Proyecto de arte- Pintura (proceso)

UNIVERSIDAD NACIONAL PEDRO RUIZ GALLO 1

Proyecto

Estudio de la forma

Briggitte Morante Cabrejos


Proyecto: Estudio de la forma

Título: “Belleza de tras de circo”

1. Introducción

El presente proyecto busca desarrollar una propuesta dentro de las artes visuales y realizar los análisis correspondientes llevándolo a la

práctica, optimizando sus resultados. De esta manera, en términos generales, se denomina arte a la actividad o producto en los que el ser

humano expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, a través de diversos recursos. El proyecto a continuación, presenta el

trabajo de investigación necesario para crear un conjunto de obras pictóricas, desde el estudio de materiales empleados, referentes de otros

artistas, bocetos y apuntes, y por último el producto final del proyecto: la obra pictórica culminada.

El circo, tema elegido, ha sido desde siempre una forma clásica de diversión; la palabra procede del latín circus y designaba el escenario

romano donde se originaron muchos de los números que pueden verse hoy en una función circense. Las actuaciones en un circo se rigen

siempre según unas bases establecidas, y hay una serie de números que son ya clásicos en el repertorio de este tipo de espectáculos, tales

como las acrobacias a caballo, las cabalgatas y las actuaciones de elefantes, focas, perros y otros animales amaestrados. El domador de leones

y tigres, por ejemplo, ha sido siempre uno de los personajes característicos y más atrayentes del circo aunque en algunos países se hayan

prohibido esta clase de números. Las funciones con animales, no obstante, sólo son un pálido reflejo de las que tenían lugar en los circos

romanos, y en ellos siempre se opone, a la fuerza bruta de la bestia, la inteligencia del hombre. Los antiguos saltimbanquis, juglares y magos

(a menudo muy habilidosos) fueron los precursores de los artistas de circo actuales y muchos de sus números y creaciones forman parte de la

mayor tradición circense. El payaso actual, o clown, ha heredado dicha tradición y sus actuaciones incluyen toda una serie de chistes,

pantomimas, piruetas y números musicales, que siempre han atraído a grandes y pequeños. Este personaje, cómico a ultranza y con su

máscara sonriente, puede, sin embargo, como Grock, Rivel, Popov o los hermanos Fratellini, ser un drámatico reflejo de la incomprensión, la

soledad y los defectos humanos.1

1 Maigualida Suárez, Tamara Díaz y Laura Pérez Rangel, ¿Qué es el circo? (Noviembre 2015).


2. Descripción Estudio Histórico Crítico

Teorías

- ESCALA DE COLORES

El blanco, el negro y el gris son colores acromáticos, es decir, son colores sin color.

Psicológicamente son colores dado que originan en el observador determinadas sensaciones y reacciones. Desde el punto de

vista físico, la luz blanca no es un color, sino la suma de todos los colores en cuanto a pigmento, el blanco sería considerado

un color primario, ya que no puede obtenerse a partir de ninguna mezcla.

El color negro, por el contrario, es la ausencia absoluto de la luz. Y en cuanto color sería considerado un secundario, ya que es

posible obtenerlo a partir de la mezcla de otros.

Las escalas pueden ser acromáticas o cromáticas.

Cromática: los valores del tono se obtienen mezclando los colores puros con el blanco o el negro, por lo que pueden perder

fuerza cromática o luminosidad.

Acromática: será siempre una escala de grises, una modulación continúa del blanco al negro. La escala de grises

se utiliza para establecer comparativamente tanto el valor de la luminosidad de los colores puros como el grado de

claridad de las correspondientes gradaciones de este color puro. Por la comparación con la escala de grises, se

supone de relieve las diferentes posiciones que alcanzan los diferentes colores puros en materia de luminosidad.

Gamas de colores

Definimos como gamas a aquellas escalas formadas por gradaciones que realizan un paso regular de un color puro

hacia el blanco o el negro, una serie continua de colores cálidos o fríos y una sucesión de diversos colores.

- Escalas monocromas: son aquellas en las que hay un solo color y se forma con todas las variaciones de este

color, bien añadiendo blanco, negro o la mezcla de ambos (gris).

Dentro de esta escala diferenciamos:

Saturación, cuando el blanco se le añade un cierto color hasta conseguir una saturación determinada.

Luminosidad o del negro, cuando al color saturado se le añade solo negro.

Valor, cuando al tono saturado se le mezclan al mismo tiempo el blanco y el negro, es decir, gris.


