un poeta y había estado ingresado en un sanatorio del Guadarrama. La ensayista se preocupaba de

l con mucho cariño: "¿Qué ha sido de su vida? ¿Qué lee? ¿Qué escribe? ¿Qué piensa?", le pregunta. A Alberti le propuso en 1966 publicar un libro en Alfaguara, la editorial que Cela había fundado con sus hermanos. En concreto, sería un libro sobre Roma con fotografías de Carles Fontseré. No hay menciones a temas políticos y la añoranza parece que ha desaparecido. La correspondencia más dramática es la que mantienen con el poeta Emilio Prados, que estaba exiliado en México, donde murió en 1962. Un mes antes, Cela le escribió: "Tú no te puedes morir ahí. Tú tienes que vivir aquí". Sin embargo, con Luis Cernuda es fría, puramente profesional. El carteo más extenso fue con el historiador Américo Castro, que Cela admiraba y cuidó atendiendo una largas cartas en las que le hablaba de sus investigaciones. Camilo José Cela (Iria Flavia, 1916- Madrid, 2002) fue uno de los escritores más relevantes y singulares del siglo XX. En 1942 se situó en primera línea de la narrativas española con La familia de Pascual Duart. Académico de la lengua, en 1987 recibió el Premio Príncipe de Asturias y en 1989 el Premio Nobel.

La primera de estas cartas está fectodaé

http://www.farodevigo.es/secciones/noticia.jsp?pRef=2009031800_8_307204__SociedadyCultura-libro-recoge-cartas-ineditas-Camilo-Jose-Cela-escritores-exilio



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La feria de Anime de Tokio desempolva los clásicos ante la crisis

La más internacional de las expresiones culturales niponas, el anime, se dio cita hoy en Tokio, is.

rnacional del mación

ponesa: videojuegos, accesorios y objetos de colección.

con la vierten, más que nunca, en una alternativa.

l

no hicieron sombra en la feria a las Full

el s

a la onquista del resto del mundo, especialmente Asia y Europa, donde las ventas de productos relacionados

enfocada en revitalizar las sagas más legendarias y mantener el ritmo de crecimiento pese a la crisEFE Fanáticos y profesionales del sector se reunieron en la inauguración de la Feria Inte

nime de Tokio, el principal escaparate mundial de todo lo que acompaña una serie de aniAja Los pabellones del Big Sight, un futurista edificio de la isla artificial de Odaiba, atraerán durante cinco días a japoneses transformados en sus héroes de ficción, conocedores de los secretos de un mundo que sólo existe en la pantalla: un ejército de seguidores conocido como "otaku". Según explicó a Efe el profesor Ken Rodgers, de la Universidad Manga de Seika Kioto, el anime y el manga siempre han sido refugio para el japonés, una forma de abstracción de su vida real, y ahorarisis se conc

El principal exponente del sector audiovisual japonés no se ha dejado amedrentar por la situación económica, aunque las ventas no son lo que eran en los 90 cuando Dragon Ball causó furor en todo emundo e impulsó al sector por encima de los 200.000 millones de yenes (unos 2.000 millones de dólares).

as novedades este año, como lo último de Bleach, Detroit Metal,Lreinventadas series de siempre como Dragon Ball -que presentaba nueva película-, Astro Boy oMetal Alchemist, que siguen siendo objeto de un culto fiel. La industria de la animación no se resiente gracias a producciones que se convierten en un mito, comotrabajo de Studio Ghibli, productora del galardonado director Hayao Miyazaki, cuyo éxito de taquilla eelebrado en la muestra. c

Es un hecho que Japón prefiere la animación nipona y que ni siquiera Hollywood pudo en 2008 con producciones como "Ponyo en el Acantilado" de Miyazaki o "Chicos sobre flores", la primera y segunda películas más taquilleras del año pasado en Japón. No obstante, el mercado japonés está cada vez más saturado y las productoras se han lanzadoc



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con el anime crecen a ritmo de dos cifras a Tradiciones como el "cosplay", contracción inglesa que significa "jugar con disfraces", hacen las delicde chinos, franceses y estadounidenses, y en esta feria sus seguidores buscan las miradas y flashes de los visitantes. Entre las invenciones presentadas se encuentran las recreaciones tridimensionales de series y juegos de cartas en los que gana el más guapo, estratagemas que no hac

nuales.

