15. Goya

I.E.S. “Francisco de Goya” Departamento de Geografía Molina de Segura. e Historia.

TEMA 15:

FRANCISCO DE

GOYA. (1746-1828)103. La gallina ciega

104. La condesa de Chinchón

105. La familia de Carlos IV

106. Los fusilamientos del 3 de mayo

107. Saturno devorando a su hijo

108. El sueño de la razón produce monstruos

Historia del Arte (2008-2009) Tema15: Goya © Departamento de Geografía e Historia 1


A)Aspectos biográficos

Francisco de Goya y Lucientes nació en el pequeño pueblo

aragonés de Fuendetodos en 1746. Hijo de un decorador comenzó

sus estudios en Zaragoza aunque a los diecisiete años se encuentra

ya en Madrid, donde continuó su aprendizaje, intentando en vano

triunfar en los concursos de la Real Academia de San Fernando. De

su juvenil visita a Italia apenas si sabemos que obtuvo el segundo

premio de la Academia de Parma por su cuadro, hoy desaparecido,

“Aníbal cruzando los Alpes”. De regreso a Zaragoza, en 1771,

recibió su primer gran encargo conocido: la pintura de la bóveda

del Coreto del Pilar. Cuatro años más tarde, en 1775, entró en la

Corte como pintor de cartones para la Real Fábrica de Tapices

gracias a la intervención de su cuñado el pintor Francisco Bayeu

Su fama creció y en 1780 se le encomendó otra bóveda en el

Pilar de Zaragoza. Goya fue ganando admiradores entre la

aristocracia y los principales personajes de la Corte gracias a sus

excepcionales dotes de retratista. De esta manera, se le abren las

puertas de casas tan importantes como la Casa de Alba o la del

Duque de Osuna, llegando en esta época a retratar a Carlos III o al

infante Don Luís.

Así, pasó a convertirse en pintor del rey ocupando un puesto

distinguido en la Academia de San Fernando mientras los encargos

se multiplican viviendo uno de sus mejores momentos



profesionales. Es una época feliz y optimista en la vida de Goya, lo

que se refleja en una pintura igualmente amable y vitalista.

Sin embargo, poco antes de 1790 sufre una enfermedad que

pone en peligro su vida y deja profunda huella en su manera de ser

y en su arte. Como secuela de la enfermedad se queda sordo lo que

se va aislando del exterior mientras que su espíritu se concentra

en sí mismo manifestándose en una imaginación portentosa. Ya no

contempla el mundo desde el ángulo optimista de los tapices sino

que siente que la humanidad tiene defectos de toda índole dejando

entrever sus aspectos más grotescos en su serie de grabados “Los

Caprichos”.

Simultáneamente, Goya sigue retratando a los Reyes y a los

personajes de la Corte y realizando frescos como los de la Iglesia

de San Antonio de la Florida en Madrid.

La invasión napoleónica y la Guerra de la Independencia lo

convierten en testigo de muchas escenas de horror y sangre lo que

acrecienta su visión pesimista del mundo que se manifiesta en

obras como la serie de grabados de “Los Desastres de la guerra”

(d) o sus monumentales lienzos “El Dos de Mayo” o “La carga de

los mamelucos” y “El tres de mayo” o “Los fusilamientos de la

Moncloa”.

Tras el regreso al trono de Fernando VII (en el año 1814),

Goya mantuvo como su cargo de Pintor de Cámara. Viudo ya

desde poco antes de cumplir los setenta y cinco, hacia 1820, sufre

una nueva recaída en su enfermedad. Se traslada a una casa que

compra al otro lado del río Manzanares, a la que las gentes llaman

“la Quinta del Sordo”, cuyas paredes decora con una serie de

frescos (las Pinturas Negras) en las que da rienda suelta a su



imaginación cada vez más exaltada, pesimista y poblada de

monstruos y brujas.

