UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL ESTADO DE MÉXICO

MAESTRÍA EN ESTUDIOS VISUALES

“LA VIOLENCIA COMO UN PROCESO DE CONTROL”

A partir de la lectura Imagen, Evento, Duración, de George Didi- Huberman

Presenta:

Verónica Luna Arrañaga

Epistemología de la imagen

Seminarista:

José Luis Vera

Toluca Méx. a 23 de septiembre 2013

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En el presente trabajo propongo abordar algunos aspectos que George Didi- Humerman plantea en el texto, Imagen, Evento, Duración. Traducción de José Luis Vera.

Hacer presente la esencia del texto enunciando 1las principales temáticas abordadas que propone una idea de reacción y de análisis como una respuesta o un posible cambio en la mirada social mediante “LA IMAGEN” una sutil inferencia a ser este el motivo del cambio dentro de cualquier fenómeno social, destacando su lugar como discurso silencioso pero no menos explosivo. En otras palabras generar una presión ante el régimen dentro de su economía produccioncita, intenta señalarnos la enorme cantidad de imágenes que reclaman análisis, atención, sacarnos del ensimismamiento rutinario ejerciendo un valor reaccionario de crítica, de sentido un verdadero compromiso y revalorar la atención e intención en las imágenes.

…¿es ceguera o cinismo?. La reflexión que presenta no en esta pregunta sino el discurso que representa, ¿qué pasa con el cómo vivimos nuestra vida y que hacemos con lo que vemos?, ¿como lo traducimos a nuestra realidad como lo adaptamos que hacemos con esta, como lo incorporamos a la memoria?. Estamos tan acostumbrados a las imágenes de guerra destrucción y violencia que simplemente pareciera haber sido traducidas a gritos sin voz completamente ignorados por el trajín de una vida cotidiana. Hundidos en nuestros propios problemas, pareciera que son una especie de novela, así veo, lo traducimos, pareciera que lo reducimos todo a lo virtual a lo imaginario a lo no existente. Tengo un vago recuerdo de niña que viendo una “película de Chabelo contra los hombres lobo” algo así; me causaba un miedo indescriptible a que esa situación fuera posible me invadiera, se tradujera a una posible vivencia futura y claro la respuesta de consolación fue “no es real es una película no existe”. Cada vez las imágenes deben ser más atrevidas para sacarnos de este espejismo común mente llamado real y que en realidad en una virtualidad.

Se puede “…participar completamente en el salvaje juego capitalista mientras tu entrenamiento y tu meditación y demás te dan la ilusión de que esa no es la vida real, sólo estás jugando el juego social, en realidad estás en cualquier otro lado”(Zizek 1985). Involuntariamente creo que lo excluimos de nuestra realidad y lo aterrizamos todo aquello que deseamos evitar como una especie de película de terror, si está ahí si existe pero se negocia con esas imágenes como se negocia ante los gráficos de un juego virtual.

En el argumento que propone 2Yves Michaud “el arte en estado gaseoso” relacionándola con la función y contexto del arte de Pascal Convert, considero que la finalidad es la de y lo detallo en sus palabras “el arte por sí mismo, una especie de establecimientos territoriales donde la cultura se convierte en cara de experiencia estética (Michaud s.f., 15).

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Donde el arte se encuentra en cada esfera y territorio a donde queramos mirar por eso en estado gaseoso, nos inunda, absorbe, seduce. Y la cultura creo yo es musa para tal confección, usando como lienzo lo cotidiano sacando de ello el espacio de manifestación, perene a su manifestación.

Estamos tan invadidos en “el mundo es exageradamente bello”,(Michaud s.f., 17) tenemos tan educada la mirada que inmediatamente encuentra una imagen bella se detiene; de ahí el dominio del sentido de la vista, que atrae, servimos a un amo, el sentido de la vista, porque si no fuera sensible y estético a nuestra percepción simplemente la omitiría, quedando solo en archivos de desecho. De ahí el valor intrínseco del artista de ser el debelador de esos procesos invisibles y fantasmales, para hacerlos alcanzables y tangibles.

