musiken

ews

Martxoa

2016

Marzo

nº28

zenb

akia

HelmutLachenmann

Iritzia/ Opinión .............................Pág. 3 - 5 Orrialdea

Biografia.......................................Pág. 6 - 11 Orrialdea

Elkarrizketa ................................. Pág. 12 - 16 Orrialdea

Berriak......................................... Pág.17 - 24 Orrialdea

Alegre con brio.......................... Pág. 25 - 27 Orrialdea

Musikeneren lagunak ................Pág. 28 - 32 Orrialdea

Mediateka...................................Pág. 33 - 35 Orrialdea

Tocata y Fuga ............................Pág. 36 Orrialdea

Musikenews es una publicación realizada por alumnos que cursan laasignatura de Taller de Publicaciones en Musikene (Centro Superior de

Música del Pais Vasco).

Directora:Mari Jose Cano Espín

Redacción:Alberto Monge y David de Oliveira

Colaboración:Alba Idoyagabeitia, Garikoitz Gonzalez,

Lourdes Tormo y Pablo Bajo

Irakurtzeko / léenos enwww.musikene.eusKontaktuan jartzeko /

Contáctanosmusikenews@musikene.eus

Edita: Centro Superior de Música del Pais Vasco, Musikene. Donostia, 2013. ISSN 22545158

Aurkibidea - Índice

Iritzia- OpiniónMilurteko berrian barrena goaz eta distantzia gerozeta handiagok joan den mendearen konplexutasunizugarria ulertzen uzten digu, edo mugatzenbehintzat, Eric J. Hobsbawm historialariak“muturrekoen aroa” hitzez definitu zuena. Ez dabeste menderik izan horren oldarkor eta bidegabe,aldi berean horren liluragarri eta inspiratzaile, etamusikak guzti hori islatu zuen arteak soilik emandezakeen intentsitateaz. 1945eko gerra ondorengourteetan sortu ziren abangoardiek paradigmaaldaketa erradikala ekarri zuten musikareneboluzioan, non bertan inplikatuta zeudenagenteek –konpositoreak, interpreteak, agenteak,musikologoak eta ikus-entzuleak- ez baitzuten kasuaskotan beraien iritzia agertu beste aukerarik izan,bere osotasunean ulertzen ez zuten eta urteaskotan trintxera gerra baten antzekoa izan zeneztabaida dialektiko batean. Baina denborarenjoanean atzo garaikidea zena historiko kategoriandugu gaur, edo klasikoan agian. XX. mendearekikodugun ikuspegia osoagoa da egunetik egunera,batez ere lasaiagoa. Eta konposizioari dagokionezgarbiago ikusten hasi gara teknika eta estetikamaremagnum hartatik dirauena, halakonahasmenetik guregana indar-indarrean iritsi dena.

Harritzekoa da nola Helmut Lachenmann(1935), 1990eko hamarkadara arte erradikala izatenjarraitu zuena, XXI. mendeko “soinu”aren arkitektohandi bilakatu den –halako generalizazioak inolakozentzurik badu-. Bere “musika instrumental zehatza”ez zen ezerezetik sortu: musika akusmatikoarenfuntsa jasotzen du Luigi Nono bere maisuarenmetodo eta ideia politikoek filtratua, berarekin osoharreman traumatikoa izan zuelarik. Estrukturalismoaere agertzen da, eta baita John Cage ere.Lachenmannek azken horrekin 1959. urteanpolemika garratza izan arren, haren “eraginsakona” aitortzen du gaur egun alemaniarrak. Halaere ez zuten bi horiek edo bere garaiko inork soinuinstrumentalaren berrikuspena Lachenmannekbezain muturrera eraman. «[Hirurogeita hamarrekourteetatik] aurrera nire musika ezeztapen zorrotzetikeraikia da, gizartean aurretik sortutako espektatibakiruditzen zaizkidanak baztertuz», dio.

«Musique concrète gauza ezaguna zen guztientzat,gure eguneroko bizitzako elementuekin joa, zintanmontatuak; eta nik gauza bera egin nahi nuen,baina gailurik gabe, instrumentuekin baizik».Lachenmann ez zen horrelako zerbaitekin ausartuzen bakarra, baina bere gerturatzea hain izan zenerradikalki sistematikoa eta emaitza sonoroak hainliluragarriak –konpositore aparta da eta beretalentuak antolaketa serialetatik askoz ereharatago egiten du bidea- non bertigozko bideaireki baitzuen instrumentu akustiko tradizionalenerabilpenean, itzulbiderik gabekoa. Konpositoregazteek erabateko naturaltasunez barneratu dutehori: biolontxeloa zubiaren azpitik jotzea, klarineteariahokorik gabe putz egitea, gitarraren erresonantziakutxa urratzea edo bestelako teknikak, antzinamuturrekoak, egun bereizpenik gabe erabiltzendiren baliabideak dira, beste askoren artean eskuraduten aukera tinbriko bat gehiago bezala. Bainaorain kolore bat besterik ez dira, apaingarri bat; ezdira probokazioa, Frankfurten 1969an izan zirenbezala, Lukas Foss zuzendariak Lachenmannen Airorkestrarentzat lehenengo obra hortzez eta haginezdefendatu beharra izan baitzuen orkestragogogabe eta ikusle eskandalizatuen aurrean.Lachenmnannentzat musikariak erosotasuneremutik ateratzea eta ikusleei desafioa egiteamezu politiko boteretsu bat artikulatzeko moduazen, “musika ederra” deiturikoaren itzalpeangordetako balore burgesen aurka egiteko modubat. Horregatik, ondorengo konpositore gazteekbere baliabide instrumentalak bereganatu izana,bereziki modakoak baitira horietako askoren artean,Lachenmannentzat harrigarria izan behar du,onenean: bere anti-kanona kanon bihurtua.

Eredu-hauslea kanon mailara jasoa

Mikel Chamizo,ex-alumno deMusikene, escompositor ycrítico de música.

Nos vamos adentrando en el nuevo milenio y laprogresiva distancia nos permite comprender, o almenos acotar, la enorme complejidad del pasadosiglo, bautizado como la “era de los extremos” porel historiador Eric J. Hobsbawm. Ningún otro siglo hasido tan violento e injusto a la par que fascinante einspirador, y la música lo reflejó con toda laintensidad que solo el arte puede irradiar. Lasvanguardias surgidas de la postguerra de 1945, enconcreto, propiciaron un cambio de paradigmatan radical en la evolución de la música que losagentes que se vieron implicados en él-compositores, intérpretes, agentes, musicólogos ypúblico- no tuvieron, en muchos casos, otra opciónque posicionarse en una batalla dialéctica que nopodían comprender en toda su magnitud y quedurante décadas se asemejó demasiado a unaguerra de trincheras. Pero el tiempo va pasando ylo que ayer era contemporáneo se ha adentradohoy en la categoría de lo histórico, cuando no delo clásico. Nuestra perspectiva del siglo XX vasiendo más completa, ante todo más sosegada. Y,en el terreno de la composición, comenzamos avislumbrar lo que ha perdurado de aquelmaremágnum de técnicas y estéticas, lo que hallegado hasta nosotros a través de tanta confusiónconservando toda su vigencia.

Es sorprendente comprobar cómo HelmutLachenmann (1935), que seguía siendo una figuraradical casi hasta la década de 1990, haterminado erigiéndose en uno de los grandesarquitectos del “sonido” del siglo XXI -si es quesemejante generalización tiene el menor sentido-.Su "música concreta instrumental" no se generó dela nada: recoge la esencia de la músicaacusmática, filtrada a través del método y las ideaspolíticas de su maestro Luigi Nono, con quienmantuvo una relación muy traumática. Estátambién el estructuralismo y está John Cage, conquien Lachenmann se engarzó en una agriapolémica en 1959 pero cuya “profunda influencia”el alemán confiesa en la actualidad. Sin embargo,ninguno de ellos, ni cualquier otro de suscontemporáneos, llevó a cabó una revisión del

sonido instrumental tan extremo como el querealizó Lachenmann. «Desde [finales de los añossesenta] mi música consiste en una negaciónrígidamente construida, con la exclusión de lo queme parecen expectativas de escucha socialmenteformadas previamente», afirma.

«Todo el mundo sabía lo que era la"musique concrète", tocada con elementos denuestra vida diaria, montados en cinta; y yo queríahacer lo mismo, pero no con aparatos, sino coninstrumentos». Lachenmann no fue el único enatreverse con algo semejante, pero suacercamiento fue tan radicalmente sistemático, ysus resultados sonoros tan fascinantes -es uncompositor genial cuyo talento transita mucho másallá de sus organizaciones seriales-, que abrió uncamino vertiginoso y sin retorno en el uso ampliadode los instrumentos acústicos tradicionales. Esto esalgo que los compositores jóvenes han adoptadocon total naturalidad: tocar por debajo del puentedel violonchelo, soplar un clarinete sin boquilla,raspar la caja de resonancia de una guitarra uotras técnicas antaño extremas son recursos quehoy se emplean indiscriminadamente, como unaposibilidad tímbrica más entre las decenas quetienen a su disposición. Pero ahora son solo uncolor, un ornamento; no suponen ningunaprovocación, como sí lo fueron en Frankfurt en1969, cuando el director Lukas Foss tuvo quedefender con uñas y dientes la primera obraorquestal de Lachenmann, Air, ante una orquestareacia y un público escandalizado. ParaLachenmann, sacar de su zona de confort a losmúsicos y desafiar al público era una forma dearticular un poderoso mensaje político, de atacarlos valores burgueses amparados tras la así llamada"música bella". Por eso, la apropiación que lasgeneraciones posteriores han hecho de susrecursos instrumentales, especialmente de modaentre muchos compositores jóvenes, debe deresultarle a Lachenmann, cuanto menos,desconcertante: su anti-canon se ha erigido ennuevo canon.

