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Allegro HD – Destacados de programación – junio 2020

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Destacados de programación – junio 2020

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Destacados de programación Junio 2020

CONCIERTO | Concierto para violín n.º 3, de Wolfgang Amadeus Mozart – Arabella Steinbacher, Sinfónica de Gotemburgo & Marc Albrecht – Estreno 5 de

junio – Pág. 3

Ciclo Beethoven 250.º aniversario

CONCIERTO | Sinfonía n.º 3, «Eroica», de Ludwig van Beethoven – Orquesta del Festival de Lucerna & Claudio Abbado – Estreno 6 de junio – Pág. 5

CONCIERTO | Mariano Manzanelli: Tres piezas para piano – Estreno 7 de junio –

Pág. 7

DOCUMENTAL | Serie Joyas de la música clásica: «Tierra de esperanza y gloria», de Edward Elgar, un documental de Axel Brüggemann & Axel

Fuhrmann – Estreno 12 de junio – Pág. 9 CONCIERTO | Sinfonía n.º 2, «Resurrección», de Gustav Mahler – Orquesta de la

Gewandhaus de Leipzig & Riccardo Chailly – Estreno 13 de junio – Pág. 11

CONCIERTO | Festival de Verbier: Nicholas Angelich & Cuarteto Ébène – Obras de Franck & Beethoven – Estreno 14 de junio – Pág. 13

DOCUMENTAL | Aproximaciones a la música clásica con Martin Wullich –

Estreno 19 de junio – Pág. 15

CONCIERTO | Música de cámara con la Filarmónica de Israel – Obras de Mozart, Schulhoff & Beethoven – Estreno 20 de junio – Pág. 17

WORLD MUSIC | Lou Doillon en La Fleche d'Or de París – Estreno 21 de junio –

Pág. 19


DOCUMENTAL | Una sinfonía para el mundo – La Novena de Beethoven, un documental de Christian Berg – Estreno 26 de junio – Pág. 21

CONCIERTO | Festival Dmitri Hvorostovsky – Juan Diego Flórez en concierto – Estreno 27 de junio – Pág. 23

ÓPERA | Almas muertas, ópera en tres actos de Rodion Shchedrin [Teatro

Mariinsky] – Estreno 28 de junio – Pág. 25



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Concierto central del ciclo de concierto mozartianos para el instrumento cuerda, que llega

en esta versión con una de las figuras mundiales del violín.

Género: concierto, música clásica, violín, orquesta.

Intérpretes: Arabella Steinbacher [violín].

Director: Marc Albrecht.

Orquesta: Filarmónica de Berlín.

Año: 2014.

Lugar: Göteborgs Konserthus.

Duración: 30 minutos.

Los conciertos para violín del compositor austríaco Wolfgang Amadeuz Mozart (1756-1791) están considerados una de las cimas en la Historia de la literatura concertística para el instrumento. La intérprete alemana Arabella Steinbacher se une a la Orquesta

Sinfónica de Gotemburgo –una de las principales orquestas suecas– para interpretar, bajo la batuta del germano Marc Albercht, uno de los conciertos centrales de su serie de cinco: el Concierto para violín n.º 3 en sol mayor, un dechado de calidad musical y dominio del instrumento. Sin duda, Mozart era considerado como uno de los mejores pianistas de su tiempo. Aun así, sus condiciones como violinista provocaron el mayor asombro posible a los que le escucharon tocando el instrumento. El mismo año de su nacimiento, su padre

Concierto | Concierto para violín n.º 3, de Wolfgang Amadeus Mozart Arabella Steinbacher, Sinfónica de Gotemburgo & Marc Albrecht

Estreno 5 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador



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Leopold acababa de publicar uno de los primeros tratados de la Historia para la pedagogía del violín, el cual está considerado como uno de los más trascendentes: Ensayo para un método profundo de violín. Por tanto, no ha de extrañar que el niño Mozart, dadas sus dotes musicales y el conocimiento profundo del instrumento por parte de su padre, fuese un gran virtuoso y apasionado intérprete del mismo. Leopold llegó a escribir lo siguiente sobre el talento violinístico de su hijo: «Tú mismo no eres consciente de lo bien que tocas el violín» o «si hubiese querido, habría llegado a ser el mejor violinista de Europa».

Tanto los manuscritos originales de los cinco conciertos para violín y orquesta de Mozart (n.º 1 en si bemol mayor, KV 207; n.º 2 en re mayor, KV 211; n.º 3 en sol mayor, KV 216, n.º 4 en re mayor, KV 218; y n.º 5 en la mayor KV 219), así como los fragmentos restantes han sido conservados, para fortuna de todos. Además, se conocen otros tres conciertos más que fueron publicados también como creaciones de Mozart, pero cuya firma autógrafa no figura en ellos, por lo que su autenticidad es muy cuestionable. Estos cinco conciertos autentificados fueron compuestos en 1775, cuando el genial autor salzburgués contaba tan solo con 19 años de edad y se encontraba ocupando la plaza de primer violín en la orquesta de la corte del Príncipe-Arzobispo Colloredo. Por tanto, no es descabellado pensar que pudo componer los conciertos para ser interpretados por sí mismo junto a la orquesta. Del mismo modo, es probable que tuviera interés en albergar un buen repertorio de conciertos, ya que tenía en mente realizar un largo viaje que le llevaría por las diferentes cortes de Alemania y Francia, ocupando los puestos de director de orquesta, maestro solista de violín y compositor de corte, especialmente con la mente puesta en liberarse de las limitaciones que encontraba en su ciudad natal y al servicio de una agrupación orquestal a la que detestaba, a causa de las exigencias impuestas por el Príncipe-Arzobispo.

Los conciertos para violín de Mozart fueron compuestos en un tiempo récord. Comparándolos con otras formas instrumentales de su catálogo, especialmente en el género muy cercano de los conciertos para piano, parece obvio que logró de manera tremendamente rápida conseguir un dominio total del género con relación a su desarrollo como compositor de inmenso talento. La influencia posterior de sus conciertos en la música de cámara compuesta en Viena es notable, pues en ellos el violín solista aparece siempre asociado de manera indisoluble al conjunto orquestal, formando realmente parte integradora de este. Esta característica integradora fundamental en sus obras de cámara es más evidente aquí que en los conciertos para piano, que se prestan a un virtuosismo fácilmente más destacable. El Concierto n.º 3 es quizá el más popular; no tiene el entusiasmo bullicioso del n.° 4 ni el virtuosismo eléctrico del n.°5, pero es una obra mucho más íntima; la dulzura y simplicidad de sus melodías no fue prácticamente superada por nada de lo que Mozart escribiera para el instrumento.

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Concierto | Concierto para violín n.º 3, de Wolfgang Amadeus Mozart Arabella Steinbacher, Sinfónica de Gotemburgo & Marc Albrecht Estreno 5 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Wolfgang Amadeus Mozart: Concierto para violín nº 3 en sol mayor. Arabella Steinbacher & Orquesta Sinfónica de Gotemburgo | Marc Albrecht. Göteborgs Konserthus. 2014. El concierto central «mozartiano» de su magna literatura violinística.


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El legendario director italiano, al frente una de las orquestas de su vida, se enfrenta a una

de las grandes sinfonías del genial compositor de Bonn.

Género: concierto, música clásica, música romántica, orquesta.

Director: Claudio Abbado.

Orquesta: Orquesta del Festival de Lucerna.

Año: 2013.

Lugar: KKL, Lucerna.


