CUERPO A

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Planificación Académica

1. Ubicación en el Plan de Estudios

2. Objetivos

3. Índice de contenidos básicos

4. Desarrollo de contenidos básicos

5. Producción y creación del estudiante

6. Fuentes documentales y bibliografía

(Historia de la Fotografía - 022548)

Esta asignatura pertenece al Proyecto Pedagógico Ensayos de la Imagen

Alejandra Niedermaier Miércoles 18.45 hs. a 22 hs.

2013

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Acerca de Historia de la Fotografía (022548)

1) Ubicación en el mapa del plan de estudios Esta asignatura forma parte del plan de estudios de la carrera Licenciatura en Fotografía. No tiene asignaturas correlativas aunque se recomienda haber cursado previamente Introducción a la investigación (022562). Se ubica en el eje Comunicación, que continúa con Publicidad I (021068), asignatura que aporta al estudiante estrategias creativas y comunicativas que colaboran en su desarrollo profesional. Paralelamente, los alumnos que respetan el plan de estudios cursan: Diseño Fotográfico III (022546), donde se adquieren las herramientas y conocimientos para desarrollar diferentes producciones de moda, tanto en interiores como en exteriores; Introducción al Discurso Audiovisual (021130) asignatura que brinda los conocimientos técnicos, discursivos y metodológicos básicos que hacen a la producción audiovisual; y Taller de Fotografía IV (022547), donde se integran todos los conocimientos fotográficos adquiridos hasta el momento, sumando el concepto de fotografía digital.

Historia de la Fotografía (022548) participa del proyecto pedagógico Ensayos de la Imagen. 2) Objetivos de Historia de la Fotografía Objetivos generales

x Abordar el conocimiento de la fotografía en el contexto histórico de su producción, desde sus inicios hasta aproximadamente los años 1970.

x Valorar la importancia de la fotografía en sus aspectos comunicacionales.

x Integrar nociones técnicas y estéticas en producciones fotográficas.

x Relacionar conocimientos teóricos con sus motivaciones creativas y necesidades

expresivas.

x Brindar instrumentos que enriquezcan el universo creativo de la producción.

Objetivos específicos

x Abordar el conocimiento de los distintos géneros fotográficos desde sus inicios hasta finalizar la década de 1960.

x Interiorizarse sobre criterios estéticos y técnicos de escuelas y fotógrafos.

x Analizar obras de diversos fotógrafos, reflexionando sobre las relaciones entre fotografía y contexto histórico de producción.

3) Índice de contenidos básicos

1) Orígenes de la fotografía 2) Evolución de la fotografía 3) La fotografía artística en el siglo XIX 5) Documentos sociales 6) La fotografía en el período de las vanguardias 8) Fotoperiodismo y estilos documentales 9) Lo artístico

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4) Desarrollo de contenidos básicos Módulo 1 Orígenes de la fotografía Las distintas relaciones del hombre con la imagen en diversos períodos. Definiciones de los principales pensadores de cada período sobre la imagen. Conceptos sobre las máquinas de imágenes. La invención de la fotografía: Condiciones socio-políticas que determinaron su aparición. Nuevas formas de representación y de conocimiento La cámara oscura. Los antecedentes ópticos y de sensibilización de los soportes. Los protofotógrafos. El daguerrotipo. Los padres de la invención: Joseph Nièpce, Louis Daguerre y Henri Fox Talbot. Llegada al Río de la Plata del Daguerrotipo. Otros procesos: vidrio: placa húmeda, albúmina, etc. El primer libro fotográfico: su importancia Evolución técnica de la fotografía. Ingreso de la fotografía en la esfera privada: cámaras portátiles. Módulo 2 Evolución de la fotografía Principales exponentes del pictorialismo. Desarrollo del retrato: Nadar. Disderi: La Carte-de-visite. La convivencia con el impresionismo y el postimpresionismo Los estudios fotográficos en Latinoamérica: su rol de acompañamiento visual para la constitución de un imaginario de sociedades en su proceso de construcción. TP1: Parcial domiciliario integrador de los módulos 1 y 2.

El objetivo de este parcial domiciliario es integrar los conceptos desarrollados durante las clases junto a la bibliografía de la cátedra. Se pretende que el alumno profundice sobre los contenidos aprendidos y pueda establecer relaciones entre los mismos y los mencionados textos. Se recomienda la utilización de citas bibliográficas con los cuales el alumno se sienta identificado y que pueda servirle como punto de partida para el desarrollo de su respuesta.

Bibiliografía módulos 1 y 2:

Batchen Geoffrey (2004),Arder en deseos, la concepción de la fotografía, Barcelona, Gustavo Gili, pp. 55-58 Cuadro sobre el devenir de la invención de los aspectos técnicos de la fotografía Niedermaier Alejandra, “Distintos caminos en el abordaje de la historia de la fotografía” en Martínez Juan Manuel (comp) (2006) Arte Americano: contextos y formas de ver, Santiago de Chile, RL Editores

Niedermaier Alejandra (2008), La mujer y la fotografía, una imagen espejada de autoconstrucción y construcción de la historia, Buenos Aires, Editorial Leviatán, pp 21-24 y 57-58

Módulo 3 Fines del XIX- Comienzos del Siglo XX Principales figuras que instauran la condición de lenguaje: Edward Steichen y Alfred Stieglitz: su relación con Rodin, Cezanne, Matisse y Picasso. Photosecession/Cámera Work Chronofotografía: Edweard Muybridge, Etienne Jules Marey Belle epoque: Jacques Henri Lartigue. Lewis Hine. Paul Strand y el retrato. Los proyectos que originaron el género documental: The family of man y Farm Security Administration. Walker Evans y otros. Publicaciones que influyeron en su expansión. La fotografía en publicaciones latinoamericanas

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TP2: Realizar un desarrollo de las cuestiones tecnológicas que incidieron en la impresión de la fotografía en periódicos y revistas desde el avance de las cámaras y también de los sistemas de impresión. Aventurar una hipótesis (en base al estudio de las condiciones históricas) de cual era el equipo de un reportero en diferentes épocas. Incorporar la bibliografía obligatoria de acuerdo a las normas APA

Bibliografía:

Barthes Roland, “La gran familia del hombre” en AA.VV. (2007), Historia general de la fotografía, Madrid, Cátedra, pp. 534-535

Berger John, (2005),”Paul Strand” en Mirar, Buenos Aires, Ediciones de la Flor, pp.59-66 Jeffrey Ian (1999), “La sociedad norteamericana” en La fotografía, Barcelona, Ediciones Destino, pp.156-177 Marinello K Juan Domingo, “Fotógrafos de Prensa” en AA.VV. (2000) Rescate de Huellas en la Luz, Santiago de Chile, Centro Nacional Patrimonio Fotográfico, pp.125-127 Tell Verónica, “Reproducción fotográfica e impresión fotomecánica: materialidad y apropiación de imágenes a fines del siglo XIX” en Malosetti Costa Laura, Gene Marcela (comp) (2009), Imagen y palabra en la historia cultural de Buenos Aires, Buenos Aires, Edhasa, pp.141-150 Módulo 4: La fotografía y las vanguardias históricas.

Movimientos artísticos de comienzos del siglo XX. Futurismo, Dadaísmo, Surrealismo. Bauhaus y Constructivismo ruso. Traducción de estos movimientos en Latinoamérica. Desde la Bauhaus, la introducción de la modernidad fotográfica en Argentina: Grete Stern y Horacio Coppola. Fotógrafos herederos del espíritu de las vanguardias: Atget, Brassai, Kertesz TP3: Realizar un ensayo identificando, dentro de este período, una fotografía que por algún motivo el alumno se sienta identificado con ella. Individualizar el estilo del autor elegido, su inserción en alguna de las vanguardias realizando un análisis epocal tanto fotográfico como socio-cultural. Incorporar la bibliografía obligatoria de acuerdo a las normas APA.

