Las vanguardias históricas

Historia del Arte. 2º de Bachillerato

Joaquín García Andrés

Móvil con gafas Alexander Calder

Dadaísmo FIGURATIVO Abstracción

Fauvismo

expresio- nismo

Cubismo

Futurismo

Surrealismo

Optimismo Pesimismo

Racional Irracional

NO FIGURATIVO

La originalidad consiste en volver a los orígenes

A. Gaudí

Las vanguardias históricas

Bajo esta denominación se identifican los diferentes movimientos artísticos que se hicieron hueco en el panorama pictórico y escultórico desde el arranque del siglo XX hasta la II Guerra Mundial (1945).

Propio de la libertad creativa que caracterizó las úl- timas décadas del siglo precedente, son diversas las propuestas que surgen, a veces simultáneamente, en las que un mismo artista puede y, de hecho participa, fruto de su propia evolución creativa y personal.

Ello hace que no sea fácil identificar unas caracterís- ticas comunes, aunque sí algunas generales.

Características generales

Ruptura con el pasado para adaptarse al cambio que supone la vida moderna cambio continuo. Busca de un nuevo lenguaje -de ahí su dificultad

de comprensión- que no valora la impresión sino la expresión de las inquietudes humanas gran impacto de la guerra mundial y revolución rusa. Ausencia de representación de lo exterior, de lo

anecdótico, lo real, en beneficio de lo emocional, de la interpretación del interior del ser humano

influencia del psicoanálisis (Sigmund Freud). Búsqueda de lo esencial, lo original influencia

del arte primitivo (tomado de Cézanne), el post impresionismo (Gauguin, Van Gogh) y lo infantil.

REVOLUCIÓN SOVIÉTICA

MUNDO INTERIOR ANTES QUE

MUNDO EXTERIOR

INTERPRETAR FRENTE A

REPRESENTAR

VISIÓN SUBJETIVA Y

DIVERSA

Contexto NUEVAS

IDEOLOGÍAS

FUTURISMO

FAUVISMO

AUGE ECÓNOMICO COLONIAL

AVANCES CIENTÍFICOS

I GUERRA MUNDIAL

1914-18

CRAC ECONÓMICO

1929

19 30 19 00 1910 19 20

SURREALISMO

PERDIDA DE VALOR DE LA REALIDAD

RUPTURA REPRESENTACIÓN DE LA REALIDAD

ALEGRÍA

COLOR

RAZÓN

GEOMETRIZACIÓN FIGURA

PROGRESO ANGUSTIA

COLOR

PESIMISMO OPTIMISMO

TEORIA DE LA RELATIVIDAD DE

A. EINSTEIN

PARADOJA MATEMÁTICA DE

B. RUSSELL

ESCEPTICISMO

NIHILISMO SCHOPENHAUER

PSICOANÁLISIS S. FREUD

NIHILISMO

CUBISMO

DADAÍSMO

ESCÁNDALO

READY-MADE

EVASIÓN

DIBUJO LINEAS-MANCHAS COLOR

NO FIGURAS NO OBJETOS

PÉRDIDA BELLEZA

PÉRDIDA NATURALISMO

VISIÓN EMOCIONAL

AMABLE

VISIÓN RACIONAL CIENTÍFICA

VISIÓN EMOCIONAL

AMARGA

VISIÓN IRRACIONAL NO

FIGURATIVA

VISIÓN EMOCIONAL

ONÍRICA

VISIÓN EMOCIONAL

CRÍTICA

FIGURATIVO

NO FIGURATIVO

ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA ABSTRACCIÓN LÍRICA

RECHAZO REPRESENTACIÓN DE LA REALIDAD

Fotografía en color

EXPRESIONISMO

Alegría de vivir Fauvismo

Rup

tura

re

alid

ad

Henry Matisse

Angustia vital Expresionismo

E. Munch. E. Nolde

Geometrización Cubismo

Progreso Futurismo

Provocación Dadaísmo

Rec

hazo

re

alid

ad

Evasión onírica Surrealismo

Sin figuración Abstracción

Braque, Picasso, J. Gris Umberto Boccioni

Marcel Duchamp Magritte. Miró. Dalí W. Kandinsky

Representantes

Ready-made

El Fauvismo (1905-1907)

Denominación peyorativa (fieras) acuñada por el crítico de arte Luis Vauxcelles en el transcurso del Salón de Otoño de 1905.

