DISTINGUE Y CARACTERIZA LAS GRANDES TENDENCIAS DE LA PINTURA BARROCA EN ITALIA Y SUS PRINCIPALES

REPRESENTANTES

La pintura Italiana del siglo XVII sentó las bases de una serie de corrientes pictóricas claves que se extenderán por toda Europa:

Naturalismo Clasicismo Barroco decorativo

EL NATURALISMO: representado por Caravaggio, que será considerada revolucionario.

Lleva al extremo el realismo, sin idealización alguna:

• Representa los rostros, anatomías y vestidos con descarnado realismo, en su belleza o fealdad.

• Suele emplear tipos vulgares, de la calle: mendigos, pícaros… vestidos al estilo de la época.

• Las escenas se contextualizan en ambientes cotidianos de la vida del pueblo.

• Muchas escenas religiosas llegan a parecer escenas comunes de la vida diaria, con personajes y entornos habituales en la época.

De este modo consigue acercar el asunto de la pintura al espectador y despertar su piedad, pero fue rechazado por la Iglesia oficial por representar a los personajes religiosos de un modo poco digno.

El interés por el realismo y el naturalismo, le llevará en ocasiones a pintar lo feo, incluso los pies ordinarios y sucios de los personajes vulgares de la época.

Ese mismo naturalismo conducirá a tratar las escenas como una instantánea, un momento fugaz, el clímax de la escena, que provoca las reacciones emocionales de los personajes.

Para estimular el sentimiento del espectador, la teatralidad de la escena y resaltar sus aspectos más importantes y recrear la sensación espacial, emplea una iluminación tenebrista:

• Hay grandes contrastes entre zonas iluminadas y en sombra: llegan incluso a percibirse líneas claras entre unas y otras zonas

• Es una luz expresiva: resalta las partes del cuadro que interesan al pintor y oculta otras. Suele ser una luz monofocal, dirigida y concentrada, no cenital y uniforme, que crea contrastes rotundos entre luces y sombras. En sus cuadros religiosos parece una alusión a la luz divina.

• Acentúa la teatralidad de la escena en ambientes lúgubres, misteriosos, que insinúa la sensación de profundidad. En ocasiones llegan a desaparecer los fondos.

• Sus personajes populares adquieren muchas veces una monumentalidad casi escultórica, resaltando los volúmenes por la luz.

• Las expresiones, los gestos de los personajes, sus posturas y, especialmente, sus manos, tratan de captar la atención del espectador y mostrar los affeti, los sentimientos y las reacciones expresivas de los personajes (moti).

Consigue escenas muy teatrales, con no demasiadas figuras, habitualmente poderosas y con gestos muchas veces declamatorios, expresivos, de una teatralidad a veces excesiva:

Para lograr la sensación de profundidad, suele emplear diferentes recursos:

• Emplea una luz potente y focalizada, normalmente proyectada sólo por uno de los ángulos de la escena, dejándola caer diagonalmente.

• Realiza composiciones que sugieren la disposición de diferentes planos, así como picados, contrapicados…

• Ubica personajes en posiciones torsionadas, escorzos, que acentúan la sensación de profundidad.

• Este contraste luminoso , esas composiciones y la composición de la escena se emplean también para exagerar los gestos y la escena y dar teatralidad al cuadro.

• Los fondos muchas veces casi desaparecen: es la luz sobre los objetos la que recrea el volumen.

Suele emplear composiciones diagonales, personajes en escorzo, en diferentes planos.

El colorido varía mucho en función de la luz expresiva que emplea:

• Brillante en las zonas iluminadas.

• Ocres y marrones van dando paso al negro en las zonas de mayor oscuridad.

El dibujo es claro, definido, resaltado o disimulado por la luz o la sombra.

Sus escenas con personajes naturalistas, la

iluminación efectista, el dramatismo y teatralidad

que transmiten, apelan directamente al sentimiento del

espectador.

Su pintura acerca lo sagrado a lo popular, acerca los personajes

sagrados al espectador, fomentando su piedad, a través de lo cercano, lo

efectista, lo teatral: atrae a la fe a través de la

piedad y consigue los efectos de propaganda del arte que desea la

Iglesia Contrarreformista.

Sus obras, como La Vocación de San Mateo, El Santo Entierro, La crucifixión de San Pedro, La muerte de la Virgen, Cristo y los discípulos de Emaús o La Conversión de San Pablo reflejan bien esta vertiente de la pintura barroca.

Este estilo de pintura tendrá enorme repercusión en la pintura europea: Francia, Rembrandt, la escuela española…

EL CLASICISMO: representado sobre todo por la familia Carracci (destaca Anniballe) y Guido Reni

Fundan una Academia en Bolonia en la que enseñan que la pintura debe seguir unas normas, que deben seguir las de los grandes pintores renacentistas: Miguel Ángel, Rafael, Leonardo, Correggio, la pintura veneciana ….

Algunos de los aspectos que retoman de los grandes pintores renacentistas serán:

• La terribilitá y la fuerza muscular de las anatomías de Miguel Ángel.

