Ana Galván Romarate-Zabala  

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COMENTARIO DE IMÁGENES: LAS SEÑORITAS DE AVIÑÓN DE PICASSO (CUBISMO)

En una conversación de Picasso con Kahnweiler, en 1933, le comentó sobre el contenido del cuadro:

"las Señoritas de Avignon, ¡cómo me irrita este título! Sabes muy bien que lo inventó (André) Salmon (poeta y crítico). Sabes muy bien que el título original era El Burdel de Avignon. ¿Pero sabes por qué? Porque Avignon ha sido siempre una palabra familiar para mí, y es parte de mi vida. Yo vivía a menos de dos pasos de la Calle d'Avignon (Carrer d'Avinyó, una calle en el famoso distrito de las luces rojas de Barcelona, la ciudad donde Picasso asistió a una escuela de arte), donde solía comprar mis papeles y mis acuarelas y además, como sabes, la abuela de Max (Jacob) era oriunda de Avignon. Solíamos hacer un montón de bromas sobre el cuadro. Una de las mujeres era la abuela de Max. Otra Fernande (Olivier, su pareja en aquella época), otra Marie Laurencin (la pintora), todas en un burdel en Avignon (...) En el primer bosquejo del cuadro, iba a haber hombres en el cuadro, a propósito -has visto los dibujos. Había un estudiante sujetando una calavera (un memento mori). También un marinero. Las mujeres estaban comiendo, por eso dejé en el cuadro la cesta de fruta. Luego lo cambié, y se convirtió en lo que es ahora."

Kahnweiler, Huit entretiens avec Picasso (1933-1952), revista Le Point, n° 42, octubre de 1952.

“Picasso me explicó que, de no haber sido por los esfuerzos de Breton, tal vez se habría negado a vender Las señoritas de Avignon. Aunque había tenido mejores ofertas, decidió vendérsela a Jacques Doucet cuando éste le prometió que a su muerte donaría el cuadro al Metropolitam Museum de Nueva York. Yo le dije que Doucet había pagado bastante poco a cambio de la obra más importante del siglo XX. Demasiado barato –confirmó él-, puesto que se llevaba dos obras por el precio de una”.

Brassaï, Conversaciones con Picasso, 1964

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I. CATALOGACIÓN DE LA OBRA -Esta lámina nos muestra una imagen de la célebre pintura LES DEMOISELLES D´AVIGNON (Las señoritas de Aviñon)1 de Pablo Picasso. -Existen cientos2 de bocetos, dibujos y estudios preparatorios de esta obra, cuyo original se conserva en el museo MOMA de Nueva York desde el año 1939. - Este cuadro, causó extrañeza y rechazo, incluso a los amigos artistas de Picasso, motivo por el cual ocultó la obra en su taller durante años. Se cuenta

que el marchante Daniel-Henry Kahnweiler fue de los pocos en valorarla desde sus inicios. Fue expuesta por primera vez en una galería parisina en 1916. En 1920, sin haberlo visto siquiera, lo compró el coleccionista y mecenas Jacques Doucet por 25.000 francos. Autorretrato, Picasso, 1906; retrato del marchante Kahnweiler por Picasso, 1910 ; Jacques Doucet, el coleccionista y mecenas francés

