PRODUCCIÓN DISCOGRÁFICA 120 HORAS – CINEROSEIndie Rock/Alternative Rock/ Indie Pop.

JAVIER VELÁSQUEZ INSIGNARES

PONTIFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANAFACULTAD DE ARTES

CARRERA DE ESTUDIOS MUSICALESBOGOTÁ D.C.

2012

CONTENIDO.

INTRODUCCIÓN.

CAPÍTULO I MARCO TEÓRICO Y CONCEPTUAL.

1. Marco teórico de la música independiente1.1 ¿Qué es el indie rock?1.2 ¿Cómo se hace?1.3 ¿Cómo se interpreta?1.4 Influencias

1.5. Estado del arte1.5.1 La escena indie a nivel global.1.5.2 Música alternativa e indie rock en los años 801.5.3 Música indie años 901.5.4 Música indie año 2000 El revival rock.1.5.5 Música indie en Latinoamérica.1.5.6 La escena independiente en Colombia

2. ¿Cómo afecta la industria musical al artista que recién inicia?2.1 Experiencia personal.2.2 Los grandes conglomerados y empresas discográficas.

CAPÍTULO IIPRODUCCIÓN DE 120 HORAS

4. Presupuesto de la producción.

5. Cronograma de la realización.

DISTRIBUCIÓN.

6. Proyección.

7. Análisis de las canciones.

8. Memorias y Conclusiones.

Bibliografía

Discografía.

Anexos

INTRODUCCIÓN.

En el arte, el término “Indie” se refiere a cualquier movimiento o subcultura que posea un acercamiento autónomo. Esto hace parte de la llamada cultura del “do it yourself” o “hágalo usted mismo”. (Badfford, Willam. 2009)La música independiente, como su nombre lo dice, fue en principio, la que no estaba asociada a los grandes conglomerados de la industria musical.El rock alternativo es un género que provino de la escena musical independiente de los años 80 en Estados Unidos. Tuvo su auge a mediados de los años 90 y de ahí en adelante se ha mantenido vigente. El desarrollo constante dentro de la escena musical independiente permitió al rock alternativo seguir vigente, variando el estilo pero conservando la ideología.

“The term alternative rock started in the late 1980's, when rap, R&B, and country completley dominated the market. Rock bands were becoming too expensive to promote, and trade magazines ran articles about how rock had finally died. The only stations that were playing “band oriented rock” were the college stations and the smaller underground stations, usually reffered to as “alternative stations”. Little by little this stations began to gain a larger listenership, proving that rock was alive and well but was now part of the counterculture again instead of being in the mainstream as it had been in its heyday on the 1960's. “ (Avalon, Moses. 2009)

El indie rock fue en sus inicios, el movimiento similar a lo que fue el rock alternativo en los Estados Unidos, pero tuvo su epicentro en las islas británicas.

El término indie, con el que se denomina este estilo de música, está relacionado a la disociación de las agrupaciones con los grandes conglomerados musicales y el mainstream. Los actos indie eran aquellos que no habían creado un vínculo con las grandes disqueras mayoristas sino con disqueras independientes. Su distribución se daba en círculos mucho más pequeños y cerrados.

Hasta hace algunos años, los términos indie rock y rock alternativo se usaban en muchas ocasiones indistintamente. Pero ¿Es correcto hablar de rock alternativo y de indie rock como el mismo género? 1

Según el artículo “Alternative Music 101 - Are 'Alternative' and 'Indie' the Same Thing?” publicado en la página “http://altmusic.about.com” no. En este artículo, escrito por Anthony Carew se establece que:

La diferencia en sus nombres tuvo que ver en primer lugar con la ubicación geográfica desde donde realizó. En los Estados Unidos la tendencia era llamar a las agrupaciones que hacían rock moderno “alternativas” mientras que en el mercado británico se conocían como “indies”. En sus inicios, en algún momento de la década de los 80's, pudo ser correcto identificar estas dos tendencias como una sola pues compartían métodos similares y trataban temas a partir de experiencias sociales similares. Prueba de esto son agrupaciones como Joy Division o The Smiths de Inglaterra y R.E.M o Sonic Youth de Estados Unidos. Sin embargo con el pasar de los años estas tendencias se separaron. Según Carew el rock moderno británico tiene sus mayores referentes actualmente en grupos como Cold Play y Snow Patrol mientras que los referentes estadounidenses son agrupaciones con un sonido más agresivo.

1Reflexión de Anthony Carew

“Back in England, birthplace of the word, 'indie' has come to mean something else entirely. No longer a term used, often proudly, to describe bands with down-to-earth attitude and do-it-yourself beliefs, indie has come to be shorthand for a most dire form of non-rock.” (Anthony Carew 2012)

Esta afirmación desconoce el trabajo de agrupaciones como Franz Ferdinand, The libertines, Arctic Monkeys, Bloc Party y tantos otros referentes de indie originarios de Inglaterra, que si bien son productos de consumo masivo están lejos de encontrarse en la misma categoría musical y concepto que las mencionadas por Carew como referencias del Indie Inglés.

Realmente existe una diversificación entre una parte del indie rock y el rock alternativo. Pero por otro lado el rock alternativo y el indie rock guardan relación en cuanto a que muchos grupos llamados indie continúan con la idea que se intentaba transmitir en los orígenes del género.

Entonces se podría usar cualquiera de los dos términos alternativo o indie para definir o describir el estilo de música que representan.Para efecto de estandarización en este trabajo se utilizará el término “indie”.

El indie, geográficamente y en sus inicios, tiene como epicentro el este de los Estados Unidos y Reino Unido, para luego ser producido desde cualquier parte en la que alguien se ajuste a los parámetros de estilo y la cultura que le representan.

Acerca de la nueva relación entre el indie y la industria musical Moses Avalon apunta:

Today there's nothing alternative about alternative rock. It's just as mainstream and just as heavily marketed as all other forms of pop music. But the terminology has stuck (Avalon, Moses. 2009)

Si bien el mercadeo del producto y si es mainstream o no es un factor fundamental, también lo es la realización de los trabajos discográficos. Éste es un punto importante, en donde existe una diferencia entre lo que es independiente y lo que está producido bajo el estandarte de las grandes empresas discográficas. Esta puede ser una buena noción para pensar en música independiente aunque no es excluyente de ninguna manera de lo que podría ser una producción “indie”. La producción podría estar realizada bajo el amparo de una gran compañía disquera, ser producida por ellos y distribuida como parte del mainstream y aún así conservar elementos estilísticos que la califiquen como indie. A partir de esto se deduce que toda la música indie no es necesariamente independiente.

El indie ya no es exclusivo de quienes se han alejado del contrato firmado con una gran empresa discográfica. Más que esto se ha constituido en un estilo musical (que en si mismo abarca muchas más posibilidades). Muchos de los grupos de indie rock están bajo contrato con grandes disqueras y son parte del mainstream de la industria musical.

El grupo CINEROSE se conformó a mediados de 2010. Se trabajó inicialmente sobre las canciones compuestas para el EP de la clase composición comercial VI y después de un tiempo se crearon nuevas canciones, de las cuales algunas forman parte de este LP. A continuación se realizaron grabaciones en Segno estudios, propiedad de uno de los integrantes del grupo. Se logró un acuerdo con la superestación f.m. Con el fin de grabar en

sus estudios a mediados de 2011. Durante el tiempo de actividad se realizaron varias presentaciones en Bogotá.