Un transgresor erigido en canon

Lachenmann-enalboan

Arturo TamayoProfesor de dirección de orquesta, taller de

dirección de orquesta y concertación, directordel concierto de la Orquesta Sinfónica deMusikene en homenaje a Lachenmann

Mi primer contacto con la musica de HelmutLachenmann fue en mayo de 1968 con motivodel estreno en España de su Trio fluido en unconcierto del ciclo Nueva generación que serealizaba en Madrid con la generosa ayuda delGoethe Institut (que en aquella época llevaba elnombre de Instituto Alemán de Cultura). Elentusiasmo y la inconsciencia que nos conferíannuestra extrema juventud nos ayudaron aenfrentarnos a esta aventura para la cual, ennuestro todavia incipiente caminar en el mundode la interpretación, no estábamos, a todasluces, preparados. Pero el entusiasmo puesto enla obra fue mas fuerte que cualquierinexperiencia y, después de innumerablesensayos llegamos a un resultado que hoycalificaría de satisfactorio… uno se pregunta hoyen la actualidad cómo tuvo que sonar para losoídos del publico de aquella época, tan pocoacostumbrados a la novedad de las sonoridades(y de los recursos técnicos inhabituales) que estaobra presentaba.

De lo que sí puedo dar fe es de laimpresión que la obra produjo en mí mismo y enlos compañeros de generación, desde el primercontacto con la partitura: el rigor extremo de laescritura, la fantasía sonora, los numerososrecursos instrumentales, el virtuosismoinstrumental y la disposición de las proporcionesdentro de la estructura de la obra y su

asombroso equilibrio formal. Todos estosaspectos crearon en todos nosotros unafascinación por esa musica que hasta hoy semantiene viva.

Es evidente que Helmut Lachenmann seencuentra hoy en día muy lejano, estéticamentehablando,de esta obra, pero la lectura de estapartitura realizada hace poco, para suejecución dentro de los actos que Musikene hadedicado a este importante compositor de la"vanguardia histórica“, me ha fascinado de lamisma manera que lo hizo en aquella ya tanlejana fecha…

Algo más tarde pude conocerlepersonalmente y, a partir de ese primermomento en el cual la "química“ funciono a laperfección, nuestra amistad se ha ido reforzandoa través de muchos encuentros personales einnumerables colaboraciones profesionales. Suobra ha ido a lo largo de estos años en uncontinuo "crescendo“ de calidad e intensidad yen su catalogo se encuentran hoy en día obras que han señalado un camino a seguir a lasgeneraciones actuales. Mi admiración hacia lapersona y su obra, nacida en aquella lejanafecha, ha seguido creciendo de maneraininterrumpida y estoy orgulloso de habercontado con la amistad y confianza profesionalde una de las figuras señeras de la música denuestro tiempo.

Biografía

Helmut Lachenmann Alemaniako Stuttgart hirianjaio zen 1935. urtean. Stockhausen-eko ondorengobelaunaldiaren kide izanik, Jürgen Uhde izan zuenpiano irakasle eta teoria eta konposizio irakasleberriz Johann Nepomuk David bere jaioterrikoStuttgarter Musikhochschule ikastegian 1955etik1958ra. Ondoren Luigi Nonoren irakasketak jasozituen Venezian, beragan eragin handikoa, bereirakaskuntzaren ardatza musika materialareninforme kritikoa izanik. Alemaniara itzuli zeneanmusika elektronikoan barneratu eta Ghent hirikoUnibertsitateko musika psikoakustiko etaelektronikoaren Institutuan aritu zen lanean.1965ean, Munich hiriko lehenengo saria jasoondoren, eskolak ematen hasi zen Stuttgart hirikoMusikhoschule ikastegian (1966-1970), eta ondorenLudwigsburg-en (1970-1976). Hannoverenkonposizio irakasle ere izendatu zuten (1976-1981)eta ondoren Stuttgarten (1981-1999).Stuttgarten lehenengo ikasketak egin eta VenezianLuigi Nonorekin bi urte egin ondoren, 1960kohamarkadaren amaieran Lachenmannek berak“musika zehatz instrumentala” deitzen zuenagaratu zuen, hau da, neurri handi batean“zaratatsuak” ziren soinuekin egindako musika,baina instrumentu tradizionalekin egina. Horrela,

Lachenmannek lehentasuna eman nahi dio, etaondorioz, gehiago sentiarazi nahi du, soinu batsortzeko modu “zehatzari”, eta ez emaitzaabstraktua erabiltzeari.«Sortzen den soinua ez da sonoritatearen edoegiturazko erabilpenaren baitan sortzen, bainamusikariek keinuak egiten dituztenean sortzen deenergiaren erabilpen zehatza adierazten du. Akziomekanikoen baldintzak eta beroiek jasotzendituzten erresistentziak ulertarazten, sentiarazten,eta sumatu arazten dizkigute» dio Lachemnannek,edo honako ere adierazten du bere Air obrariburuz: «Akzio instrumentalak modu zehatzeanadierazitako ideia sonoro bati erantzuten diozalantzarik gabe, baina ez da horren ondorendesagertzen; emaitza sonoroaren helburua, aitzitik,arreta soinua eusten duen keinurantz bideratzeada, eta emaitza hori sortu duten baldintzamekaniko, energikoak modu kontzientean itzultzendizkigu. Biolin baten soinuak ez du kontsonantziaedo disonantzia bat adierazten, baizik eta zergertatzen den presio maila jakin batekin (arkuaren)zurdak tenkatzen direnean leku batean edobestean igurzten ditugunaren arabera, eta presiomaila batekin edo bestearekin zubia eta zurdenartean».

Musika mota hau gauzatzeko, Lachenmanneksormen aparta erakusten du, jotzeko,manipulatzeko moduak bereiziz, instrumentuengorputzak ikertuz (hari instrumentuen erresonantzia-kutxaren gainean, zubiaren azpian jotzea…).Bistara objektu bat ematen duena, sormensonoroaren zati potentzial bihurtzen da. Batzuetan,perkusio “zehatzak” bat egiten du instrumentuakustikoekin, Kontrakadenz obran bezala:Lachenmannek praktikara eramaten du BerliozenInstrumentazioaren tratatuaren hasierako fasea:«konpositoreak musikan erabiltzen dituen gorputzsonoro guztiak dira musika instrumentuak». Hortaz,musika lachenmanntarrak instrumentuarentopologia berria sortzen du, musika klasikoanzarataren historiaren zati bati dagokiona.Lachenmannek ez ditu ondoriozko soinuaksistematizatzen, horren ordez unibertso sonorohorien rankinga diseinatzen du hainbat irizpidebateratuz, ekoizpen modua horietako bat izanik.Konpositoreari ere sistematizatze nahia sumatzen

zaio, non antzinako kategorietan zeharpentsatzeko aukera emango dion, hala nolabariazioa edo garapena: antzekotasunakantzeman ditzakegu, kontrastatzeko alboratzeak,edo soinuen artean aldaketak, produktuak moduezberdin edo kontrakoan errimatuz, berak“familiak” deitzen duena osatu ahal izateko.Lachenmann ondo uztartzen da Hydn, Beethoven,Schönberg edo Webern bezalako konpositoreentradizioan, objektu sonoroen txosten “kritikoaren”garrantziari esker.Lachenmann doctor honoris causa da Hannover,Dresde eta Conolinako Unibertsitateetan, etaBerlin, Hamburgo, Leipzig, Mannheim, Munich etaBruselako Arte Akademietako kide.Biografiaren jatorria:http://brahms.ircam.fr/composers/composer/1974/#bioOBRA KATALOGOA:http://brahms.ircam.fr/composers/composer/1974/#works_by_date