que adquirió en 1920 las señoritas de Aviñón

   -El AUTOR de esta cuadro es PABLO RUIZ PICASSO (1881-1973) el gran genio de la pintura contemporánea. Tuvo una personalidad arrolladora, carismática y contradictoria 3 y fue un apasionado de los toros y de las mujeres, como se puede observar en su producción artística. Nacido en Málaga, se trasladó pronto con su familia a La Coruña y de allí a Barcelona, donde el joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de parámetros academicistas. En la ciudad condal contacta con diversos artistas ligados al Modernismo. París se va a convertir en la gran meta del pintor y en 1900 vivirá en la capital francesa por un breve periodo de tiempo. Entre 1901 y 1907 se desarrollan las bellísimas Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos años iniciales del siglo XX está viviendo continuos cambios y Picasso no puede quedarse al margen. Así que se interesa por Cézanne y partiendo de él va a desarrollar una nueva fórmula pictórica junto a su amigo Braque: el cubismo. En el año 1912 inventó el collage4. Transitará por diversos istmos de vanguardia como el surrealismo, y durante los años 20 volverá a la figuración, a la “vuelta al orden” después de un viaje transcendental a Italia con el poeta Cocteau en 1917. Le afectó tremendamente el estallido de la Guerra Civil Española y el bombardeo de Guernica, que provocó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la guerra y la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado. -París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con vivos colores y formas extrañas. Falleció en Francia en 1973, cuando preparaba dos exposiciones, demostrando su capacidad creativa hasta el

1 Avignon en francés, Aviñón en castellano y Avinyó en catalán. 2 Se calcula que hizo más de 800 dibujos preparatorios. 3 Llegó a ser un artista muy rico, un bon vivant poseedor de riquezas sin cuento, como mansiones y castillos, y a la vez, un firme defensor del comunismo. 4 Hay expertos que consideran que ya en 1899 creó su primer collage.

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final. Su capacidad creadora fue portentosa: pintor, dibujante, grabador, ilustrador, escenógrafo, escultor, ceramista… En conclusión, fue el artista más completo y genial de todo el siglo XX.

 Obra  de  la  etapa  rosa:  Arlequín  con  su  madre;      Obra  de  la  etapa  azul:  la  vida;  Grabado  de  Picasso  con  el  tema  del  minotauro  

 

                             

Pablo vestido de Arlequín; Retrato de Olga; Le rêve (el sueño)

                         

Picasso ilustrador: don Quijote; Picasso escenógrafo: ballet Parade ; Picasso ceramista: cabeza de toro

-El cuadro LAS SEÑORITAS DE AVIGNON está fechado en el siglo XX (1907), por lo tanto, pertenece al arte contemporáneo. Estilísticamente este óleo sobre lienzo, de grandes dimensiones, es considerado la obra germinal del lenguaje cubista, como luego veremos. El título es bastante equívoco. La denominación señoritas de Aviñón parece que no fue la original. En un principio fue llamada El burdel filosófico, pero un crítico de arte y escritor francés, André Salmon lo denominó Las señoritas de Aviñón, en referencia, no a la ciudad francesa, sino a una céntrica calle de Barcelona, conocida por sus prostíbulos.5

5 En los primeros años desde su creación, Picasso denominó a esta obra “el burdel de Avignon” pero el crítico de arte André Simon que organizó la primera exposición de esta obra la retituló las señoritas de Avignon para que fuera menos escandalosa. Y es que en

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-Por lo que se refiere a la TEMÁTICA, el título dota a la obra de una fuerte carga significativa, pero si nos centramos sólo en las figuras, al margen de la denominación del cuadro, lo que vemos son varios desnudos femeninos, un asunto, por lo demás, muy habitual en el arte desde la prehistoria6. Nos retrotrae a escenas casi siempre mitológicas renacentistas y barrocas, así como de estilos, artistas y siglos posteriores (Tiziano, Rubens, Manet, Gauguin, etc.). En este caso, las figuras –varias prostitutas- son representadas de una forma absolutamente innovadora y anticlásica. Pero no sólo encontramos varios personajes femeninos, hay también una especie de naturaleza muerta o bodegón que muestra varias frutas. Es un claro guiño al arte de las vanitas barrocas. Por otro lado, en cierto sentido es un retrato colectivo, una vuelta de tuerca más hacia ese género pictórico que hizo fortuna sobre todo desde el Barroco como vimos cuando analizamos Las Meninas de Velázquez. -En cuanto a los ANTECEDENTES del cuadro debemos señalar los numerosos estudios previos que Picasso realizó de esta pintura, en especial el que muestra a dos figuras masculinas –un marinero y un hombre con una calavera o con un libro- y en un primer plano, un jarrón con flores. Todos estos elementos fueron eliminados en su versión definitiva.

