Destacados de Programación – Enero/Febrero 2017

Allegro HD – Destacados de Programación – Enero/Febrero 2017

235 Lincoln Road #201 Miami Beach, FL 33139 USA - +1 305-531-1315 1

Destacados de Programación – Enero/Febrero 2017



Destacados de Programación

Enero/Febrero 2017

ENERO BALLET – Julia & Romeo, de Mats Ek – 7 de enero – Pág. 4

CONCIERTO – Trío Cruz del Sur – Estreno 7 de enero – Pág. 6

ÓPERA – Don Carlo: ópera en cinco actos de Giuseppe Verdi – 8 de

enero – Pág. 8 ÓPERA – El murciélago: opereta en tres actos de Johann Strauss II –

14 de enero – Pág. 10

CONCIERTO – Gutenberg Variations, de Jana Kluge – Estreno 14 de enero – Pág. 12

ÓPERA – Eugene Onegin: ópera en tres actos de Piotr Ilich

Tchaikovsky – 15 de enero – Pág. 14

CONCIERTO – Lecciones de tinieblas, de Michel-Richard de Lalande – Estreno 15 de enero – Pág. 16

ÓPERA – La novia del zar: ópera en cuatro actos de Nikolai Rimsky-

Korsakov – Estreno 21 de enero – Pág. 18

BALLET – Giselle, de Adolphe Adam – Estreno 22 de enero – Pág. 20 ÓPERA – Samson et Dalila: ópera tres actos de Camille Saint-Saëns –

28 de enero – Pág. 22

CONCIERTO – Homenaje a Pierre Boulez en sus 85 años – Estreno 28 de enero – Pág. 24

CONCIERTO – Orquesta Simón Bolívar de Venezuela & Gustavo

Dudamel – 29 de enero – Pág. 26



FEBRERO CONCIERTO – Latino: Orquesta Sinfónica de Córdoba – Estreno 4 de

febrero – Pág. 28

CONCIIERTO – Anne-Sophie Mutter & André Previn: Sonata para violín y piano en Fa mayor, de Felix Mendelssohn – Estreno 5 de


ÓPERA – La forza del destino: ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi – Estreno 11 de febrero – Pág. 32

WORLD – Por los Andes, de Francisco Colosanto – Estreno 11 de


CONCIERTO – Festival de Salzburg 2010: concierto de apertura con Daniel Barenboim – Estreno 12 de febrero – Pág. 36

CONCIERTO – Daniel Barenboim, Orquesta Estatal de Berlin & Andris Nelsons: conciertos para piano de Frédéric Chopin – 18 de febrero –

Pág. 38

CONCIERTO – Requiem de Guerra, de Benjamin Britten: Andris Nelsons & Coro y Orquesta de la Ciudad de Birmingham – Estreno 19

de febrero – Pág. 40

ÓPERA – Falstaff: ópera en tres actos de Giuseppe Verdi – Estreno 25 de febrero – Pág. 42



La historia de amor más célebre de cuantas hayan existido contada desde una perspectiva

novedosa y absolutamente contemporánea.

Género: ballet, música clásica, música romántica.

Intérpretes: The Royal Swedish Ballet; Mats Ek [coreografía], Anders Högstedt

[adaptación musical], Magdalena Ågberg [escenografía y vestuario].

Director: Alexander Polianichko.

Orquesta: The Royal Opera Orchestra.

Año: 2013.

Lugar: Opera House, Stockholm.

Duración: 108 minutos.

Mats Ek [1945] es un célebre bailarín, corógrafo y director de escena sueco, uno de los más destacados en la Europa de finales del siglo XX, manager del Culberg Ballet desde 1985 hasta 1993. Desarrolló una importante carrera como bailarín a la que siguió, como suele ser habitual, su carrera como coreógrafo y director, con la que ha conseguido alcanzar cotas realmente altas a nivel artístico. Algunos de sus trabajos han sido muy destacados, siendo especialmente considerado como un gran adaptador de obras, encontrando en su carrera hitos como Giselle [1982], Swan Lake [1987], Carmen [1992], Don Giovanni [1999] o Andromaque [2001].

Ballet: Julia & Romeo Mats Ek & Ballet Real de Suecia 7 de enero 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador



Presenta aquí una de sus últimas creaciones, en la que vuelve a la adaptación, esta vez con Julia & Romeo, una clara adaptación y una novedosa visión de clásico literario de William Shaespeare, Romeo & Juliet. Transcurridos cuatrocientos años del estreno del original, Ek decide que es el momento de darle la vuelta al título y mirar la trama desde una perspectiva ligeramente diferente. Una de las historias en que Shakespeare basó su obra, escrita a mediados de la década de 1590, fue The Tragedy of Juliet and Romeo, traducido del italiano al inglés un año antes. La finalidad es clara: volver a la fuente; ¿o se trata de otra asumir la vieja historia sobre el poder subversivo del amor que se construye en nuestro banco de genes cultural?

Es una historia romántica ambientada en una sociedad brutal donde el conflicto entre las personas y el poder es cruento. El amor, el odio y los celos... todo está toma por Mats Ek en este clásico que resulta refrescantemente divertido, pero notablemente triste al mismo tiempo. El ballet tiene lugar en una ciudad en crisis, una urbe que destaca por sus tonos grisáceo y negro. La escenografía requiere un escenario vacío donde todas las paredes son de color negro. Tres paredes son la única escenografía en el escenario, que van cambiando por los bailarines y los ayudantes para crear diferentes ambientes y formas. Mats Ek, un maestro en la reinterpretación de los grandes clásicos en la danza contemporánea dice al respecto de su obra: Todos las grandes historias a través del tiempo deben ser revisadas para que sean significativos en nuestro tiempo. La música utilizada para la adaptación es una es una selección de piezas de Piotr Illich Tchaikovsky que incluye extractos de la Patética, la Sinfonía Manfred, el Capricho italiano o su Concierto para piano, entre otras. Anders Högstedt es el encargado de adaptar y arreglar estas piezas de tal forma que sirvan específicamente a los requerimientos de este ballet.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00138_Juliet_and_Romeo_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00138_Juliet_and_Romeo_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00138_Juliet_and_Romeo_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00138_Juliet_and_Romeo_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00138_Juliet_and_Romeo_5.jpg

Ballet: Julia & Romeo Mats Ek & Ballet Real de Suecia 7 de enero 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Quédense con nosotros para disfrutar de la adaptación que el coreógrafo sueco Mats Ek realiza de este clásico en la historia de las relaciones amorosas. Julia & Romeo presenta una novedosa visión que cuenta la historia, pero al revés. Descubran de qué manera lo hace junto al Royal Swedish Ballet y una adaptación musical sobre obras de Piotr Ilich Tchaikovsky.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00138_Juliet_and_Romeo_1.jpg












Velada dedicada a la música popular argentina en formato muy íntimo, de la mano de

cuatro apasionados intérpretes del repertorio.

Género: concierto, música clásica, música popular.

Intérpretes: Gustavo Grobocopatel, Héctor Llanos, José Félix Bosses, Verónica Muñoz.

Año: 2016.

Lugar: El Cultural San Martín, Buenos Aires.


La música popular ha dejado, a lo largo de la historia, un reguero de influencias notables en la música occidental. Repertorio de enorme riqueza, se ha dejado notar incluso en la música de corte clásico en Argentina y otras regiones cercanas, de la que han bebido muchos de los grandes autores. Por su riqueza, y porque los nombres que han trabajado y creado el folclore argentino durante muchas décadas, requieren un reconocimiento, la presencia de conjuntos especializados, como el Trío Cruz del Sur, resulta siempre un evento de grandes magnitudes.

El material que se emite aquí es el fruto de 2 trabajos anteriores, Paisajes, del año 1997 y Pampa, del 2002, organizando las obras por regiones musicales. Ellos analizan el momento actual de folklore argentino con sensatez absoluta: Cuesta encontrar poetas y músicos que renueven legítimamente el folklore. Legítimamente, esto es respetando el sentido, el paisaje, la gente, la danza. […] Lo que se maneja hoy es pequeño porque atrás hay un aparato, que se llama comercio, se llama vender, llegar a las grandes masas. Esto es una gran contra, pues debería ser prioritario armar algo genuino, un género folklórico

World: Trío Cruz del Sur Estreno 7 de enero 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador



bien nuestro. […] El presente brinda intérpretes juveniles que cuentan con excelentes recursos, y que se arriman a la canción folclórica como una expresión popular, pero encuentramos que van muy apurados buscando éxitos tempranos, a lo que se debe dedicar tiempo para adquirir conocimientos y decir lo que hay que decir con fundamento, sin repetir como un loro palabras que encierran un mensaje autóctono. […] Por todo esto manifestamos que al folclore le han otorgado un tratamiento superficial. Queremos encontrar en el folclore el paisaje de nuestro país, donde sintamos el aire del cerro y el arroyo que murmura nos entregue una melodía que se queda prendida del oído, donde el hombre se encuentre con lo cotidiano del país entero, no de una fracción de él, cada comarca tiene sus tesoros y es deber como argentinos conocerlos, y esos tesoros son los que forman el carácter y la manera de ser de los lugareños que también son argentinos como nosotros. Por entrega actual escuchamos que al folclore se lo usa para decir livianas palabras que tratan de exponer un idilio o tal vez alguna otra manifestación personal, entendemos que lo folclórico está ligado al país con sus ritmos coincidentes con el país.

Hace ya veinte años los caminos de la vida los unieron y comenzaron a explorar juntos la riqueza interminable del folklore Argentino. El Trío Cruz del Sur aborda particularmente esas obras y sus arreglos, poniendo su carácter interpretativo al servicio de ellas. Cada una es tratada de forma individual, con recursos que le permiten recrearla desde el profundo respeto a los autores, el paisaje y a su intención. El trío prefiere el silencio a los aplausos, la complicidad al festejo, la emoción a las apariencias. Actuaron en diferentes lugares del país y el extranjero. José Félix Boses es un guitarrista de larga trayectoria, discípulo de Irma Costanzo y el maestro Carlevaro. Su música se escucha tanto en salas de conciertos como en su Pampa remota. Gustavo Grobocopatel es cantante, poseedor de un estilo personal; discípulo de Lucía Maranca, ha incursionado en la música popular así como en la música de cámara argentina. Héctor Llanos, autodidacta, inicio su actividad con el aluvión de músicos del norte que en los años sesenta llegaron a Buenos Aires; participó de diversos festivales y es un auténtico recreador de la poesía y música argentinas. Verónica Muñoz es cantante, guitarrista, compositora y docente. Conoció el

tango desde la cuna –a través de su padre, bandoneonista–, y desde allí lo abrazó para siempre. Con la guitarra y el canto dio los primeros pasos en su formación; instrumentos con los que se consustanció íntimamente a la hora de expresar, canalizar su arte y su mundo interior.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00348_Concierto_Trio_del_Sur_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00348_Concierto_Trio_del_Sur_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00348_Concierto_Trio_del_Sur_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00348_Concierto_Trio_del_Sur_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00348_Concierto_Trio_del_Sur_5.jpg

World: Trío Cruz del Sur Estreno 7 de enero 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: El conjunto argentino aborda un recital íntimo y muy personal, en un concierto para descubrir algunos de los hitos en la música popular argentina. El trío, formado Gustavo Grobocopatel, Héctor Llanos y José Félix Bosses, tiene como invitada de excepción a la voz de Verónica Muñoz.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00348_Concierto_Trio_del_Sur_1.jpg







Fantástica producción de la ópera más grandiosa del autor italiano, desde el Festival de

Salzburg.

Género: ópera, música clásica, música romántica, música vocal, belcanto.

Intérpretes: Jonas Kaufmann, Matti Salminen, Anja Harteros, Thomas Hampson, Ekaterina Semenchuk, Eric Halfvarson, Robert Lloyd, Maria Celeng, Sen Guo, Benjamin Bernheim, Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal del Viena; Peter Sein [dirección de escena], Ferdinand Wögerbauer [escenografía], Annamaria Heinrich [vestuario], Lia Tsolaki [coreografía], Joachim Barth [iluminación].

Director: Antonio Pappano.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2013.

Lugar: Grosse Festpielhaus, Salzburg.

Duración: 235 minutos. Pocas óperas en la historia del género hay con la ambición, densidad y complejidad narrativa y dramática del Don Carlo de Giuseppe Verdi (1813–1907). Ópera en cinco actos, con libreto en francés de François Joseph Méry y Camille du Locle basado en Dom Karlos, Infant von Spanien, un drama alemán firmado por Friedrich von Schiller. Fue estrenada el 11 de marzo de 1867 en la Ópera de Paris. Fue precisamente este centro el que encargó a Verdi, como parte de una serie de actos que acompañarían la celebración de la Exposición Universal de 1867, una ópera con texto en francés. La ópera, tal como se publicó a la vez que su estreno, estaba conformada por la concepción original de Verdi, a excepción de una serie de recortes que él mismo realizó, contando además con la inclusión de un ballet, algo tan idiosincrásico de la ópera francesa.