Bibliografía: Baqué, D. (2003). “El mestizaje posmoderno respecto al montaje vanguardista” en La fotografía plástica: un arte paradójico. Barcelona: Gili. (779 BAQ), pp.191-199. Sougez Marie Loup, Perez Gallardo Helena, “Arte y fotografía” Las vanguardias y el período de entreguerras en AA.VV. (2007), Historia general de la fotografía, Madrid, Cátedra, pp. 299-349 Módulo 5 : Miradas sobre la sociedad. Particularidades y aportes de la fotografía documental a la producción social de conocimiento. Evolución del fotoperiodismo Las agencias periodísticas. El ensayo fotográfico. La instantánea Fotografía de celebrities en el mundo y en Latinoamérica Bibliografía:

Bauret Gabriel (1999), De la fotografía, Buenos Aires, La Marca Editora, pp.41-45

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Miguel Russo, “Marilyn” en Miradas al sur, 5.08.2012 Módulo 6: Otros modos de mirar la realidad Robert Frank, Richard Avedon, Diane Arbus TP4: Realizar un análisis comparativo de los distintos modos de entablar una mirada sobre el sujeto individual y el sujeto en sociedad de los fotógrafos vistos en los módulos 5 y 6. Considerar para su elaboración: aspectos de representación, plásticos, estilos del fotógrafo y su inserción socio-cultural. Incorporar la bibliografía obligatoria de acuerdo a las normas APA Bibliografía:

Berger John (2008), “Hombre mendigando en el metro” en Fotocopias, Buenos Aires, Alfaguara, pp. 67-75

Lemagny Jean Claude (2008), “Lo que define a la fotografía como arte” en La sombra y el tiempo, la fotografía como arte, Buenos Aires, La Marca, pp. 67-76

Sekula Alan (2004) Desmantelar la modernidad, reinventar el documental. Notas sobre la política de la representación, en Efecto real. Debates posmodernos sobre fotografía (Jorge Ribalta, ed.), Gustavo Gili, Barcelona, pp.35-44 Módulo 7: Poéticas diversas La nueva objetividad en Europa - Straight Photography en USA Fotografía subjetiva: Harry Callaham – Minor White Sus correlatos en Latinoamérica

Bibliografía:

Compilación de frases

Módulo 8: Los albores de la posmodernidad Deconstrucción de los géneros habituales de la fotografía. Fenómeno de intertextualidad: la trasposición y apropiación fotográfica. Preparación del TPF: Se realizarán dos revisiones previas a la fecha de entrega del trabajo práctico final en ocasión del examen final de la materia. Bibliografía:

Niedermaier Alejandra, “Desde la docencia y la investigación fotográfica: la trasposición, su devenir/su límite” en Actas de Diseño 4, Universidad de Palermo, 2007 hallable en http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=12&id_articulo=5571 Niedermaier Alejandra, “Desde la docencia y la investigación: cómo abordar el análisis de la práctica fotográfica actual” en Actas de Diseño 2, Universidad de Palermo, 2006 hallable en http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2008/05_publicaciones/01_actas_diseno/archivos_pdf/actas_n_2.pdf

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5) Producción y creación del estudiante en Historia de la Fotografía En la fecha correspondiente al cierre de notas el alumno deberá traer el portfolio de cursada que consta de una carpeta anillada conteniendo los 4 (cuatro) trabajos prácticos realizados durante el cuatrimestre tal como fueran devueltos por la docente. 6) Bibliografía a) Bibliografía obligatoria Barthes Roland, “La gran familia del hombre” en AA.VV. (2007), Historia general de la fotografía, Madrid, Cátedra, pp. 534-535

Baqué, D. (2003). La fotografía plástica: un arte paradójico. Barcelona: Gili. (779 BAQ) El mestizaje posmoderno respecto al montaje vanguardista, pp 191-199. Batchen Geoffrey (2004),Arder en deseos, la concepción de la fotografía, Barcelona, Gustavo Gili, pp. 55-58 Bauret Gabriel (1999), De la fotografía, Buenos Aires, La Marca Editora, pp.41-45

Berger John, (2005),”Paul Strand” en Mirar, Buenos Aires, Ediciones de la Flor, pp.59-66 Berger John (2008), “Hombre mendigando en el metro” en Fotocopias, Buenos Aires, Alfaguara, pp. 67-75 Compilación de frases Cuadro sobre el devenir de la invención de los aspectos técnicos de la fotografía Jeffrey Ian (1999), “La sociedad norteamericana”, La fotografía, Barcelona, Ediciones Destino, pp.156-177 Lemagny Jean Claude (2008), “Lo que define a la fotografía como arte” en La sombra y el tiempo, la fotografía como arte, Buenos Aires, La Marca, pp. 67-76

Marinello K Juan Domingo, “Fotógrafos de Prensa” en AA.VV. (2000) Rescate de Huellas en la Luz, Santiago de Chile, Centro Nacional Patrimonio Fotográfico, pp.125-127 Niedermaier Alejandra (2008), La mujer y la fotografía, una imagen espejada de autoconstrucción y construcción de la historia, Buenos Aires, Editorial Leviatán, pp 21-24 y 57-58

Niedermaier Alejandra, “Distintos caminos en el abordaje de la historia de la fotografía” en Martínez Juan Manuel (comp) (2006) Arte Americano: contextos y formas de ver, Santiago de Chile, RL Editores

Niedermaier Alejandra, “Desde la docencia y la investigación fotográfica: la trasposición, su devenir/su límite” en Actas de Diseño 4, Universidad de Palermo, 2007 hallable en http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=12&id_articulo=5571 Niedermaier Alejandra “Desde la docencia y la investigación: cómo abordar el análisis de la práctica fotográfica actual” en Actas de Diseño 2, Universidad de Palermo, 2006 hallable en http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2008/05_publicaciones/01_actas_diseno/archivos_pdf/actas_n_2.pdf

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Sekula Alan (2004) Desmantelar la modernidad, reinventar el documental. Notas sobre la política de la representación, en Efecto real. Debates posmodernos sobre fotografía (Jorge Ribalta, ed.), Gustavo Gili, Barcelona, pp.35-44 Sougez Marie Loup, Perez Gallardo Helena, “Arte y fotografía” Las vanguardias y el período de entreguerras en AA.VV. (2007), Historia general de la fotografía, Madrid, Cátedra, pp. 299-349 Tell Verónica, “Reproducción fotográfica e impresión fotomecánica: materialidad y apropiación de imágenes a fines del siglo XIX” en Malosetti Costa Laura, Gene Marcela (comp) (2009), Imagen y palabra en la historia cultural de Buenos Aires, Buenos Aires, Edhasa, pp.141-150 b) Bibliografía recomendada

Bajac Quentin, (2011) La invención de la fotografía, la imagen revelada, Blume

Barthes, R. (1989). La cámara lúcida: nota sobre la fotografía. Barcelona: Paidós. (770.1 BAR)

Berger, J. (2006). Sobre las propiedades del retrato fotográfico. Barcelona: Gili. (770 VER)

Cuarterolo, M. Longoni, E. (1996). El poder de la imagen: apuntes sobre fotografía periodística. Buenos Aires: FotoZoom. (070.49 CUA)

Freund, G (1996). La fotografía como documento social. Barcelona. Gilli (770.9 FRE)

Joly Martine (2004), La imagen fija, Buenos Aires, Editorial La Marca

Sontag, S. Sobre la fotografía. Barcelona. Edhasa. (770.1 SON)

Sougez, Marie-Loup (2004). Historia de la fotografía. Madrid. Cátedra. (770.9 SOU)

Valérie P., Arbaïzar P. eds. (2004). La confusión de los géneros en fotografía. Barcelona. Gili. (770.1 CON) Tagg John (2005), El peso de la representación, Barcelona, Gustavo Gili

c) Referencias Sitios Web

x Publicaciones académicas DC http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/publicaciones.php?id_publicacion=2

Se recomienda el cuaderno nº 27: “Borges y las artes (y las artes en Borges)” y “Entre el realismo y la tecnología de la imagen: el estado de la teoría fotográfica.”

http://www.argra.com Sitio institucional de la Asociación de Reporteros Gráficos de la República Argentina. Muestra de reporteros destacados. Grandes maestros analizados por especialistas. Exposiciones anuales.

d) Museos y reservorios de fotografía - Fototeca de la Biblioteca Nacional, Agüero 2502 – 3º piso, C.A.B.A.

- Museo de la Ciudad, Defensa 219 / 223. Alsina 412

- Museo Histórico Nacional. Defensa 1600. C.A.B.A. Daguerrotipos en exhibición.

- Museo Hispanoamericano Fernández Blanco. Suipacha 1433. C.A.B.A.

- Museo Nacional de Bellas Artes. Avenida del Libertador 1473. C.A.B.A.

- Museo Pampeano de Chascomús. Parque “Los libres del sur”. Chascomús, Buenos Aires. Exposición permanente de Daguerrotipos.

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7) Guía del Trabajo Práctico Final Objetivo general:

El objetivo del trabajo final es identificar dos fotografías que, por algún motivo, el alumno se sienta identificado con ellas. La primera perteneciente a la fotografía contemporánea y la otra a la historia de la fotografía. A partir de la elección de la primera (la contemporánea) encontrar en ella las posibles filiaciones en el marco de fotografías históricas. Establecer, entonces, un contrapunto entre ambas imágenes, indagando las razones por las cuales resulta filiatoria una de la otra y exponiendo la razón de su elección. En tal sentido, efectuar un ensayo individualizando el estilo de los autores elegidos, su inserción epocal tanto fotográfica como socio-cultural. Agregar una semblanza biográfica de ambos autores.