Estudios previos para las señoritas de Aviñón (1907)

             

-Las referentes que tuvo Picasso para elaborar esta obra son muy diversos. En primer lugar, son evidentes dos influencias: del pintor francés Ingres (1780-1867) 7 y de Cézanne (1839-1906), el padre de la pintura moderna, con sus bañistas y su tendencia a transformar el arte en formas esquemáticas y geométrizadas8. También se han señalado la impronta del manierista El Greco y del postimpresionista Gauguin. A estos autores hay que unir la huella del arte africano, del arte griego arcaico y de la escultura íbera9 así como del arte del antiguo Egipto e incluso del arte románico. Conviene recordar que Picasso, como muchos otros artistas de vanguardia de su época, coleccionaba esculturas africanas, e incluso creaba máscaras que seguían los modelos primitivos.

-Finalmente, pero no menos importante, las señoritas quiere ser el contrapunto a dos cuadros coetáneos de su rival, el gran pintor fauvista Henri Matisse: Alegría de vivir y Lujo, calma y voluptuosidad.

su época fue considerada “inmoral”. Al parecer, Picasso no estaba muy de acuerdo con esta denominación que consideraba demasiada edulcorada. 66 Recordemos la Venus de Willendorf, que a pesar de ser prehistórica, parece una escultura de vanguardia. 7 Cuya influencia será evidente a través de dos de sus obras: Venus Anadiomene y el Baño turco. 8 Básicamente reducidas al cilindro, el cono y la esfera. 9 Íbera: relativa al pueblo íbero, perteneciente a la Hispania prerromana.

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Ejemplos de la influencia de las bañistas de Cézanne y del Baño turco y la Venus Anadiomene de Ingres

Visión del Apocalipsis, El Greco; La alegría de vivir, Matisse; y Lujo, calma y voluptuosidad de Matisse

Varios ejemplos de arte africano y dos cabezas de escultura íbera

-La ESCENA de las señoritas de Avinón se desarrolla en un interior. Representa a cinco prostitutas desnudas en lo que suponemos es un burdel. Las protagonistas de la obra ocupan la totalidad del cuadro, sin apenas referencias especiales más que un geometrizado cortinaje de rígidos pliegues y un “bodegón” de frutas. Esta imagen tiene algo de fotográfico, como si las prostitutas fueran captadas como unas modelos posando para un pintor o un fotógrafo. -La figuras, gracias a la multiplicidad de planos, puede verse de frente, de perfil y de espaldas a un tiempo, como la provocativa mujer en cuclillas de la derecha, con lo que se rompe el sentido del volumen y la perspectiva tradicional. La sensación de profundidad es escasa. Las líneas angulosas de sus cuerpos, muy escultóricas, están fragmentadas en ángulos como queriendo conseguir la tercera dimensión. -Los rostros son máscaras -dos de ellas monstruosas-, inspiradas en el arte africano y las otras tres, en el arte íbero. En dos casos aparecen las características narices picassinas de “cuarto de brie” como veremos en otras de sus obras. 10

10 Referencia al queso francés de Brie.

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Cabeza de hombre, Picasso, 1907. En esta pintura se observa la nariz picassiana “cuarto de brie” -La técnica, de aspecto inacabado, es de grandes planos de color quebrados; no hay separación clara entre las líneas que delimitan las figuras y las que dibujan los elementos del entorno.