Ópera: Don Carlo Ópera en cinco actos de Giuseppe Verdi 8 de enero 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador



La primigenia versión francesa se dividió en cinco actos y su escritura se amolda al de la Grand Opéra francesa. En el estreno la acogida no fue especialmente buena, todo lo contario, pues se criticó con dureza que no cumpliese a priori con los cánones que toda obra estrenada en la capital gala debía cumplir, esto es: una irrenunciable estructura en cinco partes; no contener ningún diálogo prosaico, es decir, estar totalmente cantada y, por supuesto, contener un ballet en el tercer acto y no en otro. La temática era de por sí algo problemática para ser representada en Paris y eso pasó factura a la obra. El propio Verdi había encargado una traducción al italiano de la que se encargaría Achille de Lauzières, que ya en el otoño de 1866 estaba trabajando en ella. Para Verdi era muy importante que la obra en italiano tuviese una misma versión en cinco actos más un ballet, al igual que la Grand Opéra que había confeccionado. Dicha traducción al italiano se

presentó primeramente en el Real Teatro de Ópera Italiana, Covent Garden de London –hoy la Royal Opera House– el 4 de junio de 1867, donde se estrenó con algunas modificaciones. Para el estreno italiano habría que esperar hasta el 27 de octubre del

mismo año, realizada en el Teatro Comunale di Bologna el 27 de octubre de ese año –ahora sin alteraciones ni variaciones de ningún tipo–.

Don Carlo es la obra más política de Verdi, a la par que la más larga, pero también la más anticlerical. La política, pues de ella se trasluce el tema la aceptación de la monarquía parlamentaria frente a la perdida causa republicana; y la religiosa, pues hay profundas reflexiones sobre ella a lo largo de las cuatro horas de duración. Se trata de una obra de notable brillantez, aunque quizá no es un título operístico realmente redondo, no al nivel de otras de sus óperas. Buena parte del ello se debe a que su primera versión estuviera dirigida a Paris, un centro operístico cuyos requerimientos constreñían poderosamente a los autores que se consideraban artistas libres más que meros servidores de los gustos sociales trasnochados y superfluos. Aun con todo, hay en Don Carlo[s] un importante paso más en el desarrollo y el rigor con el que presenta la caracterización psicológica de los personajes. Además, el tratamiento orquestal continúa deparando descubrimientos y maravillosos efectos dramáticos. Por último, hay aquí un tratamiento vocal que podría decirse alcanza la madurez verdiana que continuará posteriormente.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00154_Don_Carlo_Verdi_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00154_Don_Carlo_Verdi_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00154_Don_Carlo_Verdi_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00154_Don_Carlo_Verdi_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00154_Don_Carlo_Verdi_5.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00154_Don_Carlo_Verdi_6.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00154_Don_Carlo_Verdi_7.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00154_Don_Carlo_Verdi_8.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00154_Don_Carlo_Verdi_9.jpg

Ópera: Don Carlo Ópera en cinco actos de Giuseppe Verdi 8 de enero 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Acompáñennos al Festival de Salzburg en su edición de 2013 para disfrutar de la producción que Peter Stein y Antonio Pappano dirigen a la par. Cuenta con un plantel de solistas de primer nivel, encabezado por Jonas Kaufmann, Matti Salminen, Anja Harteros y Thomas Hampson. La ópera más ambiciosa de Verdi brindada de una forma magnífica.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00154_Don_Carlo_Verdi_1.jpg











Una de las operetas más célebres de la historia, desde el Seefestspiele Mörbisch Festival, probablemente el festival más importante en el desarrollo de este subgénero operístico.

Género: ópera, opereta, música clásica.

Intérpretes: Herbert Lipper, Alexandra Reinprecht, Zoryana Kushpler, Daniel Serafin, Daniella Fally, Harald Serafin, Helmuth Lohner, Angus Wood, Gernot Heinrich, Fedir Hubachov.

Director: Manfred Mayrhofer.

Orquesta: Orquesta del Festival de Mörbisch.

Año: 2012.

Lugar: Seebühne Mörbisch / Seegelände. Duración: 180 minutos.

Los Strauss formaron una de las sagas de músicos más importantes de la historia, y desde luego la que no tiene parangón al menos en la Centroeuropa de los siglos XIX y XX. De los seis miembros músicos que la componen, Johann I y Johann II son los miembros más destacados, que lograron gran éxito, gracias especialmente a su contribución al ámbito instrumental en el que alzaron a los géneros de baile de corte popular, como el vals o la polca, a un lugar de privilegio en la corte y en la sociedad nobiliaria del momento. Johann II es sin duda el miembro más interesante en cuanto al talento compositivo, además del que mayor relevancia ha tenido posteriormente, gracias especialmente a su labor en esos géneros de baile, pero también en su aportación fundamental a la opereta, consiguiendo que ocupara un lugar de privilegio en la escena vienesa de la segunda mitad del XIX. Algunas de sus operetas se han considerado entre las mejores del género, destacando

Ópera: El murciélago Opereta en tres actos de Johann Strauss II 14 de enero 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador



sobre manera Die Fledermaus [El Murciélago], estrenada en abril de 1874 en el Theater an der Wien.

La obra, compuesta en tres actos, muestra la capacidad de Strauss para dotar a un género, en cierta manera menor, de características que la elevan a la altura del drama operístico convencional, en este caso a la comedia. El libreto, escrito a la par por Carl Haffner y Richard Genée, se basa en una novela de Lulis Benedix que a su vez se inspira en un vodevil francés que había sido creado por Meilhac y Halévy para una obra de Offenbach, que nunca llegó a ponerse en música. Tuvo que adaptarse a los gustos y tópicos centroeuropeos del momento, pero tras ello y con la sapiencia de Strauss, la obra se consagró como un éxito y un ejemplo excepcional de lo que el género de la opereta puede ofrecer.

Cada uno de sus números fue un éxito rotundo, y toda la obra es un ejemplo de refinado humor y alegría desbordante, plagada de momentos de comicidad fascinante. El apartado vocal es de gran complejidad, acercándose mucho a las exigencias vocales de cualquier ópera. En lo instrumental la calidad de Strauss sale a relucir desde los primeros compases de la misma obertura, todo un derroche de fantasía sobre algunos de los pasajes más brillantes de la obra y con una instrumentación realmente brillante. Sin duda, una obra de altura para un compositor que supo mantener el buen nombre de una saga de considerable talento.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00115_The_Bat_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00115_The_Bat_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00115_The_Bat_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00115_The_Bat_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00115_The_Bat_5.jpg

Ópera: El murciélago Opereta en tres actos de Johann Strauss II 14 de enero 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: En la Viena del siglo XIX no todo eran valses, polcas y marchas. Disfruten de esta célebre opereta El Murciélago, que Johann Strauss II compusiera a finales de siglo. Una historia cómica que combina lo mejor del mundo teatral vienés y francés. Un casting de lujo que supone además el adiós de Harald Serafin, uno de los grandes cantantes que han hecho historia en el Seefestspiele Mörbisch Festival.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00115_The_Bat_1.jpg







De nuevo Viena se convierte en Hollywood por un día con lo mejor de las bandas sonoras

más maravillosas y el homenaje a este gran autor estadounidense.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea, música electroacústica.

Intérpretes: Jana Kluge.

Año: 2016.


Este programa es un homenaje a Marshall McLuhan, que engloba tres aspectos de sus estudios pioneros sobre las tecnologías de la comunicación y los cambios que estas produjeron en la sociedad: alfabetización, cultura de la imprenta y medios electrónicos. Una viaje aventurado que va de la galaxia Gutenberg a la aldea global. La realización corre a Jana Kluge, por medio de una serie de doce vídeos experimentales combinados con otras tantas piezas musicales electroacústicas procedentes del concierto Miniaturas

Galácticas –presentadas para José Halac en 2010 en el Museo San Alberto, Córdoba,

Argentina–. Esta creación audiovisual, bajo el título de Gutenberg Variations, es un verdadero work-in-progress que Jana Kluge comenzara en 2011, sobre el que ha continuado trabajando en 2012, con revisiones en 2016. Los primeros vídeos de Jana Kluge dedicados a Marshall McLuhan fueron proyectados en Argentina en 2010, para realizar después su proyecto multimedia Gutenberg Galaxias, en el Museo San Alberto de Córdoba. La instalación video, así como una colección de imágenes digitales impresas sobre papel, fueron exhibidas en los locales históricos en los cuales los Jesuitas del siglo XVII instalaron la primera imprenta de Argentina, con la que imprimieron Biblias, diccionarios y libros para la Universidad de Cordoba. José Halac, compositor argentino y profesor en la Universidad Nacional de Córdoba, participó en Gutenberg Galaxias, creando la instalación

Concierto: Gutenberg Variations De Jana Kluge Estreno 14 de enero 22:15 Argentina/Uruguay | 21:15 Colombia/Ecuador



sonora Galaxy y componiendo igualmente la música del video Universalis. Una parte de este proyecto fue la realización de las piezas musicales Miniaturas Galácticas. Halac, supervisor de este concierto, presentó doce piezas musicales electroacústicas que fueron especialmente creadas por doce compositores reconocidos internacionalmente: Monty Adkins, Basilio del Boca, Gerardo Dirié, Beatriz Ferreyra, Christine Groult, Jens Hedman, Elsa Justel, Judy Klein, Mario Mary, José Mataloni, Daniel Teruggi, Horacio Vaggione.

De vuelta en Europa, Jana Kluge se interesó en la elaboración del tema Gutenberg según McLuhan. Desarrollando sus imágenes digitales producidas inicialmente para la instalación de Córdoba, la artista realizó una serie de vídeos, combinados con las piezas musicales Miniaturas Galácticas. Como una continuación de este trabajo nació la serie de doce Gutenberg Variations, la cual presenta parcialmente una versión audiovisual del proyecto multimedia argentino en 2010. Los primeros elementos de esta obra fueron mostrados en Toronto en 2011 durante el McLuhan Centenary Festival.

Jana Kluge es una artista independiente, creadora del Proyecto Gutenberg, que actualmente vive en Paris. Estudio psicología, sociología, filosofía y arte en Hannover y Hildesheim. Desde 1982 presenta sus obras en exposiciones en Alemania, Francia, Estados Unidos, España y Argentina, a veces en cooperación con compositores de música electroacústica. Ha realizado exposiciones de poesía experimental en los años ochenta y noventa, en ciudades como Paris, Berlin, New York. También ha colaborado en instalaciones sonoras de compositores como Elsa Justel, José Halac, y ha realizado numerosas presentaciones de tipo audiovisual en proyectos como esta Galaxie Gutenberg, que ha llevado por medio mundo: Toronto, Paris, New Zealand, Bruxelles, Córdoba, Mar del Plata. Las últimas presentaciones audiovisuales de Gutenberg Variations han tenido lugar en Festival Sound Art and Electro-Acoustic Music [2013, Sandviken], Festival aCross’15 [2015, Théâtre Robert Manuel, Ville de Plaisir] y en 2016, en el Museé - Centre du Livre d’Artiste Contemporain (Caroline Corre), Verderonne.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00335_Jana_Klug_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00335_Jana_Klug_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00335_Jana_Klug_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00335_Jana_Klug_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00335_Jana_Klug_5.jpg

Concierto: Gutenberg Variations De Jana Kluge Estreno 14 de enero 22:15 Argentina/Uruguay | 21:15 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La artista alemana Jana Kluge le invita a descubrir Gutenberg Variations, un auténtico work in progress en el que lo audiovisual cobra todo su sentido, tomando para la realización composiciones originales de un total de doce creadores en el ámbito de la electroacústica.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00335_Jana_Klug_1.jpg







Una de las grandes óperas rusas en magnífica producción del coliseo operístico

londinense, con Stoyanova y Keenlyside en los roles protagonistas.

Género: ópera, música clásica, música romántica, bel canto.

Intérpretes: Krassimira Stoyanova, Simon Keenlyside, Thom Rackett, Vigdis Hentze Olsen, Elena Maximova, Pavol Breslik, Diana Montague, Kathleen Wilkinson, Peter Rose, Christopher Mortagne, Jihoon Kim, Michel de Souza, Ellior Gouldi, Luke Price; Coro de la Royal Opera House; Kasper Holten [dirección de escena], Mia Stensgaard [escenografía], Katrina Lindsay [vestuario], Wolfgang Göbbel [iluminación], Signe Fabricius [coreografía].