Dentro del sinfonismo del compositor alemán Ludwig van Beethoven (1770-1827), sin duda su Sinfonía n.º 3 en mi bemol mayor, Op. 55, conocida con el sobrenombre de «Eroica», es una de las más destacadas e interpretadas, convirtiéndose en uno de los símbolos del sinfonismo universal, de una forma diferente pero igual de imponente que algunas de las otras sinfonías del compositor alemán, como la Quinta y la Novena. El director italiano Claudio Abbado, que fue una de las batutas más valoradas y respetadas de los siglos XX y XXI, hasta su partida en 2014, se pone aquí al frente del que fue uno de los proyectos a los que más ilusión y esfuerzo le dedicó en sus últimos años: la Orquesta del Festival de Lucerna, agrupación fundada en 1938 por Arturo Toscanini. En el año

Ciclo Beethoven 250.º aniversario Concierto | Sinfonía n.º 3, «Eroica», de Ludwig van Beethoven Orquesta del Festival de Lucerna & Claudio Abbado Estreno 6 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador



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2000, Abbado y Michael Haefliger decidieron reflotar una orquesta que en los últimos años del siglo XX había perdido su esencia. El resultado de su magisterio puede comprobarse en obras como esta, en las que la conexión entre las distintas secciones de la orquesta y la calidad de los músicos a nivel individual es tan marcada. De la batuta de Abbado no se pueden decir más que bondades; no obstante se convirtió en uno de los directores más queridos por el público, pero también por las orquestas, a las que inculcó un sentimiento de respeto mutuo a través del trabajo muy detallado y de cariño humano.

La Sinfonía nº. 3 en mi bemol mayor de Beethoven fue compuesta en 1804. Su estreno público fue el 7 de abril de 1805 en Viena. Para muchos esta Tercera Sinfonía, intitulada como «Eroica», marca de manera clara el cambio entre el Clasicismo y el Romanticismo, mostrando una nueva manera de concebir la composición. Beethoven admiraba profundamente los ideales de la Revolución Francesa, que se encarnaban en la figura de Napoleón, pero al recibir informaciones de que se había autoproclamado emperador en mayo de 1804, Beethoven no pudo soportar lo que para él suponía una ofensa y se dice que eliminó el nombre Bonaparte del título de la obra con tal fuerza que rompió su lápiz y dejó un agujero rasgado en el papel. Cuando la sinfonía se publicó en 1806 Beethoven le dio como título el de Sinfonía heroica, compuesta para festejar el recuerdo de un gran hombre, en cierta manera una referencia clara a lo que Napoleón supuso antes de desviarse verdaderamente de aquellos ideales, pero también en referencia a un héroe no existente, al espíritu del heroísmo en sí mismo.

La obra está compuesta en cuatro movimientos de notables dimensiones, presentando una plantilla instrumental habitual para la época, pero que en el tratamiento sinfónico de

Beethoven alcanza cotas que pocas veces se habían escuchado –excepción de las últimas

sinfonías de Mozart y algunos de los mejores ejemplos firmados por Franz Joseph Haydn–. La obra es un hito de la composición sinfónica con relación a la confrontación y al paso de dos de los estilos más influyentes en los siglos XVIII y XIX: el Clasicismo y el Romanticismo. Solo su primer movimiento es casi tan largo como una sinfonía de Haydn o Mozart. Desde el punto de vista temático cubre un terreno más emocional que sus sinfonías anteriores, lo que para algunos supuso el comienzo del Romanticismo. El segundo movimiento en especial muestra una gran gama emocional, desde la miseria de marcha fúnebre hasta el consuelo relativo que se concede en algunos pasajes. La crítica del momento remarcó ese carácter innovador y el hecho de que algo estaba cambiando, aunque no se muestra del todo conciliadora con ello, como se puede observar en parte de la crítica aparecida en The Allgemeine Musikalische Zeitung: «el nuevo trabajo de Beethoven tiene grandes y atrevidas ideas, y, como podemos esperar del genio del compositor, está poderosamente llevado a cabo. Pero la sinfonía ganaría inmensamente si hubiese decidido acortarla e introducir en ella más claridad y unidad».

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Concierto | Sinfonía n.º 3, «Eroica», de Ludwig van Beethoven Orquesta del Festival de Lucerna & Claudio Abbado Estreno 6 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Ludwig van Beethoven: Sinfonía n.º 3 en mi bemol mayor, «Eroica», Op. 55. Orquesta del Festival de Lucerna & Claudio Abbado. KKL, Lucerna. 2013. La última versión en vida del legendario director italiano de una obra cumbre del sinfonismo.


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Una de las figuras más prometedoras del pianismo argentino ofrece este recital con un

breve recorrido por tres magníficos compositores de los siglos XVIII y XIX.

Género: concierto, música clásica, música barroca, música romántica, piano.

Intérpretes: Mariano Manzanelli.

Año: 2020.

Lugar: Teatro de Cámara de City Bell, Buenos Aires.


Quedan invitados a una velada con uno de las figuras emergentes del pianismo en argentina, el joven Mariano Manzanelli. Rodado en el Teatro de Cámara de City Bell, Buenos Aires, ofrece tres magníficas composiciones que transitan desde el Barroco más puro, de Johann Sebastian Bach, hasta el Romanticismo alemán más refinado, con una de las obras para piano más conocidas de Felix Mendelssohn, además de un magnífico arreglo de Franz Liszt sobre uno de los más hermosos lieder compuestos por Robert Schumann. Un viaje por dos siglos de música en un mismo instrumento.

El programa comienza con «Widmung», de Robert Schumann (1810-1856), en una transcripción para piano de Franz Liszt (1811-1886). En 1840, el año en que Schumann se casó con Clara Wieck, escribió una enorme cantidad de canciones, casi la mitad de su producción total de lieder. Una de las colecciones de ese año, Myrthen Op.25, incluye probablemente la mejor canción que compuso, «Widmung» [Dedicación]. El texto es de Friederich Rückert, cuyas palabras el compositor claramente sintió como propias. Liszt

Concierto | Mariano Manzanelli Tres piezas para piano Estreno 7 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador



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hizo un arreglo para piano solo de la obra poco después, y uno más elaborado en 1848. La obra central es la Toccata en fa sostenido menor, BWV 910, de Johann Sebastian Bach (1685-1750), que forma parte de un grupo de seis tocatas para clave compuestas en diversos años. La primera de la serie, la BWV 910, podría ser la última de todas ellas. Se conforma de cinco secciones, una primera en el estilo de una fantasía, a la que sigue un

pasaje lento, para concluir con dos fugas –la primera más sencilla– separadas por una breve sección, finalizando con otra fuga, de corte cromático y probablemente el momento más impresionante de la obra. En esta, como en otras obras, Bach utilizó los modelos de toccata compuestos por autores del norte de Alemania. Finaliza la velada con el Rondo capriccioso en mi mayor, Op. 14, de Felix Mendelssohn (1809-1847), compuesto entre 1827 y 1830. La investigación más reciente muestra que se terminó en 1828, pero carecía de la sección introductoria Andante. Dos años después, Mendelssohn revisó la pieza, posiblemente como un regalo para Delphine von Schauroth, una pianista de Munich. El autógrafo de esta versión, fechado el 13 de junio de 1830, incluye tanto el Andante como el Presto. La pieza sigue siendo popular entre los pianistas, en parte porque parece más difícil de tocar de lo que realmente es.

