Estilo Joyero Nro 75 - Agosto 2014

1Agosto 2014 G Estilo Joyero G

AÑO XIV Nº 75 AGOSTO 2014

PUBLICACION BIMESTRAL DEL COMPLEJO EDUCATIVO DE JOYERIA

2 G Estilo Joyero G Agosto 2014


MariaBanus75 (EJ).pdf 1 7/1/14 5:19 PM


DIRECTOR / PROPIETARIODamián Hernán Wasser

PRODUCCION GENERAL Y FOTOGRAFIA

Damián Wasser

ASISTENTE DE REDACCIONMaría Lacal

ARTE, DISEÑO Y DIAGRAMACIONVerónica Borsani

ADMINISTRACIONGraciela Porto

PUBLICIDADTel.: (11) 4901-1212 Cel.: 15-3000-3686

[email protected]

Impreso en LATINGRAFICA S.R.L.Prohibida la reproducción

parcial o total. Tirada: 2.500 ejemplares.

STAFF

PIEZAS DE TAPA ChrosisCollar de plata con ónix.Ver aviso en pag. 13

FOTOGRAFIA Damián Wasser

v nuestra tapa

sumario 75

18 actualidad 20 homenaje a Lion Offer

24 técnica Acabados de superficie en anillos

Electroformingpara la fabricación

de piezas huecas

44 v técnica

Joyería y orfebreríaen la mesopotamia

56 v historia

v índice38 curiosidades Joyería lúdica con bloques de juguete 40 emprendedores Amar las joyas

60 galería Futuros talentos en el CEJ

66 cej Calendario Marzo 2014

Fulco di VerduraEl joyero más chic

del siglo XX

30 v personajes

50 v entrevistaCuarenta años

en treinta mates


Escudo Nacional por Patarca en el Hernández

G El sábado 12 de Julio, en el marco de su muestra “40 años

de oficio en 30 mates”, Emilio Patarca realizó la donación

de una “Gran placa ornamental con el Escudo Nacional” al

Museo de Arte Popular José Hernández, de la Ciudad Autóno-

ma de Buenos Aires. Este escudo fue diseñado por Patarca y

cincelado por el público asistente a su muestra durante los 8

sábados previos. El Maestro Orfebre participó activamente de

esta tarea, y los visitantes pudieron dar un golpe de cincel a la

placa, con la guía de los alumnos de la “Escuela de Orfebrería

Argentina Emilio J. Patarca”.

Esta pieza de gran tamaño e importancia, pasa a ser parte

del patrimonio del museo y de la Ciudad de Buenos Aires,

que no es la primera vez que recibe la donación de una pieza

del destacado orfebre, quien ya ha donado ejemplares de sus

mates y otras piezas de su creación.

actualidad

Biennale des Antiquitaires 2014

GEn septiembre de este año, trece de las mejores marcas

de alta joyería estarán presentes en la edición número 27

de la Exposición Bienal de Antigüedades de París. Este evento

es algo así como las olimpiadas de las joyas, donde se podrán

encontrar marcas como Cartier, Bulgari y Dior.

Como en cada una de las últimas ediciones, un gran dise-

ñador es el encargado de la puesta en escena, y en esta opor-

tunidad estará a cargo del estupendo decorador de interiores,

Jacques Grange. El decorado estará inspirado en los jardines

de Versalles, que será realizado por las manos de los mismos

jardineros del Trianon.

El Grand Palais de París abrirá sus puertas del 11 al 21 de

septiembre para que los visitantes puedan apreciar algunas de

las joyas más deslumbrantes del mundo.

Como para tener una idea de lo que será este evento, para

dar cuenta de un dato, Cartier informó que presentará 148

piezas de alta joyería y 12 objetos preciosos, además de una

selección de artículos de la colección Cartier Tradition.

v La puesta en escena de Karl Lagerfeld en la edición 2012.

v Una de las piezas destacadas que presentará la firma Cartier.v Los alumnos de la escuela de Patarca terminando el escudo.


Proyecto “Florecer”: Una sociedad filantrópica

GEn mayo pasado trascendió que la empresa Gemfields ha

iniciado un proyecto filantrópico para la ayuda de jóvenes

mujeres estudiantes de la India. En sociedad con el Proyecto

Nanhi Kali (que en castellano significa “pequeño brote”), la

campaña apunta a recaudar fondos y generar conciencia res-

pecto de la importancia de la educación y tiene como objetivo

a las niñas de la India de los sectores menos privilegiados.

La idea es proveerle a este grupo social y a sus familias,

los medios necesarios (útiles, libros y uniformes) para que

puedan llevar adelante los estudios. Las estadísticas informan

que un asombroso 50% de las niñas de la India no consiguen

completar su educación como consecuencia de su situación

social y económica, y el Proyecto Nanhi Kali, en conjunto con

el proyecto “Florecer” tienen la esperanza de mejorar esta

situación.

Junto a Gemfields, la empresa líder en provisión de gemas

de color de fuentes responsables, el proyecto ha convocado a

una decena de joyeros destacados de la India para que creen

piezas únicas y hermosas, engarzadas en esmeraldas de

Zambia y rubíes de Mozambique, las cuales se subastaron el

pasado 6 de Junio en Christie’s Mumbai y cuyas ganancias se

espera puedan dar ayuda a más de 2000 niñas.

Un diamante azul excepcional

GLos diamantes azules son bastante raros, y encontrar

uno que pese más de 100 quilates, mucho más. Tal fue el

descubrimiento reciente de la empresa Petra Diamonds, en la

mina Cullinan, donde fuera encontrado el famoso diamante

que hoy forma parte de las joyas de la Corona Británica. Pero

este no es el único dato. Si este diamante alcanzara el mismo

valor por quilate que la última piedra azul extraída de esta

mina y subastada este año por la cifra de 508.000 libras el

quilate, llegaría aproximadamente a los 62 millones de libras,

lo que sería un precio record a pagar por una piedra en bruto.

Para llevarlo a una medida más corriente y comprensible,

esta piedra de 122.5 quilates, pesa tan solo unos 25 gramos,

pero si tomamos en cuenta que los diamantes centrales más

comunes suelen pesar un quilate, podemos entender que este

es un diamante colosal. Es por eso que este diamante está

custodiado en una locación secreta de Sudáfrica, a la espera

de ser subastado, para luego ser cortado, pulido y transforma-

do en una gran joya.

La mina Cullinan es reconocida como la más importante

del mundo, y es famosa por haberse encontrado allí, en 1905,

al diamante más grande del mundo hasta el momento, el

famoso Diamante Cullinan de 3.106 quilates.


Hace 9 años llegué a una oficina ubicada sobre la calle Lavalle, a un lugar llamado Osaka. Quién diría que al abrirse esa puerta iba a encontrar a quién fue y será una persona tan importante en mi vida, mi querido jefe Lion Offer.

En realidad no sé bien cómo transmitir la inmensa personalidad de quién también fue mi amigo. Recuerdo que, al principio, cuando me hablaba me costaba enten-derlo por su acento. Un extranjero al que le encantaba Argentina. Fue una persona muy recta y honesta. Traba-jador incansable, con una fuerza interior admirable que mantuvo hasta el último instante de su vida. Un grande de verdad. Yo no se muy bien de dónde sacaba esa fuer-za. Aún no teniéndola decía: “hay que seguir”. “Pero Lion ¿que le anda pasando?”, le preguntaba, y con su mirada inteligente contestaba, “la edad, me pasa”, con esa sabi-duría que le dio la vida, a fuerza de levantarse una y otra vez de los embates y combates (fue coronel en Europa) que le fueron sucediendo en sus casi 90 años.

¡Cuántas cosas aprendí de él! Recuerdo cómo me explicaba todo lo relacionado a las perlas; ¡si supieran cómo las quería! “Es naturaleza, es algo que vive”, decía, mientras sus ojos brillaban ante lo que él consideraba la joya más hermosa del mundo. Siempre dispuesto a ayudar, a enseñar, a explicar con una paciencia infini-ta a quien se acercara a preguntarle lo que fuera. Pero también tenía su carácter, ¡si habremos discutido! Debo confesar que nunca fuimos una dupla de trabajo conven-cional. Yo lo quería como un abuelo, como a alguien muy cercano a mi. ¡Dios mío!, ¿cómo no querer a quién me abrió las puertas de su alma y su corazón, no sólo de su negocio, sino de sus pensamientos y sentimientos? Me

Por Anabella Onorato

Un sentido adiós a Lion Offer

homenaje

dio la oportunidad de conocerlo y no hay un solo día de mi vida que no le agradezca a Dios por eso.