ias

en sombra a los eternos recursos del anime: l erotismo y la violencia.

ntre los extranjeros, los que más se acercan a la potente industria japonesa son las producciones

amco Bandai, responsable de títulos como Metrópolis, Ghost in the Shell o Shinchan, planea aumentar s ventas fuera de Japón un 50 por ciento en los próximos tres años, especialmente en Europa y China.

a crisis ha impactado más en Japón y ha provocado la caída de ingresos por publicidad, aunque el total

Además, la reducción en la pirámide demográfica japonesa de su principal grupo de clientes y "otaku", los jóvenes entre 20 y 30 años, ha hecho que, en la Feria de Anime de Tokio, los antiguos títulos hayan cobrado más vigencia que nunca. http://www.farodevigo.es/secciones/noticia.jsp?pRef=2009031800_8_307448__SociedadyCultura-feria-

e Amir Reza, un español que exporta iconos japoneses a España, aseguró a Efe que los fanáticos del anime estarían dispuestos a pagar por las bolsas con publicidad que se entregan en la feria, que este año congrega a 255 empresas, 56 de ellas extranjeras. Ecoreanas, aunque pegan fuerte son las nuevas creaciones chinas. No obstante, el sector audiovisual japonés busca proyectarse fuera de sus fronteras. Nsu Ldel sector sigue cercano a los niveles de los últimos tres años, unos 140.000 millones de yenes (1.400 millones de dólares).

Anime-Tokio-desempolva-clasicos-ante-crisis



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Toma impulso en Iberoamérica literatura infantil y juvenil

• Destacan dicho avance en editorial española • Nombran a países como Brasil, Colombia, Perú

y México

Cultura - Miércoles 18 de marzo (08:10 hrs.)

E

Madrid, 18 de marzo.- La editorial española de literatura infantil y juvenil SM destaca el impulso que ha tomado este género en el último año en varios países iberoamericanos como Brasil, Colombia, Perú y M La firma editora que cuenta con centros operativos en distintos países de Latinoamérica como MéxicoChile, Argentina y Colombia presentó hoy su sexto anuario, q Sobre Brasil, SM destaca la importancia que ha cobrado la producción editorial brasileña y pone como ejemplo el libro "O menino que vendia plavras", de Ignàcio de Loyola, galardonado con el Premio Jabuti 2008 al Libro del año. Esta distinción, destaca el sello editorial haciéndose eco de las palabras Joáo Luís Ceccantini, pone drelieve que "la época en la que se relegaba a la literatura infantil y juvenil a una posición marginal ha quedado atrás" en Brasil. SM también se fija en Chile, país en el que recuerda que los índices de lectura son bajos, ya que elpor ciento de su población se define como no lectora.

l Financiero en línea

éxico.

, ue será publicado en abril próximo.

e

49.2



145

Electura se dirigen cada vez más a las etapas de lectura inicial. Asimismo, sprelativamente lentos". En cuanto a Colombia, un pqinfantil y juvenil. SM comenta el hecho de que el premio impulsado pApara los escritores colombianos de ficción infantil. Lseis y ocho años, al tiempo que se observa la "resurrección del relato largo". A los jóvenes puertorriqueños, de entre doce y diecisiete años, dedica su mirada SM, ya que señala que pese a la abundante producción literaria destinada a este público hay una carencia sobre sus hábitos de le Por ello, el sello editorial ofrece los resultados de una encuesta informal que apunta que los adolescentes dedican por interés personle Y entre sus preferencias figuran la narrativa con elementos fantásticos presente en las obras de Isabel Allende, Stephenie Meyer y Gabri

l sello editorial destaca como los esfuerzos gubernamentales de fomento, promoción y animación a la

ubraya que la literatura infantil y juvenil en Chile "ha ido adquiriendo cada vez más resencia y relevancia en el ámbito educacional, literario y cultural, aunque sus progresos siguen siendo

aís en el que 59 por ciento de sus habitantes declara no leer nunca, SM indica ue llama la atención el "escaso número" de títulos de autores colombianos en el apartado de literatura

or este sello, Barco de Vapor- Biblioteca Luis Ángel rango, fallado en mayo último y que recayó en María Inés McCormickue, se perfile como un referente

a firma editora resalta el creciente interés en escribir libros ilustrados, sobre todo dirigidos a niños entre

ctura.