Director: Ronin Ticciati.

Orquesta: Orquesta de la Royal Opera House.

Año: 2013.

Lugar: Royal Opera House, London.


Eugene Onegin [Yevgueni Oneguin] es una ópera en tres actos con música de Piotr Ilich Tchaikovski (1840-1893) y libreto en ruso de Konstantín Shilovski y el propio Tchaikovski, sobre la novela homónima en verso de Aleksandr Pushkin, publicada en 1831. Eugene Onegin es probablemente la más apreciada y valorada del total de diez óperas que compuso el autor ruso. El libreto sigue muy estrechamente el original de Pushkin, conservando gran parte de su poesía, a la que Tchaikovski añade música de naturaleza realmente dramática. La historia se refiere a un héroe egoísta que vive lo suficiente para lamentar su displicente rechazo del amor de una joven y su descuidada incitación a un duelo fatal con su mejor amigo. Tchaikovski no consideraba la obra propia de un teatro público, así que decidió estrenarla en una función para el Conservatorio de Moscú, a cargo de un grupo de

Ópera: Eugene Onegin Ópera en tres actos de Piotr Ilich Tchaikovsky 15 de enero 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador



estudiantes, el 29 de marzo de 1879. La cantante de ópera Yelizaveta Lavróvskaya es la gran culpable de la creación de esta ópera, pues en mayo de 1877 habló con Tchaikovski sobre la posibilidad de crear una ópera basada en la trama de la novela en verso de Pushkin. Al principio la idea le pareció un tanto absurda y poco viable, según sus memorias, sin embargo, pronto fue interesándose más sobre la sugerencia y creó los escenarios en una noche, justo antes de empezar la composición de la música. Así describía el propio autor lo que suponía para él esta ópera: Si alguna vez he compuesto música con pasión sincera, con amor por la historia y por los personajes, es la música de Onegin […] Si los oyentes sintieran tan solo una parte muy pequeña de lo que he experimentado durante la composición de la ópera, me sentiría totalmente satisfecho.

Tchaikovski usó los versos originales de la novela de Pushkin y eligió escenas que implicaban el mundo emocional y la fortuna de los personajes, llamando a la ópera escenas líricas. La ópera es episódica, esto es, no hay una historia continuada, sino momentos seleccionados de la vida de Onegin. Puesto que la historia original era bien conocida, el

compositor ruso sabía que su público podría fácilmente completar los detalles omitidos –algo similar sucede en La bohème de Puccini–.

Para enero de 1878 la ópera estaba concluida. Sin embargo, Tchaikovski estaba notablemente preocupado por si el público aceptaría bien esta ópera, pues carecía de los tradicionales cambios de escena y de una estructura convencional. Creía que su representación exigía máxima simplicidad y sinceridad. Con ello en mente confió la primera producción a los estudiantes del conservatorio de Moscú, en aquel estreno del 29 de marzo de 1879 en el Teatro Maly, bajo la dirección de Nikolay Rubinstein y contando con los escenarios de Karl Waltz. Dos años después se estrenaría en el Teatro Bolshoi de la capital rusa, un 23 de enero de 1881, con el director Enrico Bevignani como encargado. La primera representación fuera de Rusia tuvo lugar el 6 de diciembre de 1888 en Praga, dirigida por el propio Tchaikovski, que se cantó en checo. La primera representación en Hamburgo, el 19 de enero de 1892, fue dirigida por Gustav Mahler, en presencia del compositor. Tchaikovski fue aplaudido después de cada escena y tuvo que salir a saludar al final. Atribuyó este éxito a Mahler, a quien describió como alguien fuera de lo normal; simplemente un genio ardiendo por un deseo de dirigir.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00293_Tchaikovsky_Eugene_Onegin_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00293_Tchaikovsky_Eugene_Onegin_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00293_Tchaikovsky_Eugene_Onegin_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00293_Tchaikovsky_Eugene_Onegin_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00293_Tchaikovsky_Eugene_Onegin_5.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00293_Tchaikovsky_Eugene_Onegin_6.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00293_Tchaikovsky_Eugene_Onegin_7.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00293_Tchaikovsky_Eugene_Onegin_8.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00293_Tchaikovsky_Eugene_Onegin_9.jpg

Ópera: Eugene Onegin Ópera en tres actos de Piotr Ilich Tchaikovsky 15 de enero 15:00 Argentina/Uruguay | 21:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Acompáñennos a la Royal Opera House londinense para descubrir la que es quizá la ópera más célebre de Piotr Ilich Tchaikovsky. Eugene Onegin llega aquí en las magníficas voces de un brillante plantel solista: Krassimira Stoyanova, Simon Keenlyside, Thom Rackett, Vigdis Hentze Olsen, Elena Maximova, Pavol Breslik, Diana Montague, Kathleen Wilkinson, Peter Rose, Christopher Mortagne, Jihoon Kim, Michel de Souza, Ellior Gouldi, Luke Price. A ellos se une la orquesta y coro de la Royal Opera House, bajo la dirección de Robin Ticciati.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00293_Tchaikovsky_Eugene_Onegin_1.jpg











Una de las grandes obras vocales del barroco francés en la interpretación de la gran

soprano belga y uno de los mejores conjuntos historicistas de la última década.

Género: concierto, música clásica, música barroca, voz.

Intérpretes: Sophie Karthäuser.

Director: Sébastien Daucé.

Orquesta: Ensemble Correspondances.

Año: 2016.

Lugar: Chapelle Corneille, Rouen.


A pesar de que es más conocido por sus grandes motetes, los cuales, tras trasladar Louis XIV toda su corte, gozaron de gran popularidad en el llamado Concert Spirituel, Michel-Richard de Lalande (1657-1726) no despreció las formas más pequeñas. Esto se puede observar claramente en sus tres Leçons de Ténèbres [Lecciones de tinieblas] y en su Miserere para voz y continuo. Al igual que muchos de sus contemporáneos, entre ellos Michel Lambert, Marc-Antoine Charpentier y François Couperin, Lalande escribió sobre uno de los géneros emblemáticos de la música sacra en el Grand Siècle: la Leçon de Ténèbres. Se

concebían para fuerzas reducidas –generalmente una o dos voces y continuo–, con las que respetar las pautas de sobriedad y moderación establecidas por la Iglesia durante la Semana Santa. Combinaban muy bien el arte especial del beau chant francés, a la vez

Concierto: Lecciones de tinieblas, de Michel-Richard de Lalande Sophie Karthäuser & Ensemble Correspondances Estreno 15 de enero 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



declamado y muy ornamentado, con la herencia gregoriana del tonus lamentationum, un tono de recitado muy que se usaba para cantar las lamentaciones de Jeremías en canto

llano, en los maitines de los tres días anteriores a la Pascua –el triduo sacro–. Entre 1660 y 1735 numerosos compositores presentaron Leçons de Ténèbres para voz a solo, interpretadas por los mejores cantantes y acompañados por un grupo continuo de una suntuosidad y variedad que proporcionó un medio de esquivar la prohibición papal total del uso de instrumentos durante la Cuaresma. Esto atrajo a un público importante, haciendo de los oficios de tinieblas un verdadero evento social.

De Lalande se formó en la escuela de coro de Saint-Germain-l'Auxerrois, y en 1683 fue seleccionado para ocupar uno de los cuatro puestos de sous-maître de la Chapelle royale, antes de adquirir los otros tres cargos trimestrales debido a las sucesivas dimisiones de sus colegas, asumiendo también las funciones de compositeur [compositor, 1685], surintendant [superintendente, 1689] y maître [maestro, 1695] en la Musique de la Chambre du Roi [música de la cámara real]. En el momento de su muerte, su fama estaba en su apogeo y el público acudía al Concert Spirituel, donde fue el compositor más frecuentemente representado en sus conciertos entre 1725 y 1730, especialmente para escuchar sus motetes. Fue este mismo período, entre 1729 y 1734, cuando se realizó la publicación de la edición integral de su obra, de la que forma parte la colección de 1730, concebida en paralelo con otros veinte volúmenes, dedicados a sus grandes motetes.

La impresión de 1730 no presenta un ciclo completo de Leçons, sino solo la tercera para cada uno de los tres días sagrados. A pesar de que son claramente representativas de la madurez del compositor, estas obras son difíciles de fechar. El Mercure galant de abril de 1680 menciona la participación del joven músico de veintitrés años en los servicios de tinieblas de la Sainte-Chapelle de París; nada dice, sin embargo, acerca de la música que él proporcionó en esa ocasión, y cualquier conexión con las Leçons de 1730 es improbable. En un catálogo de 1729, Philidor informa que ha copiado entre otros varios mottets de M. de La Lande, un ciclo completo de nueve Leçons de Ténèbres para voz solista y continuo, un Miserere para voz, violín y continuo, y otros dos motetes para las mismas fuerzas, todos ellos escritos para las Damas de la Asunción y cantados por señoritas de La Lande a la admiración de todo París. Las Damas de la Asunción son las monjas agustinas de un convento fundado en 1622 y situado cerca de las Tullerías, en la calle Saint-Honoré. Las señoritas de Lalande mencionadas son las dos hijas del compositor de su primera esposa, Anne Rebel. Nacidas en 1686 y 1687, Marie-Anne y Jeanne fueron, como su madre, cantantes reconocidos y bien consideradas por el rey.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00334_Lecons_de_tenebres_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00334_Lecons_de_tenebres_2.jpg

Concierto: Lecciones de tinieblas, de Michel-Richard de Lalande Sophie Karthäuser & Ensemble Correspondances Estreno 15 de enero 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Michel–Richard de Lalande es uno de los compositores más apasionantes de la historia de la música francesa y una figura trascendental en el desarrollo musical en la Francia de Louis XIV. Se interpretan aquí algunas de sus mejores obras, como son su serie de Lecciones de tinieblas y el Miserere. Sophie Karthäuser es la encargada de poner la voz solista, acompañada por el exquisito Ensemble Correspondances que dirige Sébastien Daucé.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00334_Lecons_de_tenebres_1.jpg

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00334_Lecons_de_tenebres_2.jpg



Uno de los grandes títulos de la ópera rusa, en una excepcional producción de la Ópera

Estatal de Berlín y dirección de Daniel Barenboim.

Género: ópera, música clásica, música romántica.

Intérpretes: Anatoli Kotscherga, Olga Peretyatko, Johannes Martin Kränzle, Pavel Černoch, Anita Rachvelishvili, Anna Tomowa-Sintow, Anna Lapkovskaja, Carola Höhn, Tobias Schabel, Stephan Rügamer; Dmitri Tcherniakov [dirección de escena].

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: Orquesta Estatal de Berlín.

Año: 2013.

Lugar: Ópera Estatal, Berlín.


La novia del zar [Tsárskaya nevesta] es una ópera en cuatro actos compuesta por Nikolai Rimski-Korsakov (1844-1908) sobre libreto en ruso de Ilia Fiodorovich Tiumenev, basado en el drama del mismo nombre de Liev Aleksandrovich Mei. El texto de Mei le fue sugerido por primera vez al compositor como un asunto propio para ópera en 1868, por Mili Balakirev. El también compositor ruso Aleksandr Borodin llegó en una ocasión a barajar la posibilidad de componerla. Rimsky-Korsakov tenía en mente ya en 1891 el trabajar de manera seria sobre la historia, aunque no sería hasta 1898 que lo hizo finalmente. La primera representación de la ópera tuvo lugar el 22 de octubre de 1899 en el Teatro Solodovnikov de Moscú. San Petersburgo tuvo que esperar dos años para ver el estreno de

Ópera: La novia del zar Ópera en cuatro actos de Nikolai Rimsky-Korsakov Estreno 21 de enero 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador



la ópera, en el Teatro Mariinski. Otra representación notable fue en el Teatro Bolshoi de Moscú. Años después, en 1966, se realizó una versión filmada, bajo la dirección de Vladimir Gorikker. El propio Rimsky-Korsakov dijo que con ella pretendía una reacción contra las ideas de Richard Wagner, además de crear una partitura en el estilo de la cantilena par excellence. La novia del zar no forma parte del repertorio operístico estándar en Occidente, pero sí en Rusia. En las estadísticas de Operabase aparece la n.º 124 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 8.ª en Rusia y la primera de su autor, con 26 representaciones en el período. Se trata de una ópera de enorme belleza melódica, con uso muy interesante de algunas melodías populares de su tierra. Es además un notable ejercicio de veracidad operística, con pasajes en los que el canto está al servicio de una poderosa idea expresiva cargada de sentido trágico, no al del lucimiento de los cantantes. Además, la mezcla entre el sabor folclórico y el refinamiento de la música académica ofrece un enorme atractivo, a lo que hay que sumar las excepcionales dotes de orquestador que siempre destacan en la figura de Rimsky-Korsakov. Defiende Barenboim que la dificultad de la ópera rusa estriba precisamente en su eclecticismo, no suena a ópera alemana, francesa o italiana, sino que incorpora elementos de las tres, y los mezcla con influencias de la música popular rusa. Quizá es por ello que, además del siempre complicado tema del ruso para el canto, no sean muchos los teatros, cantantes y directores que se atreven con ella fuera de su hábitat natural. A pesar de ello, de vez en cuando emergen visiones ajenas al mundo al menos parcialmente, que llevan títulos tan magníficos como este a todos los rincones del planeta.