El pianista argentino Mariano Manzanelli nació en Ituzaingó, provincia de Buenos Aires, en 1987. Comenzó sus estudios de piano a los nueve años. Posteriormente ingresó en la Universidad Nacional de las Artes, donde fue alumno del maestro Manuel Massone y obtuvo el título de Licenciado en Artes Musicales con orientación en piano. Se perfeccionó como músico de cámara con Pierre Blanchard, en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y como pianista de orquesta en la Sinfónica Juvenil Nacional José de San Martín, dirigida por Mario Benzecry. Asistió a clases magistrales con Roberto Urbay, Frederic Chiu, Daniel Blumenthal, Luca Chiantore, Cinzia Bartoli, Adrián Kreda, Carmen Piazzini, Daniel Rivera, Henri Sigfridsson y Sebastián Colombo, entre otros. En 2012 obtuvo la beca Martha Argerich Presents Project para realizar estudios de perfeccionamiento en piano y música de cámara con reconocidos maestros del ámbito musical europeo. Como cierre de dichas actividades se presentó en el festival Progetto Martha Argerich que se realizó en la ciudad de Lugano (Suiza). Durante el mismo año, el programa Teachers del Norte-Pianists del sur le otorgó una beca de estudios en New York. En el año 2016 obtuvo el primer premio en el III Concurso «Lumen Artis» de Interpretación de Música de Cámara para Canto y Piano y en el 2.º Concurso de Intérpretes de Música Clásica «Dr. Tilo Rajneri». Se ha presentado regularmente como solista, músico de cámara y concertista en importantes salas de Argentina, Uruguay, Brasil, Chile, Paraguay, Estados Unidos, Suiza, Noruega e Italia. Actualmente es director del Coro del Ministerio de Educación de la Nación, trabaja junto a Guillermo Opitz para la Fundación Música de Cámara y en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

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Concierto | Mariano Manzanelli Tres piezas para piano Estreno 7 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: R. Schumann/F. Liszt: «Widmung», de Myrthen, Op. 25; Johann Sebastian Bach: Toccata en fa sostenido menor, BWV 910; F. Mendelssohn: Rondo capriccioso en mi mayor, Op. 14. Teatro de Cámara de City Bell, Buenos Aires. 2020.


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Una oportunidad única de conocer la historia que se esconde tras una de las obras más célebres del Reino Unido y la pieza que ha consagrado a su autor.

Género: documental, música clásica, música postromántica, música nacionalista, orquesta.

Director: Axel Brüggemann & Axel Fuhrmann.

Año: 2017.


Bajo el título de «Tierra de esperanza y gloria» [Land of Hope and Glory] se esconde el himno más famoso del Reino Unido y la obra más más conocida del compositor británico Edward Elgar (1857-1934). Sea en una sala de conciertos o en un estadio de fútbol, todo el mundo reconoce la melodía en los primeros compases. Con él, la nación se festeja a sí misma; pero también fue un himno de guerra. Cuando su compositor vio hasta qué punto el sufrimiento y la muerte acompañaban a su obra más popular, se dice eligió un retiro contemplativo en la Naturaleza y dejó de componer. Sin embargo, esa obra ha dejado en segundo plano el resto de la producción de Elgar. Esta es la historia narrada en este documental de Axel Brüggemann y Axel Fuhrmann, con el que conocer los entresijos de una obra tan conocida como escuchada, pero de la cual pocos conocen su intrahistoria.

¿Cinco marchas de Pompa y circunstancia o seis? Cuando Edward Elgar vendió sus dos primeras marchas a la editorial Boosey, le encargaron que escribiera un conjunto de seis

Documental | Serie Joyas de la música clásica: «Tierra de esperanza y gloria», de Edward Elgar Un documental de Axel Brüggemann & Axel Fuhrmann Estreno 12 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador



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marchas, no cinco, una tarea quedó inacabada a su muerte, con la publicación de cinco de ellas como su Op. 39. Sin embargo, se sabía que existían bocetos, los cuales John Norris y Chris Bennett rastrearon en busca de la sexta marcha. Las primeras cinco marchas de Pompas y circunstancia de Elgar forman un conjunto maravillosamente diverso de piezas, pero el nombre y la estructura compartida de secciones alternadas de scherzo y trío identifican estas cinco marchas como una sola obra. Su publicación data de diferentes épocas en la carrera del compositor, que van desde 1901 hasta 1930. Elgar no produjo ningún trabajo completamente original después de la muerte de Alice en 1920, y la quinta marcha se basa en ideas que Elgar había anotado muchos años antes, haciendo que las cinco marchas fueran mucho más contemporáneas en su concepción. A Elgar le preocupaba tratar la marcha rápida en un estilo sinfónico, de la misma manera que el minueto, el vals o la polca habían sido utilizados por compositores anteriores en otros países. John Hawkins, en su Historia de la música redactada en el siglo XVIII, escribía: «Parece que la antigua marcha inglesa fue anteriormente muy estimada, tanto en el extranjero como en nuestra tierra; sus características son la dignidad y la gravedad». Ciertamente, nadie supo mejor que Elgar cómo retener la dignidad esencial de la marcha: el suyo es un magnífico conjunto lleno de orquestaciones magistrales del que estaba justamente orgulloso.

Estas amplias melodías eran tan populares como elegantes, y la marcha fue una forma ideal para la opulenta arrogancia de la Inglaterra de principios del siglo XX. Elgar captó la esencia de ese militarismo confiado. Además, no tenía necesidad de disculparse por reflejar tan exactamente el estado de ánimo de la primera década del siglo. Anteriormente, refiriéndose a su Marcha Imperial declaró: «Me gusta mirar la vocación del compositor como lo hacían los viejos trovadores o bardos. En aquellos días no era una vergüenza que un hombre se excitara para ponerse delante de un ejército e inspirara a la gente con una canción. Por mi parte, sé que hay muchas personas a las que les gusta celebrar eventos con música. A estas personas les he dado melodías. ¿Es eso inadecuado?» La Marcha n.º 1 en re mayor es sin duda la que se ha llevado toda la fama, hasta el punto de que toda la colección es conocida por esta marcha. Fue bosquejada el 3 de junio de 1901 y se completó en julio. Su melodía central proviene de antes de estas fechas, ya que Dora Penny relató cómo visitó Craeg Lea, la casa de Elgar en Gran Malvern, en mayo de 1901, y Elgar le contó sobre su «maldita melodía popular»: «Tengo una melodía que los golpeará, los golpeará». Envió los números 1 y 2 a Boosey's en agosto y el primero fue estrenado el 19 de octubre de 1901 en Liverpool, por la Sociedad de Orquesta de Liverpool y su director A.E. Rodewald, a quienes estaba dedicada. Su éxito desde entonces ha sido arrollador, siendo considerado como un himno británico no oficial.

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Documental | Serie Joyas de la música clásica: «Tierra de esperanza y gloria», de Edward Elgar Un documental de Axel Brüggemann & Axel Fuhrmann Estreno 12 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Serie Joyas de la música clásica: «Tierra de esperanza y gloria», de Edward Elgar. Axel Brüggemann & Axel Fuhrmann [dirección]. ¿Qué secretos esconde el considerado como himno no oficial de Gran Bretaña? Aquí serán desvelados. 2017.


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Excepcional versión de una de las sinfonías más monumentales del austríaco, que llega en

manos de uno de sus máximos especialistas junto a un brillante elenco.

Género: concierto, música clásica, música postromántica, sinfónico-coral, voz.

Intérpretes: Christiane Oelze [soprano], Sarah Connolly [mezzosoprano], Coro de la Radio MDR, Coro de la Radio de Berlín & Coro de la Gewandhaus de Leipzig.

Director: Riccardo Chailly.

Orquesta: Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig.

Año: 2011.

Lugar: Gewandhaus, Leipzig.


Una Sinfonía n.° 2, de Gustav Mahler (1860-1911), llega exaltante con Riccardo Chailly al frente de la Gewandhausorchester Leipzig, de la que entonces era su director titular. Grabado en mayo de 2011 en la suntuosa sala de la Gewandhaus de Leipzig, durante el Festival Internacional de Mahler de la ciudad que conmemoraba el centenario de la muerte del compositor, este concierto hace gala de una potencia orquestal fuera de lo común, así como un dominio perfecto del enorme conjunto coral. El amor de Chailly por Mahler, cuyas sinfonías ha dirigido en múltiples ocasiones, le infunden sin cesar una energía desbordante y un poder de comunicación casi transcendental con los músicos, en perfecta consonancia con el tema de esta sinfonía «Resurrección». De hecho, esta sinfonía

Concierto | Sinfonía n.º 2, «Resurrección», de Gustav Mahler Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig & Riccardo Chailly Estreno 13 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador




era una de las obras más apreciadas por el añorado Claudio Abbado, del que Chailly fue asistente en la Scala. Se une a dos solistas vocales de primer nivel, la soprano alemana Christiane Oelze y la mezzosoprano británica Sarah Connolly, además de a tres conjuntos vocales de excepción: Coros de las Radio MDR y Berlín y Coro de la Gewandhaus de Leipzig.