Restaurado el régimen absolutista tras el Trienio Liberal

(1820-1823),y pesando sobre él la sospecha de haber sido un

afrancesado, Goya solicita permiso para marcharse a Francia

estableciéndose en Burdeos donde continua pintando (“La lechera

de Burdeos”) y renovando su técnica hasta que muere a los 82

años de edad.

Desde el punto de vista artístico, la vida de Goya coincide con

los últimos momentos del Barroco y del Rococó (exaltación de los

aspectos decorativos del Barroco); igualmente coincide con la

aparición del Neoclásicismo, que en España tuvo su mejor ejemplo

en Rafael Mengs.

Goya fue testigo de excepción de un periodo fundamental de la

Historia de España (el de la crisis del Antiguo Régimen) ante la

que tomó una postura de defensa de la dignidad humana.

En el plano personal podemos sintetizar su evolución en las

siguientes fases (que se reflejan evidentemente en su evolución

artística):

1)Primera etapa: 1762-1775.

Goya llega por vez primera a Madrid, cuando todavía estaba

vigente el Barroco en la persona de su maestro Luzán. Entró en

contacto con los académicos de San Fernando Mengs y Bayeu,

que influirían claramente en su obra, de gusto clasicista y

académico, con una pincelada viva y densa.

Viaja a Italia, y como consecuencia de la influencia de los

pintores italianos liberalizó sus procedimientos técnicos y aparece

en él una clara inclinación hacia el realismo popular y

caricaturesco. De esta época son obras de tema religioso como La



gloria del nombre de Dios (1772) fresco para la Bóveda del

Coro de la Basílica del Pilar y el friso mural, al óleo, con episodios

de la vida de la Virgen en la Iglesia de Aula-Dei (1772-74),

ambas en Zaragoza.

2) Segunda etapa: 1775-1792.

El artista vuelve a Madrid y comienza a trabajar en la Real

Fábrica de Tapices bajo las órdenes de Mengs, pero por la

temática de carácter costumbrista puramente decorativa que le

venía impuesta, no pudo desarrollar su propia personalidad. Este

campo le ofreció, sin embargo, un ambiente propicio tanto para el

perfeccionamiento técnico como para expresar una visión

agradable, fresca y sonriente de la vida popular que le rodeaba. De

su abundante producción destacan El quitasol, La gallina ciega,

El columpio, El albañil herido, La Vendimia, La era, La Maja

y los embozados y La Pradera de San Isidro resueltos con una

gran ligereza en la ejecución y un vivo colorido y todos. Todos

estos Cartones se encuentran el la actualidad en el Museo del

Prado.

En 1780 retoma el tema religioso y pinta la Cúpula y las

pechinas del Pilar de Zaragoza.Paralelamente, Goya se reveló

como un excepcional retratista: Reyes, aristócratas, intelectuales,

artistas, etc., posarán para él: El Conde de Floridablanca,

Carlos III cazador, Los Duques de Osuna, así como otros

retratos de financieros relacionados con el Banco de San Carlos

2)Tercera etapa: 1792-1808.

Esta etapa se inicia con la enfermedad que habrá de producirle

la sordera y que marcará para siempre su vida interior

convirtiéndole en un ser fantástico y visionario; su dibujo se vuelve

ahora extravagante, sin reglas ni convencionalismos.



Según Zapater, su amigo de la infancia, "se vio agitado por las

nuevas ideas que en ese momento recorrían Europa", así como por

las luchas internas entre absolutismo y liberalismo que le llevan a

una actitud progresista y de crítica social. De esta época son

Los Caprichos (1799), primera de las series que realizó Goya y

que se anunciaron en el Diario de Madrid el 6 de febrero de ese

año del siguiente modo: “Colección de estampas de asuntos

caprichosos y grabadas al aguafuerte por D. Francisco de Goya.