Helmut Lachenmann nace en Stuttgart (Alemania)en 1935. Perteneciente a la generación posterior ala de Stockhausen, estudia piano con Jürgen Uhdey teoría y composición con Johann NepomukDavid en el Stuttgarter Musikhochschule de suciudad natal de 1955 a 1958. Posteriormente,recibe lecciones de Luigi Nono en Venecia, quiénresultará de gran influencia y cuya enseñanza secentrará en un informe crítico del material musical.De vuelta a Alemania, se adentra en la músicaelectrónica, trabajando en el Instituto de músicapiscoacústica y electrónica de la Universidad deGhent.Tras obtener el primer premio de la ciudad deMunich en 1965, comienza a impartir clases en laMusikhoschule de Stuttgart (1966-1970), yposteriormente en Ludwigsburg (1970-1976).También es nombrado profesor de composición deHannover (1976-1981) y después en Stuttgart (1981-1999).Después de sus primeros estudios en Stuttgart y losdos años en Venecia con Luigi Nono, hacia finalesde 1960 Lachenmann desarrolla lo que él nombrauna “música concreta instrumental”, es decir, unamúsica hecha de sonidos en gran medida“ruidosos” pero producidos por instrumentostradicionales. De esta manera Lachenmann tratade anteponer, y por tanto, de hacer sentir más, elmodo “concreto” de crear un sonido, y no deutilizar un resultado abstracto.«Lo que suena no suena en función de la sonoridado de la utilización estructural, pero señala lautilización concreta de la energía cuando seefectúan los gestos de los músicos. Nos hacenentender, sentir, presentir las condiciones de lasacciones mecánicas y las resistencias que ellasreciben» afirma Lachenmann, o incluso manifiestaacerca de su obra Air: «La acción instrumentalatiende sin duda a una idea sonora precisamenteindicada, pero no desaparece tras ella; elresultado sonoro quiere, al contrario, atraer laatención sobre el gesto que lo sostiene, y nosdevuelve conscientemente las condicionesmecánicas, enérgicas, que han producido eseresultado. El sonido de un violín no indica unaconsonancia o una disonancia, sino lo que sucedecuando, sobre un determinado grado de presión,

las cerdas (del arco) se tensan, dependiendo deque lo frotemos en un lugar u otro, y a tal presión uotra entre el puente y las cuerdas».Para llevar a cabo este tipo de música,Lachenmann demuestra una creatividad extrema,diferenciando los modos de tocar, manipular,investigando los cuerpos de los instrumentos (tocarsobre la caja de resonancia de los instrumentos decuerda, detrás del puente…). Aquello que a simplevista parece un objeto, se convierte en una partepotencial de creación sonora. A veces, unapercusión “concreta” se une a los instrumentosacústicos, como en Kontrakadenz: Lachenmannlleva a la práctica la frase inicial del Tratado deInstrumentación de Berlioz: «todos los cuerpossonoros utilizados en música por el compositor sonun instrumento musical». Por tanto, la músicalachenmanniana crea una nueva topología delinstrumento, que corresponde a una parte de lahistoria del ruido en la música clásica.Lachemann no sistematiza los sonidos resultantes,sino que diseña un ranking de estos universossonoros mediante la combinación de varioscriterios, incluido el del modo de producción.También se aprecia en el compositor un deseo desistematicidad que le permite pensar a través decategorías antiguas como la variación o eldesarrollo: podemos percibir similitudes,yuxtaposiciones contrastantes o cambios entre lossonidos que riman productos de una maneradiferente e incluso dispar, que le permiten formar loque él denomina “familias”. Lachenmann seinscribe bien en la tradición de Haydn, Beethoven,Schönberg o Webern a través de la importanciadel informe “crítico” de los objetos sonoros.Lachenmann es doctor honoris causa de lasuniversidades de Hannover, Dresde y Colonia ymiembro de las Academias de arte de Berlín,Hamburgo, Leipzig, Mannheim, Múnich y Bruselas.

Biografia extraída de:http://brahms.ircam.fr/composers/composer/1974/#bioCATALOGO DE OBRAS:http://brahms.ircam.fr/composers/composer/1974/#works_by_date

Nada está conquistado

Helmut Lachenmann cumple 80 años el 27de noviembre de 2015. Durante más demedio siglo, el compositor de Stuttgart hadesarrollado una estética de la libertadacústica que despliega lo esencialresistiendo constructivamente frente a loacostumbrado. Una semblanza del artista.Entender la composición musical como unacto político, como el resultado de unaconciencia histórico-cultural alerta: fue suprofesor Luigi Nono, con quien estudió de1958 a 1960, quien enseñó a HelmutLachenmann en qué puede radicar lafunción social de la música. De Nono,afirma el mismo Lachenmann, aprendió«cómo lo acostumbrado emerge coninsospechada fuerza y novedad cuandoinvertimos con radicalismo estético lapolaridad de un entorno».

Esa puesta en cuestión y reconversión delo acostumbrado se volvió el gran temade Lachenmann: partiendo de las ideasde Nono, Lachenmann penetró el mediosonoro hasta sus mismas raícesenergéticas, allí donde es posibledesarticular la práctica musicalacostumbrada. En este sentido, laintención de la música de Lachenmann esir socavando actitudes de la audienciabasadas en hábitos, hacer que loinsospechado se desvincule de la esferade los efectos ya conocidos. Componer,para él, no significa desviarse haciaagradables jardines exóticos, sinoemprender la marcha para entrar en la"boca del lobo": en el mismo centro del«espacio marcado de antemano por lofilarmónico».

Darmstadt, su punto de partidaHelmut Lachenmann hizo su primera presentaciónen público en 1962, con ocasión de los Cursos deVerano Internacionales de MúsicaContemporánea de Darmstadt. Echo Andante sellama la pieza que allí se encargó de estrenar einterpretar el mismo compositor: una obra parapiano solo, para el instrumento que él mismollegaría más tarde a calificar de "mueble burgués".Su opus 1, en palabras del autor, era un «intentode trabajar en un objeto obstinado»: una artimañapara ser más astuto que el piano, cuyo sonido, porel decaimiento de la vibración, está siempre«escurriéndosele a uno de entre las manos». Yaaquí quedaba patente el credo estético deLachenmann: reflexionar acerca de todo,cuestionarlo todo, no aceptar nada de por sí.

A finales de la década de 1960, Lachenmann llevóeste planteamiento a todavía más allá. Actuandoexpresamente en contra de cualquier"domesticación" del sonido, desarrolló una músicaen la que los acontecimientos acústicos estabanelegidos y organizados de manera que había queconceder al acto de su formación tantaimportancia como al sonido resultante mismo. Enconcreto, esto significa que aquí pasan al primerplano esos ruidos que produce la generación delsonido y que, normalmente, se intenta eliminar por"indeseables". Pression es el título de la pieza paraviolonchelo compuesta en 1970 con la queLachenmann por primera vez dejaba claramenteformulado este principio. "Musique concrèteinstrumentale", así es como denominó elprocedimiento compositivo con el que llevó a lapráctica su ideal de una «inversión estética radicalde la polaridad». Como dice Lachenmann en uncomentario a su trabajo Klangschatten – meinSaitenspiel, se trataba de «echar el cerrojo a lapráctica sonora acostumbrada y poner aldescubierto aspectos hasta entonces sometidos aopresión».

La liberación de la escuchaEl objetivo de esta actitud ante la composición eranada menos que «liberar la escucha» de todas lasexpectativas y resentimientos aprendidos einteriorizados. El planteamiento estético que debíaguiar hacia esa liberación podía describirse según

Lachenmann como «belleza» que resulta de«negarse a lo acostumbrado». Y fueron justamenteesas palabras las que una y otra vez muchosrecortaron con fines polémicos o malentendieronpor cómoda ignorancia. El hecho es queLachenmann de ningún modo intentó nuncanegar la música genéricamente, sino, antes bien,evitar lo que nos es demasiado familiar, aquelloque el oyente se limita a registrar, en vez dereaccionar a lo que está sonando realmente.Lo que le impulsaba, al contrario, era negar esamúsica que desencadena meros actos reflejos envez de generar reflexión. En este sentido,Lachenmann desarrolló un ideal compositivo queentiende la experiencia estética de la músicacomo un cuestionamiento existencial: «El objeto dela música –afirma el compositor en su trabajoHören ist wehrlos – ohne Hören «La escucha estáindefensa, siempre que no se escuche») es oír, unapercepción que se percibe a sí misma». Y en otropasaje del escrito:«La escucha –de la que se exigedemasiado a la vez que demasiado poco en unaépoca de sobreabundancia musical– tiene queliberarse introduciéndose en la estructura de lo queha de escucharse, actuando como unapercepción puesta en marcha conscientemente,una percepción evidente, provocada».

"Berarentzat, konposatzeaotsoaren ahoan sartzeko

bideari ekitea da

"Guztiari buruz hausnartzendu, dena zalantzan jartzen

du, ez du ezer berezonartzen

Autor: Michael Rebhahn. Reside en Fráncfort, dedicado por cuenta propia a labores de divulgaciónmusical y comisariado artístico; publica, entre otros medios, en Deutschlandradio Kultur, hr2-kultur y

WDR3. Copyright: Goethe-Institut e. V. Redacción de Internet. Noviembre 2015

«La música, una experiencia existencial»Encerrar bajo llave expectativas auditivas previas establecidas socialmente: según lo entiende HelmutLachenmann, componer va indisolublemente ligado al esfuerzo por volver a replantearse una y otra vezlos requisitos y condiciones del manejo social de la música. Musik als existentielle Erfahrung (La música,una experiencia existencial), el título bajo el que en 1996 se publicó una recopilación de sus escritos,podría servir además como principio rector artístico de Lachenmann:«Pero la música solo tiene sentido enla medida en que, va más allá de su propia estructura llamando la atención sobre contextos,circunstancias vinculadas, es decir: sobre realidades y posibilidades situadas a nuestro alrededor y ennosotros mismos», escribe en Struktur und Musikantik.Si Lachenmann, como muy pocos compositores, ha logrado cambiar el modo de pensar en la música ysobre ella, y si se encuentra desde hace mucho entre los protagonistas que han marcado el curso de lamúsica contemporánea, ello es también el resultado de su autocrítica incesante. Una música que elevea principio fundamental el poner en cuestión no tolerará ni la satisfacción consigo misma ni el orgullo deldescubridor:«Nada está conquistado –dice Helmut Lachenmann–, pues en el arte los caminos no llevan aningún sitio, ni muchísimo menos a la meta».