Se califica el género musical de la agrupación como indie rock o post punk revival (como ya se aclaró antes son lo mismo, para los parámetros de este trabajo, indie rock y rock alternativo). Las características de las canciones el formato instrumental, el concepto son similares que las que en principio se entienden y funcionan en estos estilos musicales y en muchas ocasiones se fusionan con la perspectiva de la música latina (El mar, Andrea).

La música contenida en este trabajo es la transmisión de sentimientos generados por varias situaciones, a un medio artístico. Esta música trata temas como el amor y el odio, hacia otras personas, hacia uno mismo, hacia el mundo. Trata sobre la indiferencia y es un intento de dejar atrás algunas cosas de la vida. El título del LP está relacionado con el momento de creación de las primeras canciones del disco. En un lapso de 120 horas despierto, por el estrés, la tristeza etc. se crean las primeras canciones.

El disco 120 horas consta de diez canciones con duración media de 3:30 minutos. En estas 10 canciones se describe todo lo que se relacionó en el párrafo anterior desde el punto de vista del artista. El objetivo general de esta tesis de grado es la realización del trabajo discográfico del grupo CINEROSE, dentro del cual me desempeñé como principal compositor y arreglista, guitarrista y cantante. Otros objetivos son difundir la música que resulte de este proyecto a través de cadenas radiales o a través de Internet ó televisión. Usar la experiencia y herramientas adquiridas a través de la formación como músico académico y empírico, con el fin de entregar un producto que pueda ser comercial y a la vez tener un excelente contenido a nivel conceptual y técnico. De esta manera buscar el posicionamiento de la banda en la industria musical colombiana, impulsando el mercado de la música indie en español.

El trabajo realizado consistió en:

1. Composición de los temas de la banda. Utilizando las herramientas aprendidas a través de la formación musical académica y empírica se llegó a la creación final de las canciones que se compilan en este trabajo.2. Pre-producción de los temas. Se desarrolló cada tema en la medida en la que cada uno necesitaba. Las oportunas intervenciones del asesor de tesis, compañeros y allegados al igual que el propio criterio se probaron vitales en esta etapa.3. Grabación de los temas. Se realizó la grabación de los temas entre varios estudios y en muchas circunstancias diferentes. Se entrega un trabajo con calidad para entrar a competir al mercado de la industria musical.4. Proposición y uso de herramientas de distribución de los temas. 5. Análisis técnico de los temas que componen el LP.

JUSTIFICACIÓN

Este proyecto se dirige al público que tenga interés en la música “indie”producida en ColombiaLa importancia del proyecto es comunicar cuál es el procedimiento de realización en una producción discográfica en este tipo de música. De igual manera buscar la experimentación musical dentro de lo propuesto.El proyecto se fundamenta en la necesidad expresiva del artista, en la idea de comunicar sus pensamientos a través de la obra y llevarlos hasta el público buscando una apreciación del producto y un medio para generar ganancias a partir de él. Al final del procedimiento se obtuvo un récord de cómo se realizó este material discográfico, cuáles fueron los factores que intervinieron desde el instante de concepción de la idea misma, y pasando por las etapas de producción, hasta llegar al momento utilizar distintas estrategias para su posicionamiento en el mercado.

CAPÍTULO I

1. MARCO TEÓRICO Y CONCEPTUAL

1.1 ¿QUÉ ES EL INDIE ROCK?

En muchas referencias textuales se define al indie rock solamente como aquel que no tenga una relación con los grandes conglomerados de la industria musical. Pero ¿Es éste el nivel de profundidad al que llega la reflexión?

“Independent has several definitions, but the one this book uses is the crucial question of weather a label distributes its records through one of the corporate music behemoths” (Azzerrad, Michael, 2001)

En el artículo “What is indie rock?”, escrito por Ryan Hibbet para la revista Popular music and Society, se define al indie rock no sólo como un género estético, sino también como un método de diferenciación social y una herramienta de mercadeo.

El indie, a nivel musical, no sólo es aquél que prescinde de los servicios de la industria y se mantiene autónomo y en lo posible en un círculo pequeño. Este podría ser el primer vistazo dentro del cuál caben los actos que empiezan a formarse y deben pulir su sonido antes de lanzarse de cualquier manera al mercado musical.

Más importante que ser o no parte de la industria, como agrupación netamente independiente o amparada por una gran compañía disquera, es el impacto cultural y social que tiene la música. Al escuchar un nuevo grupo por el que sea el canal de preferencia del cliente, (Internet, radio, televisión, festivales de música, conferencias etc.) la primera pregunta que se viene a la cabeza no es y nunca será si el autor tiene un contrato con una de las grandes empresas discográficas. No, el primer pensamiento tiene que ver la apreciación de lo que se está escuchando.Y es a partir de lo que se ha escuchado que se puede empezar a indagar y entrar en detalles.

Se puede juzgar desde el punto de vista que sea, académico, coloquial, empírico etc. pero el primer juicio siempre se emite sobre el producto en si, sobre lo que se escucha.

Se ha creado a partir del gusto y el entendimiento de esta música toda una sub-cultura que apoya a la industria detrás de ella.El público adquiere los trabajos discográficos, no necesariamente por los canales tradicionales (comprar el disco en una tienda). Escucha la música y la transmite, dando así a conocer a nuevas agrupaciones todos los días. Este comportamiento es una de las bases, de los pilares fundamentales de la cultura indie. Los mismos fanáticos y clientes potenciales son quienes más promoción y distribución hacen del producto. Poseen sus propios códigos de vestimenta, de diversión, de actitud etc.

Indie is more than just music it's a scene. Abbreviated from "independent," indie has become an entire genre that includes music, movies, clothing styles, and other facets of culture. It is characterized by its separation from commercial institutions and mainstream lines, and is often considered synonymous to alternative styles. (Glassvisage@http://glassvisage.hubpages.com/hub/The_Indie_Scene)

Queda claro entonces, que pare determinar qué es indie, debe primar en importancia la música, aporte cultural y aporte social y en segunda instancia se debe pensar en otros aspectos inherentes al trabajo como la contratación o no por parte de empresas disqueras.Ahora bien, en estos momentos el indie también se ha convertido en un producto de consumo masivo. Muchas de las grandes disqueras independientes tienen canales de distribución a través de las mayoristas, esto sin contar que en varios casos los grandes conglomerados de la industria han adquirido a estas disqueras independientes. Aunque en muchos casos mantienen su autonomía, esto estaría rompiendo con el código de lo que es independiente.

The biggest indie labels might strike distribution deals with major corporate labels, but their decision-making processes remain autonomous. As such, indie rock is free to explore sounds, emotions, and lyrical subjects that don't appeal to large, mainstream audiences. (http://www.allmusic.com/explore/style/indie-rock-d2687)

¿Qué es entonces lo que hace al indie rock, indie? Esto tiene que ver más con los códigos culturales que se han creado y que en este punto definen la música indie así como ha sucedido con cualquier otro estilo en la historia. Más que cualquier otra cosa es una ideología.

El indie rock comprende varios factores. Bajo ciertas características y la relación entre ellas se puede hablar de la existencia de indie. Los más importantes de estos atributos son:

- Individualidad

- Actitud/comportamiento social indie

- Estética musical y género

Hay aspectos en estos momentos secundarios, como:

- Disquera independiente/Distribución independiente.