- Escalas cromáticas: estas se distinguen a su vez, en altas, medias y bajas.

o

o Altas, cuando se utilizan las modulaciones del valor y de saturación que contienen mucho blanco.

o Medias, cuando se utilizan modulaciones que no se alejan mucho del tono puro saturado del color.

o Bajas, cuando se usan las modulaciones de valor y luminosidad que contienen mucho negro.

o Policroma, a aquellas gamas de variaciones de dos o más colores, el mejor ejemplo de este tipo de escala seria el arco

iris.


- Teoría del color

En el arte de la pintura, el diseño gráfico, el diseño visual, la fotografía, la imprenta y en la televisión, la teoría del color es un

grupo de reglas básicas en la mezcla de colores para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz o pigmento.

La luz blanca se puede producir combinando el rojo, el verde y el azul, mientras que combinando pigmentos cian, magenta y

amarillo se produce el color negro.

o El color pigmento: Cuando utilizamos los colores normalmente, estamos utilizando colores, pinturas etc. Este fenómeno lo

definimos como color pigmento, no es color luz. Son los pigmentos que inyectamos en las superficies para sustraer la luz

blanca, parte del componente de espectro. Todas las moléculas denominadas pigmentos, tienen la facultad de absorber

ondas del espectro y reflejar otras.

o El color luz: Los bastones y conos del órgano de la vista, el ojo, se encuentran organizados en tres elementos sensibles.

Cada uno de estos tres elementos va destinado a cada color primario, al azul, rojo y verde. Los demás colores

complementarios, los opuestos a los primarios, son el magenta, el cyan y el amarillo.


- Teoría de Ostwald

La teoría del color propuesta por el químico y filósofo alemán Wilhelm Ostwald consta

de cuatro sensaciones cromáticas elementales (amarillo, rojo, azul y verde) y dos

sensaciones acromáticas intermedias.

- El Canon De Policleto

Polícleto escribió aproximadamente en el tercer cuarto del siglo V a.C. un célebre

tratado de escultura en el que apoyándose sobre el conocimiento matemático y

geométrico de los filósofos pitagóricos llegó a la elaboración de un

canon de proporciones aplicado al cuerpo humano en un intento de

consecución del ideal de belleza basado en la exacta relación

mensurable entre todas las partes del cuerpo entre sí y de todas ellas con

el conjunto. El texto de Polícleto no ha llegado hasta nosotros pero

tenemos noticias de él gracias a un pasaje de la obra del físico Galeno

(siglo 1I d C) en el que comenta la opinión del filósofo estoico Crisipo

sobre el hecho de que la salud del cuerpo es el resultado de la

proporción armónica de todos los elementos que lo constituyen.

La belleza reside, no en la proporción de los elementos constituyentes,

sino en la proporcionalidad de las partes, como entre un dedo y otro

dedo, y entre todos los dedos y el metacarpo, entre el carpo y el

antebrazo y entre el antebrazo y cl brazo, en realidad entre todas las

partes entre si, como está escrito en cl Canon de Polícleto. Para

enseñarnos en un tratado toda la proporción del cuerpo, Polícleto apoyó

su teoría en una obra, haciendo la estatua de un hombre de acuerdo con

los principios de su tratado y llamó a la estatua, como al tratado, Canon.


No por casualidad, uno de los maestros griegos de la época, el escultor Polícleto, se ganará el título de «grande» de sus

contemporáneos más por el canon —el sistema de relaciones matemáticas establecido entre todas las partes del cuerpo— que

por sus también notables obras escultóricas.

Reaparece aquí, como en la arquitectura la tendencia helena a instituir una regla y después buscar las perfectas proporciones

dentro de esta regla; así como el concepto de que un todo perfecto es la suma perfecta de partes perfectas. Es necesario —

afirma Polícleto— que la cabeza sea la séptima parte de la altura total de la figura, el pie dos veces la longitud de la palma de

la mano mientras la pierna, desde el pie a la rodilla, deberá medir seis palmos, y la misma medida habrá también entre la

rodilla y el centro del abdomen Para demostrar la exactitud de su canon esculpió una estatua que nos ha llegado en numerosas

copias romanas: el Doríforo —es decir, el portador de lanza—, un joven, una vez más, completamente desnudo, que lleva con

desenvoltura una ligera lanza en la mano.