Persuadido el autor de que la censura de los errores y vicios

humanos (aunque parece peculiar de la elocuencia y la poesía)

también puede ser objeto de la pintura: ha escogido como asuntos

como asuntos proporcionados para su obra (…) aquellos que ha

creído más aptos para suministrar materia para el ridículo.(…) Se

vende en la calle del Desengaño nº 1 tienda de licores y perfumes

pagando por cada colección de 800 estampas 320 rs. vn.” Entre

estos grabados podemos vamos a señalar los siguientes:

“Capricho 1. Francisco de Goya y Lucientes, pintor”,

“Capricho 37. Si sabrá más el discípulo”, “Capricho 39. Asta

su abuelo”, “Capricho 40. De qué mal morirá”, “Capricho 43.

El sueño de la razón produce monstruos”, Capricho 55.

Hasta la muerte” y “Capricho 61. Volaverunt”.

Su labor como pintor de retratos continúa y mejora en este

periodo. Posaron para él tanto los reyes y aristócratas como sus

propios amigos: Moratín, Jovellanos (d), El infante D.

Francisco de Paula, y La familia de Carlos IV, lienzo en el

que revela de modo realista e irónico las dudosas cualidades

morales y la vulgaridad humana de los retratados. Se autorretrata,

con el grupo, en la sombra, al igual que hiciera Velázquez en Las

Meninas. El realismo llega a la crueldad sin concesiones.



Por encargo de Godoy, a quien pinta en 1801, realiza dos de

sus obras más atrevidas: “La maja vestida” y “La maja

desnuda”. Al parecer, ambas obras se presentaban juntas y por

medio de un dispositivo de superposición, se mostraba una u otra

según conviniera. Poseen ambas una técnica y unas formas

refinadas y elegantes, en un juego de curvas, luces y sombras.

4) Cuarta etapa (1808-1828).

Durante esta etapa los acontecimientos históricos que tienen

lugar en España, marcarían a Goya y a su pintura definitivamente.

Con la caída de Fernando VII y la implantación de José I (de quien

también fue pintor de Cámara), Goya, -aunque esperanzado por los

aires reformadores que llegaban de Francia- se muestra contrario

a los desastres que la guerra está produciendo sobre el pueblo. No

olvidemos que el artista había salido del pueblo y nada relativo a él

le era indiferente.

Realizo dos lienzos monumentales sobre el comienzo de la

Guerra de la Independencia: “La carga de los mamelucos (2

de Mayo en Madrid)” y “Los fusilamientos de la Moncloa (3

de Mayo en Madrid)”. Estos lienzos no pretenden ser narrativos,

sino que, junto con Los Caprichos y Disparates, fueron parte

del monólogo de un hombre sordo y cansado, que durante la última

parte de su vida proyectó en el "populacho" -hambriento,

maltratado y presa de la Inquisición- sus visiones de miedo y

desesperanza.

En Los fusilamientos de la Moncloa predomina la sencillez

técnica a base de contrastes de luces y sombras; la concepción

formal y el patetismo en la expresión serán un precedente del

Expresionismo, patente ya en las Pinturas Negras. Realizó éstas

a partir de 1819, en la llamada "Quinta del Sordo", casa a orillas



del Manzanares que adquirió a la sazón y que decoró con sus

propios cuadros, entre los que se encuentran “Saturno

devorando a sus hijos”(d), El aquelarre”(d), “Lucha a

garrotazos”, “La romería de San Isidro”…., que pueden ser,

por su contenido, un precedente del Surrealismo. A través de su

denso ambiente, su atmósfera oscura, su gama cromática y su

concepto espacial crean una fuerte tensión psicológica.

Goya, por haberse manifestado partidario de la Constitución

liberal y temiendo por la incautación de sus bienes al restablecerse

en 1823 de nuevo régimen absolutista (tras el Trienio Liberal) por

Fernando VII, decidió marchar a Francia, afincándose en Burdeos.

Moratín describe con estas palabras aquellos que se presagiaban

como últimos momentos de su vida: "Goya ha venido sordo, torpe y

débil, pero muy deseoso de ver mundo". Durante su última

temporada en Francia realiza “La lechera de Burdeos”, anticipo

del Impresionismo, donde parece vislumbrarse una nueva

esperanza ante la vida; una vida llena de sensaciones y vivencias

que dejó tras de sí sugerentes trabajos, de los que se han servido

las generaciones posteriores hasta la actualidad.

