Manifestaciones culturales de la sociedad francesa actual

"Hoy día se quiere explicar todo. Pero si se pudiera explicar un cuadro, no sería una obra de arte. ¿Debo decirle a usted qué cualidades constituyen a mi juicio el verdadero arte? Debe ser indescriptible e inimitable... La obra de arte debe cautivar al observador, envolverle, arrastrarle. En ella comunica el artista su pasión; es la corriente que emite y por la que incluye el observador en ella".

"Yo pongo ante mí el objeto tal y como yo lo quiero. Entonces empiezo y pinto como un niño. Me gustaría que un rojo sonara como el tañido de una campana. Si no lo consigo la primera vez, tomo más rojo y otros colores, hasta que lo tengo. No soy más listo. No tengo más reglas ni métodos. Cualquiera puede probar el material que uso o verme mientras pinto: se dará cuenta de que no tengo secretos".

Pierre-Auguste Renoir (uno de los grandes maestros del impresionismo francés, perteneciente a la época de Monet).

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IMPRESIONISMO-luz y fugacidad ---------------------------------------------------------EXPRESIONISMO-emoción e intensidad

1. Introducción al impresionismo.

Antes de empezar a desarrollar todo el trabajo del impresionismo me gustaría introducirlo con la definición que el Diccionario de la Real Academia (vigésima segunda edición -2001-) ha dado al respecto de la palabra anteriormente citada:

-impresionismo: m. Corriente pictórica del siglo XIX que representa su objeto según la impresión que la luz produce a la vista, y no de acuerdo con la supuesta realidad objetiva.

Introducción histórica sobre la época:

El Impresionismo fue un movimiento pictórico iniciado en Francia entrada ya la 2ª mitad del siglo XIX, aunque en España se retrasó un poco y empezó en el último tercio.

En un principio, la sociedad rechazó este arte, y se rechazaron o fueron declaradas nulas también la mayoría de sus obras.

Los artistas y seguidores del Impresionismo vendían sus cuadros para obtener beneficios de ellos, aunque en ocasiones estos movimientos de venta no tenían éxito y eran un fracaso rotundo por el rechazo del la sociedad. Con el tiempo, el Impresionismo fue adquiriendo mayor aceptación y llegó un momento en el que las agrupaciones de ventas de cuadros impresionistas se podían ganar de sobra el sustento con la venta de cuadros. También se creó una “Sociedad Anónima de Pintores y Grabadores” cuando el impresionismo empezó a tener éxito. Con ésta sociedad, los pintores y seguidores del Impresionismo podían defender mejor sus derechos, y con ella se ponían de acuerdo para organizar las ventas ya mencionadas de cuadros.

A parte de al arte, el impresionismo también se aplicó a la música, diferenciándose de otros movimientos musicales por su color vocal destacado.

La literatura también estuvo de acuerdo con el impresionismo y lo destacó como un gran movimiento artístico.

En esta época la burguesía estaba en el poder político, que había ganado a la nobleza que lo tenía tiempo atrás. Ésta clase social se imponía sobre las demás gracias a su dedicación a la banca que era el sector mas beneficiado de este tiempo.

Breve historia:……………….. …………………………………………..  

      Hasta la segunda mitad del siglo XVIII el estilo que primó fue el Clasicismo. A partir de este momento se dará un giro radical en la Historia de la Pintura. Lo habitual

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era el que los artistas expusieran en el Salón Oficial. Los nuevos artistas (conocidos como "Los Rechazados") por el contrario, tenían que buscar otros lugares alternativos que les permitieran exhibir sus obras. Así, la primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de abril de 1874, en el Salón del fotógrafo Nadar. Se presentaron bajo el nombre de "Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores". Intervinieron entre otros artistas de la talla de Monet, Pissarro, Renoir, Sisley, o Cézanne. A partir de este momento las exposiciones se irán sucediendo progresivamente en el tiempo y con sedes diferentes. Al esplendor del estilo le sucederá el declive, ya que se verá desbordado por la aparición de otras preocupaciones y presupuestos diferentes. Así surgirán varios estilos diferentes que se engloban bajo el nombre genérico de "Neoimpresionismo".

