Universidad de San Carlos de Guatemala

Escuela de Ciencias de la Comunicación

Octavo semestre de Licenciatura

Jornada vespertina

Semiología de la Imagen

Lic. Carlos Velásquez

LA IMAGEN PICTÓRICA

NOMBRES CARNÉ N°

Carolyn Mishelle Castillo Casasola 200916423

Denice Alexis Moscoso Del Cid 200923886

Mónica Sharón López Cermeño 200924107

Gabriela María Román Paz 200924220

Guatemala, Viernes 07 de septiembre de 2012.

Índice

Introducción

La imagen pictórica

“Las imágenes pictóricas son textos virtuales manualmente producidos, únicos y que ofrecen una visión estática de los temas presentados.”1

Definimos imagen pictórica como el conjunto complejo de entender de diferentes practicas materiales, en el cual se utiliza la pintura. (Zunzunegui, 2007)

La imagen pictórica incursiona en varias clasificaciones, las cuales caben dentro del proceso de estudio de la semiótica, ya que son textos icónicos con significación convencionalizada a la cual se llega por el estudio del proceso de semiosis que contienen muchos textos visuales.

Dentro de estas clasificaciones tomamos las siguientes, ya que las consideramos como las más importantes, visualizadas y practicadas dentro de la sociedad.

1. DibujoSegún Lambert “la palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que significa

designar, señalar.” (1999:3) El dibujo es una forma de expresión grafica, plasmando

imágenes sobre un espacio plano. “Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como

delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del material con

que se hace”. (1999:4)

El dibujo es una de las derivaciones de las imágenes pictóricas. Según Zunzunegui “las

imágenes pictóricas se diferencian históricamente de todas las demás practicas pictóricas,

ya que poseen la particularidad de no poderse reproducir” (2007:113) sin que esto afecte en

la perdida ya sea total o parcial de alguna de sus cualidades. El dibujo por lo tanto cumple

con las características de un texto pictórico, que según Zunzunegui las establece como:

“manualmente producido, único y que ofrece una visión estática del tema que represente”.

(2007:113)

Según Lambert (1999:5) el dibujo es parte del lenguaje no verbal ya sin mediar palabras,

podemos transmitir ideas que todos entienden de modo grafico, “Hay dibujos que son

1 Zunzunegui, Santos. (2007). “Pensar la imagen”. Madrid. Universidad del país vasco. 6a edición. Pág 103.

reconocidos dentro de una cultura” (1999:7), esto gracias a la fuerte convencionalidad que

poseen ciertos dibujos, no tiene limitaciones de idioma, ni edad o tiempo y es cotidiano,

características esenciales que lo hacen accesible.

1.1. Técnica

1.1.1. Superficies del dibujo: Según Lambert, “la textura y color de las superficies de

los materiales sobre los que se realizan los dibujos influyen en el modo de

trabajar del dibujante, el efecto que este produce y la respuesta de quien lo

contempla.” (1999:9)

1.1.2. Instrumentos y medios: Según Lambert, “estos producen diferentes efectos los

cuales se pueden obtener a partir de las características de los materiales. Por

ejemplo: la finura de la punta metálica como instrumento de dibujo obliga a que

el dibujante realice con los dedos movimientos complicados, mientras que un

medio más tosco como el carbón, fomenta en el artista dibujar con decididos

barridos del brazo. En consecuencia los dibujos realizados a punta metálica

tienden a ser pequeños, mientras que las obras a carbón son concebidas a mayor

escala. La calidad de la línea producida por un instrumento como la pluma o el

pincel, en el que el movimiento del mismo se interrumpe para volverlo a cargar

de tinta, se distingue de la línea realizada con grafito o tiza las cuales

proporcionan una provisión ininterrumpida del medio.” (Lambert 1999:10)

1.2. Convenciones del Dibujo

Como dice Zunzunegui, a pesar de que “cada artista crea su propia y particular semiótica”

al dibujar (2007:114), existen ciertas convencionalidades de las cuales todos los dibujantes

se rigen bajo ciertas reglas, como por ejemplo:

1.2.1 Trabajar en perspectiva: Según Lambert “la perspectiva es el arte de representar

sobre una superficie plana el efecto de solidez, distancia y tamaño relativo.”

(1999:32). Como explica el licenciado Velásquez en su libro La imagen como

fenómeno semiótico, el artista crea estímulos sucedáneos ya que a pesar de que

dé la impresión de profundidad y dimensión no importa la distancia a la cual se

observe siempre se verá el mismo ángulo del dibujo. (2012:29)

1.2.2 Según Lambert (1999) otro problema es que la mayoría de los dibujos se

realizan como trabajos preliminares. Por esta razón a menudo se necesita

transferirlos a otra superficie, ya sea para que el artista pueda seguir elaborando

sus ideas o a fin de obtener un dibujo para trabajar en otro medio. (32)

1.3. La utilidad del dibujo

Lambert expresa que “ningún dibujo se produce teniendo como finalidad solamente su

propia imagen, todos se han realizado con una segunda intención.” (1999:109) La de

comunicar por medio de un conjunto de signos las ideas del artista.

Según Velásquez en su libro de Teoría de la mentira (2009) un dibujo es signo en la

manera en que el autor materializa lo que quiere transmitirnos y quien lo ve lo interpreta

según el contexto cultural e histórico en el que se encuentra.

2. Pintura

La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de

pigmentos de color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared, etc. La pintura es

una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las seis Bellas Artes. La

historia de esta consta desde la prehistoria hasta la actualidad e incluye todas las

representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que coinciden con la

historia del arte en su contexto histórico y cultural. Los autores como Platón ,Aristóteles 

y Horacio afirmaron que el arte es siempre una mímesis (…). (2012)

2.1 Géneros Pictóricos (2012)

2.1.1 Pintura histórica: Pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos,

literarios o alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y

mostraba un mensaje intelectual o moral.

2.1.2 Retrato: El retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un lado,

representa a una persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al

fin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona.

2.1.3 Pintura de género: Es el retrato de los hábitos de las personas privadas en

escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar

pintura costumbrista.

2.1.4 Paisaje: Temas de cuadros campestres, cielos cargados de nubes, como los

molinos de viento, ganados y barcas de pesca, imágenes panorámicas de la

ciudad.

2.1.5 Naturaleza muerta: Es el género más representativo de la imitación de la

naturaleza de objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como

frutas, flores, comida, utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc.

2.1.6 Desnudo: Consiste en la representación del cuerpo humano desnudo.

2.2 Técnicas Pictóricas (2012)

2.2.1 Óleo: La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado

seco, mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. El óleo

puede ser utilizado sobre un muro, Óleo sobre tabla. Óleo sobre lienzo,

Óleo por veladuras. (1981: 18)

2.2.2. Pintura Mural: Un mural es una imagen que usa de soporte un muro o pared..

La piedra o el ladrillo es el material del que está hecho este soporte.

2.2.3 Cera: El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes, es densa y

cremosa.

2.2.4 Acuarela: La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores

diluidos en agua. (1981: 343)

2.2.5 Témpera: La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene

una porción de talco industrial o blanco de zinc.

2.2.6 Acrílico: La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que

los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola

vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son

resistentes a la misma.