Para Gustav Mahler la composición de una sinfonía podía asemejarse a un acto de creación del universo. En estas sinfonías se muestra todo su mundo interior y psicológico. Hay en ellas influencias evidentes de los grandes sinfonistas del XIX, empezando por Beethoven y pasando Brahms o Bruckner, con elementos hasta del propio Wagner. De esta manera, al igual que algunos de estos autores, Mahler utilizó elementos y recursos orquestales que anticipaban ya el siglo XX, en una permanente búsqueda de la tímbrica particular de cada instrumento y sección, incluso introduciendo el uso de instrumentos poco convencionales. El elemento coral no es ajeno en su producción. Una de sus características más acusadas es la orquestación concebida como un recurso para conseguir la mayor inteligibilidad de las líneas. La lucha titánica entre su optimismo y zozobra vital está expresada de la forma más compleja y expresiva de cuantas se recuerdan durante el siglo XIX. Su monumentalidad convierte, no solo a cada obra por separado sino a su corpus sinfónico al completo, en la más brillante grandiosidad y elocuencia introspectiva de la que el ser humano es capaz.

Su Sinfonía n.º 2 en do menor, conocida como Auferstehung [Resurrección], por utilizar una musicalización de la oda homónima de Friedrich Gottlieb Klopstock, se puede etiquetar dentro de la estética del postromanticismo, que destaca por su poderosa y grandilocuente orquestación, así como por desarrollos inmensos, a veces casi inabarcables. El punto de mayor importancia es que esta sinfonía sirve para elaborar aún más aspectos que aparecían casi de forma embrionaria en su Sinfonía «Titán», por lo que algunos la consideran como la primera sinfonía real e íntegramente «mahleriana». Comenzada a componer en 1888, la sinfonía nació como Totenfeier [Ritos fúnebres], un poema sinfónico en un movimiento basado en el drama poético Dziady, del poeta polaco Adam Mickiewicz, que Mahler terminó en 1888. Cuando ya comenzaba a adquirir prestigio como director de orquesta, presentó su obra al Hans von Bülow, que tuvo una reacción sumamente desfavorable y la consideró antimusical. Profundamente desanimado, no obstante no abandonó su obra y posteriormente regresó al movimiento, agregando tres más a fin de 1893 para concluir la sinfonía hoy conocida como segunda. Dejó la obra por un tiempo, sintiendo que necesitaba un final. Este llegó en 1894, Hans von Bülow murió, y en el funeral Mahler oyó una musicalización de la oda Aufersteh'n, lo que supuso una revelación, y decidió terminarla con su propia versión de dicho poema.

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Concierto | Sinfonía n.º 2, «Resurrección», de Gustav Mahler Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig & Riccardo Chailly Estreno 13 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Gustav Mahler: Sinfonía n.º 2 en do menor, «Resurrección». Christiane Oelze, Sarah Connolly; Coros de Radio MDR, Radio de Berlín & Gewandhaus de Leipzig; Orquesta Gewandhaus de Leipzig | Riccardo Chailly. Gewandhaus, Leipzig. 2011.


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La unión de un extraordinario cuarteto y un pianista de primer orden, para interpretar un

programa doble con dos brillantes ejemplos de la música de cámara.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música de cámara, piano.

Intérpretes: Nicholas Angelich [piano], Cuarteto Ébène [Pierre Colombet, Gabriel Le Megadure, violines; Marie Chilemme, viola; Raphaël Merlin, violonchelo].

Año: 2010.

Lugar: Festival de Verbier.


El pianista estadounidense Nicholas Angelich tiene la talla de un maestro: su conocimiento del repertorio, su sentido del fraseo y la poesía de su interpretación son ejemplos para todos los músicos que tocan junto a él y los que han aprendido de su magisterio a lo largo de los años. En este magnífico recital desde el célebre Festival de Verbier, en su edición de 2010, se unió al joven, pero ya muy valorado, Cuarteto Ébène para interpretar un magnífico programa en el que el significado del concepto música de cámara cobra todo su sentido. El cuarteto francés y el pianista suman fuerzas en la primera obra del programa, firmada por el compositor francés César Franck, en la que Angelich parece imponer su pensamiento formal en una obra cíclica construida como una vasta catedral gótica. Entre la claridad francesa y la atmósfera «wagneriana», este quinteto alcanza cotas de increíble vigorosidad en las cuerdas del Ébène. Si bien es cierto que este

Concierto | Festival de Verbier: Nicholas Angelich & Cuarteto Ébène Obras de Franck & Beethoven Estreno 14 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador




joven cuarteto de cuerda francés ha destacado por su inclinación hacia el eclecticismo y la mezcla de géneros, nunca ha abandonado el gran repertorio para cuarteto de cuerda, prestando especial atención a los magníficos ejemplos creados por Beethoven. El cuarteto de Beethoven interpretado en la segunda parte del concierto sirve para consolidar de manera poderosa la reputación de estos músicos como unos de los más prometedores de su generación.

Se inicia el concierto con el Quinteto para cuerda y piano en fa menor, de César Franck (1822-1890), una de las obras maestras del compositor francés, que marcó su regreso a la música de cámara tras 35 años alejado de ella. La obra estaba dedicada a Camille Saint-Saëns, quien, aunque interpretó el piano en el estreno, desaprobó el lenguaje del compositor con tanta fuerza que rechazó la dedicatoria. La fundación de la Société Nationale de Musique en 1871, bajo el lema Ars Gallica, proporcionó una plataforma para promocionar las obras de los compositores franceses más jóvenes; y no solo los más jóvenes: fue quizá la posibilidad de actuar en un ambiente respetable lo que, entre otras cosas, alentó a Franck en 1879 a romper sus casi cuarenta años de silencio en el frente de la música de cámara. Sin embargo, no solo fue su colega Saint–Saëns quien rechazó la obra, también la mujer de Franck lo hizo. Hubo rumores que sugerían que se había inspirado en un romance con la compositora Augusta Holmès, su alumna, y que el quinteto era un reflejo de ello. Su estructura cíclica fuertemente marcada y su intensidad realmente apasionada hacen de ella una obra muy interesante.

Sin duda, el género del cuarteto de cuerda encontró en Ludwig van Beethoven (1770-1827) un fiel seguidor y a uno de los compositores que ejemplos más brillantes ha legado a la Historia. Los cuartetos de cuerda de Beethoven constituyen uno de los núcleos esenciales para el conocimiento de la obra de su creador, pero son también uno de los más sólidos eslabones de la forma más prestigiosa de la música de cámara. Claude Rostand describió con acierto su acercamiento al género: «Beethoven ha abordado los cuartetos en tres momentos diferentes, podríamos decir que a lo largo de tres crisis,

mientras que las olas de otras aguas de su producción –sonatas o sinfonías– se mecían con regularidad según un ritmo continuo. Parecería que en cada etapa de esta evolución Beethoven experimenta la necesidad de recogerse, de enfrentarse a sí mismo para hacer balance, y para ello escogió el cuarteto». Beethoven compuso tres cuartetos en 1806 dedicados al noble ruso conde Razumovsky. El primero de ellos es considerado como el más importante, así como una de las mejores obras de cámara del compositor. Fue, probablemente, una de las composiciones que anunció su segundo período; la Sinfonía Eroica, que viene un poco antes, generalmente se ve como el punto de partida. Que los tres cuartetos fueran compuestos en un período de seis meses a partir de abril de 1806 muestra la velocidad y el dominio que Beethoven poseía en la composición y este género…

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Concierto | Festival de Verbier: Nicholas Angelich & Cuarteto Ébène Obras de Franck & Beethoven Estreno 14 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: César Franck: Quinteto para cuerda y piano en fa menor; Ludwig van Beethoven: Cuarteto de cuerda n.º 7 en fa mayor, Op. 59, n.º 1, «Razumovsky». Nicholas Angelich & Cuarteto Ébène. Festival de Verbier. 2010.