  Origen del término "Impresionismo":………………… ………………….

 

      Los pintores impresionistas no se definían a ellos mismos bajo este apelativo. El término les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy, al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente pintada en 1872 y expuesta en la exposición del 74. Al día siguiente de ésta, parafraseando el título del cuadro para burlarse de él, Leroy bautizó el nuevo movimiento: Al contemplar la obra pensé que mis anteojos estaban sucios, ¿qué representa esta tela?..., el cuadro no tenía derecho ni revés ..., ¡Impresión!, desde luego produce impresión..., el papel pintado en estado embrionario está más hecho que esta marina. Así fue como el término "Impresionismo" pasó a ser el nombre del movimiento del que luego el propio Leroy se envanecería.       Provocaron un gran escándalo, proceso similar al que experimentó Manet. El refinado público del momento no estaba preparado para aceptar una revolución como la que ellos proponían. Las burlas y duras críticas a que fueron sometidos les llevarían a posteriori al éxito. Su máximo reconocimiento se afianza ya entrado el siglo XX.   

Cambios y características: …………………………………………………

     El objetivo principal es sustituir el ideal dominante de "Belleza" por el nuevo de "Libertad". Para entender este paso hay que indagar en el contexto historico-social:

Impacto del ferrocarril: Por vez primera se experimentó el concepto de "velocidad". La retina captaba así una "realidad distorsionada".

Impacto de la fotografía: La fotografía demostró que lo que determina la visión es el color y no el dibujo, con ello se rompen planteamientos clasicistas anteriores. La fotografía trajo consigo el concepto de la instantánea, que será tan utilizado por Degas para sus composiciones de bailarinas.

Impacto del óleo en tubo: se generaliza a mitad del XIX. Trae consigo una consecuencia muy revolucionaria, ya que el artista no tiene porque elaborar cuidadosamente los pigmentos, de ahí que el pintor salga del taller para pintar al aire libre.

Impacto de la Naturaleza y de la Luz: el estar al aire libre revela una nueva realidad, una realidad llena de luz, gracias a cuya proyección es posible el color.

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Impacto del Tiempo: es la era de los relojes, el tiempo es un tema que obsesiona al hombre y en particular al pintor. La técnica de los nuevos pintores necesita de una pincelada rápida y hábil.

     Estos cambios hacen que el Impresionismo tenga unas características concretas:

El paisaje como tema principal:………………………

………………………...      Es uno de los géneros más fructíferos. El paisaje ofrece un campo donde todos los intereses de los impresionistas se ven concentrados: el aire libre, el contacto con la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del tiempo y los matices colorísticos irán cambiando a medida que avanza el día. Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la representación del agua, de la nieve y el hielo. Se aman las superficies en que los reflejos y los matices cromático-lumínicos se hacen infinitos. La aparición de la figura es menos frecuente, y si lo hace es rodeada de paisaje. (Ahora la figura es pretexto para representar el paisaje, mientras que en el Clasicismo había sido a la inversa). Ello no quiere decir que no haya escenas de interior cuyo máximo exponente es Degas, al que le preocupan temas como la danza o los caballos, ambos relacionados con la velocidad y la instantánea.

Técnica:      

Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica. Esto fue duramente criticado por los más anclados a la tradición, llegando a decir que "los nuevos" estrujaban directamente sus tubos sobre los lienzos. De la última etapa de Monet se dice que sus obras no son pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo. Muchas veces se apunta a Goya como un precedente para este tipo de pincelada.

Color:

     Es significativo el que los impresionistas eliminen de su paleta el color negro, lo hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apuestan por el color puro, aunque pueden permitirse el mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo.

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Ausencia de perspectiva:……………………………………………………….    

  Los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva euclidiana que había regido el concepto de la pintura hasta entonces, es por ello que desaparece el "primitivo" punto de fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional porque en realidad es como percibe nuestra retina. Esto ya lo anticipó Manet con su Pífano.

