La escultura es el campo más expresivo y brillante de la cultura

clásica griega.

Cultura antropomórfica, de ahí nace el interés por lo humano

en la escultura

MATERIALES:

› Mármol: se le aplica policromía y accesorios, (ojos de vidrio, piedras de

colores, pendiente, armas…) Trataban de darle un aire realista.

› Bronce: técnica de la cera perdida. Mismos accesorios que en mármol.

FINALIDAD Y TEMÁTICA

› Antropocentrismo: se centra en el hombre, eje del desarrollo político y

cultural de Grecia. El hombre es el eje ordenador de todas las cosas,

(sofismo). El hombre es un ser perfecto que vive en un perfecto equilibrio

interior. Los dioses adquieren la forma de bellos seres humanos.

› Belleza: concebida como medida, proporción entre las partes,

anatomía armoniosa e idealizada. Proporción de las partes con el todo

y entre sí, (diartrosis)

› Belleza: el arte es imitación de la Naturaleza. Domina el realismo, la más perfecta reproducción del cuerpo humano. No es una copia sino una reconstrucción a partir de unos ideales de belleza.

› Movimiento: la evolución de la escultura caminará hacia la conquista del espacio, dotar a la figura de un movimiento natural en un espacio real.

› Finalidad religiosa, sobre todo, (estatuas de culto y decoración de los templos), aunque también carácter conmemorativo y funerario.

› Temas: mitología, aunque el tema principal será la representación del cuerpo humano.

› En las distintas etapas hay una evolución hacia el mayor estudio anatómico, la conquista del movimiento, de la expresión del sentimiento y de la ordenación de grupos complejos.

› Unida a la arquitectura: acróteras, metopas, frisos, tímpanos, cariátides… La decoración se adapta al marco arquitectónico en el que se inserta: la altura de los personajes se adaptaba a al forma triangular del frontón p.ejem.

Profundas influencias del arte egipcio, aunque nuevas tipologías: kuroi y korai.

Kuroi: hoy se cree que representan a jóvenes muertos prematuramente o bien atletas victoriosos, cuyas estatuas estaban dedicadas a un dios.› Figuras colosales, (a veces, más de 3 m).

› Jóvenes desnudos, anchos de hombros y de cintura estrecha que posa frontalmente en perfecta inmovilidad. Pies firmemente apoyados en el suelo con una pierna ligeramente adelantada. Brazos pegados al cuerpo con los puños cerrados.

› Rostro: ojos prominentes y boca con “sonrisa arcaica” que tal vez simboliza el gozo del más allá o es una manera de dar más realismo.

› Tratamiento geométrico de la anatomía corporal: musculatura o cabellos se disponen como figuras geométricas o en torno a ejes simétricos: tórax excesivamente abombado y de gran anchura, abdomen muy reducido; la rodilla es un trapecio invertido; la espinilla es una arista viva; geometrización del cabello.

› Hieratismo, (rigidez, solemnidad, estatismo)

› Carácter de bloque, forma cerrada

Frontalidad

Exaltación de la belleza física de estos atletas jóvenes.

Korai, (koré): figuras femeninas vestidas, también esquema fijo.

No colosalismo

Inmovilismo.

Frontalidad, sentido de bloque cerrado.

Sonrisa arcaica

Desproporción manos y pies.

Cabello peinado en largas trenzas.

Una de las manos aparece extendida, ofreciendo un don a la

divinidad, o sobre el pecho en actitud de súplica o

agradecimiento. Con la otra mano se recogen el vestido,

(minucioso estudio de los pliegues)

Dos tipos de vestido: peplo de lana pesado y grueso. El jitón,

túnica larga de fino lino que permite adivinar las formas del

cuerpo. Abundantes pliegues.

Kuros de Anavyssosy koré del peplo.

Faraón Micerinosy esposa.

KurosMetropolitano

El peinado, colocado mediante grandes tirabuzones en pisos, según la tradición egipcia. Enmarca la cara triangular de ojos almendrados y sonrisa arcaica.

