TUTORIAL DIBUJO E ILUSTRACIÒN
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Conocer los materiales y la técnica de un dibujante o ilustrador, ya sea por admiración, por adquirir conocimientos o simple curiosidad, es una de las constantes más frecuentes, tanto para el neófito como para en el profesional experimentado. Recuerdo con añoranza mi época de fanatismo por la obra de JAN, y cómo la casualidad trajo a mis manos el libro "Cómo hacer un cómic", il ustrado por él, en el que desvelaba sus pequeños "trucos", que a día de ho y trato de dominar y ampliar, pues nunca se deja de aprender. Hoy, internet facilita ese trabajo de investigación, y cuando la obra de un ilustrador o dibujante me parece inspiradora puedo encontrarla facilmente, incluyendo su técnica; lejos de considerarme referente para nadie, creo sin embargo que mis conocimientos, pocos o muc hos, puede n ser de utilidad pa ra quien, como y o en su día, b usca sabe r algo más sobre el mundo que l e apasiona, y desde mi buen hacer realizo para ello este "pequeño" tutorial ;) Hay quien piensa que cada uno debería ser autodidacta y "buscarse la vida", almenos esa es la excusa por la que deciden no desvelar que material o técnica utilizan, ignorando que el éxito de un artista no está en sus herramientas sino en sus manos. No pretendo hacer un tratado sobre materiales, para eso internet cuenta con webs muy completas, solo trato las herramientas que yo utilizo, sin profundizar demasiado en cada una de ellas, con el único propósito de indicar en cada material cual es el que utilizo yo en mi trabajo diario.
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Conocer losmateriales y la técnica de un dibujante o ilustrador, ya sea poradmiración, por adquirir conocimientos o simple curiosidad, es unade las constantes más frecuentes, tanto para el neófito como para enel profesional experimentado.
Recuerdo con añoranza mi época de fanatismo por la obra de JAN, y cómo la casualidadtrajo a mis manos el libro "Cómo hacer un cómic", ilustrado por él, en el que desvelabasus pequeños "trucos", que a día de hoy trato de dominar y ampliar, pues nunca se dejade aprender.
Hoy, internet facilita ese trabajo de investigación, y cuando la obra de un ilustrador odibujante me parece inspiradora puedo encontrarla facilmente, incluyendo su técnica;lejos de considerarme referente para nadie, creo sin embargo que mis conocimientos,pocos o muchos, pueden ser de utilidad para quien, como yo en su día, busca saber algomás sobre el mundo que le apasiona, y desde mi buen hacer realizo para ello este"pequeño" tutorial ;)
Hay quien piensa que cada uno debería ser autodidacta y "buscarse la vida", almenosesa es la excusa por la que deciden no desvelar que material o técnica utilizan,ignorando que el éxito de un artista no está en sus herramientas sino en sus manos.
No pretendo hacer
un tratado sobre materiales, para eso internet cuenta con webs muycompletas, solo trato las herramientas que yo utilizo, sin profundizardemasiado en cada una de ellas, con el único propósito de indicar encada material cual es el que utilizo yo en mi trabajo diario.
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2.1. GOMA Utilizo la "clásica" GOMA MILAN 430, ya que a mi gusto las demás emborronan enexceso el papel.
Existen también MOLDEABLES (masilla similar a plastilina, que puede amasarse; nosuelta miga al borrar, ideal para lápiz blando o carboncillo), de CAUCHO (en forma debarras cuadradas o rectangulares) de MIGA DE PAN (ensucian la superficie, pero sonidóneas para lápiz blando), de PLASTICO DURO (textura más fuerte), y de BORRARTINTA (contiene minúsculos trozos de metal que desgarran la capa superficial delpapel).
2.2 LAPIZ Utilizo LÁPIZ 2H (para bocetos sobre el soporte final, sobre el que más tarde entintaré),y Lapicero de Barra 2B o superior (para ilustraciones acabadas a lápiz, en las que lalínea de grafito no será borrada después). Para abocetar la marca es indiferente, peropara los finales a lápiz recurro a marcas de calidad como LYRA o FABER.
Existen 3 variedades: TRADICIONAL (mina de grafito encapsulada en una carcasa demadera de cedro), PORTAMINAS (Especie de bolígrafo con minas muy finas degrafito), y lapicero de BARRA (Parecido al portaminas pero con barras de grafitomucho más gruesas y resistentes, de aprox. 5mm de diámetro).
