Los Chachapoyas fueron un reino del oriente peruano que manifiesta un estilo escultórico en sus sarcófagos que se ubican en los puntos mas altos de la geográfía que habitaban:

Los Chancay en cambio no lucen una cerámica escultórica tan avanzada como las culturas del norte, pero muestran calidad en el arte plumario y textil, ejemplos de admirar de sus ceramios son los cuchimilcos que tiene una coloración de técnica negativa, por así decirlo, y que representan a personas ataviadas:

En la Época Imperial Incaica se construye una interconexión entre los Reinos Regionales del área central andina y por consecuencia la cerámica incaica es mas utilitaria para abastecer a la población. Hay muestras interesantes de cerámica, madera tallada, relieves y metalurgia:

Cabe recordar que el embellecimiento de la Ciudad Sagrada de Cusco estuvo a cargo por orfebres del mayor prestigio imperial, los cuales fueron los del Reino Chimor (Los Chimú), pero gran parte de su trabajo, como el disco solar o los jardines de plata y oro del Qoricancha, fueron saqueados cuando la ciudad fue invadida y tomada por los españoles en necesidad de aplacar su ambición por los metales preciosos, esto también alcanzó a otras ciudades incas.

Lo que hasta ahora se ha mostrado es la escultura, pero no de la manera académica puesto que varias de las manifestaciones culturales originarias de las civilizaciones americanas andinas centrales como cerámica, orfebrería, tallado en madera y modelado en piedra se funden entre si, dando respuestas de caráter escultórico muy digno de apreciar.

Ahora pasaremos a otra etapa importante de nuestra historia en cuanto al desarrollo de la

escultura. __________________

Frisos en alto relieve de la huaca del Dragon

El Dios Pachacamac

“La obra escultórica es una realización sólida y concreta que puede proyectarse en tres dimensiones y alcanzar, cuando representa la figura

humana, las más altas calidades de verismo y belleza por reflejar las formas anatómicas con precisión y hacerlo de manera armoniosa por la perfección de proporciones y elocuentes estados anímicos, capaces todos de producir

emociones en los espectadores”. (Jorge Bernales Ballesteros)

La Escultura Occidental proveniente de Europa se introdujo en el virreinato

peruano a partir del S XVI, y fue la ciudad de Lima la

primera en manifestar ciertas dependencias a motivos iconográficos y

motivos europeos hasta que se perfiló, con el transcurrir del tiempo, una escuela con

características propias.

La fuente de inspiración de los artistas que obraron en América fue principalmente España, pero dentro de las ciudades españolas unas

fueron mas influyentes que otras, como el caso de

Sevilla. Sabemos del gran impulso que tuvo para el desarrollo

de las artes esa ciudad; cómo era lógico entender, se daba en ella una conjunción

de estilos propios del devenir artístico europeo.

La fuente de inspiración de los artistas que obraron en América fue principalmente España, pero dentro de las ciudades españolas unas

fueron mas influyentes que otras, como el caso de

Sevilla. Sabemos del gran impulso que tuvo para el desarrollo

de las artes esa ciudad; cómo era lógico entender, se daba en ella una conjunción

de estilos propios del devenir artístico europeo.

El arte gótico aún en el S XVI continuaba siendo la base del desarrollo y expresión, sobretodo en lo que a imaginería religiosa se refiere, pero el estilo preferido fue el renacentista, a pesar de las dificultades que en sí mismo conllevaba por ser eminentemente clásico en sus cánones.

Sevilla expandió su arte a través de sus puertos gracias a su comercio con América. Sus artistas encontraron en este tráfico una posibilidad de ingresos, una clientela lejana y exigente que beneficiaba a los talleres de pintores y escultores locales, favoreciendo la producción de imágenes que repetían los temas fundamentales de la fe. Este movimiento condujo en poco tiempo al desarrollo del manierismo.

El estilo renacentista que se desarrollo en América

tuvo peculiaridades que lo hicieron un tanto

diferente al Renacimiento Italiano. Se basó

fundamentalmente en una tradición castellana y andaluza con especial

intención de expresar un contenido que, en el caso

de las imágenes religiosas, quería plasmar

el ideal cristiano.

En el proceso de la Conquista de América, se observa claramente que las expresiones artísticas

revalorizan la figura humana a través de la representación de

personajes religiosos.