La acción se desarrolla en 1572. Presenta la sociedad del Zarato ruso, dominada por el zar y los cortesanos que lo rodean, con un poder omnímodo sobre sus súbditos. Se basa en el tercer matrimonio del zar Iván el Terrible con Maria Sobakina, pero se aparta bastante de la realidad históricamente acreditada. Griaznoi ha raptado a la joven Liubasha, pero luego se enamora de Marfa, prometida de Lykov. Griaznoi acude a un mago para que le ayude en la conquista con un filtro de amor. Liubasha quiere que el mago le dé, en su lugar, un veneno que la vaya matando poco a poco. Iván el Terrible quiere casarse con Marfa, pero esta muere. Cuando al final Griaznoi descubre lo ocurrido, mata a Liubasha. La guardia del zar lo arresta.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00344_Rimsky_Korsakov_The_Tsar_s_Bride_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00344_Rimsky_Korsakov_The_Tsar_s_Bride_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00344_Rimsky_Korsakov_The_Tsar_s_Bride_3.jpg

Ópera: La novia del zar Ópera en cuatro actos de Nikolai Rimsky-Korsakov Estreno 21 de enero 19:00 Argentina/Uruguay | 17:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: La novia del zar es una de las óperas fundamentales en el repertorio lírico ruso, además del título para la escena más destacado de Nikolai Rimsky-Korsakov. Le invitamos a descubrirlo en esta fascinante producción de la Ópera Estatal de Berlín, que cuenta con las voces solistas de Anatoli Kotscherga, Olga Peretyatko, Johannes Martin Kränzle, Pavel Černoch, Anita Rachvelishvili, Anna Tomowa-Sintow, Anna Lapkovskaja, Carola Höhn, Tobias Schabel y Stephan Rügamer. Les acompañan las Orquesta Estatal de Berlín y la batuta de Daniel Barenboim.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00344_Rimsky_Korsakov_The_Tsar_s_Bride_1.jpg





Uno de los clásicos por excelencia del ballet, en la magnífica puesta en escena del Ballet

Nacional de Holanda.

Género: ópera, ballet, música clásica, música romántica.

Intérpretes: Ballet Nacional de Holanda: Anna Tsygankova, Jozef Varga, Igone de Jongh, Jan Zerer, Michele Jimenez, Maia Makhateli, Mathieu Gremillet, Arthur Shesterikov, Anu Viheriäranta, Emanouela Merdjanova, Natasja Lucassen, Jeanette Vondersaar, Francis Sinceretti, Dario Mealli; Marius Petipa [coreografía], Rachel Beaujean & Ricardo Bustamante [producción y coreografía adicional], Toer van Schayk [escenografía y vestuario], James F. Ingalss [iluminación].

Director: Boris Gruzin.

Orquesta: Holland Symfonia.

Año: 2009.

Lugar: Amsterdam Musziektheater.


Giselle es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam (1803-1856) y coreografía original de Jules Perrot y Jean Coralli, sobre libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy, basado en la obra De l'Allemagne [1835], de Heinrich Heine. La variación de Giselle del primer acto no es original de Adam, fue incorporada posteriormente y se cree que su autor fue Ludwig Minkus. Obra maestra absoluta de la danza clásica del Romanticismo, en Giselle se concentran todas sus instancias técnicas, estilísticas y dramáticas, así como sus temas fundamentales: el presentimiento, el amor, la tragedia, la locura, la muerte… Mezcla un entorno ingenuo, aldeano y sentimental, por

Ballet: Giselle, de Adolphe Adam Marius Petipa & Ballet Nacional de Holanda Estreno 22 de enero 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador



un lado, con otro sobrenatural. Fue estrenado en 1841 en la Ópera de Paris, constituyéndose desde entonces en pieza pura y fundamental de la danza clásica, tanto por el tratamiento de los ideales románticos como por el empleo de la más refinada técnica teatral del siglo XIX.

Uno de los roles cumbres del ballet romántico, ha conocido interpretaciones que dieron per se celebridad a grandes bailarinas del siglo XX. Entre ellas deben mencionarse Olga Spesivtseva, Anna Pavlova, Olga Preobrazhenskaya, Tamara Karsavina, Marina Semionova, Galina Ulanova, Alicia Markova, Yvette Chauvire, Margot Fonteyn, Carla Fracci, Natalia Makarova, Olga Ferri, Natalia Bessmertnova, Ghislaine Thesmar, Alicia Alonso, Galina Mezentseva, Ulyana Lopatkina, Svetlana Zakharova, Alessandra Ferri, entre otras. Famosos Albrechts incluyen a Lucien Petipa, Vaslav Nijinsky, Mijail Baryshnikov, Rudolf Nureyev, Erik Bruhn, Mijail Lavrovski, Vladimir Vasiliev, Anton Dolin, Vladimir Malajov, Vladimir Muravlev, Michael Denard, Julio Bocca, Roberto Bolle y otros. Aunque Adam dedicó prácticamente todos sus esfuerzos creativos al género operístico, su obra más recordada es este ballet Giselle, paradigma del género en la Francia del siglo XIX. Hijo de Jean Louis Adam, fue quien le dio sus primeras lecciones musicales, ampliadas después en el Conservatorio de Paris con François-Adrien Boïeldieu. La influencia de este músico sería decisiva en su formación, sobre todo en lo que respecta a la composición para el teatro, terreno en el que obtendría sus mayores triunfos. En 1827 empezó a componer vaudevilles para varios teatros y en 1829 estrenó, en la Opéra Comique, la opereta en un acto Pierre et Catherine. Sin duda su más exitosa ópera fue Le postillon de Longjumeau [1836], todavía vigente en el repertorio francés por la frescura de su inspiración melódica y su característico tono ligero, que más tarde retomaría y desarrollaría Jacques Offenbach en sus operetas. La ópera cómica en tres actos Si j’etais roi [1852] es otro de sus títulos más apreciados. Entre las restantes obras suyas son dignas de mención Le châlet [1834], La reine d'un jour [1839], Cagliostro [1844] y Le toréador [1849]. Entre sus numerosos ballets destacan Faust [1832] y Giselle. Adolphe Adam también alcanzó un gran renombre como pianista, organista y crítico musical. Publicó sus memorias en dos volúmenes: Souvenirs d'un musicien [1857] y Derniers souvenirs d'un musicien [1859].

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00355_Giselle_1.jpg

Ballet: Giselle, de Adolphe Adam Marius Petipa & Ballet Nacional de Holanda Estreno 22 de enero 18:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Giselle es la inmortal obra de Adolphe Adam y uno de los títulos más queridos y celebrados en el ballet clásico. Disfrute de la interpretación de un magnífico cuerpo de baile del Ballet Nacional de Holanda, con Anna Tsygankova y Jozef Varga como protagonistas, y la coreografía de Marius Petipa. Les acompaña la Holland Symfonia, bajo la dirección de Boris Gruzin.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00355_Giselle_1.jpg



Magnífica producción de la aclamada ópera del autor francés, en un giro moderno en torno

a la actual situación mundial.

Género: ópera, música clásica, música romántica.

Intérpretes: Torsten Kerl, Marianna Tarasova, Nicola Mijalovič, Milcho Borovinov, Tijl

Faveyts, Thorsten Büttner, Onno Pels, Gijs Van der Linden; Coro de la Ópera de Flandes;

Omri Nitzan [dirección de escena], Amir Nizar Zuabi [dirección de escena, escenografía

y vestuario], Ashraf Hanna [escenografía y vestuario], Keren Granek [iluminación].

Director: Tomáš Netopil.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Ópera de Flandes.

Año: 2009.

Lugar: Ópera de Flandes, Amberes.


Sansón y Dalila [Samson et Dalila] es una grand opéra en tres actos con música de Camille Saint-Saëns (1835-1921) y libreto en francés de Ferdinand Lemaire. Se estrenó en Weimar el 2 de diciembre de 1877, en una versión en alemán, en el Teatro Grossherzogliches [del Gran Duque hoy la Staatskapelle Weimar]. Es una de las pocas óperas de Camille Saint-Saëns que ha tenido gran acogida mundial, siendo representada con regularidad en numerosos países. Es una de las óperas más importantes en la historia del género en su país, cuya escena de amor del acto II es una de las típicas que definen la ópera francesa. A mediados del siglo XIX se produjo un renacimiento del interés por la música coral por todo el país galo. Saint-Saëns, que era un admirador de los oratorios de Georg Friedrich Händel y Felix Mendelssohn, inició la composición de un oratorio sobre el tema de Sansón y Dalila, como se sugiere en el libreto de Voltaire, Samson, para la obra de Jean-Philippe Rameau. El compositor empezó a trabajar en el tema en 1867, dos años

Ópera: Samson et Dalila Ópera en tres actos de Camille Saint-Saëns 28 de enero 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador



después de terminar su primera ópera, Le timbre d'argent. Pero su libretista, Ferdinand Lemaire, le convenció de su potencial teatral y el autor francés cambió entonces la concepción en forma y género de la obra.

Después de que Lemaire acabara el libreto, Saint-Saëns empezó activamente a componer el acto II de la ópera, produciendo un aria para Dalila, un dúo para Sansón y

Dalila y algunas piezas musicales pare el coro –algunas se pasaron después al acto I– durante 1867–1869. Desde el principio se concibió la obra como un gran dúo entre Sansón y Dalila con el telón de fondo de una tempestad que se aproximaba. Aunque la orquestación no estaba completa, el acto II se presentó en una representación privada en 1870, con Saint-Saëns interpretando e improvisando, al piano, las partes orquestales. Aunque ya existían notables y numerosos precedentes, el público reaccionó en contra de la idea de Saint-Saëns de poner un tema bíblico en escena. Esto hizo que abandonase la idea de seguir trabajando en la ópera durante los siguientes dos años. En el verano de 1872, no mucho tiempo después del estreno de su segunda ópera, La princesse jaune, el compositor se fue a Weimar para ver la reposición de El oro del Rin de Wagner, bajo la batuta de Franz Liszt. Liszt estaba muy interesado en producir nuevas obras de compositores con talento y convenció a Saint-Saëns de que terminara Sansón y Dalila, ofreciéndose incluso a producir la obra terminada en el Teatro de ópera Gran Ducal en Weimar. Animado por tales intenciones, Saint-Saëns empezó a componer el primer acto a finales de 1872. Escribió una gran cantidad del primer acto y lo terminó durante un viaje a Argel en 1874. Al volver a Francia en 1875, Saint-Saëns presentó el primer acto en París en el Théâtre du Châtelet, en un formato similar a la representación del segundo acto en 1870. La obra fue recibida duramente por los críticos musicales y no consiguió suscitar el interés del público. Aunque Saint-Saëns terminó la partitura en 1876, ningún teatro de ópera en Francia mostró deseo alguno de representar Sansón y Dalila. El apoyo constante de Liszt logró, sin embargo, que la obra se representase en Weimar en 1877.