La elección de la dureza dependerá siempre de la finalidad: para dibujos precisos lasminas duras conservan el trazo fino y no manchan el papel, logrando gran limpieza. Siel fin es más artístico, las minas blandas ofrecen mayor expresividad y flexibilidad.
2.3 TINTA
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Empecé con PELIKAN (botes de10ml.), ahora uso TALENS (490 ml.), porque creo que me ofrece mayor calidad y unsistema de boquilla que me facilita mucho más el trabajo de rellenar los pequeños botesPELIKAN que antes utilizaba. La Tinta siempre negra, los tonos sepia y otros colorespierden fuerza con la luz y el paso del tiempo.
TINTA CHINA: negro mate; da un acabado muy fino y liso sobre la superficie delpapel.
TINTA INDIA: Negro brillante; deja una línea con relieve apreciable al tacto, útil paraefectos de impasto o para usar sobre técnicas como acrílico o tempera.
2.4 PLUMILLA
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Empecé, por recomendación, utilizando la marca GUILLOT, la plumilla "clásica".
Con el tiempo decidí reunir una gran colección de plumillas (de diferentes marcas,modelos, dibujo y escritura), con intención de mediante el uso de todas ellas encontrarla plumilla que más se adecuase a mi estilo y necesidades; de este modo llegue hasta la50 HIRO LEONARDT, una plumilla más flexible, que permite gran modulación delíneas, y muy duradera (aunque difícil de encontrar), y es la que utilizo desde principiosde 2005.
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2.5 PALILLEROS
Con los palilleros, como con las plumillas, no sirven recomendaciones, has de buscar elque se adapta a tu estilo concreto, aquel con el que te sientes cómodo trabajando.
Mi primer palillero fue un SCHWANSTABILO 4350 color rojo (alrededor del año 1991); pero no quise conformarme con elprimero que me dieron en la papelería, y como en otras ocasiones, compre otras marcas
y modelos (como LYRA); pero esta vez, si acerté a la primera, y desde 1991 utilizoaquel STABILO 4350 (con el tiempo también lo compré en amarillo).
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En aquella búsqueda por encontrar el palillero perfecto, recopilé algunos modelospreciosos, autenticas joyas (algunos son piezas únicas), despertando en mi un afáncoleccionista que aun hoy continua engrosando mi colección personal.
2.6 ANILINAS Acuarelas existen muchos tipos, en PASTILLAS (las más clásicas), los TUBOS, yLIQUIDAS.
La principal cualidad de las acuarelas líquidas, también llamadas anilinas, es suluminosidad, ofrecen un color más intenso y concentrado, por lo que son especialmenteapropiadas para la ilustración infantil, y algunos cómics; ya que en las edades infantileslos colores brillantes son un atractivo importante.
Las Anilinas sin diluir suele producir cortes en la aplicación del color muy antiestéticos.las ventajas son su duración (en 10 años no he terminado ningún bote), el ahorro depinceles, pues el desgaste es menor que al usar pastillas, ya que no has de frotar parasacar el pigmento; y su único inconveniente es que "suben", es decir, si aplicas témperasobre ellas, es muy probable que la acuarela reaparezca sobre la tempera, por lo quepuede ser necesario aplicar varias capas de tempera.
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Cuando uno empieza en esto y descubre algo que le gusta quiere tenerlo todo y en todoslos colores, y yo soy muy dado a ello, asi en pocos meses adquirí todos los colores deanilina que VALLEJO fabricaba, alrededor de 50 pequeños botes de color concentrado,
que ordené en una caja, con un sistema personal muy practico.
Actualmente he reducido mi paleta a aproximadamente 6 colores (más un negro ytempera blanca), aunque en contadas ocasiones duplico el número de colores por lasimple razón de que el color exacto que busco ya lo tengo preparado, o conseguir ese
tono exacto es tarea complicada (como el Chartreuse, un verde perfecto para campos yfondos).
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2.7 COMPLEMENTOS PALETA: Debe ser opaca y blanca, para poder apreciar el verdadero color queaplicamos; aunque el pigmento quede seco, una sola gota de agua lo hace utilizable
nuevamente.
CUENTAGOTAS: lo utilizo para trasladar agua limpia del bote de agua a los pocillosde acuarela; cuando es poca agua utilizo el propio pincel, el más grueso, pero valecualquier metodo.