2.2.7 Pastel: Utilización de unas barras de colores cuyos pigmentos en polvo están

mezclados con la suficiente goma o resina para que queden aglutinados y

formen una pasta seca y compacta.

2.2.8 Temple: Creado con una mezcla de agua, clara y yema de huevo y aceite.

(1981: 4)

2.2.9 Tinta: La presentación de la tinta, también llamada tinta china, es

generalmente líquida aunque también puede ser una barra muy sólida que se

debe moler y diluir para su uso.

2.2.10 Estarcido: El estarcido, también llamado esténcil es una técnica artística de

decoración en que una plantilla con un dibujo recortado es usada para aplicar

pintura, lanzándola a través de dicho recorte, obteniéndose un dibujo con esa

forma.

2.2.11 Grabado a media tinta: Es un tipo de estampación realizado por el método

del grabado en hueco que logra reproducir matices y claroscuros

2.2.12 Fresco: La técnica del fresco se basa en un cambio químico. Los pigmentos de

tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa

reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de

calcio. (1981: 5)

2.2.13 Grisalla: Es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma en

claroscuro, el color está hecho de una mezcla de óxidos de hierro y de cobre y

de un fundente, que produce la sensación de ser un relieve escultórico.

2.2.14 Aerografía: Una técnica de aplicación por aspersión o difuminación del área

de pintura sobre una superficie u objeto y es similar a la aplicación por spray

en la confección de los grafiti, pero en este caso, utiliza una herramienta

denominada aerógrafo para su aplicación.

2.2.15 Puntillismo: El puntillismo consiste en colocar puntos pequeños esféricos de

colores puros.

2.2.16 Dripping: El dripping es una pintura automática, hecha con gotas y

salpicaduras de pintura.

2.2.17 Lienzo: Los más usados son los provenientes de fibras vegetales como el

cáñamo, el lino, el yute con tramado fino o el algodón, todos se presentan con

grano fino o grueso según el resultado que quiera el artista de su trabajo,

2.2.18 Cobre: No es un soporte muy común, pero fue usado principalmente en

láminas muy delgadas. El tamaño normalmente pequeño de estas planchas

hace pensar que los artistas que las emplearon, las habían reciclado de antiguos

grabados.

2.2.19 Vidrio: Realizado en objetos (jarras, vasos) con esmalte que una vez

decorados en frío, debe ser sometido, para su fijación al soporte, al calor del

horno con una temperatura inferior a la fusión del vidrio.

2.2.20 Flammagrafía: Consiste en pintar los cuadros a través de una llama de fuego.

Cuando hablamos de pintura debemos adentrarnos en ella y poder apreciarla, ya que

ella está fuertemente convencionalizada e institucionalizada, y para apreciar este arte no es

suficiente solo el uso del sentido común, ya que son más que trazos y colores que están

estratégicamente colocados y definidos por una época en su contexto cultural,

socioeconómico e histórico.

3. El graffiti

Breve historia

Jorge Méndez nos cuenta que el graffiti tuvo sus inicios en los años 60, en Nueva York bajo

la influencia de la música hip-hop. El pionero del graffiti era de origen Griego que se hacía

llamar TAKI 183, pero su nombre real era Dementrius. TAKI183 trabajaba como

mensajero y pintaba su firma en todos los sitios en los que entregaba documentos.

El graffiti comenzó con un estilo de letras contrastadas con color que dieron inicio a los

primeros tags con outline (línea de borde), estas más adelante se perfeccionaron dando

como resultado firmas más gruesas y coloreadas que se denominan “bubble letters (letras

pompa). Posteriormente se crearon los thtos up o vomitadas que se caracterizan por ser

creadas con rapidez. Block letter es el graffiti mas legible.

Uno de los graffitis que se ubican en el umbral superior son los de tipo wild style, el

graffitero fue motivado por la obsesión de popularidad. (Jorge Mendez, Consultado el día

29 de agosto del 2012, http://www.valladolidwebmusical.org/graffiti/historia/01intro.html).

3.1 Se considera que el graffiti cuenta con dos divisiones las cuales son, graffitis

tipográficos y graffitis icónicos.

Los grafitis tipográficos son considerados como tags (firmas), estos únicamente cuentan

letras.

Los tipos de graffiti más destacados son los de tipo wild style, Throw Up, Bubble Letter y

3D. Los de tipo wild style cuentan con subdivisiones que son: Wild style simetric y wild

style tribal. (Randrup Maximo, 2009: 34).

Los graffitis icónicos son todos aquellos que en su contenido se encuentran personajes,

comics, dibujos animados, son todos los que no cuentan con tipografía.

3.2 Alex Camaro Silva (2007) Clasificación del graffiti según su contenido:

Informativos y contra informativos: utilizan códigos verbales en donde explícitamente

informan algo sin ninguna retorica.

Mixtos y de equilibrio: existe armonía entre ala imagen y el texto, además contrasta con el

sitio en donde esta dibujado el graffiti.

Mirada irónica: son creados con un efecto estético que nos haga sentir una emoción a partir

de un estimulo visual.

3.3 Graffiti abstracto

Jorge Méndez señala que es el punto en el que el graffiti pierde su identidad, está ubicado

en el grado más extremo. Este se crea con aerosol pero lo único que lo identifica como

graffiti es haber sido creado por un graffitero. En ocasiones únicamente se pierde la forma

de las letras, por lo que sería un icono de colores, rellenos y degradados.

3.4 Rasgos comunes en el graffiti

3.4.1 La forma

3.4.2 Relleno

3.4.3 Borde

3.4.4 Fondo

3.4.5 La nube

3.4.6 Powe line

3.4.7 Brillo

3.4.8 Destello

3.4.9 3D

3.4.10 Remates

3.4.11 Conexiones

3.4.12 Flechas

3.4.13 Firma del autor

3.4.14 Inscripciones

3.5 Utensilios

3.5.1Aerosol

3.5.2Spray

3.5.3Boquillas

3.5.4Rotuladores

3.5.5Brochas

3.5.6Tizas

3.5.7Rodillo

3.6 Graffiti y publicidad

Crispin Starwell, en su sitio web

(http://www.todoelcolor.cl/2011/06/street-art-graffiti/graffiti-vandalismo-y-publicidad/)

señala que el graffiti y la publicidad tienen muchas cosas en común. Ambos transmiten sus

mensajes ocupando el espacio público, de hecho ambos son omnipresentes e inevitables. En

el mejor caso ambos alcanzan la excelencia, ambos son arte, aunque a menudo no sean

nada más que un ruido irritante y pueril.

Pero también existen diferencias importantes. La publicidad está diseñada para manipular

gente, en tanto el graffiti es una forma de pura auto-expresión. La publicidad es fomentada

por las autoridades. El graffiti es ilegal. Y he aquí la diferencia que hace que todas las

demás cobren pleno sentido: dinero. (Crispin Starwell. 2003

http://www.todoelcolor.cl/2011/06/street-art-graffiti/graffiti-vandalismo-y-publicidad/

Del libro de Crispin Sartwell “Extreme Virtue: Leadership and Truth in Five Great

American Lives”. Albany: State University of New York Press, 2003.