- No ser parte del mainstream.

No hay una manera concisa de definir el indie rock. Es complejo, abarca muchos temas y sub-géneros. Se debe más bien intentar entender ciertas actitudes, actividades y acciones que van ligados con lo que es el indie como cultura.El concepto de indie tiene mucho que ver con la individualidad. La expresión artística individual, la tendencia que se diferencia de otra por un pequeño detalle, porque solo una persona la puede crear. Esto es la base ética del indie.

1.2 ¿CÓMO SE HACE?

Mantener la música sencilla. Generar a partir de muchos materiales y elementos sencillos una textura interesante o un nuevo material, experimentando con ellos. Las canciones como en muchos otros géneros poseen un elemento principal en torno al cuál los demás elementos se desarrollan.

Las temáticas de las canciones pueden ir a todas partes, no necesariamente tienen que hablar de algo en específico. Se busca siempre la honestidad en las letras como elemento de comunión con el público, si sientes lo que cantas seguramente les va a llegar más.

Se utiliza una métrica sencilla, 4/4, en la mayoría de los casos (a menos que la finalidad pueda ser la experimentación a través del uso de distintas métricas)Formatos instrumentales parecidos entre si (con variaciones pero siempre con la noción de la importancia de algún elemento sobre otro, ya sea la voz, las guitarras, los teclados etc.) Si tomamos como ejemplo el post- punk revival las guitarras son los instrumentos más importantes y todos los demás están condicionados a ellas (excepto la voz).

El parámetro que define al indie rock es la experimentación sonora. La búsqueda de nuevas sonoridades y la manera de relacionarlas entre si es determinante para la realización de un trabajo de indie rock. Las guitarras tienen una función más textural que armónica en la mayoría de las ocasiónes. Estas texturas hacen parte de la experimentación sonora. Las líneas del bajo como en casi todos los géneros del rock, son las que llevan el peso armónico. Los teclados tienen una función netamente experimental. Se utilizan para interpretar líneas melódicas (con sonidos procesados que puedan resultar atractivos al oyente) o crear ruidos que puedan añadir interés a la textura. No se utilizan simplemente para crear un colchón armónico.La experimentación en cuanto a la sonoridad de la batería se hace a través del trabajo en estudio. El redoblante se dobla y se envía esta nueva señal una cuarta por debajo con un gate corto. Se busca con esto una sonoridad de “garaje” en la totalidad del trabajo musical.La voz fue trabajada con distintos procesos de audio y en muchas ocasiones doblada para crear más profundidad y para que llenara el espacio.

1.3 ¿CÓMO SE INTERPRETA?

Generalmente se trata de transmitir cierta actitud. Transmitir la actitud del público, es decir, comportarse como si se estuviera como un espectador más en el público y no un referente endiosado encima de una tarima.A nivel técnico puede o no tener dificultad de interpretación, eso depende del estilo personal de la agrupación.

1.4 INFLUENCIAS

Las influencias y estilos de los artistas indie son extremadamente diversas. En la página all star music se puede encontrar respecto a las influencias del indie rock:

Allmusic identifies indie rock as including a number of styles that are: "too sensitive and melancholy; too soft and delicate; too dreamy and hypnotic; too personal and intimately revealing in its lyrics; too low-fidelity and low-budget in its production; too angular in its melodies and riffs; too raw, skronky and abrasive, wrapped in too many sheets of Sonic Youth/Dinosaur Jr./Pixies/Jesus & Mary Chain-style guitar noise; too oblique and fractured in its song structures; too influenced by experimental or otherwise unpopular musical styles." Linked by an ethos more than a musical approach, the indie rock movement encompassed a wide range of styles.

El indie no es un estilo de música definido. Es un estilo en constante desarrollo y en el que cualquiera puede influenciar al otro. Muchas de las bandas se influencian entre si ocasionando con esto parentescos.

No se puede responder de una manera sencilla qué es el indie rock, pero si se puede hacer evidente su funcionamiento como estilo musical, o como parte de una sociedad.

1.5 ESTADO DEL ARTE

1.5.1 LA ESCENA INDEPENDIENTE A NIVEL GLOBAL

La música independiente se establece a partir de diversos fenómenos globales en las décadas de los 80’s y 90’s, no obstante, como se puede encontrar fácilmente en toda la Internet, se consideran sus raíces desde la década de los 60’s con algunos temas de grupos famosos como los Beach Boys o incluso Pink Floyd en sus inicios. Sin embargo, como se establece en el apartado de la historia del indie, en la página indieupdate.com, la primera banda a la cual se le podría considerar como una de indie rock sería Velvet Underground, pues realizaron todo el trabajo concerniente a su propio álbum The Velvet Underground and Nico (grabado 1966, editado 1967) fuera de los estándares de las grandes disqueras y conglomerados musicales. Después de esto se conocen exponentes del indie como Joy Division, agrupación fundada en 1976. Su trabajo tuvo un enfoque post punk. Su album Unknown pleasures fue puesto a la venta con la disquera independiente Factory Records . (Joy Division BBC Factory Records, http://www.bbc.co.uk/musictv/factory/)La música independiente tomó un giro determinante con el nacimiento en los 80 del género alternativo en Estados Unidos.

1.5.2 Música alternativa e indie rock en los años 80

A través de los años 80, la música indie o alternativa fue un movimiento únicamente underground, que se impulsaba a través de las estaciones radiales universitarias. Era conocido en ese momento como college rock (Avalon, Moses. 2009) . En este momento los grandes representantes del indie eran R.E.M, Sonic Youth, the The Pixies de Estados Unidos o The Smiths y New Order (antiguos integrantes de Joy Division) de Inglaterra. Un gran número de disqueras independientes especializadas en rock se fundaron en la década. Son ejemplo de esto Matador Records, Dischord records, o sub pop records (Seattle sound). (Wenstein, Robert. 2011)

1.5.3 Música indie años 90

A inicios de los 90 se genera con ascenso de Nirvana, Alice in chains, Nine inch Nails y toda la escena grunge de seattle, la llegada del rock independiente al mainstream. En Inglaterra pasa lo mismo con grupos com Blur y Oasis. Con este hecho se abandonó la escena indie de los 80's que se había mantenido en círculos cerrados y sin posibilidad de darse a conocer a un nivel más que regional. Fue en este momento en el que se perdió para siempre el estatus de música independiente como la de aquellos que no se asociaran a los grandes conglomerados de la industria. En este momento pasó a ser más que una serie de reglas y se convirtió en un estilo.

1.5.4 Música indie año 2000 El revival del rock.

Post punk revival. Este subgénero del indie rock posee características similares a las de las agrupaciones de “garage”2 de finales de los años 60 1 J. Stuessy and S. D. Lipscomb, Rock and roll: its History and Stylistic Development (London: Pearson Prentice Hall, 5th edn., 2006)

(ej: The Knickerbockers, The Remains, The Fifth Estate).

Se trabajó con una estética sencilla, que puso las ideas de frente y apoyándose en las guitarras trató de volver a las bases del rock.

There was an emphasis on "rock authenticity" that has been seen as a reaction to the commercialism of MTV-oriented nu metal, hip hop and "bland" post-Britpop groups. (Borthwick, Stuart - Moy, Ron, 2004)

Muchas de estas agrupaciones tenían tendencias de garage y la importancia de su acto radicaba en la sencillez de su música. Esto les permitía ser directos con el mensaje ue intentaban transmitir y llevarlo a un público amplio.