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Entrevistas a personalidades del mundo de la música clásica en Argentina, buscando

conocer qué hay detrás de los profesionales, desde el magnífico Teatro Colón.

Género: documental, música clásica, piano, violín, voz.

Intérpretes: Martin Wullich [conducción]; Fernanda Morello, César Bustamante, Pablo Saraví, Daniela Tabernig [entrevistados]; Pablo José Rey, Magdalena Siedlecki [realización].

Año: 2020.

Lugar: Salón Dorado, Teatro Colón, Buenos Aires.


¿Cómo nace una vocación? ¿Cuáles son los caminos posibles? En una charla amena, Martin Wullich nos acerca a las historias y a los recorridos vitales y profesionales de la música clásica argentina, con el imponente Salón Dorado del Teatro Colón de Buenos Aires como escenario. Así es Aproximaciones a la música clásica con Martin Wullich, una serie de entrevistas que se desarrollan en un tono cercano e intimista para conocer qué hay detrás de aquellos intérpretes invitados a participar. Un proyecto producido por Asociación Civil Rumbo Sur, con el apoyo de Mecenazgo Cultural de la Ciudad de Buenos Aires.

Este espacio está conducido por Martin Wullich, locutor y periodista profesional. Ha escrito en los diarios La Nación y El Cronista, y dirige su portal martinwullich.com. Se dedica al periodismo de cultura y espectáculos, donde la crítica teatral y la música clásica ocupan un lugar preponderante. Fue la voz de FM Horizonte, después de Radio

Documental | Aproximaciones a la música clásica con Martin Wullich Estreno 19 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador




Amadeus y FM Arpeggio. Entre otras presentaciones, realizó la conducción de lanzamiento de la 125ª. Sesión del Comité Olímpico Internacional, en inglés y francés, en el Teatro Colón, con transmisión directa a todo el mundo. Realizó la más multitudinaria presentación de su carrera profesional ante 200.000 personas, en el concierto A cielo abierto, para Amadeus 103.7. Ha presentado a celebridades como el director y pianista Daniel Barenboim o al compositor y director Lalo Schifrin, en su concierto de regreso a Argentina en el Luna Park, para el ciclo Grandes Maestros. Condujo la transmisión de reapertura del Teatro Colón en 2010 a través de C5N y la gala del Concurso Internacional de Canto Lírico en el Teatro Colón en 2012. Es el conductor oficial de Iguazú en concierto, el festival de orquestas infantiles y juveniles más grande del mundo. Actualmente es la voz oficial de Radio Nacional Clásica, en Argentina.

Los invitados a estas sesiones son cuatro, comenzando por la pianista Fernanda Morello, cuyo perfil muy personal, así como su bello sonido, marcan su estilo y un repertorio especial. Egresada del Conservatorio Municipal Manuel de Falla, se ha presentado en las más prestigiosas salas de concierto de Argentina y es invitada habitual de ciclos y conciertos del Teatro Colón de Buenos Aires, el CCK, la Usina del Arte y el Mozarteum de Buenos Aires, entre otros. Asimismo, ha actuado en Montevideo, Nueva York, Madrid, Melbourne, Uruguay, Chile y Brasil. César Bustamante es pianista, director y arreglista de diversos géneros musicales, además de licenciado en dirección coral y profesor superior en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Desde 2010 hasta la actualidad dirige el Coro de Niños del Teatro Colón. Recientemente dirigió las producciones líricas para el ciclo Vamos al Colón, presentando estrenos argentinos de óperas de Montsalvatge, Henze y Rossini. Es Coordinador General de Estudios Musicales del Teatro Colón. Por su parte, Pablo Saraví, discípulo de Miguel Puebla, Szymsia Bajour, Alberto Lysy y Yehudi Menuhin, ha ganado el primer premio en todos los concursos argentinos de su especialidad, incluyendo el Concurso Argentino de Música y el Premio OEA-CIDEM. En su estancia en Suiza, Menuhin lo nombró profesor asistente en su Academia Internacional. Junto a Lysy y Menuhin tocó en numerosos conciertos como solista en Europa. Es primer violín y miembro fundador de la World Orchestra for Peace y concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y de la Academia Bach. La cantante Daniela Tabernig inició sus estudios musicales en el Instituto Constancio Carminio y obtuvo el título de profesora de música. Después ingresó en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, donde completó sus estudios en la carrera de canto. Ganó los primeros premios en los certámenes de Mozarteum y María Callas. Ha interpretado roles de grandes óperas [Bizet, Mozart, Leoncavallo, Puccini, Gounod…] en los escenarios más importantes de Argentina.

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Documental | Aproximaciones a la música clásica con Martin Wullich Estreno 19 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Aproximaciones a la música clásica con Martin Wullich. Entrevistas a Fernanda Morello, César Bustamante, Pablo Saraví & Daniela Tabernig. Realización de Pablo José Rey & Magdalena Siedlecki. Salón Dorado, Teatro Colón, Buenos Aires. 2020.


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Magnífico concierto para descubrir algunas de las obras para formación de viento poco

conocidas de dos de los grandes de la Historia.

Género: concierto, música clásica, música romántica, música de cámara.

Intérpretes: Solistas de la Filarmónica de Israel: Dudu Carmel [oboe], Ron Selka [clarinete], Daniel Mazaki [fagot], Michael Mossek [trompa], Bishara Haroni [piano].

Año: 2019.

Lugar: Auditorio Charles Bronfman, Tel-Aviv.


La Historia de la música está plagada de grandes obras que, a pesar de la calidad de quienes la crearon y de su belleza, han quedado fuera del repertorio habitual sobre los escenarios, a veces de forma incomprensible. Este concierto ofrecido por solistas de la Orquesta Filarmónica de Israel es un alegato a esas obras «menores» e incluso a esos autores hoy día considerados casi residuales. Dudu Carmel [oboe], Ron Selka [clarinete], Daniel Mazaki [fagot], Michael Mossek [trompa] y Bishara Haroni [piano] se suben al escenario del Charles Bronfman Auditorium de Tel-Aviv para interpretar un programa de concierto tan peculiar como sorprendente, que maravillará a aquellos que lo escuchan y sepan extraer las esencias de los tarros más pequeños. Una oportunidad única de conocer a un Mozart menos habitual, a un Beethoven sorprendente, pero igualmente genial, o quizá de escuchar por primera la obra de Erwin Schulhoff, un compositor checo de gran talento pero hoy día muy poco conocido, que incluso llegó a formarse con compositores de la talla de Claude Debussy y Max Reger.

Concierto | Música de cámara con la Filarmónica de Israel Obras de Mozart, Schulhoff & Beethoven Estreno 20 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador




Se inicia la velada con el Quinteto para piano y cuarteto de viento en mi bemol mayor, KV 452, de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), cuya formación de viento está conformada por oboe, clarinete, trompa y fagot. Para el propio compositor este quinteto era «lo mejor que he hecho en mi vida», como comentó de forma inmediata a la terminación de la obra. Expresa con él una gran seguridad del compositor en cuanto al rigor de la composición. La intervención de los cinco instrumentos, los intercambios dialogantes del piano con los vientos o los de estos últimos entre ellos están tratados como partes de un todo coherente. El año de su creación [1784] es uno de los pocos que

puede calificarse de serenos en la vida de Mozart, y esa tranquilidad de espíritu –social,

familiar y económica– se refleja en una música de cámara de enorme pureza, en la que cabe distinguir el peso expresivo, a veces patético, del Mozart de siempre en los tiempos lentos, así como el optimismo en el brillante Allegretto que cierra la obra. La sigue una obra del poco conocido Erwin Schulhoff (1894-1942), su Divertissement para oboe, clarinete y fagot. Este compositor checo y judío fue internado por los nazis en Wülzburg. No solo por su trágico final, la vida del compositor de Praga parece un espejo de la Historia contemporánea. Modernista convencido, vivió todas las tendencias de la época: el dadaísmo y la Escuela de Viena, el jazz y el folklorismo moderno, y finalmente la música del movimiento obrero y el comunismo ideológico. Creó su música de cámara más importante en la década de 1920. El Divertissement para oboe, clarinete y fagot, completado a finales de marzo de 1927 y estrenado en París en abril, es una obra típica de los «felices años veinte», pues entre sus siete movimientos hay un charleston y muchos momentos que dan testimonio del espíritu y los anhelos de la época.