Es así que 3Didi- Huberman, haciendo alusión a la obra fotográfica de Merillon de la que parte Convert, aprueba la idea planteada por Yves Michaud, la idea de estetización del mundo declarando “ahí donde había obras sólo quedan experiencias” (Michaud s.f., 13) Es más fácil identificarse con el dolor, porque es algo que en mayor o menor intensidad hemos experimentado. Todos hemos perdido a alguien, todos conocemos esa calamidad, ese ardor en el alma que el cuerpo traduce también en dolor físico, que a través del cuerpo hacemos síntoma o señal, los gestos, las lagrimas, todo este discurso corporal que indica un desorden, una anomalía del sistema, porque de que serviría sufrir si los demás no saben que lo hacemos. De qué manera podría llegar el consuelo, y el consuelo lo entiendo en este deseo animal de dejar de sentir eso, como si fuéramos un objeto en llamas buscando algo, alguien, que apague esto antes de llegar a consumirnos. De ahí un poco desde la doctrina cristiana de la inquisición, a través del fuego (dolor) nos purificamos. Como vivimos el dolor y es también una construcción social, colectiva. El dolor es tan extremo tan incomprensible en palabras que solo una imagen puede alcanzar a descubrirla. Por ello la estética del dolor, como esa idea del mundo que maneja Yves Michaud, “Si algo no es bello, necesariamente tiene que serlo”, y lo bello como intento de comprensión.

El dolor físico es más soportable que el del alma. En eso llamado cuerpo como contenedor y objeto que nos ayuda a percibir y comunicarnos con el mundo exterior como un traje como una armadura una coraza del alma.

¿Y la felicidad, que es ese punto extremo?, nadie lo sabe y lo más grave seria ¿cuántos si se puede decir, o se atreven a decir que son asquerosamente felices?

Ahora a intento de explicar 4los conceptos de Ethos y Pathos, y como se plantean específicamente en la obra de Pascal Convert, según el planteamiento de Didi- Huberman, entendiendo ethos, como posibilidad de acción y pathos como pasividad(2008) entendiendo en pocas palabras como la distancia que debe existir entre cultura y el arte para lograr así su dimensión exposición o manifestación crítica. Por ello la importancia de la obra que expone a escala mundial el deterioro o lo enfermo de la pulsión y no a una gran masa de la población sino en la cultura en general en el campo de producción simbólica que el trabajo de Pascal Convert pone a la vista,

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sin mediaciones de la muerte. Así la ética la afección, emoción, pasión, sufrimiento, pathos se entrelazan en la experiencia del arte contemporáneo.

“Y si algo tiene que resistir el arte es a esa obsesiva necesidad de estetización superficial”.(García)

5 Investigar y comentar cuales son las ideas expresadas en el Nuevo Laocoonte de Clement Greenberg y el Laocoonte de Lessing, compáralas en el marco de sus paradigmas estéticos

6En el apartado 8 como se podría abordar una historia del arte a partir de distintas problemáticas (en el caso la representación del dolor en el arte occidental? Podrías sugerir otra problemática para lo mismo? Si la indiferencia al dolor falta de empatía.la apatía emocional. La ausencia de sentir. Describe el planteamiento, y propón algunos ejemplos que justificarían tal propuesta.

7 A propósito del planteamiento de Deleuze citado por Didi Huberman que plantea “la imagen misma es en conjunto de relaciones de

tiempo cuyo presente no hace más que transcurrir, sea como común múltiple, sea como el más pequeño divisor. Las relaciones de tiempo no son nunca vistas en la percepción ordinaria, sino que ellas están en la imagen desde que ella es creadora. Ella vuelve sensibles, visibles, las relaciones de tiempo irreductibles al presente”(24), yo agregaría la imagen es imperturbable al tiempo, genera el espacio indicado para convertirse en referencia que traspasa la línea de temporalidad, se vuelve constante, no envejece ni pierde su significación, al contrario se va re- significando, por ejemplo (ver anexo 1 y 3), ¿en qué sentido estas imágenes sobrepasaron la temporalidad?, si se les compara eliminando fechas, y autores ocurrirían a mi parecer dos situaciones, en primer lugar se podría encasillar en un montaje dos visiones del mismo escenario, bajo un análisis superficial como lo indica Didi Huberman, en la imagen 1, se podría hasta insinuar una época histórica del arte, definiendo así al autor, él refiere a Rembrandt, así pues la imagen 3 a la pintura barroca Italiana de Caravaggio, dos épocas diferentes, dos autores separados en tiempo, viendo el mismo escenario y reproduciéndolo. El tiempo es una medición matemática que al arte no le importa para nada, porque no lo afecta ni lo sacude. Esto me guía a otra pregunta.