-La composición es a base de líneas verticales –que forman las diferentes figuras femeninas- y la elipse que se crea en el particular juego de miradas entre ellas. Prácticamente todas las figuras se pueden encuadrar en rectángulos. En primer plano destacan un bodegón o naturaleza muerta formada por varias frutas, que, en una perspectiva imposible, se sitúan sobre una picuda mesa. -Los colores que predominan son los que habitualmente encontraremos en el cubismo: los ocres, blancos, azules y grises. Es un colorido muy depurado. No hay focos de luz claramente identificables. -El resultado es un ejemplo del naciente cubismo analítico. Es una obra chocante, perturbadora, impactante y en algunos detalles feísta, que desea sorprender y acaso escandalizar a sus espectadores, como será habitual en buena parte del arte de vanguardia en sus inicios. - Podríamos considerar que la FUNCIÓN o FINALIDAD de esta obra, desde el punto de vista formal, es claramente experimental, el fruto de un trabajo de “laboratorio” que ha precisado de numerosos “ensayos”, sus ochocientos dibujos y estudios previos. Trata, además, de subvertir los valores del arte entendido en un sentido tradicional, rompiendo con el paradigma clásico basado en la idea de mímesis y de belleza naturalista. Se ha señalado que puede ser una alegoría erótica-literaria y satírica sobre los sentidos y la pasión amorosa o una especie de memento mori11. Por último, con esta obra quiere dar la réplica a Matisse, su rival más destacado que triunfaba con otra corriente de vanguardia, el fauvismo. -Por lo que se refiere a los CONSECUENTES de este cuadro clave del siglo XX, hemos de ponerlo en relación con otras pinturas de su producción así como las obras de los cubistas Georges Braque o Juan Gris y toda la serie de movimientos pictóricos que derivan de esta corriente de vanguardia –especialmente el cubismo órfico de Fernand Léger- entre otros. -La SIGNIFICACIÓN HISTÓRICA de esta obra viene dada porque supone un punto de inflexión en la historia del arte, un intento de hacer tabula rasa del pasado. La fortuna crítica de esta obra ha sido oscilante. En sus inicios, suscitó un rechazo generalizado. Leo Stein, el hermano de la célebre escritora y coleccionista de arte Gertrude Stein, lo definió como una solemne estupidez. Derain

11 Memento mori es un viejo adagio romano que quiere decir “recuerda que morirás”, en referencia a la brevedad de la vida y a la futilidad de las cosas terrenas. Recordemos que en uno de los estudios previos de esta obra aparecía una calavera.

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consideró que supondría el suicidio de Picasso mientras Matisse le imputó la muerte de la pintura. Braque, a finales de 1907 consideró: "es como si bebieras petróleo mientras comes una estopa ardiendo". Este cuadro que en su época fue caracterizado como “indefinible”, con el tiempo se ha convertido en un icono cultural de primer orden, en el epítome del arte de vanguardia.

-Esta obra se encuentra en buen ESTADO DE CONSERVACIÓN ya que en el año 2004 fue restaurado (tenía acumulación de polvo, mala conservación de la cera y el barniz, etc.). -En CONCLUSIÓN, las señoritas de Avignon fue una pintura verdaderamente revolucionaria en su época ya que preconizaba una nueva manera de mostrar la realidad, sorprendentemente moderna: el Cubismo. II.- COMENTARIO DEL LENGUAJE ESTILÍSTICO AL QUE SE ADSCRIBE LA OBRA -Estilísticamente esta pintura Las señoritas de Avignon es el punto de partida del arte cubista. El CUBISMO fue una corriente pictórica verdaderamente revolucionaria, que tuvo enormes repercusiones en el ámbito artístico durante el siglo XX. Surgió en Francia ligado a dos artistas: uno español, Pablo Picasso y otro francés, Georges Braque. Fue una corriente pictórica de carácter formalista, es decir, les interesa la pintura desde el punto de vista formal, de las formas, sin ningún tipo de implicaciones políticas o sociológicas. Realizarán obras de carácter experimental, buscando nuevas formas de expresión. Pese al aspecto de algunos cuadros cubistas la forma siempre fue respetada, no cruzando totalmente el umbral de lo abstracto. -El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había desdeñado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». Su fase de máximo esplendor se produce entre los años 1909-1911. Los pintores más representativos del Cubismo fueron Picasso, Braque y el madrileño Juan Gris. La base de este movimiento de vanguardia fue el pintor posimpresionista Cézanne, quien ya había intentado “tratar la naturaleza en términos de cilindros, conos y esferas” y también en el arte primitivo (arte africano, oceánico etc.) Estos artistas reaccionaron inicialmente contra la brillantez cromática de los expresionistas, y por eso redujeron la gama cromática a un repertorio de grises, pardos, marrones y tonos verdosos.

