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Priscilla Monge

Esteban Piedra

Rafael Ottón Solís

Cinthya Soto

+info: www.madc.cr / madc / museomadc

Sueños y democraciaUn proyecto de Francesco EliseiCuraduría Francisco Córdoba -Museo de Arte y Diseño Contemporáneo

Territorios, Geografías y

Confluencias

www.madc.cr. madc museo madc

SUEÑOS Y DEMOCRACIAUn proyecto de

Francisco CórdobaFrancesco Elisei

OrganizaRepública de Costa Rica

Embajada de Costa Rica en ItaliaMinisterio de Cultura y Juventud

Museo de Arte y Diseño Contemporáneo

CuraduríaMuseo de Arte y Diseño Contemporáneo

Repúblicade Costa Rica

Sueños y democraciaUn proyecto de Francesco EliseiCuraduría Francisco Córdoba -Museo de Arte y Diseño Contemporáneo

Pabellón de Costa Rica55˚ Bienal de Venecia, Italia.

En junio de 2013, se inaugura la 55va edición de la Bienal de Venecia; uno de los eventos de mayor relevancia en el arte contemporáneo a nivel mundial. Este año, de forma particular, Costa Rica contará con un Pabellón Nacional en el Palazzo Ca’ Bonvicini, en el marco del evento, bajo el tema “Territorios, Geografías y Confluencias”.

El MADC, como institución abierta y dinámica fue el ente responsable de gestionar la curaduría de la muestra; asimismo, contó con la generosa colaboración de la Embajada de Costa Rica en Italia y de los señores Francesco Elisei y Francisco Córdoba como gestores para el desarrollo y producción de tan ambicioso proyecto.

El Pabellón de Costa Rica, es sin duda alguna, una ventana idónea para visibilizar y promover -a nivel internacional- el arte contemporáneo nacional. Los cuatro artistas seleccionados; Priscilla Monge, Esteban Piedra, Cinthya Soto y Ottón Solís se valen de distintos lenguajes para aproximarse -desde una visión muy personal y concreta- a conceptos como lo son los sistemas geográficos, los valores limítrofes y la construcción de identidades y democracia.

Los visitantes que viajan desde todas partes del orbe hacia la Bienal, tendrán la oportunidad, hasta finales de noviembre, de encontrar en esta exhibición, no una propuesta cerrada, sino un punto de partida para reflexionar y acercarse a la región centroamericana.

Fiorella Resenterra, Directora Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC)

San José, abril 2013

TERRITORIOS, GEOGRAFÍAS Y CONFLUENCIAS

Los contextos contemporáneos pueden ser leídos desde una vasta pluralidad de premisas. Interpretar conceptos desde la territorialidad, sistemas espaciales y valores limítrofes es un reto a la vez fascinante y complejo si se aborda una región como la centroamericana donde la cercanía geográfica y la convivencia apuntan a cuestionamientos surcados por lo local y lo universal simultáneamente.

Es precisamente desde este punto de partida, donde se puede estudiar la reconfiguración de lo territorial y esbozar una exploración espacial a partir de sus vinculaciones a esferas de lo íntimo y lo público. En países con esas geografías enmarañadas, los diversos abordajes en torno a la educación, lo político y social, la tolerancia y la integración, se convierten en confluencias impostergables que dan paso a reflexiones multiculturales.

Asimismo, la correlación entre los diferentes contextos y los puntos de interés desde lo nacional, se empatan con cuestionamientos que se perfilan desde visiones más amplias y abarcadoras con carácter global. Las posibilidades que brinda construir una cartografía desde la apertura y diversidad más que desde una visión delimitadora y unilateral, son el eje primordial y transversal dentro de esta puesta en escena.