4. El Body Art

Es un arte conceptual que surgió de la “corriente más reflexiva minimalista que

privilegiaba los componentes minimales de la obra por encima de sus procesos de

ejecución/fabricación”2. Con la aparición del body art surgió la reflexión del papel que

jugaban el autor y su construcción y se redefinen las condiciones de receptividad y el papel

del observador. De ello surge la idea de utilizar el cuerpo humano de una forma escultórica

o pictórica, para realzar las diferentes ideas de una forma distinta al lienzo de papel y

pintura. El body art traza una idea de arte revolucionaria que puede llegar a expresar, de

manera trascendental, los sentimientos, pensamientos e ideas reflejadas en sociedad.

5. El Body Painting

El body painting, surge desde que el hombre primitivo lo utilizaba para establecer límites

diferenciales dentro de las distintas tribus diferentes. Hoy, es tomado como un arte efímero

(Méndez Fajardo, M. Eugenia (2003:39)), debido a que se recurre a este arte para

celebraciones y es pasajero, ya que su tiempo es de lo que dura la festividad y el material es

previsto con un destino fugaz y pasajero. Un ejemplo claro es el de la utilización del body

painting en la publicidad. Es otra expresión de índole rebelde, es despliegue del body art, al

ser el cuerpo el lienzo a utilizar para recrear las ideas con pintura. Es una forma distinta de

arte, utilizado en su mayoría, por grupos sociales que salen del patrón común de

2 http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lap/sanchez_m_r/capitulo2.pdf. Esta página fue visitada el 24 agosto 2012, a las 11:34.

idiosincrasia y muestran formas rebeldes, como cuando la comunidad rockera celebra sus

festivales (entrevista, 19.8. 2012) o bien, también se utiliza por grupos sociales con una

idiosincrasia muy establecida y muy difícilmente obstruida, como la celebración de bodas

de una persona hindú. El modo de ver este arte, dependerá mucho del contexto social en

donde este es representado.

6. El tatuaje

Es un arte antiguo, que surge con la historia del ser humano, en muchas culturas es

utilizado como simbolismo o ritual, o como una forma de señalar y marcar a los criminales

(Marina Kastan (2008)). De allí que el tatuaje es visto como un tipo de subcultura, que no

es bien aceptada y mal interpretada, por esos indicios de violencia que utilizan ciertos

grupos sociales que los utilizan como una marca de sus actos delictivos (entrevista, 19.8.

2012). Pero también cuenta con prácticas culturales que son vistas como un ritual o

símbolo, muchas veces de pureza e ideología espiritual, como en China o Japón (A. Fisher,

Jill, Tattooing The Body, Marking The Culture, 24.8.2012). El tatuador lo ve como un arte

en el cual se plasman los sentimientos de la persona y estos son revelados por medio de

tinta corporal permanente, porque puede ser que sean sentimientos profundos y no pueden

ser expresados con palabras o bien se desean tener todo el tiempo para ser recordados

(entrevista, 19.8. 2012), de igual forma, aseguran que es una forma rebelde de

manifestaciones ideológicas, al no ser bien vistas por nuestras sociedades occidentales, y

algo muy profundo, con representaciones simbólicas importantísimas para culturas

orientales (entrevista, 19.8. 2012) . De la forma que sea, el tatuaje es un arte corporal que

expresa formas culturales, que bien o mal vistas, proporciona una herramienta para el

estudio de sociedades y su evolución.

Tanto el body art, el body painting y el tatuaje, al tratarse de textos y códigos icónicos que

poseen una significación que representa reglas y convenciones establecidas, y luego estas

son comunicadas por medio de signos, creando así, instituciones, motivaciones y haciendo

historia en la sociedad en la cual son emitidos.

Más allá de una forma estructural de presentar este tipo de arte, realizado directo en el ser

humano, existe una denotación y connotación muy importante, que conecta al artista con la

persona-lienzo, y luego esta trasciende al ser expuesta en sociedad, despojándose de

mostrar algo superficial a mostrar una idea, un pensamiento o sentimiento de la realidad

reflejado en el texto que el artista y la persona-lienzo tienen en común. Se puede estudiar

un tatuaje, un body painting o un arte corporal, porque le interesa descubrir lo que estos

actos de comunicación transmiten y estos son fenómenos que muestran significación y

códigos, decodificando esto de una manera trascendente, con principios filosóficos y

estructuras científicas. Además, con el estudio semiótico de estos tipos de arte pictóricos se

puede ayudar a otras ciencias, como a la antropología en el estudio de la historia del ser

humano, a la psicología en los cambios de la psique del hombre e incluso a la materia del

arte, con aportes de la evolución que este ha tenido.

Reseña

Dibujo

Según Lambert “la palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que significa

designar, señalar.” (1999:3). “Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como

delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del material con

que se hace”. (1999:4)

El dibujo es una de las derivaciones de las imágenes pictóricas. El dibujo por lo tanto

cumple con las características de un texto pictórico, que según Zunzunegui las establece

como: “manualmente producido, único y que ofrece una visión estática del tema que

represente”. (2007:113)

Según Lambert (1999) el dibujo es parte del lenguaje no verbal ya sin mediar palabras,

podemos transmitir ideas que todos entienden de modo grafico, “Hay dibujos que son

reconocidos dentro de una cultura” (1999:7), esto gracias a la fuerte convencionalidad que

poseen ciertos dibujos.

Técnica

ANEXOS

Superficies del dibujo: Según Lambert, “la textura y color de las superficies de los

materiales sobre los que se realizan los dibujos influyen en el modo de trabajar del

dibujante, el efecto que este produce y la respuesta de quien lo contempla.” (1999:9)

Instrumentos y medios: Según Lambert, “estos producen diferentes efectos los cuales se

pueden obtener a partir de las características de los materiales. (1999:10)

Convenciones del Dibujo

Como dice Zunzunegui, a pesar de que “cada artista crea su propia y particular semiótica”

al dibujar (2007:114), existen ciertas convencionalidades de las cuales todos los dibujantes

se rigen bajo ciertas reglas, como por ejemplo:

Trabajar en perspectiva: Como explica el licenciado Velásquez en su libro La imagen como

fenómeno semiótico, el artista crea estímulos sucedáneos ya que a pesar de que dé la

impresión de profundidad y dimensión no importa la distancia a la cual se observe siempre

se verá el mismo ángulo del dibujo. (2012:29)

Según Lambert (1999:32) otro problema es que la mayoría de los dibujos se realizan como

trabajos preliminares. Por esta razón a menudo se necesita transferirlos a otra superficie, ya

sea para que el artista pueda seguir elaborando sus ideas o a fin de obtener un dibujo para

trabajar en otro medio.

La utilidad del dibujo

Lambert expresa que “ningún dibujo se produce teniendo como finalidad solamente su

propia imagen, todos se han realizado con una segunda intención.” (1999:109) La de

comunicar por medio de un conjunto de signos las ideas del artista.

Semiología de la Imagen

El Dibujo

Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.

Pp 3-125

Resumen: La palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que significa

designar, señalar. Técnica: Uno de los apartados se centra en la textura y color de las

superficies de los materiales sobre los que se realicen los dibujos. El segundo apartado se

centra en los medios e instrumentos que se emplean para hacer dibujos. Convenciones del

dibujo: El problema más importante que debe resolver un artista es como crear el efecto de

la visión binocular y para tratar este tema se han desarrollado varios métodos de

perspectiva. Otro problema es transferirlo a otra superficie. Utilidad: Ningún dibujo se

produce teniendo como finalidad solamente su propia imagen, todos se han realizado con

una segunda intención.