Algunas de las agrupaciones representativas que conformaron este sub-género del indie son: The Strokes, The Hives, The Vines, The White Stripes, Interpol, The Killers, Kings of Leon, de Estados unidos y Franz Ferdinand, Bloc Party, Editors, The Libertines, Kaiser Chiefs, The Kooks y Arctic Monkeys como representantes británicos.

2 The term "garage rock" comes from the perception that many such performers were young and amateurish, and often rehearsed in a family garage. (wikipedia, 2012)

1.5.5 Música indie en Latinoamérica.

Se pueden encontrar una gran cantidad de ejemplos de agrupaciones indie en toda Latinoamérica. Algunas de estas son: Zoé (México) Café Tacuba (México), Porter (México), Los Concorde (México), La Gusana Ciega (México), Bi-log (Venezuela), Los Bunkers (Chile), Babasónicos (Argentina). El indie llegó a Latinoamérica a finales de los 80. La segunda ola de bandas del medio anglosajón fue las que más influenció a los artistas latinos a la hora de iniciar con su propia visión de la música indie.

1.5.6 LA ESCENA INDEPENDIENTE EN COLOMBIA.

Si bien es cierto que ha existido algún apoyo frente a la escena del rock en general, por parte de los medios, festivales como Rock al Parque etc.; es tan diverso el mundo del rock que se hace imposible tener espacio para la mayoría de las propuestas que existen actualmente en el mercado.

“Ten or 20 years ago it was relatively easy to define the term “indie-rock” as a handful of related styles and a collective audience slightly on the fringe of the mainstream. But by the end of the decade it has become an ever-expanding, incomprehensibly cluttered taxonomy of subgenres” (Ben Sisario, 2009)

Agrupaciones como Aterciopelados, Yuri Gagarín, Catedral o La Derecha han sido en cierta medida fundadores del la escena indie en Colombia. Emisoras como la Superestación F.m. o Radiónica en la actualidad han ofrecido y ofrecen, respectivamente, apoyo a intereses musicales novedosos y bandas como V for volume o The hall effect (todo en inglés) han diversificado la escena, pero el mercado aún es muy joven y necesita desarrollarse más para cumplir satisfactoriamente con los intereses del público y de los artistas.

“Los esfuerzos de la Radiodifusora Nacional de Colombia en el último decenio, han sido meritorios y en la medida de los límites de sus posibilidades, acertados.” (Andrés Ospina, 2004)

Encontramos actualmente agrupaciones como Planes, La monareta, Miti miti, Red o Clock.

Novelas como Opio en las nubes de Rafael Chaparro Madiedo o que viva la música de Andrés Caicedo son un buen referente de la escena underground colombiana en cuanto a la literatura. Como se ha explicado en anteriores secciones del trabajo es necesario analizar todo el impacto social que tiene la subcultura en el individuo y no sólo desde el punto de vista musical.

2. ¿CÓMO AFECTA LA INDUSTRIA MUSICAL AL ARTISTA QUE RECIÉN INICIA?

Existen muchas maneras de abordar la complejidad del negocio de la música. Se debe entender que por más artístico que sea el trabajo, si se aspira tener éxito con la música, se debe mirar también como un negocio.

2.1 EXPERIENCIA PERSONAL.

Se celebró un contrato con la superestación f.m. a mediados del año 2011. En este contrato se estipuló la grabación de 4 temas del grupo CINEROSE a cambio del pago de 6'000.000 de pesos. El contrato incluyó también la orden de programación durante un mes, de uno de los temas grabados en su estudio, a través del canal de radio por Internet de la empresa.El resultado, más allá de la experiencia adquirida por el tiempo en estudio, fue negativo.La simple programación de un sencillo no es una herramienta suficiente si se desea hacer un trabajo efectivo de distribución de un producto.

El ingeniero de grabación participó también como productor y por esto el trabajo resultante inevitablemente tuvo su sello. Resultó en un error no estar absolutamente claro del manejo del género por parte del productor. Las influencias de géneros no afines se hicieron evidentes en el resultado final. Trabajar con productores externos antes de tener claro el concepto de la música constituyó un gran error para la agrupación. El contrato incluía una cláusula por la cual el trabajo debía ser aprobado por el productor y por los encargados de la programaciñon en la emisora. Por ésta razón no pude dirigir la producción de una manera apropiada.

La asociación para distribuir música en el mercado no fue la mejor opción. Fue una decisión tomada desde el desconocimiento de la gran maquinaria de la industria. Y en el mismo orden de ideas, no siempre el productor con experiencia tiene razón sobre una música que al fin y al cabo no conoce como quien la crea.

2.2 LOS GRANDES CONGLOMERADOS Y LAS EMPRESAS DISCOGRÁFICAS.

Conseguir un gran trato con una gran compañía disquera no es necesariamente la manera más adecuada de empezar para una agrupación. Se requiere en principio algo de experiencia en el mundo de los negocios musicales antes de involucrarse con una gran compañía disquera. Como lo expone Moses Avalon en su libro, confessions of a record producer, cuando se firma un contrato con una empresa, automáticamente eres su empleado y esto viene ligado a una gran cantidad de obligaciones legales en las que quizá no se pensaron antes de firmar el contrato por el deslumbrante futuro prometido.El trato con una compañía disquera será más o menos así: La compañía hace un préstamo o avance de dinero a la agrupación y con esto se deberá grabar el disco, (existe la posibilidad de que el avance sea únicamente para gastos cotidianos y que la compañía discográfica arregle todo lo referente a la grabación y producción del disco pero al final todo es parte de un mismo cúmulo de dinero). Luego, este dinero será recuperado a partir de las ganancias que genere el artista. Parece sencillo pero no lo es. Si la música del artista no es del tipo de música de moda en el momento o quizá no puede trabajar bajo dirección artística impuesta está en el lugar equivocado. (Avalon, Moses.2009)La compañía disquera tendrá mayores regalías que las del artista por la posibilidad de fallo del artista. Si el disco no se vende, el artista no tendrá que devolver el dinero que se consiguió por concepto de avance o préstamo. Pero si el disco funciona en el mercado la compañía recibirá 88% de las ganancias mientras que el artista sólo el 12% (y de este 12%

se debe pagar el avance del dinero que hizo la compañía en primer lugar, pagar al productor etc.). Además de esto, todo préstamo tiene un porcentaje de interés:

A major label deal is like having a credit card at 66% interest. (Avalon, Moses, 2009)

En muchas ocasiones se puede entregar un buen producto sin la necesidad de contratos millonarios. Construyendo con trabajo y mucha paciencia se puede entrar a la industria de la música de manera independiente y no caer en negocios que finalmente pueden no convenir. Se deben revisar todos los contratos, pues estos pueden tener cláusulas muy desfavorables para el artista que en muchos casos no lo nota por estar pensando más allá de lo que debe.No son negativos todos los tratos con los conglomerados musicales. Puede que en muchas ocasiones sea el paso apropiado a seguir para una agrupación o artista pero consta de muchos riesgos y cada quién en determinado momento decide o no tomarlos. Es mejor asociarse iniciando la carrera musical con compañías disqueras independientes ó con compañías disqueras propiedad de una gran empresa pero lo suficientemente alejadas como para tomar sus propias decisiones. En el momento en el que la música sea suficientemente madura y se haya consolidado en el mercado regional o nacional, se podrán buscar aliados con mayor capacidad para distribuir la música.