Lion era profesional. Tenía palabra. Tenía honor. Te-nía trayectoria. Tenía el respeto de sus colegas. Más de 50 años al frente de Osaka, su mundo. Orgulloso, Lion abría su oficina todos los días, compartiendo conmigo su vasto conocimiento y haciéndome reír con sus ocurrencias (al escribir esto, su maravillosa risa resuena en mis oídos). Recuerdo un día en que Daniel -uno de los vendedores al que él quería mucho- le dijo respecto de una persona, “hay que tener cuidado porque es “bicicletero”, refirién-dose a alguien que da muchas vueltas para pagar, y mi querido jefe le contestó, “ah, si, anda mucho en bicicle-ta”, con una inocencia que no es de este planeta.

Así era Lion, sensible, humano, pero fuerte y con ca-rácter. Quién tuvo la posibilidad de conocerlo, sabe de qué hablo. Fue una luz en esta vida. Seguramente estará en su pedacito de cielo, que bien ganado lo tiene. Lo voy a extrañar mucho. Gracias mi jefe lindo, mi amigo, te quiero. Ya nos volveremos a encontrar.

v Lion Offer, titular de la joyería OSAKA

v De izq. a der.: Lion junto a su equipo: Daniel, Anabella y Marcela


L El acabado de la alianza suele ser la última etapa en el proceso de confección, antes que la alianza esté lista para utilizar. Es el tratamiento que reci-birá la superficie exterior del anillo, para darle el último toque estético, y puede cambiarle drásti-

camente el aspecto la elección de un acabado u otro. Pero no sólo el acabado alterará la estética de la pieza, ya que la aleación y el formato también jugarán un papel muy importante en el resultado final. Las decisiones que se to-men en este sentido, deberán reflejar el estilo y preferen-cias personales de la pareja. Si bien no es necesario que ambas alianzas sean idénticas, en general se recomienda, como mínimo, que el formato y el metal elegido para am-bas alianzas sean iguales.

PULIDOEl pulido es el acabado más popu-

lar entre los consumidores de alian-zas, ya que proporciona el aspecto más clásico y tradicional. Este aca-bado se caracteriza por su brillo y se consigue luego de pulir la pieza a mo-

G Al momento de casarse, las parejas salen a la búsqueda de ese par de alianzas único y especial. Buscan algo que los represente y que puedan llevar para siempre como homenaje de su unión. En respuesta a esto, el mercado se ha adaptado, encon-trando nuevas alternativas para los novios más exigentes.Texto Natalia Calabrese Castro

Acabados de superficie en alianzas

técnica

tor con paño grueso, para eliminar las rayas, y luego con paño fino y pasta de brillo para conseguir el aspecto reluciente. De hecho, las alianzas pulidas son tan brillantes que uno puede ver su propio reflejo sobre la misma. Por consiguiente,

las alianzas con este acabado son ideales para enfatizar el lustre del metal.

SATINADO O ARENADOEl satinado es otro acabado muy po-

pular, que brinda una superficie mate muy lisa, pero sin el brillo lustroso del pulido. El satinado emite un suave resplandor, ofreciendo una apariencia suave y sedosa, como el satén, de allí su nombre. Este efecto puede lograrse al frotar la superficie con esmeril de grano fino. Cuanto más fino sea el esmeril utilizado, más suave será la sensación, mientras que un esmeril de gra-no grueso, dejará una superficie más rústica. Otra opción


para lograr este efecto, es el arenado, lo que se logra dis-parando arena a alta presión contra la superficie de la pie-za. Es posible enmascarar aquellas zonas donde se quiera mantener el brillo, y de este modo lograr un diseño que combine pulido y satinado o arenado.

CEPILLADOAl igual que el satinado, el

cepillado deja una superficie carente de brillo, aunque mu-cho más rústica, y con rayas que se pueden sentir al tacto. Da la impresión de que la textura se hubiera aplicado con un cepillo de alambre, dejando pequeñas marcas visibles, y de allí deriva su nombre. Este acabado se usa mucho en alianzas realizadas en metales muy duros, como el tungsteno o el titanio, ya que tiende a disimular posibles rayones accidentales, muy visibles en acabados brillantes.

MARTILLADO O MARTELéPopularizado debido a su apariencia única, el mar-

tillado o martelé es el favorito de muchos. Reconocido por su increíble silueta y su estética inusual, reminicente de las joyas de la edad media, el acabado martillado es utilizado para añadir una textura bien definida al metal precioso de la alianza. Utilizando un martillo de bola o de pena en la superficie exterior de la alianza, el joyero puede crea un aspecto texturizado, diseñado para real-zar la cantidad de luz reflejada por la alianza, logrando una alianza llamativa y única, ya que por ser un proce-so hecho a mano, no habrá dos alianzas que compartan exactamente el mismo patrón.


ACABADO FLORENTINOAplicado por la mano experimentada de un grabador,

las alianzas de acabado florentino presentan figuras li-neales o entrecruzadas a lo largo de la superficie de la alianza.

PUNTEADO O FALSO PAVéEste tipo de textura, bas-

tante evidente tanto al tacto como a la vista, presenta un patrón aleatorio de puntos que cubren toda la superfi-cie del anillo, como si tuviera pequeñas partículas de dia-mante molido adherida a su superficie. Esta textura se logra con un martillo mecá-nico especial colocado como pieza de mano de un torno colgante, el cual golpetea a gran velocidad la superficie a tratar con una punta de diamante.

ESMALTADOEste tipo de acabado permite

la incorporación de todo tipo de diseños y dibujos en color en la superficie de la alianza. Para ello se realiza un bajorrelieve mediante grabado al ácido, bu-ril o pantógrafo, y se aplica una

capa de esmalte que rellena las partes más bajas y deja a la vista el metal más elevado, creando bellos diseños.

técnica

MOkUMé A diferencia de todos los métodos anteriores, el Moku-

mé no es un acabado superficial. Sin embargo, los patro-nes visuales que genera en la superficie de las alianzas son muy originales y únicos. Para conseguirlo, el joyero debe iniciar este proceso antes de la construcción misma de la pieza. La técnica de Mokumé se basa en la super-posición de placas de diferente aleación y color, que por medio de calor y presión se van fundiendo entre si, gene-rando patrones veteados. De allí, el joyero obtendrá una porción de metal texturado que utilizará para dar origen a la pieza definitiva.

LABRADOEl labrado es una

técnica por la cual se pueden grabar todo tipo de diseños sobre la superficie de una alianza. Para ello, la varilla de metal que se utilizará para cons-truir la pieza, se debe pasar por una lami-nadora con un rodillo especial que contiene el diseño a estampar, y que será transferido al metal por medio de presión mecánica.


Nacido en Palermo, Italia, en 1899, Fulco di Santostefano della Cerda, quien luego sería más conocido como el Duque de Verdura o Fulco di Verdura, fue lo más inusual de la aristocracia Siciliana. Pasó su infancia en la

Villa Niscemi, en las afueras de Palermo, en la elegante mansión de su abuela materna rodeada de exuberantes jardines semi-tropicales y lujosas habitaciones decora-das con costosas telas, candelabros y obras de arte. Sede de extravagantes fiestas de disfraces a la cual asistían invitados de la alta sociedad europea y americana. Ade-más, Fulco gozaba de la compañía de otras criaturas ex-travagantes: un par de babuinos y un camello llamado Momo. Es indudable que toda esta estética influenció desde temprano el estilo del artista.

A la edad de 23 años, Fulco di Verdura se convirtió en el Duque de Verdura, tras el fallecimiento de su padre, que fue lo único que heredó. Libre de ir donde quisiera pero financieramente limitado, debía encontrar una pro-

G Cuando la joyería recorría el camino del platino y los brillantes, el Duque de Ver-dura supo transformar la estética de las joyas del momento, creando algunas de las piezas de alta joyería más deseadas del mundo.Texto María Lacal Fotos Cortesía Verdura

Fulco Di Verdurael joyero mas chic del siglo XX

personajes

fesión que le permitiera vivir según los estándares de la nobleza, sin embargo, la aristocracia siciliana no acos-tumbraba a trabajar y Fulco debió mudarse a París, don-de le sería más fácil desarrollarse. Allí tomó un trabajo como vendedor de antigüedades, que consiguió gracias a su íntima amiga Baba Erlanger, pero poco tiempo des-pués conoció a Linda y Cole Porter, que fueron atraídos por el joven y talentoso artista, y se encargaron de intro-ducirlo en su círculo de elite, donde pudo codearse con famosos y adinerados.

En una de las tantas fiestas organizadas en Venecia por los Porter, el duque fue presentado a Coco Chanel, quien lo empleó como diseñador textil, aunque rápida-mente reconoció su pasión y talento para el diseño de joyas. Gabrielle Chanel consideró interesante la posibi-lidad de emplear a un miembro de la nobleza obligado a trabajar. Gradualmente las clientas de Chanel comen-zaron a solicitar piezas de joyería especialmente pensa-das para complementar un vestido, a lo que respondió

v Izq.: Fulco di Verdura junto a Coco Chanel, examinando uno de sus legendarios brazaletes con la Cruz de Malta. Der.: Tapa del catálogo “Essentials of time”, de la firma Verdura


creando una línea de bijouterie a cargo de Fulco di Ver-dura donde prevalecieron los colores y los materiales poco comunes. Chanel le enseñó a Verdura a moldear los componentes en masilla y a jugar con diferentes piedras, hasta encontrar el balance adecuado de forma y color. Fulco luego pasó a diseñar con madera, pegando todo tipo de piedras y cristal de Murano, muchas de ellas pro-venientes de mercados de pulgas.