Semiología de la Imagen

El Dibujo

Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.

Pp 3-125

Paráfrasis: Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura e

imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del material con que se hace. El

dibujo es el lenguaje universal ya que, sin mediar palabras, podemos transmitir ideas que

todos entienden de modo grafico, no tiene limitaciones de de idioma, ni edad o tiempo y es

cotidiano. Hay dibujos que son reconocidos dentro de una cultura. Ningún dibujo se

produce teniendo como finalidad solamente su propia imagen, todos se han realizado con

una segunda intención, la de comunicar algo.

Semiología de la Imagen

El Dibujo

Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.

Pp 3-125

Comentario: Según la autora del libro el dibujo significa tanto el arte que enseña a

dibujar, como delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre

del material con que se hace. Comentario: es indudable que el dibujo además de ser una de

las técnicas más antiguas y la que el ser humano aprende y utiliza para comunicar sin

necesidad de palabras; posee un valor artístico privilegiado ya que tiene una particular

resistencia a la reproducción, ya que implica necesariamente la perdida, siquiera parcial de

algunas de sus cualidades (degradaciones y/o alteraciones cromáticas). Hay dibujos que

son reconocidos dentro de una cultura y fuertemente convencionalizados, en ellas se utiliza

el lenguaje grafico como un modo directo y eficiente de transmitir un mensaje. El artista

cuando dibuja crea su propia y particular semiótica las cuales a partir de un análisis

podemos determinar las distintas connotaciones que el artista quiso transmitir.

Semiología de la Imagen

El Dibujo

Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.

Pp 3-125

Cita textual: Según Lambert “la palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare,

que significa designar, señalar.” (1999:3) “Dibujo significa tanto el arte que enseña a

dibujar, como delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre

del material con que se hace”. (1999:4) “Hay dibujos que son reconocidos dentro de una

cultura” (1999:7) “la perspectiva es el arte de representar sobre una superficie plana el

efecto de solidez, distancia y tamaño relativo.” (1999:32). “ningún dibujo se produce

teniendo como finalidad solamente su propia imagen, todos se han realizado con una

segunda intención.” (1999:109)

Semiología de la Imagen

El Dibujo

Lambert, Susan. 1999 “El Dibujo Técnica y Utilidad” Madrid: Tursen-Hermann Blume.

Pp 3-125

Mixta: Según Lambert “la palabra dibujo deriva de un vocablo latino: designare, que

significa designar, señalar.” (1999:3) - Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar,

como delineación, figura e imagen ejecutada en claro y oscuro que toma nombre del

material con que se hace. El dibujo es el lenguaje universal ya que, sin mediar palabras,

podemos transmitir ideas que todos entienden de modo grafico, no tiene limitaciones de de

idioma, ni edad o tiempo y es cotidiano. “Uno de los apartados se centra en la textura y

color de los superficies de los materiales sobre los que se realicen los dibujos. El segundo

apartado se centra en los medios e instrumentos que se emplean para hacer dibujos.”

(1999:32). - Ya que esto influye en el modo en el que trabaja el dibujante y el efecto que

produce en quien lo contempla. Distintos materiales producen distintos efectos. “Ningún

dibujo se produce teniendo como finalidad solamente su propia imagen, todos se han

realizado con una segunda intención.” (1999:109) – la de comunicar algo.

Esquema con ideas principales y secundarias

Dibujo

Técnica

Superficies del dibujo Instrumentos

Convenciones del dibujo

Perspectiva Métodos de transferencia

Utilidad

Reseña

Pintura

La pintura es el arte y técnica de crear imágenes a través de la aplicación de pigmentos de

color sobre una superficie, sea papel, tela, madera, pared. La pintura es una de las

expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las seis Bellas Artes. (2012)

Géneros Pictóricos (2012)

Pintura histórica: Pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o

alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y mostraba un mensaje

intelectual o moral.

Retrato: El retrato tiene una ubicación ambigua e intermedia, por un lado, representa a una

persona hecha a semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar

la vanidad de una persona.

Pintura de género: Es el retrato de los hábitos de las personas privadas en escenas

cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar pintura costumbrista.

Paisaje: Temas de cuadros campestres, cielos cargados de nubes, como los molinos de

viento, ganados y barcas de pesca, imágenes panorámicas de la ciudad.

Naturaleza muerta: Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de

objetos inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios

de cocina, de mesa, libros, joyas etc.

Desnudo: Consiste en la representación del cuerpo humano desnudo.

Técnicas Pictóricas (2012)

Óleo: La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado en

la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal. El óleo puede ser utilizado sobre un muro,

Óleo sobre tabla. Óleo sobre lienzo, Óleo por veladuras. (1981:18)

Pintura Mural: Un mural es una imagen que usa de soporte un muro o pared. La piedra o

el ladrillo es el material del que está hecho este soporte.

Cera: El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes, es densa y cremosa.

Acuarela: La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua.

(1981: 343)

Témpera: La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene una porción

de talco industrial o blanco de zinc.

Acrílico: La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los

pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica,

generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma.

Pastel: Utilización de unas barras de colores cuyos pigmentos en polvo están mezclados

con la suficiente goma o resina para que queden aglutinados y formen una pasta seca y

compacta.

Temple: Creado con una mezcla de agua, clara y yema de huevo y aceite. (1981: 4)

Tinta: La presentación de la tinta, también llamada tinta china, es generalmente líquida

aunque también puede ser una barra muy sólida que se debe moler y diluir para su uso.

Estarcido: El estarcido, también llamado esténcil es una técnica artística de decoración en

que una plantilla con un dibujo recortado es usada para aplicar pintura, lanzándola a través

de dicho recorte, obteniéndose un dibujo con esa forma.

Grabado a media tinta: Es un tipo de estampación realizado por el método del grabado en

hueco que logra reproducir matices y claroscuros

Fresco: La técnica del fresco se basa en un cambio químico. Los pigmentos de tierra

molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa reciente de cal y arena,

mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. (1981:5)

Grisalla: Es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma en claroscuro, el color

está hecho de una mezcla de óxidos de hierro y de cobre y de un fundente, que produce la

sensación de ser un relieve escultórico.

Aerografía: Una técnica de aplicación por aspersión o difuminación aérea de pintura sobre

una superficie u objeto y es similar a la aplicación por spray en la confección de los grafiti,

pero en este caso, utiliza una herramienta denominada aerógrafo para su aplicación.

Puntillismo: El puntillismo consiste en colocar puntos pequeños esféricos de colores puros.

Dripping: El dripping es una pintura automática, hecha con gotas y salpicaduras de

pintura.

Lienzo: Los más usados son los provenientes de fibras vegetales como el cáñamo, el lino,

el yute con tramado fino o el algodón, todos se presentan con grano fino o grueso según el

resultado que quiera el artista de su trabajo,

Cobre: No es un soporte muy común, pero fue usado principalmente en láminas muy

delgadas. El tamaño normalmente pequeño de estas planchas hace pensar que los artistas

que las emplearon, las habían reciclado de antiguos grabados.

Vidrio: Realizado en objetos (jarras, vasos) con esmalte que una vez decorados en frío,

debe ser sometido, para su fijación al soporte, al calor del horno con una temperatura

inferior a la fusión del vidrio.