- El Hombre De Vitrubio

Vitrubio el arquitecto, dice en su obra sobre arquitectura que la naturaleza distribuye las medidas del cuerpo humano como

sigue: que 4 dedos hacen 1 palma, y 4 palmas hacen 1 pie, 6 palmas hacen 1 codo, 4 codos hacen la altura del hombre. Y 4

codos hacen 1 paso, y que 24 palmas hacen un hombre; y estas medidas son las que él usaba en sus edilicios. Si separas la

piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya 1/14 y estiras y subes los

hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior de tu cabeza, has

de saber que el centro geométrico de tus extremidades separadas estará situado

en tu ombligo y que el espacio entre las piernas será un triángulo equilátero. La

longitud de los brazos extendidos de un hombre es igual a su altura.

Desde el nacimiento del pelo hasta la punta de la barbilla es la décima parte de la

altura de un hombre; desde la punta de la barbilla a la parte superior de la cabeza

es un octavo de su estatura; desde la parte superior del pecho al extremo de su

cabeza será un sexto de un hombre. Desde la parte superior del pecho al

nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo. Desde los

pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte del hombre.


La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte de un hombre. Desde el codo a la punta de la mano

será la quinta parte del hombre; y desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte del hombre. La mano completa será

la décima parte del hombre; el comienzo de los genitales marca la mitad del hombre.

El pie es la séptima parte del hombre. Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte del hombre. Desde

debajo de la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte del hombre. La distancia desde la parte inferior de la

barbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma, y, como la oreja, una tercera parte del

rostro».

La anterior es la traducción completa del texto que acompaña al Hombre de Vitrubio de Leonardo da Vinci. En realidad es

una traducción de las palabras de Vitrubio pues el dibujo de Leonardo fue originalmente una ilustración para un libro sobre

las obras de Vitrubio. El Hombre de Vitrubio es probablemente una de las imágenes más famosas y reconocibles de

Leonardo. (En El Código Da Vinci es también la obra de Da Vinci favorita de Sophie Neveu y es asimismo la postura en la

que su abuelo. Jacques Sauniére. Colocó su cuerpo antes de morir).

- Ley de la forma: Cuando entendemos el concepto de forma como Unidad Mínima de Información o dato de cualquier ente,

entonces estaremos capacitados para asimilar de manera sencilla la forma como una relación de conjunto que tiene materia y

contorno. En la mayoría de los casos el contorno también es materia y en otros casos no es así. La ley de la forma se define

como el conjunto de la materia y su contorno, teniendo en cuenta que el mismo contorno también es materia siempre y cuando

no sea sombra, porque la sombra no es materia. Por la forma es que nosotros los humanos tenemos forma física. Por la forma

es que los animales, la flora, mares y ríos, cielos y tierra tienen forma física. La forma existe, es real. está ahí frente a nosotros

y con nosotros.

- La forma tiene leyes y principios aún desconocidos por la mente humana. La forma de los entes siempre ha sido objeto de

estudio.

- Para Aristóteles el mundo de las formas es real y el conocimiento se puede obtener a través de la experiencia


- Según Eder Noriega Torres: La forma es la Unidad Mínima de Información o dato de cualquier ente y se representa con la

sigla UMI, pero la forma está compuesta por su contorno y su materia, y aún en ausencia de materia la forma se define por su

contorno, por tanto, la forma es igual al conjunto de la materia y su contorno de materia, siendo el contorno el factor limitante

y constante a la vez. Es limitante porque establece un límite a la materia y es la constante porque le da la forma y define a la

materia.

- Según Aristóteles, en el mundo, la materia no puede darse sin forma y la forma no puede darse sin materia. Lo que

básicamente Platón insistía era que es imposible encontrar en la naturaleza, materia sin forma como también es imposible que

exista alguna forma que no posea materia. Todas las formas que existen en nuestro mundo poseen materia. Cuando

comenzamos a profundizar en el tema de las formas entenderemos que Aristóteles en parte tenía razón y en parte no. Es claro

e indudable que en nuestro mundo hay formas que percibimos a diario, nos rodean y no poseen materia.

- El Hilemorfismo es la teoría aristotélica que afirma que todo cuerpo está constituido por dos principios esenciales que son

materia y forma. Según Aristóteles en el mundo, la materia no puede darse sin forma y la forma no puede darse sin materia.

- Teoría de la Iluminación de San Agustín

San Agustín pensaba que no podemos percibir la verdad inmutable de las cosas a menos que éstas estén iluminadas como por

un sol. Esa luz divina, que ilumina la mente, procede de Dios, que es la "luz inteligible", en la cual, y por la cual, y a través de

la cual, se hacen luminosas todas aquellas cosas que son luminosas para el intelecto.