Como el Impresionismo, logra compartir sus mis mos temas, exponente de la emoción de sentirse vivo y la alegría de vivir. Pero en realidad se trata de una reacción contra él por el valor que da a la forma frente a la luz (Gauguin) y a las impresiones que proceden del interior y no a las del exterior, que expresa a través del color (Van Gogh).

Características generales

Se pinta lo que se siente, no lo que se percibe. Valoración de la forma:

• Trazo marcado, que define contornos. • Pincelada en manchas amplias y planas.

Protagonismo del color: • Colores puros ausencia de mezclas. • El color lo domina y lo funde todo:

o Extensas superficies cromáticas. o No respeta el color natural: subje tivo, arbitrario; cuerpos naranjas, perro verde no naturalista. o No se ajusta a los límites de las fi- guras o las formas no realista.

Ausencia de luz, de claroscuros y sombras. Ausencia de perspectiva bidimensional.

El caballero del caballo blanco André Derain. h. 1914

Representantes

Henry Matisse (1869-1954)

André Derain (1880-1954) Maurice de Vlaminck (1876-1958)

Mujer con blusa André Derain

1906

RETRATO DE MADAME MATISSE (1913)

Capacidad expresiva del color, de tonos violentos pero no estridentes; armónicos. Pincelada suelta pero extensa -no corta-,

que define planos muy amplios. Trazo negro, grueso, delimitador de la su

perficie cromática, rica en azules cobalto, naranjas y rojos vivos. Cara y nariz verde.

Alma del Fauvismo, al que se mantiene fiel toda su vida.

A través del color expresa sus estados de ánimo, lo que le vincularía con el Expresionismo, si no fuera porque sus emociones son optimistas positivas, vitalistas y serenas.

Sus colores, puros y fuertes, buscan la armonía, y así se percibe en algunas obras como “Armonía en rojo” (1908) y “La danza” (1909), en las cuales define con su trazo la esencia de lo que desea comunicar:

Delimitando claramente las zonas de color.

Mediante líneas y formas curvas, dando lugar a lo que se conoce como “arabescos”.

La danza. 1909

Henri Matisse

La Gerbe.

1953

La música. 1911

ARMONÍA EN ROJO (1908)

En esta pintura, como en ninguna otra, se puede percibir su inconfundible estilo:

Jarrón con asas

1907

Utilización “invasiva” del color, puro, amplio. Armonía de color a base del “tono adecuado”. Decoración a partir de trazos curvos, como

si se tratara de “arabescos”. Ausencia de naturalismo cromático y formal. Ausencia de perspectiva y escasa profundidad. Ausencia de límites, confundiéndose la pared

con la mesa y los bordes inexistentes de ésta.

La blusa rumana

1940

La rêve

1940

Recortables

El Cubismo (1907-1914 )

En la línea optimista que caracterizaba a los fauvistas, surge un grupo de artistas que más allá del color bus can un modo de representar la forma de los objetos de un modo “sincero”, ajeno a toda perspectiva ilusio nista (como la renacentista) pero sí coherente con la representación plana, bidimensional del propio lienzo.

Es así como a través de una concepción reflexiva, ba- sada en la razón, consiguen una fórmula que hace po sible la “visión integral”, a través de la geometrización de las formas, lo que rompe con la realidad.

Este proceso surge a partir de 1906, toma como punto de partida la preocupación por la forma de Cézanne y el arte primitivo, acabando definitivamente con el pasa do pictórico. Su denominación también vino dada por Luis Vauxcelles al contemplar las obras de Braque.

Características generales

Descomposición de las formas conforme a elementos geométricos básicos: cubos, cilindros y esferas de forma simultánea. Color neutro: gris, blanco y verde claro. Ausencia de luz y de sombras. Nueva “perspectiva” múltiples puntos

de vista que buscan una cuarta dimensión. Objetos tradicionales e inanimados: vaso,

jarrón, figuras humanas, nunca vehículos.

Representantes

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) Georges Braque (1882-1963) Juan Gris (1887-1927)

Mujer en camiseta sentada en su sillón. Picasso.1914

Juan Gris

Tras tomar contacto con Braque y Picasso -en París, en 1906- se acoge al Cubismo al que da una seña de identidad muy personal al centrar su producción en bodegones y las naturalezas muertas, en las que le gusta introducir:

Instrumentos musicales, pero ante todo, Fragmentos de periódicos que pegará en

el lienzo, con lo cual inaugura la técnica del collage.

Es por ello que para muchos críticos es el más cubista de todos los pintores.