A modo de inspiración, Chanel y Verdura viajaban frecuentemente y a este último quedó impresionado con el arte bizantino exhibido en el “Musee des Art Decora-tifs” y con la decoración heráldica que pudo ver en el “Musée de la Legion d’Honneur et des Ordres de Cheva-lerie”. Esta experiencia quedaría plasmada más tarde en sus piezas con la Cruz Maltesa la que pasaría a ser uno de los íconos más distintivos de las joyas de Verdura.

Fulco designado como jefe de diseñadores de joyas de Chanel, pero aún así se sentía en las sombras a pesar del respeto que recibía. En 1934 Verdura se sintió prepara-

do para abandonar la compañía y emigrar a los Estados Unidos. Viajó a Hollywood, donde se reunió con Diana Vreeland, clienta de Chanel y posterior editora de Vogue Magazine, quien lo presentó con Paul Flato. Fulco inte-gró el equipo de diseñadores de Flato cuando este abrió una boutique en Hollywood, y creó una línea de joyas muy admiradas bajo la firma “Verdura for Flato”.

Pero el brillo de Fulco di Verdura merecía que fuera protagonista de sus propias creaciones, y en 1939 consi-guió el soporte financiero para independizarse y abrir su propia boutique en Nueva York. El local abrió sus puer-tas en el 712 de la Quinta Avenida, donde antiguamen-te funcionaran las instalaciones de Cartier, nada más y nada menos que el 1º de Septiembre de ese año, día en el cual se declarara el inicio de la Segunda Guerra Mundial en Europa. Verdura se asoció con Joseph Byrd Mann y Joseph Alfano, ambos ex-vendedores de la firma Flato, nombrando al primero como jefe de ventas y para orga-nizar todos los aspectos comerciales del nuevo empren-dimiento. El negocio creció gracias al apoyo financiero de Cole y Linda Porter, sus amigos desde 1926, quienes hicieron todo lo posible por ayudarlo en su carrera. A modo de retribución, Fulco diseñó muchas piezas para ellos, entre las cuales se encuentran una serie de cajas de cigarros que los Porter intercambiaban en cada aper-tura de los shows de Cole. Verdura se hizo famoso por estos artículos tan fabulosos y personales.

En 1939 consiguió el soporte financiero para independizarse y abrir su propia boutique en Nueva York

v Brazaletes de Cruz Maltesa de la colección Hollywoodland en marfil y jade negro.

v Una de las cajas de cigarros de oro rosa que Verdura le regaló a Cole Porter.


Sin embargo, la apertura de su propio negocio en un momento tan desafortunado preocupó a Fulco, no solo por las posibilidades de crecimiento, sino también por su Europa natal. A pesar de los eventos mundiales, sus diseños se convirtieron en un gran éxito y su reputa-ción creció rápidamente, lo que le permitió poco tiempo después, mudar su sede al 421 de Park Avenue, lo que fue celebrado por el New York Times.

En 1941, Fulco se involucró en un proyecto colabo-rativo con el artista surrealista Salvador Dalí, con quién contribuyó en la creación de varias piezas de joyería, incluyendo un broche con rubíes y diamantes llamado “Ameba”. En el mismo año, Verdura produce el broche “Victory Knot” (Nudo de la victoria), su joya más ven-dida, crea un par de gemelos para Cole Porter llamados “Night and Day”, inspirados en la letra de su clásico tema, y abre una sucursal en París sobre la Rue Boissy d’Anglais.

Los éxitos continuaron, hasta el año 1973, cuando vendió la empresa a su socio Joseph Alfano, pero Ward Landrigan, antiguo director de la división de joyería de Sotheby’s USA y admirador de Verdura también se inte-resó por adquirir la empresa. Finalmente lo logró casi doce años más tarde, en 1984, y junto con la firma ob-tuvo un archivo de aproximadamente 10.000 bocetos originales de Verdura, muchos de ellos almacenados de manera desprolija en bolsas de basura.

Verdura había sido un proveedor de joyas sumamente exclusivo con una clientela de primera categoría, pero con una aversión hacia los nuevos ricos y de imposible

acceso para el público, donde las compras se hacían únicamente con cita previa. Pero la experiencia de Lan-drigan en Sotheby’s lo había convencido de que anda-ba suelta una nueva camada de fanáticos de Verdura. A partir de la nueva conducción de la empresa, se repro-dujeron fielmente las piezas más icónicas de Verdura, aunque también se introdujeron nuevas versiones con variaciones del modelo original. Actualmente la conduc-ción de Verdura está a cargo de Nico Landrigan, hijo de Ward, que fue elegido presidente de la firma en el año 2009. El legado de Verdura se mantiene intacto bajo la tutela de Landrigan, y cada pieza se realiza a mano, del mismo modo que se hacía en los tiempos de Fulco. Afor-tunadamente sobrevivieron la mayoría de los bocetos originales de Verdura, los cuales se continúan utilizando.

EL ESPIRITU DE FULCOFulco di Verdura, no solo era un excelso diseñador,

era también un perfeccionista extremo y un hábil dibu-jante. Pasaba sus días bocetando precisos diseños, espe-cificando materiales, tamaños y colores.

Tal vez, uno de los aportes más importantes de Verdu-ra a la joyería fue la incorporación de conchas marinas reales, que adquiría en el Museo de Historia Natural, y que luego incrustaba con oro y piedras preciosas. Estas piezas resultaron muy populares y el nombre de Verdura quedó directamente vinculado a estas, idea que poste-riormente fue tomada por otras firmas de joyería, como Cartier y Tiffany.

Su lista de clientes incluía a las estrellas más des-

personajes

v Pulsera de oro Lily usada por la actriz Marlene Dietrich.

v Broche “Corazón envuelto”. Rubíes cabujón, brillantes y platino. 1949.


v Marlene Dietrich usando el brazalete Lily, creado por Verdura.

v Greta Garbo en la famosa foto de Clarence Sinclair Bull, usando una pulsera de Verdura.

v Broche “Medusa”, creado en colaboración con Dalí en 1941.


75 ANIVERSARIO: EL PODER DEL ESTILO

A fin de este año 2014, la firma Verdura presen-tará una exposición retrospectiva donde destacará alrededor de 150 joyas creadas por el gran joyero Duque Fulco di Verdura. La exhibición será curada por tres íconos internacionales de la moda: Carolina Herrera, su marido Reinaldo y su hija Patricia Lan-sing, quienes fueran amigos personales de Fulco du-rante muchos años y se encuentran en una posición única para contar la historia del diseñador.

“El poder del estilo: Verdura en 75” será la más importante retrospectiva en la historia de la com-pañía y estará abierta desde el 14 de Octubre hasta el 23 de Diciembre, en el 745 de la Quinta Avenida de Manhattan, en una galería adyacente a la casa matriz de la firma. La exposición contará con una selección de las más importantes joyas creadas por Verdura, junto con objetos de arte y una pequeña se-lección de sus mejores bocetos, material de archivo, sus pinturas en miniatura y fotografías antiguas.

“Por treinta años ha sido mi sueño poder compar-tir la genialidad de Verdura con un público más am-plio y conseguir el reconocimiento que se merece como uno de los diseñadores de joyas más influyen-tes del siglo XX. Quiero que la gente conozca a este hombre fascinante, que sepan quién fue y porqué su trabajo lo cambió todo. Los coleccionistas de todo el mundo ya han accedido a prestarnos sus tesoros privados durante los tres meses que durará la mues-tra, y muchos han compartido sus recuerdos de los momentos que pasaron con Verdura”, declaró Ward Landrigan.

La firma recientemente develó algunos de sus pla-nes para la exposición, junto con algunas de las piezas que estarán en exhibición. Entre los objetos estará el majestuoso broche “Medusa”, realizado en colabora-ción con Salvador Dalí, que destaca 13 serpientes de oro amarillo entrelazadas, con ojos engarzados con cabujones de rubí. Las serpientes enmarcan la pintu-ra en miniatura de Dalí, “Medusa”, protegida detrás de una morganita de 73 quilates.

personajes

lumbrantes de Hollywood. Actrices como Garbo, Die-trich, Hepburn y Crawford, conjuntamente con damas de la alta sociedad como la Duquesa de Marlborough, Clare Booth Luce, Gloria Swanson, Barbara Hutton, Diana Vreeland, Jackie Kennedy, la Princesa Graciela de Mónaco, la Duquesa de Windsor y Babe Paley, que se convertiría en su musa años más tarde de abandonar Chanel. Sin embargo, Fulco nunca se casó, y a pesar de haber vivido muchos años en los Estados Unidos, nunca intentó conseguir la ciudadanía.