8¿Qué tipo de situaciones emotivas podrían diferenciar- confundir dos obras con distinta finalidad, las periodísticas y las artísticas? Las primeras su objetivo es informar publicar una situación en determinado espacio geográfico, determinados personajes y situaciones políticas es un presentar

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evidencia de un hecho, por otra parte en la obra artística se pretende motivar, generar un cambio, detonar percepciones, sensaciones.

Sin embargo a la fotografía digital “se le achaca el descrédito irrecuperable de la veracidad, pero lo cierto es que simultáneamente instaura un nuevo grado de verdad: el horror de Abu Ghraib nunca hubiese aflorado a la opinión pública con la fotografía analógica; por el contrario, la tecnología digital hace imposible evitar la diseminación de la información(…)La fotografía digital, no obstante, nos traslada a un contexto temporal que privilegia la continuidad y en consecuencia la dimensión narrativa -no necesariamente empobreciendo la expresión fotográfica-. Las fotografías analógicas tienden a significar fenómenos, las digitales, conceptos(Fontcuberta).

Lo ejemplifico en la vida diaria la experiencia de las imágenes va en aumento, y con la aparición de los estudios visuales que responden a aspectos de la vida cotidiana incluyendo a la cultura popular o de masas, es así como surge la evidente necesidad de generar metodologías para que el estudio de la historia del arte de paso a la cultura visual, como algo necesario, es así que entre arte y fotografía periodística, encuentro elementos de apropiación de significados, los anexos 4 y 5 tenemos como elementos de referencia a los cuerpos de contención (granaderos) por un lado una protesta ante la derrota de un equipo deportivo y por otro una marcha estudiantil ante un proyecto de reforma de educación. Ambas protagonizadas por jóvenes se abrazan.

Esas dos imágenes que se entrelazan con un único sentido, encontrarle sentido a esas fotografías, crearles contexto, re- significarlas. Son imágenes que con el contacto y rotación de espacios como internet, se van cargando de más información, cada quien va generando en lo particular significados distintos a los que su contexto original, se trata de una especie locos que en medio de una turba les surge una espontanea afirmación New age de fraternidad hacia el otro, es en sí una resistencia, un contra poder ante los opresores, o es el error en una tira de disparos de cámara captando hechos intrascendentes, dentro de una manifestación.

Los ciber espacios producen el libre movimiento e itinerante de las imágenes, lo que las vuelve más accesible y dotadas de nuevas intenciones, como una enorme masa que crece y crece hasta tomar cuerpo y alma.

9En la obra de Aby Warburgcon el método de Mnemosyne, plantea cómo podría actualizarse una obra semejante, con el mismo sentido, en el contexto actual de la era digital, su viabilidad, su razón de ser, sus problemáticas. No dejó una estricta metodología, sin embargo la pertinencia de su método es que incluye el movimiento, la gestualidad para ofrecer una reinterpretación original. Propone poner en el mismo lugar las percepciones, sentimientos, una especie de formula emotiva con una gran variedad de preocupaciones, vivencias sociales y culturales. Estas formas de expresión decía, son símbolos culturales que se perpetuán en a la Mnemosyne (memoria visual) colectiva como huellas en una trayectoria. Para comprender estas huellas evoca principios de psicología colectiva, creando una herramienta conceptual. Es decir en un tablero de fondo

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oscuro acomodaba imágenes, fotografías, ilustraciones recolocándolos en una nueva posición siempre que lo amerite la correlación de ideas. Es así que las imágenes en los anexos reacomodadas sugieren otra historia, otras emociones y de ahí que yo considero que su problemática de este método es la polisemia de interpretaciones que se les puede otorgar a la interpretación de estas. Cada investigador en base a su bagaje cultural, histórico y social hará una reinterpretación personal de la obra eso muestra una interminable cantidad de información a la vez faltaría discernir, cuál sería la más indicada.