La ópera tiene un marcado formato musical de oratorio, especialmente en el primero de sus tres actos, donde destaca la vibrante arenga de Sansón a su pueblo para sublevarse contra la opresión filistea. El primer y último acto son algo rígidos, y la Barcarola del tercer acto parece extraña a oídos contemporáneos. Pero el segundo acto, la seducción de Sansón por parte de Dalila, posee una gran inspiración. Dos arias de Dalila son particularmente conocidas: Mon coeur s'ouvre à ta voix y Printemps qui commence. La primera de ellas se suele interpretar en recitales de concierto. Otra de las melodías más conocidas de la ópera es su Bacchanale.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00024_Samson_and_Dalila_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00024_Samson_and_Dalila_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00024_Samson_and_Dalila_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00024_Samson_and_Dalila_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00024_Samson_and_Dalila_5.jpg

Ópera: Samson et Dalila Ópera en tres actos de Camille Saint-Saëns 28 de enero 15:00 Argentina/Uruguay | 13:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Le invitamos a disfrutar de una novedosa producción de una de las óperas clásicas en el repertorio francés. La Ópera de Flandes presenta a Torsten Kerl, Marianna Tarasova, Nicola Mijalovič, Milcho Borovinov, Tijl Faveyts, Thorsten Büttner, Onno Pels, Gijs Van der Linden, los conjuntos de la casa y la dirección de escena de Omri Nitzan y Amir Nizar Zuabi, además de la musical de Tomáš Netopil, es una remodelada y actual visión de la obra del genial Camille Saint-Saëns.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00024_Samson_and_Dalila_1.jpg









Tributo a uno de los grandes músicos del pasado siglo, con la dirección del propio Boulez,

al que acompaña el gran director argentino-israelí.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea.

Intérpretes: Hassan Moataz el Molla, Michael Barenboim, Hilary Summers.

Director: Pierre Boulez, Daniel Baremboim.

Orquesta: West-Eastern Divan Orchestra.

Año: 2010.

Lugar: Staatoper Unter den Linden, Berlin.


Pierre Boulez (1925-2016) es una de las figuras fundamentales en el desarrollo de la música clásica durante el siglo XX. Compositor y director, músico completo como pocos, sirva este concierto como homenaje a su reciente pérdida a inicios de 2016. Su imaginación resoluta, enorme fuerza de voluntad y una despiadada combatividad artística le aseguraron, en su juventud, una posición primordial en la escena musical parisina de vanguardia. Sus predecesores, en su opinión, no habían sido lo suficientemente radicales con el arte, y en su obra encontramos una sutil combinación del serialismo de la Escuela de Viena con la irregularidad rítmica abierta con anterioridad por Igor Stravinsky y Olivier Messiaen. Su llamada hacia una modernidad renovada fue ampliamente escuchada y profusamente seguida durante la década de 1950, pero su capacidad se fue

Concierto: Homenaje a Pierre Boulez en sus 85 años Daniel Barenboim & West-Eastern Divan Orchestra Estreno 28 de enero 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador



debilitó gradualmente a partir de entonces, y en la misma medida su creatividad se desvaneció. Comenzó a ser más activo como director de orquesta, en un primer momento como gran especialista del amplio repertorio del siglo XX, para pasar después, en la década de 1970, a abarcar un repertorio realmente amplio y sin etiquetas. Hacia el final de esa década centró buena parte de su atención sobre la música electroacústica, en un estudio construido ex profeso para él en Paris, donde esperaba reanudar el esfuerzo e interés por crear un nuevo lenguaje musical sustentado en una base racional. Tras un breve período, sin embargo, dirigir se convirtió de nuevo en su principal medio para expresar su independencia y claridad de visión artística. Se interpretan aquí tres de sus composiciones: Messagesquiss, para violonchelo solistas y seis violonchelos; Anthèmes 2, para violín y electrónica; y Le Marteau sans maître, para alto y seis instrumentos.

El proyecto West-Eastern Divan fue concebido en 1999 por dos artistas e intelectuales de primer orden: el pianista y director de orquesta argentino-israelí Daniel Barenboim y el intelectual palestino Edward Said. Ambos creyeron en un proyecto que supusiera la creación de un taller para jóvenes músicos de Israel y otros países de Oriente Medio que facilitara el estudio y el desarrollo musical, además de la posibilidad de compartir el conocimiento y la comprensión entre culturas que han sido tradicionalmente rivales. Aquí, los músicos mejoran su nivel musical mientras conviven con jóvenes de países que pueden estar en conflicto con el suyo propio. La base de la orquesta la componen músicos árabes e israelíes acompañados de músicos españoles. Sus primeros pasos los dieron entre Weimar y Chicago, hasta que en 2002 se establecieron definitivamente en Sevilla. Pero este no es únicamente un proyecto musical, sino quizá por encima de ello, un foro para el diálogo y la reflexión sobre el problema palestino-israelí. Gracias a todos los contactos interculturales que allí se realizan, el proyecto aspira a representar un importante papel en la superación de diferencias políticas y culturales entre los países representados en el taller. El uso de las palabras West-Eastern Divan hace referencia a una colección de poemas de Johann Wolfgang von Goethe. Sus propios fundadores comentan al respecto: la razón por la que hemos llamado así a esta orquesta proviene del hecho de que Goethe fue uno de los primeros alemanes verdaderamente interesado en otros países, ya que empezó a aprender árabe con más de 60 años.

Por su parte, Daniel Barenboim es una de esas figuras que no necesitan presentación, pues está presente permanentemente en nuestra programación. Su importancia en la revalorización de repertorios desde finales del XVIII hasta la actualidad ha sido fundamental en la historia de la música.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00341_Hommage_A_Pierre_Boulez_on_his_85th_birthday_Barenboim_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00341_Hommage_A_Pierre_Boulez_on_his_85th_birthday_Barenboim_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00341_Hommage_A_Pierre_Boulez_on_his_85th_birthday_Barenboim_3.jpg

Concierto: Homenaje a Pierre Boulez en sus 85 años Daniel Barenboim & West-Eastern Divan Orchestra Estreno 28 de enero 21:30 Argentina/Uruguay | 19:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Celebren con nosotros el 85.º aniversario de una de las figuras más trascendentales de la música en el siglo XX. Pierre Boulez, el gran director y compositor francés, es homenajeado por Daniel Barenboim y algunos miembros de la West-Eastern Divan Orchestra, a los que acompañan los solistas Hassan Moataz el Molla, Michael Barenboim y Hilary Summers.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00341_Hommage_A_Pierre_Boulez_on_his_85th_birthday_Barenboim_1.jpg








La orquesta que creó al genio, a la que vuelve para ser su director: una historia de

superación artística para deleitarse.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música postromántica, piano, violín, violonchelo.

Intérpretes: Martha Argerich, Renaud Capuçon, Gautier Capuçon.

Director: Gustavo Dudamel.

Orquesta: Orquesta Joven Simón Bolívar de Venezuela.

Año: 2008.

Lugar: Grosses Festspielhaus, Salzburg.


El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, obra social y cultural del Estado venezolano, también conocida como El Sistema, fue concebido y fundado en 1975 por el maestro y músico venezolano José Antonio Abreu para sistematizar la instrucción y la práctica colectiva e individual de la música a través de orquestas sinfónicas y coros, como instrumentos de organización social y de desarrollo humanístico. Un movimiento fundamental en el desarrollo musical y pedagógico del país, que reconoce al movimiento orquestal como una oportunidad para el desarrollo personal en lo intelectual, en lo espiritual, en lo social y en lo profesional, rescatando al niño y al joven de una juventud vacía, desorientada y desviada. A José Antonio Abreu hay que definirlo con una sola palabra: visionario. Este músico venezolano, sembrador de ilusiones y constructor de sueños, ha llevado a cabo una tarea que supera el horizonte musical y

Concierto: Orquesta Simón Bolívar de Venezuela & Gustavo Dudamel Beethoven & Mussorgsky 29 de enero 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador



cultural. Convertido y asumido como el lema del Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, Tocar y luchar, refleja la determinación y el empeño que siempre han caracterizado a sus integrantes y que han hecho de El Sistema el proyecto orquestal y social más importante de la historia musical venezolana.

Gustavo Dudamel se ha erigido como una de las más rutilantes y destacadas figuras en

la dirección orquestal a nivel mundial. Educado en la música desde la infancia –hijo de un

trombonista y una cantante–, Dudamel obtuvo una cuidada educación musical dentro de El Sistema y con doce años dirigió por primera vez la orquesta de Barquisimeto por casualidad, lo que sin duda cambiaría su vida. Rápidamente se convirtió en el asistente del director de la orquesta y a los quince años se alzó en el podio de la Orquesta Juvenil Simón Bolívar. A partir de ahí, su carrera iría de éxito en éxito y de orquesta en orquesta, pasando a estar al frente de varias de las orquestas sinfónicas más importantes del mundo. El hijo pródigo vuelve a la que fue su orquesta, convertido ahora en el máximo referente de la misma.

La velada se compone de dos excepcionales obras. El Concierto para violín, violonchelo y piano en Do mayor, Op. 56, de Ludwig van Beethoven (1770-1829), conocido comúnmente como Triple concierto, que fue compuesto entre 1804 y 1805. Se interpretó varias veces en público desde entonces, aunque su estreno oficial tuvo lugar en 1808, durante los conciertos de verano del palacio de Augarten, Viena. Es probable que en ese estreno los solistas fueran Ignaz Schuppanzigh [violín], Anton Kraft [chelo] y el propio compositor. Por otro lado, una gran obra puramente orquestal, Cuadros de una exposición, célebre composición de Modest Mussorgsky (1838-1891), que fue en origen una suite de piezas para piano, aunque su fama posterior se debe especialmente a la orquestación que el compositor Maurice Ravel (1875-1937) realizó en 1922. El autor ruso se inspiró por la exposición póstuma de diez pinturas y escritos de su gran amigo, Víktor Hartmann, un

notable artista a quien Vladimir Stasov –escritor, crítico musical y asesor del Círculo de

Balakirev– quiso dedicar dicha exposición. Como un homenaje, el compositor quiso dibujar en música algunos de los cuadros expuestos, dedicó la partitura a Stasov.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00274_Simon_Bolivar_Orchestra_of_Venezuela_Gustavo_Dudamel_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00274_Simon_Bolivar_Orchestra_of_Venezuela_Gustavo_Dudamel_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00274_Simon_Bolivar_Orchestra_of_Venezuela_Gustavo_Dudamel_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00274_Simon_Bolivar_Orchestra_of_Venezuela_Gustavo_Dudamel_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00274_Simon_Bolivar_Orchestra_of_Venezuela_Gustavo_Dudamel_5.jpg

Concierto: Orquesta Joven Simón Bolívar de Venezuela & Gustavo Dudamel Beethoven & Mussorgsky 29 de enero 17:30 Argentina/Uruguay | 15:30 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Le invitamos a descubrir la sensación del Festival de Salzburg en 2008: la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela se une al gran talento de Gustavo Dudamel y a tres solistas de excepción, Martha Argerich, Ranaud Capuçon y Guatier Capuçon, para ofrecer dos magníficas obras de repertorio: el Concierto triple, para piano, violín y violonchelo, de Ludwig van Beethoven, y Cuadros de una exposición, la magistral pieza orquestal de Modest Mussorgsky, en un evento único.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00274_Simon_Bolivar_Orchestra_of_Venezuela_Gustavo_Dudamel_1.jpg












Un evento revelador de la exquisita calidad de esta agrupación orquestal argentina, con

un programa que le transportará al mundo de la música clásica latinoamericana.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea, música orquestal, piano.

Intérpretes: Gerardo Di Giusto.

Director: Hadrián Ávila.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de Córdoba.

Año: 2013.

Lugar: Sala Mayor, Teatro del Libertador San Martin, Córdoba.