Por otra parte, el objetivo de este trabajo final es que el alumno pueda reconocer a partir de lo visto en las clases, los mecanismos de construcción de sentido que los fotógrafos/as elegidos utilizan para entablar su discurso.

Se promueve el acercamiento y la reflexión académica en virtud de que es fundamental que el estudiante analice y se acerque a aquello que es próximo a su profesión futura, logrando superar la mirada ingenua de la realidad circundante para suplantarla por una reflexión personal que se sostenga con lo visto en las clases de Historia de la Fotografía. En este caso, la idea es, pues, poder resignificar el pasado en el presente.

Resulta indispensable para todo ensayo que exista un enfoque personal que se

desprenda de la observación crítica del estudiante sobre la realidad, a la vez que exista el análisis de teorías históricas, sociales y/o artísticas cercanas a la problemática elegida. Por ello, es de suma importancia que el estudiante plantee sus propias reflexiones sobre el objeto de estudio e incorpore diversas bibliografías.

Incorporar de la bibliografía obligatoria y de otras lo que realmente se utilizó para realizar el ensayo. Citar y listar de acuerdo a las normas APA.

Estructura de la carpeta anillada a presentar:

Cuerpo A

x Carátula

x Guía del TP Final

x Síntesis del trabajo (entre 5 a 10 líneas)

x Aportes y descubrimientos significativos de la materia (en primera persona)

x Elegir entre los textos leídos en clase cual es de su preferencia y explicitar por qué.

x Curriculum vitae (máximo una página)

x Declaración jurada de autoría (al final de este documento) Cuerpo B

x Carátula

x Índice

x Introducción

x Desarrollo

x Conclusiones personales

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x Bibliografía

Cuerpo C x Carátula x Imágenes más representativas de las obras o trabajos del artista x Entrevista en bruto y otras fuentes de primera mano relevantes x Currículum breve del artista entrevistado

Presentación: Las carátulas deben incluir: Título del TP Final, nombre y mail de los alumnos y del docente, indicación de la carrera, materia, comisión y fecha de entrega. Modo de citas bibliográficas: De libros: Apellido, Nombre, Titulo del libro, Lugar, Editorial, año. Por ejemplo: Batchen Geoffrey (2004), Arder en deseos, la concepción de la fotografía, Barcelona, Gustavo Gili Recursos electrónicos: Nombre de la página, [link], fecha de consulta. Por ejemplo: Obras de Diego Velásquez en la Web Gallery of Art, [http://www.wga.hu/index1.html], Consulta: 7 de junio de 2009. Si en el cuerpo del texto se menciona una cita textual, se debe insertar una nota al pie con la referencia bibliográfica. La estructura es la misma pero se debe agregar el número de página. Por ejemplo: Batchen Geoffrey (2004), Arder en deseos, la concepción de la fotografía, Barcelona, Gustavo Gili, p. 57.

Requisitos para presentarse al examen final

- Presentación en tiempo y forma del Trabajo Práctico Final (Enviar por mail a alejandraniedermaier@gmail.com 3 (tres) días antes de la fecha de examen). - Inscribirse al examen final a través del sistema de alumnos con 48 horas hábiles mínimo de anticipación. - Respeto de las normas de presentación de los trabajos en Diseño y Comunicación. - Presentación en el examen final del porfolio de cursada y la presente planificación. El estudiante debe entregar los tres cuerpos en papel y en formato digital. Se entrega en un solo anillado los tres cuerpos. Presentación en Word, extensión .doc (no .docx o pdf)

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Para Trabajo Práctico Final

Declaración jurada de autoría A: Facultad de Diseño y Comunicación. Universidad de Palermo.

Por la presente dejo constancia de ser el autor del Trabajo Práctico Final titulado

que presento para la asignatura

dictada por el profesor

Dejo constancia que el uso de marcos, inclusión de opiniones, citas e imágenes es de

mi absoluta responsabilidad, quedando la UP exenta de toda obligación al respecto.

Autorizo, en forma gratuita, a la UP a utilizar este material para concursos,

publicaciones y aplicaciones didácticas dado que constituyen ejercicios académicos de uso

interno sin fines comerciales.

___ / ___ / ___

Fecha Firma y aclaración

Síntesis del trabajo

Este trabajo investiga las similitudes y diferencias entre Man Ray, fotógrafo dadaísta y surrealista de principios del siglo XX, y Brooke Shaden, fotógrafa contemporánea. Se parte de la base del movimiento surrealista, analizando sus comienzos, su contexto histórico y sus características temáticas y estilísticas. Asimismo, se profundiza sobre el arte y la cultura contemporánea, investigando cómo muchos aspectos de la vanguardia surrealista siguen siendo relevantes hoy en día, inspirando e influyendo el estilo de muchos fotógrafos. Aportes y descubrimientos significativos

A pesar de no ser de la carrera de fotografía, siempre fue un tema que me interesó mucho. Disfruto mucho de sacar fotos y, si bien durante la carrera tuve materias relacionadas con el tema, éstas fueron mayormente técnicas y prácticas. Hasta este momento, nunca había tenido la oportunidad de aprender acerca de la fotografía y sus comienzos desde el punto de vista histórico.

Tomar esta materia como electiva me ayudó mucho para ver cómo la fotografía fue cambiando a lo largo de los años y cómo los distintos avances tecnológicos fueron alterando las técnicas y los tipos de trabajos realizados. Por otra parte, me gustó mucho poder ver artistas de diferentes épocas, ya que todos tienen un sello particular, y ver esta variedad de obras ayuda a encontrar la inspiración para formar nuestro propio sello como diseñadores/fotógrafos.

Me interesó en particular el tema de vanguardias ya que siempre, cuando se habla de ellas, suele omitirse la parte fotográfica y hablarse principalmente de la pintura y la escultura. Fue enriquecedor poder ver otro lado de los movimientos artísticos y aprender acerca de artistas que, por no ser pintores, eran desconocidos para mí. Asimismo, como soy estudiante de diseño, me gustó ver las maneras en las que éste interactúa con la fotografía, en forma de collages y fotomontajes, o simplemente en la creación de la armonía estética y la composición de la obra.

Disfruté mucho de la materia y, además de aprender mucho, revivió mi interés por la fotografía y mis ganas de incursionar en ella. Los artistas vistos en clase me inspiran a seguir buscando e intentando encontrar mi propio estilo creativo. Texto bibliográfico elegido !

El texto bibliográfico elegido es el de John Berger “Hombre mendigando en el metro”, del libro Photocopies. En este libro, Berger nos cuenta historias de distintos encuentros. En cada uno de sus ensayos, retrata ya sea a una o a un grupo de personas, haciendo especial hincapié en cómo vemos a los demás y cómo interpretamos lo que vemos. Este texto en particular relata un encuentro con el fotógrafo Henri Cartier-Bresson.

Personalmente, me gustó este texto por ser de formato narrativo, algo distinto a los otros que estuvimos leyendo en clase. Me resultó muy interesante poder ver a Cartier-Bresson desde otro punto de vista, más relacionado a cómo es él como persona, sus sentimientos, sus opiniones, su punto de vista y su forma de ser, más allá de lo que podemos interpretar de sus fotografías y de lo encontrado en textos biográficos. Algo que también me resultó cautivante es el hecho de que en este texto nos encontramos ante un Cartier-Bresson ya mayor, y habiendo

1

Currículum Vitae Datos Personales

Melanie Guil Fecha de nacimiento: 13 de junio de 1990 Edad: 23 años D.N.I: 35.253.467 Lugar de residencia: Beccar, GBA Norte Teléfono celular: (011) 5-039-5280 E-mail: melanie_g90@hotmail.com

Experiencia Laboral Junio 2013 – Presente | Pasantía de Redes Sociales en Time Out Buenos Aires Actualización de Twitter (en ingles) para la revista internacional de turismo Time Out Junio 2012 – Agosto 2013 | Secretaria de Inglés Secretaria de ingles en la primaria del Colegio San Ignacio Enero 2012 | Colaboradora en Bulkka Magazine Redacción de artículos en ingles para www.bulkka.com, revista de arte, cultura y diseño. Julio 2011 – Presente | Edición de video freelance - Videos para la cátedra de Diseño 2 de la carrera de Diseño de Indumentaria en la ABM - Clips de fotos para eventos sociales 2010 | Clases particulares de ingles

Formación Académica 2008 – Presente | Universidad de Palermo (UP), Argentina Diseñador de Imagen y Sonido Título intermedio: Técnico Universitario en Diseño de Imagen y Sonido Obtenido en Diciembre 2010 2003 - 2007 | Saint John's School, Argentina Bachiller Bilingüe (con orientación en Ciencias Naturales) Secundario, graduado

Idiomas Inglés Nivel oral Bilingüe. Nivel escrito Bilingüe. Nivel de lectura Bilingüe. Exámenes: IGCSE, preparación para IB Francés Nivel oral Intermedio. Nivel escrito Intermedio. Nivel de lectura Intermedio. Exámenes: DELF A1 Informática Adobe Photoshop, Illustrator, Premiere Pro, After Effects, Encore, Audition, Soundbooth, Final Cut

CUERPO B

! 1!