Pintores representativos del impresionismo:

En Francia: o Un precedente, Manet o Monet o Degas o Renoir o Pissarro o Sisley

2. Desarrollo del tema a tratar: Claude Monet en su contexto.

Oscar Claude Monet…………………………………………………………………….. (pintor impresionista francés)……………

……………………………………………. Nació el 14 de noviembre de 1840 en la Rue Laffitte de París, aunque se crió en Le Havre, donde se trasladó a los cinco años y donde cursó estudios de dibujo y pintó marinas junto a Eugène Louis Boudin. Ganó algo de dinero dibujando caricaturas. En 1855, a los quince años, goza ya de cierta reputación como caricaturista. En 1857, con diecisiete años, ve morir a su madre. Un año después, en 1858, participará por primera vez en la Exposition Municipale du Havre, celebrada ente los meses de agosto y octubre, con el cuadro titulado Vue prise à Rouelles, fechado en ese mismo año. Con el apoyo de su padre y de su tía Jeanne-Marie Lecadre, que le recomienda al pintor Armand Gautier, viaja a París en 1859. Allí acude a una academia libre, la Académie Suisse, donde dispone de modelos para ejercitarse en el dibujo de figuras y se une a un pequeño grupo de jóvenes pintores. Su familia renuncia a pagarle su reemplazo en el servicio militar, viéndose así interrumpido su aprendizaje artístico al partir hacia Argelia en la primavera de 1861. Un año después cae enfermo y es repatriado hacia Francia para una convalecencia de seis meses, asumiendo su tía los gastos de su reemplazo en la milicia durante los cinco años que aún le restan por cumplir. Ingresa en el estudio Gleyre, donde conocerá a Bazille, Renoir y Sisley. Frecuentaría este estudio hasta el invierno de 1863-64. El 8 de agosto de 1867, nace su primer hijo, Jean, ignorado por la familia del pintor. En mayo de 1868 vive en Fécamp con su mujer Camille y su hijo Jean. Su situación familiar es muy difícil y tras un fallido intento de suicidio en el mes de junio, recibe ayuda económica de Gaudibert. En ese mismo verano se traslada a El

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Havre, donde es condecorado con la medalla de plata de la Exposition Maritime Internationale du Havre. Monet se casa con Camille el 26 de junio de 1870 y se trasladan a Normandía, a Trouville, donde son sorprendidos por la declaración de la guerra franco-prusiana. Monet, de ideas republicanas, no desea luchar por su Imperio y viaja a Londres. Allí, y tras enterarse de la muerte de su tía y protectora Jeanne-Marie el 7 de julio, se encontrará con Pissarro, Sisley y Daubigny. Gracias a este último Monet entra en contacto con el marchante parisino Durand-Ruel. Así, a partir del mes de septiembre, una obra del artista figurará en la exposición organizada por dicho marchante en Londres. Tras la muerte de su padre, ocurrida el 17 de enero de 1871, Monet abandonaría Londres a finales de mayo camino de Holanda. Fascinado por sus paisajes se instala en Zaandam, ciudad próxima a Amsterdam, donde permanece hasta el mes de octubre ya que, una vez terminada la guerra, regresa a París. Pintaba al aire libre paisajes y escenas de la sociedad burguesa, y gozó de cierto éxito en las exposiciones oficiales. Según su estilo evolucionaba, transgredía los convencionalismos en beneficio de una expresión artística más directa. En 1874, junto a sus colegas, organizan sus propias exposiciones. Se autodenominaron los independientes, aunque se les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y también porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión: sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). Intentó captar las variaciones del color a través de sus series sobre un mismo tema, a distintas horas o durante estaciones diferentes. Paulatinamente fue acentuando los efectos luminosos hasta llegar en ocasiones a difuminar las formas o incluso a fundirlas entre sí. En 1878, Monet se establece provisionalmente en París, donde el 17 de marzo de este año nace su segundo hijo, Michel, hecho que quebrantará definitivamente la salud de Camille. La muerte de Camille el 5 de septiembre de 1879 lo deja sin saber cómo organizar su vida y la de sus hijos. A mediados de la década de 1880, esta considerado como el dirigente de la escuela impresionista, alcanzando el reconocimiento y una buena posición económica. Valorado como maestro de la observación meticulosa. En 1890 adquirió una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) -un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú-. El 16 de julio de 1892 se casa con Alice Hoschedé. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.