El Duque de Verdura dedicó su vida al diseño de jo-yas, los cuales dibujaba con gran dedicación y detalle, ta-rea que desempeñó hasta su retiro y se mudó a Londres donde pasó sus últimos años abocado a la pintura. Tras un año con problemas de salud, Fulco murió en 1978 y sus cenizas fueron esparcidas en Sicilia.

Fulco di Verdura nunca olvidó sus orígenes, pero sus aspiraciones estéticas significaron mucho más para él que cualquier título nobiliario. Fue uno de los más im-portantes diseñadores de joyas del siglo XX, y supo com-binar oro amarillo con piedras de colores, en una época en la que la escena de la joyería estaba dominada por el platino y los diamantes. Indudablemente, sus raíces en la aristocracia siciliana influenciaron indirectamente la moda estadounidense a través de sus creaciones. Un he-cho seguramente desconocido para sus clientes ameri-canos, es que la joyería de fines del siglo XIX en Palermo usaba oro amarillo y piedras de color de forma tradicio-nal, estilo que se mantiene especialmente en Italia hasta la actualidad.

Foto

Ant

hony

DeM

arco

v Broche “Garra de León”. Concha natural, zafiros, diamantes y oro. Verdura, 1945.


Los juguetes suelen ser fuente de inspiración y materia prima para muchos artistas. Por ejem-plo, en los últimos tiempos hemos presencia-do la creación de joyas con muñecas, como el caso de Margaux Lange. La diseñadora esta-

dounidense ha creado una línea de joyas que consta de pulseras, colgantes, pendientes, collares y broches, cen-trada en la figura de la mítica muñeca Barbie.

En este caso, diseñadores de joyas de diferentes par-tes del mundo se han animado a crear joyas usando como base un elemento común: los famosos bloques de plástico LEGO® (una abreviatura de la frase “leg godt” del danés, que significa “juega bien”).

Emiko Oye, es una artista de San Francisco que busca transformar la identidad de los objetos cotidianos. Para

G Cuando de diseño y creatividad se trata, no hay límite para la imaginación, y los bloques plásticos LEGO® son juguetes de culto con los que sus fanáticos se han atrevido a fabricar un sinnúmero de genialidades.Texto Natalia Calabrese

Joyería lúdicacon bloques de juguete

curiosidades

la diseñadora, lo interesante de las piezas que fabrica es que a las personas los Lego les despiertan sentimientos ligados a su infancia y a su historia personal, que no los encuentran en el oro o la plata. Si bien ella diseña las jo-yas, quienes las usan puede interactuar con los bloques y cambiar su forma, tal como cuando eran chicos.

Asimismo, “Forever Young” es la línea de joyas que creó la diseñadora norteamericana Jacquiline Sanchez, inspirada en las piezas de este legendario juego. La misma está integrada por anillos, brazaletes y coloridos collares.

Por otro lado, un firma australiana Cimón Art, hizo una serie de esculturas con LEGO® y las adornó con cristales Swarovski®, muchas de las cuales fueron ex-puestas en Hong Kong

vCartier Blanc, la joya de Emiko Oye, realizada con LEGO®, cable de silicona y plata 925.


vThe Duchess 2, otra de las creaciones de Emiko Oye.

vJoyas con LEGO® de la marca de indumentaria Love4Lyrics.

vLa escultura de Cimón Art con LEGO® y Swarovski®.


José Agop, de 34 años, es descendiente de arme-nios; nació en Siria y a los 18 años inmigró a la Argentina. Cuando llegó al país consiguió traba-jo en una joyería y así se inició en el rubro. Tuvo que empezar muy de abajo, porque casi no ha-

blaba nada de castellano, pero logró adaptarse y apren-dió a desenvolverse en el mundo de la joyería. Algunos años más tarde conoció a María Emslie, su socia en la vida. Con ella no sólo son compañeros de trabajo, tam-bién son marido y mujer. Ambos fundaron Joyas Amar hace apenas 10 años, y su breve pero intenso camino es el reflejo del amor y la pasión que los caracteriza.

LA GéNESIS DEL PROyECTOCuando María y José tomaron la decisión de irse a

vivir juntos, se propusieron tener un emprendimiento propio, ser independientes. José ya trabajaba en el rubro de joyería y a María, aunque venía del área de las hu-manidades, siempre le interesó todo lo relacionado a la moda, la estética y el arte. La joyería fusiona un poco de todo eso y fue el proyecto ideal para congeniar los intere-ses de ambos. Es en ese momento, hace exactamente 10 años, que surgió la empresa Joyas Amar.

Consiguieron instalar un primer local en la galería de Libertad 360, donde empezaron a vender joyería al por menor. Si bien ambos socios tenían una visión muy di-ferente de cómo querían encarar el negocio, terminaron encontrando un punto intermedio. María quería abrir un local tipo boutique, con piezas exclusivas y de diseño.

G El destino los cruzó por casualidad y desde entonces han sabido construir una relación muy estrecha en la que comparten todo. Hoy Joyas Amar cumple 10 años y lo festejan con la apertura de un nuevo local.Texto y Fotos Damián Wasser

Amarlas joyas

emprendedores

v José Hagop y María Emslie, titulares de Joyas Amar.


José se orientaba más a lo masivo y a ofrecer productos a precios económicos. Finalmente, el balance justo de piezas atractivas a valores accesibles terminó siendo la característica que define la selección de productos de Jo-yas Amar, lo que a su vez posibilitó de manera natural el posicionamiento de la empresa como proveedor de venta al por mayor. Combinando lo anterior con un buen trato hacia el cliente y una dedicación constante en el trabajo, consiguieron el crecimiento sostenido del negocio.

EL ORIGEN DEL NOMBREMuchos clientes se preguntan por el significado del

nombre de Joyas Amar, que tiene un sentido más allá de lo obvio en español. En armenio la palabra “amar” signi-fica “luna” y en árabe, “verano”; y cuentan que fue una noche cálida en que la luna se veía increíble que surgió el nombre del negocio un poco en conjunción de los tres significados.

PERFIL EMPRENDEDOR“Somos inquietos e intrépidos. Desde que comenza-

mos con Joyas Amar nunca nos quedamos quietos. He-mos probado muchas cosas, algunas nos salieron bien y otras no tanto, pero siempre apostamos a seguir cre-ciendo. En un momento abrimos otro local en la misma galería, con otro estilo de mercadería, pero a menos de un año nos dimos cuenta que no rendía demasiado y de-cidimos cerrarlo”, recuerda la socia fundadora. También probaron tener un socio que los representara en el inte-

rior, proyecto que finalmente no prosperó, quedando el local de Buenos Aires como única sucursal.

Durante varios años consecutivos participaron de ferias y exposiciones, no sólo en las de joyería, sino también en otras más masivas y orientadas al público final, como la Feria de las Naciones, en algunas del ru-bro moda, novias y otras más barriales. “Todo lo que nos pudiera traer un poco más de público lo probábamos”, agrega María. Algunas de estas acciones no fueron tan efectivas, por lo que los emprendedores consideraron

que no era conveniente repetirlas, pero acuerdan en que han sido valiosas experiencias, sobre todo para conocer mejor a los clientes y el mercado. “Para nosotros toda experiencia, buena o mala, fue muy valiosa, porque nin-guno de los dos tenía una formación en negocios o admi-nistración, entonces aprendimos básicamente del ensayo y error; probábamos todo y absorbíamos todo. Cuando iniciás una empresa chica y los recursos son limitados, el dueño es el que hace todo: sos encargado, vendedor, cadete, gerente, diseñador, secretaria… todo junto. Por-que el que se encarga de las compras, administración

“Somos inquietos e intrépidos. Desde que comenzamos con Joyas Amar nunca nos quedamos quietos.”


y finanzas, así como la atención al público, limpieza, exhibición, planificación, identidad y publicidad sos vos. En este caso, por suerte éramos dos, pero muchas cosas las fuimos aprendiendo sobre la marcha”, reconoce la joyera.

Con el tiempo, la pareja de socios supo distribuir y asignarse tareas según sus personalidades y fortalezas individuales, y fueron sumando también gente al equi-po que hace su aporte y colabora con diferentes tareas dentro del local.

Siguiendo con las acciones de difusión y promoción, desde hace varios años Joyas Amar hace publicidad en revistas del rubro, pero también han realizado intercam-bios con empresas afines, como casas de venta de ropa de cuero o de artículos de moda, imprimiendo folletos con descuentos para propiciar el intercambio de clientes referidos. Según María, “la publicidad siempre suma a que te conozca gente que no llega a vos de forma directa. Son acciones que se miden a largo plazo, por eso, aunque en lo inmediato parezca que no, en la constancia siem-pre suman”.