A partir de lo trabajado hasta ahora, se debe hacer el siguiente cuestionamiento, el cuál es el problema principal de este trabajo de grado.

¿CÓMO SE REALIZÓ LA PRODUCCIÓN DISCOGRÁFICA 120 HORAS?¿QUÉ EXPERIENCIA DEJA LA GRABACIÓN DE ESTE LP?CAPITULO IIPRODUCCIÓN DE 120 HORAS

3. PRESUPUESTO.POR CONCEPTO DE COSTO COSTO TOTAL

Estudio 50.000 pesos por hora de grabación

6'000.000 de pesos

Batería 150.000 pesos por tema 600.000 pesos

Guitarras adicionales 50.000 pesos por track

Mezcla 50.000 pesos por tema 500.000 pesos

Transporte de equipos 100.000 pesos 100.000 pesos

* Para la mayoría de aspectos de la grabación se trabajó personalmente. Grabando todas las voces y bajos. Grabando la mayoría de las guitarras, teclados. Programando.

4. CRONOGRAMA

El presente proyecto se gestó desde hace dos años con el inicio de la agrupación. Se realizó entre Agosto de 2011 y Mayo de 2012. Los resultados serán entregados en Mayo de 2012.

ENERO PRE-PRODUCCIÓN DE LOS TEMAS.

FEBRERO GRABACIÓN DE LOS TEMAS

MARZO GRABACIÓN, MEZCLA, EDICIÓN Y PRODUCCIÓN

ABRIL GRABACIÓN, MEZCLA, EDICIÓN Y PRODUCCIÓN

MAYO ENTREGA

JUNIO SUSTENTACIÓN

5. DISTRIBUCIÓN

Una herramienta interesante a la hora de distribuir la música puede ser el servicio de A&R independiente. A través de estas compañías se puede llevar la música a distintas conferencias de música en donde se pueden hacer contactos para trabajar con la música. El servicio de A&R independiente tiene la ventaja de ser menos costoso que ir personalmente a las conferencias. En otras ocasiones lo mejor será ir a estas conferencias y presentar el producto en persona. Algunas de estas conferencias son CMJ y Latin American Music Conference (LAMC) en New York (Este trabajo se dirige a las dos primeras en particular), South by South West (SXSW), Independent Music Conference (IMC).Existen páginas como “escenaindiecolombia.tumblr.com/” mediante la cual se puede establecer comunicación entre las personas interesadas en proyectos, trabajo etc. dentro de la escena indie en Colombia. La página está comenzando en su labor y tiene algunos problemas pero es una excelente iniciativa.Soundcloud.com, es una excelente manera de darse a conocer. El propósito de esta página es poner música gratis en la red y de esta manera dar a conocer al artista. El consumidor tiene varias maneras de llegar a la música Una es a través de referencias inmediatas (contactos de red social) y la otra por similitudes con algún otro acto musical que esté investigando.

6. PROYECCIÓN

Como uno de los objetivos a futuro se planea entrar al mercado de la música independiente por canales de distribución como los mencionados en el ítem anterior. De igual manera para el año 2013 se intentará participar en festivales de rock a nivel regional y nacional. Se dará inicio a un nuevo proyecto. Para el desarrollo de éste, las enseñanzas del trabajo actual serán vitales, sobretodo en el área de organización.

7. ANÁLISIS DE LAS CANCIONES

PINOT NOIR. Tempo 163, 4/4.

Esta canción está inspirada en un episodio de separación sentimental de una pareja. Es una especie de reclamo y a su vez una declaración de extrañar a una persona que se ha ido. La canción inicia con una introducción de 6 compases en A presentando en primer lugar a la guitarra rítmica y a la batería, luego al bajo y por último a la guitarra líder. Luego, en el compás 7 entra la voz con la melodía principal. Todo dentro del marco de un A: I y cada 2 compases se utiliza un D: IV durante 4 compases como una prolongación de tónica.En las estrofas la armonía cambia entre la tónica y una subdominante (IV7/ ii) y luego tónica y subdominante menor (iv/iv11 /D F A G). La melodía de la guitarra líder en los compases 15 y 21 utilizando el iv (Utilizado para insinuar melancolía dentro del contexto musical más “animado” de la canción) pretenden evocar un "pirouettes" que son, en el ballet clásico, los giros ejecutados a la vez mirando un punto fijo o "spot" con una pierna que se queda como soporte mientras la otra sube apoyándose en la rodilla de esta.Luego de las dos estrofas iniciales se pasa a la sección del pre-coro en el cuál se modula de A a G de la siguiente manera. Se utiliza un V grado que se mueve a un IV para debilitar A y se llega hasta la tónica que en este momento actúa como un II (mixtura) en G. A continuación se pasa a E7 que cumple la función de V7/ii en G y después de este a D7 que es V7 de la nueva área tonal. Finalmente en el coro se llega a G. En el coro se utilizan las armonías G y A cambiando cada 2 compases entre ellas.

AYER. Tempo 80, 4/4. (Balada)

Es una canción que habla de la tristeza y el desamor producto de una ruptura sentimental.Esta canción inicia con una introducción de 4 compases. A continuación entra la melodía principal con la voz. En las estrofas de esta canción la armonía cambia de C a D cada 2 compases. Durante las estrofas, la figuración del teclado es el elemento más importante armónicamente.No tiene un pre-coro, pero si una intención expresiva en la segunda estrofa que prepara la llegada del coro.El primer coro es tranquilo y la armonía se mueve en la siguiente secuencia: C - D- Em9. La presencia del F# como pedal en la guitarra 1 hace del acorde Em9 dominante de C Lidio (por el F#). A continuación hay un interludio de 4 compases que funciona como salida del coro y acto seguido se pasa a la tercera y cuarta estrofa. Estas estrofas son iguales a las dos primeras armónicamente. El segundo coro inicia en el compás 45 y tiene una carga emocional más fuerte que el anterior. Esta carga emocional se utiliza para crear un contraste dentro de la canción y para enfatizar el momento. A partir del compás 55 encontramos el área del solo en el que se utiliza la misma armonía que en los coros. En esta parte la armonía se considera diferente pues el centro tonal pasa a ser E eólico (compases 55 a 62)Se concluye con un tercer coro, en C lidio nuevamente, con el que se cierra la canción.

EL MAR. Tempo 120 4/4.

Esta canción habla de la esperanza de poder estar con una persona a la que se ama.La canción inicia con una introducción de 4 compases. En el primer compás se utiliza un sintetizador seguido en el compás 3 por un repique del redoblante. En el compás 5 inicia la primera estrofa, con el ensamble completo. La armonía de la primera estrofa es E: I-I6-iii-V2-I6 dos veces. En esta estrofa se utiliza sólo la guitarra 1.La armonía de la segunda estrofa es: I6-vi7-V6 dos veces. Al inicio de la segunda estrofa entra la guitarra 2 y en el compás XX la guitarra 1 que prepara la llegada al pre-coro.A continuación se pasa a la sección del pre-coro que tiene la siguiente armonía:I-I-V6 IV6 -(V)-V2-I6-V64 ---V-I6-(IV)- V7. En el pre-coro se utilizan tres guitarras y se omite el teclado para no sobrecargar la textura. Luego se pasa al coro. La armonía en esta parte es: E:I-ii-iii-V7. Con la guitarra 3 se hace un pedal en las notas E y G# usando el mismo ritmo que la guitarra 2. Con este “choque” de frecuencias se logra el efecto de abrir el espectro en el coro.Después del primer coro se va a la tercera y cuarta estrofa. En estas estrofas se utiliza la misma armonía de las dos estrofas anteriores. Hay un cambio significativo en la melodía la cual pasa a ser sincopada.Después de la tercera y cuarta estrofa se repite el pre-coro y se llega al segundo coro.Interludio a partir del compás 83 y hasta el compás 106 en donde finalmente se llega a un concluyente tercer coro. Tiene una melodía con mucho movimiento.