Bodegón con guitarra, libro y periódico. Juan Gris. 1919

Still Life with Guitar, 1920,, 50.3 x 61 cm

La velocidad del automóvil. G. Balla. 1913

La velocidad de la motocicleta. G. Balla. 1913

El Futurismo (1909-1914)

El jinete rojo. Carlo Carrà. 1913

Sobre la base del Cubismo un grupo de artistas italianos, reunidos en Milán, redactan en 1910 un manifiesto a fa- vor del progreso y en contra de la tradición, en el cual se afirma que: “queremos demoler los museos, las bibliote- cas, combatir el moralismo, el feminismo y todas las vilezas oportunistas y utilitarias”. Su concepción radical del arte y de la vida les harán derivar hacia el fascismo.

Características generales

Representación de la velocidad co- mo expresión de la vida moderna. Líneas curvas muy rara vez rectas. Pincelada vibrante, menuda, en la

cual dominan los colores puros. Objetos animados (a diferencia del

Cubismo) con múltiples planos, que reproducen fases simultáneamente:

• Varias cabezas, pies, manos... • Espirales, elipses, diagonales...

Representantes

Filippo T. Marinetti (1876-1944) Umberto Boccioni (1881-1973) Carlo Carrà (1881-1966)

Umberto Boccioni

DINAMISMO DE UN FUTBOLISTA (1913)

Descomposición del volumen de origen cubista con predominio de líneas curvas y diagonales. Pinceladas gruesas, cortas y discontinuas

(puntillista). Luz intensa y colores puros que vibran y

otorgan dinamismo (expresionismo). Composición centrípeta (hacia adentro).

Vis

ión

sim

ultá

nea.

191

2

Pero a diferencia del Cubismo en su obra se advierte que: Las formas geométricas no son tan puras ni evidentes. Existe una relativa sensación de espacio y perspectiva. La luz es más evidente, sin llegar a generar sombras. Las líneas no son rectas ni prismáticas, sino curvas.

FORMAS ÚNICAS DE CONTINUIDAD EN EL ESPACIO (1913) En esta obra se evidencia la descomposición de una figura desde una concepción que evoca el movimiento:

Texturas agitadas, como unos paños movidos por el viento (igual que la Venus Samotracia). Volúmenes angulosos y deformados. Representación de multiplicidad

de planos (cóncavo-convexos) mediante curvas que emulan a las máquinas.

Plurivisual.

Desarrollo de una botella en el espacio

1912

Formas únicas de continuidad en el

espacio

1913

Intri

ga.

J. E

nsor

. 19

13

El Expresionismo (1905-25)

El Expresionismo está presente en la mayor par- te de las corrientes artísticas de este momento, aunque fue en Alemania en donde el contexto po lítico potenció la preocupación, no ya por la for- ma, sino por su contenido, subjetivo y pesimista, muy lejos del optimismo del Fauvismo.

La expresión adquiere de este modo un sentido singular, siendo la suya una estética de lo feo. Su mensaje va encaminado a denunciar las miserias humanas y las injusticias, bajo la inspiración que supuso el congreso de la Segunda Internacional.

Precursores

Edvard Munch (1863-1944) James Ensor (1860-1949)

Representantes

Grupo Die Brücke (El punte) Grupo de Munich (El jinete azul)

Características generales

Máxima expresión de la libertad creativa y de expresión, al optar por representar situaciones angustiosas, poco agradables que, al manifestarse, sirven de desahogo. Ruptura con la realidad: distorsión de las

formas anatómicas: • Rostros desencajados, histriónicos. • Cuerpos esqueléticos, deformados. • Caricaturización de las figuras (las cuales parecen dibujos animados).

Pincelada de trazos curvos, rápidos, tos-cos y pastosos; con textura. Colores puros oscuros, de tonos ácidos,

violentos y estridentes; no armoniosos. Luz más intensa que la de los fauvistas.

Munch relató que "iba por una largo camino con dos amigos cuando el sol se escondía. El cielo se tornó de un momento a otro de rojo sangre, me detuve muerto de cansancio y sobre la ciudad se veía sangre y lenguas de fuego. Mis amigos continuaban caminado, pero yo temblaba de miedo y sentía que un enorme e infinito grito se perdía entre la naturaleza"

Edvard Munch

Pintor y grabador noruego inspirador del movimiento expresionista alemán.