UN POCO DE TODOCuando uno entra al local de Joyas Amar, rápidamen-

te se da cuenta de que tienen una amplia variedad de productos cuidadosamente seleccionados. Al principio el surtido no era tan amplio y se diferenciaron por tener piezas más modernas, pero parte del crecimiento de la empresa pasó por ampliar el catálogo e incorporar líneas más clásicas conservando al mismo tiempo las noveda-

des. Una vez al año viajan al exterior para asistir a ferias de joyería y enterarse de las novedades y tendencias in-ternacionales que luego incorporan a su oferta. Aunque también “siempre está el que te pide una medallita de 15, un sello o una cadena clásica de hombre”, reconoce María, y agrega, “cuando empezamos a abarcar al pú-blico mayorista, el mismo comprador nos fue llevando a ampliar el surtido, porque el que va a un distribuidor mayorista quiere resolver todo en un solo lugar, desde la novedad hasta lo más clásico, así como también el pañito para limpiar y los accesorios”.

CAMBIO DE HáBITOEn 10 años, han podido ver el cambio en las costum-

bres de consumo de la gente. “Al principio se vendían más piezas de oro, pero como resultado de cambios en la economía y en la seguridad, la gente se volcó mas ha-cia el consumo de piezas de plata o plata con aplique de oro”, comenta José. En este momento Joyas Amar tiene una amplia línea de joyas en plata y plata con oro de fabricación nacional con stock permanente y constan-te reposición. En platería también incorporan algunas novedades que tienen que ver con las tendencias y son líneas de stock limitado que se van renovando con los cambios de temporada.

“Cuando se usaba oro, las piezas eran mucho más chicas, al producirse el cambio hacia la plata, la merca-dería creció mucho en peso y volumen”, recuerda José. “No se si el cambio fue por moda o por economía, pero lo bueno es que en plata hay mucha variedad de pro-

emprendedores


ductos a precios accesibles. No es como el oro que una pieza más grande necesariamente costaba mucho más. Hoy hay opciones de precios y no hace falta elegir la pieza más minúscula para conseguir algo económico”.

UNA NUEVA APUESTALuego de 10 años de ardua labor, Joyas Amar acaba

de mudarse a un local más amplio y a la calle, en Liber-tad 338. El mismo crecimiento hizo que el antiguo local de la galería fuera quedando chico de los dos lados del mostrador.

Al principio, José y María no necesitaban tanto espa-cio, porque se llevaban mucho trabajo a casa. Cuando les fue posible, alquilaron una oficina a pocos metros del local, lo que les permitió trabajar de manera más ordenada y durante el día, pero eso también implicaba ir y venir con papeles y mercadería de un lado a otro.

“Ahora se dio esta oportunidad y creo que llegó en el momento justo. Con un local más grande podemos concentrar todo el trabajo en un solo lugar, atender mejor a nuestros clientes y, a la vez, al tener mayor exposición, seguramente tendremos un público nue-vo que nos empujará a seguir creciendo. Eso hoy lo podemos sostener gracias al camino recorrido. Hace algunos años tal vez no nos hubiera funcionado, ya que internamente la estructura no estaba preparada para manejar un volumen mayor de trabajo. Por más que sea una empresa familiar, es necesario tener un orden, y conseguirlo llevó su proceso de maduración”, reflexiona la emprendedora.


En primera instancia, comenzaremos por definir qué es el electroforming o electrodeposición: es la técnica utilizada para depositar una capa de metal sobre un mo-delo tridimensional. En el caso de la joyería, el modelo será cubierto por una capa gruesa de plata u oro que co-piará la superficie y detalles de este. El modelo, normal-mente realizado en cera, será removido posteriormente al proceso de electrodeposición, dejando como resulta-do una pieza hueca. El proceso se realiza en un baño electrolítico similar al que se utiliza para electroplateado o para baños galvánicos, mediante la utilización de un rectificador que regulará la cantidad de electricidad a la cual se someterá el baño.

HISTORIALa técnica de electroforming fue desarrollada en 1838

por Morris Hartman Von Jacobi en Rusia, e introducida en Inglaterra alrededor del 1840 para la reproducción de joyería celta. Desde principios de los ’80, esta técnica para la producción de piezas huecas ha ganado impor-tancia en la industria joyera. Si bien este método ya era conocido, no era utilizado principalmente por la estabi-lidad de la cual gozaba la industria, la falta de necesidad de innovar para competir, y por la importante inversión y capacitación necesaria para poder fabricar en serie piezas de calidad competitiva mediante esta técnica. Además, sólo era visto como un método alternativo al de estampado o embutido, que ya estaba bastante difundi-do, y al no ver todas las posibilidades de la producción

G La técnica de electroforming o electrodeposición es una de las más nuevas en el mundo de la joyería y permite la fabricación de piezas muy voluminosas, con peso muy bajo y a costos muy accesibles, además de proveer una enorme libertad de diseño y comodidad para el usuario.Texto y fotos de piezas Damián Wasser

Electroformingpara la fabricaciónde piezas huecas

técnica

por electrólisis, simplemente este método no sería adop-tado masivamente hasta después de 1990. Sin embargo, algunas fluctuaciones en la cotización del oro por los años 1980 y 1981 pusieron al mercado joyero en un esta-do de incertidumbre, y hubieron quienes se interesaron en métodos para ahorrar en metal. Así fue que comenzó a difundirse el método a través de nuevas empresas con el conocimiento y las instalaciones necesarias para pro-ducir grandes cantidades de piezas huecas mediante la técnica de electroforming.

BENEFICIOSAlgunos de los beneficios de las piezas huecas fabri-

cadas por electrodeposición son una mayor comodidad, como consecuencia de su bajo peso, especialmente en piezas como aros, hebillas o broches, y el precio más económico producto del ahorro en material. Además, al no necesitar costosas matrices, se pueden realizar pie-zas complejas a una fracción del valor de otros métodos como el estampado y, por el mismo motivo, la variedad de modelos puede ser mucho mayor, de renovación más rápida y con una inversión por modelo mucho menor. Además, con este método se pueden copiar formas de todo tipo, pudiendo reproducir infinidad de objetos, in-cluso elementos orgánicos como flores o insectos sin ne-cesidad de recurrir a un escultor experto.

Existe una nueva relación de peso, tamaño y precio para aquellas piezas fabricadas por electroforming. Los grandes volúmenes, con muy bajo peso y bajo costo, han


v Piezas electroformadas en batea casera.

cambiado la percepción de los consumidores, que que-dan encantados por la belleza y comodidad de estas pie-zas. Aunque también existe una gran cantidad de gente a la cual el bajo peso le presenta una duda respecto de la calidad.

Desde el punto de vista del diseñador, abre un nuevo mundo de posibilidades que serían imposibles de alcan-zar con otros métodos más tradicionales. A partir de la introducción de la técnica de electroforming en joyería, se han conseguido realizar piezas huecas tridimensiona-les y formas entrelazadas en producciones a gran esca-la, lo que ha abierto un nuevo horizonte en términos de estética y diseño. Pero como toda técnica, tiene sus pros y sus contras. Algunos de los puntos negativos de las pie-zas huecas en general, son su fragilidad y, en el caso de los anillos, la dificultad o imposibilidad de agrandar y achicar su medida.

Desde la posición del fabricante, también admite la producción de grandes cantidades de piezas de forma simultánea, ya que es posible disponer de grandes ba-teas en las que se sumergen los modelos en forma de racimos, consiguiendo fabricar cientos de piezas por día. Además, es un método bastante óptimo desde el punto de vista económico, ya que los insumos son accesibles y no produce merma de material. Como se utilizan mode-los de cera, se pueden realizar varias copias del mismo modelo mediante un molde de goma y una inyectora de cera, de igual manera en la que se hace en el proceso de casting o fundición a la cera perdida, y para modelos


únicos, se pueden tallar a mano de forma tradicional, o usar procesos de mecanización CAD/CAM.

LA TECNICAEl electroforming, como su nombre en inglés lo in-

dica, se usa para depositar una capa de metal sobre un modelo. Para ello se debe sumergir el objeto a tratar en una solución que lo contenga y someter, tanto al mode-lo como a la solución, a una carga eléctrica que circule a través de ellos. De este modo, las partículas de metal presentes en la solución se van a adherir al modelo, pro-duciendo una capa o pared. Como mencionamos al ini-cio de la nota, con frecuencia se usan modelos de cera, la cual no es conductora eléctrica. Para solucionar este inconveniente, se pinta al modelo con una pintura con-ductora de electricidad a base de cobre o grafito. Esto también genera nuevas posibilidades creativas, ya que se pueden pintar algunas partes y otras no, dejando parte del objeto expuesto, o pudiendo usar como modelo otros materiales, como cuentas de vidrio, piedras, hojas, in-sectos, conchas marinas o cualquier otro elemento.

El espesor de la capa de metal resultante puede ser desde unos pocos micrones, hasta décimas de milímetro. Así es como el mismo método podrá producir un simple plateado (en caso de que la solución sea de plata) o una pared de metal de algunas décimas de milímetro.