Este sentir se basa fundamentalmente en las costumbres y el entorno cultural que caracterizan al sur español del S XVI, en el que se distinguen tres periodos de claro desarrollo escultórico:

a) La introducción de ideas y formas renacentistas que se conjugaban con la tradición gótica y mudéjar.

b) El desarrollo de la escultura española propiamente dicha, que fusiona elementos italianos y góticos bajo el signo de religiosidad hispana.

c) La etapa manierista en la que se perciben sentimientos de libertad e imaginación a través de las obras producidas por artistas italianos en España y también en América

Otro tema pertinente es el de las escuelas artísticas en Andalucía, ya que solo se aceptaban las escuelas de Granada y Sevilla con sus respectivos influjos y variables que, en el caso de la escultura, solo se aprecian en la

etapa manierista.

Escuela Andaluza

Los materiales utilizados en América para la escultura fueron los mismos en España. Algunas

diferencias se perciben en el tipo y calidad usadas por un sector de la población española; mientras que las tallas producidas en Sevilla eran de cedro, ciprés

y alcerce , en Lima eran: cedro, caoba y pino.

LOS MATERIALES

Cristo de la Clemencia

Las imágenes tienen historias distintas, no son un mero correlato de sus altares. Forman por sí mismas un proceso autónomo del proceso artístico. Con frecuencia fueron piezas traídas de España y ensambladores locales tuvieron que adaptar sus trabajos a ellas; de allí que las efigies sean por lo común, mas antiguas que sus retablos o capillas, y hayan sobrevivido por motivos económicos y la continuidad en el culto, a sucesivos cambios de gusto.

Los escultores de madera hicieron imágenes individuales o para retablos de talla completa. Entre los principales

instrumentos para lograr las tallas figuran gubias, espigas de la propia madera, clavos y grapas de hierro. Unidas las

piezas, se componía la figura, se hacía el aparejo, se cubría con yeso y colas, y se pulía para el dorado y policromado

El pintor añadía el yeso con brochas (plastecía), y

aplicaba el bol (arcilla fina) a las partes por

cubrir con vestimentas y una ligera capa de yeso y

albayalde a las manos, pies, cuello y rostro.

Luego se aplicada el dorado (proveniente de doblones castellanos de 23 quilates) o la

plata para continuar las tareas de estofado (pintar sobre el dorado), picado grabado o

esgrafiado (extraer el dorado con un garfio y componiendo figuras). Por último se

encarnaban y pulían las partes descubiertas para obtener visos de naturalidad en tonos

mates o brillantes.

Cumplió en América una función evangelizadora-catequizadora. Los habitantes de Sevilla fueron los mas acérrimos difusores de La Pasión y la Virgen, y América el reflejo de esta intención. Las imágenes de difusión fueron expresiones de dolor y de ternura, y las normas datan de 1563 (Concilio de Trento)En Lima, el Arzobispo Toribio de Mogrovejo incorporó estos puntos en los concilios limenses y los jesuitas difundieron el culto de los santos y de las reliquias con retablos.

SIGLO XVI

Se puede diferenciar, en las escultura que se desarrolló en América, durante este siglo dos períodos claramente diferenciados:

a) La etapa Inicial.b) Desarrollo de un escuela adscrita al estilo manierista.

En ambas etapas, escultores y obras de procedencia Sevillana tuvieron importante significación. No debe dejar de mencionarse la producción de escultores indígenas que se incorporaron a estas tareas, primero, como expertos canteros que colaboraron en las labores de relieve escultóricos de carácter decorativo y, luego, los trabajos de imaginería.

En el llamado primer periodo, las obras provienen de España y también de Flandes. La mayoría de ellas sirvieron de base para la instalación de talleres artísticos, para atender a los conquistadores y a las órdenes religiosas en la fundación de templos y conventos.

A este período pertenece la Virgen de la asunción, nombrada por el Papa Juan Pablo II Virgen de la Evangelización (1985), titular de la Catedral de Lima, obra encargada en 1551 por Doña Francisca, hija de Pizarro, al escultor flamenco Roque de Balduque para el retablo mayor de la Catedral de Lima.

De la mano del mismo autor es la Virgen del Rosario del templo de Santo Domingo de Lima, Virgen patrona de la orden dominica, tallada en 1558, por encargo del obispo fray Domingo de Santo Tomás.

Virgen de la asunción

De este período son los talleres de escultura en los que maestros sevillanos o castellanos conducían los trabajos de aprendices, entalladores, alarifes e imagineros, entre los que figuran Cristóbal de Ojeda, autor de la sillería del coro de la iglesia de San Agustín y del retablo mayor, Alonso Gómez, Diego Ortiz de Guzmán, Juan Bautista Guzmán autor de retablos con escultura para la parroquia de San Marcelo y la Iglesia de San Agustín, y Melchor de Sanabria, autor del retablo para Santa Ana.