La selección de los artistas participantes en el Pabellón de Costa Rica en la 55° Bienal de Venecia (2013) reseña propuestas que desde diferentes posiciones investigan y confrontan estas temáticas. Los espacios habitacionales/domésticos, las fronteras, las superficies y sus demarcaciones, los límites que permean lo que es propio y lo que se construye o se inventa. Ellos determinan, indirectamente, un sentido de apropiación genuino en donde la interacción con los diversos contextos abre un diálogo con las nociones de identidad, de

pertenencia inmediata y permanente. La muestra incluye aproximaciones desde lenguajes diversos y transdisciplinares, que van desde la fotografía a gran formato, instalaciones, audiovisuales e intervenciones in situ con materiales que van desde lo no convencional hasta elemento iconográficos.

La propuesta busca convertirse en un espacio de reflexión, donde la construcción y de-construcción de ciertos imaginarios individuales y colectivos, formen una amalgama de visiones que permitan y reten a los públicos, a repensar las identidades desde otra perspectiva alejada del lugar común; además de potenciar la pertinencia de acercarse a estos contextos a partir de las producciones artísticas contemporáneas de la región Centroamericana.

Fiorella Resenterra, Directora María José Chavarría, Curadora

Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC)San José, abril 2013

Artistas Seleccionados

Priscilla MongeEsteban Piedra

Ottón SolísCinthya Soto

Priscilla Monge

Priscilla Monge (Costa Rica, 1968) Vive y trabaja en San José (Costa Rica). Posee una extensa trayectoria nacional e internacional. Ha expuesto de forma individual en distintos países como Brasil, Italia, España, Grecia, Bélgica, Honduras, Perú, México y Estados Unidos.

Algunas de las muestras más destacables son; “Priscilla no pinta” (1995) en la Galería Jacob Karpio, Costa Rica; “The Soap Factory” (1997) en Grecia; “Priscilla Monge” (2002) en el Museo Tamayo, en México; “Priscilla Monge” (2005) en la Galería Yancey Richardson en Nueva York, Estados Unidos y en la Galería Juana de Aizpuru, Madrid, España; “Rojo” (2009) en la Galería Luis Adelantado, Valencia, España y “Hotel México” (2010) en la Galería Luis Adelantado, México; entre otras.

Desde 1994 y hasta la fecha, ha participado de forma colectiva, en exposiciones alrededor del mundo, entre ellas; “The Prisoner’s Dilemma: Selections from the Ella Fontanals-Cisneros Collection (CIFO)” (2008) en Miami, Estados Unidos; “The Food Show- The Hungry Eye” (2006) en CAM (Chelsea Art Museum) en NuevaYork, Estado Unidos; “Nostalgia of the Body” (2005) en Firstsite, Colchester, Inglaterra; “Face to Face” (2007) en The Daros Collections, Part 1, Daros Exhibitions, Zurich, Suiza; Bienal de Pontevedra, Utropias: Centro América y Caribe (2010) en Pontevedra, España; Arco Madrid (2012, 2009); MACO, México (2010 -2013) y MadridFoto (2009-2011); CIFO: Una Mirada Múltiple, Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, Cuba; Esa Vara: Modernidad y Emplazamiento, MADC en San José, Costa Rica; Instalación Cancha de Futbol Soccer en el MARCO, Monterrey, México y Fantastic: Bienal de Lille, Lille, Francia.

Parte de su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas; entre ellas la colección de la Cisneros Fontanals Art Foundation (Miami, EEUU); Daros Latinoamérica (Zurich, Suiza); Galila Barzilai-Hollander Collection (Bélgica); Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (San José, Costa Rica); CIFO - Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, Estados Unidos.

Priscilla MongeSketch: Art is hauntedInstalación2013

Art is haunted

El trabajo de Priscilla Monge, dentro de su versatilidad, ha girado en torno a temáticas que abordan problemáticas de género desde la violencia, el humor, la formación y sus condicionantes. La exploración de la educación y sus límites; tanto de las reglas impuestas de convivencia y conductas sociales permitidas, como de la individualidad, son hurgados de manera constante en su obra.