El equipo consta de un rectificador con polos posi-tivo y negativo que proveerá la electricidad necesaria, una batea que contendrá la solución (electrolito) donde se sumergirán los modelos a tratar, y dos electrodos co-nectados eléctricamente al rectificador. Cuando una co-rriente eléctrica pasa por los electrodos, el metal conec-tado al electrodo positivo, llamado ánodo, se desprende y disuelve en el electrolito, y se deposita sobre el electrodo

negativo, llamado cátodo, el cual estará conectado a la pieza que se desea tratar. Por lo tanto, si hacemos que el cátodo sea la pieza de joyería y el ánodo una chapa de plata, podremos depositar partículas de plata sobre la pieza de joyería. También es posible agregar el metal en forma de sal dentro del electrolito, y de este modo controlar la cantidad de metal que se depositará sobre la pieza. La cantidad de metal depositado será regulado por la famosa Ley de Faraday, que dice que el peso de metal depositado será proporcional a la cantidad de electrici-dad que pase por el circuito, la que a su vez estará dada en función de la corriente y el tiempo. De esto se puede deducir que, cuanto mayor sea la corriente o el tiempo al que esté sometido el modelo, mayor será la capa de metal que se conseguirá obtener.

Para el caso de joyería, será importante conseguir una superficie y una aleación uniforme, ya que cuando se fabrican piezas de oro o plata, nunca se usan dichos metales puros. Se deben evitar las superficies engloba-das, resquebrajadas o porosas, y ahí es donde comien-zan las complicaciones. Para ello, se deben manejar con precisión la formulación del electrolito, su pH, la posi-ción y superficie del ánodo, las condiciones eléctricas y la temperatura. La superficie a tratar también debe estar limpia y en condiciones adecuadas para ser sometida al proceso electroquímico.

Una vez terminada la electrodeposición, los modelos realizados en cera serán sometidos a calor para licuarlos y dejar hueco el espacio que ocupaban. Es por eso que las piezas realizadas por electroforming, normalmente tendrán en algún lugar poco visible un orificio por donde se extrae la cera originalmente utilizada como base para la deposición de metal, y cualquier residuo remanente se puede retirar mediante el uso de solventes.

v Piezas orgánicas electroformadas en cobre.

técnica

v Diagrama conceptual del funcionamiento de la técnica.


v Rack industrial para electroformado en serie.vTanques industriales para electroforming.


Con motivo de sus cuarenta años en el oficio, el Maestro Orfebre Emilio Patarca fue invitado por el Museo de Arte Popular José Hernández, de la Ciudad de Buenos Aires, a realizar una muestra de sus piezas. Producto del valor artís-

tico, cultural y simbólico que tienen los mates para la Re-pública Argentina, y para el mismo orfebre, decidió que sería una buena idea realizar una exposición enfocada exclusivamente en estas piezas de uso civil, y contar a partir de ellas su historia como orfebre. Además de la ex-posición, Patarca realizó un catálogo de lujo, con fotos y descripciones detalladas de los treinta mates, que cierra con una espectacular foto a doble página con todos los ejemplares. Estilo Joyero tuvo la oportunidad de visitar esta muestra y conversar con el orfebre, quien nos contó más sobre esta exposición y sobre su propia historia.

G Es costumbre del Maestro Orfebre Emilio Patarca festejar sus aniversarios en el oficio agasajando al público con una exposición de sus piezas. En esta oportunidad realizó una retrospectiva temática con una muestra de mates en el Museo José Hernández.Texto y fotos Damián Wasser

Cuarenta añosen treinta mates

entrevista

v Mate del Bicentenario, en homenaje a los 200 años de la Revolución de Mayo de 1810.

v Mate de la Libertad, conmemorativo de la Asamblea del año XIII


Hay dos mates muy especiales en esta colección. Contanos sobre ellos.

Son los dos mates que más difusión tuvieron por su contenido simbólico. El primero de ellos fue el resulta-do de una investigación propuesta por el Prof. Lombera, que se me acercó con la idea de generar una obra que fuese símbolo y homenaje del Bicentenario de la Revolu-ción de Mayo de 1810. A partir de esto, realicé un boceto de una mujer que representaba a la República sentada, como en uno de los tantos billetes que hubo en Argen-tina, pero le quise dar una connotación más nuestra, a diferencia de la típica matrona romana o griega. Es por ello que dibujé a esa figura con rasgos mas aindiados y músculos más duros, despojando al cuenco de todo or-namento, para que lo que se destacara fuera la imagen de la escultura.

Siguiendo con esta serie, el año pasado hice un mate en ocasión del Bicentenario de la Asamblea del Año XIII, donde la idea fue representar la Libertad. Para esto se me ocurrió una lejana reminiscencia a la Victoria de Samo-tracia, solo que sin alas, y avanzando con los dos brazos extendidos mostrando los grilletes con las cadenas rotas. Para mi ese fue el mejor símbolo de esa libertad inci-piente que comenzaba a generarse en América a par-

¿Por qué elegiste el mate para esta ocasión?La idea de esta exposición ha sido básicamente la de

mostrar en sociedad la copa argentina por excelencia, que es el mate. Cuando hablamos de platería civil es el mate, justamente, aquel elemento que acompañaba a las familias argentinas en el hogar, no habiendo distinción entre humildes y aristócratas. El mate fue la bebida que acompañó a la sociedad argentina desde sus más tem-pranos inicios hasta nuestros días.

Además, en mi camino como orfebre, siempre hubo algún coleccionista de mates que me pedía algo distin-to, y con los años fui realizando muchas piezas que se perdían porque el cliente era extranjero y se las llevaba del país, y otras quedaban en las colecciones privadas de clientes locales. Cuando Felicitas Luna, la directora del Museo Hernández, me invitó a organizar una exposición, se me ocurrió hacer algo distinto, y aproveché la opor-tunidad para volver a fabricar algunos de mis mejores mates para goce del público. Por suerte, soy muy orde-nado y siempre llevo registro de lo que hago, apuntando medidas, copiando los diseños, guardando las matrices y los originales. Llegado el momento fue solamente poner manos a la obra, y volver a hacer piezas de hace más de 20 años, fue reencontrarme con parte de mi historia.


Plata del Perú - una fundación sin fines de lucro aboca-da a proteger el legado de los plateros peruanos - como asesor técnico, conferencista, y profesor, para dar cursos intensivos en distintas partes del Perú. Esto, a su vez, fue el disparador para publicar mi primer libro “Arte y téc-nica de la orfebrería Americana”, porque cada vez que terminaba de dar una clase o conferencia, los asistentes querían comprarme los CD con las diapositivas que pro-yectaba, pero yo sabía que eso solo, sin la explicación, no servía para nada. De inmediato me aboqué a la tarea, de grabar mis conferencias para poder volcarlas en un libro. En poco tiempo pude tener publicado un libro que me ha dado muchas satisfacciones, ya que fue declarado de inte-rés educativo y obligatorio para las escuelas técnicas del Perú. Eso me dio el impulso para publicar el mismo libro

en Argentina, lo que motivó a la gente a llamarme para consultar cómo podían hacer para estudiar conmigo.

Hasta ese momento yo no enseñaba, porque estaba todo el día en el taller produciendo, pero me di cuenta de que este oficio tan bonito estaba perdiéndose. Decidí entonces dedicarle unas pocas horas semanales para to-mar algunos alumnos. Me impuse un criterio muy rigu-roso, una currícula eficiente, en donde cada nivel sea la base para el aprendizaje posterior, que cada técnica que el alumno aprende sea el peldaño para una técnica su-perior. Hace cuatro años que tengo la escuela y ya tengo alumnos que se están destacando y ganando premios, lo que me impulsa a redoblar mi esfuerzo.

Además, hace unos pocos años, me convocaron de la provincia de Catamarca para trabajar en el relanzamien-to de una escuela de orfebrería que ya estaba funcionan-do. Eso significaba llevar a gran escala lo que yo había diseñado para un taller de enseñanza particular, y

entrevista

tir de la constitución de esta asamblea del año 1813. Tuve el honor de que ambos mates fueran expuestos

en solitario en el Museo Histórico Nacional y luego en el Museo Nacional de Arte Decorativo. Creo que estos mates son una excelente forma de homenajear la gesta de la patria a través de obras de alto contenido estético, técnico y simbólico.

Tenés una estrecha relación con varios museos tras haber hecho muchas exposiciones. ¿Por qué elegiste al Hernández para festejar tus cuarenta años de oficio?