al (el 40 por ciento) o por requisito escolar (el 43 por ciento) tiempo a la ctura.

el García Márquez.

http://www.elfinanciero.com.mx/ElFinanciero/Portal/cfpages/contentmgr.cfm?docId=178486&docTipo=

El sello destaca que entre los jóvenes puertorriqueños prevalece el deseo de "leer en español". (Con información de EFE/CFE)

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Goya vivirá en el Reina Sofía

El P d e Borja-Villel ÁNG L 03/2009

ra o cede los 'Caprichos' y los 'Desastres' al museE ES GARCÍA / IKER SEISDEDOS - Madrid - 18/

o que dirig

Los caprichos y Los desastres de la guerra, de Goya, entrarán de forma permanente en el Museo Reina Sofía procedentes del Museo del Prado. El acuerdo entre los dos centros fue confirmado anoche a este

Prado, Miguel Zugaza. La cesión definitiva servirá a Manuel Borja-Villel, del a la reordenación de la colección permanente de la institución

que ha emprendido personalmente hace unos meses. Con ella, plantea un cambio sustancial e histórico en

Goya explica como ningún artista el arte del siglo XX" orja-Villel: "La modernidad tiene muchos comienzos y muchos futuros"

en 990.

e

gún artista el arte del siglo XX", dice Zugaza para aclarar que en el mundo de las eas hubo sintonía desde el principio.

iones. "No hubo resistencia por parte de ninguna Administración", aclaró noche Borja-Villel. "Si estamos de acuerdo entre los museos, sería absurdo que la ley se mostrase

diario por el director del Reina Sofía, para dar carta de naturaleza

el discurso del Reina Sofía. Es un cambio sustancial en el discurso del Reina Sofía Zugaza: "BAsí, en su visión profundamente personal, el comienzo de la historia del arte moderno se sitúa en Goya. Y no en 1881, fecha de nacimiento de Picasso, como ha venido siendo desde la fundación del museo 1La idea surgió de Borja-Villel. Y se resolvió en dos reuniones distendidas y llevadas personalmente entrambos directores. Se planteó como una "actuación en dos frentes: el conceptual y el administrativo". "Goya explica como ninidEn el plano administrativo, el escollo que fue necesario salvar fue la normativa establecida en un real decreto de 17 de marzo de 1995, que fija en el nacimiento de Picasso un corte limpio (al menos hasta ahora) entre las dos coleccainflexible", añadió Zugaza.



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Eque el genio aragonés ingresó en la madurez, es el de depósito. El Guernica, propiedad también del Prado, descansa desde 1992 en el Reina Sofía como su obra mfiBorja-Villel tiene claro desde hace tiempo dónde encajará Goya en su visión del museo, el primerprofundo en la colección permanente desde mediados de los noventa y que será presentada al público el 28 de mayo. En la nueva pGutiérrez Solana. "¿Lo ves?", explicaba hace unos días Borja-Villel in situ. "Contemplar la negrura de Solana es contemplar a Goya". Tras esta decisión subyace su visión "no formalista de la historia del arteque hará convivir aMLa segunda presencia de Goya se hará sentir en la sala anexa, dedicada al Esperpento, un espacio inspirado en Luces de bohemia, de Valle-Inclán. Un ejemplar original de la obra será, junto a Darío de Regoyos, uno de los nuevos vecinos de Los caprichGel dolor", explica Borja-Villel. En Los caprichos se considera el inicio de la primera madurez de Goya. No erebrujería, por el otro) se considera la transición perfecta entre el antiguo régimen y la sociedad contemporánea. Los desastres es la respuesta de Goya al estupor de la Guerra de la Independencia. Es comúnmso"Esto es el principio de un diálogo constante entre las dos instituciones", explicó anoche Miguel Zugaza aeste diario para subrayar la total sintonía en la visión de ambos acerca del presente y el futuro de la amuseística. Borjmúnico es autoritario, de otra época. Y abrir posibilidades siempre es democrático".

l régimen de préstamo de los grabados de Goya, las 162 estampas pintadas entre 1799 y 1810, con las

ás emblemática precisamente bajo esta gura.

cambio

ordenación, los grabados se colocarán en dos espacios diferentes. El director lanea instalar Los desastres de la guerra en una sala dedicada a La España negra, junto a Zuloaga y