Según sus propias palabras, él intentó diseccionar el alma humana como Da Vinci lo hizo con la anatomía. Por eso, sus temas se centran en el sentimiento humano basado en situaciones trágicas como la soledad, la angustia, el miedo.

EL GRITO (1893) -91 x 75,5-

Es la obra más famosa del autor, cuyo primer título fue desesperación, y de la que realizó varias series.

Representación andrógina de un ser moderno en un momento de de profunda angustia existencial. Inspiración en la momia peruana que pudo ver en Europa en 1889. Personas del fondo alejadas para dar sensación de falta de apoyo a la persona desesperada y generar un ambiente claustrofóbico. Trazo suelto y sinuoso, realizado en cera y pastel sobre cartón que crea formas blandas, gelatinosas. Colores fríos y cálidos, estriden- tes, sin compensar y sin armonía.

CHICAS SOBRE EL PUENTE (1901)

Representación real de un paisaje de Oslo cargado de dramatismo, visible en los siguientes aspectos: Preponderancia de la barandilla diagonal que parece ensartar a las mujeres, y cuyo carácter as- cendente crea una sensación de absorberlas como un desagüe. División en dos áreas equilibra- das en extensión, en la inferior subdividida por diagonal. Para contrarrestar el empuje de la diagonal, el grupo de mujeres mira hacia el grupo de la casa. Diferenciación cromática de los dos grupos para favorecer dicho equilibrio. Atmósfera densa. Las manchas del árbol y mujeres parecen actuar como contrapeso. El árbol proyecta una sombra tan grande y negra que parece teñir gran parte del cuadro de tristeza o pesimismo.

La abstracción (1910-21)

La abstracción representa un cambio radical en la estética y en la historia del arte: conlle- va la eliminación de los elementos figurativos pero no a cambio de nada sino para destacar la fuerza expresiva de la línea y del color.

A partir del Impresionismo y Expresionismo se evoluciona hacia el rechazo de la realidad, un arte independiente del contenido icónico.

El mundo interior es más importante que el exterior, y su primera manifestación la hará Wassily Kandinsky en 1910 con su obra Pri- mera acuarela abstracta, con la que inicia la evolución que dará lugar a distintos plantea- mientos que, más allá de unos pocos rasgos comunes, llegan a ser incluso contrapuestos.

Características generales

Desconexión total con la naturaleza. El lienzo es sólo una superficie para recibir líneas, formas y manchas de color. Pervivencia del color como recurso para

expresar las necesidades interiores.

Primera acuarela abstracta. W. Kandinsky. 1910

Representantes

Wassily Kandinsky (1866-1944) Piet Mondrian (1872-1944) Kasimir Malevich (1878-1935)

Composición nº 8. W. Kandinsky. 1923

Improvisación nº 26. W. Kandinsky. 1911

Abstracción lírica y geométrica

El promotor de la abstracción, Kandinsky, va a experimentar una evolución que será lenta hasta definir su estilo, íntimamente ligado a la música, pudiéndose distinguir dos etapas.

Una primera denominada abstracción lírica en la que las manchas de color y las líneas repre- sentan sus emociones interiores de forma caó tica, sin referencias lógicas; libertad creativa.

A partir de 1921, coincidiendo con su trabajo en la Bauhaus, modifica radicalmente su estilo para basarse en formas geométricas puras: la línea, el círculo, el triángulo y el cuadrado. Es así como surge la abstracción geométrica. Cada una de estas formas tienen un significado

y un orden (composición) muy concreto:

• En la zona central los círculos, captando la atención y dispuestos de forma tangen- te y excéntrica. Contraste de colores que refuerzan su expresividad y adquieren con notaciones musicales.

• Cuadrados y líneas horizontales que dan sentido sereno y “frío” a la composición.

• Líneas oblicuas que aportan sentido ascen dente y dan “calor” a la composición.

• Triángulo, fuerza invasiva, que desequili- bra y actúa como contrapunto que, junto con sus colores apagados, crean tensión. Líneas radiales. V. Kandinsky. 1927

– Círculos: símbolo de permanencia y de relajación, se suele rellenar de color azul. También lo asocia a la música, fruto de su movimiento en el espacio, en el plano, pe ro también de su tamaño y su forma

– Triángulo: antagonista al círculo es una forma destructora. Se asocia con colores estridentes, y un tanto apagados.

– Cuadrado: equilibrio, suma de líneas horizontales y verticales

– Líneas horizontales: movimiento frío – Líneas verticales: movimiento cálido

Impr

ovis

ació

n nº

19.