Perfecto conocimiento de la anatomía humana: representación de la belleza física ideal y naturalismo “corregido”, es decir, idealizándolo.

La belleza reside en la relación armónica de las partes entre sí y con el todo. La perfección corporal es la expresión externa de la armonía espiritual.

El cuerpo se concibe como un edificio cuyas partes deben mostrar sus líneas de separación y articulación (diartrosis)

Se abandona la frontalidad e inmovilidad: equilibrio dinámico, dando sensación de movimiento armónico. El peso descansa en una pierna y la contraria aparece flexionada. La cabeza gira lateralmente y las líneas de hombros y caderas se inclinan suavemente: contraposto. Es la oposición armónica entre las diversas partes del cuerpo humano, unas en movimiento o tensión y sus simétricas, en reposo.

Los ropajes, caída y pliegues más naturales y detallados.

Etapas dentro del clasicismo:

› Estilo severo (hasta mitad s. Va.C.): se abandona la frontalidad.

Conocimiento de la anatomía muy avanzado, le de la interrelación:

cualquier movimiento de un miembro implica un cambio de posición

en los demás.

Esto lleva a la diartrosis, armonía entre las diversas partes del cuerpo.

Se pierde la sonrisa arcaica. Ejemplo: el Auriga de Delfos.

Rostros serenos, concentrados en sí mismos.

> Transición, representada por el Discóbolo de Mirón , que representa un

avance en el estudio del movimiento, la tensión muscular y la

integración de la figura en el espacio. El rostro no va en consonancia

con el esfuerzo y la tensión corporal.

> Clasicismo pleno: gusto por la mesura, el orden, el equilibrio. Por eso

predominará la serenidad en la expresión del rostro.

Se sigue huyendo de lo anecdótico y de lo concreto.

• Control pleno de la anatomía y el movimiento en el espacio:

contrapposto.

• Se distinguen la edad y el temperamento de la escultura

› Con Policleto aparece la utilización de un módulo

aritmético, el canon, de modo que la altura de la figura es

de siete cabezas, el rostro está dividido en tres partes

iguales que corresponden a la frente, la nariz y la distancia

desde ésta al mentón.

Estudio anatómico perfecto pero idealizado a través de la proporcionalidad y la geometría:Cabeza esférica, arco torácico y pliegues inguinales son semicircunferencias con centro en el ombligo.

Doríforo

› Fidias , amigo de Pericles, gozó de fama y prestigio. Con él llega a la expresión de sentimientos y actitudes: al aspecto físico le correspondía una actitud, se adecuaba el físico con el sentimiento.

Con él también comienza la técnica de los paños mojados, por la que se puede captar la anatomía de las figuras adivinando sus cuerpos a través de los vestidos.

Obras destacadas: friso de las Panateneas, (Partenón); las estatuas gigantescas de Atenea Parthenos y Promakos, y el Zeus de Olimpia; tímpanos del Partenón etc.

› En el s. IV, derrota de Atenas en la Guerra del Peloponeso: deja de ser el centro de la actividad artística. El arte se transforma:

› Interés más acusado por lo individual y por el retrato.

› Tratamiento más humanizado de la figura humana: mayor expresión de los sentimientos humanos, expresiones en los rostros que reflejan melancolía y actitudes tortuosas.

› Tratamiento de los temas religiosos más cotidiano que refleja el escepticismo de la época.

› Nuevos tipos de belleza ideal: canon más alargado y estilizado.

› Praxíteles fue el escultor de la gracia en los cuerpos, sobre todo femeninos. Ejemplo destacado: La Afrodita de Cnido.

Marca la feminidad, la gracia y fragilidad: evita la rigidez, formas y posiciones suaves con prolongadas curvas, (curvas praxitelianas)

Se aleja de la solemnidad de Fidias o del equilibrio de Policleto: las curvas transmiten sensación de abandono y languidez.

Scopas.

› Su obra refleja una concepción dinámica en el ritmo compositivo.

Vivacidad de los pliegues de los vestidos, torsión de los cuerpos.