SIGLO XVII

Durante este periodo, también emigran a Lima artista y obras que anuncian un cambio en el estilo, una apertura al realismo patrocinada por Juan Martínez Montañés. En esta tendencia destacaron Martín de Oviedo, autor del retablo de la Cofradía de Nuestra Señora de la Piedad (1601) en colaboración con el dorador Cristóbal de Ortega, y Martín Alonso de Mesa y Villavicencio, quién participó en la ejecución de varios retablos, así como en la sillería del coro de la Catedral de Lima en 1624-26 (obra que inaugura el barroco colonial), el retablo mayor de San Agustín (en la que participó bejarano, discípulo de Mateo Pérez de Alesio), cuatro santos para el Hospital de la Ciudad, Las andas para la Candelaria de San Francisco, el retablo mayor de las monjas bernardas de La Trinidad, el retablo mayor de San Marcelo.

Mención especial merece la obra de Juan Martínez Montañés, quien influyó a toda una generación. Una activo núcleo de escultores, que seguían a este maestro, florecía en Lima en pleno S XVIII. Entre ellos figuraban artistas andaluces y criollos que intervinieron en la decoración de la Iglesia de San Pedro en Lima, como es el caso de Pedro Muñoz de Alvarado, contemporáneo y eventual colaborador de Noguera, quién, a fines de 1630, recibió del Padre Francisco Gómez el encargo de concluir con las imágenes de San Miguel Arcángel y San Ignacio de Loyola que se estaban policromando.

San Jerónimo

Indígenas, mestizos y criollos se formaron al lado de un escultor emigrado o adoptaron la plástica de la época. Sus obras tuvieron un sensibilidad propia, con modelos y composiciones que siguieron los modelos

europeos, pero con características peculiares, con un paso decidido hacia

el realismo y expresionismo del barroco,

con movimiento grácil y desenvuelto, con pliegues elegantes y contrastados, con una policromía que les

da a las imágenes una riqueza singular.

Muchos maestros que se alojaron en la capital del virreinato se dedicaron a elaborar imágenes de Jesús crucificado con fines evangelizadores. El Cristo de la contricción es obra atribuida a Martín Oviedo.

Melchor Caffa, escultor de origen maltés y de la escuela romana. El remitió a América algunas obras, entre las que destaca El tránsito de Santa Rosa (1699), ejecutada en mármol de Carrara con exquisita delicadeza, que revela su inspiración en Santa Teresa de Bernini. Si bien la ejecución es europea, esta obra esta incluida entre las piezas mas importantes de la Iglesia Santo Domingo en Lima.

El Transito de Sta Rosa de Lima

La construcción de La Fuente de la Plaza Mayor, hecha por orden del Virrey Don García Sarmiento de

Sotomayor, Conde de Salvatierra, duró, según refiere Mugaburú, un

año y el año corrió por primera vez el 8 de septiembre de 1651. Antonio Rivas fue el fundidor de la fuente y

el diseño perteneció a Pedro Noguera. El alarife Juan de Mansilla

sería el autor de la cañería que conduciría el agua desde el

reservorio vecino al Colegio de Santo Tomás. Remata la fuente de estilo barroco con El Ángel de la Fama,

cuya imagen se dañó en 1900, por lo que se colocó en su lugar una aguja, piña y botón de loto. Hoy luce en el

lugar para el que se había destinado.

La sillería del coro de San Agustín fue encargada a Noguera en 1620. Se le pidió que fuera de estructura simple con altos respaldos y relieves de apóstoles y

santos de la orden. La obra fue dañada parcialmente con el terremoto de 1678, por lo que le hicieron agregados

décadas mas tarde. Hoy se aprecia dividida entre el coro y el museo.

La sillería de la Catedral, diseñada por Luis Ortiz de Vargas

1623 y ejecutada por Pedro de Noguera con motivos

ornamentales renacentistas, es de estilo barroco y de gran

uniformidad en su arquitectura y decoración. Los relieves

escultóricos de los respaldos pertenecen a Alonso de Mesa y es cabeza de serie de otras sillerías y cajonerías de años posteriores. En el S XVIII sufrió agregados y , en el S XIX, en su restauración, se le sumaron 22 sitiales y fue cambiada de ubicación. Ha sido

considerada, con toda propiedad, como una de las obras maestras

de la escultura en el Perú.

A este periodo pertenece la sillería del coro del Templo de Santo Domingo, anterior a 1620, con 47 relieves de notables

composiciones manieristas. Destaca entre ellos el abrazo entre San Francisco y Santo Domingo.

Durante la segunda mitad del S XVII la escultura no evolucionó a la par de la arquitectura, el triunfo de los ensambladores postergó las

labores de los escultores, y los talleres limeños, que se habían destacado en un momento, fueron decayendo.