Índice Introducción…………………………………………………………………………..2 Desarrollo…………………………………………………………………………….3

Los orígenes del Surrealismo……………………………………………...3 El Surrealismo en la fotografía………….………………………………….4 Arte y cultura contemporánea……………...……………………………...5 Man Ray………………………………………………………………………6 Brooke Shaden……………………………………………………………..10 La evolución del Surrealismo…...……...………………………………...13

Conclusión………………………………………………………………………….15 Bibliografía………………………………………………………………………….16

! 2!

Introducción “Queda la locura, la locura que solemos recluir (…) Los locos son, en cierta medida,

víctimas de su imaginación, en el sentido que ésta le induce quebrantar ciertas reglas (…) No será el miedo a la locura lo que nos obligue a bajar la bandera de la

imaginación.”1 Tal como expresa su nombre, el surrealismo en el arte se destacó por una

representación del mundo con tintes fantásticos e irreales, rompiendo con la intervención de la lógica, la razón y las convenciones establecidas. Las obras de esta época se caracterizaron por una clara influencia de lo subconsciente, los sueños y las ideas no racionales de los artistas creadores. Este tipo de mirada de la realidad no sólo se desplegó en la pintura, sino que también alcanzó la fotografía, la literatura, e incluso la filosofía.

En este trabajo, se estudiará la relación entre dos fotógrafos de estilo surrealista. Por un lado, Man Ray, perteneciente a los comienzos de este movimiento de vanguardia, allá por la década del ‘20. Por otra parte, la joven norteamericana Brooke Shaden, un ejemplo actual de la fotografía surrealista. A través de análisis y comparaciones de la vida y obra de cada uno de ellos, teniendo en cuenta tanto su contexto como su estilo personal, se intentará demostrar cómo los temas y técnicas desarrollados durante las vanguardias de principios de siglo XX siguen vigentes hoy en día, influyendo en el estilo de muchos fotógrafos contemporáneos.

!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!1!Primer Manifiesto Surrealista (1924): http://www.isabelmonzon.com.ar/breton.htm (Consulta: 22 de junio)

! 3!

Desarrollo Los orígenes del Surrealismo “SURREALISMO: sustantivo masculino. Automatismo psíquico puro por cuyo medio

se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la

intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral.”2

Esta fue la definición de Surrealismo planteada por André Breton en su Primer Manifiesto Surrealista en 1924. Expone a su vez la necesidad de “tomar conciencia cada vez más clara y al mismo tiempo crecientemente apasionada del mundo sensible”3.

Las vanguardias de principios del siglo XX surgen todas en un contexto post-guérrico, en una Europa movilizada por los efectos de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Tanto países vencedores como vencidos se vieron sumergidos en la miseria y presos de grandes desigualdades sociales, lo que despertó un espíritu de protesta y movilización en los jóvenes artistas. A través de estos movimientos artísticos, se busca romper con los cánones establecidos socialmente por la burguesía. Se propone una ruptura con el viejo modo de ver la vida, una rebelión contra las cuestiones políticas establecidas y la instauración de un nuevo paradigma, una nueva mirada de la realidad.

El Dadaísmo, uno de los precursores del Surrealismo, nace en Zúrich y posee un contenido altamente político, siendo el primer movimiento de reacción contra la burguesía, la sociedad, la política y la guerra4. Se caracteriza por un espíritu anarquista y revolucionario en contra de los valores tradicionales. El Surrealismo se construye a partir de varios factores vinculados al Dadá, razón por la cual muchos artistas de la época poseen obras que pueden encuadrarse en los dos movimientos. Sin embargo, aunque se pueden encontrar algunas similitudes visuales, en esta politización de contenido radica la gran diferencia entre ambas vanguardias. El Surrealismo no posee las mismas intenciones que el Dadá. Si bien ambos movimientos son antibelicistas, el Surrealismo no es político, rechaza el carácter nihilista, negativo y destructivo del primero, y es menos anárquico y menos abierto. El manifiesto creado por André Breton posee principios y reglas más rígidas.

El Surrealismo tiene su capital en París. El desarrollo de la teoría psicoanalítica de Freud, junto con componentes de fuerte sexualidad, contribuyen a sus bases. Se busca reinventar valores éticos para una sociedad en crisis tras la guerra5. Se le da especial importancia al deseo del hombre, al subconsciente, el mundo de los sueños, y se intenta estimular la imaginación, buscando significados internos y ocultos. El automatismo al que refiere Breton en su definición es la forma de encontrar la libertad creadora; las imágenes provenientes del interior oculto del ser humano se trasladan al arte por medio de una asociación mental libre, sin intromisión de la conciencia y la razón, que censuran y limitan. De esta forma, se rechaza todo lo relacionado con las tradiciones estéticas y los procesos racionales.

!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!2!Primer Manifiesto Surrealista (1924): http://www.isabelmonzon.com.ar/breton.htm (Consulta: 22 de junio)!3!Sougez Marie Loup, Perez Gallardo Helena, “Arte y fotografía. Las vanguardias y el período de entreguerras” en AA.VV. (2007), Historia General de la Fotografía, Madrid, Cátedra, p. 334!4!Ibídem!5!Ibídem!

! 4!

El Surrealismo en la fotografía

El Surrealismo, al igual que el Dadaísmo, es una vanguardia que incide en la fotografía. Si bien en un principio Breton rechaza esta técnica, diciendo odiar ‘la figura real de los objetos reales’, luego pasa a considerarla como el “único medio capaz de captar los dos pilares freudianos de la teoría surrealista: el automatismo y el sueño”6.

“Pero aunque fotografía y Surrealismo son términos que, a priori, podrían

resultar paradójicos entre sí, sin embargo la fotografía sí registró una consideración no conocida hasta ahora; ello lo demuestra, por ejemplo, el hecho de que artistas de

otras disciplinas se interesaran por ella, e incluso hoy día sean conocidas por sus fotografías y no por sus demás obras, como es el caso de Man Ray (…)”7

Además de Man Ray (1890-1976), algunos exponentes del surrealismo en la

fotografía son Manuel Álvarez Bravo (1902-2002), Claude Cahun (1894-1954), Heinz Hajek-Halke (1898-1983), Maurice Tabard (1897-1984), Wanda Wulz (1903-1984) y Lee Miller (1907-1977). Si bien varios artistas colaboran con el movimiento, muchos de ellos no son considerados auténticos surrealistas por André Breton, ya que su principal fuente de trabajo se encontraba en el mundo editorial y publicitario.

La ausencia de unas directrices estéticas fijas hizo que la fotografía surrealista contara con un amplio campo de experimentación en temas y técnicas8. El objet trouvé u “objeto encontrado” es algo ampliamente representado durante este movimiento. Este término refiere al uso de objetos de la vida cotidiana que no son considerados artísticos, ya que no poseen esa función, pero que son representados como arte. Muchas veces esta representación incluye una modificación del objeto.

Dentro de esta vanguardia se pueden encontrar dos tipos de fotografía: aquella que depende de una manipulación técnica y aquella que depende de una búsqueda particular9 . Para el primer tipo se emplea la técnica del fotograma, mediante la cual se obtiene una imagen fotográfica sin utilización de una cámara, sino exponiendo a la luz cualquier objeto que deje su huella en la superficie sensible. Este método es llamado rayograma por Man Ray. La diferencia en la distancia de cada objeto al papel es lo que produce las variaciones en la intensidad de las sombras.