Flammagrafía: Consiste en pintar los cuadros a través de una llama de fuego.

Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 03:59,

agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658.

Resumen: La pintura data desde la prehistoria hasta la actualidad e incluye todas las

representaciones realizadas con diferentes técnicas, cambios y géneros pictóricos, que

coinciden con la historia desde su contexto histórico y cultural. La pintura es una

representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes

orgánicas o sintéticas. Dentro de la pintura podemos encontrar los siguientes Géneros

Pictóricos: Pintura histórica, retrato, pintura de género, paisaje, desnudos y naturaleza

muerta. También podemos encontrar las diferentes técnicas, por medio de las cuales

llegamos a los géneros antes ya mencionados, las cuales son: Óleo, pintura mural, cera,

acuarela, témpera, acrílico, pastel, temple, tinta, estarcido, grabado a media tinta, fresco,

aerografía, grisalla, puntillismo, dripping, lienzo, cobre, graffitti, vidrio y flammagrafía.

Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 03:59,

agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658.

Comentario: El autor aporta que la pintura es el arte de la representación gráfica

utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas.

En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de

composición pictórica. (…) La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una

superficie una técnica determinada, para obtener

una composición de formas, colores, texturas, dibujo, etc. dando lugar a una obra de arte

(…). La pintura es una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las

seis Bellas Artes. El autor pretende con esto darnos una nueva perspectiva al arte, no solo

verlo y decir “que bonito” sino apreciar la pintura, disfrutarla., El autor trata de esta

manera el tema debido a que si no la gente no se interesaría en saber, difundir y apreciar

Comentario: El autor aporta que la pintura es el arte de la representación gráfica

utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas.

En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de

composición pictórica. (…) La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una

superficie una técnica determinada, para obtener

una composición de formas, colores, texturas, dibujo, etc. dando lugar a una obra de arte

(…). La pintura es una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las

seis Bellas Artes. El autor pretende con esto darnos una nueva perspectiva al arte, no solo

verlo y decir “que bonito” sino apreciar la pintura, disfrutarla., El autor trata de esta

manera el tema debido a que si no la gente no se interesaría en saber, difundir y apreciar

Mayer, Ralph. (1981). Materiales y Técnicas del arte. [Libro en línea]. Consultado el día 15

de Agosto de 2012 de la World wide web: http://books.google.com.gt/books?id=xkQqs7-

b03wC&pg=PR12&lpg=PR12&dq=arte+y+sus+tipos+y+tecnicas&source=bl&ots=AoY8K2

M65J&sig=O_jqZTuzA83CD5NLYw-

H7NpQlCE&hl=es&sa=X&ei=JfcRUJPFBqaU7AHKnIH4AQ&ved=0CDYQ6AEwAQ#v=o

nepage&q&f=false

Paráfrasis: De acuerdo con Mayer (1981), el estudio de los materiales artísticos y su

aplicación a las diversas técnicas pictóricas abarca un número de materias interrelacionadas.

En cuanto a la pintura, se realiza mezclando pigmentos con un líquido que sirve de vehículo

para el color, influye en gran parte la base sobre la cual se aplicara y la naturaleza de la

superficie. (1981: 2)

Podemos encontrar distintos tipos de pintura como: Pintura al temple, pintura fresca, pintura

al óleo, pintura con yema de huevo, acuarela, gouache, pintura encáustica, pintura mural y

pastel, para llevarlas a cabo debemos hacerlo muy equilibradamente para no cometer errores

sobre ella, también encontramos según Mayer lo que es una clasificación de pigmentos

inorgánicos (Tierras naturales: ocre, sombra natural, etc. Tierras naturales calcinadas: sombra

tostada, siena tostada, etc. Colores minerales de preparación artificial) y orgánicos

(Vegetales: gutagamba, rubia, índigo, etc. Animales: cochinilla, amarillo indio, etc.

Materiales orgánicos sintéticos). (1981: 27-28)

Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 03:59,

agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658.

Cita textual: La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad

Contemporánea, e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas

y cambios, que coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural. “Los

géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación

artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las

dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte. Los autores

como Platón ,Aristóteles  y Horacio afirmaron que el arte es siempre una mímesis (…).”

(1984: 1074).

Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de

consulta: 03:59, agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?

title=Pintura&oldid=59403658.

Mayer, Ralph. (1981). Materiales y Técnicas del arte. [Libro en línea].

Consultado el día 15 de Agosto de 2012 de la World wide web:

http://books.google.com.gt/books?id=xkQqs7-

b03wC&pg=PR12&lpg=PR12&dq=arte+y+sus+tipos+y+tecnicas&source=bl&ot

s=AoY8K2M65J&sig=O_jqZTuzA83CD5NLYw-

H7NpQlCE&hl=es&sa=X&ei=JfcRUJPFBqaU7AHKnIH4AQ&ved=0CDYQ6A

EwAQ#v=onepage&q&f=false

Mixta: La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea,

e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que

coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural.

Los autores como Platón ,Aristóteles  y Horacio afirmaron que el arte es siempre una

mímesis “imitación de la naturaleza como fin esencial del arte” (…).” (Historia Universal

del Arte-V.8 1984: p.1074). Dentro de la pintura podemos encontrar los siguientes

Géneros Pictóricos: Pintura histórica, retrato, pintura de género, paisaje, desnudos y

naturaleza muerta. También podemos encontrar las diferentes técnicas, por medio de las

cuales llegamos los géneros antes ya mencionados, las cuales son: Óleo, pintura mural,

cera, acuarela, témpera, acrílico, pastel, temple, tinta, estarcido, grabado a media tinta,

fresco, aerografía, grisalla, puntillismo, dripping, lienzo, cobre, graffitti, vidrio y

flammagrafía.

La pintura es una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las

seis Bellas Artes.

Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 03:59,

agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Pintura&oldid=59403658

Mixta: La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea,

e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que

coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural.

Los autores como Platón ,Aristóteles  y Horacio afirmaron que el arte es siempre una

mímesis “imitación de la naturaleza como fin esencial del arte” (…).” (Historia Universal

del Arte-V.8 1984: p.1074). Dentro de la pintura podemos encontrar los siguientes

Géneros Pictóricos: Pintura histórica, retrato, pintura de género, paisaje, desnudos y

naturaleza muerta. También podemos encontrar las diferentes técnicas, por medio de las

cuales llegamos los géneros antes ya mencionados, las cuales son: Óleo, pintura mural,

cera, acuarela, témpera, acrílico, pastel, temple, tinta, estarcido, grabado a media tinta,

fresco, aerografía, grisalla, puntillismo, dripping, lienzo, cobre, graffitti, vidrio y

flammagrafía.

La pintura es una de las expresiones artísticas humanas más antiguas y una de las

seis Bellas Artes.

PINTURA

Representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. La historia de esta consta desde la prehistoria hasta la actualidad e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que coinciden con la historia del arte en su contexto histórico y cultural.

Géneros Pictóricos: Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte. El arte es siempre una mímesis y que su mérito está en el valor didáctico de lo que representa y su buena representación.

Pintura histórica.

Retrato.

Pintura de género.

Paisaje.

Naturaleza muerta.

Desnudo.

Técnicas Pictóricas: Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos en el soporte a pintar. 