Elkarrizketa«La tradición es desafío

y siempre avanzar»

Por Paco Yáñez

- ¿Cómo se encuentra, al alcanzar los 80 años?- Para mí es muy importante, como compositor, ymi vida es la composición, pensar sobre labelleza, sobre la intensidad, sobre las artes encualquier sentido para reflejar lo mágico, perosiempre desde un punto de vista de lainnovación, de todas esas cosas que son nuevashoy, que no es lo mismo que encontrar sonidosruidistas como los de antes, lo cual está bien, peroahora tengo que componer otra pieza, y medigo: «Tienes que avanzar, Helmut». Hoy creo quepara la mayor parte de los compositores elproblema es hacia dónde y cómo avanzar. En miépoca encontré un montón de elementosacústicos y cosas nuevas a las que tuve que darcontexto, y eso para mí fue una aventura. En lasprimeras piezas que escribí en mi nueva forma decomponer, como en Air (1968-69), pensé: «Heencontrado mi camino, en las próximas cienpiezas no habrá problema». Pero la segundaobra orquestal fue Kontrakadenz (1970-71), queaún contiene elementos de Air, aunque suponeotra forma de pensar; y después llegó Gran Torso(1971/1976/1988), y otra vez lo mismo. Mi vida esmuy larga, he cambiado de piel y he tenido quebuscar de nuevo -diecisiete años- para escribirotro cuarteto de cuerda, Reigen seliger Geister(1988-89), que es otra cosa. Después, con Grido(2001-02), sucederá el mismo problema; peroentonces la gente dirá: «Oh, Lachenmann está

volviendo atrás; es regresivo porque usaelementos consonantes»; y es que el problema noes encontrar nuevos sonidos; es encontrar nuevoscontextos y una nueva forma de escucha; y siesto se da verdaderamente, es todo un desafíopensar qué ocurre con el Mi bemol mayor en2010. Así que, en este contexto, sigo nervioso; y siestoy nervioso por ello, es que aún no estoy deltodo mayor.

En todo caso, no puedo escribir rápido; tampocoes que haya escrito nunca rápido; pero ahoranecesito tiempo porque observo condetenimiento lo que sucede a mi alrededor, y noalbergo muchas esperanzas después de lo queveo. Además, ya no creo en la religión, en lapolítica, o en la filosofía. En mi país, que aún es unparaíso en términos de música, los políticos notienen ni idea de arte, sólo piensan en tres cosas:desarrollo económico, seguridad y diversión. Peropara mí el arte es aventura, estar siempre abiertoa la contra, lo cual significa irritación.

En enero, marzo, octubre y diciembre de2015, Helmut Lachenmann visitó Oporto(Portugal) como parte de su residenciaartística en Casa da Música, en el marcode un año dedicado por el auditorio lusoa Alemania como país-tema. Esas cuatrovisitas dieron lugar a cuatroconversaciones publicadas por el diarioMundoclasico.com; entrevistas de las quepresentamos una selección paraadentrarnos en el pensamiento delcompositor alemán. Texto: Paco Yáñez

«El problema no esencontrar nuevos sonidos;

es encontrar nuevoscontextos y una nuevaforma de escucha»

«La gente descubrenuevas posibilidades depensamiento, de pensar elsilencio, de degustar cada

nota...»

- Europa está sumida en una crisis económica,política y cultural. ¿En qué punto está su creaciónmusical al respecto?- No creo en el mensaje político de una partitura,directamente. El único modo es una obra sensiblecomo experiencia estética, ser abierto de mente,y eso implica descubrir que no está prohibidopensar. Si tocas para un público no habituado lasSechs Bagatellen opus 9 (1911-13) de AntonWebern, puede tener el mismo efecto político, yaque la gente descubre que tiene nuevasposibilidades de pensamiento, de pensar elsilencio, de degustar cada nota, escuchando deun modo nuevo, no como repetición de lo que yahabía escuchado. Pensar sobre estas cosassignifica pensar sobre situaciones y posibilidadeshumanas; y comenzar a pensar, en todos lossistemas totalitarios, es peligroso para el sistema.

- ¿Se siente parte de la tradición germánica?- Sí. Hay un elemento que pertenece al arteoccidental y a la música occidental, que es ellogos. En ninguna otra cultura la música tiene unadisonancia, o los cambios de estilo que se dan enla civilización occidental; y esto tiene que ver conlos antiguos griegos: el compositor no sólo organizauna situación mágica, también la rompe. Y esto espor lo que digo que el arte occidental es lo másprecioso que existe en el mundo, ya que es magiasuspendida. Yo utilizo un instrumento que todosconocemos, que tiene toda su aura mágica, y aveces le añado algo, o lo destruyo un poco, tansólo para sentirme mejor, y es algo que se disponeen la propia tradición. Para mí, la tradición esdesafío y siempre avanzar. El problema es queahora tenemos una increíble inflación de medios, ytodos necesitamos de una magia irracional. Enesta situación, lo que llamamos arte ha de serdefendido. Todo el gran arte es utilizado hoy como

entretenimiento. Hace tres años leí un texto de KarlKraus en el que decía que los periodistas habíansido los culpables de la Primera Guerra Mundial, yaque habían agitado de una forma increíble; sehacía a la gente estúpida. Hoy diría que es másbien una situación de Verblödung, idiotizándonos,incluso aunque no te des cuenta; toda la cuestiónes que no se piense más. Y comprendo que ello sepuede plantear como una forma de huir de larealidad, ya que si todos confrontásemos larealidad, nos volveríamos neuróticos. Se acabaconvirtiendo en una suerte de protección paranosotros mismos; aún así, debemos ser conscientesde ello. Y hay también una enorme falta desensibilidad. A día de hoy, soy muy radical alrespecto: capitalismo y democracia no funcionanconjuntamente.

- Compositores como usted han puesto un nivel tanalto, que muchos jóvenes se ven intimidados a lahora de dar un nuevo paso.Entonces, deben dejarlo. Bach ya puso el nivel másalto que yo. El arte es el más alto nivel al quepuedes llegar. No sé cuántos compositoresescribían en el tiempo de Bach, y no escribían parala eternidad. Yo no pienso en la eternidad, pero sícreo que debemos dar lo mejor de nosotrosmismos, así como ser lo más radical, eso es lofundamental. Pero incluso la radicalidad y laprovocación son hoy un servicio: sonentretenimiento.

. ¿Por qué escogió la denominación musiqueconcrète instrumentale?- Para tratar de superar las influencias de LuigiNono, tuve que buscar otro camino, al que llamémusique concrète instrumentale. Todo el mundosabía lo que era la musique concrète; yo queríahacer lo mismo, pero con instrumentos. Como laprimera pieza fue para percusión, podía escucharlos aspectos corporales; por ejemplo, al rascar lasuperficie de una marimba con varillas, uno sienteuna especie de resistencia. Mi primer escándalofue el estreno de Air, una pieza muy radical, en1969: la ejecución se perturbó de tal modo porparte del público, que Lukas Foss mandó parar a laorquesta, se dirigió al público, y le insistió queescuchasen. Tras esto, dijo a la orquesta: «Da

capo». Algunos gritaron: «¿Qué?». Y él confirmó:«He dicho que comencemos desde el principio otravez». Después, hubo un total silencio en la sala,pues la gente pensaba que si volvían a molestar,comenzarían de nuevo; así que tuve un silenciomaravilloso, y me convertí en un héroe. El segundofue a comienzos de los años ochenta, en el Festivalde Otoño de Varsovia, con Klangschatten (1972),dirigida por Antoni Wit, que la había trabajado muybien, pero el público molestaba terriblemente, y setrata de una obra en pianissimo; así que subí alescenario, agarré del brazo a Wit para hacerloparar, y hablé al público, les dije que no hacía faltagran inteligencia para perturbar una obra tansilenciosa, pero que al menos deberían tenerrespeto por aquellos grandes músicos. A renglónseguido, subió al escenario el director del Otoño deVarsovia, tradujo lo que había dicho, recibí un granaplauso, y comenzamos la pieza desde el principio.Fue algo que aprendí del escándalo de Frankfurt:crear un evento a partir del incidente. Y el tercerotuvo lugar en Donaueschingen, con el estreno deTanzsuite mit Deutschlandlied (1979-80), pero ahoraya conocía bien el mecanismo, hasta podíaalegrarme si se perturbaba la interpretación, podíaobtener todo un evento de ello; así que cuandosucedió, y estamos hablando de Donaueschingen:la meca de la nueva música, subí al podio y le dijea Sylvain Cambreling: «Te pido que recomiences»;paró y comenzó de nuevo. Pero mi vida comocompositor-escándalo aún duró bastante más.

«El arte es el másalto nivel al quepuedes llegar»

- ¿Qué partituras suponen un punto de inflexión ensu catálogo?- Subjetivamente, cada pieza supone un cambio.Quizás esté equivocado, pero diría que Pression(1969) y Dal Niente (1970) son versiones de unamisma idea, pero con materiales totalmentediferentes. Pression es como una recolección de loque había efectuado en Notturno (1966-68) y entemA (1968), aunque los instrumentos sondiferentes, por lo que acaba siendo otra cosa.Quizás el primer sabotaje a la musique concrèteinstrumentale fue Ein Kinderspiel (1980), ya que mihija pequeña no podía hacer técnicas de eseestilo, así que escribí cosas primitivas como escalaso patrones, algo que no había hecho antes de un

modo tan evidente. Cada una de mis piezascontiene un material que en su transcurso estácontinuamente cambiando. Si escuchas Air alprincipio, en medio y al final, encontrarás paisajessonoros totalmente distintos.