W. K

andi

nsky

. 19

11

Silla roja y azul Gerrit Rietveld.

1918

Abstracción geométrica El neoplasticismo

Composición en amarillo, azul y rojo. P. Mondrian. 1921

En Holanda, al margen de los acontecimientos de la I Guerra Mundial, se desarrolla, desde el año 1917, un concepto de la abstracción origi- nal, que aspira a crear un arte totalmente nue- vo, basado en:

Formas extremadamente sencillas reducidas, en la mayor parte de los casos, a líneas que delimitan superficies geométricas. Colores exclusivamente primarios.

Entre sus representantes destaca Piet Mondrian (1872-1944) quien, con el deseo de representar el equilibrio racional frente al caos de la guerra, reduce estos principios a:

Franjas delimitadas por líneas verticales y horizontales cortadas en ángulo recto. Colores primarios delimitados por negro,

más el blanco y el gris.

Mondrian deseaba impregnar con el principio de simplicidad pero, al mismo tiempo, de armonía a todos los objetos de la vida cotidiana. Es por eso que, junto con el pintor Theo van Doesburg, fun- da en 1917 la revista De Stijl (el estilo), que logró extender el Neoplasticisimo al mundo del arte y el diseño. Sus ideas influyeron en La Bauhaus.

Para ayudarle a proteger su privacidad, PowerPoint evitó que esta imagen externa se descargara automáticamente. Para descargar y mostrar esta imagen, haga clic en Opciones en la barra de mensajes y, a continuación, haga clic en Habilitar contenido externo.

Cuadro negro sobre fondo blanco K. Malevich

1913

Abstracción geométrica El suprematismo

Representa la búsqueda de la pintura pura, de la “inobjetividad absoluta”, una concep- ción radicalmente revolucionaria cuyo ob- jetivo es la ruptura total, definitiva, con el arte tradicional, aunque no su eliminación, al entender que es expresión de la sensibi- lidad humana.

Su creador, y casi único representante, es el ruso Kasimir Malevich (1878-1935) que opta por:

• Eliminación total de cualquier rastro de representación artística en beneficio de de una expresión mística de los estados puros de la conciencia, sin intervención de las emociones ni del pensamiento. Se sirve de formas simples geométricas. No tema. No figuras. No color. No composición.

El dadaísmo (1916-24)

Surge tras la I Guerra Mundial como un “mo- vimiento artístico contrario al arte” (Hans Rich- ter) que aspira a unir el arte con la sociedad, acercar el arte a la vida. Según su ideario, “el arte es todo aquello que a uno le parezca arte”. Conforme al lema de Bakunin “la destrucción también es creación”, buscan escandalizar a la burguesía y desprestigiar al crítico de arte.

Sus integrantes, afincados en Suiza para huir de la guerra, reunidos en el café Cabaret Vol- tarie, eligen ese nombre abriendo una página al azar de un diccionario. Son partidarios de la espontaneidad, a través de “ocurrencias”.

Características generales

Búsqueda de la provocación mediante el: • Ready-made: Aprovechamiento como obras de arte de materiales vulgares o sacados de la basura ya existentes. • Plagio o la copia de obras clásicas. • Uso de nombres sugerentes, raros.

Creación de nuevos géneros artísticos: • Performances (obra improvisada) • Fotomontajes (además de collages)

Incitación de la reflexión hacia el arte, el cual se entiende como un acto mental:

• Una evocación al origen de la obra; • Nueva forma de mirar el arte como percepción no rutinaria de la obra.

Mona Lisa L.H.O.O.Q. Marcel Ducharmp

1919

Marcel Duchamp como Rosa Sélavy en 1921

Dado que: 1. La caída del agua, 2. La lámpara de gas

1946-66

Representantes y obras

Marcel Duchamp (1887-1968) es el principal representante, con obra en Europa y EE.UU. que plasma tanto en pinturas como la “Mona Lisa L.H.O.O.Q.” (1919) o esculturas -si así se puede llamar- tipo “El gran vidrio” (1915-23). También pertenecieron a este grupo Wassily Kandinsky, P. R. Picasso, Paul Klee o F. Picabía.

Mujeres con Bul-dogg Francis Picabía

1940-42

“La fuente” (urinario)

1917 Rueda de Bicicleta

1913

En el ámbito de la escultura es el que M. Duchamp más se manifestó, y lo hizo co- mo un provocador nato, muy irónico e ingenioso, especialmente con el lenguaje, convirtiendo objetos de la vida diaria en esculturas que dignifica simplemente:

• cambiándolas de contexto, posición. • agregándolas un sencillo pedestal. • poniéndolas un título original.