5) Goya, grabador y dibujante.

Las referencias hechas hasta ahora a Goya han sido casi

exclusivas a la pintura al óleo, pero el artista, en su afán de

investigar todo tipo de técnicas y medios de expresión (aguatinta,

aguafuerte), realizó las series de grabados que enumeramos a

continuación:

1.- Los Caprichos (1796-1799), inspirados en su

imaginación, en estampas populares, en dichos del pueblo y en

libros de magia.(colección de 80 estampas)



2.- Los Desastres de la guerra y otros de intención

político-social (1810-18189).y de crítica a la bestialidad humana

(colección de 82 estampas).

3.- La Tauromaquia, serie concluida en 1815, para ilustrar

un libro sobre las corridas de toros, por las que Goya sentía un

gran interés (colección de 40 estampas)

4.- Los Disparates, representaciones de un mundo onírico e

ilógico (1819-1823) difícil de interpretas, obra de vejez muy

cercana al ambiente reflejado en sus Pinturas Negras. Es una

colección de 22 estampas

En cuando a los dibujos, de los que hay unos 500 en el Museo

del Prado, eran unas veces ensayos preparatorios para obras

posteriores, y otras tenían un valor por sí mismos. Son de variada

intencionalidad: dramáticos, satíricos, narrativos, líricos....

B) Análisis de sus obras más significativas (Selectividad)

1.-La Gallina ciega (Serie De los Cartones para Tapices.

Embajada de España en París. 269 x 350)

Identificación:

Título: La Gallina ciega (Serie De los Cartones para Tapices)

Autor: Goya

Cronología: 1791

Estilo:

Técnica y materiales: Óleo sobre lienzo.

Dimensiones: 269 x 350

Localización original:

Localización actual: Museo del Prado

Tema: escena costumbrista

Análisis



Esta obra pintada en 1791, pertenece a la primera etapa, cuando

Goya trabaja como pintor de cartones para la real Fábrica de

Tapices.

Su obra durante este periodo se caracteriza por la

representación de temas alegres de verbenas y juegos con

personajes ataviados con trajes típicos.

La factura es muy academicista y la estética muy rococó.

Estaba destinado al dormitorio de las infantas en el Palacio del

Pardo, y hoy se halla en la Embajada de España en París. Según

palabras del pintor, "representa un corro de varios jóvenes y

señoras jugando al cucharón". Los jugadores visten trajes que

hablan de su elevada posición y vestidos populares de majas y

majos, con redecillas en el pelo. El traje popular estuvo de moda

entre las clases altas y demuestra, según Ortega, la voluntad de

imitar a la plebe de la alta sociedad del siglo XVIII.

La inspiración populista de Goya, iniciada en La vendimia, se

vuelve más sutil en este Cartón. Las figuras son más pequeñas. Los

colores blancos y grises ayudan a valorar más la fuerza de los

tonos calientes -rojos, pardos y ocres- que reflejan la evolución de

su paleta. El ambiente de la escena es amable y galante, en una

línea rococó, tendente a idealizar la realidad. Goya nos ofrece una

visión optimista, alegre y despreocupada de una aristocracia en el

marco de un paisaje idílico. Según Hauser, en estos cartones, "El

arte se hace más humano, más accesible, con menos pretensiones;

para comunes mortales ya no expresa la grandeza y el poder, sino

la belleza y la gracia de la vida".

2.- La Condesa de Chinchón

Identificación:

Título: La Condesa de Chinchón



Autor: Goya

Cronología: 1800

Estilo:


Dimensiones: 216 x 144 cms

Localización actual: Mueso del Prado

Tema: retrato individual

Análisis

En esta obra Goya retrata a la joven condesa (esposa de Godoy)

embarazada y con un lujoso traje para mostrar su posición

social .En un auténtico retrato psicológico en el que Goya nos

transmite por medio de un rostro dulce y melancólico que gira

hacia la derecha con elegancia, una profunda tristeza(fue obligada

a casarse con sólo 20 años). La luz parece emanar de la propia

condesa .El tratamiento de los materiales es magistral.