L´estaque, Braque; Paisaje, Picasso; Guitarra y mandolina, Juan Gris

                     

-Los temas abarcan desde retratos y naturalezas muertas urbanas hasta paisajes, etc. Picasso decía “pinto las cosas como las pienso, no como las veo”. Abandonaron la belleza clasicista. El cubismo rompió con el sistema artístico heredado desde el Renacimiento, un sistema que se basaba en la imitación de la realidad, vista y representada a través de la perspectiva. -Las características generales del cubismo:

* Rechazo del modelado clásico y de la perspectiva.

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* El cubismo trata las formas de la naturaleza mediante “cubos”. Se tiende así a una geometrización, esquematización y simplificación de las formas. Aunque se aproximan a la abstracción, no llegan a desarrollarla totalmente.

* El cubismo pretende representar la “cuarta dimensión” de los objetos. La cuarta dimensión vendría a ser la suma de todas las perspectivas. Los cubistas tratarán de representar los objetos uniendo los diferentes puntos de vista. En un cuadro cubista una persona puede aparecer de frente y de perfil. Multiplican los puntos de vista, apareciendo con ella la cuarta dimensión. Yuxtaponen unos planos encima de otros.

* Existe una primacía total de la línea y de la forma, puesto que se trata de crear volúmenes, en detrimento de la luz y el color.

Guitarrista, Picasso, 1910, cubismo analítico y Bodegón con guitarra, libro y periódico, Juan Gris, cubismo sintético, 1919

-El cubismo tuvo dos fases: el cubismo analítico y el cubismo sintético. Después del momento inicial se fragua el CUBISMO ANALÍTICO (1910-1912): es el más críptico de todos, donde forma y fondo se entremezclan, se confunden, es casi irreconocible saber qué es lo que está representado en la obra. .Los objetos se descomponen estructuralmente, se fragmenta el tema en todos los puntos de vista posibles, utilizando una gama cromática muy limitada, casi monocroma. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización. -Entre 1912-1914 aparece el CUBISMO SINTÉTICO: los cuadros empiezan a perder el aspecto fragmentado y la realidad se reconstruye a base de planos de color. Los objetos se pueden ver desde diferentes puntos de vista, desde dentro y desde fuera. El cubismo sintético lo inició Braque al poner papel pegado directamente en la pintura. Estas obras son más sencillas y parecen estar ensambladas, formadas por diversos materiales cotidianos como papel de periódico, cajetillas de tabaco o de cerillas. -El cubismo tuvo pronto múltiples seguidores y su influencia fue mucho más allá del cubismo. De hecho no ha habido ningún movimiento vanguardista que haya realizado alguna aportación formal desde entonces, que, de alguna manera no haya partido del cubismo, el genuino punto de arranque de todo el arte de vanguardia del siglo XX. Las repercusiones del cubismo en el la decoración de Interiores se plasmarían en el art déco, en la Bauhaus y en el neoplasticismo holandés (grupo De Stijl). El comienzo de la Primera Guerra Mundial fracciona el cubismo, que seguirá subsistiendo en experiencias como el Purismo, el constructivismo ruso o el llamado cubismo órfico12 con Delaunay o en la obra del francés Fernand Léger.