Óleo.

Témpera.

Acrílico.

Pastel.

Temple.

Estarcido.

Grabado a media tinta.

Fresco.

Grisalla.

Aerografía.

Dripping.

Cobre.

Mayer, Ralph. (1981). Materiales y Técnicas del arte. [Libro en línea]. Consultado el día 15

de Agosto de 2012 de la World wide web: http://books.google.com.gt/books?id=xkQqs7-

b03wC&pg=PR12&lpg=PR12&dq=arte+y+sus+tipos+y+tecnicas&source=bl&ots=AoY8K

2M65J&sig=O_jqZTuzA83CD5NLYw-

H7NpQlCE&hl=es&sa=X&ei=JfcRUJPFBqaU7AHKnIH4AQ&ved=0CDYQ6AEwAQ#v

=onepage&q&f=false

PINTURA

Tipos de pintura.

Al temple.

Pintura Fresca.Pintura al óleo.

Pintura con Yema de huevo.

Acuarela.

Gouache.Pintura encáustica.

Pintura mural.

Superficie: La pintura se hace mezclando pigmentos (colores en polvo) con un líquido que sirve de vehículo para el color, como se verá, hay muchos elementos que contribuyen al mayor o menor grado de facilidad con que se puede manipular o controlar una pintura.

Técnicas

Reseña

El graffiti

Breve historia

Jorge Méndez nos cuenta que el graffiti tuvo sus inicios en los años 60, en Nueva York bajo

la influencia de la música hip-hop. El pionero del graffiti era de origen Griego que se hacía

llamar TAKI 183, pero su nombre real era Dementrius. TAKI183 trabajaba como

mensajero y pintaba su firma en todos los sitios en los que entregaba documentos.

El graffiti comenzó con un estilo de letras contrastadas con color que dieron inicio a los

primeros tags con outline (línea de borde), estas más adelante se perfeccionaron dando

como resultado firmas más gruesas y coloreadas que se denominan “bubble letters (letras

pompa). Posteriormente se crearon los thtos up o vomitadas que se caracterizan por ser

creadas con rapidez. Block letter es el graffiti mas legible.

Uno de los graffitis que se ubican en el umbral superior son los de tipo wild style, el

graffitero fue motivado por la obsesión de popularidad. (Jorge Mendez, Consultado el día

29 de agosto del 2012, http://www.valladolidwebmusical.org/graffiti/historia/01intro.html).

3.2 Se considera que el graffiti cuenta con dos divisiones las cuales son, graffitis

tipográficos y graffitis icónicos.

Los grafitis tipográficos son considerados como tags (firmas), estos únicamente cuentan

letras.

Los tipos de graffiti más destacados son los de tipo wild style, Throw Up, Bubble Letter y

3D. Los de tipo wild style cuentan con subdivisiones que son: Wild style simetric y wild

style tribal. (Randrup Maximo, 2009: 34).

Los graffitis icónicos son todos aquellos que en su contenido se encuentran personajes,

comics, dibujos animados, son todos los que no cuentan con tipografía.

3.2 Alex Camaro Silva (2007) Clasificación del graffiti según su contenido:

Informativos y contra informativos: utilizan códigos verbales en donde explícitamente

informan algo sin ninguna retorica.

Mixtos y de equilibrio: existe armonía entre ala imagen y el texto, además contrasta con el

sitio en donde esta dibujado el graffiti.

Mirada irónica: son creados con un efecto estético que nos haga sentir una emoción a partir

de un estimulo visual.

3.3 Graffiti abstracto

Jorge Méndez señala que es el punto en el que el graffiti pierde su identidad, está ubicado

en el grado más extremo. Este se crea con aerosol pero lo único que lo identifica como

graffiti es haber sido creado por un graffitero. En ocasiones únicamente se pierde la forma

de las letras, por lo que sería un icono de colores, rellenos y degradados.

3.3 Rasgos comunes en el graffiti

La forma propia de la pieza (por decirlo de alguna manera su alma o para materializarlo

más, su esqueleto).

El relleno (visible o no), es decir un borde de unas letras en color en una pared blanca tendría como relleno de la letra el propio blanco.

El borde, que es lo que define la forma de la letra. A veces visible (en un wild style) o a veces invisible (en un estilo 3d).

El fondo, que a veces será la propia pared (diremos que no tiene fondo) y otras tendrá uno o varios colores.

La nube, que es un plano de color detrás de las letras pero que no rodea toda la superficie alrededor (pueden ser formas circulares, cuadrados, estrellas y un sinfín de formas).

Power Line, una línea exterior al contorno que, generalmente sirve para separar la pieza del fondo.

Brillo, líneas que dentro del relleno de la letra van pegadas o semipegadas al borde exterior de la misma.

Destello, que puede formar parte o no de los brillos e intenta emular un destello de luz.

3D, que puede ser de muchas clases: a un color o a varios, con colores planos o degradados, con puntos, opacos, del mismo color que el borde, pueden ser también a modo de sombra paralela, llegar hasta el suelo, etc.

Remates, como los serif en las tipografías románicas, son pequeños adornos que no definen la forma de la letra pero si la estilizan, la compensan o la hacen más estable.

Conexiones, son formas que unen unas partes de la letra con otras pero no forman parte de las letras (a veces si). Su finalidad es entrelazar las letras.

Flechas, que las puede haber de muchos tipos. A veces forman parte de la propia letra y otras solo como elementos aislados o a modo de adorno, a veces salen de las conexiones y otras de los remates. Otras veces forman parte del fondo, etc.

Firma del autor, ya que a veces lo que pone en la pieza no es el nombre del autor, sino una frase o palabra, por lo que éste coloca su firma para dar a conocer su autoría.

Inscripciones que complementan la pieza, como grupos a los que pertenece, dedicatorias,

año, etc. Pueden ir a modo de tag o bien formar un subconjunto de letras más modesto que

el principal.

3.5 Utensilios

Aerosol

Spray

Boquillas

Rotuladores

Brochas

Tizas

Rodillo

3.6 Graffiti y publicidad

Crispin Starwell, en su sitio web

(http://www.todoelcolor.cl/2011/06/street-art-graffiti/graffiti-vandalismo-y-publicidad/)

señala que el graffiti y la publicidad tienen muchas cosas en común. Ambos transmiten sus

mensajes ocupando el espacio público, de hecho ambos son omnipresentes e inevitables. En

el mejor caso ambos alcanzan la excelencia, ambos son arte, aunque a menudo no sean

nada más que un ruido irritante y pueril.

Pero también existen diferencias importantes. La publicidad está diseñada para manipular

gente, en tanto el graffiti es una forma de pura auto-expresión. La publicidad es fomentada

por las autoridades. El graffiti es ilegal. Y he aquí la diferencia que hace que todas las

demás cobren pleno sentido: dinero. (Crispin Starwell. 2003

http://www.todoelcolor.cl/2011/06/street-art-graffiti/graffiti-vandalismo-y-publicidad/

Del libro de Crispin Sartwell “Extreme Virtue: Leadership and Truth in Five Great

American Lives”. Albany: State University of New York Press, 2003.