Por otra parte, para sus búsquedas particulares y como representación de su reflexión personal, los surrealistas utilizan técnicas como la solarización, la sobreimpresión, la fosilización, el fotomontaje o el collage. El fotomontaje, ampliamente aplicado por los dadaístas y teñido de significado político, es algo no muy popular en esta vanguardia y utilizado sólo por unos pocos surrealistas, ya que se lo ve principalmente como un soporte de la publicidad y la comunicación. En cuanto a las otras técnicas, la solarización consiste en insolar la imagen negativa o positiva durante el proceso de revelado. Este proceso causa la pérdida de los blancos y negros plenos, agrisando la foto, pero produciendo un efecto de reborde o siluetado de la imagen. La fosilización implica desplazar ligeramente un mismo negativo, dando lugar a una imagen tridimensional. Por último, la sobreimpresión permite la positivización de dos imágenes distintas en la misma superficie. De esta forma, permite crear metáforas y armar conjunciones de mundos distintos,

!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!6!Sougez Marie Loup, Perez Gallardo Helena, “Arte y fotografía. Las vanguardias y el período de entreguerras” en AA.VV. (2007), Historia General de la Fotografía, Madrid, Cátedra, p. 335!7!Ibídem!8!Ibíd., p. 338!9!Ibíd., p. 336!

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contribuyendo a la sensación y a la temática onírica, fantástica e irreal característica de esta vanguardia.

Arte y cultura contemporánea

Analizando la época contemporánea, nos encontramos ante una sociedad de

consumo, globalizada, altamente conectada, donde los medios masivos y la información son de vital importancia. Por otra parte, cabe destacar el rol de la tecnología y su impacto en el arte y la cultura.

“El lugar de la cultura en la sociedad cambia cuando la mediación

tecnológica de la comunicación deja de ser meramente instrumental para espesarse, densificarse y convertirse en estructural: la tecnología remite hoy no a unos aparatos

sino a nuevos modos de percepción y de lenguaje, a nuevas sensibilidades y escrituras.”10

Con el paso del tiempo y los distintos avances y revoluciones tecnológicas,

se instaura un cambio en la cultura. Se crean nuevos lenguajes y, con ellos, nuevas formas de percepción. Todo esto provoca cambios en la imagen y las formas de representación.

“Es el campo cultural entero el que está siendo re-diseñado (…) por el nuevo papel que ahí juega la tecnología convertida en organizador perceptivo, dimensión constitutiva del entorno cotidiano y fuente de nuevos objetos y nuevos lenguajes.”11

La fotografía pertenece una “iconósfera”; es decir, una atmósfera plagada de

imágenes. Éstas forman parte del campo de la comunicación visual, donde el sentido se construye de forma interactiva e intercultural. Las imágenes son polisémicas, con múltiples sentidos y formas. Ellas determinan el modo en que vemos y percibimos el mundo. Por lo tanto, estas nuevas tecnologías, que introducen cambios en la imagen, influyen también en el lenguaje fotográfico.

En cuanto a la fotografía contemporánea, podemos encontrar el fin de la veracidad, del carácter de verdad absoluta, para dar lugar al concepto de verosimilitud. Fotógrafos como Joan Fontcuberta han descrito esta disciplina como “una mentira que se presenta como real”, “una ficción que se presenta como verdad”. Este punto de vista se relaciona directamente con la idea presente en la contemporaneidad de que la fotografía involucra un proceso de “simulacro”, donde la imagen es fabricada y escenificada.

“Los trabajos ya no son juzgados en términos de verdadero o falso, sino de

credibilidad. De algún modo, las imágenes ya no remiten a las cosas sino a otras imágenes. Los signos tienden a volverse mundo por sí mismos. En ocasiones, la imagen ya no nos remite a la extracción de una realidad, se convierte en la propia

realidad.”12 !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!10!Martín-Barbero, Jesús, “Culturas/Tecnicidades/Comunicación” - http://www.oei.es/cultura2/barbero.htm (Consulta: 26 de junio) 11!Ibídem!12!Niedermaier, Alejandra, “Desde la docencia y la investigación: cómo abordar el análisis de la práctica fotográfica actual” en Actas de Diseño 2, Universidad de Palermo, 2006 hallable en http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2008/05_publicaciones/01_actas_diseno/archivos_pdf/actas_n_2.pdf, p. 166 !

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De esta forma, las nuevas tecnologías utilizadas en la fotografía permiten construir nuevos mundos que, si bien no representan la verdad absoluta y no exponen la realidad como tal, son verosímiles en su contexto y crean su propio lenguaje. La fotografía no se juzga en términos de si la imagen refleja algo verdadero, sino en si ella resulta creíble. Todo esto presenta grandes oportunidades para el arte.

Relacionando nuevamente la fotografía con el surrealismo, podemos decir que estos avances tecnológicos y cambios en la imagen y la representación permiten crear mundos que no forman parte de la realidad en la que vivimos, pero que aún así resultan verosímiles. La tecnología aporta a la construcción de sentido en la forma en que hace posible la creación de imágenes escenificadas y “simuladas” que resulten cada vez más creíbles. Si bien la escenificación y el simulacro existieron en épocas anteriores, los desarrollos en las técnicas y tecnologías abren las puertas a nuevas experimentaciones. De esta manera, se pueden crear mundos “mágicos”, “fantásticos”, relacionados con lo onírico y el subconsciente y que, a pesar de no ser reales, el receptor pueda verlos, creerlos y sentirlos como tal.

Man Ray

“Nunca ha sido mi objetivo registrar mis sueños, sólo la determinación de alcanzarlos”13

Man Ray (1980-1976) se cría en Filadelfia, Estados Unidos. Ya desde muy

chico, comienza a pintar. Su familia se traslada a Brooklyn en 1897, donde estudia arquitectura y diseño industrial en una escuela de Bellas Artes. Durante su adolescencia, se traslada a Nueva York, donde comienza a realizar grabados y a trabajar en una agencia de publicidad de la ciudad, mientras que toma clases nocturnas en la National Academy of Design. Es aquí donde se expone por primera vez a trabajos de artistas como Alfred Stieglitz y Marcel Duchamp. A pesar de dedicarse principalmente a la pintura, su trato con Stieglitz y la Galería 291 lo llevan a incursionar en la fotografía y el collage.

Junto con Duchamp, experimenta en la fotografía y el cine, y realizan la primera y única publicación del New York Dadá. Impulsado por su compañero, se instala en París en 1921. Su relación con éste fue la que lo ayudó a cambiar su estilo artístico, que en un principio estaba influenciado por el cubismo y el expresionismo, a uno con mayor movimiento y dinamismo.

Muchos dicen que es imposible clasificar a Man Ray dentro de una sola disciplina. Algo que lo caracteriza es su capacidad de experimentar en varias de ellas. Además de la fotografía y cinematografía, Man Ray trabaja con la pintura y la escultura. En París, estudia en la Académie des Beaux Arts, donde inicia sus rayogramas y se contacta con dadaístas, como Francis Picabia y Tristan Tzara, y surrealistas parisinos.

En 1922 publica Champs délicieux, un libro con doce de sus rayogramas. Dentro del surrealismo, realiza películas como Retour à la raison (1923). En 1925, se presenta en la primera exposición surrealista en la Galiere Pierre en París, junto a artistas como Jean Arp, Max Ernst, Andre Masson y Pablo Picasso. En 1936 expone en la exposición “Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo” del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!13!Frases y Pensamientos - http://www.frasesypensamientos.com.ar/autor/man-ray.html (Consulta: 25 de junio)!

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Si bien su mayor pasión es la pintura, nunca logra sustentarse económicamente a través de ella, por lo que recurre a trabajos fotográficos de forma independiente, muchos del ámbito editorial, para revistas como Vogue, Vanity Fair y Bazaar.

“Pinto lo que no puede ser fotografiado, lo que proviene de la imaginación,

los sueños, o de un impulso inconsciente. Fotografío aquello que no quiero pintar; las cosas que tienen ya una existencia”14

En 1940 escapa de la Segunda Guerra Mundial mudándose a Hollywood y

luego a Nueva York, donde se dedica a la docencia. Regresa a Francia recién en 1951 y publica su autobiografía Man Ray Self-Portrait en 1963. Muere en París en 1976.

Entre su obra fotográfica se pueden encontrar objetos, muchos de los cuales se ven representados en rayogramas. Busca belleza en lo habitual; para él, no se trata de simplemente fotografiar la realidad sino de recrearla, mostrando un mundo donde las cosas no son como son. Por otra parte, realiza retratos y desnudos casi teatrales, principalmente de mujeres. En cuanto a técnicas, utiliza mayormente el rayograma mencionado anteriormente, y la solarización. Este último método es empleado principalmente para sus retratos, donde no sólo se exhibe al personaje desde un aspecto físico sino también psicológico.

Rayograma (1922)

!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!14!Ibídem !