› Rostros con mirada profunda e intensa expresión dramática. Reflejan

sentimientos de tragedia, dolor, violencia…

Lisipo.

› Canon estilizado

› Retratos sin idealizar

› Distintos puntos de vista, huye de la frontalidad.

APOXIOMENO

La escultura helenística

Abarca un periodo largo y territorio amplio. El imperio de Alejandro Magno permite incorporar elementos muy diversos de culturas orientales. Se pierde el idealismo clásico.

Arte cosmopolita y universal.

Distintas escuelas con diferente estilo: Pérgamo, Alejandría o Rodas.

La experiencia de la Guerra del Peloponeso (431-404 a.C.)

Gran realismo, sobre todo en los retratos, penetración psicológica.

Perfección técnica en la obtención de calidades, anatomías…

Se prefiere la variación, la anécdota y se va desde lo vulgar y superficial a lo erudito

La representación del ser humano desde la infancia a la vejez. Refleja todo tipo de emociones y sentimientos, (ira, desesperación, embriaguez…)

Frente a los tipos heroicos, aparecen los humildes, los deformes, (enanos, sátiros … )No se oculta lo desagradable.

Representación del movimiento en acto, no en potencia. Figuras en torsión con movimientos en dirección opuesta o en espiral. Movimiento rápido, máxima musculatura.

Aparece el paisaje, esquemas compositivos complejos

Diferentes puntos de vista, abandono total del frontalismo.

Fidias no sólo fue escultor, sino también supervisor de las obras de la

Acrópolis hasta la muerte de su amigo Pericles.

El friso reproduce en bajo relieve la procesión de las Panateneas que tenía lugar en Atenas cada cuatro años en honor a la diosa Atenea.

El friso redaba la parte exterior de la cella del Partenón y estaba

policromado. Los bloques de mármol estaban ligeramente inclinados hacia

delante para conseguir que les llegara la luz de abajo; con el mismo

objetivo, el relieve de la zona alta es más profundo que el resto de la

superficie.

Representa una procesión que arranca en el ángulo suroeste y se bifurca.

En el punto de arranque se origina una cabalgata que ocupará un 70% del

friso. Precediendo a ésta se inicia el cortejo a pie, compuesto por ancianos portadores de ramas, músicos, portadores de hidrias, (vasijas de agua)

conductores de ganado que será sacrificado etc.

Las dos alas del desfile desembocan en el lado oriental, en la fachada del

templo. E las esquinas aparecen las doncellas ataviadas con peplos y los

héroes de Atenas. Todos ellos llevan el peplo para Atenea.

Sin ser observadas, las divinidades olímpicas contemplan la escena

sentadas en escabeles, excepto Zeus, sobre un trono. Son de una escala

mayor que los hombres.

Los vestidos se ajustan a los cuerpos de las doncellas y muestran una caída admirable.

Para evitar la monotonía del desfile, Fidias colocó escenas cotidianas y anecdóticas, (caballos encabritados, joven atándose sandalia…).

Este friso sólo era una parte del conjunto iconográfico del templo destinado a proclamar la gloria de Atenas y Atenea, su divinidad protectora. Es una exaltación al poder de Atenas. En los frontones estaban los dioses, en las metopas, más abajo, a los héroes, y en el friso, todavía más cercana, los humanos.

La procesión que entregaba el peplo a la diosa iba acompañado de concursos y juegos.

A pesar de que existen diferencias en el estilo en diversas partes del friso, todas son de estilo clásico y se achacan a que Fidias necesitó la ayuda de los miembros de su taller. Sin embargo esa unidad se debe a la dirección de Fidias.

A pesar del bajorrelieve, hay sensación de profundidad por los diversos planos. También la policromía y el añadido de piezas metálicas contribuían a crear esa sensación.

El estilo se caracteriza por la perfección técnica el modelado de las figuras: airosidad de los vestidos, perfección de las anatomías…

Hay una perfección anatómica y abundan las telas que caen con naturalidad y confieren a la figura un gran volumen y movimiento, destacando la técnica de los paños mojados. Además, a pesar de la gran cantidad de figuras, (360 personas, 220 animales, 10 carros…), todas ellas están individualizadas, ya sea por sus actitudes, distinciones físicas o por el tratamiento de la ropa. Sin embargo no recurrieron a los gestos demasiado marcados, mantuvieron la expresión serena del estilo clásico.