He tenido la suerte de ser muy mimado por los di-rectores de museos, tanto de la Ciudad de Buenos Aires, como de la Nación, los que me han honrado brindán-dome su confianza absoluta para realizar exposiciones. Soy uno de los pocos afortunados que puede levantar el teléfono y hablar directamente con un director, y que el director se ofrezca para realizar una muestra cuando yo quiera, y eso lo valoro, pero me genera una responsa-bilidad aun mayor, sabiendo que debo entregar lo me-jor de mi. En este caso particular, tengo una relación de muchos años con el Museo José Hernández, en donde hice un puñado de exposiciones y fui jurado en varias oportunidades. Cuando asume la nueva directora, Feli-citas Luna, me propone hacer una nueva muestra indi-vidual, ya que la última había sido en el 2009 cuando presenté el mate del bicentenario. En este caso fue una invitación de la directora que me brindo gentilmente la sala del patrimonio (la más importante del museo), lo cual me honra mucho, para presentar lo que denominé la Colección Patarca.

En los últimos años enfocaste más tu carrera ha-cia la difusión del oficio, publicando libros, abrien-do tu propia escuela y aceptando un rol muy im-portante en otra. ¿Cómo surgieron estas cosas y qué evaluación podés hacer de este cambio?

Mi carrera docente surgió un poco de casualidad hace unos 12 años, cuando me convocan del Patronato de la

He tenido la suerte de ser muy mimado por los directores de museos, tanto de la Ciudad de Buenos Aires, como de la Nación


v Emilio Patarca y Felicitas Luna, directora del Museo de Arte Popular José Hernández, en la inauguración de la muestra “40 años de oficio en 30 mates”.


cia en mi crecimiento fue Jeannette Arata de Erize, quien durante más de cincuenta años fuera la fundadora y pre-sidenta honoraria de Mozarteum Argentina. Me conoció de casualidad, cuando yo era muy jovencito. Tendría 24 años y comenzó a comprarme cada tanto alguna pieza, hasta que de a poco se empezó a dar una relación de mucha confianza y cercanía. Me adoptó un poco como su protegido y yo traté de devolver esa cercanía de la mejor manera que sabía, que era haciendo mis mejores obras. Años más tarde, me invita a su casa a tomar el té y empieza a preguntarme de mi vida. Yo con mi inocen-cia y sencillez, le cuento un poco lo que hacía y dónde vivía. En respuesta ella me confiesa que era una señora con muchas responsabilidades y obligaciones sociales, y como necesitaba continuamente hacer regalos muy im-portantes, quería proponerme un trato: que yo no pensa-ra en el dinero y me dedicara a hacer las mejores obras que pudiera, y ella se comprometía a comprarlas porque, según ella, era la mejor forma de asegurarse una buena obra con la que quedar bien en el exterior, o para cuando recibiera alguna visita importante. Así fue que tuve la suerte de que una gran persona decidiera convertirse en mi mecenas, que además de darme una tranquilidad en lo económico, también me alentaba y enseñaba conti-nuamente a crecer culturalmente. Gracias a ella aprendí cómo eran los usos y costumbres en la gran mesa, el uso de la orfebrería en las grandes casas, y muchas más co-sas de la vida de la alta sociedad.

Sos inquieto y automotivado por naturaleza, ¿con qué nos vas a sorprender en los próximos meses?

Siempre trato de ir pensando en algo nuevo, porque me divierte y este oficio es lo que amo. Después de ha-ber hecho el mate de la revolución de mayo en 2010 y el mate de la libertad de 2013, está en mis planes cerrar la saga del bicentenario haciendo el mate de la Indepen-dencia en el 2016. En este caso va a ser una propuesta más ambiciosa y elaborada, además de ser una pieza única que no estará a la venta, la cual pienso presentar y luego donar al Museo Histórico Nacional para que quede en su custodia como mi homenaje a la patria.

así fue que durante dos años estuve trabajando dura-mente para superar los obstáculos de la burocracia y la distancia. Hoy tengo el orgullo de que esa escuela de ca-rácter estatal esté funcionando, con uno de mis mejores alumnos trabajando allí como docente y con la currícula que yo escribí y doné a Catamarca como guía.

No puedo pedir más. En cinco años logré tener mi escuela soñada, que responde a mis lineamientos, y al mismo tiempo una escuela pública provincial que está dando sus primeros pasos, pero con la importancia de ser una escuela técnica con aprobación del Ministerio de Cultura de la Nación.

¿Podés recordar a alguna persona especial que te haya ayudado a avanzar y superarte en tu carrera?

Si, voy a mencionar a dos personas fundamentales, una que tiene mucho que ver con esta muestra y otra por lo que ha sido mi vida en general.

Tuve la suerte de conocer en mi juventud a un señor mayor llamado Isidro Dunkelman, que era un coleccio-nista y gran entusiasta, que quedó muy agradado con mi forma de ser y de trabajar. Quería hacer una colección de mates míos, y me pidió que comenzara a diseñar ejem-plares de la mejor factura que pudiera, y que el primero lo compraría él. Es muy difícil para un platero ponerse a hacer piezas únicas, de diseño, si no tenemos un com-prador, sobre todo por la inversión económica, pero tam-bién por el tiempo que insume preparar la pieza. Siendo yo un joven de 27 o 28 años, que un señor de tan buena posición económica me dé esa libertad y confianza, para mí fue un aliciente que me permitió hacer un hermoso mate aproximadamente cada cuatro meses.

Así fui creando, uno tras otro, gran parte de los mates que se ven en esta exposición. El primer mate, que es el más difícil porque hay que pensarlo, dibujarlo, mesurar-lo, invertir en matricería y tallas, y hacer los originales, yo sabia que estaba vendido y luego me quedaba todo el conocimiento para volver a reproducirlo. Este hombre era tan generoso, que ni siquiera quería que el diseño fuera para él solo, tan solo quería que el primero fuera para el.

La otra persona que tuvo muchísima más importan-

entrevista


La palabra “Mesopotamia” significa en griego “entre ríos” y fue la región en donde se formó uno de los primeros centros de civilización ur-bana en la historia. Debido a la gran variedad de pueblos y culturas que habitaron sucesivamen-

te este territorio (los más destacados fueron los sumerios, acadios, babilonios, asirios y persas) resulta difícil iden-tificar un estilo general en la orfebrería mesopotámica. Sin embargo, en todos los objetos hallados a lo largo del tiempo se pueden observar algunos rasgos comunes: la importancia asignada a la naturaleza y a la esperanza en una vida después de la muerte (los objetos más valiosos se encontraron en distintas sepulturas). Cada una de las distintas civilizaciones que habitaron en este valle fértil, y también en sus regiones vecinas, desarrollaron un arte propio y original. En esta nota nos centraremos en la orfe-brería y joyería del imperio persa o aqueménida, imperio que tuvo su esplendor en este territorio y del cual se han encontrado los más valiosos ejemplares.

G La antigua Mesopotamia (3000 a.C – 300 a.C) era una amplia región del Próxi-mo Oriente, situada entre los valles de los ríos Tigris y éufrates. Esta región se extendía desde el actual golfo Pérsico, en Irak, hasta Turquía y el norte de Siria. Texto Natalia Calabrese Castro

Joyería y orfebrería en la Mesopotamia

historia

EL IMPERIO PERSAAlrededor del año 500 a.C. todos los pueblos que ha-

bitaban la Mesopotamia fueron reunidos bajo un único estado por Ciro II el Grande, de la dinastía Aqueméni-da. De esta manera, se funda lo que se conoce como el Imperio Persa, imperio que va a durar hasta el 330 a.C., cuando es derrotado por Alejandro Magno.

Bajo el reinado de los persas la orfebrería de la Meso-potamia experimentó un florecimiento. Los tesoros en-contrados en las distintas excavaciones dan cuenta de la habilidad de los artesanos de la época en la realización de bellísimos utensilios y objetos decorativos en oro y plata, destacándose sobre todo las piezas del último período. Entre los objetos que se fabricaban se destacan los rito-nes que eran las vasijas que contenían el agua para las ceremonias de purificación previas a los sacrificios. Éstas solían estar realizadas en plata u oro con forma de cono o cuerno y ornamentadas con la figura de una cabeza de

v Modelo de la carroza de Oxus. Siglo IV o V a.C. aprox. De la exposición permanente del British Museum.


animal en su base, generalmente un león, símbolo de la realeza, aunque también hay ejemplares con ovejas, car-neros, caballos y bueyes. Las artes suntuarias fueron un componente fundamental de la producción artística persa.

En la época de esplendor del Imperio Persa existie-ron talleres de orfebrería en las capitales de Susa y Per-sépolis (que significa “la ciudad persa”), que producían diferentes piezas, entre las que abundaban joyas como brazaletes, torques y pendientes. El gusto por la orna-mentación, junto con la riqueza y el poder de los sobe-ranos favorecieron la labor de estos talleres. Entre las técnicas utilizadas, predominaba la incrustación en oro de piedras de variados colores, logrando piezas muy lla-mativas. La principal característica del estilo persa era la utilización de decoraciones inspiradas en el mundo vegetal y animal, como las aves y las serpientes. Uno de los motivos más comunes en las piezas eran animales enfrentados, por ejemplo en los extremos de las asas de

v Mapa del Imperio Persa, en el cual se puede ver claramente delimitada la zona mesopotámica entre los ríos Tigris y Éufrates.

los recipientes, en ánforas y en brazaletes abiertos. Los artículos de joyería eran bienes de prestigio muy apre-ciados por la aristocracia, y su intercambio cumplía un rol fundamental en el sistema político.