El Quinteto en para piano y cuarteto de viento en mi bemol mayor, Op. 16, para oboe, clarinete, trompa y fagot, de Ludwig van Beethoven (1170-1827), coincide en forma y tonalidad con el de Mozart. Iniciado en 1794, fue probablemente completado durante su triunfante visita a Berlín en el verano de 1796 y se estrenó en un concierto en el restaurante de Ignaz Jahn en Viena, el 6 de abril de 1797. Para maximizar las ventas, Beethoven lo arregló rápidamente, con un mínimo de reelaboración, como un cuarteto de cuerda con piano, cuya parte del teclado no fue alterada, aunque las cuerdas a veces aparecen en partes donde el viento estaba en silencio. Ambas versiones se publicaron juntas como Op. 16 en 1801. Si bien esta música genial y urbana tiene una deuda con Mozart en general, su Quinteto para piano y viento en particular presenta una voz y recursos muy propios del alemán, los cuales se irán viendo poco a poco de forma más madura en las obras concertísticas, hasta desembocar en su esencia sinfónica, que revela al admirable orquestador y compositor que fue.

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Concierto | Música de cámara con la Filarmónica de Israel Obras de Mozart, Schulhoff & Beethoven Estreno 20 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: W.A. Mozart: Quinteto para piano y cuarteto de viento, KV 452; E. Schulhoff: Divertissement; L.V. Beethoven: Quinteto para piano y cuarteto de viento, Op. 16. Solistas de Filarmónica de Israel. Auditorio Charles Bronfman, Tel-Aviv. 2019.


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Concierto con lo mejor del pop-rock francés, en la voz de una de las figuras más

importantes de la escena actual francesa, acompañada de grandes artistas.

Género: concierto, música popular, músicas del mundo, pop-rock, folk.

Intérpretes: Lou Doillon [voz], François Poggio [guitarra], Franck M’Bouéké [batería], Pierre Levandon [bajo eléctrico], Nicolas Subréchicot [teclados], Charles Barberian [diseñador y dibujante], Keren Ann [voz], Camille Borsarello [violín], Thibault Mortegonte [trombón].

Año: 2016.

Lugar: La Fleche d’Or.


En este concierto desde una de las salas más importantes de la capital parisina, La Fleche d’Or, la cantante francesa Lou Doillon se sube al escenario para interpretar algunos de sus temas más conocidos, acompañada de su banda y de una de invitados de excepción. La acompañan: François Poggio [guitarra], Franck M’Bouéké [batería], Pierre Levandon [bajo eléctrico], Nicolas Subréchicot [teclados], Charles Barberian [diseñador y dibujante], Keren Ann [voz], Camille Borsarello [violín] y Thibault Mortegonte [trombón]. Los temas que interpretan son los siguientes, todos ellos compuestos por la propia Doillon, salvo un par de excepciones: «Above my Head», «Let me go», «Good Man», «Same old Game», «Worth Saying», «Lay Low», «Should I stay or should I go» [The Clash], «So still», «Hushaby», «Famous blue raincoat» [Leonard Cohen], «Questions and answers», Ticket line», Left behind» y «Real Smart».

World Music | Lou Doillon en La Fleche d'Or de París Estreno 21 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador




Lou Doillon (1982) es una de esas mujeres multidisciplinares, a la que gusta tocar diversos palos: música, cine, moda, arte… Esta cantante y compositora, además de actriz, modelo y dibujante francesa es una de las mujeres que con mayor fuerza ha irrumpido en el escenario musical galo en los últimos años, tras dedicarse varios años a su cerrara sobre las pasarelas y en las pantallas. Hija de la célebre cantante Jane Birkin y del director de cine Jacques Doillon, su amor por la música fue engendrado por su padre: «Cuando mis padres se separaron, descubrí con Jacques su gusto por la ecléctica y una extraña forma de radicalidad en la música. Él decía: 'siéntate, cállate y escucha la música' mientras reproducía discos de Chet Baker, Billie Holiday, Siouxsie and the Banshees, Patti Smith y Nick Drake». A menudo cita a Bob Dylan, Leonard Cohen, Lhasa, Belly Lead, Fiona Apple, Cat Power, Nina Simone, Tim Buckley y Bobby Gentry como algunas de sus principales influencias. Doillon realizó diversas grabaciones con músicos en Nueva York y París durante la década del 2000, antes de decidir que quería iniciar una carrera en solitario en el año 2010. Su voz ha sido descrita como «un poco, y partes iguales, de Marianne Faithfull, Nina Simone, Antony Hegarty y Joanna Newsom», centrándose principalmente en un género que se ha descrito como «folk embrujado». Ella misma compone y escribe sus canciones, tanto a la guitarra como al piano. A pesar de llevar una década en la música en solitario, su actividad discográfica ha sido relativamente pausada, pues tan solo han sido tres los registros grabados hasta la fecha. En 2012 firmó su primer contrato de grabación para tres álbumes con Barclay (Universal Music France). Su primer álbum, Places, fue grabado en Francia durante un período de 15 días en el Studio La Seine, con los músicos franceses François Poggio, Marcello Guliani, Alexis Anérilles y Philippe Entressangle. La fotografía para la portada fue realizada por el dúo de fotógrafos Inez & Vinoodh. Gracias a esta primera grabación, Doillon apareció en la portada de las influyentes revistas Magic, Télérama y Les Inrockuptibles.

En enero de 2015 comenzó a grabar y coproducir, junto con el líder de Timber Timbre, Taylor Kirk, su segundo álbum: Lay Low. Grabado en el mítico estudio de Montreal Hotel2Tango, durante un período de un mes, con otros miembros de la banda de Timber Timbre. Completó la grabación entre Studio la Seine en París y RAK Studios en Londres. El álbum salió el 9 de octubre, precedido por el primer sencillo «Where to Start», que apareció en la banda sonora de la película Demolition, de Jean-Marc Vallée. Doillon fue nominado al mejor álbum de rock del año en Les Victoires de la musique. Su más reciente grabación, Soliloqyy [2019], cuenta con la colaboración y coproducción de Dan Levy, Cat Power, Benjamin Leabeau y de Nicolas Subréchicot. Un total de doce temas, envueltos en una atmósfera atemporal, en los que Lou no abandona su melancolía, pero, sin embargo, en su conjunto resulta una grabación más luminosa y brillante que sus dos trabajos anteriores.

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World Music | Lou Doillon en La Fleche d'Or de París Estreno 21 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Temas de Lou Doillon, The Clash & Leonard Cohen. F. Poggio, F. M’Bouéké, P. Levandon, N. Subrechicot, C. Berberian, K. Ann, C. Borsarello, T. Mortegonte. La Fleche d’Or. 2016.


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Una visión única acerca de la sinfonía más conocida e interpretada de la Historia, que une

pasado y presente de una manera nunca vista hasta ahora.

Género: documental, música clásica, música romántica, sinfónico-coral.

Director: Christian Berg.