La sutileza del recurso del trabajo manual, como una tradición “femenina” que pasa de generación en generación, se empata con la fuerza de los asuntos a explorar, en donde la ironía y el sarcasmo funcionan como agentes de cuestionamiento. Su búsqueda desde la pintura, fotografía, video, performance y lo objetual, se entremezclan con la necesidad de hacer visibles diversas problemáticas, de desestabilizar lo que parece inamovible y de dar voz a lo que es silenciado.

Como menciona la propia artista, dentro de su propuesta los pupitres están asociados a la transgresión de normas no escritas, a los clichés establecidos en torno a la afectividad femenina, al sexo, a la violencia y a la educación, y en definitiva a todo aquello que somos libres de pensar pero no de expresar con palabra: “lo inmencionable”. Se trata de exhibir el tabú, poniéndolo en contradicción con su naturaleza oculta. Es un trabajo si se quiere ambiguo, que expresa una postura a la vez sumisa e impenitente.

Esteban Piedra León

Esteban Piedra León (Costa Rica, 1978) Artista, docente y curador. Licenciado en Pintura por la Universidad de Costa Rica (2004). Desde el 2003 y hasta la fecha, es profesor de la Cátedra de Pintura de esa misma Universidad. Seleccionado como artista residente por la Rijksakademie van beeldende kunsten (Amsterdam 2010-11), Royal Netherlands Institute en Roma (2011) y Centre International d´accueil et d´échanges des Récollets, en Paris, Francia (2013).

Ha expuesto de forma individual en cinco ocasiones, entre las que destacan: Horizontal Interface (Luisa Strina Gallery, Sao Paulo, Brasil 2011); Estudios [2002-2010] (Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica, 2010); La habitación de tierra (Centro Cultural Español en Costa Rica, 2005).

De forma colectiva, ha participado en más de veinte exposiciones como: Flexor principles (Galería Gramatura, Sao Paulo, Brasil, 2012); Open Studio (Rijksakademie van beeldende kunsten, Amsterdam, 2010-11); VI Bienal Centroamericana (Tegucigalpa, Honduras, 2008); IX Bienal Internacional de Cuenca (Ecuador, 2007); Artistas Centroamericanos Emergentes (2003) y La máquina de hacer niebla (2004), ambas en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Costa Rica; entre otras.

Su obra se encuentra en colecciones privadas y públicas de renombre como TEOR/ética y el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (San José, Costa Rica). Además, recibió el Tercer lugar en la convocatoria “Artistas Centroamericanos Emergentes”, otorgado por el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica; el premio a Nuevos Medios en la XI Bienal Internacional de Cuenca, Ecuador en el 2007 y el segundo lugar en la VI Bienal Centroamericana” en el 2008.

Esteban PiedraInterfase horizontalInstalación (detalles)20011

Estudio topográfico

La obra de Piedra gira en torno a las estructuras de sus espacios físicos cercanos, conocidos, agobiantes y con un carácter íntimo. Continuamente construye, de-construye y analiza estos espacios, siempre habitados, exhaustivamente hasta llegar a una solución destilada, preciosista, impecable, sintética; la solidez de sus estructuras contrasta con su empatía por el uso de lo matérico, lo frágil.

El carácter de su trabajo comprende una doble articulación. Ante todo el interés de bifurcar y comparar, elementos propios de la configuración de un espacio doméstico, desde la perspectiva de cómo se comportan estos mismos en dos sitios distintos. En su obra anterior se han definido una serie de elementos y relaciones sobre las cuales trabaja: la relación entre los individuos que ocupan un espacio, la arquitectura y el modelo como una forma de idealización de un sitio habitable, la memoria, vista desde la metáfora del desgaste y la acumulación en sitios poco perceptibles.

Estos elementos se articulan para abordar las relaciones de poder que implícitamente conllevan la arquitectura, el espacio y los individuos que lo comparten.