Se alcanza el ideal de belleza clásico, sereno, equilibrado, armónico e idealizado.

Es la imagen idealizada de un joven atleta que camina con

la lanza al hombro.

La cabeza, ladeada hacia la derecha, muestra una

cabello muy trabajado y un rostro sereno. El torso se inscribe

en un gran rectángulo y los pectorales y las ingles aparecen

exagerados con rígidas líneas curvas, (cierto arcaismo).

Los brazos aparecen despegados del cuerpo. La mano

derecha permanece abierta mientras el brazo izquierdo se

dobla y cierra la mano para coger la lanza.

La actitud de marcha no quita para que haya equilibrio

entre los miembros tensos y los distendidos: el brazo

derecho cuelga relajado mientras la pierna sostiene el peso

del cuerpo; el brazo izquierdo está rígido y la pierna,

flexionada. Este equilibrio compensado entre las diversas

partes del cuerpo se denomina contraposto, y otorga un

equilibrio dinámico.

Esta estatua se aproximaba al sistema de proporciones ideales

del cuerpo humano, (el cuerpo, 7 cabezas, y la cara 3 partes

iguales) y por ello la utilizó como ejemplo en el tratado que

escribió sobre el tema (Canon)

Las matemáticas desempeñaban un papel decisivo en la

representación de la simetría, basada en un conocimiento

riguroso del cuerpo humano. Esto explica la importancia de la

diartrosis, la articulación de los miembros o partes en el

conjunto.

Las figuras de Policleto eran más anchas y robustas que las de

Fidias y pasaron de moda rápidamente. Lo que permaneció

fue el canon, presente en muchas obras de Praxíteles, Lisipo y

en el Renacimiento en el David de Miguel Ángel, Donatello…

Origen: copia romana, probablemente de un bronce griego. Según los mitos griegos eran sólo dos las figuras muertas por las serpientes. En ésta aparecen tres porque el poeta Virgilio, en la Eneida, incluyó a dos hijos de Laocoonte.

Laocoonte, sacerdote troyano advierte de que no se fíen del caballo dejado por los griegos. Los dioses envían serpientes para matarlo.

Exploración de la emoción humana: el pathos, la reacción dramática, la pasión y el sufrimiento es lo que se representa.

Gesto desesperado y agónico de la figura central. Rostros muy expresivos, (boca entreabierta, ojos rehundidos, ceño fruncido, agitación del cabello a base de trépano. Se rompe con la serenidad y el equilibrio. Canon desproporcionado de los hijos que hace que se centre la mirada en el padre.

Los cuerpos superan la expresión del rostro: se retuercen ante el suplicio. El dinamismo es la otra característica principal. Hay teatralidad en los difíciles escorzos de los cuerpos.

Las figuras se organizan a partir de la pirámide de las tres cabezas de los personajes. También diagonal que cruza desde la parte superior izq.

Movimiento reforzado por el dinamismo de las serpientes que sirven de nexo de unión entre las figuras.

Sensación de tensión en los cuerpos.

Perfección anatómica aunque exagerada, dada la edad de las figuras.

La tensión del cuerpo del padre contrasta con el cuerpo inerte de la figura izq. y con la mirada interrogante del hijo mayor, que no acierta a comprender lo que pasa.

El trazado curvilíneo, su dinamismo, la tensión y la expresión de que todo esfuerzo iba a resultar inútil, convierten a la escultura en la representación del héroe griego poseedor de un alma noble.

Quizá reflejo de una nueva forma de pensamiento de la época: los dioses castigan a quienes no cumplen su voluntad. Hay por tanto una desconfianza ante las divinidades y cierto pesimismo por lo imprevisible de la fatalidad.

Esta escultura tendrá una influencia extraordinaria en Miguel Ángel y su terribilità y en el Barroco.