Intérpretes: Tan Dun, Teodor Currentzis, MusicAeterna, Gabriel Prokofiev, Orquesta Sinfónica Kimbanguista, Yutaka Sado, Paul Whittaker, Orquesta Juvenil Sinfónica Heliópolis, Orquesta de Cámara Mahler.

Año: 2019.


En este documental de Christian Berg se entrelazan siete historias con un denominador común, una de las obras cumbre de la música a lo largo de la Historia: la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven (1770-1827). Entre los protagonistas de estas historias se cuentan el compositor chino y ganador de un Oscar Tan Dun, el compositor inglés Gabriel Prokofiev y el director grecorruso Teodor Currentzis, entre otros, quien no duda del significado de esta sinfonía: «Si alguien viene de otro planeta y preguntara cuál es la esencia de la civilización humana, lo mejor sería tocar la Novena Sinfonía. Es una prueba de la civilización humana». En 1817 la Real Sociedad Filarmónica de Londres le encargó a Beethoven la composición de su Sinfonía n.º 9. Casi 200 años después, la misma institución le encomienda el Concierto Coral: Nine al compositor chino Tan Dun, una obra basada en la Novena de Beethoven. El documental acompaña al compositor chino en el desarrollo de su composición y, a la vez, viaja a otros lugares del mundo siguiendo las huellas de la


Documental | Una sinfonía para el mundo – La Novena de Beethoven Un documental de Christian Berg





sinfonía. Por ejemplo, al Festival de Salzburgo, donde el director Teodor Currentzis y su orquesta rusa MusicAeterna presentan sus audaces interpretaciones. Mientras, en el Congo, la Orquesta Sinfónica Kimbanguista aborda la obra bajo condiciones más difíciles. La ciudad japonesa de Osaka espera con ansia la presentación de la Novena de Beethoven con un coro de 10.000 cantantes bajo la dirección de Yutaka Sado. En Barcelona, niños y jóvenes sordos sienten la música junto con el músico sordo Paul Whittaker y los componentes de la Orquesta de Cámara Mahler. En una favela de São Paulo, en Brasil, la Orquesta Juvenil Sinfónica Heliópolis trabaja en la Novena. Y el compositor y DJ Gabriel Prokofiev explora nuevos caminos con su Beethoven 9 Symphonic Remix, que presentará en el Festival de Beethoven de Bonn.

Dentro del inmenso y célebre legado sinfónico de Ludwig van Beethoven (1770-1827), es en la Sinfonía n.º 9 en re menor, Op. 125 donde el compositor de Bonn echa el resto. La obra fue un encargo de la Sociedad Filarmónica de Londres en 1817, aunque el compositor la comenzó a componer en 1818 y no la finalizó hasta inicios de 1824. Se constituye en cuatro movimientos, hasta ahí todo normal, pues es en el cuarto de ellos donde Beethoven introduce una absoluta novedad en la Historia de la música, al ser la primera vez que una sinfonía introduce un coro en alguna de sus partes. El poema sobre el que se basa es de Friedrich Schiller, concretamente An die Freude [A la alegría, conocido como Oda a la alegría], que el autor publicó en 1786 en la primera versión y 1808, póstumo, en la versión definitiva. La inclusión de una parte vocal en la sinfonía provocó no pocos problemas a Beethoven, como indica adecuadamente su amigo y biógrafo Anton Schindler: «Cuando empezó a componer el cuarto movimiento, la lucha comenzó como nunca antes. El objetivo era encontrar un modo correcto de introducir la oda de Schiller. Un día Beethoven entró en un cuarto y gritó: ‘¡Lo tengo, ya lo tengo!’, entonces me mostró el cuadernillo con las palabras ‘Cantemos la canción del inmortal Schiller’».

Beethoven estaba ansioso por estrenar su trabajo en Berlín tan pronto como fuera posible, especialmente porque pensaba que el gusto musical vienés no resultaba demasiado apto para una composición de estas características, al creerlo dominado por el gusto hacia los compositores italianos. Cuando algunos de sus amigos escucharon esa afirmación le animaron de inmediato a estrenar la sinfonía en la misma Viena. El estreno tuvo lugar el 7 de mayo de 1824 en el Kärntnertortheater, diez años después del estreno de su anterior sinfonía, en un concierto que integraba otras de sus obras. Esta fue la primera aparición en escena de Beethoven después de doce años, por lo que la expectación era más que evidente. Todos querían asistir al regreso a la escena del maestro alemán. El estreno fue oficialmente dirigido por Michael Umlauf, aunque él y Beethoven compartieron el escenario. Al finalizar el público se mostró entusiasmado, aplaudiendo y ovacionando a los intérpretes durante tres largas tandas de aplausos...

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Documental | Una sinfonía para el mundo – La Novena de Beethoven Un documental de Christian Berg Estreno 26 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Una sinfonía para el mundo – La Novena de Beethoven. Christian Berg [dirección]. La sinfonía más interpretada de la Historia, en un documental que narra sus entresijos a través de siete historias y sus protagonistas por todo el mundo. 2019.


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Una de las voces más impresionantes de las últimas décadas, en un recital con lo mejor

del bel canto, para ofrecer un sentido homenaje al malogrado barítono ruso.

Género: concierto, música clásica, música romántica, bel canto, voz, piano.

Intérpretes: Juan Diego Flórez [tenor], Vincenzo Scalera [piano].

Año: 2019.

Lugar: Philharmonic Concert Hall, Krasnoyarsk.


El barítono ruso Dmitri Hvorotovsky abandonó prematuramente este mundo en 2017, dejando a medias una fulgurante carrera y siendo considerada una de las mejores voces graves del panorama lírico mundial. A partir de entonces, Lyudmila y Alexander Hvorostovsky, los padres del cantante, decidieron organizar un festival en su honor, con el apoyo del Ministerio de Cultura de la región de Krasnoyarsk, la Fundación Dmitri Hvorostovsky para la Promoción de las Artes y un patrocinio general del Ministerio de Cultura de Rusia, así como la Federación y el Gobierno de la Región de Krasnoyarsk. Anton Levahin fue escogido como director artístico del festival y de la competición internacional de canto. En su edición 2019, quien es considerada una de las mejores voces del panorama internacional, el peruano Juan Diego Flórez, se subió al escenario del Philharmonic Concert Hall, en Krasnoyarsk, para ofrecer un concierto en el marco del I Dmitri Hvorostovsky Festival interpretando un programa, junto al pianista Vincenzo Scalera, protagonizado por algunas de las arias más célebres del bel canto romántico. El programa se conformó de las siguientes obras y autores: Gioachino Rossini (1792-1868): «Addio ai