TRAPO: Necesario para secar el pincel tras los enjuagados, depositar el pigmentosobrante del trabajo retirado con el pincel, o secar zonas determinadas o errores; nodebe soltar pelusas, los mejores son de hilo y color blanco.
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2.8 PINCELES Para mis trabajos con acuarela utilizo principalmente 3:
1). REMBRANDT 110 PURE RED SABLE (Pelo de Marta, una ardilla de pelo rojizo)del nº 3, para detalles y el trabajo general de coloreado.2). TAKER 4490 TORAY, del nº 8, para zonas de amplitud media, y grandes espaciosnegros.3). Pincel "Chino" de pelo de buey y caña de bambú, para las zonas más amplias.
En algunos momentos he utilizado pinceles del número 2, sintéticos de PEBEO (máseconómicos, pero sueltan pelos) o de otros estilos; depende del trabajo, pero creo quetener almenos un pincel de pelo de Marta Roja es fundamental, son caros, pero evitas
ver pelos dispersos por tu trabajo.
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Es importante limpiar el pelo al final de cada sesión, con mucha agua (e incluso jabónde manos o champú), y mantenerlos siempre boca abajo o almenos conservar la puntacon su forma original, para no viciar la forma del pincel, ya que dejaría de servirnos al
no ofrecer precisión en el trabajo.
2.8 PAPEL Comencé con Cartulina GELER y papel CABALLO, y durante 10 años (de 1997 a2007) utilicé Cartulina FABRIA de 300grs., ideal para acuarela por su granuladoespecial, que da un aspecto muy agradable visualmente; actualmente utilizoSCHOELLER DUREX de 290grs., la plumilla se desliza mejor que en otras superficiesy las anilinas tardan algo más en secar, lo que me permite trabajar más relajado.
2.9 AYUDAS
LIQUIDO DE ENMASCARAR(liquid masking film, Talens): se aplica con pincel sobre la zona que deseamos preservarde la acuarela, por ejemplo pequeños puntos en una gran superficie, una vez seca laacuarela se retira rascando, como una pegatina.
MASCARA PERMANENTE (permanent masking medium, Winsor & Newton): comoel anterior, pero este no se retira, quedará siempre sin pintar y adherido al papel.
RETARDANTE (Blending medium, Winsor & Newton, ): retrasa el secado de la
acuarela.
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Explico mi modo de trabajar mas habitual, lo cual no significa quedeba hacerse así, tan solo que yo lo hago asi; puede haber otroscaminos para resolver el mismo trabajo, mejores o peores, pero estees el que yo tomé. Espero que sea útil, recordando que es solo unaguia, y no un mandamiento incuestionable.
3.1 EL PROYECTO Se trataba de realizar un poema, en tono infantil, de extensión intermedia, y una
ilustración que lo complemente y ayude a su vez a la comprensión de algunos aspectosdel poema, que de otro modo serían ambiguos (circunstancia en cierto modopretendida).
Tanto la redacción del texto, como las ilustraciones y el diseño de conjunto, han sidoresueltos por mi, con el objeto de crear una colección de láminas similares, queposteriormente presentar como proyecto a la editorial.
Soy consciente de no ser poeta, aunque en ocasiones pueda tener aciertos en este campo,por lo que mi explicación de la técnica se centrará exclusivamente en el proceso decreación de la ilustración, mostrando únicamente el poema y el montaje posterior delmismo cuando sea indispensable, como parte de un proyecto complejo en el queinterviene como elemento, y con el único fin de mostrar el proceso de resolución de unproyecto completo de ilustración, en el que participan tanto texto y diseño.
3.2 EL POEMA
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La inspiración surge en cualquier parte, por lo que llevar una libretita encima siempreayuda; para la prosa solo me inspiran las noches, solo bajo la tenue luz de mi mesilla denoche logro escribir historias en verso sobre mi cama, colmadas de amor eterno, tristeza
inconsolable, alegría desbordante o fantasía sin limites; sin apenas pensarlo y casi deltirón, las palabras fluyen de mi mente al papel: un folio, un bolígrafo, un sentimientoy... nace la historia.
Esta noche la inspiración me llegó del recuerdo, una perdida, alguien que ya no está;aunque los temas tratados sean crudos, siempre creo mis poesías con doble lectura: lainfantil y divertida, y la verdadera historia que puede leerse entre líneas.
3.3 BOCETO (DEL BOLÍGRAFO AL LÁPIZ)
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Después del texto llega el momento de la ilustración, pienso una imagen que cuente loque describe el texto, pero que al mismo tiempo aporte algo nuevo a la historia, que eldibujo también cuente algo y no solo acompañe y decore.