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Obras:

IMPRESIÓN, SOL NACIENTE

Catalogación

Obra pictórica de Monet (1840-1926), perteneciente al Impresionismo. Con esta obra se inaugura definitivamente el movimiento impresionista.

Este cuadro fue famoso porque lo expuso en 1874, en la exposición que se realizó en el estudio del fotógrafo Nadar. Fue precisamente este cuadro el que dio nombre a la corriente artística del Impresionismo, cuando el periodista Louis Leroy, en un artículo burlón publicado en una revista, utilizó el nombre de Impresión para dar a entender el contenido del cuadro.

Análisis material

Se trata de un óleo sobre tela. Esto consiste en que la pintor diluye los colores en un tipo de aceite para darle brillantez, después se aplica sobre el lienzo.

Análisis formal

Iconografía

Representa una vista del puerto de Le Havre con la niebla de la mañana que empieza a extenderse por los efectos del sol, que surge por la línea del horizonte. Algunas barcas se hacen a la mar, mientras que al fondo del cuadro se insinúan las grúas del puerto y los mástiles de los barcos.

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Iconología

El objetivo del tema era doble: representar la transparencia del agua, sus vibraciones, y los cambios de la atmósfera.

Composición

En la elección de este tema se ve la influencia que van a sufrir los impresionistas de dos hechos:

o Los gravados japoneses en madera, que se vendían en esta época en Francia. De estos Monet cogerá la claridad de la luz, los colores lisos y planos, la ausencia de sombras y modelados, y, sobre todo, la habilidad para captar los cambios y los efectos fugitivos de la atmósfera, del viento y del agua.

o La fotografía, que acababa de nacer en 1840, y que permitía ver otras posibilidades de representar la realidad como era la detención del movimiento y fijar de manera rápida e instantánea un objeto en el espacio y el tiempo.

Para Monet había dos cosas fundamentales:

o La relación entre el color y la luz. Él parte del principio de que todos los colores se transforman en función de la luz, (Teoría del Prisma Óptico)

o El aire en su densidad y en su calidad, de tal manera que el cuadro varía de un momento a otro según el autor pueda ver que la atmósfera cambia en función de la luz.

Los impresionistas, concretamente Monet, tratan de representar las emociones, y se van a ver influenciados por la filosofía de Locke. La sensación, para los impresionistas, es la base de todo conocimiento. Las sensaciones alimentan nuestra vista, que es la puerta de nuestra experiencia. Por lo tanto, las formas no les preocupan. No dan importancia a la línea, ni al volumen, ni al claro-oscuro, porque supone una idea preconcebida que no viene de la sensación, sino de la pintura tradicional. Por lo tanto, los objetos tienen poca importancia, son un pretexto, lo que importa es la luz y el color, que transmiten sensaciones. Esto explica que muchos títulos sean convencionales. Así pues, en lugar de preocuparles el dibujo, lo que hacen es desarrollar una pincelada suelta a base de pequeñas partículas, y las pinceladas quedan separadas, como si se tratara de un mosaico. Es por eso que el cuadro, visto de cerca, parece como un boceto y sólo cuando nos alejamos vemos la correcta visión de la pintura al fundirse las pequeñas pinceladas en la retina. Ellos prefieren dar la sensación de manchas pastosas y gruesas para conseguir vibraciones atmosféricas. Precisamente esta técnica es lo que les lleva a coger un caballete y salir al campo a pintar a “plein air”, a pleno aire, para poder ver los colores en estado puro y reproducir el tema qu7e han elegido en estado puro.

No les preocupan los elementos tradicionales de la composición, sólo el color y la luz:

Los colores que utiliza Monet en esta obra se reducen a una gama muy simple: los colores primarios y los binarios. Pero la fusión de estos colores no se hace en la paleta, sino en la retina del espectador. Por lo tanto, pueden utilizar los colores

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directamente del tubo. El negro no se utiliza nunca, porque supone la negación de la luz, y además no existe en la naturaleza. Se basan en el contraste de colores puros y en la complementariedad de los colores. Así es que, las sombras dejan de ser oscuras y se reducen a espacios coloreados con las tonalidades complementarias.