Concierto | Festival Dmitri Hvorostovsky Juan Diego Flórez en concierto





Viennesi» y «Bolero»; Vincenzo Bellini (1801-1835): Largo e tema en fa menor [piano solo]; Gaetano Donizetti (1797-1848): «Una furtiva lagrima», de L’elisir d’amore, «Tombe degli avi miei… Fra poco a me ricovero», de Lucia di Lammermoor; Vals en do mayor [piano solo]; Giuseppe Verdi (1813-1901): Romanza senza parole en fa mayor [piano solo], «O dolore», de Attila; «Lunge da lei… De’ miei bollenti spiriti… O mio rimorso», de La traviata; Franz Lehár (1870-1948): «Dein ist mein ganzes Herz», de Das Land des Lächelns; «Gern hab’ ich die Frau’n geküsst», de Paganini; «Freunde, das Leben ist Lebenswert», de Giuditta; Jules Massenet (1842-1912): Meditation, de Thaïs [piano solo]; «Pourquoi me réveiller», de Werther; Georges Bizet (1838-1875): «La fleur que tu m’avais jetée», from Carmen; y Giacomo Puccini (1858-1924): «Che gelida manina», de La bohème; además de una selección con algunas de las más bellas canciones latinoamericanas de los siglos XIX y XX. El Festival & Concurso Internacional de Canto Dmitri Hvorostovsky rinde homenaje a uno de los mejores barítonos rusos de todos los tiempos y tiene lugar en su ciudad natal, Krasnoyarsk. Desde hace dos años la ciudad de Siberia se convierte en un centro internacional para jóvenes cantantes y las figuras más destacadas del arte musical reunidas para celebrar la vida y carrera de Hvorostovsk, pero también para disfrutar de las más grandes voces actuales y descubrir nuevas estrellas del mundo de la ópera. Se trata de un evento trascendental y de importancia mundial, cuyo objetivo fundamental reside en preservar y propagar la herencia musical única del destacado cantante ruso, cuya fama se ha extendido mucho más allá de todas las fronteras imaginables. La notable vida creativa y la historia de Dmitri Hvorostovsky ya se han convertido en parte del patrimonio cultural ruso. El concurso se celebra los años pares en la ciudad y forma parte del Festival Dmitri Hvorostovsky. El jurado del concurso incluye destacadas figuras de la música y el canto, así como intendentes de teatros de ópera y directores de instituciones musicales. Pretende crear oportunidades profesionales para jóvenes cantantes sobresalientes de todo el mundo. El premio de 200.000 euros proporciona un apoyo excepcional para los concursantes y el desarrollo de su actividad internacional.

El barítono siberiano Dmitri Hvorostovsky estableció una extraordinaria carrera internacional, actuando regularmente en los prestigiosos escenarios de conciertos y teatros de ópera de América del Norte, Europa y Asia. Su voz distintiva, con un legato majestuoso y un impecable control de la respiración, le situaron a la vanguardia de los mejores barítonos en el mundo. Su repertorio de ópera, además de Verdi, abarcaba desde Mozart hasta Prokofiev, y se presentaba regularmente en los principales teatros de ópera del mundo con sus roles más destacados: Conte di Luna, Posa en Don Carlo, Rigoletto, Príncipe Yeletsky en La Dama de picas, Renato en Un ballo in maschera y el papel principal de Simone Boccanegra y Eugene Onegin.

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Concierto | Festival Dmitri Hvorostovsky Juan Diego Flórez en concierto Estreno 27 de junio 21:00 Argentina/Uruguay | 20:00 Bolivia/Paraguay | 19:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: Obras de G. Rossini, V. Bellini, G. Verdi, J. Massenet, G. Bizet, G. Puccini, F. Lehár, Q. Mendoza y Cortés, F.P. Tosti. Juan Diego Flórez & Vincenzo Scalera. Philharmonic Concert Hall, Krasnoyarsk. 2019.


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La ópera contemporánea a escena, por medio de quien es uno de los grandes compositores

rusos vivos, en producción del magnífico teatro de San Petersburgo.

Género: ópera, música clásica, música contemporánea, voz.

Intérpretes: Sergei Romanov, Larisa Diadkova, Sergei Semishkur, Sergei Alekshaskin, Svetlana Volkova, Alexander Timchenko, Karina Chepurnova, Andrei Popov; Coro del Teatro Mariinsky [Andrei Petrenko, dirección]; Vasily Barkhatov [dirección de escena], Zinovy Margolin [escenografía], Maria Danilova [vestuario], Damir Ismagilov [iluminación].

Director: Valery Gergiev.

Orquesta: Orquesta del Teatro Mariinsky.

Año: 2012.

Lugar: Teatro Mariinsky, San Petersburgo.


El Teatro Mariinsky de San Petersburgo, que es junto al Bolshoi de Moscú el escenario más importante de Rusia, presentó esta nueva producción de la ópera Dead Souls, del compositor ruso Rodion Shchedrin, que cumplió 80 años en aquel 2012. Una de las obras maestras indiscutibles de la ópera del siglo XX aparece en la nueva, brillante y expresiva versión escenificada más de treinta años despuésde su estreno. Se trata de la primera producción rusa desde su estreno en 1977 en el Teatro Bolshoi. La obra cuenta con la dirección musical, al frente del Coro & Orquesta del Mariinsky, del gran director ruso de las últimas décadas y quien es la gran figura del Mariinsky: Valery Gergiev. Cuenta con un

Ópera | Almas muertas Ópera en tres actos de Rodion Shchedrin Estreno 28 de junio 17:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Bolivia/Paraguay | 15:00 Colombia/Ecuador




elenco vocal protagonizado por voces rusas de primer nivel: Sergei Romanov, Larisa Diadkova, Sergei Semishkur, Sergei Alekshaskin, Svetlana Volkova, Alexander Timchenko, Karina Chepurnova y Andrei Popov. La dirección de escena es de Vasily Barkhatov, al que acompañan Zinovy Margolin en la escenografía, Maria Danilova en el diseño de vestuario y Damir Ismagilov en el de iluminación.

Esta ópera de tres actos hace uso de los recursos vocales de una parte sustancial de la plantilla de la compañía rusa, pues Dead Souls cuenta con un total de treinta y dos personajes con partes solistas. Barkhatov y Zinovy Margolin enmarcan el escenario con un gigantesco par de ruedas conectadas por una gran plataforma vertical, el símbolo de los viajes de Pavel Chichikov entre fincas provinciales que buscan una buena ganga para los siervos ficticios, pues la premisa de la trama de la novela es ganar dinero usando los nombres de los siervos que han muerto pero que siguen contabilizados en los registros de propiedades. La ópera está basada en la novela de homónima de Nikolai Gogol.

Rodion Konstantinovich Shchedrin (1932) es un compositor ruso muy respetado en su país y valorado por algunas de sus obras. Nacido en una familia de músicos, pues su padre fue compositor y profesor de teoría musical, comenzó sus estudios musicales en la Escuela Coral de Moscú y en el Conservatorio de Moscú donde se graduó en 1955 como alumno de Yuri Shaporin y Nikolai Myaskovski. En 1958 contrajo matrimonio con la conocida bailarina Maya Plisetskaya, lo que influiría poderosamente en la creación de algunas obras para el ballet, como la que aquí nos ocupa. Sus primeras composiciones se caracterizan por su tonalidad, colorida orquestación e incluyen con frecuencia aportes y referencias a la música popular, mientras que algunas de sus creaciones posteriores se acercan a la música aleatoria y al serialismo. En occidente la música de Shchedrin se ha popularizado especialmente gracias al trabajo de Mstislav Rostropovich y sus exitosos discos. Entre sus composiciones se destacan las de ballet, como El Caballito Jorobado [1955], Anna Karenina [1971] o La dama del perrito [1985], pero también sus óperas, entre las que cabe destacar No sólo por amor [1961], Almas muertas [1976] o Lolita [1994]. Destaca también dentro de la música instrumental, componiendo conciertos para piano, sinfonías, música de cámara y otras obras como una serie de 24 preludios y fugas a la manera de Shostakovich o tres conciertos para orquesta de gran interés, así como música coral y vocal de pequeño formato. Shchedrin ha sido además un virtuoso pianista y organista, habiendo participado en la interpretación de seis de sus conciertos para piano. Incluso llegó a participar en el concierto memorable del 5 de mayo de 1974, en el que fue el solista de tres de sus conciertos para piano. Tras la disolución de la Unión Soviética, aumentó considerablemente su actividad concertística, pasando mucho más tiempo fuera de Rusia.

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Ópera | Almas muertas Ópera en tres actos de Rodion Shchedrin Estreno 28 de junio 17:00 Argentina/Uruguay | 16:00 Bolivia/Paraguay | 15:00 Colombia/Ecuador

Sinopsis: R. Shchedrin: Almas muertas. S. Romanov, L. Diadkova, S. Semishkur, S. Alekshaskin, S. Volkova, A. Timchenko, A. Timchenko, K. Chepurnova, A. Popov; Coro & Orquesta de Teatro Mariinsky | V. Gergiev. Teatro Mariinsky, San Petersburgo. 2012.


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