3.-La Familia de Carlos IV:(Óleo sobre lienzo. Museo del

Prado. 280 x 336).

Identificación:

Título: La Familia de Carlos IV

Autor: Goya

Cronología: 1800-1801

Estilo:




Tema: retrato de grupo

Análisis

En este retrato de la Familia Real realizado entre 1800 y 1801

muestra Goya una pincelada suelta y vigorosa relegando el dibujo a



un nivel secundario. Destaca el cromatismo de los ropajes

especialmente el rojo intenso del infante Francisco de Paula y el

dorado de la ropa de la reina María Luisa.

El realismo con que Goya retrata a sus modelos,

mostrándonos también la simpatía, interés o indiferencia que

siente hacia ellos, no se oculta ni en la representación de la

Familia Real (se ha querido ver en esta obra una sátira de la

Familia Real de manera que se observa el carácter apocado del rey

frente al gesto dominante de la reina).

En este retrato de grupo, muestra a todos los miembros de la

familia real de pie y con escaso movimiento. La poca profundidad

otorgada a la escena y la gran cantidad de personajes acentúa la

sensación de falta de espacio. Al igual que Velázquez en las

Meninas, el pintor se retrata en la penumbra, delante del caballete.

Cabe citar el espléndido estudio de la composición y la

interrelación entre los personales, interrelación meramente física

ya que no se advierte la más mínima vinculación afectiva entre los

personajes.

El gran retrato colectivo de la familia de Carlos IV marca el

apogeo de la carrera oficial de Goya, nombrado recientemente

pintor de Cámara del rey. Por las minutas se sabe que los estudios

de los personajes principales (en tamaño natural) se hicieron en el

Palacio de Aranjuez, donde la Corte se trasladaba desde Pascua

hasta el mes de julio.

De izquierda a derecha aparecen don Carlos María Isidro,

Goya (en último plano), el príncipe Fernando (luego Fernando VII),

doña María Josefa, la prometida del príncipe (con el rostro vuelto

por ignorarse todavía quién sería), doña María Isabel, la reina

María Luisa, don Francisco de Paula, el rey Carlos IV, don Antonio



Pascual, doña Carlota Joaquina, don Luís y su mujer, doña María

Luisa, con su hijo Carlos Luís en brazos.

Aquí se confirma el profundo cambio experimentado en la

pintura de Goya, reduciendo todo aquello que es superfluo en un

retrato y concentrándose en el estudio de los caracteres

individuales. Utilizando con gran sabiduría las luces, que de las

sombras del fondo pasan al centelleo rutilante del colorido de los

trajes en primer plano, crea esa falta de profundidad tan

característica. La línea compositiva es frontal, muy neoclásica,

pero sabiamente interrumpida por la reina y sus dos hijos menores

que se destacan en el centro; para romper este posible

alineamiento ha utilizado una línea sinuosa para los pies de los

personajes que, ocultándose unos detrás de otros, rompen la

frontalidad. Una vez más, Goya ha querido unir su nombre al de

Velázquez, uno de los pintores que más admiró, imitando a las

Meninas en la introducción de su persona como protagonista de la

obra.

Por último, habría que considerar el aspecto crítico tan unido

a esta obra: los rostros, de gran realismo, dejan traslucir sus

caracteres individuales, pero es la posición de la reina, eje de toda

la composición, desplazando a la figura del rey a pesar de estar

situado éste en un plano anterior, donde se resume la genialidad

de Goya, que, interpretando el sentir popular, ha sabido concentrar

todos los elementos en una sola dirección, que es la figura de la

reina, sin romper con el protocolo.

4.-Los fusilamientos de la Moncloa (el Tres de mayo).Óleo

sobre lienzo. Museo del prado. 266 x 345.