Los impresionistas reaccionan contra la luz artificial y de contrastes que habían utilizado los románticos o los realistas. Y es que, la función de la luz, para los impresionistas, es la de recomponer los colores en sensaciones lumínicas. Para los impresionistas, había que estudiar el color como una modalidad de la luz. Así pues, el cuadro se convierte en un conjunto de tonalidades luminosas. Por eso encontramos esta preocupación por la luz del cuadro, que les lleva a pintar el agua, porque tiene un carácter líquido, está siempre en movimiento y es algo fugaz.

Aproximación histórica

Monet estuvo en Paris, allí conoció a Delacroix y a Courbert, de quienes se va a ver influenciado. Pero estuvo también metido en un grupo de pintores e intelectuales juntamente con Zola, Nadar, Renois, Degas, Césanne. El objetivo de este grupo era acabar con el arte oficial y buscar la verdad de la pintura fuera de la pintura tradicional.

Los impresionistas vivieron en el París de la segunda mitad del siglo XIX, etapa en que se desarrolló la Revolución '48, el Segundo Imperio, la Comuna y la Tercera República. Es el París que vive una gran expansión urbanística, con la construcción de los grandes bulevares, las Exposiciones Universales, con la creación de monumentos emblemáticos como la Torre Eiffel. Es una época de especulación urbanística que favorece los grandes negocios y la aparición de una burguesía de nuevos ricos. Todo este ambiente tiene sus efectos en el arte porque los artistas e intelectuales se reúnen en los Cafés donde discuten de arte, de política, de poesía y de avances científicos.

Los impresionistas tendrán asiduas reuniones en el Café Guerbois, donde se ve su gusto por la bohemia, la izquierda política y donde destacan los intelectuales críticos al poder. El mundo aristocrático gira entorno a los salones y a las grandes exposiciones anuales organizadas por las academias bajo el patrimonio del gobierno. Sólo se podían exponer las obras que superaran la selección oficial, pero poco a poco se irá perdiendo la dependencia del Salón Oficial y va apareciendo con fuerza la figura del Marchante, (persona que aconseja y dirige al artista y al cliente). Empieza a aparecer la crítica escrita en el arte, y es significativo que el Impresionismo tomara su nombre de una frase crítica despectiva que hizo Louis Leroy, un crítico de arte.

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EL ALMUERZO CAMPESTRE

Hay que destacar este cuadro, en este trabajo, puesto que es el que más me gusta entre todas las obras del impresionismo francés.

El almuerzo campestre es un óleo sobre tela, fragmento central (248 x 217 cm). Pintado en 1865-1866.

Localización actual: París, museo de Orsay.

Exposiciones: París, 1940, 1952, 1980, 1990; Zurich, 1952; La Haya, 1952; Bruselas, 1953.

Monet tenía apenas 25 años en 1865, cuando empezó a ejecutar esta inmensa composición, en la que se vio a la vez un homenaje y un desafío al pintor Manet, su predecesor.

En efecto, dos años antes, Manet había presentado al Salón de los rechazados una tela con el mismo título. La obra fue piedra de escándalo e impresionó intensamente al joven Monet.

La obra:

El almuerzo campestre de Manet representa a unos hombres durante un picnic en la hierba, con una mujer desnuda. Por ello Monet no cree responder a su predecesor

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en el mismo terreno. En la Pascua de 1863, descubrió cerca de Fontainebleau el pueblo encantador de Chailly-en-Bière. Allí pasó varios veranos en compañía de Bazille y allí fue donde, en 1865, situó el almuerzo campestre. En el bosque, elige un claro cerrado al sol y a la vista por una espesa cortina de árboles.