- ¿Persisten aspectos no comprendidos de sumúsica?- Depende para quién. No me sientoincomprendido; a veces, sí muy atacado, y noporque no comprendan, sino porque mecomprenden. Se da el mismo problema conSchönberg; por eso hay gente que aún odia aSchönberg; no es que odien Pierrot Lunaire (1912)por ser incomprensible, lo comprenden muy bien,pero desean que su salón de belleza sea puro, noquieren dar cabida a cosas extrañas. Si la genteestá totalmente estandarizada, huye diciendo queno comprenden. Mi padre siempre me decía queno entendía lo que estaba componiendo; y yo ledecía: «Siéntate y escucha; y no pienses si hasentendido».

«Cada una de mis piezascontiene un material que en

su transcurso estácontinuamente cambiando»

BerriakAste bat Lachenman-ekin

El maestro Arturo Tamayo dirigió un concierto memorable en el teatro Victoria Eugenia de San Sebastián

Otsailaren 16an hasi eta 21a bitartean Musikenekluxuzko gonbidatua izan zuen, HelmutLachenmann sortzaile alemaniarra hain zuzen ere.DSS2016 Europako kultur hiriburuak eta GoetheInstitut erakundeak Musikenerekin bat egin zutenanbizio handiko proiektu pedagogiko eta musikalbat egiteko, XX. mendeko konposizioannazioartean itzal handia izan duen Lachenmannsortzaile ospetsua gertutik ezagutzea hain zuzen.Musikeneren Orkestra Sinfonikoaren entseguetarajoan, instrumentu bakarlarientzat bere obra batzukikasleekin landu eta konposizio tailerra emateazgain, Lachenmann ikusleei irekita egon ziren hirujardueretan ikusi ahal izan genuen. Hilaren 17an,Donostiako Miramar Jauregiak ateak zabalduzizkion hala nahi zuenari biola, klarinete etaperkusioarentzat Trio fluido bere obrarekin egin zenlan saio bat ikusteko, ikastegiko ikasleek propioprestatua. Ezohiko saioa izan zen, Elix Etxebesteirakasleak zuzendua, parte hartzaileek zuzenean

ikusi baitzuten konpositore batek bere obrainterpreteekin nola lantzen zuen, eskarmentua etagaztetasuna batuz.

Hilaren 21ean, Victoria Eugenia AntzokianLachenmannengana gerturatzeko aukera izangenuen. 17.30etan mahai ingurua ospatu zen Clubaretoan konpositorea bertan zela, Arturo Tamayoorkestra zuzendaria eta Musikenen trebatutakoMikel Urquiza eta Mikel Chamizo konpositoregazteekin batera, azken hau moderatzaile lanetan.19.00etan, antzokian, Arturo Tamayok zuzendutakoMusikeneko Orkestra Sinfonikoak Lachenmanneninguruan diseinatutako egitaraua interpretatu zuen.Bere Schreiben obraren aurretik Ikusia ikusirikobraren erabateko estreinaldia izan genuen, MikelUrquizak Lachenmannen omenez idatzitako pieza,eta Webernen Seis piezas para orquesta, op. 6.Kontzertuan Mikel Chamizo eta Mikel Urquizarenazalpenak izan genituen.

Músico, creador y ... docente de lujo

Mesa redonda en la Sala Club

Ana Blázquez, Helmut Lachenmann, Arturo Tamayo, Mikel Urquiza y MIkel Chamizo durante la mesa redonda

El pasado 5 de Febrero tuvo lugar en Musikene unamesa redonda en torno a Helmut Lachenmann. Enella, el grupo de trabajo dirigido por la profesoraElixabete Echeveste e integrado por los alumnosJuan Marcos Cano, Álvaro Corral, Enrique Labián,Brais Novoa, Alberto Palacín y Diego Parra expusodiversos temas alrededor de la figura del compository entabló un debate sobre los mismos con el públicoasistente. Al final de la actividad se realizó unaaudición comentada de la obra Schreiben[2003],que fue nterpretada por la Orquesta Sinfónica deMusikene bajo la dirección de Arturo Tamayo.

La Banda se hizo solidaria en el Kursaal

La Banda Sinfónica de Musikene junto con elOrfeón Donostiarra triunfó el pasado 26 de febreroen el Auditorio Kursaal con un amplio programa,titulado Clásicos con Banda, bajo la batuta deldirector invitado José Ramón Pascual-Vilaplana.Tras cuatro días de intensos ensayos, la agrupaciónde alumnos y el coro guipuzcoano, junto con lasoprano Teresa Albero, formada en Musikene,lllevaron a cabo una memorable interpretación deobras de Gounod, Verdi, Puccini y Mascagni en elConcierto Solidario de los Jóvenes, organizado porel Colegio Mayor de Ayete y con la colaboraciónde universitarios de Deusto y la UPV. El objetivo delencuentro de recaudar fondos para un proyectoeducativo para hijos de refugiados en Irak ycontribuir a la ampliación del centro donostiarraHotzaldi de acogida nocturna a personas sin hogarse cumplió con una recaudación de 8.000 euros.

Musikene Bandak eta Donostiako Orfeoiakarrakasta handia izan zuten joan den otsailaren26an Kursaal auditorioan egitarau zabal batekin,Klasikoak Bandarekin izenburupean eta JoséRamón Pascual- Vilaplanaren zuzendaritzapean,egindako kontzertuan. Lau egun luzetan entseguakegin ondoren, ikasle taldea eta koro gipuzkoarraMusikenen ikasitako Teresa Albero sopranoarekin,Gounod, Verdi, Puccini eta Mascagniren obrakmodu gogoangarrian interpretatu zituzten Gazteen

elkartasun kontzertuan, Ayete Ikastetxe Nagusiakantolatua Deustu eta Euskal HerrikoUnibertsitatearen laguntzaz. Helburua dirua biltzeazen, bai Iraken errefuxiatu direnen seme-alabenheziketa egitasmo bati laguntzeko, eta baita ereetxerik gabekoak gauez hartzen dituen DonostiakoHotzaldi zentroa handitzen laguntzeko ere. 8.000euro bildu ziren guztira.

Un momento del concierto con Teresa Albero, la Banda Sinfónica de Musikene y el Orfeon en el Kursaal

Musikene Master String Orkestra Principal antzokian

MUSIKENE MASTER STRING ORKESTRAk, Euskal Herriko Goi Mailako Musika ikastegian sortu berri dentaldeak, Donostian egin zuen bere estreinaldia Gordan Nikolic zuzendariaren eskutik, London SymphonyOrchestrako kontzertinoa, hain zuzen ere. 2015/2016 ikasturtean Musikenek Euskadiko Orkestrarekin bateraabian jarritako orkestra ikasketen lehenengo master ofizialeko hari ikaslek osatzen dute taldea. Ikaslehoriek, goi mailako hainbat tituludun artetik hautatuak eta jatorri ezberdinetakoak, Musikeneko irakasleeta musikari profesionalekin batera arituko dira hogei partaidetik gorako taldea osatuz, klabezin jotzailebaten eta tronpeta jotzaile baten kolaborazioarekin.Egitarauak Barrokotik hasi eta XX. menderainoko bidaia historikoa proposatu zuen. Franz von Biberkonpositore txekiarra, Wolfgang Amadeus Mozart austriarra eta Arthur Honegger suitzarraren musikarekinhari orkestra baten malgutasun estilistikoaz gozatu ahal izan zen. Formazioa mota hau, dotoreenetakoaizan arren, ez da oso ohikoa agertokietan. Kontzertua Donostiako Principal antzokian izan zen urtarrilak29an.

La Musikene Master String Orkestra con Gordan Nikolic

La MUSIKENE MASTER STRING ORKESTRA, nueva agrupación creada en el Centro Superior de música delPaís Vasco, hizo su estreno en Donostia, en un concierto liderado por el concertino de la LondonSymphony Orchestra, Gordan Nikolic. El conjunto está formado por alumnos y alumnas de cuerda delprimer máster oficial de estudios orquestales, puesto en marcha este curso 2015/16 por Musikene encolaboración con la Orquesta Sinfónica de Euskadi. A estos estudiantes, seleccionados entre variosaspirantes titulados superiores en música y de diversas procedencias, se unen docentes de Musikene ymúsicos profesionales, hasta conformar un conjunto de más de veinte componentes y la colaboraciónde un clavecinista y un trompetista. El programa propuso un viaje histórico que partía en el Barroco yllegaba hasta el siglo XX. Con la música del compositor checo Franz von Biber, el austriaco WolfgangAmadeus Mozart y el suizo Arthur Honegger, se pudo disfrutar de la versatilidad estilística de unaorquesta de cuerda, una de las formaciones más exquisitas pero poco habitual en los escenarios. Elconcierto se celebró en el teatro Principal de San Sebastián el 29 de enero.

DSS2016 inaugurazioan partehartu genuen

Musikene participó activamente en lajornada inaugural de San Sebastián2016, celebrada los días 22 y 23 deenero. El primer día un quinteto deviento inauguró la exposición Gaur en elmuseo San Telmo. Al día siguiente,alumnos de cello con el profesor DamiánMartinez y la violinista Karolina AureliaWalarowska, participaron en larecepción aficial del ayuntamiento deSan Sebastian. Por la tarde The Frim FramSwing Band ofreció un concierto en laplaza trinidad y alumnos de teclado ycanto actuaron en el Victoria Eugenia.