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Imagen de la película Retour à la raison (1923)

Le Violin D’Ingres (1924)

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Les Larmes (1932)

Observatory Time – The Lovers (1936)

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Brooke Shaden

Brooke Shaden nace en marzo de 1987 en los Estados Unidos. Estudia cine e inglés en la Universidad Temple, de la cual egresa en el 2008. Es en este año cuando comienza a dedicarse a la fotografía. Actualmente, vive en Los Ángeles, California. Además de destacarse por sus auto-retratos artísticos, dicta cursos y workshops de creatividad y técnicas fotográficas en Inglaterra y Estados Unidos.

Su formación en cine le da a Shaden las herramientas técnicas para experimentar con la fotografía una vez recibida. Comienza con auto-retratos, en lo que se destaca mayormente, creando historias y mundos surreales, provenientes de su imaginación.

“Siempre tuve muchas ideas, pero nunca encontraba el medio donde

expresarlas y darles vida. (…) Tenía muchas historias abstractas para contar, de gran contenido visual, pero sin verdadero sentido. (…) El cine me permitía una descarga visual, pero me llevaba demasiado tiempo contar una historia, y tenía

muchas historias para contar. Ahí comencé con mi cámara fotográfica. (…) Finalmente encontré un medio que me permitía crear muchas historias distintas en

períodos más cortos de tiempo, dándome a la vez la libertad de trabajar individualmente.”15

Las fotografías de Brooke Shaden son oscuras, pero con tintes de belleza.

En ellas se puede encontrar un atemporalidad que transporta al receptor a otro mundo. Ella misma se denomina una “creadora de mundos”, más que una fotógrafa. Describe sus imágenes como inusuales, desafiando las leyes de nuestro mundo. Es común descubrir en ellas personas volando o flotando; todo es posible en sus obras.

Comienza con los auto-retratos como forma de tener completo control sobre su trabajo. Sin embargo, no denomina estos como autobiográficos, sino que los utiliza para “insertarse en mundos donde desearía poder vivir, donde lo imposible se vuelve posible”16.

En cuanto a técnica, utiliza un formato cuadrado y recurre mucho al fotomontaje en Photoshop. También utiliza este software para los ajustes de color y para añadir distintas texturas, aportando a la calidad y la sensación surreal de la imagen. Toma fotografías de los distintos elementos y personajes requeridos para la creación de su mundo fantástico, el cual luego compone digitalmente en post-producción.

Brooke Shaden encuentra inspiración en todo su alrededor pero principalmente, la naturaleza. Se basa en temas como la vida y la muerte, el renacer, los cuentos de hadas y cualquier otra forma de narrar historias. En sus obras se observa un particular interés por lo oscuro, que define como un aspecto que le permite al ser humano conectarse con partes de sí mismo que no son expresadas frecuentemente, pero que, al hacerlo, lo liberan de sus fantasmas y temores. Sus fotografías son misteriosas y muy cuidadas en los detalles. Si bien conceptualmente fueron y siguen siendo oscuras, se puede ver un leve cambio estético a lo largo de los años, más orientado hacia una búsqueda de la belleza.

!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!15!“Brooke Shaden: Surreal photography with a whimsical twist” - http://astrumpeople.com/brooke-shaden-surreal-photography-with-a-whimsical-twist/ - (Consulta: 25 de junio)!16!Brooke Shaden: Sitio Oficial – http://www.brookeshaden.com (Consulta: 20 de junio)

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Waiting to Fly (2012) What moves us (2013) To travel south (2013) Imagination Island (2013)

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Sink or Swim (2011)

The pain of saying goodbye (2011)

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La evolución del Surrealismo

“(…) el fotógrafo en su estructuración de la imagen, parte de la realidad y la completa técnicamente construyendo la expresión plena de lo que él mismo siente.

(…) se aprecia una “voluntad artística” en cada productor que tiene relación a la época en la que pertenece.”17

Tanto Man Ray como Brooke Shaden utilizan distintas técnicas de alterar la

imagen. En cuanto a manipulación de imagen, Man Ray fue uno de los mayores referentes de su época. Utilizaba el “error” técnico para crear nuevas formas de representación. Encontramos frecuentemente en sus obras la utilización de técnicas como el rayograma y la solarización con objetivos creativos. Por otra parte, analizando las fotografías de Brooke Shaden, podemos ver en ellas una manipulación dada en la post-producción. Ajustes de color, fotomontajes, todo realizado en Photoshop. Las imágenes son sacadas individualmente y luego compuestas en la computadora. Esto le permite crear los mundos fantásticos y oscuros que la caracterizan, experimentando con la ingravidez y liviandad de personajes y objetos, los cuales se pueden encontrar flotando tanto en el aire como en el agua en sus distintas composiciones. De la misma forma, suele utilizar el fotomontaje para crear repeticiones o superposiciones de sus personajes. Podemos hallar varias fotografías donde, a través de la superposición de partes del cuerpo de la modelo, se experimenta sobre la figura humana, creando personajes surreales e incluso algo monstruosos.

Por otra parte, aparte de avances de tipo informático y tecnológico, encontramos en la contemporaneidad el tema del color. El desarrollo de la fotografía a color permite otro tipo de experimentación que estaba fuera del alcance de Man Ray. El color es un aspecto que caracteriza la fotografía de Shaden. Su respectiva manipulación en post-producción aporta de gran manera a la creación de sus historias surreales. Los colores son vibrantes y a la vez crean una atmósfera sombría. El hecho de que estén manipulados técnicamente, suma a la construcción de un mundo alternativo, de ensueño, alejado de la realidad y similar al de un cuento de hadas. Los fondos suelen ser más oscuros y desaturados y, cuando se encuentra un detalle de color, suele estar en el personaje.

Si bien ambos fotógrafos tienen en común la faceta de experimentación técnica, se pueden encontrar diferencias en su estilo y temática. Aparte de sus rayogramas, Man Ray se destaca por sus retratos y desnudos. En estos, busca captar la esencia de la persona, exponiéndola no sólo desde lo físico sino también desde lo psicológico. Al igual que Shaden, utiliza mayormente modelos femeninas para sus retratos. En ambos artistas se puede encontrar cierta teatralidad en la representación, tanto en las poses como en las expresiones. Sin embargo, una de sus grandes diferencias radica en el tipo de encuadre. Man Ray suele realizar encuadres más cerrados para sus retratos. La atención está puesta principalmente sobre la persona, su cuerpo y su cara. Muchas veces, incluso, se fotografía sólo parte del cuerpo. De esta forma, el aspecto psicológico de su obra se comunica esencialmente a través del personaje, y no se le da demasiada importancia al entorno. Por otro lado, en las obras de Brooke Shaden, el encuadre suele ser frontal y, por lo general, los personajes aparecen retratados de cuerpo entero y rara vez se ve su rostro. Asimismo, no se los encuentra a ellos aislados sino situados en un entorno que tiene igual de importancia que ellos mismos. Por lo tanto, el sentido de !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!17!Niedermaier, Alejandra, “Desde la docencia y la investigación: cómo abordar el análisis de la práctica fotográfica actual” en Actas de Diseño 2, Universidad de Palermo, 2006 hallable en http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2008/05_publicaciones/01_actas_diseno/archivos_pdf/actas_n_2.pdf, p. 166!

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las fotografías no está dado sólo por el personaje, su expresión y su pose, sino también por su relación con el entorno, y por cómo este se encuentra compuesto. En la obra de Shaden observamos una orquestación detallada de todos los elementos que componen el espacio del personaje, ubicándolo en medio de una especie de cuento, en su propia historia y su propio mundo. Es este aspecto lo que comunica los temas e ideas de la fotógrafa, que, a diferencia de Man Ray, no ahonda tanto en un lado psicológico, sino que se centra más en comunicar emociones fuertes y temas filosóficos y vinculados con el sentido de la vida.

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Conclusión

A través del análisis de la vida y obra de Man Ray y Brooke Shaden, podemos ver cómo el surrealismo nacido en la década del ’20 sigue siendo pertinente hoy en día. Una de las diferencias destacables entre esa época y la contemporánea, es el desarrollo de la tecnología y su rol en la construcción de la imagen fotográfica. A través de avances e innovaciones, la experimentación fotográfica, algo que caracteriza a ambos artistas, se ha profundizado y ha alcanzado nuevas fronteras.

Vemos en Shaden una clara influencia surrealista, en tanto que a través de técnicas de fotomontaje y alteración de color, logra crear mundos fantásticos, de ensueño, con un toque mágico y a la vez oscuro. Sus imágenes remiten a esta vanguardia artística; no sólo a lo fotográfico sino también a la pintura, debido al formato y estilo de las mismas.