Jenny Marcela Bautista H. (2008, 13 de mayo). Consultado el día 29 de agosto del 2012 de la world wide web: http://www.slideshare.net/periodista/graffiti-402892

Ficha de paráfrasis:

Según Jenny Bautista, el graffiti tiene como característica el anonimato, esto se debe a que los graffiteros buscan su identidad individual, y con esto obtener el reconocimiento al poder expresarse sin mostrar el rostro ni el nombre.

Con el graffiti se eliminan los procesos tradicionales de comunicación y sus receptores.La cultura “underground” propone medios alternativos de comunicación/ información para dar a conocer lo que el gobierno manipula y oculta. (Jenny Bautista, 2008)

Ficha de cita textual:

“Los graffiti eran utilizados para diversos fines: ideas políticas, expresión de ideologías.

Pero lo que hoy en día llamamos graffiti nació como una marca personal para poder decir

“yo estuve aquí”. Evolucionaron y con la aparición de nuevos materiales como los

aerosoles, se empezaron a hacer formas y dibujos más complejos e imponentes, con

colores y diferentes estilos.” (Knop, 2009, p. 55).

Knop, Fabiola (2009), Creación y producción en diseño y comunicación (libro en línea). Consultado el día 25 de agosto de 2012 en world wide web: http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/archivos/139_libro.pdf

Randrup, Maximo (2009). El graffiti tiene la palabra. Tesis de licenciatura en comunicación social inédita. Universidad nacional de la plata. Argentina, Buenos Aires.

Ficha mixta:

Nicholas Ganz nos dice que “el graffiti -término que proviene del italiano sgraffio, arañazo‟- ha existido desde el principio de la historia del hombre”. *

Desde la antigüedad existió gente que creyó necesario transmitir símbolos o mensajes a través del espacio público, haciéndolo de modo ilegal, clandestino o no oficial, señala Emilio Petersen. (Petersen, Emilio. El graffiti en Buenos Aires)

Los graffitis de frases están creados para comunicar a través de la escritura, quienes los crean no tienen la intención de ser reconocidos, su intención es transmitir una idea, marcar un territorio y dejar su huella. (Randrum Maximo, 2009, p. 34).

*Ganz, Nicholas. Graffiti. Arte urbano de los cinco continentes. Barcelona, Editorial Gustavo Gili, 2004.

Ficha de resumen:

El graffiti tuvo sus inicios en los años 60, en nueva york con un joven de origen griego que se hacía llamar TAKI183 pero su nombre real era Demetrius.

Entre los graffitis tipográficos se pueden encontrar los de estilo wildstyle, los cuales son que requieren de mayor convención para poder ser entendidos.

En la división del graffiti icónico encontramos a personajes, comics, dibujos animados y retratos. A esto se le llamo master pieces o piezas maestras.

Entre los rasgos comunes de los graffitis encontramos la forma, relleno, borde, fondo, power line, brillo, remates, entre otros. Entre los utensilios destacan los rotuladores, brochas, tizas, rodillos, boquillas, spray y el más utilizado, el aerosol.

Jorge Luis Méndez (2002). Consultado el día 29 de agosto del 2012 de la world wide web: http://www.valladolidwebmusical.org/graffiti/historia/01intro.html

Camaro Silva, Alex Didier (2007), El graffiti: una manifestación urbana que se legitima. Tesis de máster en diseño. Universidad de Palermo. Buenos Aires, Argentina.

Ficha de comentario:

Actualmente, el graffiti debe ser observado como denuncias hacia el gobierno, presenta la problemática de la sociedad. Por esta razón no debe tomarse el arte callejero como algo ilegal, se requiere de una segunda mirada para poder descifrar estos textos icónicos y así entender que el graffiti es una forma de expresión y protesta, es también arte ya que tiene un nivel de estética muy alto.

El graffiti

Breve histori

a

Divisiones del

graffiti

Clasificación del

graffiti

Graffiti abstract

o

Rasgos comune

s

Utensilios del

graffiti

Graffiti y publicida

d

° Icónico

° Tipográfico

° Informativo - contra informativo

° Mixto y de equilibrio

° Mirada irónica

° La forma° Relleno° Borde° Fondo° La nube° Power line° Brillo° Destello° 3D° Remates° Conexiones° Flechas° Firma del autor° Inscripcione

° Spray

° Aerosol

° Boquillas

° Rotuladores

° Brochas

° Tizas

Reseña:

El body art, es el arte de utilizar el cuerpo humano para realizar textos

icónicos con tinta, materiales reciclados, arcilla, pintura, etc. Este tipo de

arte inicia en los años 60, gracias a una manera de rebelión social

existente. El body art dejó de seguir patrones estéticos en las obras de

arte y se torno minimalista y conceptual.

Dentro del body art cabe mencionar dos ramas importantes, ya que su

historia data desde los inicios del hombre, se trata del body painting y el

tatuaje corporal. Amabas son importantes debido a la huella que han

dejado a través de los siglos. Estas se utilizaban para marcar a las

tribus, rituales, símbolos o bien, para marcar a los criminales de distintas

sociedades.

Con el paso del tiempo, el body painting y el tatuaje se tornaron en

formas de expresión de los grupos rebeldes, que necesitaban una forma

de comunicar sus ideas de una forma distinta y fuera de lo común. Hoy

en día, estas formas de arte pictórico demuestran interesantes procesos

semiósicos, que demuestran de qué forma las sociedades van

trascendiendo en la creatividad de presentar su idiosincrasia, y de cómo

esta se rebela contra algunos estereotipos impuestos por sociedades

antecesoras, como el de “torturar” la piel con una aguja y tinta o pintar

y exhibir un cuerpo desnudo.

Fichas

Mixta:

Semiología de la imagen

http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lap/sanchez_m_r/

capitulo2.pdf, Esta página fue visitada el 24 ago 2012, a las 11:34.

Body art

En los años sesenta, surge el arte conceptual. “Inicia el proceso de

desmaterialización y autorreferencialidad de la obra de arte, con el

enfrentamiento de la estética formalista del arte, el minimalismo

principalmente”(. Artistas conceptuales usaban aspectos semióticos,

feministas y populares. De aquí se desprende el body art o arte del

cuerpo.

En el body art, se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta,

se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o el

molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción

o performance, con una documentación fotográfica o videográfica

posterior. Es en esencia, un arte revolucionario, que permite trascender

en la creatividad de artistas y llevar a crear distintas formas de

desarrollar obras de arte pictóricas como el tatuaje y el body painting.

Resumen:

Semiología de la imagen

Kastan, Marina Claire, "Wearing Your Dreams: Image and Imagination in

the American Tattoo" (2008). Testis de honor - no. Pag. 160.

http://wesscholar.wesleyan.edu/etd_hon_theses/160, visitada el 28 ago

2012, a las 7:30

Fisher, Jill A., Marking Culture. http://es.wikipedia.org/wiki/Body_art. Esta

página fue visitada el 24 ago 2012, a las 11:34. El texto está disponible

bajo la Licencia Creative Commons Atribución Compartir Igual 3.0

El Tatuaje

El tatuaje es tan antiguo como el propio ser humano. Las distintas

culturas que utilizaron el tatuaje lo hicieron de distintas maneras; tanto

como arte, en el sentido de creación de significados rituales o

simbólicos, o para marcar o señalar a los criminales. La

palabra tatuaje posiblemente proviene del samoano “tátau”, que

significa marcar o golpear dos veces, se incorpora al español a través

del francés, tatouage. Los marineros que viajaban por el Pacífico

encontraron a los samoanos, y quienes quedaron fascinados por sus

tatuajes equivocadamente tradujeron la palabra “tátau” como tatuaje.