El cuadro:

Demasiado grande para ser pintado al aire libre (la tela medía 4,60 m de altura por más de 6 m de longitud), ejecutó el cuadro en el taller, siguiendo los estudios del natural. Según Monet, sus dimensiones tenían que impresionar la imaginación del jurado del Salón. De hecho, el cuadro jamás sería expuesto: inacabado, se pudrió durante cerca de veinte años en el sótano de un acreedor de Argenteuil, a quien Monet lo dejara en garantía. Cuando lo recuperó en 1884, el pintor lo cortó para hacer de la parte central (en la foto) un cuadro completo. Conservó también la parte izquierda, y ambos fragmentos permanecieron hasta su muerte en su casa de Giverny. La parte derecha parece definitivamente perdida. Afortunadamente, un boceto muy adelantado del conjunto de la composición (de dimensiones más reducidas: 1,30 x 1,81 m), conservado en Moscú, permite hacerse una idea. En él se comprueba que Bazille posó para cuatro de los personajes del cuadro y que otro amigo de Monet, el pintor Lambron, sirvió de modelo para otras dos figuras. En cuanto a las mujeres, tuvieron por modelo a Camilla, la futura esposa del pintor. En el hombre barbudo de edad madura sentado frente al mantel muchos han reconocido al pintor Courbet.

La historia:

Rescatado por Monet de manos del propietario de la casa que alquiló en Argenteuil, pasó a manos de su hijo Michel en 1926. Fue adquirido por el Estado francés en 1987 y expuesto en el museo de Orsay.

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El almuerzo campestre de Manet provocó un escándalo. El pintor había representado a una mujer desnuda comiendo con varios hombres.

-Algo que me ha llamado la atención sobre el cuadro de Monet es que si esta joya impresionista fuera puesta a la venta en nuestros días, probablemente superaría los 10 millones de euros. Un pastel de un período anterior, Un cazador y su perro en un barco, fue vendido por más de 15.000 euros en 1994.

EL ESTANQUE DE LAS NINFEAS

El estanque de las ninfeas es un óleo sobre tela, 90x92 cm, pintado en 1904.

Localización actual: Caen, museo de Bellas Artes.

Exposiciones: París, 1909, 1980.

Durante más de treinta años, Monet se sentó cada día a orillas de este estanque japonés buscando penetrar el tranquilo misterio de las ninfeas.

En febrero de 1893, Monet compró una porción de terreno debajo de su casa de Giverny, situado entre la vía férrea y el Ru, un estrecho brazo del Epte. Allí soñó con hacerse construir un estanque y plantarlo de ninfeas, especie de grandes nenúfares que se adaptan a un agua que debe renovarse sin cesar. El único modo de conseguir tal cosa era desviar el Ru en provecho propio. El ayuntamiento se opuso, pero Monet ganó el pleito y construyó su estanque.

La obra:

Durante muchos años, pasó las tardes a orillas del estanque pintando las ninfeas y el puente que cruzaba el plano de agua.

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A partir de 1893, el estanque fue su preocupación esencial, y Monet se concentró en “estos paisajes de agua y reflejos que se han convertido en una auténtica obsesión”. Quebrando la representación figurativa, pinta toques de color que tienden a la abstracción. Esta serie debía ser objeto de una exposición en la galería del marchante Durant-Ruel, que fue pospuesta varias veces, tanta era la ansiedad del pintor ante su tema. Por fin tuvo lugar, en mayo de 1909, con el título Ninfeas, Paisajes Acuáticos, y obtuvo un resonante éxito. Lucien Descaves, escritor y amigo de Monet, le escribió: “Salgo de la exposición de usted deslumbrado y maravillado”. Y romaní Rolland ponderaba en una carta al pintor: “En un momento en que me encuentro a disgusto ante la mediocridad de la literatura y de la música actuales, no tengo más que volverme hacia sus Ninfeas para reconciliarme con mi época…”.

La crítica:

La idea de que tal conjunto pudiera verse disperso conmovió a varios críticos, y el mismo Monet propuso decorar con el mismo una sala, a fin de “procurar la ilusión de un todo sin fin”. Este proyecto fue aprobado por Clemenceau, y así fue como pasaron a decorar las salas de la Orangerie, en París, que fueron inauguradas el 17 de mayo de 1927, tras la muerte del pintor. Pues, insatisfecho de su trabajo, Monet retocaba sin cesar estos cuadros, rehusando entregarlos. Las Ninfeas y la tentación de lo abstracto que de ellas fluye constituyen un paso decisivo del arte de este siglo.