Si bien encontramos diferencias entre ambos artistas, temáticas, de encuadre, color y tratamiento del personaje, ambos poseen aspectos en común que a la vez, los vinculan al surrealismo. El retrato y el desnudo son características que se encuentran en las obras de los dos. Por otra parte, encontramos cierta libertad y juego creativo, en el sentido en que, a través de la experimentación, se crean atmósferas oníricas, mundos secretos donde las cosas no son lo que parecen.

De esta forma, podemos observar cómo, a pesar de sus diferencias, la vanguardia representada en su momento por artistas como Man Ray, sigue influyendo a fotógrafos contemporáneos como Brooke Shaden. La experimentación comenzada por Man Ray con sus rayogramas y solarizaciones, hoy sigue vigente; con otras técnicas, pero con el mismo objetivo: la búsqueda de la creatividad, la estimulación de la imaginación y el alejamiento de lo tradicional y lo racional.

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Bibliografía

- Anormal Mag: "Brooke Shaden” - http://www.anormalmag.com/entrevistas/brooke-shaden/ (Consulta: 25 de junio)

- Art History Archive: http://www.arthistoryarchive.com/arthistory/surrealism/Man-Ray.html (Consulta: 24 de junio)

- Brooke Shaden: Sitio Oficial – http://www.brookeshaden.com (Consulta: 20 de junio)

- Astrum People: “Brooke Shaden: Surreal photography with a whimsical twist”

- http://astrumpeople.com/brooke-shaden-surreal-photography-with-a-whimsical-twist/ (Consulta: 25 de junio)

- Blog Fotografía CEU: “Conoce al fotógrafo: Man Ray” -

http://fotografiaceu.wordpress.com/2012/10/02/conoce-al-fotografo-man-ray/ (Consulta: 25 de junio)

- Dodho Photography Magazine: “Man Ray, the surrealist photographer” -

http://dodho.com/man-ray-the-surrealist-photographer/ (Consulta: 26 de junio)

- Ezra Magazine: “Brooke Shaden, an american fine art photographer” - http://ezramagazine.com/2013/03/28/interview-brooke-shaden/ (Consulta: 25 de junio)

- Flickr: Brooke Shaden - http://www.flickr.com/photos/brookeshaden/

(Consulta: 20 de junio)

- Historial de Diseño: http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/08/04/caracteristicas-del-surrealismo/ (Consulta: 23 de junio)

- Man Ray Net: http://www.manray.net/ (Consulta: 24 de junio)

- Man Ray Photo: http://www.manray-photo.com/catalog/index.php (Consulta: 23 de junio)

- Martín-Barbero, Jesús, “Culturas/Tecnicidades/Comunicación” -

http://www.oei.es/cultura2/barbero.htm (Consulta: 26 de junio)

- Niedermaier, Alejandra, “Desde la docencia y la investigación: cómo abordar el análisis de la práctica fotográfica actual” en Actas de Diseño 2, Universidad de Palermo, 2006 hallable en http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2008/05_publicaciones/01_actas_diseno/archivos_pdf/actas_n_2.pdf

- Photoshop.com: “Spotlight: Brooke Shaden” -

http://www.photoshop.com/spotlights/brooke-shaden (Consulta: 25 de junio)

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- Primer Manifiesto Surrealista: http://www.isabelmonzon.com.ar/breton.htm (Consulta: 22 de junio)

- Proyecto Salón Hogar – Fotografía:

http://www.proyectosalonhogar.com/Arte/Fotografia2.htm (Consulta: 23 de junio)

- The Art Story: Man Ray - http://www.theartstory.org/artist-ray-man.htm

(Consulta: 26 de junio)

- Sougez Marie Loup, Perez Gallardo Helena, “Arte y fotografía. Las vanguardias y el período de entreguerras” en AA.VV. (2007), Historia General de la Fotografía, Madrid, Cátedra, p. 299-349

CUERPO C

Man Ray

Brooke Shaden

Brooke Shaden: “En mis imágenes hay vida y muerte” La narrativa visual de Brooke Shaden es tan cautivadora como envolvente. Esta fotógrafa de veinticuatro años nacida en Lancaster, (Pennsylvania, Estados Unidos) estudió en la Universidad de Filadelfia para luego trasladarse a Los Ángeles. Pero es en 2008, cuando finalmente se inicia en la fotografía tras su paso por la Universidad de Temple, donde se gradúa en licenciatura en cinematografía e inglés. Forzando los límites del surrealismo, Shaden nos muestra un universo fantástico donde el dramatismo expresa un nuevo orden para la agenda de la fotografía feminista del siglo XXI. Brooke, creciste en Lancaster, una de las comunidades Amish más numerosas de Estados Unidos. ¿Qué memorias tienes de tu infancia? Desde pequeña he sido una chica muy conectada con la naturaleza, crecí al aire libre por lo que uno de mis recuerdos más felices es cazando a punta de flecha con mi padre, jugando en el patio o haciendo fuertes en los árboles. Siempre he tenido una gran imaginación. Quería ser escritora, luego cineasta y finalmente me convertí en fotógrafa.

¿En qué momento descubriste la fotografía? En la escuela secundaria cuando tomé una clase de fotografía en blanco y negro, pero lo hice terriblemente y tuve la peor nota de la clase, me sentí muy frustrada. Todo cambió en 2008, cuando terminé mi especialización en cine e inglés y me dedique a este arte que se ha convertido en mi vida y gran pasión.

En cuanto a tu formación universitaria, ¿cómo fue tu paso por Temple? Me encantaba ir a Temple, aprendí bastante sobre la iluminación y los aspectos técnicos de la cinematografía, pero me decepcionó mucho en otras áreas, sobre todo por las restricciones que se nos impusieron como estudiantes.

¿Qué tipo de restricciones? Fuimos alentados a crear películas conocidas como “Backyard Stories” donde teníamos que retratar nuestras historias personales, pero yo quería hacer otra cosa, fantasía, películas experimentales. Me dijeron que debía ir en otra dirección y terminé haciendo una cinta de la que no me sentí completamente orgullosa, por lo que al graduarme y entrar en materia fotográfica, me di cuenta de que por fin estaba haciendo lo que yo quería. Ello tuvo un gran impacto en mi libertad, sabía exactamente qué era lo que quería fotografiar, como si yo fuera capaz de autoenseñarme cómo ir del punto A al B.

Hoy como profesional freelance, ¿qué tan importante es para ti tener un horario fijo de trabajo? Cuando dependes de ti mismo es crucial tener una rutina, una jornada de trabajo completa. Por eso me gusta despertar a una hora decente, alrededor de las 7 am. Me interesa mantenerme al día para tener una actividad fluida así es que parto revisando mi correo electrónico, respondiendo lo que puedo y luego navegando a través de todos mis sitios en las redes sociales. Suelo pasar mis mañanas acompañada por una buena taza de té, teniendo el cuidado de seleccionar negocios que puedan ofrecerme vía online. Algunas veces, me toca conducir hacia diferentes localidades para recoger o entregar nuevas impresiones. En el trayecto aprovecho de buscar nuevos lugares para disparar. Por lo general, las tardes y las noches, las tengo reservadas para sesiones fotográficas y prop-making. Luego me voy como

una niña temprano a la cama, y a menudo puedes encontrarme trabajando hasta entonces… ¡es el precio de amar lo que haces!

¿Y qué es lo que más amas de esta disciplina? Me encanta ser capaz contar una historia, estar en constante expansión y crecer con cada imagen; me gusta la sensación que deviene con una nueva idea, la edición y el producto final resuelto en un tiempo relativamente corto.

La primera vez que tuve la oportunidad de ver tu trabajo fue en Flickr. Dime, ¿cuándo te decides a publicar tus proyectos en esta plataforma? Fue en diciembre de 2008. Me acababa de graduar de la universidad y había creado un cortometraje que resultó “menos que perfecto”, y me estaba preparando para mudarme a Los Ángeles con el objetivo de hacer cine. Entonces, recibí la llamada de un amigo que me enseñó Flickr y me sugirió que apostara por la fotografía. Desde que tuve algo de tiempo, me decidí a seguir adelante con ella. En aquél entonces ya tenía mi cámara digital…

“Pequeñas Muertes” es una de tus series más impactantes. Ella destaca por la expresión de la angustia yuxtapuesta con una belleza teatral pocas veces vista. ¿De qué manera logras esta contraposición entre lo bello y lo triste? Quiero hacer de la oscuridad y lo desconocido algo hermoso, y para lograrlo, a menudo utilizo colores vivos y trazos de pincel digitales para suavizar el concepto. En mis imágenes hay vida y muerte, ya sea literal o figurada.