Las primeras ideas las plasmo a bolígrafo, para no preocuparme por nada y soltarme sintemor a partir la mina o ensuciar el papel, y después, con lápiz y en otra hoja, voycentrándome en la mejor de las ideas y trabajándola a fondo.
3.4 ENTINTADO
El boceto definitivo lo trazo sobre elpapel final, o bien copiando el último boceto elegido o calcándolo con una mesa de luz.
Intento realizar el menor número de líneas innecesarias, trazando solo las que tendrá eldibujo final, para evitar ensuciar la superficie y confusiones al entintar.
Por muy clara que sea la idea y el boceto final, siempre surgen pequeñas dudas deúltima hora que decides sobre la marcha al entintar; ese barullo de líneas de grafito quenadie podría descifrar, son para ti líneas nítidas en tu mente y no vacilas con la plumillaal llegar a ese punto.
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3.5 SOMBREADO A TINTA
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Después de las líneas básicas del dibujo realizo un sombreado con plumilla, mediantelíneas paralelas diagonales, en ángulo de 45º, en aquellas zonas en que se proyectaría la
sombra, y que después colorearé en color más oscuro (en mis dibujos la luz solarsiempre procede de la parte superior izquierda).
3.6 BORRADO DE LÁPIZ
Con la tinta seca, las líneas a lápiz yano son necesarias, y con cuidado de no arrugar el papel ni dañar el dibujo, borro elgrafito y las zonas del papel que pudieran haberse ensuciado.
Si olvido alguna línea de lápiz, nunca es tarde para borrarla, incluso después de aplicar
el color con acuarela, pues el grafito permanece en la superficie mientras que la acuarelase introduce en la fibra del papel; sin embargo, si el lápiz es blando, aunque tambiénpodrá borrarse después, olvidarnos alguna línea de lápiz tiene algo más de importancia,pues al aplicar acuarela podría mezclarse con esta y dar tonos sucios y algo oscurecidospor el grafito.
3.7 OTRAS PARTES DEL DIBUJO
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En otro papel, dibujé los restanteselementos que debían componer la ilustración final, y que más tarde, gracias a losprogramas de retoque informático, podré unir en un mismo lienzo sin necesidad dedibujarlos originalmente juntos.
Cuando intervienen varios elementos, por lo general, suelo trabajarlos por separado,para evitar que si una de las partes "sale" mal, se eche a perder todo el trabajo.
De esta ilustración concreta solo utilicé las palomas, ya que la idea de una nube conforma de corazón no terminaba de parecerme clara ni estéticamente buena.
3.8 REPLANTEAMIENTO
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Necesitaba, por que creo que asi lo pedía el texto, un corazón en el cielo, y aunque enun principio me parecio bien dibujar una nube en forma de corazón, vi que era mejordibujar directamente el corazón entre las nubes; en un primer lugar recurrí a la nube porparecerme más sutil, pero no era estético, no era claramente identificable, ni era
necesario ser sutil, por que en realidad, aun pintando un corazón en el cielo, esa imagencomplementaba el texto y no solo lo ilustraba, además de resultar mucho más amable ysimpático.
3.9 ACUARELADO
Suelo comenzar por las pieles yterminar por los fondos o zonas más amplias.
En mis trabajos es muy importante la luz, siempre dejo una reserva (sin usar liquido de
enmascarar) en el perfil superior izquierdo de los volúmenes, representando la luz solar,este recurso aporta vida y tridimensionalidad a los cuerpos.
Para las zonas en sombra (marcadas como ya expliqué anteriormente con trazosdiagonales de plumilla) aplico el mismo color que para el resto de esa zona, pero enmayor concentración de color, nunca utilizando negro para oscurecer, ya que ensucia elresultado.
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Suelo trabajar las pequeñas superficies (y prácticamente todo) con la técnica de húmedosobre seco, es decir, sin humedecer anteriormente el papel, tiene el inconveniente de
precisar una gran rapidez de ejecución, debiendo dejar siempre un frente húmedo (comoen la imagen izq.) para evitar antiestéticos cortes de color, pero permite mayor controlde la pincelada, colores aun más brillantes y vivos, y minimiza imprevistos.
Pintar con acuarela no es tarea que se aprenda leyendo, y siempre habría algo queolvidase comentar, además de no bastar muchas veces una descripción para explicaralgo tan complejo, por lo que si alguien precisase más información, gustosamente se laaclararé mediante e-mail().