ANDREA. Tempo 160, 4/4.

Esta canción habla sobre el escape de su casa de una joven. La joven abandona su casa por las noches y se va a las calles a consumir licor.La canción inicia con una larga introducción que se trabaja en Dm. El primer elemento que aparece es un riff que se podrá identificar en varios momentos de la canción. Este aparece repetido literalmente por el teclado en los coros y variado por la guitarra. La guitarra líder empieza la canción con el riff y en el compás 3 inicia el acompañamiento de la segunda guitarra. En el mismo compás en el que entra la guitarra lo hace el bajo doblando a la guitarra líder y luego se queda con el material principal cuando la guitarra líder cambia de función. En el bajo se varía el material original. Se finaliza la primera sección llegando a un corte con la armonía Dm yBb (i – VI) y después de éste, la guitarra líder acompaña la melodía de la segunda guitarra. En este punto entra una tercera guitarra con un pedal en la nota D. Acto seguido se pasa a un corte similar al primero para luego entrar a la estrofa. A continuación está la primera estrofa la cual tiene un pedal en D. Los acordes en la guitarra líder son Dm , F y C (i - III – VII). Después de la estrofa se llega a un corte de 2 compases. Siguiendo el corte está el pre-coro que inicia con un iv y usa inmediatamente un v (mixtura) a la que se le agrega un C# que le convierte en V7, dominante de Dm. En el coro se usa la siguiente progresión I – VI – III en D eólico (el III cumple la función de dominante).Al coro le sigue un interludio entre los compases 74 y 81 en Dm. Luego una segunda estrofa similar a la primera y siguiéndole a esta un Se hace uso de una melodía muy simple en las estrofas, sin mucho movimiento, apelando al sentimiento de desidia de Andrea. En los coros la melodía de la voz se torna mucho más fuerte e imponente para ejemplificar su rabia.

3:19 a.m. AFUERA. Tempo 140, 4/4.

Esta canción habla de una pelea en el callejón de un bar entre dos personas que se tienen aprecio.La canción inicia con una introducción de aproximadamente un minuto que tiene F# eólico / mixolidio como centro modal. Acto seguido pasa a la primera estrofa que está enmarcada en la tonalidad D. En las estrofas se utiliza la siguiente progresión D: I-ii9 V4/3-I. Después de dos estrofas se pasa a la sección del pre-coro. El pre-coro está en la tonalidad A. Se llega a esta tonalidad a través del acorde común Bm, vi en D y ii en A. La progresión que se usa en el pre coro es A: ii-ii (mM7)-ii7-V7. Se repite durante dos ciclos esta progresión. Primero de 6 compases y luego de 8 alargando el V7.A continuación está el coro que se presenta en la tonalidad A, el cual utiliza la progresión A: I-IV-ii-VSe llega al interludio por una modulación directa a D. La armonía del interludio es D: I-IV-ii-V. En esta sección de la canción la intención cambia y la canción se torna más lenta y atmosférica. Las guitarras con un largo delay logran el efecto de dar mucho espacio a la mezcla.A continuación siguen dos estrofas con la misma armonía de las primeras dos. Después de esto, en la sección que ocupa el pre-coro y sobre la misma base armónica, se encuentra un solo de guitarra. Finaliza con un coro similar al primero.

OTRA VEZ, OTRA VEZ, ADIÓS. Tempo 146, 4/4.

La canción tiene como temática hablar con uno mismo, y tener el deseo de acabar con las cosas que sabe que no están bien en su vida.La canción inicia con una introducción de 9 compases en E eólico. Se utiliza la siguiente progresión E eólico: i - v - i – VI. En la introducción se utiliza todo el ensamble menos los teclados.Después de la introducción tenemos una sección en la que entra la voz pero no es considerada una estrofa realmente. En este puente la armonía es muy similar que la de las estrofas pero la melodía de la voz y la intención con la que se maneja la hacen una parte absolutamente diferente. La armonía utilizada en este fragmento es: G jónico: I - vi6 - I - vi y en la posterior estrofa es G jónico: I - vi6 - I - vi6.A continuación del puente que le sigue a la introducción y la primera estrofa se llega a una sección de pre-coro. La progresión en esta parte es G jónico: I- iii- vi -V7 / I - iii - vi - V/ I - iii - IV - I6 - ii - V - IV6/ I - iii - IV - I6 - ii - V - IV6Luego en el compás 34 se presenta el coro. En esta canción el coro es la parte más animada y la que más fuerza tiene. Se utiliza la progresión G jónico: I - iii - vi - V – IV.Después del coro se encuentra un pequeño puente de 4 compases que desemboca a una repetición de la introducción. A continuación se llega a la segunda estrofa, similar a la primera pero con arreglos de voces. Se pasa inmediatamente a una nueva sección de pre-coro y luego al coro que se repetirá una vez. Después del segundo coro se llega a un interludio en el cual la canción cambia a una menor intensidad y que se orquesta progresivamente para lograr un efecto más dramático a la entrada del tercer y último coro. El tercer coro es similar al segundo en cuanto duración.La melodía de la canción y sobre todo la intención de interpretación, expresa la cercanía e intimidad en las estrofas. Conforme avanza la canción hacia el final de las estrofas se aleja de la intimidad para en el coro pasar en un tono autoritario a decir qué es lo que debe hacer esa otra parte de uno mismo.

A VECES SON 2. Tempo 110, 4/4. (¿Cómo volver?)

Esta canción trata sobre la nostalgia que se siente al dejar el hogar.La canción inicia con una introducción de 6 compases con dos guitarras. En estos compases se establece la tonalidad E. En el compás 7 entra la voz acompañada de la batería. La batería tiene un tresillo en el bombo con lo cual se intenta desestabilizar un poco a la persona que escucha con el fin de apelar a sus sentimientos más íntimos.La melodía es sencilla e intenta transmitir la idea principal de la canción, un sentimiento de pérdida por la partida. En la primera estrofa la progresión utilizada es E: I – V6. En la segunda estrofa, que inicia en el compás 18, se introduce el bajo que le proporciona apoyo a esta sección. La armonía permanece igual para la segunda estrofa.A continuación se llega a la sección del pre coro en el que la melodía de la voz alcanzará su clímax. De esta sección se destaca la melodía de la tercera guitarra, que hace reminiscencia de la niñez con una tonada melancólica. La sección del pre coro tiene una duración de 9 compases y su armonía es E: ii - V - I6 - IV \ ii - V - I6 - IV – subV7/vi que es V7 en G.Este V7 en G nos conduce al coro del cual la armonía es G jónico: I - vi - ii x3 \ I - vi - ii - E: IV – V7.Después de este primer coro se suceden dos estrofas más una nueva sección de pre coro y un coro que se repite una vez. Todos estos con variaciones mínimas. La variación más contundente de esta segunda gran sección, que empieza con la tercera estrofa, se encuentra en el segundo coro. La voz no empieza inmediatamente como en el coro anterior. Se deja un espacio instrumental para cargarse emocionalmente con la melodía de la guitarra líder del coro. Después de esto se presenta nuevamente la voz para cerrar la canción En E utilizando el mismo medio de modulación que en la salida del primer coro.