El proyecto plantea una mirada especulativa hacia la aproximación del individuo al espacio arquitectónico doméstico; desde una óptica que sedimenta los lugares, la naturaleza, los edificios como un ejercicio de memoria, que busca ante todo establecer una doble articulación entre dos momentos y lugares distintos.

Ottón Solís

Rafael Ottón Solís (Costa Rica, 1946) Vive y trabaja en San José, Costa Rica. Desde mediados de la década de los ochenta, ha participado de forma constante en exposiciones nacionales e internacionales. Ha sido parte de muestras colectivas en países como México, Guatemala, Nicaragua, República Dominicana, Venezuela, Brasil, Perú, Chile, Argentina, Ecuador, Cuba, Estados Unidos, Irlanda, España, Alemania y Francia. Además, y por más de diez años, realizó con el grupo costarricense Bocarará proyectos y exhibiciones en sedes a lo largo del territorio nacional; varias de las cuales recibieron gran reconocimiento.

De igual forma, su obra ha sido revisada de forma individual; entre las muestras más destacadas se pueden mencionar “Bajo el signo de la cruz” (1992) y “Oratorio a Steve Biko” (1993) en Berlín y Stuttgart, Alemania y en Costa Rica; “Viacrucis” (1990) y “Pascua de Resurección” (1997) en la Galería Enrique Echandi del Teatro Nacional; “Bosnia”(1993), en el Centro Cultural Español y “Umbral de Fuego” (2010) en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, todas en San José, Costa Rica.

Ha obtenido diversos e importantes reconocimientos en su país. En 1972, se mereció la Medalla de Oro en Pintura otorgada por la Asociación Nacional de Educadores y cuatro años más tarde, el Premio de Pintura en el VII Salón Anual de Artes Plásticas en el Museo Nacional. En 1990, obtuvo el premio Áncora en Artes Plásticas concedido por el periódico La Nación y en 1997, lo volvió a ganar como parte del grupo Bocarará. Ha sido acreedor dos veces -de manera individual (1997) y con Bocaracá (1992)- del Premio Nacional Aquileo J. Echeverría; máximo reconocimiento en las artes visuales de su país.

Solís constantemente reformula sus propuestas para integrarlas a los diferentes espacios, y esta no es la excepción; articula de manera minimalista los recursos, los materiales y la iconografía con acentos en los contrastes de texturas para ofrecer una obra potente y de carácter monumental.

Ottón SolísSeis Jesuitas al amanecerInstalación

20010

Días y Territorios

En la obra de Ottón Solís la presencia del contexto histórico, lo social y lo político, se integra con temas como lo litúrgico y lo ritual. Utiliza referentes como los conflictos armados, la situación sociopolítica centroamericana y la consternación, y los enlaza a una espiritualidad solidaria.

La instalación como su lenguaje constante y eje fundamental en su obra, recurre a la utilización de materiales encontrados, simples, pobres; materiales de construcción que se suman a una paleta cromática austera; en este caso, con el rojo como protagonista. La reminiscencia de lo sacro en su sentido más amplio, es parte fundamental de la integración de las obras con el espacio físico. Sus instalaciones cargan las salas expositivas de elementos simbólicos que acompañan a los visitantes a través de temas regionales, conflictos políticos, limítrofes y sociales, abordados desde una perspectiva prácticamente espiritual. Aunque la gran mayoría de contenidos fueron noticia en su momento, sus piezas siempre retoman vigencia en la actualidad.

Solís constantemente reformula sus propuestas para integrarlas a los diferentes espacios, y esta no es la excepción; articula de manera minimalista los recursos, los materiales y la iconografía con acentos en los contrastes de texturas para ofrecer una obra potente y de carácter monumental.

El textil como elemento recurrente en sus propuestas, cobra carácter con la presencia de la fuerza que se precipita y cae. Existe un gran interés por el tiempo y el espacio, el aquí y el ahora; los cuales son planteados como un mapa inacabado, excavaciones arqueológicas del propio presente.