La historia:

Tras pasar por varias colecciones privadas y ventas, el cuadro fue atribuido al Louvre en 1950 por la Oficina de Bienes Privados, y luego presentado en el Jeu de Paume antes de pasar como depósito del Estado al museo de Bellas Artes de Caen en 1975.

Cotización:

Se encuentran numerosas versiones de las Ninfeas en las subastas. Una de ellas, de la misma época y de un formato algo mayor, cambió de manos por la suma astronómica de 20,8 millones de euros en el año 2000. En contrapartida, se desconoce la cotización de sus bocetos.

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LA URRACA

La Urraca es un óleo sobre tela 89x130 cm, pintado hacia 1868-1869.

Localización actual: París, museo de Orsay.

Exposiciones: Zurcí, 1952; La Haya, 1952; Roma, 1955; Edimburgo, 1957; París, 1959, 1970, 1980, 1990.

Una simple urraca en un paisaje invernal: en unas cuantas pinceladas y con poquísimos colores, el maestro de la luz refleja en esta obra toda la magia del invierno.

Durante el invierno de 1868 a 1869, y aprovechando una estancia cerca de Étretat, en Caux, Claude Monet, que entonces tenía 28 años, realizó esta obra maestra de equilibrio.

La obra:

Un estudio en profundidad deja entrever en la tela un primer esbozo de otro cuadro, lo que permitió al experto Wildenstein fechar La urraca con gran exactitud. En efecto, en una carta dirigida a Bazille durante su estancia en Étretat, Monet pide a su amigo que le mande “una tela de 60 en que ya hay un esbozo, pero que él desea aprovechar”. Las dimensiones de un “60 puntos” corresponden exactamente a las de La urraca. El aprovechamiento de la tela explicaría este formato, poco usual en un paisaje.

El pintor –ya muy sensible al juego de contrastes- juega con la sombra y la luz sirviéndose de una gama de colores reducida a la mínima expresión: blanco, negro,

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marrón y azul. Un ejercicio peligroso, pues Monet expresa las distintas densidades de la nieve con efectos de blancos puros o menos coloreados, que confieren al conjunto una luminosidad excepcional.

La composición:

La inquietud que emana del cuadro no sólo depende de su tratamiento cromático, sino también de su rigurosa composición. El murete divide la tele en dos partes: por una parte, el campo de nieve y la sombra que se perfila; por otra, los tejados y el cielo. Esta horizontalidad queda compensada por la vertical de los árboles, y sólo la urraca aparece descentrada y se inclina, como para quebrar este acuerdo demasiado perfecto.

Monet escribía a su amigo Bazille: “ Voy al campo, que aquí es hermoso y que aún encuentro más grato en invierno que en verano”. La exposición de La urraca, la obra maestra indiscutible de sus paisajes de nieve, fue vetada por el jurado del Salón de 1869. ¡Demasiado innovador! Con esta tela, pintada cinco años antes del nacimiento oficial del impresionismo, Monet aparece como el evidente jefe de filas del movimiento.

La historia:

La tela fue adquirida por el coleccionista Calander y, sucesivamente, por el marchante de cuadros Durand-Ruel y por la sociedad Guerlain, en 1957. Revendida a un coleccionista privado, pasó a propiedad del museo de Orsay en 1984.

Cotización:

Junto con Rendir, Monet es uno de los impresionistas cuyas obras en el mercado son especialmente numerosas. La playa de Trouville, del mismo periodo, encontró comprador por 16 millones de euros en una subasta en el año 2000. Au large, un pastel de la misma época, fue adjudicado por cerca de 150.000 euros en una venta pública en 1998.

LA ESTACIÓN DE SAINT-LAZARE

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La estación de Saint-Lazare es un óleo sobre tela, 75x104 cm, pintado en 1877.

Para captar la imagen exacta del tren entrando en la estación, Monet pidió cambiar los horarios y las disposiciones de la estación de Saint-Lazare.