DEMENTES. Tempo 136, 4/4.

Esta es una canción de separación.Se trabaja como centro Modal B mixolidio. La canción inicia con una introducción que va desde el compás 1 hasta el compás 12. La introducción empieza como una idea pequeña que se va transformando hasta entrar con fuerza a la primera estrofa. La primera estrofa tiene la siguiente progresión B mixolidio: I – VII que se repite. Tiene una duración de 8 compases. En la segunda estrofa la melodía de la voz y el teclado hace un unísono. La batería cambia y el bombo marca negras lo genera fluidez en la canción. En las estrofas encontramos una guitarra que hace un arpegio y la otra un acompañamiento.A continuación, en el compás 29, se inicia la sección de pre-coro en el cual el centro modal cambia. Se puede pensar esta parte en E mixolidio al igual que el primer acorde del coro que aún se encuentra bajo este centro modal. La progresión que se utiliza es E mixolidio: VII - I x3 \ VII - I – IV.En el coro se utiliza una secuencia. Por ser todos acordes mayores en esta parte no hay necesidad de hablar de centros tonales o modales realmente. Los acordes sobre los que se trabaja el coro son: E - F# - G#. Después del coro se pasa a un pequeño interludio con duración de 8 compases y en el que sólo participan el bajo y la batería. A continuación están la tercera y cuarta estrofas las cuales están construidas de manera similar que las anteriores. Después de estas estrofas una nueva sección de pre-coro y Coro. Luego del segundo coro, se presenta un solo de guitarra que va sobre la misma armonía que tiene la sección de salida del coro anterior. Y después de esta se encuentra un interludio en el que la canción pasa a Em. Después de esto utiliza los materiales del pre-coro para poder llegar a un último y conclusivo coro.

CAMINÓ. Tempo 133, 9/8.

Esta canción habla sobre la tristeza de una dama de compañía.

La canción inicia con una introducción de 4 compases. Después de esto entra una voz pesada inspirada en la tristeza que embarga la canción. La progresión que se sigue en las estrofas es C: I- V/vi. La primera estrofa continúa hasta el compás 34. Desde el compás 35 al 42 encontramos un puente que une las dos estrofas. La segunda estrofa mantiene la misma base armónica que la primera. A continuación se llega a la sección del pre coro. Esta sección está organizada como una línea descendente por semitonos a partir de Eb. La secuencia es Eb D Db C x2. Luego de este pre coro se entra a la sección del solo en el cual se utiliza la misma armonía que en las estrofas con ligeras variaciones en los tiempos. Posterior al coro se inicia nuevamente una sección de pre coro. Al llegar al Db se le utiliza como C#, dominante de F#. En el coro se utiliza la progresión F# I - iv - I -iv.La canción finaliza con un fade out.Las melodías de la voz durante las estrofas son pesadas y lánguidas. Tienen movimiento en un rango de 1 octava. En el coro se explota toda la frustración que se ha contenido en las estrofas aumentando el registro y agregándole una intención más agresiva.

COMO SI FUERA CIERTO. Tempo 170, 4/4.

En esta canción al igual que en Andrea se intenta mantener una base armónica más simple para darle prioridad al movimiento melódico-rítmico.Esta canción está inspirada en varias noches de insomnio, sin poder distinguir entre lo real y las alucinaciones que causa la falta de sueño.La canción inicia con una introducción en E eólico. El primer elemento que se presenta es un riff, como idea principal de la canción y se podrá identificar en varios momentos de ésta. La guitarra líder empieza la canción y en el compás 4 inicia el acompañamiento de la segunda guitarra doblando el riff inicial a la octava. Este primer ciclo se trabaja sobre la progresión E eólico: i - III - VII -VI / i - III - VI - VII - v Luego se presentan el bajo, la batería y el teclado en el compás 9 al inicio de la segunda vuelta. Después de hacer una vuelta más con la progresión E eólico: i - III - VI - VII - v, con todos los instrumentos se llega a un puente que prepara la entrada de la estrofa con la siguiente progresión E eólico: iv - i - iv - VI – v. A continuación está la primera estrofa que trabaja una armonía por compás excepto en los dos últimos acordes en los que se hace a mitad de tiempo. La progresión que se usa es E eólico: i - VI - VII - III - VII6 / i - VI - VII - VI vEn la segunda estrofa se repite la misma secuencia armónica con la diferencia de tener un compás más en Bm para generar dramatismo. La tercera y última estrofa de este ciclo es igual a la segunda, con la única variante de la melodía de canto.En las estrofas se encuentra una guitarra rítmica y una guitarra melódica que hace un pedal con las notas Re, Mi y Do.Luego de las estrofas se pasa a un nuevo puente en el que se reutiliza el material inicial para preparar el primer coroEn el coro se usa la misma progresión se utilizó al inicio de la canción Eólico: i - III - VII -VI / i - III - VI - VII – v.Al coro le sigue una sección que conecta con una nueva estrofa. Se utiliza la siguiente armonía E eólico: i - III - iv - VII – v. Una armonía por compás excepto las dos últimas que se hacen en la mitad del tiempo. A esto le siguen dos estrofas iguales a la segunda y tercera estrofa en cuanto a armonía rítmica y melodía, con excepción de una pequeña variación en la guitarra que hace el pedal. De estas dos estrofas se pasa inmediatamente al segundo coro y después a una sección de “outro” o salida de la canción que tiene una duración de 18 compases. En esta sección final se trabaja sobre la misma armonía que en el coro y se reexpone en el compás 115 el tema principal la segunda guitarra..Las melodías de la voz en las estrofas son largas y arriba en el registro del intérprete. Con esto se busca ganar tensión la cuál es liberada en la sección del coro que no tiene letra.

8. MEMORIAS Y CONLCUSIONES.

ENFOQUE DE TRABAJOINICIO DE LA AGRUPACIÓN CINEROSEMarzo 12 de 2012.

Al iniciar este proyecto, el enfoque de trabajo era muy diferente. Se dio privilegio a las jornadas de ensayos, lo que favoreció a la coordinación del ensamble y a la creación de un sonido propio y estable. A pesar de esto, el material que se utilizó inicialmente (los temas originales) no se depuró concienzudamente. El resultado de esta falta de atención originó una densidad de frecuencias mayor que la deseada en el momento de interpretar los temas. Las participaciones de todo el ensamble en simultáneo creaban interferencias que impedían desarrollar correctamente la música en el espectro. Estos errores se corrigieron con trabajo de producción, removiendo partes innecesarias y con esto se inició un nuevo ciclo.Después del replanteamiento en la producción de las canciones, fue determinante la experiencia en estudio y el aprendizaje sobre la industria musical para el desarrollo de la agrupación. Ahora, después de dos años, varias grabaciones, cambios de forma, de expresión, de integrantes, de canciones y de concepto, el grupo se redefine como la tendencia creadora de Javier Velásquez y Juan Pablo Juliao.La búsqueda de esta tendencia creadora se enfoca en experimentar con los distintos materiales que se trabajen con el fin de encontrar un sonido propio; individual (En este punto la agrupación es tratada como individuo).