Un tatuaje es una modificación del color de la piel en el que se crea un

dibujo, una figura o un texto con tinta o con algún otro pigmento bajo

la epidermis de una persona.

Suele verse como una forma de rebeldía en sociedades occidentales y

como una ritualidad y simbolismo en algunas sociedades orientales.

Semiología de la imagen

Méndez Fajardo, M. Eugenia (2003). El diálogo del cuerpo. Pintura

Corporal. Tesis profesional, Universidad de las Américas Puebla,

Cholula, Puebla, México.

Body painting

Es una pintura artística aplicada a la piel y se considera una de las

primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros

antepasados. El hombre prehistórico descubrió la tierra coloreada, el

carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros

pigmentos que tal vez sirvieron, como pinturas de guerra, para

impresionar al enemigo o se utilizaron como señal reconocimiento en la

propia tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo pudo también servir

de camuflaje para la caza. Casi todas las sociedades tribales practicaron

la pintura corporal con ayuda de arcilla o carbón. La pintura corporal

reapareció en Occidente a finales del siglo XX. Se trata de

un arte transitorio, en el que el pintor crea un dibujo sobre su modelo, y

al que se dedican varios festivales.

Las materias utilizadas para fabricar un color pueden ser de origen

vegetal, mineral o animal; carbones, cenizas, jugos y semillas de frutas,

etc. Los pigmentos universalmente más apreciados son el rojo, el negro,

el blanco, y el ocre.

La pintura corporal se practica en la actualidad en las sociedades

occidentales con una finalidad lúdica y decorativa. Parte de su éxito está

en que permite una exposición del cuerpo desnudo que no atenta contra

el sentido del pudor que prevalece en dichas sociedades. En el arte de la

pintura corporal hay que tener también en cuenta los tatuajes efímeros

que los artistas realizan con tintes naturales, como la henna, o con

sustancias químicas no siempre inocuas.

Paráfrasis:

Semiología de la imagen

Body Art

El body art o arte del cuerpo, surge en los años 60, por una corriente

minimalista – conceptual. La cual se sale de todas las reglas estéticas

que seguía una obra de arte común, trascendiendo así con un arte de

tipo revolucionario (Fisher, Jill A., Marking Culture).

En el body art, el principal instrumento de trabajo es el cuerpo humano,

este es tomado como el lienzo de trabajo, en el cual el artista plasma,

con pintura, tallado, dibujo, materiales reciclables, etc., una idea o

concepto que quiera comunicar, y este proceso de comunicación se da

al momento de que el arte final realiza una actuación, o como es

conocida, performance.

Semiología de la imagen

El Tatuaje

La historia del tatuaje es antigua, esta inicia con el ser humano. Las

diferentes culturas antiguas lo utilizaban como simbolismo o ritualismo,

mientras otras lo utilizaban para marcar a los delincuentes dentro de la

sociedad (A. Fisher, Jill, Tattooing The Body, Marking The Culture).

La etimología de la palabra “tatuaje” se deriva del samoano “tátau”,

que significa marcar o golpear dos veces. Esta toma un giro cuando los

franceses comienzan a decir “tatouage” y luego su fonología se torna en

“tatuaje”.

El tatuaje es el arte de insertar tinta bajo la piel, realizando dibujos o

letras, trazadas bajo la dermis, al momento de esta secar, se hace una

tinta de forma permanente en la piel.

Este arte es mal visto por muchas sociedades, en especial las

occidentales y alienadas, por los vandalismos que lo adoptan como

formas de pertenencia e identificación. Pero también es una forma de

ritual y simbolismo en culturas orientales, que ven al tatuaje como una

forma de respeto e ideologías puras y religiosas (entrevista, 19.8. 2012).

Semiología de la imagen

Body Painting

El body painting es un arte antiguo, que utilizaban nuestros ancestros al

descubrir la tiza, el carbón, la sangre de animales y frutos que

manchaban la piel. De esa forma podían distinguir sus grupos (Méndez

Fajardo, M. Eugenia (2003)).

El body painting es una forma de arte lúdica y decorativa que es

utilizado para la expresión de ideas, con la ventaja de presentar al

cuerpo humano desnudo, despojándose de la mente morbosa que existe

dentro de algunas sociedades, pudiendo así presentar el cuerpo como

un arte.

Dentro de esta rama entran los tatuajes efímeros, realizados con henna,

una tinta de larga duración.

Comentario:

Semiología de la imagen

Body art, tatuaje y body painting

Las tres ramas evocan un arte distinto al de tiempos antaños, ya que

han ido evolucionando, a pesar de ser el tatuaje y el body painting tan

antiguas como la historia del ser humano, forman parte de una

revolución de ideologías que se marcan en distintas épocas.

Se puede apreciar de este arte, la necesidad de comunicación de ideas,

de sentimientos, de pensamientos escondidos, que se comunican a

través de una forma compleja, puesto que un texto artístico es muy

propio del autor y, en algunos casos, de la persona que sirve de lienzo

para la realización del texto.

Es muy interesante el saber, que la semiótica puede aportar una gran

cantidad de estudios sobre este tipo de semiosis. Es muy importante

tener conocimiento de que la semiología de la imagen puede abarcar el

arte practicado en el cuerpo de un humano, y, retroalimentar los

aportes que este arte divulga sobre la realidad con semiótica, se

tornaría una tarea completamente exquisita, si es realizada por un

amante del arte en el cuerpo.

Bibliografía

o Mayer, Ralph, 1981. Materiales y técnicas del arte (Libro en línea), Madrid, España.

Tursen Hermann Blume ediciones. Quinta edición.

o Pintura. (2012, 15 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta:

03:59, agosto 15, 2012 desde http://es.wikipedia.org/w/index.php?

title=Pintura&oldid=59403658.

o Historia Universal del Arte. (1984). En wikipedia [Online]. Volumen 8.

o Aerografía. (2012, 18 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de

consulta: 07:45, agosto 18, 2012 desde http://es.wikipedia.org/wiki/Aerograf

%C3%ADa

o Flammagrafía. (2012, 30 de agosto). Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de

consulta: 01:00, agosto 30, 2012 desde http://es.wikipedia.org/wiki/Flammagraf

%C3%Ada

o Méndez Fajardo, M. Eugenia (2003). El diálogo del cuerpo. Pintura Corporal. Tesis profesional, Universidad de las Américas Puebla, Cholula, Puebla, México.

o http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lap/ sanchez_m_r/capitulo2.pdf

o Entrevista realizada a la tatuadora Osmara Rodríguez, el día 19 de agosto del 2012.

o Kastan, Marina Claire, "Wearing Your Dreams: Image and

Imagination in the American Tattoo" (2008). Testis de honor - no.

Pag. 160.

http://wesscholar.wesleyan.edu/etd_hon_theses/160, visitada el 28

ago 2012, a las 7:30

o Fisher, Jill A., Marking Culture.

http://es.wikipedia.org/wiki/Body_art. Esta página fue visitada el 24

ago 2012, a las 11:34. El texto está disponible bajo la Licencia

Creative Commons Atribución Compartir Igual 3.0

o