", Goya con La mujer azul (1901) de Picasso dentro del gran espacio dedicado al

odernismo y el Decadentismo.

os. "Quizás la verdadera España negra es aquella de ómez de la Serna y de Valle-Inclán, en la que la risa no es más que un medio para exorcizar la muerte y

n vano, el dominio de los cursos del grabado y la temática (doble; el cortejo y la prostitución, por un lado, y las escenas de

ente aceptado que en las masacres, las ruinas de la destrucción y la negrura de esta brecogedora serie se halla el origen último del grito antibelicista del Guernica.

cción

a-Villel, desde su trinchera teórica, añadió: "La modernidad tiene muchos comienzos y uchos futuros. Lo bueno de tener varios inicios, es que esto abre una variedad de futuros. El futuro

ttp://www.elpais.com/articulo/cultura/Goya/vivira/Reina/Sofia/elpepucul/20090318elpepicul_1/Tesh



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Casandra al paredón

MANUEL RODRÍGUEZ RIVERO 18/03/2009 Optimismo, ésa es la consigna. Casandra es nihilista, disolvente: acabemos con ella para impedir que corrompa a nuestros jóvenes (sean o no editores). Es la hora de Pangloss, aquel volteriano discípulo de Leibniz que enseñaba que todo iba a pedir de boca en el mejor de los mundos posibles. El Apocalipsis ha pasado, regocijémonos con la luz al final del túnel. Pregunten, pregunten a los libreros. Pregúntenles si están contentos. Ya verán cuántos militan en el campo de Pangloss El nuevo optimismo tiene, como casi todo, raigambre obamista. En enero y febrero, con el emperador recién llegado al puente de mando del acorazado Washington, se imponía la ducha escocesa: el catastrofismo servía para galvanizar la economía y a quienes la habían desquiciado -esos tycoons blindados que, no lo duden, van a ser los encargados de reformar el capitalismo para que todo cambie y el sistema siga igual- con dosis masivas de neo-keynesianismo anti-neocon (sí, ya está todo inventado: la creatividad es siempre "neo"). Pero, ya lo dice el refrán fisiócrata: febrero es loco y marzo no poco. De manera que, ahora, cuando el entorno del (aún) flamante presidente-esperanza empieza a detectar fisuras en su imagen, toca optimismo: ahí tienen a Ben Bernanke, presidente de la Reserva Federal, apuntando que "probablemente" (p-r-o-b-a-b-l-e-m-e-n-t-e) la recesión en Estados Unidos terminará antes de que cante el gallo (rojo) de final de año. Magia potagia. Y, ¡pumba!: suben las bolsas. Paradojas: mientras uno lee que todavía hay un 90% de toxicidades financieras que no emergen y que los responsables de los desaguisados siguen cobrando bonos millonarios en atención a los servicios catastróficos prestados, mientras en Europa se discrepa por las medidas de urgencia y el paro sigue creciendo, el fantasma del nuevo optimismo recorre el mundo real. Y también el editorial. En febrero, y según los titulares de este periódico, "los editores se ponen en lo peor". Un mes más tarde -y en contra del refranero: marzo engañador, un día malo y otro peor- la situación ha cambiado: "el libro resiste en la tormenta". Pues claro, qué remedio. La fuente del neo optimismo es la neo estadística anual del INE, que lanza a bombo y platillo la noticia de que "el número de títulos editados en España en 2008 aumentó en un 19,8 %", etcétera (con todos los etcéteras numéricamente impresionantes). Una de las muchas anomalías del sector editorial español consiste en la existencia de, al menos, tres fuentes estadísticas que le conciernen: la del INE, la de la Agencia del ISBN y la de la Federación de

remios de Editores. Jamás han coincidido, y sus discrepancias superan a veces el 10%. La más valorada

e

porta que las afirmaciones optimistas se vean desmentidas por la realidad: cto al mismo mes del año pasado (Nielsen),

ón del fondo), quiebra de pulso" y de las institucionales,

uen trándose alarmantemente en menos títulos, si están contentos. Ya verán cuántos militan en el