La Orquesta Sinfónica de Córdoba se creó el 21 de junio de 1932. Su concierto debut

fue el 7 de agosto de 1932, en el Teatro Rivera Indarte –hoy Teatro del Libertador–, bajo la dirección de su primer director, el maestro Eduardo Gasparrini. Dicho maestro incorporó rápidamente al repertorio de la orquesta piezas de autores nacionales y locales, lo cual se convirtió en el sello distintivo de este organismo sinfónico. Desde entonces, la orquesta interpreta una vasta selección de obras de diferentes estilos y épocas, del mundo y de Córdoba, incluyendo estrenos mundiales. En sus más de ochenta años de historia ha recibido la visita de indiscutidos directores de distintas procedencias: Manuel de Falla, Héctor Villa-Lobos, Alberto Wolff, Juan José Castro, Luis Gianneo, Gilardo Gilardi, Aram Katchaturian, Teodoro Fuchs, Nicolás Ulianoff, Colmann Pearce, Pedro Ignacio Calderon, Federico Garcia Vigil, Francisco Rettig, Alexander Titov, Zsolt Nagy, entre otros. Además, ha recibido la visita de solistas de talla mundial: Claudio Arrau, Paul Badura-Skoda, Martha Argerich, Bruno Gelber, Ralph Votapek, Salvatore Accardo, Massimo Quarta,

Concierto: Latino Orquesta Sinfónica de Córdoba & Hadrián Ávila Estreno 4 de febrero 19:50 Argentina/Uruguay | 17:50 Colombia/Ecuador



Shlomo Mintz, Ruggiero Ricci, Henrik Szering, Antonia Janigro, Willian Ramson, Alex Klein, Sergei Tarasov, Marcelo Álvarez, Sol Gabetta… Considerada entre las mejores de su tipo en el país, esta agrupación no limita sus actividades a las tradicionales actuaciones en la sala mayor del Teatro del Libertador de la ciudad de Córdoba, sino que ofrece además su música en diferentes escenarios de toda la provincia y en los más importantes del país, promediando más de sesenta actuaciones anuales y siendo soporte de la temporada de ópera y ballet. Desde 2007 su director artístico es Hadrián Ávila. Latino es la culminación de varios años de trabajo sobre el repertorio de autores contemporáneos de Latinoamérica. En palabras de Ávila: Decidimos presentar el DVD con una proyección sobre una gran pantalla, del tamaño de la boca del escenario, para que la orquesta sea también público, junto a su público. Queremos que estén todos los que nos acompañan en los conciertos y también quienes de un modo u otro son parte de la historia de esta orquesta. El resultado de este esfuerzo es un homenaje a los músicos de la orquesta en toda su historia. A ellos también les debemos haber llegado hasta aquí, porque nos sentimos parte de una tradición que comenzó hace más de ocho décadas. Desde que Ávila asumió la dirección artística de la sinfónica tuvo en mente realizar un registro discográfico de la actividad de la orquesta: Pensé que era una pena que una orquesta de este nivel no tuviese todavía ningún disco y puse ese objetivo entre las prioridades. Pude hacerlo antes con la Banda Sinfónica y esperaba la ocasión para concretarlo con la Orquesta. Finalmente, los astros y las buenas voluntades se juntaron, a partir de una propuesta interesante para grabar no sólo audio sino también imagen. […] Así armamos un buen equipo de trabajo y logramos cumplir un anhelo largamente esperado.

En Latino se incluyen obras de compositores latinoamericanos contemporáneos, sin duda una elección muy razonada que supone toda una declaración de intenciones. Se pueden disfrutar obras de los argentinos Gerardo Di Giusto [La Cambiada y Suite Concertante para piano y orquesta –con el mismo compositor como solista–] y Pablo Ziegler [Sandunga]; del colombiano Adolfo Mejía [Pequeña Suite]; del mejicano Juan Pablo Contreras [El laberinto de la soledad]; y del brasileño Arthur Barbosa [Fantasía Candombe]. Varias de estas obras se graban por primera vez, pero más allá de eso, me interesaba la idea de integrar compositores latinoamericanos. Queríamos aportar algo en este sentido, mostrar algo distinto a nuestro público. Esa es la dirección que nos interesa y la que queremos seguir avanzando.

Enlaces de imágenes:

Concierto: Latino Orquesta Sinfónica de Córdoba & Hadrián Ávila Estreno 4 de febrero 19:50 Argentina/Uruguay | 17:50 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Bajo el elocuente título de Latino se presenta este proyecto de la Orquesta Sinfónica de Córdoba, que dirige Hadrián Ávila. Le invitamos a descubrir obras de Gerardo Di Giusto, Pablo Ziegler, Adolfo Mejía, Juan Pablo Contreras y Arhur Barbosa, en una amalgama de producción latinoamericana contemporánea, que demuestra el gran estado de forma de la creación en el mundo de la clásica en estas regiones.



Un dúo absolutamente único para interpretar una de las grandes obras de cámara del

magnífico compositor alemán.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música de cámara, violín, piano.

Intérpretes: Anne-Sophie Mutter, André Previn.

Año: 2008.

Lugar: Musikverein [Sala Brahms], Wien.


Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847), compositor alemán, es uno de los prodigios más dotados y versátiles de su tiempo, situándose en la vanguardia de la música alemana durante los años 1830 y 1840 como director de orquesta, pianista, organista y, sobre todo, compositor. Su estilo musical, completamente desarrollado antes de cumplir los veinte años, se basó en una variedad de influencias, incluyendo el complejo contrapunto cromático de Johann Sebastian Bach, la claridad formal y gracia de Wolfgang Amadeus Mozart y la fuerza dramática de Ludwig van Beethoven y Carl Maria von Weber. El resurgimiento de Mendelssohn en el primer rango de los compositores alemanes del siglo XIX, coincidió con los esfuerzos de los historiógrafos musicales por desarrollar el concepto de una dialéctica clásico-romántica en la música de los siglos XVIII y XIX. En gran medida, su música refleja una tensión fundamental entre el Clasicismo y el Romanticismo en la generación de compositores alemanes después de Beethoven, que supo llevar a cabo en

Concierto: Anne-Sophie Mutter & André Previn Sonata para violín y piano en Fa mayor, de Felix Mendelssohn Estreno 5 de febrero 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



mucho de los grandes géneros del momento, especialmente en la música puramente instrumental, además de en el tratamiento vocal, sobremanera en la escritura coral.

Siendo un niño Mendelssohn ya demostraba ser un prodigio al piano y el violín. Junto

con su hermana Fanny –otro prodigio musical– el joven Felix fue a Paris a estudiar la obra de Mozart y Bach, los dos compositores que tuvieron una mayor y más duradera influencia en él. En muchas de sus obras se muestra su inclinación por la lógica clásica, la forma y la elegancia sobre las herramientas más habituales del período romántico. Mendelssohn compuso tres sonatas para violín a lo largo de ocho años. La compuesta en Fa mayor [Op. 4], es la última de las tres, escrita en el verano de 1838, cuando Mendelssohn vivía una feliz etapa con su esposa y su reciente hijo. Durante ese verano tuvo tiempo de dedicar su atención a la música de cámara. Esta sonata de violín en Fa mayor es una obra extremadamente ambiciosa, parecida a un concierto para ambos instrumentos, al tiempo que permanece fiel a la forma. El resultado es coherente y estimulante.

Está interpretada por dos de las grandes figuras de las últimas décadas. André Previn es pianista, director y compositor estadounidense de origen alemán, formado en los conservatorios de Berlín y París. Comenzó su carrera musical como pianista de jazz y pasó más tarde a componer bandas sonoras en Hollywood. Después desarrolló una intensa labor en la Metro Goldwyn y en otros estudios. Recibió cuatro Oscar de la Academia por sus bandas sonoras. A la par se convirtió en un pianista notable de música clásica y de jazz, a la vez que comenzaba a dirigir. Su debut como director se produjo en 1963, de la mano de la orquesta Sinfónica de St. Louis. Cinco años después fue nombrado director titular de la Sinfónica de Londres. Mantuvo estrechos lazos con Estados Unidos y dirigió la Sinfónica de Houston a finales de la década de 1960 y la Filarmónica de Pittsburgh entre 1976 y 1985. En 1986 fue nombrado director de la Filarmónica de Los Angeles, en 1985 director musical de la Royal Philarmonic Orchestra y más tarde director titular de la misma. Anne-Sophie Mutter, por su parte, se dio a conocer a la edad de 13 años de la mano de Herbert von Karajan. Es una artista del máximo nivel mundial, que ha tocado y grabado con los mejores directores y las mejores orquestas de los últimos treinta años. A pesar de su temprano éxito ha sabido desarrollar una carrera en la que ha ido poniéndose metas artísticas y retos personales cada vez más exigentes. Su discografía está plagada de magníficas versiones de las grandes obras del repertorio, desde Mozart hasta compositores del siglo XX, siendo su repertorio central el de los compositores más importantes del siglo XIX, legando versiones referenciales de las obras de Beethoven, Brahms, Mendelssohn, Schumann, Schubert o Tchaikovsky.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00337_Anne_Sophie_Mutter_plays_Mendelssohn_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00337_Anne_Sophie_Mutter_plays_Mendelssohn_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00337_Anne_Sophie_Mutter_plays_Mendelssohn_3.jpg

Concierto: Anne-Sophie Mutter & André Previn Sonata para violín y piano en Fa mayor, de Felix Mendelssohn Estreno 5 de febrero 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Dos generaciones de grandes intérpretes se une en este magnífico recital, para interpretar una magnífica obra camerística de Felix Mendelssohn. Les invitamos a deleitarse con la el talento puro de Anne-Sophie Mutter y André Previn en este breve concierto que les dejará con la boca abierta. Un lujo a su alcance como nunca antes ha visto.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00337_Anne_Sophie_Mutter_plays_Mendelssohn_1.jpg





Gran producción de la Ópera Estatal de Viena de este inmenso título verdiano, con un

elenco vocal de auténtico lujo y la dirección del gran Zubin Mehta.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Carlos Álvarez, Alastair Miles, Nina Stemme, Salvatore Litrica, Tiziano Bracci, Nadia Krasteva, Elisabeta Marin, Dan Paul Dimitrescu, Michael Roider, Clemens Unterreiner; Coro de la Ópera Estatal de Viena; Ballet Estatal de Viena; David Pountney [dirección de escena], Richard Hudson [escenografía y vestuario], Beate Vollack [coreografía], Fabrice Kebour [iluminación].

Director: Zubin Mehta.

Orquesta: Orquesta Estatal de Viena.

Año: 2008.

Lugar: Ópera Estatal, Viena.


Ópera en cuatro actos sobre libreto de Francesco Maria Piave, basado en la dramaturgia de Ángel de Saavedra, Duque de Rivas, titulada Don Álvaro o la fuerza del sino. Giuseppe Verdi (1813-1901) compuso La fuerza del destino [La forza del destino] a comienzos de la década de 1830. Fue estrenada el 10 de noviembre de 1832 en el Teatro

Mariinsky de San Petersburgo –por aquel entonces Teatro Bolshoi Kamenny–, quien realizó el encargo al propio autor italiano. El estreno no dejó muy satisfecho al público, que esperaba una obra de corte menos dramático. Aun con todo, el zar Alejandro II de Rusia,

Ópera: La forza del destino Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi Estreno 11 de febrero 17:10 Argentina/Uruguay | 15:10 Colombia/Ecuador



que acudió a la cuarta representación, felicitó efusivamente a Verdi; incluso la crítica terminó mostrándose favorable ante la creación del genio italiano.

La obra sufrió algunas revisiones posteriores, que se presentaron en algunas representaciones, como Roma en 1863, o el Teatro Real de Madrid, con la asistencia del mismo Verdi y la presencia del duque de Rivas. Verdi encomendó después a Piave una revisión del libreto para el estreno italiano, en el que pretendía buscar la forma de evitar todos esos muertos. Una indisposición de salud de este hizo que fuera Antonio Ghislanzoni el encargado de la revisión, quien alteró radicalmente el final, además del

tercer acto y algunas otras partes. Verdi además compuso una nueva obertura –reemplazando al breve preludio–, concebida ahora como una larga introducción con motivos de la ópera; y añadió una escena final en el Acto III, después del duelo entre Carlos y Álvaro. El estreno de esta segunda versión fue el más conocido y es la versión que más se interpreta y graba actualmente. Este tuvo lugar el 27 de febrero de 1869 en el Teatro alla Scala de Milano. Actualmente la obra permanece en repertorio, estando entre las cien óperas más representadas de los últimos años, aunque ocupa el undécimo puesto entre las óperas de su autor.

La acción transcurre en la España del siglo XVIII. El argumento de la ópera verdiana es complejo, pero se ajusta a aquella famosa frase que resumía los dramas operísticos románticos, y que indicaba que el tenor intentaba seducir a la soprano pero que el barítono lo impedía. En este caso el tenor es Don Álvaro, el indiano, que está enamorado de Leonora de Vargas [soprano]. Como el padre de ella, el Marqués de Calatrava [bajo], no admite esta relación, ambos planean su huida. Sin embargo esta se hace imposible al descubrir el padre de la joven las intenciones de la pareja. En ese momento, por voluntad del destino, el arma de Don Álvaro se dispara al caer al suelo, provocando al marqués una herida mortal. Entonces ambos huyen por caminos distintos, ante la persecución del hijo del marqués y hermano de Leonora, Don Carlos de Vargas [barítono]. Este coincide con el indiano en un campamento militar en Italia, aunque ninguno de los dos reconoce su verdadera identidad y ambos juran una amistad eterna. Pero, casualmente, Don Carlos descubre la identidad del joven amante, y ambos se enfrentan en un duelo a muerte, que no llega a realizarse. Don Álvaro ingresa entonces en un convento, donde es de nuevo hallado por su rival, originando un nuevo combate en el que Carlos es herido de muerte. El destino quiere que al pedir ayuda Don Álvaro se encuentre con Leonora, que, con la ayuda del Padre Guardián [bajo], aguardaba en una ermita hasta el final de sus días. Moribundo, Don Carlos apuñala a su hermana, que fallece poco después ante las impotentes miradas de Álvaro y del Padre Guardián.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00347_La_Fuerza_del_Destino_Zubin_Mehta_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00347_La_Fuerza_del_Destino_Zubin_Mehta_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00347_La_Fuerza_del_Destino_Zubin_Mehta_3.jpg

Ópera: La forza del destino Ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi Estreno 11 de febrero 17:10 Argentina/Uruguay | 15:10 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Les invitamos a descubrir esta fantástica creación operística de Giuseppe Verdi, uno de los mejores operistas de la historia. Una producción desde la Ópera Estatal de Viena que reúne a un elenco vocal de primero orden: Carlos Álvarez, Alastair Miles, Nina Stemme, Salvatore Litrica, Tiziano Bracci y Nadia Krasteva. Les acompaña el Coro y Orquesta de la Ópera Estatal de Viena. La dirección corre a cargo del legendario Zubin Mehta, en lo musical, y David Pountney, en lo escénico.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00347_La_Fuerza_del_Destino_Zubin_Mehta_1.jpg





Una fascinante pieza para violín y electrónica que le transportará a un universo sonoro

único y muy evocador.