A qué elementos recurres para generar esta atmósfera onírica tan especial… Tengo un presupuesto muy limitado, así es que estoy a menudo hurgando en tiendas de segunda mano para seleccionar aquello que pueda servir para construir una buena escenografía.

¿Piensas que el uso del formato cuadrado le agrega intensidad o cierta peculiaridad a tu trabajo? El formato cuadrado es importante para mí porque quiero hacer del medio una cuestión secundaria. Creo que el marco cuadrado permite al espectador asistir al nacimiento de un nuevo mundo, en lugar de ver una fotografía con la relación de aspecto fotográfico típico.

¿Qué hay del proceso de retoque? ¿Cuál es tu objetivo al utilizar Photoshop? Mi idea es presentar fotografías de un modo más pictográfico. Uso Photoshop no sólo para añadir misterio, intriga y especificidad a mis imágenes, sino también para crear el formato cuadrado y construir un marco a partir de la combinación de varias imágenes.

De dónde crees que provienen los arquetipos que protagonizan tu obra y que de cierta forma retratan nuestra “sombra”, es decir, los aspectos ocultos e inconscientes, tanto positivos como negativos… De momentos fugaces e historias oscuras que nadie ha contado aún. Siempre he estado fascinada por la vida y la muerte, y específicamente por la oportunidad de retratar la vida por la muerte y la muerte por la vida. Si hay un mensaje sólido que se ejecuta a través de mi trabajo, es cuestionar lo que significa estar vivo y con ello nuestros deseos más ocultos.

Este cuestionamiento también está presente en tus autorretratos… me parece sorprendente que algunos incluso hayan sido tomados en tu propio departamento. Pero cuéntame, ¿qué vínculo tienes con tus modelos y qué buscas en ellos?

Busco que confíen en mi visión. Trabajo desde hace tiempo con varios que se han convertido en amigos cercanos y han tenido que hacer cosas muy extrañas para que pueda hacer un buen disparo. Los encontré a todos por casualidad, incluso con una fuimos vecinas. Un día la vi, pensé que era muy interesante y que sería un gran tema para mi portafolio, así es que le pedí que modelara para mí. El resto me ha contactado directamente, yo fascinada, pues estoy abierta a trabajar con diferentes tipos de personas, así es que pueden contactarme mediante mi correo electrónico.

Para los interesados en contar con tu arte de forma física, existe “Visions of Worlds”, tu primer libro que reúne una gran cantidad de material visual y textual… ¿cómo parte este proyecto? Desde que comencé mi carrera, me he preguntado la razón por la creo exclusivamente en el formato cuadrado. Me di cuenta que mi mayor objetivo al trabajar con él es permitir al espectador ser partícipe de un nuevo universo. Éste es sin duda el hilo común que une a todas mis imágenes, las que reuní en este libro que habla de mi proceso de pensamiento creativo. Muchas piezas van acompañadas de texto que explica cómo y por qué creé determinada imaginería para esa imagen.

¿Seguirás deleitándonos con tu creatividad durante este 2011? ¿Alguna exposición que quieras transmitir a tus seguidores? ¡Por supuesto! Mi meta es tener mi obra expuesta en varias galerías a lo largo de 2011. Voy a estar mostrando mi trabajo en Photo LA -a mediados de enero- donde estoy representada por JoAnne Artman Gallery. También seguiré enseñando en talleres de Los Ángeles, Inglaterra, Seattle y Filadelfia y estaré trabajando en un segundo libro.

Enlace: www.brookeshaden.com

Brooke Shaden: Surreal Photography With A Whimsical Twist Brooke Shaden is a fine art photographer. She lives and works in the Los Angeles

area. Her passion lies in creating new worlds through photographs. Her vision

extends beyond the realm of the camera, creating images that resemble paintings

and speak of an era that is not our own. She told us that each image is a story. And

we are very happy that we had a chance to take an interview with Brook Shaden who shared her story with us about her photography and approach to it. Enjoy reading!

AP: Brooke, tell us about your first photos. What did they look like?

BS: I’ve always had a lot of ideas but never quite hit that right medium where it all

came together and I could bring them to life. I started out writing anything I could, but

mostly poetry. I had a lot of abstract stories to tell that were highly visual yet made no

real sense. From there I picked up film making, which I majored in for college along

with English. Film making provided a wonderful visual outlet, but I found that it took

too long for my taste to tell a story, and I had a lot of stories to tell. It was then, just

after graduating from college in December 2008, that I picked up my still camera. I

was 21 years old. I finally found a medium that would allow me to create many

different stories in shorter periods of time, while also giving the freedom of working individually instead of in a group on a film set.

My first pictures were self-portraits and were straight from my imagination. They were

what was pent up for so long. I remember creating a clone shot where I placed

myself in the frame twice. I had one girl handing her spirit to the other, as if passing

on to another life. Even though it was challenging, I loved the task of figuring out how to bring my ideas to life.

AP: Where did you gain skills to take such beautiful pictures?

BS: I am self-taught in the field of photography, though I credit my film background

with giving me a solid foundation of the technical aspects of photography. I was

taught basic lighting and camera terminology like aperture, shutter speed, ISO, etc.

In a way I think it better helped me understand the technical aspects because of

working with film. ISO wasn’t some abstract concept, it was practically applied to the

film I was handing in school. I’m a very hands-on learner so that was helpful. When I

picked up photography I started playing around in Photoshop and working out

logically how to make things happen. I tried to use common sense as much as possible. I went in with the mindset that if someone can do it, I can do it, too.

AP: What genre are your photos?

BS: I would classify my work as fine art photography, but within that category there

are certain words that come to mind to describe what I do. I create surreal

photography with a whimsical twist. I create dark art, but with hints of beauty. When I

began photography I already had ideas in my mind, so the genre of art that I create is

fundamentally what I am most interested in. I never tried any other form of

photography but instead jumped right into fine art, creating personal work that excited me.

AP: How would you describe your photos?

BS: My images are dark but in everything that I do, I try to infuse it with beauty and a

timelessness that transports the viewer to another world. I try to be a creator of

worlds more so than a photographer. My images are unusual in the sense that they

defy the laws of our world. In my photographs, people can fly and float, or lay dead in

a perfectly beautiful scene. Anything is possible, and so I create the most unique worlds that I can muster. They come straight from my imagination.

AP: What kind of equipment and techniques do you use to create your pictures?

BS: The camera that I have used for the last few months has been the Canon 5d

mkii, and before that I used the Nikon D80. I always use a 50mm lens, except for

when I do under water work, in which case I use a 24mm. I use a tripod and a

remote, but sometimes the 10-second-dash comes in handy too. I use Photoshop to edit my pictures.

AP: Would you consider yourself as an expert in photography?

BS: I am hesitant to use the word expert, because if you asked me to teach an

advanced photography class I would likely decline. If you asked me to teach an

advanced Photoshop class, I would most definitely decline. My process focuses on

what I love to create, and I am very confident in what I create. I do photography full

time and teach workshops on my specific process, which is not a how-to

photography class but instead a how-to be creative class which is supplemented by neat photography and editing tricks.

AP: What is the formula for success in your activity?

BS: When I began photography I had no idea I would be pursuing it as a career. I

joined the social networking site Flickr, and because of some positive feedback on

that site I thought about doing it full time. I am confident in what I am doing, because

I am literally putting my imagination into photographic form. With that confidence

comes an “I-can-do-it” attitude which I have adopted full force, and so I began to do

photography full time. I think that advertising your work on the Internet can be quite

important for an up-and-coming photography, though not necessary. The key is to

use social networking sincerely instead of with a pure business sense. It is like

anything else – the more you put into it, the more you get back. I also think that

having a unique vision and a specific artistic voice is going to propel you forward in becoming a professional artist, and that is something I am constantly going after.

As for upcoming projects, I am involved in a contest held by director Ron Howard

called “Project Imagin8ion” in which my photo, along with 7 others, has been chosen

to inspire a short film. I have an upcoming exhibition in October/November at the

JoAnne Artman Gallery, and in December I have a show opening at the Annenberg Space for Photography.

AP: Is there someone who supports you in your creativity?

BS: I know that I am extremely fortunate to have such an amazing support system.

Everyone in my life supports what I do, which is partly luck and partly by design. I try

to surround myself with people who are encouraging and supportive, yet also critical

so that I can continue to grow. The biggest support system that I have come across

has been from people I’ve never met in person. There are not enough good things I could say about the online community of artists who support each other.

AP: Would you like to wish something to our readers?

BS: To anyone reading, I hope that you are filled with passion and creativity. Always remember that inspiration is everywhere, you just have to remember to look for it.