Identificación:

Título: Los fusilamientos de la Moncloa (el Tres de mayo)



Autor: Goya

Cronología: 1814

Estilo:


Dimensiones: 2,66 x 3,45 ms

Localización actual: Museo del Prado.

Tema: pintura histórica

Análisis

En Los fusilamientos, la composición se organiza a partir de la

iluminación con una clara función dramática. Así, la luz que emana

de una faro situado en el suelo, separa simbólicamente la zona

iluminada donde esperan los condenados a ser fusilados y la zona

en penumbra donde se alinean los soldados. En la zona iluminada,

la camisa blanca de uno de los que van a ser fusilados parece

absorber toda la luz con una fuerte carga expresiva y simbólica. El

pelotón de militares, sin rostros, forma una diagonal cerrada que

prácticamente obliga al espectador a contemplar la escena desde

el pelotón. Ocultando sus rostros, el pintor los despersonaliza y los

convierte en “máquinas de matar”. La representación de las

fisonomías de los condenados, en cambio, les confiere dignidad.

Éstos adoptan las más variadas actitudes de manera que unos se

cubren el rostro, otros se muerden los nudillos o rezan. A su lado

yacen sus predecesores cuya sangre impregna el suelo.

Goya puso todos los elementos al servicio de la expresión: redujo la

gama cromática (ocre, negro, rojo y blanco); potenció el

dramatismo de la posición creando escorzos dinámicos e

intensificó el clímax mediante el lenguaje de las manos.

Realizado en 1814, fue pintado seis años después de los

trágicos acontecimientos que representa, con objeto de "perpetuar



por medio del pincel las más notables y heroicas acciones de

nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa".

La técnica empleada, totalmente expresionista, está en la

línea progresiva y libre del Goya de San Antonio de la Florida y de

la Quinta del Sordo. El cuadro no figura en el catálogo de 1858 del

Museo del Prado, pero probablemente se colgó antes de 1865, ya

que Manet se inspira en él para pintar a Maximiliano de México

en 1867.

El hecho que Goya quiere conmemorar es el drama que vivió

en Madrid a partir de la mañana del 2 de mayo, después del ataque

del pueblo a la caballería de Murat a su paso por la Puerta del Sol.

Murat, lugarteniente de Napoleón, acalló Madrid con sangre.

Comenzaron los fusilamientos en las tapias del Convento de Jesús

en el Buen Retiro, en las orillas del río Manzanares, en la Casa de

Campo, en Leganitos, en Santa Bárbara, en la Puerta de Segovia,

en el Buen Suceso y en la Montaña del Príncipe Pío (reflejados por

Goya en su obra).

Es la composición más rotunda del artista por las expresión

angustiosa y terrible de los que esperan la muerte o de los caídos

ya, pero sobre todo por la figura central del patriota desesperado

que "alza terrible sus brazos al cielo en señal de protesta como

poniendo a Dios por testigo de la brutal injusticia que le hace morir

por la dignidad y la independencia de su patria", según palabras de

Lafuente Ferrari.

Las víctimas, con sus gestos, parecen una apología de las

diferentes actitudes que toma el ser humano ante la muerte,

mientras detrás aguardan la misma suerte más condenados. El

pelotón de ejecución no muestra sus rostros al espectador, sino

que aparece como una fría máquina de matar. La nota violenta la



dan los cadáveres que en primer plano aparecen caídos sobre un

charco de sangre.

Estos dos cuadros cobran toda la fuerza al ser vistos juntos,

ya que lo que en uno es movimiento y griterío, en el otro es calma y

silencio contenidos. Nos muestran toda la fuerza del romanticismo

goyesco: exaltación del color, del movimiento y de los

sentimientos, junto a novedades técnicas innegables como el

sombreado y perfilado de las figuras.

5.-Saturno devorando a sus hijos

Identificación:

Título: Saturno devorando a sus hijos

Autor: Goya

Cronología: 1820-1823

Técnica y materiales: Óleo (estuco transferido a lienzo)



Tema: ¿mitológico?