Género: concierto, música clásica, música electrónica, violín.

Intérpretes: Francisco Colasanto, Sebastián Torella, Abel Romero.

Año: 2014.


Por los Andes es una obra para violín y electrónica realizada en Bogotá en el año 2014 gracias al apoyo de Ibermúsicas. La idea de la pieza es explorar el trabajo con loops de audio, procesos en tiempo real y modulaciones polifónicas. El término loop es un anglicismo, bucle en español, que en música electrónica consiste en uno o varios samples sincronizados que ocupan generalmente uno o varios compases musicales exactos y son grabados o reproducidos enlazados en secuencia una vez tras otra dando sensación de continuidad. Los samples o bucles pueden ser repetidos utilizando diversos métodos como cintas de casete, efectos de retardo [delay], giradiscos, samplers o con la ayuda de software específico para ordenadores. Sampling y sampleado y también el término muestreo musical hacen referencia al acto de tomar una porción o sample [muestra] de un sonido grabado en cualquier tipo de soporte para reutilizarla posteriormente como un instrumento musical o una diferente grabación de sonido. Se elabora, así, una mezcla o sucesión de secuencias de canciones o vídeos que además pueden estar transformados mediante efectos.

World: Por los Andes De Francisco Colosanto Estreno 11 de febrero 20:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Colombia/Ecuador



Sebastián Torrella realizó el video de esta pieza. Su creador a nivel sonoro es Francisco Colasanto [1971], artista bonaerense que es Licenciado en Composición electroacústica egresado de la Universidad Nacional de Quilmes. A pesar de su juventud ya ha recibido algunos reconocimientos de importancia: beca del Ministerio de Cultura de España [2000], subsidio a la creación de la Fundación Antorchas [2004], Premio Juan Carlos Paz otorgado por el Fondo Nacional de las Artes [2005], encargo del LIEM, Museo Reina Sofía, Madrid [2006], Live Electronic Music Competition, del Harvard University [2006], Giga-Hertz Award, ZKM, Karlsruhe. Alemania [2009] y Premio Ibermúsicas [2013]. Ha publicado el libro Max/MSP: guía de programación para artistas. Actualmente se desempeña como Subdirector del Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras [CMMAS]. Las partes visuales corren por cuenta de Sebastián Torella, un artista multidisciplinar, colaborador habitual de Colasanto en diversos proyectos.

Por su parte, Abel Romero es un violinista y educador mexicano, quien se ha consolidado como uno de los violinistas más activos en la actualidad. Es integrante de la Orquesta Sinfónica Nacional, miembro de Ónix Ensamble y profesor de violín en el Colegio Cedros. Como integrante de Ónix Ensamble lleva a cabo grabaciones y estrenos de innumerables obras de los más importantes compositores de nuestro tiempo. Sus presentaciones a nivel internacional incluyen las ciudades de Nueva York, Chicago, Iowa, Austin, Montreal, Londres, París y Caracas. En México participa constantemente en los festivales más importantes del país: Festival Internacional Cervantino, Festival de México en el Centro Histórico, Foro de Música Nueva Manuel Enríquez y el Festival de Música de Morelia. Egresado de la Universidad de Maryland, dicha institución educativa le ofreció una beca para realizar allí sus estudios de licenciatura que culminó con las más altas distinciones.

Enlaces de imágenes:

World: Por los Andes De Francisco Colosanto Estreno 11 de febrero 20:15 Argentina/Uruguay | 18:15 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Por los Andes es una obra para violín y electrónica que Francisco Colasanto creara en conjunción con el aparato visual de Sebastián Torrella. La interpretación violinística corre a cargo de Abel Romero. Una breve pero fascinante pieza que le invitamos a descubrir en la mejor calidad audiovisual del momento.



Apertura del festival de la mano de uno de los pianistas y directores más importantes de la

historia, en un recital de auténtico lujo.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música contemporánea, sinfónico-coral, piano.

Intérpretes: Dorothea Röschmann, Elīna Garanča, Klaus Florian Vogt, René Pape; Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena.

Director: Daniel Barenboim.

Orquesta: Orquesta Filarmónica de Viena.

Año: 2010.

Lugar: Grosses Festspielhaus, Wien.


Como es habitual, el Festival de Salzburg echa el resto para ofrecer en su concierto de apertura de cada nueva edición un evento de primer orden mundial. En el año 2010 invitó

a Daniel Barenboim a hacerse cargo –en una doble faceta como pianista y director– de dicho concierto, dirigiendo a la habitual orquesta de la casa, la excepcional Filarmónica de Viena. Se interpretaron tres obras del repertorio, aunque no de las más comunes en las salas de conciertos. Se abrió con la presencia de Ludwig van Beethoven (1770-1827) y su Concierto para piano n.º 4 en Sol mayor, Op. 58, uno de los que menos se interpreta de los cinco que compuso. Fue compuesto entre 1805 y 1806, aunque no se han conservado de él copias autógrafas. La obra se concibe en tres movimientos y con una plantilla orquestal habitual en la época. Tuvo su estreno, con el propio Beethoven al piano, en un

Concierto: Festival de Salzburg 2010 Concierto de apertura con Daniel Barenboim Estreno 12 de febrero 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador



concierto privado en marzo de 1807 en el palacio de su patrón, el príncipe Lobkowitz. Sin embargo, el estreno público no fue hasta el 22 de diciembre de 1808 en el Theater an der Wien, de nuevo con Beethoven al piano. Beethoven dedicó el concierto a su amigo, alumno y patrón el Archiduque Rudolf de Austria. Un comentario en el Allgemeine Musikalische Zeitung de mayo de 1809 dice que se trata del concierto más admirable, singular, artístico y complejo concierto que Beethoven haya escrito. A pesar de ello la obra, después de su estreno, cayó en el olvido hasta 1836, cuando fue recuperada por Felix Mendelssohn. Emil Ludwig, el más importante biógrafo de Beethoven, lo considera también el más perfecto concierto para solo instrumento jamás compuesto.

Del compositor francés Pierre Boulez (1925-2016) se interpretan tres números de sus

Douze Notations, obras para piano –orquestadas posteriormente, de las que no se

publicaron todas– compuestas en la fase final de sus estudios privados con Leibowitz y Messiaen. Habiendo descubierto el método de doce notas a principios de 1945. Años después, por primera vez, lo utilizó como base de una pieza entera. El diseño de las Notaciones puede ser visto como un homenaje musical al número 12: consta de doce piezas cortas, cada una de las cuales dura doce compases. Cada una de estas miniaturas tiene su carácter distintivo, con contrastes notables no solo entre las piezas, sino a veces en una sola pieza. El elemento que todos tienen en común es una línea de doce notas que se emplea de diferentes maneras a lo largo de las piezas, creando así coherencia en el nivel del material musical. Pero Notations no es un trabajo rígido de doce notas, pues Boulez trata la técnica que aprendió de Leibowitz con gran libertad. La línea se utiliza no solo horizontalmente y verticalmente, sino también en permutación, dividida y fragmentada en segmentos. También hay muchas notas repetidas, clusters, glissandi y varias formas de ostinato.

Concluye el concierto con el Te Deum de Anton Brucker (1824-1896), composición para cuatro solistas, coro, orquesta y órgano, sobre la que comenzó a trabajar entre el 3 y el 17 de mayo de 1881, cuando estaba finalizando su Sinfonía n.º 6. Tras concluir su Sinfonía n.º 7 volvió a trabajar en su Te Deum, el 28 de septiembre de 1883. La partitura vocal y orquestal fue completada el 7 de marzo de 1884. El órgano ad libitum se añadió en una partitura el 16 de marzo de 1884. El Te Deum se estrenó en el Kleiner Musikvereinssaal de Viena el 2 de mayo de 1885. El propio compositor llamó a la obra el orgullo de su vida. El borrador de 1881 y el primer esbozo de 1883 se guardan en el archivo de la Abadía de Kremsmünster. La voz, la partitura orquestal y órgano ad lib. de 1884 se almacenan en el archivo de la Österreichische Nationalbibliothek.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00345_Salzburg_Festival_Opening_Concert_Conducted_By_Daniel_Barenboim_1.jpg

Concierto: Festival de Salzburg 2010 Concierto de apertura con Daniel Barenboim Estreno 12 de febrero 22:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Daniel Barenboim es el protagonista de este concierto de apertura del célebre y fantástico Festival de Salzburg en su edición de 2010. Está acompañado por las voces de Dorothea Röschmann, Elīna Garanča, Klaus Florian Vogt y René Pape. Se les une el Coro de la Sociedad de Conciertos de la Ópera Estatal de Viena y la Orquesta Filarmónica de Viena, para interpretar un hermoso programa protagonizado por Ludwig van Beethoven, Pierre Boulez y Anton Bruckner.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00345_Salzburg_Festival_Opening_Concert_Conducted_By_Daniel_Barenboim_1.jpg

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00345_Salzburg_Festival_Opening_Concert_Conducted_By_Daniel_Barenboim_1.jpg



El gran pianista argentino–israelí interpreta el corpus concertístico de Chopin junto a la

Orquesta Estatal de Berlin dirigida por Andris Nelsons.

Género: concierto, música clásica, música romántica, piano.

Intérpretes: Daniel Barenboim.

Director: Andris Nelsons.

Orquesta: Orquesta Estatal de Berlin.

Año: 2010.

Lugar: Festival de Piano de Ruhr.


Frédéric Chopin (1810-1849) es el gran protagonista de este concierto, que celebró el 200.º aniversario de su nacimiento. Compositor polaco de nacimiento, aunque francés de adopción, revolucionó considerablemente la interpretación y la composición para piano en la primera mitad del siglo XIX y ha sido considerado como uno de los principales exponentes del Romanticismo musical. Su vida merece el calificativo de romántica por su brevedad y por sus sufrimientos, que se pueden concretar en tres aspectos esenciales: su enfermedad; el exilio de su patria natal, Polonia, que poco después de su marcha es invadida por Rusia; y el amor frustrado, que en 1836 habían hecho que no se consumara su

compromiso con la adolescente Maria Wodzinska –cuya familia rechazó el compromiso a

causa de la enfermedad de Chopin– o la constante admiración que le profesaron mujeres siempre inteligentes, apasionadas y casi siempre aristocráticas. La mayor parte de las piezas de Chopin tienen un carácter introspectivo y, dentro de contornos formales

Concierto: Los conciertos para piano de Frédéric Chopin Daniel Barenboim, Orquesta Estatal de Berlin & Andris Nelsons 18 de febrero 17:10 Argentina/Uruguay | 15:10 Colombia/Ecuador



claramente definidos, tienden a sugerir una cualidad improvisatoria. Aunque Chopin era concertista de piano, no se trataba de un ejecutante arrollador y teatral y es probable que otros virtuosos hayan proyectado el aspecto heroico de su música con mayor énfasis que él mismo. Sin embargo, todas sus obras exigen del ejecutante no sólo una técnica y una pulsación inmaculadas, sino asimismo un imaginativo empleo de los pedales y una discreta aplicación del tempo rubato, que el propio Chopin definía como un ligero impulso o retención dentro de la frase de la mano derecha, mientras que el acompañamiento de la mano izquierda prosigue en tiempo estricto.

El presente programa está protagonizado, de manera casi total, por sus dos conciertos para piano. Compuesto en 1830, el primero de ellos en su catálogo fue estrenado el 11 de octubre del mismo año en el Teatro Nacional de Varsovia. Está dedicado a Fredrich Kalkbrenner, pianistas, profesor y constructor de pianos de origen alemán que se había establecido en Paris seis años antes que Chopin y que dio lecciones pianísticas al joven compositor polaco durante algunos años. Aunque fue compuesto en segundo lugar, al ser publicado antes que su segundo concierto le ha hecho pasar a la historia como el primero de ellos en su catálogo. En este concierto se sigue el camino andando previamente por el concierto en Fa menor, pues ambos comparten la textura y la forma, además de una clara estética romántica, aunque en este se aprecia una escritura más firme y experimentada en comparación.