Siguiendo con este método una especie de collage de imágenes 10 como abordar el concepto de montaje en el arte en este caso en el contexto estético del cine señalaré tres autores Jean Luc Godard, Chris Make e inicio con Serguei Eisestein, siguiendo con Mnemosyne encuentro un elemento significante entre los tres: la figura y representación de dolor con las mujeres con la boca abierta en señal de un abismo de martirio, al tiempo de ahogar ese grito. Eisestein la película el acorazado, en la escena urbana donde se lleva a cabo la represión de los manifestantes por la indignación a la muerte de Vakulmachur, en primer lugar se podría notar una repetición de la escena de Kosovo, las mujeres lamentando la muerte de este marino y al tiempo de salir por las calles, a reclamar ese aberrante hecho “killed for a plate of soup” al ser reprimida esta manifestación a balazos se ven esas caras de sufrimiento, que ahogan más en la indignación. Mismo elemento reproduce Godard, (en este caso entendido como reclamo de la protagonista a su proxeneta) una mujer en llanto y balas. En sus palabras esos dos elementos se necesitan para hacer una película. Por último el caso de Chris Make, en su desolada ciudad parisiense después de la tercera guerra mundial (ver anexo 6), en una historia que presenta la paradoja de morir dos veces en distintos momentos de tiempo, todo guiado a través de este lenguaje del montaje cinematográfico.

El montaje es un procedimiento estético que enfatiza la ruptura paradigmática de una sociedad capitalista, acompaña el caos de la experiencia de las grandes metrópolis, es la cadena humana de producción de forma artística, acentuando los procesos de sensibilidad, de ahí que surja como figuración específicamente visual, en el proceso instantáneo de la información ya que Benjamin, Walter lo conceptualiza al presentar una especie de promesa en la función de conectar arte y técnica de la vida cotidiana de las masas urbanas, presentando “la pobreza de experiencia moderna, y que aspira a una nueva construcción”(García García, 175)

Los elementos anteriores me permiten abordar el análisis ensayístico de 2 imágenes ganadoras del premio de WorldPressPhoto, que se encuentra de gira arribando a nuestro país. La primera siguiendo el tema en esta trama belica relación padres- hijos, en su representación mortuoria y la segunda un dolor ahogado: la soledad.

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Los media adoran al ciudadano indignado pero impotente. Es la finalidad del noticiero televisivo(Didi Huberman 2008). Es una suerte de válvula de escape que permite expresar esa indignación, pero sin lograr ningún hecho trascendente, es decir entre más críticos seamos alimentamos más al sistema. Así las noticias destruyen la historia, y lo convierten en una novela, en un video clip, un comercial sin llegar realmente a lograr una conciencia crítica. Buscar un cambio.

Primero que nada me gustaría tratar de separar o de conceptualizar el periodismo de nota roja del periodismo bélico, y tratar de esclarecer porque son tan adictivos, para consumo rutinario, este deseo ansioso de ver sangre y sufrimiento.

“Las noticias de los crímenes son pasiones gritadas encarnan el sentido de justicia y libertad”(Monsiváis 1994), son una especie de manifestación inmediata de castigo un orden divino, un sentido religioso; que lo que se hace se paga, creo que es una intención de que el “pecador” “criminal” debe pagar; y mucho más interesante es que esa suerte del criminal sea a su vez la suerte de alguien que nos allá injuriado por algo; es transito de metáfora sentirnos con ese poder simbólico ejecutores de la ley, así los crímenes dejan de ser sacudimientos colectivos y derivan en leyendas personales.

¿Qué nos cuentan las imágenes y como nos sirven para entender la sociedad? (Vera2013) Esta pregunta es el detonante clave para desmenuzar estas afecciones, estas compulsivas emociones, ¿Cuántas veces no hemos volteado la mirada a otros eventos, a otras sensaciones, evitando así ser absorbidos por estos?, y más que imágenes es la emoción que traspasa las pantallas.

“Alarmadas y complacidas las multitudes se detienen como ante un escaparate: a su alcance la dotación de ríos de sangre, traiciones perversiones…, y las demostraciones del asco moral de las personas decentes” (Monsiváis, 39), es así que estos crímenes su principal diferencia son los significados colectivos, es decir la nota roja hace evidente los crímenes de particulares, y los noticieros hacen evidentes los crímenes sociales, aunque la raíz sea el generar un sistema de alarma, ojala y no nos suceda a nosotros.