IDIOMA DE LAS CANCIONES Marzo 13 de 2012.

Las primeras cuatro canciones de este proyecto fueron escritas en el idioma inglés por varias razones. Algunas de estas razones fueron: el condicionamiento por la influencia de

las agrupaciones que escuché durante el tiempo en el que se crearon las canciones. Escribir bajo los mismos códigos que las agrupaciones que influenciaban para lograr un lenguaje parecido. Una canción escrita en un idioma foráneo le resulta más difícil de entender al público y en consecuencia no quedaría el artista tan expuesto en el momento en el que escucharan las canciones. Inicialmente puede ser difícil enfrentar letras al público, sobretodo si la expectativa es hacerlo de forma masiva.Por estas razones la escritura en inglés resultó más sencilla y conveniente inicialmente.Luego de varias asesorías con profesores de la universidad, con compañeros de grupo y allegados, se desecharon las letras en ingles por no cumplir con el nuevo concepto de trabajo. Posteriormente se escribieron letras español para así tener más competitividad en el medio y poder alcanzar un mayor público.Fue un proceso complicado pero satisfactorio, traducir las canciones. En muchos casos no fueron traducciones literales. Se plasmaron las ideas que se pretendían transmitir con las canciones inicialmente.También fue particularmente difícil conservar el ritmo y las melodías que estaban asociadas con las letras en inglés, al hacer las traducciones. Este trabajo permitirá ser más fuertes a nivel de competencia en un medio local (Latinoamérica) y posteriormente en esferas más amplias de la industria musical.

GRABACIÓN DE BATERÍAS EN ÁTICO.Abril 9 de 2012.

El procedimiento o conducto regular planeado para acceder a los estudios de grabación del edificio Ático no funcionó. Se utilizó entonces un nuevo recurso al acudir a compañeros que tienen acceso al edificio por ser estudiantes de música con énfasis en ingeniería de sonido y que cumplen con los requisitos impuestos para pedir turnos de uso regular de los estudios. Las baterías de las canciones Dementes y Caminó fueron interpretadas por Alejandro Luna el lunes 16 de abril a razón de 200 mil pesos por canción. Las baterías de las canciones Andrea y Como si fuera cierto fueron interpretadas por Camilo Pérez.

CONCLUSIONES

El proceso ha sido satisfactorio. Se entregó un trabajo de excelente calidad y con enfoque personal. Se ha conocido de primera mano la tarea del productor musical. Las arduas jornadas de labor y las horas sin dormir han sido la piedra angular de 120 horas.Se experimentó con nuevas composiciónes y se trabajó con algunas anteriores, con las que se inició el proyecto, con el fin de mejorarlas. Se consiguió comprender las labores del productor. La absoluta implicación en el desarrollo final del trabajo discográfico. Esto es una realidad que únicamente como compositor no se evidencia. Según Moses Avalon la labor del productor musical no está únicamente asociada a fines creativos y esto se ha materializado en los dos años de producción de este disco. Ubicar espacios correctos para la grabación, con una buena relación costo/beneficio; organizar los esquemas de trabajo de los ensayos, citar al grupo de trabajo, ser la persona a cargo de las finanzas del grupo de trabajo. Representar legalmente a la agrupación. Lidiar

con la falta de compromiso o de profesionalismo de algunos personajes. Los anteriores son factores que han nutrido el aprendizaje frente al tema de la realización de una producción discográfica.

Se adquirieron herramientas suficientes a través del proceso de formación en la universidad y en el desarrollo de este trabajo, para hacer entrega de un trabajo con una excelente calidad y preparado para el mercado del indie rock.

Se trabajó utilizando los parámetros del indie-rock establecidos en la sección 1.2, utilizando experimentaciones sonoras para crear espacios estilísticos y texturas no convencionales. En la práctica que supuso la realización de este disco, se experimentó con distintas sonoridades hasta llegar a un concepto sonoro de la agrupación. Este concepto sonoro es el que se encuentra plasmado en las canciones que componen el trabajo discográfico. La propuesta musical que ofrece esta producción, son las canciones de una agrupación de indie-rock con trabajo experimental en el material sonoro y calidad técnica musical.

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ANEXO120 HORAS – CINEROSE – JAVIER VELÁSQUEZ

1. Pinot Noir

Javier Velásquez: voces, coros, Guitarras eléctricas, bajo, programaciones.Juan Pablo Juliao: Teclados, Programaciones.Iván Pérez: Guitarras eléctricas.Camilo Pérez: Batería.

2. Otra vez, Adiós

Javier Velásquez: voces, coros, guitarras eléctricas, bajo, programaciones.Juan Pablo Juliao: Xilófono, teclados, programaciones.Iván Pérez: Guitarras eléctricas.Camilo Pérez: Batería.

3. El Mar

Javier Velásquez: voces, coros, Guitarras eléctricas, bajo, programaciones.Juan Pablo Juliao: Teclados, Programaciones.Iván Pérez: Guitarras eléctricas.Camilo Pérez: Batería.

4. Ayer

Javier Velásquez: voces, coros, Guitarras eléctricas, bajo, teclados, programaciones.Juan Pablo Juliao: Teclados, Programaciones.Iván Pérez: Guitarras eléctricas.Camilo Pérez: Batería.

5. Andrea

Javier Velásquez: Voces, coros, guitarras eléctricas, bajo.Camilo Pérez: Batería.

6. Como si fuera cierto

Javier Velásquez: Voces, coros, guitarras eléctricas, bajo.Juan Pablo Juliao: Teclados.Iván Pérez: Guitarras eléctricas.Camilo Pérez: Batería.

7. A Veces son dos

Javier Velásquez: voces, coros, guitarras eléctricas, bajo.Camilo Pérez: Batería.

8. 3:19 a.m.

Javier Velásquez: Voces, coros, guitarras eléctricas, teclados, bajo.Camilo Pérez: Batería.

9. Dementes

Javier Velásquez: Voces, coros, guitarras eléctricas, teclado, bajo.Alejandro Luna: Batería.

10. Caminó

Javier Velásquez: Voces, coros, guitarras eléctricas, bajo.Alejandro Luna: Batería.

Mezcla de todas la canciónes: Andrés Herrera y Javier VelásquezGrabado en: Estudios A1 y foley del edificio Ático en la Pontificia Universidad JaverianaEstudio Seventh Level de la superestación f.m. Y la casa.

Guitarras: Fender Telecaster, Fender Stratocaster, Fender Jazz Master, Ibanez RG370DX, Washburn Lyon.

Bajo: Fender Jazz Master.

Batería: Yamaha Stage Custom y Tama Starclassic.

Amplificadores: Vox AC30C2X, cabezote Marshall MG 100, cabinas Marshall MG412A.

Teclados y programación: M-audio oxygen 61 y oxygen 49 para controlar Reason.

Micrófonos:

-AKG 451-AKG D112-AKG 414-AKG C414-AKG 430-Electrovoice Re20-Rode NT2A-Sennheiser 421-Sennheiser 602-Shure SM57-Shure SM58-Shure Sm81-Neuman KM 184N