Gpor los profesionales es la de los editores que, aunque imperfecta, se basa en el comercio interior. La menos fiable es, en mi opinión, precisamente, la del INE, que se basa en el Depósito Legal y en la que sincluyen hasta los libros que se producen en España por encargo de editoriales extranjeras. De manera que las estadísticas acuden en apoyo de la nueva consigna. ¡Más libros, más ejemplares, más de todo! Y, ¿por qué?: pues, señores y señoras, porque el libro es un bien "refugio" (¿ah, sí?) y "ocio barato" (¿para quién?). No imun descenso en el libro de trade del 17% en enero respeavalancha de devoluciones estupefacientes (con notable disminucidistribuidoras, descenso del gasto medio, disminución de la compra "por imdescenso de la facturación del libro de texto (política de préstamos), etcétera. Pregunten, pregunten a los libreros. Pregúntenles cómo les han ido este año los grandes premios (Planeta, Nadal), si las ventas sigconcencampo de Pangloss y cuántos en el de Casandra. http://www.elpais.com/articulo/cultura/Casandra/paredon/elpepucul/20090318elpepicul_4/Tes



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El agua que hay en Marte es salada: estudio Un gran número de pruebas físicas y termodinámicas independientes muestra que el agua salina puedecomún e

ser n Marte, dijo un profesor de la Universidad de Michigan

EFE El Universal Martes 17 de marzo de 2009

Científicos estadounidenses indicaron hoy que el agua en forma líquida descubierta junto a una de las patas del "Phoenix" es salada y podría haber más en otros sitios del planeta. "Un gran número de pruebas físicas y termodinámicas independientes muestra que el agua salina puede ser común en Marte", dijo Nilton Renno, profesor del Departamento de Ciencias Atmosféricas, Oceánicas y Espaciales de la Universidad de Michigan. Renno, quien integra el grupo científico encargado de las operaciones de Phoenix, manifestó que esta es la primera vez que se ha detectado y fotografiado agua líquida fuera de la Tierra, señala un boletín emitido por su universidad. "El agua líquida es un ingrediente esencial para la vida. Este descubrimiento tiene implicaciones importantes para muchas áreas de la exploración planetaria, incluida la habitabilidad de Marte", dijo. Renno presentará estas conclusiones el próximo lunes ante la Conferencia de Ciencia Lunar y Planetaria que se realiza en Houston (Texas). Hasta ahora los científicos creían que el agua existía en Marte solo como hielo o vapor debido a las bajas temperatura y presión atmosféricas en el planeta. Pensaban que en ese ambiente el hielo podía sublimarse o vaporizarse, pero no creían que podría



150

derretirse.

presunciones pueden ser incorrectas, según el estudio.

Marte donde descendió el Phoenix y las sales en el

adas

n

os

primeros

El último análisis muestra que esas

a fluctuación de temperatura en la región ártica deLsuelo podrían crear depósitos de agua demasiado salina como para congelarse en el clima del sitio del descenso, dijo Renno. Las fotos de una de las patas del aparato muestran gotas de rocío durante el verano marciano. Sobre la base de la temperatura de la pata y la presencia de gran cantidad de sales percloradas detecten el suelo los científicos creen que las gotas fueron muy probablemente de agua salina líquida y fangoque salpicaron a la cápsula espacial. El aparato descendió guiado por cohetes cuyas emanaciones derritieron la capa superior de hielo por debajo de una fina capa de suelo. Parte de las gotas de fango que salpicaron la pata del aparato aparentemente crecieron por la absorción deagua de la atmósfera, señaló Renno. Las imágenes sugieren que algunas de las gotas se oscurecieron, luego se movieron y fusionaron, y estas son indicaciones físicas de que eran líquidas. El laboratorio que llevaba el Phoenix encontró indicios de sales percloradas que probablemente incluyehidratos de magnesio y calcio perclorados. Estos compuestos tienen temperaturas de congelamiento de unos -68 y -76 grados centígrados, respectivamente. La temperatura en el sitio de descenso del Phoenix estaba entre aproximadamente los -21 a -96 gradcentígrados, con una media de unos -59 grados. Las temperaturas en el sitio de descenso eran en su mayoría más templadas que esto durante los meses de la misión. El Phoenix descendió en Marte el 25 de mayo de 2008 y transmitió datos a la Tierra hasta el 10 de noviembre. Los científicos siguen analizando la información. http://www.eluniversal.com.mx/articulos/53059.html

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