Sus obras “La fuente” (1917) o el “Erizo” (1914) son sugerentes, tanto como sus títulos, provocando activar la reflexión y la imaginación del espectador, dándo- le un papel activo.

“Erizo” (Botellero)

1914

También Duchamp será el creador de los denominados rotorelieves, dibujos que logran crear una sensación de tri- dimensionalidad y de movimiento que más adelante inspirará el denominado arte cinético.

LA NOVIA PUESTA AL DESNUDO POR LOS SOLTEROS, o EL GRAN VIDRIO (1915-1923)

Obra compleja imposible de entender a simple vista dadas las muchas interpreta ciones que dejará a la imaginación del es pectador. Con ello buscará la crítica y la provocación, como delata su complejo título, todo lo cual evidencia: Gusto por los juegos lingüísticos con

los títulos (dimensión imaginativa). Larga duración en su elaboración que

dará por “oficialmente inacabada” a la espera de que en 1926, en un traslado, la obra se dañó y la dio por concluida. Utilización de diversos “ready-mades”,

conservando su forma y color original. Adjunta un “Manual de instrucciones”

para leer mientras se contempla como si fuera un “aparato” y denunciar la di- ficultad de entender el arte moderno. Los nueve solteros son: sepulturero,

mensajero, coracero, jefe de estación criado, soldado, gendarme, repartidor y sacerdote.

Todas ellas profesiones que precisan de uniforme.

Novia insecto

Vía láctea Pistones

9 solteros moldes

Gasolina del amor Molino y tijeras

Barrera infranqueable

El Surrealismo (1924)

Denuncia el conflicto que existe entre el mundo interior (la razón) y el exterior (las emociones), y debido a que ambos ya no sirven se recurre al subconsciente, a los sueños, cuyo valor acaba de establecer Freud a través del psicoanálisis.

Ahora prima la imaginación y la fantasía como ya habían anticipado Goya o El Bosco. Características generales

Figuras que solas son reales pero que juntas son incongruentes debido a:

• Colores anti-naturalistas. • Personas, casas..., boca abajo. • Cánones desproporcionados. • Animación de lo no animado.

Yo y

la a

ldea

. M

arc

Cha

gall.

191

1

Principales representantes

René Magritte (1898-1967) Marc Chagall (1887-1985) Salvador Dalí (1904-1989)

Es la vanguardia más importante. Surge como evolución del Dadaísmo, del que toma su irra- cionalidad, con el fin de intentar comprender al ser humano tras la brutal I Guerra Mundial.

La in

venc

ión

cole

ctiv

a. R

ene

Mag

ritte

. 19

34

La cuerda sensible 1960

Esto no es una pipa. 1929

La condición humana. 1933

René Magritte

Es el responsable de dar una dimensión figurativa al Surrealismo, contraponiendo lo incongruente de lo representado con la fidelidad de lo dibujado, dando lugar al Surrealismo objetivo, mediante una técnica casi fotográfica (igual que Dalí). En sus obras, como “La condición humana” (1933), se evidencia:

Dibujo muy realista, en contraste con lo irreal o fantástico de lo representado. Colores vivos, relativamente brillantes. Representación de la tridimensionalidad. Atmósferas silenciosas, llenas de armonía. Imágenes muy ambiguas y contradictorias:

• Planteando situaciones enigmáticas. • Dignificando a los objetos vulgares.

El Surrealismo tiene tres vertientes:

Objetiva: elementos figurativos. Anti-objetiva: de tipo abstracto. Metafísica: naturaleza futurista.

La despedida de Héctor y Andrómeda Giorgio di Chirico. 1917

Giorgio de Chirico

Su figuración se asienta en el uso de formas geométricas, de rostros anónimos, ambientes oníricos y sombras prolongadas, lo cual lleva a encuadrar a sus obras dentro del denominado surrealismo metafísico.

Color

Proporción

Perspectiva

Composición

Movimiento

Luz

Tipología

Tamaño

Técnica

Trazo

Material

Función

Estilo

Cronología Lugar y Autor

Tema

Ámbito

Aspecto

Color

Proporción

Perspectiva

Composición

Movimiento

Luz

Tipología

Tamaño

Técnica

Trazo

Material

Función

Estilo

Cronología Lugar y Autor

Tema

Ámbito

Aspecto