«La restauración es una de las cienciassociales que permite intervenir en los bienes culturales a

través del conocimiento que surge del estudio científico de su materialidad, de su historia, de sus valores estéticos,

científicos, históricos y sociales y de los intangibles que les dieron origen, así como de la función para la cual fueron creados para que una vez documentados, investigados,

catalogados, conservados y restaurados puedan ser disfrutados y transmitidos a las futuras generaciones en la mas plena integridad y autenticidad alcanzable en nuestro

tiempo.»

METODOLOGÍA PARA LA CONSERVACIÓN DE RETABLOS DE MADERA POLICROMADA

La conservación y restauración son intervenciones necesarias para conservar y potenciar los valores de un bien cultural y recuperar las funciones que se solicitan del proceso.

Enfrentarse a la definición de una metodología para la intervención, obliga a:

«estimar las alteraciones sufridas, ya se trate de simple pátina o de verdaderas desfiguraciones o destrozos, y el diagnóstico se basa al mismo tiempo, en el conocimiento objetivo de la evolución de las materias y en la idea supuesta de su aspecto original, fundándose está, a su vez, sobre la experiencia de las obras en su realidad estética y material» (Philippot , 1966).

GENERALIDADESGENERALIDADES

ESCULTURA

El arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra, madera u otro material. Es una de las Bellas Artes en la cual el artista se expresa mediante volúmenes y espacios. La escultura es el arte plástico propiamente dicho pues es el arte de modelar figuras y reproducir objetos de bulto. En él, se incluían antiguamente todas las artes alfareras, las de talla y cincel junto con las de fundición y moldeado

TIPOS DE ESCULTURA

Busto: Sólo representa la cabeza. Torso: Le falta la cabeza, piernas, brazos. Sedente: Sentada. Yaciente: Tumbada. Orante: De rodillas. Ecuestre: A caballo.De grupo: Como su nom-bre lo indica

Altorrelieve: la figura sobresale más que la mitad de su grueso. Medio relieve: sobresale la mitad. Bajorrelieve: sobresale menos de la mitad. Hueco relieve: no sobresale del plano del fondo.

ALGUNOS EJEMPLOS :

Escultura ecuestre

Escultura de busto

Escultura de conjunto

Alto relieve Alto relieve : antes y después de su restauración: antes y después de su restauración

FUNCIONES

METODOLOGÍA DE ESTUDIO TECNOLÓGICO DE METODOLOGÍA DE ESTUDIO TECNOLÓGICO DE LA ESCULTURALA ESCULTURA

El proyecto de investigación La base de datos documental. Catalogación y descripción de materiales. La investigación sobre Tecnología y Trabajo de materiales.

Involucra la identificación y caracterización de la naturaleza química del material usado, las transformaciones que ha sufrido durante su vida en uso como resultado de las interacciones con el medio ambiente y como respuesta al propio vicio inherente.

Y … ¿QUÉ HACEMOS CON ESTO?

USO DE IMAGENOLOGÍA

Estado inicial Estudio imagenológico Luego de la restauración

ESTUDIOS NO DESTRUCTIVOS

Sección transversal de una micromuestra tomada de un brocado aplicado sobre un fondo de policromía original. Se observa la siguiente superposición de capas:1) material de relleno del brocado;2) hoja de estaño que conforma el brocado; 3) adhesivo del pan de oro;4) lámina de oro, y 5) capa pictórica que contiene azurita de formamayoritaria.

Sección transversal de una micromuestra tomada de una zona de repolicromía de la carnación.

Se observa la siguiente superposición de capas:

aparejo; 2 y 3) capas pictóricas de la policromíaoriginal; 4) nuevo aparejo; 5) Capa aislante de cola de origen animal;6) repolicromía, y 7) barniz.

EXAMEN DE LA ESCULTURA

ESQUEMA DE INVESTIGACIÓN DE DETERIORO ENTOMOGÉNICO

ESTADO DE CONSERVACIÓN: PATOLOGÍAS

El ataque entomológico se ha llevado a cabo por insectos coleópteros de ciclo larvario, como el Anobium punctatum y el Hylotrupes bajulus.

La policromía puede presentar levantamientos generalizados de la película pictórica y múltiples pérdidas de color, cuya causa principal de alteración, fue debida a la elevada humedad existente antiguamente. Ahora bien, de todas las capas de color, son las carnaciones las que poseen una mayor estabilidad frente al paso del tiempo.

Carbón depositado sobre superficie policromada

Detalle del proceso de eliminación de repinte sobre un brocado aplicado.

Composición, forma y movimiento