12 El Orfismo o cubismo órfico es el nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire a la tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino que exalta el color y la luz, emparentándolos con Orfeo, el personaje de la mitología griega que, por su sobrehumano manejo de la lira, representa la conjunción de la música y la poesía.

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-El cubismo es esencial como movimiento pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. Fue el francés Apollinaire quien lo adaptó en la literatura. Busca recomponer la realidad mezclando imágenes y conceptos al azar. Una de sus aportaciones fue el caligrama. Igualmente, en defensa de la pintura cubista escribió Los pintores cubistas (1913).

III.- ASPECTOS CRONOLÓGICOS Y CONTEXTO HISTÓRICO -Como ya señalamos anteriormente, CRONOLÓGICAMENTE esta pintura está fechada en el siglo XX –en el verano de 1907- y pertenece por tanto al arte contemporáneo, en concreto al Cubismo. Fue pintada por este artista en su etapa de juventud. -Por lo que se refiere al CONTEXTO HISTÓRICO en el que cabe encuadrar esta obra, el siglo XX, hay que señalar que fue una de las épocas más transcendentales de toda la historia. Paradójicamente, se lograron grandes avances científicos y técnicos que han facilitado la vida diaria, pero en cambio, ha sido un siglo tremendo en guerras –la primera guerra mundial (1914-19) provocó ocho millones de muertos y la segunda, ¡55 millones!; la guerra civil española (1936-39) y un largo etcétera de conflictos políticos, con el auge de dictaduras (fascismos, comunismo…), campos de concentración nazis, gulags, hambrunas… -Desde el punto de vista artístico y cultural ha sido muy creativo, abundante en artistas de gran talento en todos los niveles: literatura, música, cine y por supuesto artes plásticas. Los movimientos artísticos se han sucedido a velocidad de vértigo. -El relato del arte del siglo XX es la historia de las vanguardias. Las primeras vanguardias, llamadas también vanguardias históricas se gestan a inicios del siglo XX y se desarrollan durante las primeras décadas de esa centuria. Estos movimientos artísticos de vanguardia son el cubismo, el futurismo, el expresionismo en su vertiente francesa (fauvismo), alemana (Die Brücke, Der Blaue Reiter), el dadaísmo, el movimiento De Stijl, el suprematismo ruso, el surrealismo... Después del final de la II Guerra Mundial, que terminó en 1945, el centro artístico mundial se trasladó de París a Nueva York. Allí habían ido a recalar muchos artistas ya desde los años 30. Y surgirían en esta ciudad americana las llamadas segundas vanguardias (el expresionismo abstracto, pop art, op art, el arte conceptual, el minimal art, etc.) -La palabra vanguardia procede del vocabulario militar (es la avanzadilla de un ejército) y también del político (designaba al grupo dirigente o más concienciado en un partido revolucionario). Al trasladarla al mundo del arte se aceptaba implícitamente la idea del combate por el triunfo de unas premisas estéticas que se presentaban en oposición a lo establecido. En ese sentido, las vanguardias artísticas fueron muy militantes13. -Las vanguardias niegan voluntaria y radicalmente la tradición artística anterior, buscando nuevos caminos en la cultura y el arte, intentando hacer tabula rasa del pasado, es decir, empezar de cero, negando la tradición artística anterior. Suponen un punto de inflexión en la historia del arte14. Ahora sí hay una renovación y radicalización de posturas. Será un arte que niega violentamente el pasado. Se llegó a decir que era “más bello un coche de carreras que la Victoria de Samotracia” (el futurista Marinetti). Nunca hasta entonces se había negado el pasado artístico de esta manera. -Un rasgo importante que define las vanguardias es su deseo de ser innovadoras, provocadoras y sorprendentes. Van a tener una actitud valiente, novedosa e incomprendida en un principio. -Al mismo tiempo, tienen el común el mundo anticlásico en el que se inspiran. Con ellas entra en crisis absoluta la idea griega de mimesis o imitación de la realidad. Así por ejemplo, buscan sus fuentes de inspiración en el arte primitivo, africano… Se recuperan tradiciones al margen de Occidente, en las antípodas de lo clásico. Nos enseñan a ver la realidad con ojos nuevos, de una forma totalmente distinta a lo clásico. Con el arte de vanguardia se pierde la belleza ideal otra vez. Es otro de los ejes del arte del siglo XX. Se perdió con el arte de las invasiones bárbaras en la Edad 13 Defienden sus ideas, sus proyectos artísticos con pasión. 14 Así, la pintura postimpresionista era una reinterpretación novedosa del pasado, no era totalmente innovador.