Conceptos:

- Forma: En la expresión artística es la determinación, distribución y organización de los elementos

que percibimos al apreciar una obra de arte.

- Contenido

Es el mensaje, la fuerza, el carácter, la historia o la esencia. Es lo que el artista quiso comunicar con su obra. Implica tiempo,

personajes, momento histórico, el discurso implícito, la simbología, etcétera.


Para Platón la forma era el mundo de las ideas. Según Platón nuestra realidad es aparente, efímera y cambiante, lo que

realmente es real no son las cosas que vemos sino otro mundo que sustenta a este llamado el mundo de las formas. Para él,

nuestra realidad es aparente, efímera y cambiante, lo que realmente es real no son las cosas que vemos sino otro mundo que

sustenta a este llamado el mundo de las formas.

- La Morfología es la disciplina que estudia la generación y las propiedades de la forma. Se aplica en todas las ramas del Diseño.

Por lógica es entendible que todo diseñador debe estudiar los principios que gobiernan las formas y debe ser uno de los

primeros pasos en el conocimiento del maravilloso mundo del diseño.

- Son formas que parecen tener vida propia, aparecen con la luz y se van en la oscuridad, son las formas de las sombras. La

sombra no posee materia pero la sombra es una forma generada por alguna materia o contorno de materia.

- La temperatura del color: El efecto cromático que emite la luz a través de fuente luminosa depende de su temperatura. Si la

temperatura es baja, se intensifica la cantidad de amarillo y rojo contenida en la luz, pero si la temperatura de color se mantiene

alta habrá mayor número de radiaciones azules. Las temperatura cromática, se puede modificar anteponiendo filtros de

conversión sobre las fuentes luminosas

Luz de día: La temperatura de color de la luz durante el día va cambiando según el momento del día que nos encontremos, ya

sea por la mañana o la tarde etc., y las condiciones atmosféricas. Normalmente es de color rosa por la mañana, amarillenta

durante las primeras horas de la tarde, y anaranjada hacia la puesta de sol, con una tendencia a un color azul al caer la noche.

Luz continua: Es la luz que se tiene dentro de un estudio además de la utilización de la luz de flash. Se pueden lograr unos

efectos y colores imposibles de plasmar con la fuente de luz natural.

Luz de flash: La luz que produce el efecto de un flash se acerca mucho a la temperatura del sol. La rapidez en la emisión del

destello de la luz de flash, hace que pueda superar los (1/50.000 de segundo), permitiendo inmovilizar el movimiento del

motivo de la cámara obteniendo unas imágenes con una nitidez extraordinaria.

Luz mixta: Con la luz de día y la luz artificial se obtienen efectos distintos a los naturales.


3. Justificación Estética.

Este proyecto se ejecutó con el fin de desarrollar algunos temas relacionados con el circo, plasmado en la pintura y la figura humana, y

contribuyó a enriquecer mis conocimientos en diversos aspectos que hasta el momento me resultaban un tanto imprecisos. Así mismo me ayudó

a aclarar conceptos como la belleza libre, la belleza consolidada, y otros conceptos inherentes al valor de la pintura en nuestra sociedad.

“Si el Arte es algo, es una calidad de vida que se disfruta por sí misma. En un orden social, que tiende a incentivar el que las personas traten

los objetos y a las demás personas no como instrumentos, las Artes llaman la atención sobre los aspectos no instrumentales de la vida. La obra

de Arte visual es una forma a explorar visualmente, los ritmos de la obra, su forma, su entorno, su color, hacen que se avance por un camino

cualitativo. La experiencia estética es un proceso que emerge del propio Arte. A diferencia de tantos otros tipos de actividades humanas, la

experiencia que constituye el Arte no empieza cuando ha acabado la indagación; no es algo que se encuentra al final de un trayecto, es parte

del propio trayecto (Eisner, 1998:255).

4. Objetivo

General

Generar un conjunto de seis cuadros planteados en el presente proyecto.

Particulares

- Realizar un llamado de atención a la sociedad usando como pretexto una pintura.

- Valerse de los saberes obtenidos acerca de la figura humana.

- Usar el arquetipos

- Adecuar fondos.

- Instruirse más acerca de la figura humana.

- Concluir los cuadros en el plazo propuesto.