El segundo de ellos fue compuesto 1836, estando dedicado en su primera edición a la Condesa Delphine Potocka. Lo compone en un momento en el que acaba de sufrir el desengaño por su amor hacia la dulce María Wodzinska y en el que ver surgir un prometedor avance en su amistad con la escritora George Sand, hacia la cual había experimentado anteriormente cierta antipatía. En ese momento, en el que permaneció en Viena durante un breve tiempo, advirtió a Chopin la necesidad de contar dentro de su repertorio con algunas obras pertenecientes al género del concierto para piano y orquesta y a ello se debe en parte la escritura de este concierto, que aunque apareció publicado en segundo lugar, fue compuesto con anterioridad al primero de su serie. Su desarrollo presenta características muy originales si las comparamos con el resto de la obra del compositor, incluso en cierta medida con su otro concierto. El concierto se completa con el Valse brillante en La menor, Op. 34/2, obra de una escritura apabullante y genial, además de una obra orquestal firmada por Franz Joseph Haydn (1732–1809), padre de la sinfonía clásica y autentico dominador del género en la segunda mitad del XVIII, su Sinfonía en Mi menor Hob. I:44, Fúnebre, gran ejemplo de su escritura sinfónica.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00157_The_Chopin_Piano_Concertos_Barenboim_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00157_The_Chopin_Piano_Concertos_Barenboim_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00157_The_Chopin_Piano_Concertos_Barenboim_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00157_The_Chopin_Piano_Concertos_Barenboim_4.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00157_The_Chopin_Piano_Concertos_Barenboim_5.jpg

Concierto: Los conciertos para piano de Frédéric Chopin Daniel Barenboim, Orquesta Estatal de Berlin & Andris Nelsons 18 de febrero 17:10 Argentina/Uruguay | 15:10 Colombia/Ecuador

Sinopsis: A pesar de lo breve del mismo, el catálogo de conciertos de Chopin es una pequeña joya que todo pianista desea interpretar. Les invitamos a descubrir la lectura que de ella hacen el gran pianista y director Daniel Barenboim, al que acompañan la Orquesta Estatal de Berlin y la dirección del letón Andris Nelsons, en una grabación desde el Festival de Piano de Ruhr.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00157_The_Chopin_Piano_Concertos_Barenboim_1.jpg







Una de las grandes obras sacras del siglo XX, conmemorando los 50 años de reconsagración

de la catedral que vio su estreno, Coventry.

Género: concierto, música clásica, música contemporánea, sinfónico-coral.

Intérpretes: Erin Wall, Mark Padmore, Hanno Müller-Brachman; Coro y Coro joven de la Orquesta Ciudad de Birmingham.

Director: Andris Nelsons.

Orquesta: Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham.

Año: 2012.

Lugar: Catedral de Coventry.


Benjamin Britten (1913-1973) fue un compositor y pianista británico. Músico precoz, desarrolló un inmenso talento musical desde su más tierna infancia, cuando ya comenzó a sentirse atraído por la composición. Su Simple Symphony, escrita a partir de temas melódicos compuestos en aquella época, da rápida cuenta de la originalidad y valor de esos primeros intentos. Estudió con Frank Bridge, quien le descubrió el universo sonoro de la Segunda Escuela de Viena, uno de cuyos integrantes, Alban Berg, sería uno de sus referentes durante toda su vida. Su música empezó a adquirir un lenguaje propio, basada en la síntesis personal de elementos de distinta procedencia: desde la artificiosa vocalidad de Monteverdi hasta la obsesión formal y expresiva del mencionado Berg, pasando por otros autores como Puccini, Musorgski, Mahler y Purcell. El mundo de la ópera sin duda supuso un antes y un después en su carrera, empezando por Peter Grimes, la cual

Concierto: Requiem de Guerra, de Benjamin Britten Andris Nelsons & Coro y Orquesta de la Ciudad de Birmingham Estreno 19 de febrero 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



marcaría el verdadero inicio de la carrera del músico británico como compositor, y a partir de la cual vendrían otros grandes títulos como La violación de Lucrecia, Billy Budd, Otra vuelta de tuerca, Sueño de una noche de verano y Muerte en Venecia, que lo convirtieron en uno de los operistas más aclamados del siglo XX.

Britten fue un activo pacifista, como demuestran su ingreso en 1937 en la Peace Pledge Union, una organización pacifista no gubernamental británica, o algunas de sus declaraciones: Toda mi vida ha estado dedicada a actos de creación (mi profesión es la de compositor) y no puedo participar en actos de destrucción. El Requiem de Guerra [War Requiem] nació varios años después de la conclusión de la II Guerra Mundial, y lo hizo como un encargo de la ciudad de Coventry, que había sido objetivo de masivos bombardeos durante la misma, siendo su catedral su catedral destruida casi por completo la noche del 14 de noviembre de 1940. En la posguerra se decide construir una nueva y mantener las ruinas de la antigua como símbolo de reconciliación y en memoria de aquellos afectados por la terrible guerra. Es entonces cuando se encarga, para el acto de su reconsagración, esta obra a Britten. Así, el compositor ve en este encargo la posibilidad de materializar un deseo anhelado por muchos años: la composición de una gran obra sinfónico-coral que se integre en la amplia tradición británica, escogiendo finalmente una misa de Requiem. La consagración de la nueva catedral tiene lugar el 25 de mayo de 1962.

Para la obra emplea el texto latino de la Missa pro defunctis, al que añade nueve poemas de Wilfred Owen. La partitura del War Requiem está escrita para soprano y dos coros, uno mixto y otro de voces blancas que, acompañados por la orquesta sinfónica y el órgano positivo, interpretan los textos latinos; y tenor y barítono solistas que interpretan los poemas de Owen acompañados por una orquesta de cámara. El coro de voces blancas, que representa la inocencia y lo inamovible, se separa del resto de los intérpretes a nivel físico, pero también incluso lingüístico, ya que Britten emplea para ellos una escala pseudoarcaica con la que convertir en lejanos e inaccesibles los mensajes de plegaria y salvación transmitidos. La orquesta sinfónica requiere de una plantilla amplia, que incluye maderas y metales a tres, cuatro percusionistas y un órgano de concierto. La orquesta de cámara comprende doce instrumentos, la misma plantilla, exceptuando piano y celesta, que Britten emplea en sus óperas de cámara, The Rape of Lucretia, Albert Herring y The Turn of the Screw: quinteto de viento madera, quinteto de cuerda, arpa y percusión.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00338_Britten_War_Requiem_Andris_Nelsons_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00338_Britten_War_Requiem_Andris_Nelsons_2.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00338_Britten_War_Requiem_Andris_Nelsons_3.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00338_Britten_War_Requiem_Andris_Nelsons_4.jpg

Concierto: Requiem de Guerra, de Benjamin Britten Andris Nelsons & Coro y Orquesta de la Ciudad de Birmingham Estreno 19 de febrero 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Andris Nelson se pone al frente de un magnífico elenco vocal, conformado por los solistas Erin Wall, Mark Padmore y Hanno Müller-Brachman, y el Coro y Coro joven de la Ciudad de Birmingham, además de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, para interpretar una de las grandes obras sinfónico–corales del siglo XX: el Requiem de Guerra del inglés Benjamin Britten.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00338_Britten_War_Requiem_Andris_Nelsons_1.jpg






Una producción absolutamente legendaria desde el Royal Opera House, con más de tres

décadas de vida pero de pura actualidad.

Género: ópera, música clásica, música romántica, belcanto.

Intérpretes: Renato Bruson, William Wildermann, Francis Egerton, George Macpherson, John Dobson, Brenda Boozer, Alice Ford, Katia Ricciarelli, Barbara Hendricks, Lucia Valentini-Terrani, Leo Nucci, Dalmacio Gonzalez; Coro del Royal Opera House; Hayden Griffin [dirección de escena], Michael Stennett [vestuario], David Toguri [coreografía], Jennifer Tipton [iluminación].

Director: Carlo Maria Giulini.

Orquesta: Orquesta del Royal Opera House.

Año: 1982.

Lugar: Royal Opera House, Londres.


Falstaff es una comedia lírica en tres actos con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) y libreto en italiano de Arrigo Boito. Está basada en Las alegres comadres de Windsor y Enrique IV, ambas de William Shakespeare. Su estreno tuvo lugar el 9 de febrero de 1893 en el Teatro de la Scala de Milán. Se trata de la última ópera de Verdi y su segunda comedia —tras Un Giorno di Regno—, así como la tercera con material basado en una obra de Shakespeare —después de Macbeth y Otello—.

Ópera: Falstaff Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi Estreno 25 de febrero 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador



Aunque Verdi era consciente de que su provecta edad podría resultar un impedimento para componer, por otro lado anhelaba volver a escribir una comedia y había quedado satisfecho con el boceto de Boito. Él y su equipo de colaboradores estuvieron trabajando durante tres años. Pese a que en Italia recibieron con entusiasmo la noticia del involucramiento de Verdi en otra ópera, Falstaff no resultó ser tan popular como algunas de las obras anteriores del compositor. La obra quedó en el olvido después de algunas representaciones en Italia y otros países europeos, hasta que Arturo Toscanini la volvió a interpretar tanto en La Scala como en el Metropolitan Opera de Nueva York, a finales de los años 1890. En las estadísticas de Operabase aparece la n.º 24 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 14.ª en italiano y la 6.ª de Verdi.

Boito tomó detalles de las tres obras de Shakespeare. Su habilidad en este libreto simplifica la acción y da relieve humano a sir John, ese seductor venido a menos, pero simpático. Que a aquellas alturas de la vida un compositor que suele describir hechos sangrientos y crueles, y pasiones desbordantes y voraces con el más patético dramatismo, componga refinadas comedias de primer orden, solo puede considerarse un milagro. Y sin embargo, Verdi utiliza en esta ópera el mismo estilo que en Otello: un formato grandioso, integral; construcciones ariose en las que, como la comedia se desarrolla con rapidez y turbulencia, apenas si hay lugar para un aria; la orquesta, al igual que el canto, queda en segundo plano. Verdi encontró para esta obra una especie de parlato y lo llevó hasta un punto de perfección. La figura de Falstaff ha sido modelada con cariño; el compositor la ha dotado de tanta comicidad natural que, a pesar de la ridiculez que le es inherente, se gana la simpatía del espectador. Por lo demás, esta obra consiste en la actuación fluida, en el canto conjunto de todos. En la sabiduría más elevada y profunda de su vejez, Verdi llega a un estilo claro, casi mozartiano, en el que cada frase, melodía y sonido destella, brilla e ilumina. Para el conocedor esta partitura es una joya que seduce tanto por la forma como por el contenido. En el estreno estaban presentes Pietro Mascagni, cuya Cavalleria rusticana había comenzado a conquistar el mundo, y Giacomo Puccini, que acababa de lograr un éxito decisivo con Manon Lescaut. La nueva generación se inclinaba ante el viejo e indiscutido maestro y admiraba su joven espíritu, que al final de su carrera había emprendido algo nuevo y era muy capaz de llevarlo a cabo.

Enlaces de imágenes: www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00353_Falstaff_1.jpg www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00353_Falstaff_2.jpg

Ópera: Falstaff Ópera en tres actos de Giuseppe Verdi Estreno 25 de febrero 21:00 Argentina/Uruguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Otro de los grandes títulos de ópera en los que Giuseppe Verdi se sirve de un texto shakesperiano. Este Falstaff está protagonizado por un elenco de leyenda: Renato Bruson, William Wildermann, Francis Egerton, George Macpherson, John Dobson, Brenda Boozer, Alice Ford, Katia Ricciarelli, Barbara Hendricks, Lucia Valentini-Terrani, Leo Nucci, Dalmacio Gonzalez. Completa el elenco artístico el Coro y la Orquesta del Royal Opera House, todos ellos bajo la dirección de una de las grandes batutas del siglo XX, la de Carlo Maria Giulini.

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00353_Falstaff_1.jpg

http://www.eurochannel.com/pictures/Allegro/A00353_Falstaff_2.jpg



ALLEGRO HD 235 LINCOLN ROAD, SUITE 201

MIAMI BEACH, FL 33139 USA

Destacados de Programación – Enero/Febrero 2017

Documents

Transcript of Destacados de Programación – Enero/Febrero 2017