El arte persa es un reflejo de lo que fue el imperio: un conglomerado de pueblos, culturas y religiones. La pro-ducción de los orfebres muestra la fusión de técnicas y motivos de las diferentes culturas que lo integraban. Sin embargo, los objetos de uso más humilde o popular esta-ban realizados con un carácter más local y por lo tanto no tenían un estilo uniforme en todo el imperio. Durante este período se trabajaban algunos metales como el bronce, el cobre, el oro y la plata, los que frecuentemente llevaban incrustaciones de nácar y piedras preciosas. Para sus se-llos cilíndricos, frecuentemente tallados con escenas de batallas o de la vida cotidiana, usaron piedras de todas las clases, como lapislázuli, jaspe, cornalina, alabastro, hematites, serpentina y esteatita. No obstante, algunas de estas piedras escaseaban en la zona, por lo que era común que las trajeran especialmente de localidades vecinas.

EL TESORO DEL OXUSEl denominado “Tesoro del Oxus”, es un conjunto de

magníficos objetos que permanecieron ocultos bajo tie-rra hasta su descubrimiento en el año 1877 aproxima-damente. Los mismos fueron hallados por casualidad

v Ritón terminado en un fantástico león frontal. Siglo V a.C. British Museum.

v Plato dorado. Imperio Aqueménida. Siglo IV a.C.


en la orilla del río Oxus, en el actual Tayikistán. Es muy probable, como sucedía a menudo en el pasado, que los mismos propietarios de este tipo de objetos los escondieran en un momento de peligro con la intención de recuperarlos posteriormente.

Este famoso tesoro consiste de ciento setenta objetos de metalurgia en plata y oro, datados entre el 550 y el 330 a.C. Entre los mismos se encuentran brazaletes, anillos, monedas, un torque, recipientes y láminas de oro, así como ornamentos repujados y trabajados con punzón y también una estatuilla de cuerpo entero. El tesoro está integrado también por un pez hueco de oro, que si bien es posible que fuera un recipiente para aceite o perfume, cabe también la posibilidad de que fuera parte de un col-gante ya que tiene un gancho sobre la aleta.

Si bien hay discusiones acerca de la procedencia de este tesoro, la extraordinaria delicadeza que se distin-gue en la factura de estas joyas recuerda a la tradición de los orfebres de la Mesopotamia, siendo el estilo de los objetos característico del arte persa. En los mismos se evidencian elementos figurativos típicos del arte de esta región como criaturas compuestas, mitad humanas

y mitad animales, grandes toros, leones androcéfalos y figuras aladas. Esta combinación de elementos huma-nos y animales en los objetos de oro del Oxus recuerdan también otra tradición artística, la de los escitas quienes también habitaron el territorio. Este arte, cuya impronta se hace evidente en la magnífica lámina de oro que re-presenta a un ser compuesto con cabeza de león, pies y orejas de ciervo y cuernos de cabra, se caracteriza por la utilización de decoraciones inspiradas en el mundo ve-getal y, sobre todo, por el particular entretejido de todos estos elementos, que da lugar a un conjunto fuertemente estilizado y de fascinante complejidad.

De todas las piezas, el Brazalete del Oxus es el más importante. Es un brazalete que data del año 500 a.C., época de la dinastía persa, y está completamente fabri-cado en oro y, originariamente decorado con incrusta-ciones de piedras preciosas. Este brazalete está formado por dos grifos que coronan los extremos del brazalete. Éstos son criaturas mitológicas cuya parte superior es la de un águila gigante, con plumas doradas, afilado pico y poderosas garras; y la parte inferior es la de un león, con pelaje amarillo, musculosas patas y cola.

Este Tesoro, que actualmente se encuentra casi en su totalidad en el Museo Británico de Londres, es de gran importancia no sólo por la calidad de sus piezas sino por ser el tesoro más conocido y abundante de la época per-sa, y por haber sido una colección fundamental para el estudio de su orfebrería.

historia

El Brazalete del Oxus es el más importante. Es un brazalete que data del año 500 a.C.

v Brazalete del Tesoro del Oxus. Oro con par de cabezas de grifos. Periodo aqueménida.


v Porciones de chapas grabadas encontradas en Oxus.

v Escultura de pez encontrado entre las piezas del Tesoro del Oxus.

vOrnamentos para pelo. Mesopotamia. c.2000 a.C. Walters Art Museum


Futuros Talentos Alumnos del CEJ muestransus creaciones

galería

Fotos Damián Wasser

v AMELIA MAZZINIGargantilla Prof. Alejandra González

v MARTIN BUGALLOAnilloProf. Alejandra González

v MARIA LAURA CALEROPulseraProf. Alejandra González


v VALERIA DEPAOLINICollar con dijeProf. Alejandra González

v LUCIA ROVIRAGargantilla Prof. Alejandra González

v MARIA LAURA CALEROTupuProf. Alejandra González

v MARIA LAURA CALERODijeProf. Alejandra González

v CRISTINA CALOAnilloProf. Alejandra González

v MARTINA HAERLEAnilloProf. Marcela Montaño Villegas


galería

v JUAN PABLO RODRIGUEZCollaresProf. Miriam Pérez

v JUAN PABLO RODRIGUEZAnillo - Ejercicio de engarceProf. Fanny Wainstein

v JUAN PABLO RODRIGUEZPulserasProf. Miriam Pérez

v MARIA LAURA CALEROPar de gemelosProf. Alejandra González

v CRISTINA CALOAnilloProf. Alejandra González


v INES MACHERAPulseras y dijesProf. Alejandra González


Fabricación de medallas, cuños,cortantes, punzones y distintivos

Rivadavia 1214 - Buenos Aires - Tel./Fax: 4372-5569 / 1444E-mail: [email protected]


Curso Capacitación para alta joyería

vRealización de trabajos con sistemas y articulaciones.vReproducción de piezas antiguas de diferentes estilos con plata, oro de diferentes colores y platino. Prof.: Conrado Van AkenClases de 3 hs prácticas.Frecuencia: 1, 2 o 3 veces por semana con profesor.Los aranceles incluyen el acceso al taller para prácticas de hasta 2 horas todos los días. Requisitos: Haber cursado Joyería 1º Nivel

Calendario Agosto-Septiembre 2014Complejo Educativo de Joyería Libertad 145 6º piso, Cap. Fed. Teléfonos: (011) 4381.5544/ 4383.4483E-mail: [email protected] Web: www.escueladejoyeria.com.arHORARIO SECRETARIA: Lunes a Jueves de 10,30 a 20 hs. Sábados hasta las 13,30. Teléfono: 4381-5544/ 4383-4483

COMPLEJO EDUCATIVO DE JOyERIA ( CEJ)

Capacitación a distancia semi-presencial

vCurso práctico semi-presencial sólo para alumnos del interior del país o países limítrofes.Objetivos: Brindarle la posibilidad a los alumnos del interior del país que deseen formarse en esta actividad y que no pueden asistir regularmente.Carga horaria: 12hs. x mes.Opciones de asistencia:v1 vez por semana, en clases de 3hs.v1 vez cada 15 días, en clases de 6hs.v1 vez por mes, en dos días de 6hs. de clase x día.El curso inicia cuando el interesado lo desea, inclusive en verano.

Seminario de Lapidaciónde piedras y gemas

vAprendizaje sobre material en bruto, de las propiedades y características de cada una de las piedras y gemas para poder proceder a aplicar las técnicas de corte, lapidado y facetado. vRealización de tallas cabujón y facetados variados, tomando en cuenta las propiedades cristalinas de cada uno de los minerales a tratar, de acuerdo a su dureza, y realzando la belleza de cada una de ellas. Profesor: Raúl Fazio Duración del curso: a convenir, según el interés del alumno, dada la gran cantidad de minerales y estilos de facetados. Horarios a convenir con el profesor. Clases personalizadas. El curso inicia cuando el interesado lo desea.

Curso Fundición a la Cera Perdida

Método de reproducción de piezas en serie. Los objetos se copian en cera dentro de un molde, para luego recubrirse con un material refractario que se cocina en un horno dando origen a un nuevo molde que luego se rellena con metal fundido.Dirigido a fabricantes de joye-ría, de bijouterie, accesorios para marroquinería, mueblería, calzado, orfebres y escultores.Este curso es totalmente práctico con entrega de material teórico a través de apuntes y bibliografía.Prof: Enrique MarchesiClases de 2 hs.Inicio: Agosto 2014Horario: Lunes de 10.30 a 12.30 hs.Duración: 4 meses.Vacantes limitadas: 6 alumnos por grupo.

Estilo Joyero Nro 75 - Agosto 2014

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