Anteproyecto

Estudio de la forma y el

color

“Belleza detrás de circo”



5. Anteproyecto

Características de la obra

- Óleo sobre lienzo de 1.20m x 0.90m

- Uso de arquetipos en su composición

- Figura femenina como personaje principal

Diseño del esquema básico

Hipótesis de Diseño

CUADRO N° 1 CUADRO N°2 CUADRO N°3

CUADRO N°4 CUADRO N°5 CUADRO N°6


Bocetos


Proyecto básico


color

“Belleza detrás de circo”



6. Proyecto de básico:

Memoria descriptiva, testimonio gráfico

CUADRO N° 1

Inicio pintando la figura humana y parte del fondo que se encuentra más cercano a la figura.

Continúo con el fondo de tela y voy oscureciéndolo para resaltar a mi

personaje.

Prosigo con el fondo y demás elementos guiándome de mi propuesta.


CUADRO N° 2

Empiezo con la figura humana, Pinto las extremidades

esta vez por el rostro

Continúo con el resto del cuerpo y cabello


Pinto el fondo y demás detalles

Concluyo con el cabello


CUADRO N°3


CUADRO N° 4

Pinto la figura

humana al inicio

Continúo con el

fondo probando el

color

Incluyo las

sombras.

Agrego detalles

variando

tonalidades

naranjas y

azuladas


CUADRO N° 5

Inicio con el

fondo, primero

verde y luego lo

cambié por uno

rojizo.

Pinto la figura

humana, cuidando

los colores,

porque la original

se encuentra en

tonos verdosos.

Pinto el rostro y

parte del abdomen

Continúo con

parte del cabello y

la capa

Termino el fondo

y lo oscurezco

para resaltar a mi

personaje.

Termino la capa


Concepción general de la obra

Forma: Figura humana, paisajes relacionados con el tema (circo)

Distribución: Los elementos están ubicados al contorno de la figura humana y en algunos casos se usa plano de perspectiva

Representación gráfica:


Proyecto de ejecución


color

Belleza detrás del circo



7. Proyecto de Ejecución:

Ideas de partida.

El circo

Georges Pierre

Seurat

Fotografía

artística


Estudio de materiales

En la obra culminada se usaron los siguientes materiales:

Lienzo 1.20m x 0.90m

El lienzo es una tela lisa de alta resistencia, usada habitualmente como superficie para realizar pinturas, extendidas en un

marco de madera para obtener un buen soporte a la hora de plasmar una obra.

Típicamente, el lienzo se coloca en una superficie de madera llamada bastidor, que provee una superficie dura y estable

para poder pintar sin problemas. Adicionalmente, antes de comenzar el lienzo suele ser cubierto con una capa de una

sustancia llamada gesso, con el fin de evitar que el óleo entre en contacto directo con las fibras del lienzo y así prevenir el

deterioro de la pintura. Por comodidad, hoy es posible encontrar lienzos ya preparados con varias capas de gesso, para que

el artista pueda saltarse este paso y así pasar directo a la realización de la pintura.

Óleos

Mezcla de los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de origen vegetal.

Aceite de linaza

Pinceles

El término pincel hace referencia a cualquier variedad de herramienta que, en su mayoría, cuenta en un extremo con un

mango y en el otro con una cantidad considerable de cerdas, alambres, cabellos u otra clase de filamento o material similar.

Es utilizado principalmente para pintar, aunque sus usos pueden ser diversos.

Thinnrer

El diluyente (thinner en inglés), también conocido como adelgazador o rebajador de pinturas, es una mezcla de disolventes

de naturaleza orgánica derivados del petróleo que ha sido diseñado para disolver, diluir o adelgazar sustancias insolubles en

agua, como la pintura de esmalte o basada en aceites, los aceites y las grasas.


8. Bibliografía

- José M. Parramón, Teoría y práctica del color, Parramón (2009).

- José Mª de Azcarate Ristori, Alfonso Emilio Pérez Sánchez y Juan Antonio Ramírez Domínguez, Historia del Arte,

Editorial Anaya (1991).

- Baxandall, M. Las sombras y el Siglo de la Luces . Madrid. (1997)

- Fernández Gracia, R. Iconografía de D. Juan de Palafox: imágenes para un hombre de estado e Iglesia . Pamplona (2002)

- DIEZ PLATAS, MF. Imágenes para un texto: guía iconografía de las Metamorfosis de Ovideo . Santiago de Compostela.

Ed. Tórculo. (2000)

- CENNINI, Cenninno; El libro del arte, Akal, Madrid, (1988).

- Faure, Elie ; Nelken, Margarita (traductor), Historia del arte, Poseidón, (1943-1944)

Proyecto de arte- Pintura (proceso)

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