Cinthya Soto

Cinthya Soto (Costa Rica, 1969) Vive y trabaja en San José, Costa Rica y Zurich, Suiza. En su país, Soto realizó estudios en Arquitectura en la Universidad Autónoma de Centroamérica (1987-1988). Estudió Artes Plásticas en la Universidad Nacional (1992–1998) y fotografía en el Colegio Universitario de Alajuela, Costa Rica (1993 – 1994). En Suiza realizó Cinematografía en Zürcher Hochschule der Künste (2000-2001).

Desde el 2002 hasta la fecha, ha tenido múltiples exposiciones individuales en distintos países entre las cuales se destacan “Paysage (re)trouvé” (2012) Klaus Steinmetz Galería en San José, Costa Rica; “Pop it up” (2008) Brancolini Gramaldi Galería en Roma, Italia; “Interfase” (2004) Casa de América en Madrid, España; y Artificio-Natura (2002) en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) en San José, Costa Rica.

En forma colectiva ha expuesto en Costa Rica, Estados Unidos, México, Italia, Guatemala, Holanda, Bélgica, Suiza, Taiwan, Ecuador, España, Buenos Aires, entre otros. Ha sido seleccionada para participar en bienales como la XXXI Bienal de Pontevedra, España (2010), la X Bienal de Cuenca, Ecuador (2009 y 2004) y la 52 Bienal de Venecia, Italia.

Parte de su obra pertenece a colecciones privadas y públicas como la Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO) Miami, Estados Unidos; Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) Costa Rica, University of Essex Collection of Latin American Art (UECLAA), Reino Unido y en el Musée du Quai Branly, Francia.

Algunos de los proyectos y premios son el Solo Project, en Arco, Madrid (2012); la beca otorgada por el Musée du Quai Brandly para la creación artística y la invitación de ESCALA (Essex Collection of Art from Latin America) para imprimir una edición especial de su trabajo en el London Print Studio. Además, en el 2003 obtuvo el Premio Nacional Aquileo J. Echeverría; máximo reconocimiento en las artes visuales de su país.

Cinthya SotoPlaya ChiquitaDe la serie “Pictografías”2007C-print

Pictografías

Las fotografías seleccionadas son parte de la serie “Pictografías” realizada entre los años 2006 y 2009. Dicho proyecto hace énfasis en el interés de la artista por el aspecto local documental latinoamericano iconográfico, en el cual se pueden encontrar murales y signos vernáculos, en existencia paralela a estéticas estandarizadas globales. En algún nivel, esta serie aborda el ejercicio de exploración de fotografías enmarcadas y confrontadas con la espontaneidad ofrecida en las imágenes cotidianas. Su objetivo es establecer y contrastar asociaciones semánticas y formales entre las representaciones decorativas que suelen formar escenas idílicas y paisajes paradisíacos que abundan en locales populares con los espacios reales en las que se encuentran (sodas, restaurantes y cantinas). Apunta a la convergencia de la vida cotidiana, lo pictórico y lo fotográfico in situ y luego un nuevo espacio de dos dimensiones, la reformulación de las relaciones espaciales entre lo habitado y el paisaje imaginario.

Para Soto, su proyecto va más allá del estudio de la escena como motivo de prácticas estéticas; ella confronta la pertinencia de diversos lenguajes, elabora re-lecturas de los planos dimensionales en donde la fotografía es una pintura que fue elaborada con el fin de “decorar” un espacio árido. Existe una interpretación paralela en donde el anfitrión; es decir, el local comercial diseña un espacio ficticio, ilusorio para que su consumidor se transporte a otra realidad y, a su vez, la artista capta la escena y la reintegra al plano bidimensional. Existe una preocupación por evidenciar el lenguaje elegido, hace patente el borde de numeración de la película de manera que no quede duda alguna de que lo que se mira es precisamente una fotografía.

Pictografías es una realidad doméstica contada a través de espacios públicos y populares, en donde los protagonistas son los artífices de ese escenario onírico al que tanto se aspira.

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