Análisis

Forma parte de las Pinturas Negras que Goya pintó con un vigor

extraordinario en las paredes de la “Quinta del Sordo”(ver lo

señalado anteriormente sobre su importancia).

En esta Saturno (Cronos en la mitología griega)aparece devorando

a uno de sus hijos para impedir que se cumpla la profecía de que

uno de ellos lo destronaría. Goya representa a un Saturno alejado

de los textos clásicos, con los ojos extraviados, la boca bestial, los

dedos hundidos en el cuerpo de su víctima, que es un adulto y cuyo

estatismo contrasta con la agitación de Saturno. Destaca además la

oscuridad del fondo y el rojo de la sangre. Se hace difícil



interpretar esta serie de pinturas llenas de visiones de ultratumba,

de obsesiones y de pesadillas.. He aquí una posible interpretación:

Esta obra no tiene otro objetivo que expresar la crueldad. Aquí el

expresionismo no es anticipación, es una realidad. Contra un fondo

casi negro, color que simboliza la melancolía, una luz

deslumbrante golpea el cuerpo de Saturno fragmentándolo en

zonas de luz y sombra. No hay una representación realista de la

anatomía. Brazos y piernas son simplemente masas cromáticas. La

nota de color no la dan ni los grises del cabello, ni el marrón

grisáceo, ni el marrón claro, ni el blanco de unos ojos desorbitados

por la locura, sino el chorro rojizo de la sangre.

Goya recurre a la iconografía de un Saturno devorador de sus

hijos para representar la voracidad de la tiranía, basándose en

Quevedo, la España que devora a sus hijos más preclaros.. Podría

ser también el temor a ser engullido por el "terror absolutista", al

haber jurado la Constitución en 1812 lo que le impulsaría a pintar

tan espeluznante obra. Saturno simboliza también circunstancias y

cosas que eran vitales para el pintor: la vejez (había cumplido ya

73 años), la soledad, la sordera y la melancolía.

6.- El Sueño de la razón produce monstruos

Identificación:

Título: El Sueño de la razón produce monstruos. Capricho nº 43

Autor: Goya

Cronología: 1799


Técnica y materiales: grabado al aguafuerte y al aguatinta

Localización : Real Calcografía (Madrid)

Tema: Colección de estampas de asuntos caprichosos grabadas al

aguafuerte o al aguatinta



Análisis

Son 80 estampas impresas en 1799, con anuncio de venta en la

Gaceta de Madrid del 6 de febrero como "Colección de estampas

de asuntos caprichosos, inventadas y grabadas al aguafuerte por

don Francisco de Goya". En un extenso texto el autor justifica su

trabajo afirmando que la Pintura puede ser también un vehículo

para censurar "los errores y los vicios humanos" al igual que la

Poesía, y defiende la capacidad creativa del artista oponiéndola al

"copiante servil". Al final del texto se indica: "Se venden en la calle

del Desengaño, número 1, tienda de perfumes y licores.

En principio Goya tenia previsto que fuera la portada de sus

grabados. Aquí se retrató de forma muy diferente a como

finalmente decidió presentarse en el inicio de los Caprichos:

abstraído, medio dormido y rodeado de sus obsesiones. Un búho le

alcanza los útiles de dibujar, señalando claramente la procedencia

de sus invenciones.

En el dibujo preparatorio, pensado como Sueño, dice: ... El Autor

soñando. Su intento solo es desterrar vulgaridades perjudiciales y

perpetuar con esta obra de caprichos, el testimonio sólido de la

verdad

cuando los hombres no oyen el grito de la razón, todo se vuelven

visiones.



Imágenes de Selectividad

103. La gallina ciega

104. La condesa de Chinchón



105. La familia de Carlos IV

106. Los fusilamientos del 3 de mayo



107. Saturno devorando a su hijo



108. El sueño de la razón produce monstruos


15. Goya

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