Lo significativo tiene que ver con la experiencia esto transferido a “los medios de comunicación como la masa saben que la neutralización es denegación; sin embargo, en esta enferma convivencia de masacre encuentra su mejor aliado: el silencio” (B.C Devalle2000)

Aprendemos en las masacres por que viven en una mayoría silenciosa, una mayoría representada por un “montaje artístico” una familia llorando a su hijo, muerte a acaecida por una represión de un objeto nebuloso, ¿Quién va a pagar por ese crimen?, nadie puede representar eso; de ahí su fuerza e indefensión ante ello. “el terrorismo como la masacre en palabras de Baudrilard, operan no en el sentido sino en la fascinación, el pánico, el miedo. No explota el sentido, apela al silencio de la masa. (por eso la importancia que describe Convert, al colocar en su pieza huecos en las bocas) Sabe sus miedos, sabe que no es explosiva sino implosiva” (B.C Devalle, 64)

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Ilustración 1

El sueco Paul Hansen fue galardonado con el primer premio en la edición de 2012 del certamen de fotoperiodismo más importante del mundo, el WorldPressPhoto, por una imagen que muestra la desesperación de un grupo de hombres en el funeral de una familia en una calle de Gaza

¿La fotografía como medio artístico?

José Luis Barrios describe en la obra artística como “la posibilidad de la experiencia (de lo estético) de la violencia en los límites de representación y el acontecimiento, que no es otra cosa, que el arte como mediación simbólica o como espacio de afectación”. (jezik2011) Entre lo social y lo político el arte en aras de condición suprema e intocable puede operar cierta condición de la violencia. Lo artístico, es entonces un límite infranqueable que le dota cierta legitimidad crítica a las formas y usos de poder, o es el sitio donde la violencia puede manifestarse como “disidencia regulada”.

Lo estético en una fotografía, que si en su función es la de contar una historia para los medios de comunicación como puente para el espectador, necesariamente debe estar constituida artísticamente así se le agrega a un grado de misticismo para ser valorado y a su vez ser indagado.

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¿El arte imitación o creación?

Nada es nuevo bajo el sol, sin embargo creo que la estetización de cualquier forma es parte inherente al ser humano, no se decoraban las cuevas, para dejar testimonio a los antropólogos, se dejaban como evidencia de una existencia, para darle sentido, para perpetuar la visión que se tiene ante la vida, logra captar esa sensibilidad, con mayores o menores avatares tecnológicos eso viene siendo el medio, lo importante es el valor, sensibilidad de la obra, como afecta a un espectador desconocido, como la incluye en su vida. ¿Cuántas veces una imagen no cambio nuestra percepción de algo?, eso derribar, formar nuevas formas de pensamiento y de ver la vida. Le pregunto ¿Cuántas veces no se sintió envuelto y transformado ante una imagen, dejemos de lado si estaba en una galería o se la topo en la calle, lo movió, lo cambio, logro el mismo efecto, como el haber conocido a una persona?.

Lograr tocar esa sensibilidad, alcanzar una empatía, usando como medio sales de plata en papel, o cualquier otro medio, y que lo allá transformado inclusive lo allá re direccionado a cambiar de rumbo aun sea para atravesar la calle y verla con detenimiento. Para mí en mi sentido humilde eso es arte, logro conmover, logro crear una idea, logro un conocimiento, por eso dicen que una imagen dice más que mil palabras.

Ilustración 2

El fotógrafo Italiano Fausto Podavi en la categoría de "Historias de Temas Contemporáneos"

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Transmitir, una emoción, un concepto, va mucho más allá de una mera imitación, las imitaciones son reproducibles si no en forma de maquila si se presenta en una especie de presentarse sin lograr traspasar una sensibilidad, en la obra de Fausto Podavi, aunque su enfoque sea de relatoría de una historia que afecta a Europa, los adultos mayores de cómo viven en su vida cotidiana, es una especie de magia el lograr captar en una fotografía tanta información que es increíble que no se esté deformando desbordando por los lados.

Si aterricémosla no como un instante único sino como una creación, logar la ambientación adecuada, el discurso perene del lenguaje en blanco y negro.

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ANEXOS

Anexo 2.

Anexo 1.

George Mérillon “velorio en Kosovo” 29 enero 1990.

Anexo 2.

Pascal Convert “sin título” inspirado en la fotografía de George Mérillon “velorio en Kosovo”. Cera resina y cobre 224x278x40 cms. Museo de Arte Moderno Luxemburgo.

Anexo 3.

Enric Martí. “La mortaja de Kosovo” 28 de octubre de 1998.

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Anexo 4Rich Lamn “Un beso entre la violencia”. Vancouver Cánada.15 de Julio de 2011

Anexo 5

Wiliam Fernando Martínez. “El abrazaton, protesta estudiantil”. Viernes 10 de noviembre 2011.

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Anexo 6

Ejemplo de montaje artístico en cine.

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