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3.10 LUCES
No es posible hacer reservas "sobre la marcha" de todas las zonas que queremosconservar blancas, y con liquido de enmascarar el resultado no siempre es muy preciso,por ello, utilizo tempera blanca para sacar esos pequeños brillos y luces que no reservéal colorear, aplicando varias capas en ciertas ocasiones, por el ya comentado problemaque ofrecen las anilinas a ser cubiertas con temperas.
3.11 ESCANEADO
Finalizada la parte artística del
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trabajo, escaneo las distintas ilustraciones con un conocido programa informático deretoque fotográfico.
Escaneo cada imagen individualmente, a un mínimo de 300 ppp. de resolución, que esla calidad necesaria para realizar una impresión correcta en papel, al mismo tamaño que
el original.
Al escanear solo selecciono la resolución, los restantes parámetros, como brillo,contraste o saturación los trato posteriormente en el programa de retoque, pues no esfiable regularlos con el interfaz del escaner.
3.12 PROCESADO
Tras corregir manchas en el papel, y eliminar motas de polvo o birutas de goma, ajustoNIVELES, desplazando los selectores o bien seleccionando con el icono "cuentagotas"las partes blancas y negras de la imagen, para conseguir unos tonos más parecidos aloriginal.
Después ajusto BRILLO y CONTRASTE, para que la imagen muestre colores másvivos y no quede tan apagada, logrando con el procesado la mayor similitud posibleentre la imagen del monitor y el original a acuarela.
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3.13 COMPONIENDO
Realizados los ajustes en lasdiferentes ilustraciones del proyecto, y manteniéndolas visibles en el espacio de trabajo
del programa informático, aumento el tamaño de lienzo de una de las ilustraciones, quedesde este momento será sobre la que arrastraré el resto de dibujos para realizar la mejorcomposición posible.
El método de arrastrar elementos de un lienzo a otro, asi como el aumento de tamañodel mismo o el modo de realizar las selecciones de elementos despreciando el fondo,son algunas de las tareas básicas de este programa, que doy por sabidas en mi intentopor ser conciso, aun asi, reitero mi ayuda por e-mail sobre dudas.
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3.14 EL CONJUNTO
El niño con la carta alada, el tierno corazón entre nubes y las fugaces palomas, los treselementos que ilustran el poema, realizados por separado, son ahora, con ayuda de lainfografía, un solo conjunto.
3.15 ARCHIVANDO
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Siempre guardo las diferentes partes como archivos distintos, dentro de la mismacarpeta, junto con la composición final, de este modo, si algún día decido realizar unacomposición distinta puedo volver a recuperar los elementos individualmente.
Aparte del archivo ".JPEG" en alta resolución, hago archivos a 72 ppp. con mayorcompresión, para subirlos a la web o para enviar en CD.
3.16 TIPOGRAFÍA
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Para adjuntar grandes cantidades de texto utilizo un programa vectorial, que además mepermite previsualizar el texto en diferentes tipografías al instante.
Importo la imagen de alta resolución terminada con el anterior programa de retoque, laredimensiono si es necesario y la sitúo en la posición más idónea, de modo que esté
equilibrada con el texto.
Escribo el poema y selecciono la tipografía (entre más de 50 fuentes) que más se adaptea la temática de la historia y al estilo de la ilustración.
3.17 EN PAPEL
El último paso es la impresión deltrabajo, para ello utilizo papel grueso especial para impresora, porque a pesar de tenercomo destino las fundas de plástico de mi carpeta portafolios, tanto la calidad del color
como del papel se notan, y para un book profesional siempre merece la pena.
Utilizo cartulina blanca para impresión, de 190 grs. como mínimo, siempre en formatoDin A-3 (por lo que terminé comprando una impresora que me permite láminas inclusoalgo mayores), el tamaño más profesional y estandarizado en el mundo de la ilustración,al presentarlo a una editorial se verá mejor, sin llegar a ser un formato engorroso.
3.18 FIN Los mejores trabajos, son archivados en carpetas de fundas de plástico transparente, pororden cronológico y/o temática; personalmente cuento con una pequeña carpeta donde
recojo todos los bocetos descartados, que a pesar de todo, pueden tener cierto interéspara mi, y otras pequeñas carpetas en que guardo finales que sin llegar a componer mibook, si tienen un trabajo u originalidad que merece la pena rescatar.