Mientras Manet y Caillebotte quedaban fascinados por las rugientes máquinas y sus humaredas elevándose por encima del puente de Europa, Monet descendía al nivel de los raíles para bosquejar esta estación de Saint-Lazare, que en aquella época simbolizaba los domingos de remo en el Sena o Argenteuil. De allí salían los trenes que llevaban a los impresionistas al encuentro de sus temas.

La obra:

Fiel al sistema de ejecutar series sobre el mismo tema, que repitió durante toda su vida, Monet bosquejó buen número de telas sobre este asunto a partir de enero de 1877 y, en abril del mismo año, presentó siete estaciones a la tercera exposición impresionista. “Monet ha expuesto este año soberbios interiores de estaciones. Se oye el rugido de los trenes hundiéndose en ellas, se ve desbordarse el humo invadiendo los grandes hangares. Allí está hoy la pintura…”, anota Émile Zola en la reseña de la exposición destinada a la prensa.

La composición:

Al contrario que otras, ésta es una luminosa visión que prefigura el trabajo del pintor años después, cuando captó la fachada de la catedral de Ruán en distintos momentos del día. Monet no sólo busca traducir la atmósfera de algarabía, ruido y frenesí que reina alrededor de la máquina, sino que también intenta proporcionar gracia y ligereza a la escena, que no pintó del natural. Monet quedaría hacer coincidir muy exactamente cierta hora del día con la salida del tren de Ruán. Además, quería que la locomotora estuviera bajo fuerte presión para que escapara un máximo vapor y de humo y, por fin, que los andenes no estuvieran muy llenos. Así pues, pidió al jefe de estación que accediera a todos sus deseos… y lo consiguió.

La historia:

Gustave Caillebotte, pintor y coleccionista, compró la tela a Monet el 10 de marzo de 1878 por 685 francos, y la legó al Estado francés en 1894. Dos años después, entraba en el museo del Luxemburgo, antes de ser trasladada al Louvre, luego al Jeu de Paume y, por fin, al museo de Orsay.

-He de decir que el pintor, fiel a su método de pintar series, ejecutó otras versiones de al estación de Saint-Lazare.

Cotización:

No ha aparecido ninguna vista de una estación en las subastas de los últimos años, ya que todas ellas figuran en museos o en colecciones. Por su parte, los Almiares se cotizan entre los 95.000 euros y los 10,3 millones de euros, los Álamos entre los 5,6 y los 9,6 millones de euros y las famosas Ninfeas entre los 15.000 euros y los 27,7 millones de euros.

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3. Opinión personal: El impresionismo.

El impresionismo no solo ha marcado la historia del arte con una técnica y una visión del mundo totalmente innovadora para los patrones que existían en el arte de la época, sino que además el impresionismo marca nuestras propias vidas, las vidas de todos los que hemos observado alguna vez un cuadro de Renoir, Monet, Degas, Manet, Toulouse, etc.

Pues sus cuadros no solo nos muestran un paisaje o una escena simplemente, sino que a través de sus cuadros es posible ver la atmósfera del momento, el aire, los olores, el frío o el calor, todo esto gracias a esas pequeñas pinceladas que nos describen la luz en el momento, y es que a través de la luz es posible captar todo el sentimiento del autor en el momento que miraba esta escena, esa es la diferencia al pintar al aire libre, es que el pintor no solo está pintando sino también sintiendo.

El afán de los pintores impresionistas por captar la luz de la escena hace que en sus cuadros se pierdan los contornos de los elementos que se están observando de manera que si vemos uno de estos cuadros impresionistas vemos de la misma manera que cuando soñamos y finalmente se siente como si estuviéramos dentro de una atmósfera a medio camino entre la realidad y un sueño, un sueño tan lleno de luz como los más hermosos, pues es la luz la que nos muestra las cosas bellas de la vida.

Esta, creo yo, que es la esencia del impresionismo, pues si logramos observar todo aquellos que la luz puede tocar entonces sabremos encontrar algo bello en ello.

4. Bibliografía.

[Grandes maestros del impresionismo]. -- Madrid: Club internacional del libro, D. L. 1989.

Colección de cuadros del impresionismo adquirido a través de Planeta Deagostini.

He adquirido información en algunas páginas de internet, como por ejemplo: www.wikipedia.com

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