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Media…. En ocasiones se cae en un cierto feísmo. -Dejó de interesar la perfección técnica y el arte basado en la naturaleza. La percepción de la obra de arte cambió radicalmente. Ya no era representación fidedigna del mundo real. 15 -Hay otro aspecto que hay que tener en cuenta y es que en sus inicios no dominaron, ni mucho menos, el mercado ni el gusto del gran público. Se produjo un cierto divorcio entre los artistas y la sociedad. En sus primeras décadas de desarrollo estaban destinadas a ser minoritarias. Pero con el tiempo, las vanguardias históricas acabaron por triunfar y naturalmente, dejaron de ser vanguardia. Urinario, Marcel Duchamp, 1917; Christo, el Pont Neuf de Paris envuelto, Christo, 1985; el realismo también tiene su lugar en el arte del siglo XX, un ejemplo: el genial Antonio López y una de sus obras más emblemáticas, la Gran Vía

-En el arte de las primeras vanguardias, más que diferenciar entre arte figurativo versus arte abstracto, podremos distinguir entre una vertiente sensitiva, retiniana, de color y sentimiento que apela a los sentidos (por ejemplo, el fauvismo) y otra vertiente más fría, más racional, más de la forma y el dibujo que apela más al cerebro (ejemplo el grupo De Stijl (: El Estilo). -No debemos olvidar que las vanguardias no son homogéneas. Aunque tengan aspectos en común son muy diferentes unas de otras. Así por ejemplo, mientras que en Francia el análisis es formalista, no comprometido ni política, ni socialmente con la realidad del momento; en Alemania el artista, el intelectual tiene una visión más trágica y comprometida de la realidad. -El arte de las vanguardias históricas está plagado de artistas de primerísimo fila como Picasso –el más grande del siglo XX-, Kandinsky, Matisse, Juan Gris, Salvador Dalí, Malevich, Mondrian,… PARA SABER MÁS http://www.musee-picasso.fr/ http://www.museupicasso.bcn.cat/cast/index_cast.htm http://www.museopicassomalaga.org/ http://www.fundacionpicasso.es/ http://picasso.tamu.edu/picasso/ http://www.picasso.fr/fr/picasso_page_index.php http://www.publispain.com/pablopicasso/ http://www.youtube.com/watch?v=d0_bbu1EyWo http://www.youtube.com/watch?v=Rn8UFDKUoRc http://www.youtube.com/watch?v=2_q4fGbaPfo http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=79766 http://aprendersociales.blogspot.com.es/2007/05/los-pintores-cubistas.html http://cv.uoc.es/moduls/XW01_04045_00736/moduls/mod_4/cas_08/

15 Pero una cosa es la teoría y otra la práctica. Es totalmente utópico pretender romper totalmente con el arte del pasado, buscando la originalidad a cualquier precio. Por lo tanto, ese desprecio del pasado ha de ser matizado.  

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IMÁGENES Detalles de las señoritas de Aviñón:

 

             Un  detalle  de   la  pérdida  de  pintura  del   cuadro.  Era  perceptible  en  algunas  zonas  del  mismo  antes  de   la  restauración.  Restauración  en  el  MOMA  http://www.moma.org/collection/conservation/demoiselles/treatment_2003.html  

                                                   La  obra,  hoy  en  el  MOMA