• El sobrio dibujo, el equilibrio y la simetría compositiva de Rafael.

• La luz, el color y el desnudo de Tiziano y de la escuela veneciana.

• La elegancia y la sensualidad de Correggio y de Parmigianino.

Es una pintura ecléctica, que continúa la tradición pictórica del pasado y serán los representantes del arte más oficial y académico, de gran éxito.

Continuando con esa tradición siguen persiguiendo la búsqueda de la belleza ideal y rechazan el naturalismo.

Les interesa una representación de la naturaleza bella, colorista, ordenada, serena… y eliminar todo lo que tenga de feo, desagradable.

Muestran una visión de la pintura agradable, elegante, colorida frente al dramatismo y tenebrismo de Caravaggio.

Suelen pintar escenas religiosas, mitológicas y alegóricas, paisajes…. Todo ello tendiendo a escenas monumentales.

• Las composiciones y figuras son monumentales, buscan la belleza ideal, siguen los modelos clásicos o de los grandes pintores renacentistas, muchas veces de Miguel Ángel, Tiziano o Rafael.

• Suelen aparecer anatomías poderosas, de herencia miguelangelesca.

• Luz clara, matizada, que resalta la riqueza de colores empleados, de gran influencia veneciana.

• Rehúyen de cualquier tentación tenebrista.

• Emplean un dibujo preciso, nítido y una pincelada pequeña y detallada

• En cualquier caso, muestran numerosos aspectos típicos del barroco como el movimiento, la expresividad contenida, el empleo frecuente de escorzos, composiciones complejas, líneas diagonales, teatralidad..

Son muy características las grandes composiciones pictóricas al fresco en techos o paredes, habitualmente encuadrados en quadratturas (como había hecho Miguel Ángel en el techo de la capilla Sixtina), como si fueran auténticos cuadros con sus marcos dorados.

Los frescos del Palacio Farnese en Roma de temática mitológica y alegórica es la obra más conocida de Annibale Carracci.

En esta bóveda describe, con un sentido moralizante, los amores de los dioses clásicos en diferentes escenas, tratando de mostrar el triunfo del amor divino sobre el profano.

La parte central está ocupado por el "Triunfo de Baco", quien sentado en el trono en compañía de Ariadna y rodeado de amorcillos, trae la felicidad a la Tierra.

Guido Reni sigue esta corriente clasicista, si bien con un estilo muy personal, a veces frío, a veces más expresivo…

El BARROCO DECORATIVO O ILUSIONISTA, representado por Pietro da Cortona, Giovanni Battista Gaulli (Il Baciccia) o Andrea Pozzo.

Se desarrolla sobre todo en la segunda mitad del siglo XVII con pinturas en grandes bóvedas y muros de iglesias y palacios.

Es una pintura especialmente ilusionista y escenográfica, teatral.

Llama la atención al espectador por su rico colorido, su dinamismo, por las enormes perspectivas que sugiere, engañando los sentidos.

Giovanni Battista Gaulli (Il Baciccia). Triunfo del Nombre de Jesús. Iglesia del Gesú. Roma

Crean grandes conjuntos ilusionistas que pretenden confundir los sentidos del espectador, pinturas efectistas que pretenden romper los límites entre la arquitectura, la escultura y la pintura: no se sabe dónde acaba la arquitectura, dónde la pintura…

El espectador asiste a una ficción teatral, artificiosa, que le impresiona, le maravilla, le sorprende…

Pietro da Cortona, Triumfo de la Divina Providencia, Palazzo Barberini, Roma

Las bóvedas se abren a través de la ficción arquitectónica hacia grandes cielos, perspectivas interminables, que se consiguen mediante impresionantes escorzos de los elementos arquitectónicos y los personajes….

El colorido es rico, la luz clara del cielo ilumina el conjunto y marca las diferencias entre los espacios celestiales y los terrenales: la luz divina deslumbra e ilumina el resto de la escena en un claro sentido de arte al servicio del poder de la Contrarreforma.

A. Pozzo: Alegoría de la obra misionera de los jesuitas

En esos marcos ficticios interactúan (parecen flotar) la divinidad, personajes celestiales, los santos, alegorías de las virtudes, personajes mitológicos, esculturas fingidas y personajes terrenales en un espectáculo teatral que impacta e impresiona al espectador.

Andrea Pozzo: Apoteosis de San Ignacio o La gloria de san Ignacio. Iglesia de San Ignacio. Roma

Andrea Pozzo : Hazañas de Hércules y su apoteosis. Palacio de Liechtenstein

Andrea Pozzo: Falsa cúpula de Sant'Ignazio en Roma.Pintura sobre lona, de 17 m de ancho

Esta pintura es un ejemplo claro de ese arte ilusionista y teatral al servicio del poder de la religión o del poder político, típicamente barroco, que trata de sorprender, emocionar y persuadir al espectador: esas aberturas de gloria celestial son alegorías del poder del Papa, de la religión católica o de los reyes de las monarquías católicas.