The Frim Fram Swing kotzertuan, Trinidad plazan

Teklatu eta kantuko ikasle batzuk Victoria Eugenian jardun zuten

Karolina Aurelia Walarowska

Biolontxelo taldea Damián Martinez irakaslearekin batera

Masterclasses

Hainbat masterclass egin dira hilabeteotan Musikenen, horietatik bi Euskadiko Orkestra Sinfonikoarekindugun hitzarmenari esker. Lehenengoa Ingrid Fliter pianistak eman zuen urtarrilaren 18an eta bigarrenaJack Liebeck biolin jotzaileak urtarrilaren 27an. Biak orkestraren egoitzan egin ziren, Miramonen. Besteirakasle batzuk ere bisita egin digute azken hilabeteotan, hala nola Lise Berthaud, biola eskolak emanbaitzituen urtarrilaren 19 eta 21ean. Martxoan Gilles Tressos saxofoi jotzailearekin edo Gustavo Núñezfagot jotzailearekin lanean aritzeko aukera izango da Erasmus egitasmoari esker. David Llavata tronpetaeta Gustavo Núñez fagota jotzaileak ere masterclassak emango dituzte martxoan Musikenen.

La pianista Ingrid Fliter, con los alumnos de piano de Musikene en la sede de la OSE en Miramón

Lise Berthaud impartió viola el pasado mes de enero

El saxofonista Gilles Tressos visita el centro en marzo El violinista Jack LIebeck durante la masterclass

Kontzertuan

La Sinfonietta interpretará y grabará estemes de marzo una nueva versión enconcierto de Selene, la primera óperaescrita por Tomás Marco y una de las obraspioneras en España en el contexto de lasnuevas vanguardias. La idea original deSelene se remonta a 1966, cuando laFundación Juan March de Madridencomendó una nueva obra a TomásMarco (Madrid, 1942), aunque su estrenotuvo lugar ocho años después (1974) en latemporada de ópera del teatro de laZarzuela. La obra dura algo menos de unahora y se interpretará el sábado 12 demarzo en la sede de la Orquesta Sinfónicade Euskadi en Miramón. A la Sinfonietta seunen cuatro solistas vocales: Ana Otxoa(Selene), Lucía Gómez (Gea), Iñigo Vilas-estos tres, formados en Musikene- yJagoba Fadrique (astronautas), dirigidospor José Luis Temes.

Selene de Tomás Marcopor la Sinfonietta

Bost kontzertu Kutxa ganbara-musikako zikloanMusikenek urtero Kutxaren Andia aretoan antolatzen duen ganbara-musikako zikloari, pasa den otsailaren12an eman zitzaion hasiera, Saxofoi–taldearen emanaldiarekin. Honetaz gain, bi hari-laukotek ere partehartu dute, Kairos (Joaquín Arias, Marta Peño, Elisabeth Plaza eta Maialen Eguiazabalek osatua) eta Könerlaukoteak (Lidia Sierra, Lou Delebecque, Cristina Santos eta Carlos Vesperinasekin). Hurrengo hilabetetanhiru kontzertu gehiago egongo dira: apirilaren 22an, hamairu ikasleko talde batek Mozarten Gran Partitajoko du, maiatzaren 6an Kandisky hari-seikoteak Brahms eta Schönberg-en obrak eskainiko ditu eta zikloaJosu Ferreras (flauta), Ana Martín (flauta) eta Claire Moncharmont-ek (arpa) osatutako hirukotearekinbukatuko da maiatzaren 27an. Kontzertu guztiak doakoak dira eta 19.30tan hasten dira.

Tabakalera eta EMUSIKMusikene ofrecerá un nuevo ciclo de jazz enTabakalera, de mano de Kutxa. Los conciertos secelebrarán en los meses de marzo y abril. Además, laBig Band, dirigida por Iñaki Salvador, actuará el viernes 6de mayo a las 23 horas, dentro de los actos de EMUSIKque se celebran con motivo de DSS2016. En ese mismomarco, la Orquesta Sinfónica de MUsikene dirigida porAlvaro Portal, ofrecerá un concierto el domingo 8 demayo a las 11.30 horas en la sede de la OSE enMiramón.

Ganbara-musika eta jazz TrintxerpenBeste urtetan bezala, ikastegiko zenbait ikasleekTrintxerpeko Ganbara-Musikako Zikloan parte hartukodute martxoaren 14tik 18ra. Elisa di Prieto eta KlaraMendizabal abeslariek emango diote hasiera zikloari etahurrengo egunetan Arnasa eta Verushka hirukoteak,Köner eta Quellen laukoteak, Jairom Black Brasil etaMetal-taldea entzuteko aukera egongo da. Hitzorduguztiak alkateordetzan dira 19.30etan eta dohanik.

Festival Musika- Música de BilbaoMusikene ha estado presente en el Festival Musika-Música de Bilbao con conciertos del saxofonista AngelHernández, la oboísta Ane Lore Ugarte y el trompaAlejandro Cela, acompañados por el pianista PedroJosé Rodríguez, además del Cuarteto Kairos. Asimismo,se han llevado a cabo una serie de actividades para elpúblico adulto, entre las que ha destacado laconferencia-concierto Al habla con Mendelssohn. Enella se ha acercado el Cuarteto de cuerda nº 1 op.12de este compositor. La conferencia ha sido impartidapor la profesora de Musikene Mercedes Albaina y hacontado con la participación en directo del CuartetoKairos. Esta actividad se celebró el domingo 6 de marzoy ha sido de entrada gratuita.

Alegre con brío

David de Oliveira

Musikak gure arima nutritzen du, baita gureirrifarreek ere. Sekzio berri honetan, internetendauden musika eta musikariei buruzko txiste

hoberenak hurbilduko dizkizuegu. ¡Zuen gustukoaizatea espero dut!

La música alimenta el alma, pero también lasrisas. En esta nueva sección os acercaremos los

mejores chistes de música y músicos que circulanpor la red. ¡Espero que os guste!

MUSIKENERENLAGUNAK

MUSIKA KLASIKOAREN NAZIOARTEKO SARIEN GALA-KONTZERTUA:

Dame Felicity Lott, Christian Lindberg eta Pablo Ferrándezek, besteak beste, sariak jaso etaEuskadiko Orkestra Sinfonikoa gonbidatzaile izango duen kontzertuan esku hartuko dute.

Euskadiko Orkestra Sinfonikoaren programazioak aurrera darrai: Abonu-kontzertuendenboraldia, Miramongo Matinéeak, Musika Gela, grabaketak, irtenaldiak eta abar.Jarduera guzti horiek eskarmentuz bete eta erronka berriei aurre egiteko indarberritzengaituzte. Erronka horien artean, apirilaren 1ean izango diren ICMA (International ClassicalMusical Awards) Sarien banaketa-ekitaldia eta ondoko gala-kontzertua.ICMA Sariak musika klasikoaren europar sariak ditugu, musika klasikoaren alorrean “Oscar”sarien baliokideak, nolabait esateko. Estatuan estreinakoz egingo den sari-banaketa horriesker Donostia eta, bide batez, Euskadi musika klasikoaren erdigune bilakatuko diraEuropa mailan. Ekitaldi hau Donostia 2016 Europako Kultur Hiriburuaren “Elkarrizketak”ildoaren baitan kokatzen da.

Urtero nazioarte mailako artistei saribereziak banatzen zaizkie. Aurtenesaterako Bizitza Osoko Ibilbideari SariaDame Felicity Lott sopranoak jasokodu, Urteko Artistari Saria ChristianLindberg konpositore, tronboi-jotzaileeta zuzendariak eta Pablo Ferrándezbiolontxelistak, aldiz, Urteko ArtistaGazteari Saria. CD eta DVD ekoizpenonenak ere saritzen dira 15 arlotan(musika barrokoa, abesbatzarakomusika, musika sinfonikoa eta abar).

Euskadiko Orkestra Sinfonikoa, berezuzendari titular Jun Märklengidaritzapean, egitarau oso etaerakagarria prestatzen ari da apirilaren1ean Kursaal Auditorioan izango denICMA 2016 ekitaldirako. Gala-kontzerturako sarrerak eskuragarridaude ohiko salmenta-bideetan.

Informazio gehiagowww.euskadikoorkestra.euswebgunean.

Musikenews cede un espacio paralas instituciones con las que

mantiene convenio

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CONCIERTO DE GALA DE LOS PREMIOS INTERNACIONALES DE LAMÚSICA CLÁSICA:

Dame Felicity Lott, Christian Lindberg y Pablo Ferrández, entre otros, recogerán los premios yprotagonizarán un concierto con la Orquesta Sinfónica de Euskadi como anfitriona.

La Orquesta Sinfónica de Euskadi sigue adelante con su programación: avanza latemporada de los conciertos de Abono, las Matinées de Miramón, el Aula de Música, lasgrabaciones, las salidas, etc. Toda esta actividad nos llena de nuevas experiencias y nosproporciona un renovado empuje para afrontar nuevos retos, como el que tendremos el1 de abril, al frente de la Ceremonia de entrega de los Premios ICMA (InternationalClassical Musical Awards) y su posterior concierto de Gala.Hablamos de los premios europeos de la música clásica, un equivalente a los “Oscar” dela música clásica, que se celebrará por primera vez a nivel estatal y hará que SanSebastián y, por extensión, Euskadi, se conviertan en el foco de la música clásica enEuropa, todo ello de la mano y a propósito de San Sebastián 2016 Capital Europea de laCultura, y enmarcado en su línea “Conversaciones”.

Anualmente se entregan premios especialespara músicos de todo el mundo conreconocimientos como el de toda una carreramusical, que ha recaído en Dame Felicity Lott;Artista del año para Christian Lindberg, o Artistarevelación para Pablo Ferrández. También seentregan 15 premios a las mejoresproducciones de CD y DVD (música barroca,coral, sinfónica, etc.).La Orquesta Sinfónica de Euskadi, dirigida porsu titular Jun Märkl, prepara un completo yatractivo programa para celebrar el 1 de abrilen el Auditorio Kursaal el ICMA 2016. Lasentradas para el Concierto de Gala estándisponibles en los canales habituales.Más información en:www.euskadikoorkestra.eus.

ERESBIL

FESTIVAL

EUSKAL ROCK & FILM JAIALDIAERESBILek egitasmo berri bat aurkeztu zuen 2016 urtearen hasieran. Rock-akOarsoaldeako bailaran izan duen bilakaeraren inguruko hausnarketa burutunahi izan da. Talde ugari sortzen ikusi dituzte Errenteria/Oiartzun herriek etahemendik abiatuz Euskal rockaren inguruko hausnarketa bultzatu nahi izanda.Hiru dokumental izan ziren Niessen zinemetan ikusgai: Kampsa 20 años desueños y escombros, Dani López egilearena (urtarrilak 21); Emarock. Rock ymujeres (urtarrilak 26), Emarok taldearena eta Vinyland (urtarrilak 28), BloodyMary Records eta M&M Films-en ekoizpena.Proiekzio bakoitzaren hasieran dokumentala / filma garatu duten zuzendari /partaideen mahai ingurua antolatu da.Emakumea eta Rock-aren inguruko dokumentalarekin batera, Emarock-ekoek prestatua duten argazki erakusketa Errenterian ikusteko aukera egonzen Xenpelar etxean, urtarrilaren 18tik 30era.Bestalde, urtarrilaren 28an, Pettik eman zion hasiera Vinlyland filmarenproiekzioari eta honen ostean, Vinylanders set DJ emaldia (filman entzungaiizan zen Musika “pintxatu” zuten protagonistek).Ekintza hauek guztiez gain, urtarrilaren 18an Errenteria/Oreretako Musikataldeen katalogo digital bat aurkeztu zen. Eresbilen katalogatuak daudengrabazio/maketa/diskoak abiapuntatzat hartuz, taldeen biografia txiki batgehitu zaie, eta guztiarekin gida kaleratu da. Kontsultagarria dago helbidehonetan:https://www.joomag.com/magazine/errenteriako-musika-taldeak/0813648001423213493Ekintza berri honek Musika Bulegoa, Errenteriako Udala eta Xeragastrotekaren babesak eta laguntza izan ditu.

FESTIVAL BERNAOLA. OBJETIVOS 2016Establecer un firme compromiso con la música de nuestro tiempo mediante unaprogramación específica / Crear un punto de encuentro internacional que invite a laparticipación, el análisis y la reflexión, la investigación y la experimentación musical /Servir de plataforma a compositores e intérpretes con el objetivo de mantener viva lacreación y la difusión musical como elementos dinamizadores de la cultura / Proponer unámbito de creación multidisciplinar (música, danza, teatro, artes plásticas, video, etc.) endonde la convivencia entre el arte y la ciencia sea seña de identidad / Generar eimpulsar proyectos y producciones propias para exponer nuestra realidad musical alexterior / Potenciar el arraigo cultural y social generando nuevos públicos, procurandoser fiel reflejo de las inquietudes de nuestro entorno / Vertebrar una cita cultural queimpulse el tejido profesional de la música, proporcionando espacios de desarrollo acompositores, intérpretes, técnicos, gestores culturales, etc.

BERNAOLA

JAZZALDIA

El festival 12 Points, dedicado aldescubrimiento y promoción de jóvenestalentos del jazz europeo, celebrará sudécima edición en San Sebastián entre el 20y el 23 de julio de 2016, coincidiendo con elHeineken Jazzaldia, que se desarrollará entreel 20 y el 25 de julio, y en el marco de SanSebastián 2016 Capital Europea de laCultura.

Para elaborar su programa, 12 Pointshace cada año una convocatoria abiertapara seleccionar 12 grupos de jazz de 12países diferentes de Europa.

Durante los últimos diez años, 12 Points seha convertido en una plataformaextraordinaria para la promoción de lostalentos emergentes europeos en elámbito del jazz. Casi 500 músicos jóveneshan participado en 12 Points desde 2007,y para muchos de ellos ha sido un pasoimprescindible para lanzar sus carrerasprofesionales.

12 Points es un festival nómada,que alterna su sede entre Dublín (losaños impares) y otras ciudades europeas(los años pares). En 2014 se celebró enUmea (Suecia) y en 2012 lo hizo enOporto (Portugal).

La presencia de este prestigiosofestival en San Sebastián es posiblegracias a la colaboración entreImprovised Music Company, la empresabasada en Dublín que producehabitualmente 12 Points; el HeinekenJazzaldia, que alcanza este año su 51ªedición tras celebrar en 2015 sucincuentenario con un gran éxito; y SanSebastián 2016 Capital Europea de laCultura, concretamente su líneaConversaciones, la línea de DSS2016EUpara establecer alianzas con los agentesculturales de su entorno y colaborar enproyectos específicos vinculados a losvalores de la Capitalidad.

12 Points, el festival europeo de jóvenes talentos del jazz, secelebrará en 2016 en San Sebastián coincidiendo con el HeinekenJazzaldia y la Capitalidad Europea de la Cultura

Los grupos interesados en participardeben inscribirse antes del 30 de enero de2016 en la web www.12points.ie.

Europako jazzeko talentu gazteak aurkitzea eta bultzatzea helburu duen 12 Points jaialdiakDonostian ospatuko du bere hamargarren edizioa, 2016ko uztailaren 20tik 23ra, HeinekenJazzaldiarekin batera, azken hau uztailaren 20tik 25era bitartean garatuko baita, eta Donostia2016 Europako Kultur Hiriburuarekin batera.

Bere egitaraua prestatzeko, 12 Points-ek urtero deialdi ireki bat egiten du Europako 12herrialdetatik 12 jazz talde aukeratzeko xedearekin.

Parte hartu nahi duten taldeek 2016ko urtarrilaren 30a baino lehen eman behar duteizena www.12points.ie web orrian.

Azken hamar urteotan, plataforma paregabea bilakatu da 12 Points jazzaren esparruanEuropan sortzen diren talentu berriak sustatzeko. Ia 500 musikari gaztek hartu dute parte 12 Points-en 2007tik hona eta haietako askorentzat ezinbesteko urratsa izan da beren ibilbide profesionalariekiteko orduan.

12 Points jaialdi alderraia da, txandaka ospatzen da Dublinen (urte bakoitietan) etaEuropako beste hiriburu batean (urte bikoitietan). 2014an Umea-n egin zuten (Suedia), eta2012an, Porton (Portugal).

Aurten, Orfeoiak presentzia nabarmena izango du Europako hiru jaialditan:Luzernakoan, Carcasonakoan eta Orangekoan. Halaber, atzerriko emanaldiekinjarraituz, kontzertu bat emango du Toulouseko Kapitolioko Orkestra Nazionalarendenboraldiaren barruan. Bestalde hurrengo hauetan ere hartuko du parte: DonostiarenEuropako Kultura Hiriburutzaren egitarauko zenbait ekitaldi garrantzitsutan, MusikaHamabostaldian –bi kontzertu emango ditu, programak zehazteko daude–,Santanderreko Jaialdian, eta Bartzelonako Mil.lenni Jaialdian. Madrilgo EntzunaretoNazionaleko hainbat ziklo musikalen barruan desberdin emanaldi izango ditu etaEOSekin film luze bateko soinu banda grabatuko du. Orain arte: 26 kontzertuprogramatu dira.DONOSTIA 2016NOrfeoiak eta Orfeoi Txikiak Europako Kultur Hiriburutza inauguratzeko ekintzetakobatzuetan parte hartuko dute, urtarrilaren 20tik 24ra bitartean. Urtarrilaren 19tik 20rakogauean, Donostiako Konstituzio plazako bandera igotzean Orfeoiak Sarriegiren SanSebastian martxa eta beste obra ezagun batzuk eta Juan Jose SantestebanenDonostiako Antzinako Himnoa interpretatuko ditu, Gaztelubide elkartekodanborradarekin eta EMKEbanda Errenteriako Musika Kultur Elkartearekin batera.Urtarrilaren 23an, inaugurazio-ekitaldien egun nagusian, Orfeoiak kontzertua emango duSanta Maria basilikan 22:00etan. Organoaz lagunduko den askotariko programa SainzAlfarok zuzenduko du.Egun berean, Orfeoi Txikiak Eureka! Zientzia Museoan antolatutako jardueretan hartukodu parte, Donostia-Wroclaw ikus-entzunezko lanaren emanaldiaren ondoren. Ikusirudiakbiltzen dira, zeruko magiak elkartuta; hala, Orfeoi Txikiak gai horrekin loturiko hainbat laninterpretatuko ditu. Bi emanaldi izango dira, 17:30ean eta 18:30ean.Bestalde, Donostia 2016ko programazioaren barruan, Orfeoi Txikiak Altzoko Haundiatxotxongiloen operan parte hartuko du. Martxoaren 20an Victoria Eugenia antzokianizango da ikusgai; maiatzaren 15ean Barakaldoko antzokian; ekainaren 5ean TolosakoTOPICen eta maiatzaren 31n Victoria Eugenian berriz ere. Azken bi emanaldiakTxotxongiloen Mundu Jaialdiaren parte izango dira.ZINEMARAKO SOINU BANDA BAT GRABATZEAUrtarrilaren 24an, Orfeoiak eta Euskadiko Orkestra Sinfonikoak Juan Antonio Bayonakzuzendu duen “Un monstruo viene a verme” soinu-banda grabatuko du. Filma PatrickNess-en izen bereko liburuan dago oinarrituta, eta Nessek berak idatzi du gidoia. FellicityJones, Sigourney Weaver, Liam Neeson, Lewis MacDougall aktoreek hartzen dute parte.Aurreikusitakoaren arabera 2016ko urrian estreinatuko da.Orfeoiak bi kontzertu emango dituBartzelonako Mil.lenni jaialdiaren barruan, Palau de laMúsica Catalana delakoan, otsailaren 5ean eta 6an. Abesbatzak Euskadiko etaKataluniako obra herrikoietan oinarritutako bi programa eta habaneraz eta zarzuelenzatiz osatutako lehen zati bat eskainiko ditu Sainz Alfaro zuzendariaren batutapean etaPatxi Aizpiri pianistaren laguntzaz.TOULOUSEKO KAPITOLIOKO ORKESTRA NAZIONALAREKINToulouseko Kapitolioko Orkestra Nazionalak Berliozen Romeo eta Julieta lanainterpretatzera gonbidatu du Orfeoia, bere egoitzara, la Halle aux Grains aretora, TuganSokhiev zuzendariarekin aritzeko. Konposatzaile frantziarrari bereziki gustatzen zitzaion lanhau, eta bere bizitzako drama gorena izan zela idatzi zuen bere memorietan. Kontzertuaapirilaren 29an izango da, eta maiatzaren 31n, bi taldeak berriz elkartuko dira zuzendariberarekin Donostiako Kursaalen Berliozen Requiema interpretatzeko.

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audiovisuales sobreLachenmann

Koldo Bravo, Director de la Mediateka

Helmut Lachenmann es uno de los compositores consagrados de la música contemporánea. Ha sido unlujo para nuestros alumnos tener la oportunidad de conocer y trabajar en las aulas con un compositor de suprestigio. Podemos recodar, de similar relevancia, la visita que Penderecki realizó en enero de 2009 aMusikene y la charla magistral que impartió en el aula 104. Lachenmann tuvo un reconocimiento muyimportante en España, en 2010, cuando le fue concedido el “Premio Fundación BBVA, Fronteras delConocimiento”, en la categoría de “Música Contemporánea”; premio que llevaba aparejada unadotación económica muy importante.Para caracterizar la música de Lachenmann voy a citar las palabras de nuestro profesor de composición,Gabriel Erkoreka, en la Lección inaugural de los Cursos de Verano de la UPV que impartió en Donostia en2014. Es una cita muy ilustrativa: “… si escuchamos una obra para orquesta de Lachenmann, asistimosperplejos a una orquesta que ya no suena a orquesta. Imaginemos que tenemos dos mandos de volumen:uno regula la emisión del sonido típica que asociamos a cada instrumento, y ése se baja al mínimo. Otroregula el ruido que se ejerce al producir el sonido: al friccionar la cuerda, al soplar el tubo… y ése se sube almáximo. Lo que resulta es una enorme caja de resonancias que suscitan nuevos ataques, que a su vezprovocan nuevas resonancias, pero apenas un solo sonido tradicional es emitido”. La Mediateka contieneuna buena representación de la música de Lachenmann en diferentes soportes documentales. Sirvan lassiguientes referencias como muestra:

Lachenmann, H., & Kaltenecker, M. (2009). Écrits et entretiens. Genève: ÉditionsContrechamps.

García Bañales, Mikel (2012). El pensamientodel sonido de Helmut Lachenmann entre 1970y 1980. Musikene, Trabajo de investigación de

fin de carrera, curso 2011-2012.

Lachenmann, H. (2002). "­­Zwei Gefühle­­",Musik mit Leonardo: für Sprecher undEnsemble = for Speakers and Ensemble.Wiesbaden: Breitkopf & Härtel.

Lachenmann, H. (1984). Accanto: Musik füreinen Klarinettisten mit Orchester. Wiesbaden:

Breitkopf & Härtel.

Lachenmann, H. (1980). Notturno für kleinesOrchester mit Violoncello solo: (Musik für Julia).Wiesbaden: Breitkopf & Härtel.

Lachenmann, H. (1994). Tableau: für Orchester:for orchestra. Wiesbaden: Breitkopf & Härtel.

Lachenmann, H., Cambreling, S., Herrmann, B.,Südwestrundfunk., & Lucerne Festival AcademyOrchestra. (2014). Schreiben ­ Double (Grido II).Wien: Kairos Music Production.

Lachenmann, H., Lindenbaum, A., Nott, J., Riet,G. P., Svoboda, M., Zender, H., KlangforumWien., ... West German Radio Symphony

Orchestra. (2009). LACHENMANN, H: NUN (Riet,Svoboda, West German Radio Symphony,

Nott) / Notturno, "Musik fur Julia" (Lindenbaum,Klangforum Wien, Zender). Hong Kong: Naxos

Digital Services.

Lachenmann, H., Leonardo, Toller, E., Zender,H., ... Schola Heidelberg. (2001). Mouvement (­vor der Erstarrung): für Ensemble ; "... zweiGefühle..." : Musik mit Leonardo : für 2 Sprecherund Ensemble ; Consolation I : für 12 Stimmenund 4 Schlagzeuger ; Consolation II : für 16Stimmen. Wien: Kairos Production.

Lachenmann, H., Damerini, M., Eötvös, P.,Zender, Kölner Rundfunk-Sinfonie-Orchester., &

Saarländischer Rundfunk. (1994). Ausklang:(1984/85); Tableau: (1988/89). Salzburg: Col

Legno.

Hermann, M., Lachenmann, H., & Walczak, M.(2013). Erweiterte Spieltechniken in der Musikvon Helmut Lachenmann: Extendedtechniques in the music of HelmutLachenmann. Wiesbaden: Breitkopf Härtel. 1CD-ROM.

Lachenmann, H., Defilla, P. A., ... ScholaHeidelberg. (2005). Furcht und Verlangen:

[Konzertfilm] : Filme von Peider A. Defilla ; Musikvon Helmut Lachenmann ; Interviews: Achim

Heidenreich. München: B.O.A. Videofilmkunst.1 DVD.

Tocata y Fuga- ¿Orden o caos?- Orden, pero no demasiado.-¿Un sitio para huir?- Las Variaciones Goldberg.- ¿Carne o pescado?- Ambos.- ¿Con qué o quién teidentificarías?- Con las personas a las queadmiro.- ¿Relación estable o Tocata yFuga?- Bonito dilema.- ¿Cuál es el motor delmundo?- La curiosidad.- ¿Qué es para ti "El LadoOscuro"?- La impaciencia.- ¿Madrugar o trasnochar?- Combino ambos.- ¿En qué crees?- No estoy seguro de nada.- ¿Qué es un alumno deMusikene?- Alguien que desea aprendery superarse continuamente.- ¿Qué hubieses sido en otravida?- Sólo tenemos una vida.- ¡Tierra trágame!- Eso no es una pregunta…- Una canción.- Cualquier Lied de Schubert.- Tres placeres confesables.- Pasear por el campo, elqueso manchego, trabajarcon los intérpretes.- ¿Presto o Adagio?- Adagio.- ¿Forte o Piano?- Fortisísisisimo y Pianisísisisimo.- ¿Dónde querrías estarahora?- En algún lugar de laMancha.

- Ordena edo kaosa?- Ordena, baina ez gehiegi.- Ines egiteko leku bat?­ Goldberg Bariazioak.- Haragia edo arraina?- Biak.- Zerekin edo norekinidentifikatuko zinateke?- Miresten ditudan pertsonekin- Bikote finkoa ala Tocata etaFuga?- Zalantza ederra.- Zein da munduaren motorra?- Jakinmina.- Zer da zuretzat "Alde iluna"?- Pazientziarik eza.- Goiz jaiki edo gaua galdu?- Bietara ibiltzen naiz.- Zertan sinisten duzu?- Ez dut ezer ziurtzat ematen.- Zer da Musikeneka ikaslea?- Etengabe ikasi eta hobetunahi duen norbait.- Zer izango zinateke bestebizitza batean?- Bizitza bakarra dugu.- Lurra irents nazazu!- Hori ez da galdera bat…- Abesti bat.- Schubert-en edozein Lied.- Aitortzeko moduko hirogozamen.- Mendian ibiltzea, Mantxakogazta, intepreteekin lanegitea.- Presto edo Adagio?- Adagio.- Forte edo Piano?- Fortisisisisimo etaPianisisisisimo.- Non egon nahi zenukeoraintxe bertan?- Mantxako lekuren batean.

Fran Domínguez estudió viola en Musikene,termina este año 4º de composición y en sus ratoslibres, lee Musikenews